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Prof.

Glenda Santiago – Artes – UniENEM/PIAP - 2017

UNIVERSIDADE FEDERAL DO AMAPÁ


PRÓ-REITORIA DE EXTENSÃO E AÇÕES COMUNITÁRIAS
DEPARTAMENTO DE EXTENSÃO
PROGRAMA DE INCLUSÃO, ACESSO E PERMANÊNCIA

CURSINHO UNIENEM/PIAP 2017

CADERNO DE ARTES
PROFESSORA: GLENDA SANTIAGO

Macapá

2017
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SUMÁRIO

1. RENASCIMENTO...................................................................................................................03
2. BARROCO...............................................................................................................................08
3. ROCOCÓ..................................................................................................................................12
4. NEOCLASSICISMO................................................................................................................14
5. ROMANTISMO.......................................................................................................................17
6. REALISMO..............................................................................................................................19
7. IMPRESSIONISMO.................................................................................................................21
8. PÓS-IMPRESSIONISMO........................................................................................................23
9. EXPRESSIONISMO................................................................................................................25
10. FAUVISMO..............................................................................................................................27
11. CUBISMO................................................................................................................................30
12. ABSTRACIONISMO...............................................................................................................32
13. FUTURISMO............................................................................................................................35
14. DADAÍSMO.............................................................................................................................37
15. SURREALISMO......................................................................................................................38
16. OP-ART...................................................................................................................................41
17. POP ART..................................................................................................................................43
18. ARTE CONCEITUAL..............................................................................................................45

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RENASCIMENTO outras cidades italianas a fim de lhes


aumentar a beleza e a glória.
A palavra renascença significa nascer
novamente ou ressurgir, a ideia de tal
renascimento ganhou terreno na Itália
desde o tempo de Giotto. Quando ás
pessoas desse período queriam elogiar
um poeta ou um artista, diziam que sua
obra era tão boa quanto a do antigos.
Giotto fora exaltado assim como um
mestre que tinha liderado um verdadeiro
ressurgimento da arte: as pessoas
queriam significar com isso que a arte de
Giotto era tão boa quanto à daqueles
famosos mestres cujas obras
encontravam louvadas nos autores
antigos da Grécia e de Roma. Não
surpreende que essa ideia se tornasse
Relevo em bronze dourado, em uma pia
popular na Itália. Os italianos estavam
batismal em S.Giovanni, Siena. (cabeça
perfeitamente cônscios de que, num de João batista),Donatello.
passado distante, a Itália, tendo Roma por
capital, fora o centro do mundo civilizado,
Uma cena da vida de S. João Batista.
e que seu poder e glória se dissipara
Mostra o tétrico momento em que a
quando as tribos germânicas, godos e
princesa Salomé pediu ao Rei Herodes,
vândalos, invadiram o país e
como prêmio por ter dançado para ele, a
desmantelaram o Império Romano. A
cabeça de S. João e a obteve. O nosso
ideia de um renascimento associava-se
olhar penetra no régio salão do banquete
na mente dos romanos, à ideia de uma
e vai ainda mais longe, até à galeria dos
ressurreição da "grandeza de Roma". O
músicos e a um lanço de escadas e salas
período entre a idade clássica, para a
ao fundo. O carrasco acabou de chegar e
qual voltavam os olhos com orgulho, e
ajoelha-se ante o rei transportando numa
a nova era de renascença, que
bandeja a cabeça do santo. O rei recua e
aguardavam com esperança, era
ergue as mãos horrorizado, crianças
meramente um melancólico interregno.
choram e fogem; a mãe de Salomé, que
Donatello adquiriu grande fama durante
instigou o crime, é vista dirigindo-se ao rei,
sua vida. Tal como Giotto, um século
tentando explicar a ato. Há um grande
antes, era frequentemente chamado a
vazio em torno dela, porque os
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convidados recuam. Um deles cobre os que se voltaram para a natureza, a ciência


