EL VOLUMEN, PASOS PARA SU REALIZACION

El volumen es, junto con la forma, uno de los aspectos que distingue a los objetos que nos rodean. Depende de la
luz y, por consiguiente, de las sombras que ésta produce.

La definición correcta del volumen de un objeto consiste en valorar exactamente las intensidades de sus
sombras.

Podemos establecer dos clases de sombras: las propias y las proyectadas. Sombras propias son las que se
origina el objeto a sí mismo, y las proyectadas son las que produce en las superficies vecinas. Los volúmenes de
superficies curvas, generalmente convexas son más corrientes, acaso porque están más cerca de la realidad
corporal del hombre.

La obesidad o esteatopigia ya está presente en las primeras manifestaciones escultóricas de la humanidad y

determinan en gran manera el tratamiento del volumen.

El volumen es el espacio ocupado por un cuerpo al conocimiento del cual llegamos por medio de la luz y de las
sombras, y que nos permite tener una percepción tridimensional de ese cuerpo o de ese objeto que deseamos
representar en un dibujo o en una pintura.

El volumen es, junto con la forma, uno de los aspectos que distingue a los objetos que nos rodean. Depende de la
luz y, por consiguiente, de las sombras que ésta produce. La definición correcta del volumen de un objeto
consiste en valorar exactamente las intensidades de sus sombras.

Podemos establecer dos clases de sombras: las propias y las proyectadas. Sombras propias son las que se
origina el objeto a sí mismo, y las proyectadas son las que produce en las superficies vecinas.

También hay que tener en cuenta los reflejos producidos por la luz que proyectan las superficies u objetos
vecinos, ya que aclaran la sombra propia.

Entre la luz y la sombra, hay una zona de transición o de medias tintas, y que puede variar en extensión
dependiendo de la intensidad de la luz.

El dibujo del volumen se encarga de representar la magnitud o la escala definida de un objeto y el espacio
ocupado por ese cuerpo.

Para lograrlo se utiliza el modelado, que es la forma de dibujar degradados, sombras y luces en los objetos para
simular su volumen. Por eso muchas veces se le llama modelado 3D, puesto que busca representar un espacio
con profundidad.

Para la realización del volumen y de las luces se puede partir incluso de un dibujo realizado con anterioridad, para
de este modo apreciar las diferencias de los cambios de tonalidad en los realces.

Las luces se insumen a partir de la situación de las sombras, las cuales actuaran por contraste con respecto a las
zonas más claras.
 LA PERSPECTIVA PARTES QUE LA CONFORMAN, DIFERENTES TIPOS DE PERSPECTIVAS

El término perspectiva (en latín, perspicere "para ver a través de") se utiliza en las artes gráficas para designar a
una representación, generalmente sobre una superficie plana (como el papel o un lienzo), de un motivo tal como
es percibido por la vista, de forma que se pueda intuir su configuración tridimensional.

 La línea del horizonte. (En los dibujos nos referiremos a ella con las siglas LH), por lo que la Línea del
horizonte es una línea imaginaria que, mirando al frente, se halla situada a la altura de nuestros ojos.
 El punto o puntos de fuga. (En los dibujos nos referiremos a ella con las siglas PF) Los puntos de fuga se
hallan siempre situados en la línea del horizonte.
 Plano del Cuadro. (En los dibujos nos referiremos a ella con las siglas PC) Es la superficie física del elemento
sobre el cual vas a dibujar o pintar, que no es más que el papel o lienzo sobre el que plasmamos el dibujo.
 Punto de vista. (En los dibujos nos referiremos a ella con las siglas PV) Es el punto desde donde miramos. Se
halla situado en el mismo plano que la línea del horizonte y a la misma altura que el punto de fuga.

Geométricamente, estas representaciones se obtienen a partir de la intersección de un plano (el plano del dibujo)
con un conjunto de visuales (las líneas rectas o rayos que unen los puntos del objeto representado con el punto
desde el que se observa (denominado el punto de vista).

 Perspectiva cónica: También denominada perspectiva central, sus características más distintivas son que los
objetos representados son más pequeños a medida que aumenta su distancia al observador; y la
convergencia en un punto de fuga de la representación de las líneas paralelas del modelo.
 Perspectiva axonométrica: es un tipo de proyección en la que todas las visuales son paralelas entre sí, lo que
equivale a que el punto de vista se sitúe en el infinito.