olhos com a mão, outros cercam Salomé, e os remanescentes da antiguidade a fim
que parece ter nesse instante suspendido de realizarem seus novos objetivos.
a dança. Não é necessário explicar O domínio da ciência e do
detalhadamente que características são conhecimento da arte clássica manteve-se
novas nessa obra de Donatello, são todas. por algum tempo na posse exclusiva dos
As pessoas acostumadas às claras e artistas italianos da Renascença. Mas a
graciosas narrativas da arte gótica, o vontade apaixonada de criar uma nova
modo de Donatello de contar uma história arte, que fosse mais fiel à natureza do que
deve ter causado um choque. Não houve tudo o que fora visto até então, inspirou
aqui o desejo de formar um padrão também os artistas da mesma geração no
agradável e bem arrumado, mas, pelo Norte.
contrário, o de produzir um efeito de O humanismo pode ser apontado
súbito caos. como o principal valor cultivado no
A nova arte da perspectiva Renascimento. Baseia-se em diversos
aumenta ainda mais a ilusão de realidade. conceitos associados: neoplatonismo,
Donatello deve ter começado por se antropocentrismo, hedonismo,
perguntar: "Como teriam acontecido, as racionalismo, otimismo e individualismo. O
coisas quando a cabeça do santo foi humanismo, antes que um corpo filosófico
trazida para o salão?", Ele empenhou-se foi um método de aprendizado que
em representar um palácio clássico como passava a dar um maior valor ao uso da
àquele em que o evento poderia ter razão individual e à análise das
ocorrido, e escolheu tipos romanos para evidências empíricas, ao contrário
as figuras ao fundo. Percebe-se da escolástica medieval, que se limitava
nitidamente que, de fato, nessa época, basicamente à consulta às autoridades do
Donatello, como seu amigo Brunelleschi passado, principalmente Aristóteles e os
(Famoso pela construção de igrejas e a primeiros padres da Igreja, e ao debate
renovação da arquitetura nesses espaços) das diferenças entre os autores e
tinha iniciado um estudo sistemático dos comentaristas. O humanismo afirma a
remanescentes romanos para ajudá-lo a dignidade do homem e o torna o
concretizar o renascimento da arte. investigador por excelência da natureza.
Porém, imaginar que esse estudo da Costuma-se dividir o Renascimento
arte grega e romana causou a em três grandes fases, Trecento,
"Renascença". A verdade é quase o Quattrocento e Cinquecento,
oposto. Os artistas em redor de correspondentes aos séculos XIV, XV e
Brunelleschi ansiavam com tanta XVI, com um breve interlúdio entre as
veemência por uma renovação da arte

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duas últimas chamado de Alta Leonardo era como até hoje,


Renascença. conhecido principalmente como pintor de
duas de suas obras, a Mona Lisa e A
Principais artistas: Última Ceia, estão entre as pinturas mais
- Leonardo da Vinci famosas, mais reproduzidas e mais
- Michelangelo parodiadas de todos os tempos, e sua
- Rafael Sânzio fama se compara apenas à Criação de
Adão, de Michelangelo. O desenho
O humanismo, a noção de autonomia da do Homem Vitruviano, feito por Leonardo,
arte, a emancipação do artista de sua também é tido como um ícone cultural, e
condição de artesão e equiparação ao foi reproduzido por todas as partes, desde
cientista e ao erudito, a busca pela o euro até camisetas. Cerca de quinze de
fidelidade à natureza, e o conceito de suas pinturas sobreviveram até os dias de
gênio, tão perfeitamente encarnado em hoje; o número pequeno se deve às suas
Da Vinci, Rafael e Michelangelo. experiências constantes e frequentemente
desastrosas com novas técnicas, além de
sua procrastinação crônica. Ainda assim,
estas poucas obras, juntamente com seus
cadernos de anotações que contêm
desenhos, diagramas científicos, e seus
pensamentos sobre a natureza da pintura
formam uma contribuição às futuras
gerações de artistas que só pode ser
rivalizada à de seu contemporâneo,
Michelangelo.

Pietà, Michelangelo
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Deus está esticado para criar o poder da


vida de seu próprio dedo para Adão, o
qual está com o braço esquerdo estendido
em contraposição ao do criador. Os dedos
de Adão e de Deus estão separados por
uma pequena distância.

Rafael Sânzio

Rafael Sânzio, frequentemente referido


apenas como Rafael, foi um mestre da
pintura e da arquitetura da escola de
Florença durante o renascimento italiano,
celebrado pela perfeição e suavidade de
suas obras.

O Homem Vitruviano, Leonardo da Vinci.

Criação de Adão, Michelangelo.

Madonna del Prado, Rafael Sânzio,(1505-


Deus é representado como um
ancião barbudo, envolto em um manto 1506).
que divide com alguns anjos. Seu braço
esquerdo está abraçado a uma figura
feminina, normalmente interpretada
como Eva – que ainda não foi criada e,
figuradamente, espera no céu para ganhar
uma forma humana. O braço direito de

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BARROCO de "arte barroca", com certas escolas mais


próximas do classicismo renascentista e
È o nome dado ao estilo artístico que
outras mais afastadas dele, o que tem
floresceu entre o final do século XVI e
gerado muita polêmica e pouco consenso
meados do século XVIII, inicialmente
na conceituação e caracterização do
na Itália, difundindo-se em seguida pelos
países católicos da Europa e da América, estilo.

antes de atingir, em uma forma Principais Artistas:


modificada, as áreas protestantes e
-Francesco Borromini (arquiteto italiano)
alguns pontos do Oriente.
- Bernini (escultor italiano)

Considerado como o estilo - Caravaggio (pintor italiano)

correspondente ao absolutismo e - Rubens (pintor flamengo)

à Contrarreforma, distingue-se pelo - Frans Hals (pintor holandês)

esplendor exuberante. De certo modo o - Diego Velásquez (pintor espanhol)

Barroco foi uma continuação natural - Antoon van Dyck (pintor belga)

do Renascimento, porque ambos os - Andrea Pozzo (pintor italiano)

movimentos compartilharam de um
profundo interesse pela arte Bernini

da Antiguidade clássica, embora Gian Lorenzo Bernini ou


interpretando-a diferentemente. Enquanto simplesmente Bernini, foi um eminente
no Renascimento o tratamento das artista do barroco italiano, trabalhando
temáticas enfatizava qualidades de principalmente na cidade de Roma.
moderação, economia formal, Distinguiu-se como escultor e arquiteto,
austeridade, equilíbrio e harmonia, o ainda que tivesse sido pintor desenhista,
tratamento barroco de temas idênticos cenógrafo e criador de espectáculos
mostrava maior dinamismo, contrastes de pirotecnia. Esculpiu numerosas obras
mais fortes, maior dramaticidade, de arte presentes até os dias atuais
exuberância e realismo e uma em Roma e no Vaticano.
tendência ao decorativo, além de
manifestar uma tensão entre o gosto
pela materialidade opulenta e as
demandas de uma vida espiritual. Mas
nem sempre essas características são
bem evidentes ou se apresentam todas ao
mesmo tempo. Houve uma grande
variedade de abordagens que foram
englobadas sob a denominação genérica
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Rubens
O Êxtase de Santa Teresa, Bernini.

Peter Paul Rubens foi


um pintor flamengo do estilo barroco,
proponente de um estilo extravagante que
Caravaggio enfatizava movimento, cor e sensualidade.
Michelangelo Merisi , conhecido Ele é conhecido por suas obras
como Caravaggio, um dos mais contrarreformistas, retratos e pinturas
notados pintores italianos, atuante históricas de assuntos mitológicos e
em Roma, Nápoles, Malta e Sicília, alegóricos.
entre 1593 e 1610. Seu trabalho exerceu
influência importante no estilo barroco,
estilo do qual foi o primeiro grande
representante. Caravaggio era o nome da
aldeia natal da sua família e foi escolhido
como seu nome artístico.

A Inspiração de São Mateus, obra


pertencente á Caravaggio

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O rapto das filhas de Leucipo.

A Glorificação de Santo
Inácio, Igreja de Santo Inácio em Roma.

Andrea Pozzo

Foi um artista italiano atuando como ROCOCÓ


decorador, arquiteto, pintor, professor e
De modo geral, a arte se desenvolveu
teórico. Desde jovem foi inclinado à vida
dentro do estilo rococó pode ser
religiosa. Principal característica de sua
caracterizada como requintada,
pintura era aproximar as pessoas do céu,
aristocrática e convencional. Foi uma arte
para se chegar ao resultado desejado o
que se preocupou em expressar apenas
artista transformava o teto da igreja em
sentimentos agradáveis e que procurou
um verdadeiro céu, criando essa
dominar a técnica de uma execução
atmosfera celeste.
perfeita.

O Rococó teve inicio na França, no


Século XVIII, difundindo-se a seguir por
toda a Europa. Caracterizou-se acima de
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tudo por sua índole hedonista e


aristocrática, manifesta em delicadeza,
elegância, sensualidade e graça, e na
preferência por temas leves e
sentimentais, onde a linha curva, as cores
claras e a simetria tinham um papel
fundamental na composição da obra.

O rococó tem como principais


características:

 Cores claras;
 Tons pastel e douramento;
 Representação da vida profana da
aristocracia;
 Representação de Alegorias;
 Estilo decorativo;
 Possui leveza na estrutura das
construções;
 Unificação do espaço interno, com
maior graça e intimidade; Igreja no estilo Rococó (Birnau Basílica)
 Texturas suaves;
 Hedonismo;
A arte do Rococó refletia, portanto, os
 Uso de temas relacionado a vida
valores de uma sociedade fútil que
cotidiana e a sexualidade
buscava nas obras de arte algo que lhe
desse prazer e a levasse a esquecer de
seus problemas reais. Os assuntos
explorados pelos artistas deveriam ser as
cenas graciosas, realizadas de tal forma
que refletissem uma sensualidade sutil,
como podemos observar na tela O
Balanço (divertimento de uma jovem
Burguesa) do pintor Fragonard.

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básicos para o ensino das artes nas


academias mantidas pelos governos
europeus.