De los muchos tipos de dibujos en perspectiva cónica, los más habituales son con un punto de fuga, con dos o
con tres; característica que sirve para denominarlos.

 Perspectiva con un punto de fuga: Un dibujo en perspectiva de este tipo contiene solo un punto de fuga en la
línea del horizonte.
 Perspectiva con dos puntos de fuga: La perspectiva con dos puntos de fuga, que pueden colocarse
arbitrariamente en el horizonte, se suele usar para dibujar los mismos objetos que una perspectiva de un
punto.
 Perspectiva con tres puntos de fuga: La perspectiva con tres puntos de fuga se usa a menudo para
representar edificios vistos desde arriba o desde abajo.
 Perspectiva con numerosos puntos de fuga: Las perspectivas de un punto, de dos puntos y de tres puntos
dependen de la estructura de la escena que se está observando.
 Perspectiva curvilínea: La perspectiva curvilínea, también llamada perspectiva de punto infinito o perspectiva
de cuatro puntos, es la variante curvilínea de la perspectiva de dos puntos.
 Perspectiva sin puntos de fuga: Una perspectiva sin puntos de fuga (perspectiva con "cero puntos de fuga")
se produce cuando el espectador está observando una escena no lineal, y que por lo tanto no contiene rectas
paralelas.
 Perspectivas axonométricas: Este tipo de proyecciones se caracterizan porque las visuales son paralelas
entre sí, lo que en teoría equivale a que el punto de vista de la proyección se sitúe en el infinito.
 RECONOCIMIENTO DE FIGURAS EN TRES DIMENSIONES

Es interesante destacar como los alumnos atribuyen a las figuras propiedades no constitutivas del objeto
geométrico pero que están asociadas al dibujo que están analizando. Por ejemplo, un cuadrado “torcido”, deja de
ser cuadrado. Diferenciar el objeto geométrico de sus representaciones por medio de dibujos requiere actividades
específicas que problematicen lo que ‘se ve’, ya que cada uno identifica en el dibujo las propiedades de cada
figura de acuerdo a los conocimientos que posee. Volviendo al caso de las representaciones planas de objetos
tridimensionales, proponer a los niños dibujar desde distintos puntos de vista una construcción realizada con
bloques de madera, una caja o un modelo de madera de un cuerpo geométrico, permite discutir frente a
producciones realizadas por qué los dibujos son distintos aunque sean del mismo objeto, y analizar si el dibujo
brinda suficiente información sobre las características del mismo. En el caso de los poliedros, además de las
exploraciones realizadas sobre objetos reales, en la clase son utilizados libros de texto con representaciones que
responden a las reglas de la perspectiva y que deben ser interpretadas por alumnos que las desconocen. Así,
retomando lo dicho, lo que ‘se ve’ en el dibujo no responde a las características del cuerpo.

Algunos protestaban ante las que suponían malas indicaciones de sus compañeros, otros decían no entender el
significado de los términos vertical y horizontal, y otros estuvieron a la expectativa de lo que sus compañeros
hacían o comentaban para hacer posteriormente lo mismo que ellos. Aunque los alumnos tenían en su cuaderno
una serie de apuntes sobre geometría, no recurrieron a su contenido para realizar la descripción de las figuras.
Cuando se elaboraron los mensajes en equipo, los alumnos discutían sobre cómo se llamarían determinadas
líneas o figuras y cuando no lograban ponerse de acuerdo, solicitaban a la maestra información al respecto.
Concluyendo, un trabajo de este tipo (en el que se tiene la necesidad de describir y/o reproducir determinadas
figuras) promueve en los alumnos planteos de hipótesis sobre el tipo de figuras que se describen y van
confirmando o rechazando sus hipótesis conforme avanza en el dibujo la figura descripta. Se corrobora que la
interacción con otros es un elemento importante para la socialización del conocimiento, el avance en las
conceptualizaciones y el uso de la competencia comunicativa. La enseñanza de la geometría no es una tarea
sencilla de emprender y las concepciones erróneas provienen no sólo de la escuela. Concebir que la geometría
se enseña (en el sentido de que se trasmite), es esencialmente considerar que el sujeto no posee ningún
conocimiento previo y que está ahí de manera estática esperando que los conocimientos le lleguen por vía del
docente. Pensar que la geometría se aprende, es concebir un sujeto activo, que se plantea preguntas, que
formula hipótesis, que las comprueba o re-elabora a partir de la interacción con los demás y que al cambiar la
concepción sobre el objeto de conocimiento lo transforma y lo recrea. En el apartado de propuestas de
enseñanza, hay sugerencias y actividades para poder ir sorteando este obstáculo.