De acordo com a tendência


neoclássica, uma obra de arte só seria
perfeitamente bela na medida em que
imitasse não as formas da natureza,
mas as que os artistas clássicos
gregos e os renascentistas italianos já
haviam criado. E esse trabalho de
imitação só era possível através de um
cuidadoso aprendizado das técnicas e
“Divertimento da jovem Burguesa” de
convenções da arte clássica. Por isso,
(Jean-Honoré Fragonard).
o convencionalismo e o tecnicismo
reinaram nas academias de belas-artes,
até serem questionados pela arte
moderna.

NEOCLASSICISMO Teve como base os ideais


do iluminismo e um renovado interesse
Nas duas últimas décadas do século
pela cultura da Antiguidade clássica,
XVIII e nas três primeiras do XIX, uma
advogando os princípios da moderação,
nova tendência estética predominou nas
equilíbrio e idealismo como uma reação
criações dos artistas europeus. Trata-se
contra os excessos decorativistas e
do Academicismo ou Neoclassicismo, que
dramáticos do Barroco.
expressou os valores próprios de uma
nova e fortalecida burguesia, que assumiu Acrescente-se a isso a descoberta
a direção da sociedade europeia após a de Herculano e Pompeia, duas antigas
Revolução Francesa e principalmente com cidades romanas soterradas por uma
o império de Napoleão. erupção do Vesúvio, uma grande surpresa
para os conhecedores e o público,
Esse estilo chamou-se
tornando-se logo uma parada obrigatória
Neoclassicismo porque retomou os
no Grand Tour europeu e local de
princípios da arte da antiguidade greco-
pesquisa para artistas e antiquários.
romana. A outra denominação
Embora as escavações que começaram a
Academicismo estava ligada ao fato de
ser realizadas nas ruínas em 1738 e 1748
que as concepções artísticas do mundo
não tenham encontrado grandes obras-
greco-romano tornaram-se os conceitos
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primas, trouxeram para a luz uma e na pintura renascentista italiana,


quantidade de relíquias e artefatos que sobretudo em Rafael, mestre inegável do
revelavam aspectos do cotidiano romano equilíbrio da composição e da harmonia
até então desconhecidos. Seguiram-se do colorido. O maior representante da
outras pesquisas sistemáticas da arte e pintura clássica é, sem duvida, Jacques
cultura antiga, formaram-se importantes Louis David (1748-1825). Ele nasceu em
coleções públicas e privadas de arte e Paris e foi considerado o pintor da
artefatos antigos e o "estilo grego" se Revolução Francesa, mais tarde, tornou-
tornava cada vez mais um favorito para os se o pintor oficial do Império de Napoleão.
decoradores, estilistas de moda e
arquitetos. Esses fatores contribuíram de
forma importante para a educação de um
maior público e para um alargamento da
sua visão sobre o passado, estimulando
uma nova paixão por tudo o que fosse
antigo.

Apesar de a arte clássica ser


apreciada desde muito antes, segundo
Cybele Gontar era-o de forma
circunstancial e empírica, mas agora o
apreço se construía sobre bases mais
científicas, sistemáticas e racionais. Com
essas descobertas arqueológicas e
estudos teóricos tornou-se possível formar
pela primeira vez uma cronologia da
cultura e da arte dos gregos e romanos,
distinguindo o que era próprio de uns e de
outros, e fazendo nascer um interesse
pela tradição puramente grega que havia
sido ofuscada pela herança romana, ainda A morte de Marat, (1793), Jacques David.
mais porque na época a Grécia estava
sob domínio turco e por isso, na prática,
era pouco acessível para os estudiosos e Jean-Auguste Dominique Ingres

turistas do Ocidente cristão. Por outro lado, Ingres revela um

A pintura desse período foi inspirada inegável apuro técnico na pintura do nu.

principalmente na escultura clássica grega Sua célebre tela Banhista de Valpinçon é

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um testemunho disso. Nessa obra fica podemos identificar nesse período vários
evidente o domínio dos tons claros e movimentos que produziam obras de artes
translúcidos para a representação da pele segundo diferentes concepções e
e do domínio do desenho, uma das tendências. Por isso, quando estudamos
características mais fortes de Ingres. arte do Século XIX, entramos em contato
com movimentos artísticos muito
diferentes, como é o caso do
Romantismos, do Realismo, do
Impressionismo, do Pós-Impressionismo.

Enquanto os artistas neoclássicos


voltaram-se para a imitação da arte greco-
romana e dos mestres do Renascimento
italiano, submetendo-se ás regras
determinadas pelas escolas de belas-
artes, os românticos procuraram se
libertar das convenções acadêmicas em
favor da livre expressão da personalidade
do artista. Assim de modo geral,
podemos afirmar que a característica
mais marcante do Romantismo é a
valorização dos sentimentos e da
imaginação como princípios da criação
artística.

Ao negar a estética neoclássica, a


A Banhista de Valpinçon - Jean-Auguste pintura romântica aproxima-se das formas
Dominique Ingres. barrocas. Assim, os pintores românticos,
como Goya, Delacroix, Turner e
Connstable, recuperam o dinamismo e o
ROMANTISMO
realismo que o neoclássico havia negado.
O século XIX foi agitado por fortes
Outro elemento que podemos observar
mudanças sociais, politicas e culturais
nos quadros românticos é a composição
causadas pela Revolução Industrial e pela
em diagonal, que sugere instabilidade de
Revolução Francesa do final do Século
claro-escuro reaparecem, produzindo
XVIII. Do mesmo modo, a atividade
efeito de dramaticidade. Quantos aos
artística tornou-se mais complexa. Assim,
temas, os fatos reais da historia
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nacional e contemporâneas dos


artistas despertam maior interesse do
que os da mitologia greco-romana.
Além disso, a natureza, relegada a
pano de fundo das cenas aristocráticas
pelo neoclassicismo, ganha
importância. A própria natureza passa
a ser tema da pintura, ora calma, ora
agitada, a natureza exibe na tela dos
românticos, um dinamismo equivalente
ás emoções humanas.

Delacroix, no Museu do Louvre.

REALISMO

Entre 1850 e 1900 surge nas artes


européias, sobretudo na pintura francesa,
uma nova tendência estética chamada
Realismo, que se desenvolveu ao lado da
crescente industrialização das
sociedades. O homem europeu, que tinha
aprendido a utilizar o conhecimento
científico e a técnica para interpretar e
dominar a natureza, convenceu-se de que
precisava ser realista, inclusive em suas
GOYA - Os Fuzilamentos de 3 de Maio.
criações artísticas, deixando de lado as
visões subjetivas e emotivas da realidade.

A pintura realista do século XIX,


caracteriza-se sobretudo pelo principio de

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que o artista deve representar a realidade


com a mesma objetividade com que um
cientista estuda um fenômeno da
natureza. Ao artista não cabe “melhorar”
artisticamente a natureza, pois a beleza
está na realidade tal qual ela é. Sua
função é apenas revelar os aspectos mais
característicos e expressivos da realidade.
Em vista disso, a pintura realista deixou
completamente de lado os temas
mitológicos, bíblicos, históricos e literários,
pois o que importa é a criação a partir de
uma realidade imediata não imaginada. A
volta do artista para a representação do
real teve consequência: sua
politização. Isso porque, se a
industrialização trouxe um grande
desenvolvimento tecnológico, ela
provocou também o surgimento de
uma grande massa de trabalhadores
vivendo nas cidades em condições
precárias e trabalhadores em situação
desumana. Surge então a chamada
“pintura Social”, denunciando as injustiças
e as imensas desigualdades entre a
miséria dos trabalhadores e a opulência
da burguesia.
Os Britadores e Moças Peneirando Trigo,
Principais artistas: Gustave Courbet.

 Gustave Courbet;

 Jean-François Millet

 Édouard Manet
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Claude Monet. Começou com um grupo


de jovens pintores que rompeu com as
regras da pintura vigentes até então. O
grupo tem sua formação associada à
Académie Suisse e ao ateliê Gleyre, em
Paris, e entre seus principais integrantes
estão Monet, Pierre Auguste Renoir (1841
- 1919), Alfred Sisley (1839 - 1899),
Frédéric Bazille (1841 - 1870), Camille
Pissarro (1831 - 1903), Paul Cézanne
(1839 - 1906), Edgar Degas (1834 - 1917),
Berthe Morisot (1841 - 1895) e Armand
Guillaumin (1841 - 1927). .Os
impressionistas não mais se preocupavam
com os preceitos do Realismo ou da
academia. A busca pelos elementos
fundamentais de cada arte levou os
pintores impressionistas a pesquisar a
produção pictórica não mais interessados
em temáticas nobres ou no retrato fiel da
realidade, mas em ver o quadro como
obra em si mesma. A luz e o movimento
utilizando pinceladas soltas tornam-se o
principal elemento da pintura, sendo que
geralmente as telas eram pintadas ao ar

As Respigadeiras, Jean-François Millet. livre para que o pintor pudesse capturar


melhor as variações de cores da natureza.
Algumas características encontradas nas
pinturas:
IMPRESSIONISMO
 A pintura deve mostrar os pontos
Foi um movimento que surgiu na que os objetos adquirem ao refletir
pintura francesa do século XIX, vivia-se a luz do corpo num determinado
nesse momento a chamada Belle Époque momento, pois as cores da
ou Bela Época em português. O nome do natureza mudam todo dia,
movimento é derivado da obra dependendo da incidência da luz
"Impressão: nascer do sol" (1872), de do sol;