Los objetos tridimensionales son figuras sólidas que ves a diario como cajas, pelotas, tazas de café, latas,
etc.

A continuación encontrarás varios términos que te serán muy útiles:

 Base: es la superficie inferior de un objeto sólido.

 Arista: es la intersección entre dos caras en un objeto sólido. Es una recta.
 Cara: es un lado plano de un objeto de tres dimensiones.
 Prisma: es un objeto sólido con dos caras congruentes y paralelas.
 Pirámide: es un objeto sólido cuya base es un polígono y cuyas caras son triángulos.
 EFECTOS: CLAROSCURO, PUNTO DE ELIMINACION Y SOMBRA

Cualquier forma representada sólo por su contorno se visualiza sin volumen, es decir, plana, pero si lo que
pretendemos es crear sensación de volumen en el dibujo, tendremos que recurrir al empleo del claroscuro. El
claroscuro es el juego de luces y sombras presente en cualquier representación gráfica. Su principal función es la
de modelar las figuras creando la ilusión de tridimensionalidad que le falta al soporte plano.

Claroscuro

efectos de luz y sombra en una pintura o dibujo, ya sea monocromo o en color. Suele referirse a una técnica que
contrasta zonas brillantemente iluminadas con otras de densa sombra. La sabia combinación de luz y sombra
(denominada a veces valores tonales) para conseguir efectos más dramáticos es una característica de las obras
de maestros renacentistas del siglo XVI como Leonardo da Vinci y Rafael o de pintores barrocos del XVII como
Caravaggio, Georges de la Tour y, de forma muy notable, Rembrandt. El claroscuro es patrimonio casi exclusivo
del arte occidental y raramente se observa antes del renacimiento.

Punto de Eliminación y Sombra

El proceso para darle color a las superficies se llama sombreado (shading). Hoy en día existen una gran variedad
de métodos de sombreado vinculados totalmente a los programas o motores de renderizado que están incluidos
en los paquetes 3D. Muchos de estos motores permiten al usuario, mediante programación, la creación de sus
propios métodos de sombreado para alguna aplicación específica. Como por ejemplo en la película Nemo para
recrear el ambiente submarino de los arrecifes de coral.

Entre los métodos básicos de sombreado podemos distinguir los siguientes:

• Alambre (wireframe): la superficie del objeto se comporta como una malla de alambre, podemos ver a través de
las caras ya que ellas son transparentes y sus bordes están delimitados por segmentos que si se ven. Este
método es el mas utilizado durante la construcción de objetos.

• Sombreado plano (flat): el método de sombreado plano usa color para representar las caras. Cada cara se
representa con un color que da como resultado la luz que incide sobre ella. Los objetos que se renderizan con
sombreado plano tienen bordes visiblemente afilados entre caras por lo tanto el contorno de cada cara es
claramente visible. El sombreado plano es el método de sombreado que requiere la menor capacidad de
proceso.

• Sombreado Gouraud: en el método de Gouraud se aplica el patrón de iluminación a cada vértice de la cara y
entonces promedia los valores de color en toda la superficie del objeto para así alcanzar un efecto de sombreado
suave que parece más realista sobre superficies curvas. Este método tiene dificultades para representar las
superficies con brillos.

• Sombreado Phong: se utiliza el mismo método de representación que en el anterior pero resolviendo los
problemas en las superficies con brillos. Actualmente es un método básico de representación final.