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 É também, com isto, uma pintura  Valorização de decomposição das


instantânea (captação do cores.
momento), recorrendo,
inclusivamente, à fotografia; Embora não se possa falar em

 As figuras não devem ter uma escola homogênea ou em programa

contornos nítidos pois o desenho definido, é possível localizar certos

deixa de ser o principal meio princípios comuns na pintura desses

estrutural do quadro, passando a artistas: preferência pelo registro da

ser a mancha/cor; experiência contemporânea; observação

 As sombras devem ser luminosas da natureza com base em impressões

e coloridas, tal como é a impressão pessoais e sensações visuais imediatas;

visual que nos causam. O preto suspensão dos contornos e dos claro-

jamais é usado em uma obra escuros em prol de pinceladas

impressionista plena; fragmentadas e justapostas;

 Os contrastes de luz e sombra aproveitamento máximo da luminosidade

devem ser obtidos de acordo com e uso de cores complementares,

a lei das cores complementares. favorecidos pela pintura ao ar livre. Em

Assim um amarelo próximo a um relação ao trabalho com as cores pela

violeta produz um efeito mais real técnica da mistura ótica de cores que se

do que um claro-escuro muito formam na retina do observador e não

utilizado pelos academicistas no pela mistura de pigmentos, cabe observar

passado. Essa orientação viria dar o diálogo que estabelecem com as teorias

mais tarde origem ao [pontilhismo]; físicas da época, como as de Chevreul,

 As cores e tonalidades não devem Helmholtz e Rood. A primeira vez que o

ser obtidas pela mistura de público teve contato com a obra dos

pigmentos. Pelo contrário, devem impressionistas foi em uma exposição

ser puras e dissociadas no quadro coletiva realizada em Paris, em abril de

em pequenas pinceladas. É o 1874. Mas o publico e a crítica, reagiram

observador que, ao admirar a muito mal ao novo movimento, pois os

pintura, combina as várias cores, mesmos ainda que se mantinham fiéis aos

obtendo o resultado final. A mistura princípios acadêmicos da pintura. Entre os

deixa, portanto, de ser técnica para expositores estavam Renoir, Degas,

se tornar óptica; Pissarro, Cézanne, Sisley, Monet e

 Preferência pelos pintores em Morisot. Só na década seguinte é que os

representar uma natureza morta a impressionistas começaram a ser

um objeto; compreendidos pela crítica e pelo público.


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Em 1886 realizou-se a última fielmente os preceitos originais do


exposição coletiva do grupo de artistas impressionismo, ainda que não tenham se
impressionistas. Dessa exposição afastado muito dele ou estejam agrupados
participaram dois pintores que dariam uma formalmente em novos grupos. Sentindo-
nova tendência ao movimento: Georges se limitados e insatisfeitos pelo estilo
Seurat (1859-1891) e Paul Signac (1863- impressionista, alguns jovens artistas
1935). O trabalho desses dois artistas queriam ir mais além, ultrapassar a
aprofundou as pesquisas que os Revolução de Monet. Aí se encontra a
impressionistas realizavam quanto á gênese do novo movimento, que não
percepção óptica. Seurat, principalmente, buscava destruir os valores do grande
acabou reduzindo as pinceladas a um mestre, e sim aprimorá-los. Insurge-se
sistema de pontos uniformes que, no seu contra o impressionismo devido à sua
conjunto, são ao observador a percepção superficialidade ilusionista da análise à
de uma cena. Essa técnica foi chama de realidade. Movimentos impressionistas
Pontilhismo e Divisionismo, porque as como o Pontilhismo ou o Divisionismo
figuras, na tela, são representadas em nunca são chamados pós-impressionistas,
minúsculos fragmentos ou pontos, mas sim de neo-impressionistas. Os
cabendo ao observador percebê-las como principais artistas desse movimento são:
um todo plenamente organizado. Paul Cézanne (1839-1906), Vincent van
Gogh (1853-1890) e Paul Gauguin
(1848-1903), considerados as figuras
centrais da nova atitude crítica em relação
PÓS-IMPRESSIONISMO
ao programa impressionista.

Foi à expressão artística utilizada


Na década de 1890, Gauguin viveu no
para definir a pintura. O pós-
Taiti e produziu uma série de telas que
impressionismo designa-se por um grupo
constituiu a parte mais conhecida de suas
de artistas e de movimentos diversos
obras. Seus quadros dessa época
onde se seguiram as suas tendências
registram o espaço natural e a vida
para encontrar novos caminhos para a
simples das pessoas livres do peso da
pintura. Esses artistas acentuaram a
civilização ocidental, como se pode
pintura nos seus valores específicos a cor
observar em sua obra.
e bidimensionalidade. A maioria dos
artistas iniciaram suas carreiras como
impressionista, partindo daí para diversas
tendências distintas. Chamavam-se
genericamente pós-impressionistas os
artistas que não mais representavam

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diferença entre linhas horizontais e


verticais.

Jovens Taitianas com Flores de Manga


(1899). Dimensões: 94 x 73 cm.

Como Gauguin, Paul Cézanne


(1839-1906) também teve o início de sua O castelo de Médan, (1879-1882), de
carreira ligada ao movimento Cézanne. Dimensões 59 cm x 72 cm.
impressionista. Mas não tardou muito para
A partir dessa obra, o rompimento
que sua pintura tomasse outros rumos.
com o grupo impressionista é inevitável,
Ele não se preocupava em registar o
pois a tendência de Cézanne em
aspecto passageiro de um momento
converter os elementos naturais em
provocado pela constante mudança da luz
figuras geométricas como (cilindros, cones
solar, como defendiam os impressionistas.
e esferas) acentua-se cada vez mais, de
Ao contrario, o que Cézanne buscava era
tal forma que se torna impossível para
permanente, a estrutura intima da
recriar a realidade segundo “impressões”
natureza. Essa mudança radical de
captadas pelo sentido.
concepção estética já é evidente em sua
tela O Castelo de Médan. Nesse quadro, Um dos pós-impressionistas mais
os campos de cor são bem delimitados, famosos é sem dúvida Vincent Van Gogh
embora persistam ainda áreas matizadas (1853-1890), que dentro do
com ocre e laranja. No entanto, as árvores impressionismo não tinha liberação
são concebidas com uma estrutura artística suficiente para melhor exprimir
cilíndrica bem definida e é nítida a
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suas emoções. Durante sua juventude foi EXPRESSIONISMO


pregador religioso, tomando-se pintor por
volta dos trinta anos. Sua vida com a Movimento artístico e cultural de

pintura foi dividida em quatro fases: vanguarda surgido na Alemanha no

iniciando na Holanda, seus quadros início do século XX, os primeiros

possuíam os contrastes de claro-escuro, representantes das chamadas

em Paris, como Impressionista, suas "vanguardas históricas". Mais do que

angústias manifestavam-se em suas meramente um estilo com características

obras; em Arles, ao sul da França, em comum, o Expressionismo é sinónimo

conseguiu libertar-se do Naturalismo, de um amplo movimento heterogéneo, de

transformando o estilo em um colorido uma atitude e de uma nova forma de

abstrato; e, após várias crises nervosas, entender a arte, que aglutinou diversos

transferiu-se para Anvers, uma cidade artistas de várias tendências, formações e

tranquila ao norte da França, onde em três níveis intelectuais. O movimento surge

meses conseguiu pintar cerca de oitenta como uma reação ao positivismo

quadros, destacando-se dentre eles Trigal associado aos movimentos impressionista

com Corvo. e naturalista, propondo uma arte pessoal


e intuitiva, onde predominasse a visão
interior do artista – a "expressão" – em
oposição à mera observação da realidade
– a "impressão". O progresso tecnológico
no campo das artes, sobretudo depois da
aparição da fotografia e do cinema, faz
com que toda a comunidade artística se
interrogue sobre o seu papel na
sociedade. A imitação da realidade deixou
de fazer sentido, uma vez que as novas
técnicas tornaram o processo mais fácil,
rápido e reprodutível. As novas teorias
científicas como a teoria da relatividade de
Einstein, a psicanálise de Freud ou a
subjetividade do tempo de Bérgson,
abriram a porta a noções subjetivas da
realidade, fornecendo elementos para que
Trigal com corvos (1890), de Van Gogh.
o mundo artístico se questionasse sobre
Dimensões: 50,5 cm x 100,5 cm.
as próprias fronteiras da objetividade. A
procura de novas linguagens artísticas e

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novas formas de expressão traduziu-se na pelo objetivismo e pelo individualismo, e


formação de vários movimentos de pela a confiança na tecnologia, no
vanguarda que exploravam uma nova progresso e nas próprias capacidades do
relação do artista com o público. Os ser humano. O artista pretende dessa
vanguardistas pretendem integrar a arte forma colocar-se a si próprio na linha da
com a própria sociedade e fazer da sua frente do progresso social e dar voz às
obra uma expressão do inconsciente ideias progressistas através da sua obra.
coletivo da sociedade que representava.
Por sua vez, a interação com o Esse movimento artístico teve