En la actualidad han caído en desuso el sombreado plano y el sombreado Gouraud siendo superados por los
métodos más modernos (derivados de los anteriores), phong, blinn, metálico, anisotrópico, Oren-Nayar, Strauss,
Lambert, translúcido entre otros.
 ELEMENTOS DEL LENGUAJE VISUAL Y VOCABULARIO DE ARTE

El Lenguaje visual o artísticas, como lenguaje verbal tiene un conjunto básico de elementos ’ (líneas
de,colores,luces,sombras…) que combinan en una multitud de maneras de dar lugar a imágenes, así como ’
conjunto de Letras de una palabra y el ’ conjunto de palabras dan las frases.

Esta lengua, como todos los demás , propósitos comunicativos, Entonces se puede definir la Comunicación
Visual como toda forma de comunicación a través de imágenes.

Está muy importante e inmediata la comunicación se basa en tres aspectos:

 El emisor (quien envía el mensaje)

 El destinatario (o destinatario)
 El mensaje de (l ’ toda la información)

En este tipo de comunicación los mensajes se muestran imágenes y sus significados en el contexto, l ’ ’ artista y
el receptor emisor es l son todas las personas que se ven en l ’ ópera y descifrar el mensaje.

La imagen expresa un mensaje universal, Desde características expresivas son interpretados del mismo modo
por personas de diferentes culturas o Naciones.

El significado del mensaje está asociado con el contexto social y cultural en que se encuentra el ’ de ’ opera. Por
ejemplo, si observamos un vaso decorado con diseños relativos a la Grecia antigua’ tenemos que descifrar su
mensaje en el contexto histórico y cultural de la mitología griega.

El Observador por lo tanto, es necesaria para entender y analizar el contexto en que se encuentra el ’ opera a fin
de descifrar el mensaje bien y observador, Esto es típico y es uno de los elementos del lenguaje Visual o artística.

Detrás de la decodificación del mensaje artístico puede crear nuevos temas relacionados en particular con el
simbolismo de lo representado, es decir los significados ocultos que la ’ imagen puede dar a todos ’ observador.

Vocabulario

ABACO: Parte superior del capitel sobre el que se apoya la carga.

ABOCINADO: Hueco o ventana que aumenta de anchura hacia dentro o fuera.
ABSIDE: Capilla o capillas principales de la cabecera de una iglesia.
ABSIDIOLO: Pequeñas capillas en el ábside o ábsides.
ADOSADO: Pegado, unido a...
ADINTELADO: arquitectura que se apoya en dinteles y no en arcos.
AGUJA: Chapitel estrecho y alto de una torre o del techo de una iglesia. Es uno de los principales elementos de
la arquitectura gótica. También se denomina FLECHA.
A HUESO: Aparejo en el que las hiladas apoyan sobre las inferiores sin tendel ni argamasa intermedia.
AJEDREZADO: Decoración en tablero de ajedrez. Si las piezas son rectangulares y no cuadradas, se denomina
decoración de TACOS o BILLETES.
AJIMEZ: Ventana partida en dos por una columnilla intermedia.
ALBANEGAS: Triángulos sobre los arcos con dos lados curvos y el superior recto; también se llaman ENJUTAS.
 ELEMENTOS DE UNA OBRA PLASTICA

Los elementos del arte son el grupo de una obra de arte utilizados usualmente en su enseñanza y análisis, en
combinación con los principios del arte. Serían los componentes o partes básicas para crear una obra de arte.

Las listas de los elementos del arte varían, su función de diferentes autores, pero en general incluyen las
siguientes: espacio, color, forma, textura, valor y línea.

Los artistas trabajan con estos elementos básicos para componer una obra de arte, no siendo necesario que
aparezcan todos, aunque han de estar presentes, al menos, dos de ellos.

Espacio: El espacio es el área proporcionada por un motivo particular. Puede tener dos dimensiones (alto y
ancho) o tres si se agrega la profundidad. La creación de una perspectiva visual, que da la ilusión de profundidad
es otro elemento de arte utilizado para crear un espacio.

Color: El color es la parte más expresiva de la obra y es visto mediante la luz reflejada en el color; vemos estos
colores gracias a que los objetos los reflejan Cuando los colores primarios se mezclan se forman los colores
secundarios: verde, violeta y naranja. Los colores terciarios se obtienen mediante la mezcla de un primario y un
secundario: amarillo-naranja, rojo-naranja, violeta-rojo, azul-violeta, azul-verde y amarillo-verde.

Forma: La forma es una zona que define objetos en el espacio. Puede ser geométrica (como cuadrados o
círculos) u orgánica (como formas naturales o libres). Las formas pueden ser bidimensionales (largo y ancho) (en
inglés, shape), usualmente delimitadas por líneas o tridimensionales (largo, ancho y altura).

Textura: La textura es la cualidad de una superficie que puede ser vista o sentida. Hay dos tipos de textura: la
óptica (visual) y la textura que se puede tocar (táctil). Las texturas pueden ser ásperas o suaves, blandas o duras.
Las texturas no siempre se sienten como se ven.

Valor: El valor, luminosidad o símplemente luz, describe cual claro es un color. Los artistas utilizan el valor del
color para crear diferentes estados de ánimo. Los colores oscuros en una composición sugieren una falta de luz,
como en el caso de la noche o una escena interior. Los colores oscuros a menudo pueden transmitir una
sensación de misterio o presagio. Los colores claros suelen describir una fuente de luz, implícita, como en las
velas de un cuadro de Georges de La Tour o explícita como en un cuadro de Caravaggio, o una luz reflejada.

Línea: La línea es el medio más sencillo de representación. De manera fácil puede definirse como la marca (con
mayor longitud que anchura) que une dos puntos, tomando cualquier forma en el camino o también el camino
identificable creado por un punto que se mueve en el espacio. Las líneas pueden ser rectas o curvas, finas o
gruesas, horizontales, verticales o diagonales. Por oposición al color, la línea puede definir el contorno de las
formas. En pintura, cuando la línea, el dibujo, predomina sobre lo pictórico, se habla de "arte lineal", como es el
caso por ejemplo, de Durero.

Figura: Cuando un conjunto de cuerpos organizados, relacionados entre sí, representan uno solo. La Figura
puede emplearse en múltiples contextos y con significados diferentes. Una figura es, entre otras cosas, la
apariencia o el aspecto externo de un cuerpo u objeto, a través de la cual se puede distinguir frente a otros. En un
sentido similar, se conoce como figura a toda estatua, escultura u obra de arte que reproduce las formas
características de animales u hombres, y al dibujo que refleja a cuerpos humanos.
 SECUENCIAS DE IMÁGENES

El arte secuencial se refiere a la forma de arte de la utilización de una sucesión de imágenes desplegadas en
secuencia a la narración gráfica o transmitir información. El ejemplo más conocido del arte secuencial es el cómic,
que son un acuerdo de impresos de arte y globos, especialmente en las tiras cómicas y novelas gráficas.

El término es raramente aplicado a otros medios como el cine o la animación. De estos tres, el guion gráfico sería
el mejor ejemplo de arte secuencial, sin embargo. Scott McCloud también toma nota de que el rollo de película,
antes de que se esté proyectando, sin duda podría considerarse como un cómic muy lento.

Escultura secuencial

Los artistas solían utilizar frisos y vasos como medios para contar historias, como en la columna Trajana
construida en 113 d. C., es un sobreviviente de los primeros ejemplos de un relato contado a través de la
utilización de imágenes secuenciales.

Secuencia de Imágenes

La idea de secuencia de imágenes que siguen Kunzle (1973), Muñoz (1982), McCloud (1993), entre otros, ha
generado una serie de cuestionamientos, principalmente de los estudios en habla inglesa, posiblemente porque
las obras de Kunzle (1973) y McCloud (1993) fueron redactados en ese idioma de manera inicial. Estos
cuestionamientos podrían ser agrupados en dos conjuntos bien definidos.

En el primero de ellos tenemos, entre otros, a Aaron Meskin en Defining Comics? (2007). Meskin considera que lo
pictórico y secuencial no son, por sí mismos, condiciones suficientes para diferenciar a las historietas de las
formas de arte como el cine y la televisión.

En este grupo también se encuentra John Holboy su estudio Redefining Comics (2012). Holbo, al preguntarse
qué creaciones humanas podría definirse por el concepto secuencia de imágenes obtiene como respuestas: la
secuencia de imágenes dentro de una historieta, la secuencia de imágenes dentro de una viñeta, la secuencia de
las imágenes dentro de una pintura. El resultado, nuevamente, es que el concepto secuencia de imágenes resulta
demasiado amplio para poder diferenciar a la historieta e otros productos visuales.

Una de las aplicaciones del dicho lenguaje visual sería, por ejemplo, el lenguaje de señas de los sordomudos que
se podría considerar una secuencia de imágenes. Es decir que una historieta y el lenguaje de señas estarían en
la misma categoría: secuencia de imágenes.

El segundo conjunto estaría conformado por los cuestionamientos propuestos por Aaron Meskin. En base a estos
ejemplos tomados del cine, Meskin plantea -por ser un producto similar a la historieta- que si existen filmes que
parcial o totalmente no contienen imágenes, es posible que existieran historietas de iguales características. La
idea de viñeta es asumida principalmente en obras de habla hispana y ello, probablemente, porque la palabra
viñeta -si bien puede tener equiparable en otras lenguas- tiene toda una tradición en nuestro idioma y una
interesante serie de aplicaciones. A partir de los mensajes visuales se alcanza, por tanto, una gran variedad de
informaciones que modifican continuamente nuestra experiencia, y permiten una interacción entre nosotros y el
medio.
 ESQUEMAS DE DIBUJOS

El dibujo es una herramienta perfecta para plantear los diferentes esquemas de composición ya que sirve de
perfecta guía desde el primer trazado de líneas sobre el papel. El esquema de la composición equivale a los
cimientos de un aditicio; depende de él que la estructura se sostenga en pie o que, por el contrario, esta
composición se venga abajo. Es importante tener en cuenta estos esquemas de composición a la hora tanto de
plantear un dibujo como cuando este esquema está destinado a servir de pie a una obra pictórica.

No debe confundirse el encaje con el esquema. Debe entenderse que en un objeto, cuando se observa para su
representación por primera vez, una sola mirada no suele ser suficiente para haberlo comprendido del todo, ya
que el ser humano ve el mundo que le rodea de manera subjetiva.

Un niño cuando dibuja una casa lo hace superponiendo un triángulo sobre un cuadrado, aun cuando la casa que
este viendo no tenga tejado; esto es producto simplemente de la memoria subjetiva.

Cuando se va a representar un modelo, no se debe hacer uso de la imaginación vaga, sino que se debe partir de
la observación, aunque ello conlleve un gran esfuerzo.

Para ayudar a ese cometido, el artista suele recurrir a la esquematización, es decir, unas líneas sueltas que
ayudan a comprender el modelo en el papel. Otro sistema de aproximación al modelo, mucho más objetivo, es el
encaje; un sencillo proceso que se encarga de reducir el modelo a través de líneas, a simples esquemas
geométricos.

Con origen en el término latino schema, un esquema es la representación gráfica o simbólica de cosas
materiales o inmateriales. Por ejemplo: “El arquitecto ha presentado un esquema de la construcción” o “Este es el
esquema de nuestra organización”.

EsquemaPor otra parte, un esquema es una idea o concepto que alguien tiene de algo y que condiciona su
comportamiento (“Mi esquema me impide aceptar este tipo de trabajo”).

El concepto de esquema también se utiliza para referirse al resumen de un escrito, discurso o teoría, que atiende
solo a sus líneas o caracteres más significativos (“He realizado un esquema de supresentación”).

Un esquema conceptual es un sistema de ideas, un conjunto organizado de conceptos universales que permiten
una aproximación a un objeto particular. Se trata de un paquete teórico abierto que puede ser puesto a prueba en
la vida cotidiana.

Un esquema corporal es la conciencia o la representación mental del cuerpo y sus partes, con sus mecanismos y
posibilidades de movimiento, como medio de comunicación con uno mismo y con el entorno. El buen desarrollo
del esquema corporal supone una buena evolución de la motricidad, de la percepción espacial y temporal, y de la
afectividad.

El conocimiento adecuado del cuerpo incluye a la imagen corporal y al concepto corporal, que pueden ser
desarrollados mediante actividades que favorezcan el conocimiento del cuerpo como un todo, el conocimiento del
cuerpo segmentado, el control de los movimientos globales y segmentados, el equilibrio estático, el equilibrio
dinámico y la expresión corporal armónica.