espectador leva a que este se envolva na origem em Dresden, Alemanha, entre

percepção e compreensão da obra, assim 1904 e 1905, com um grupo chamado Die

como na sua difusão e mercantilização, Brucke, que em português significa A

fator que estará na origem do crescimento Ponte. Faziam parte desse grupo Ernst

exponencial das galerias de arte e dos Ludwig Kirchner (1880-1938), Erich

museus. Heckel (1883-1970) e Karl Schmidt-


Rottluff (1884-1976).
Através de uma paleta cromática
vincada e agressiva e do recurso às Assim como Van Gogh, o pintor

temáticas da solidão e da miséria, o norueguês Edvard Munch (1863-1944),

expressionismo é um reflexo da angústia inspirou o movimento expressionista. Sua

e ansiedade que dominavam os círculos obra o Grito é um exemplo dos temas que

artísticos e intelectuais da Alemanha. O sensibilizavam os artistas ligados a essa

expressionismo integra aquilo que se tendência. Nela a figura humana não

convencionou designar por "vanguardas apresenta suas linhas reais, mas

históricas"; o imenso grupo de contorce-se sob o efeito de suas

movimentos artísticos surgidos desde o emoções. As linhas sinuosas do céu e da

início do século XX anterior à I Guerra água, e a linha diagonal da ponte,

Mundial até o fim da II Guerra Mundial em conduzem o olhar do observador para a

1945. Esta designação inclui ainda, entre boca da figura que se abre num grito

outros, o fauvismo, o cubismo, o perturbador. Essa atitude é inédita até

futurismo, o construtivismo, o aqui para as personagens da pintura e a

neoplasticismo, o dadaísmo e o ênfase para as linhas fortes evidenciam a

surrealismo. A vanguarda está emoção que o artista procura expressar.

intimamente ligada ao conceito de


modernidade, caracterizado pelo fim do
determinismo e da supremacia da religião,
substituídos pela razão e pela ciência,
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destituída de temas perturbadores ou


deprimentes". Este grupo de pintores
utilizava nos seus quadros cores
violentas, de forma arbitrária. A
denominação do movimento deve-se ao
crítico conservador Louis Vauxcelles, que,
no Salão de Outono de 1905, em Paris,
comparou-os a feras (fauves). Os pintores
fauvistas foram influenciados por: Van
Gogh, através de seu emocionalismo e
ardor passional no uso das cores, e por
Gauguin, com seu primitivismo e visão
sintética da natureza. A nova estética
obedece aos impulsos instintivos ou as
sensações vitais. Criar desobedecendo a
uma ordem intelectual, onde as linhas e
as cores devem jorrar no mesmo estado
O Grito, (1898), de Munch. de pureza das crianças e selvagens,
Dimensões: 91 cm x 73,5 cm. afrontando os cânones tradicionais da
pintura. Evitam a ilusão da
tridimensionalidade. A tela se apresentava
plana, fornecendo apenas comprimento e
FAUVISMO largura. Basearam-se na força dos
matizes saídos das bisnagas de tinta. A
O fauvismo ou fovismo (do
realidade era deformada com a finalidade
francês fauvisme, oriundo de les fauves,
de produzir o estado de espírito do artista
"as feras", como foram chamados os
diante do espetáculo oferecido pela
pintores não seguidores do cânone
natureza em movimento (reflexos dos tons
impressionista, vigente à época) é uma
vivos sobre a água e galhos retorcidos). A
corrente artística do início do século XX,
nova geração de artistas buscava
que se desenvolveu entre 1905 e 1907. O
recomeçar sem se preocupar com a
estilo começou em 1901, mas só foi
composição. Na ânsia de pintar o estado
denominado e reconhecido como um
de graça, muitas vezes aplicava-se a tinta
movimento artístico em 1905. Segundo
diretamente na tela, onde os vermelhos,
Henry Matisse, em "Notes d'un Peintre",
os amarelos, os verdes uivavam e
pretendia-se com o fauvismo "uma arte do
antecipavam o gosto moderno pela cor
equilíbrio, da pureza e da serenidade,
pura. Era o novo espírito de síntese, que

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deixava para segundo plano o desenho e graça das crianças e dos


a forma. Os elementos formais tornaram- selvagens;
se deformadores e criavam contrastes ou
harmonia de coloridos inexistentes no Principais artistas do movimento:

mundo visível. Não se deixaram


 Albert Marquet
escravizar pelos aspectos visuais da
 André Derain
realidade e do naturalismo. A nova arte
 George Rouault
surgiu como verdadeira libertação da
 Henri Matisse
realidade objetiva e foi construída pelas
 Jean Puy
sensações visuais impulsivas dos artistas.
 Kees Van Dongen

Características da pintura:  Maurice de Vlaminck


 Raoul Dufy
 A simplificação das formas e
utilização maciça de cores puras; Dos pintores fauvistas, Matisse foi,

 A pouca, ou nenhuma, gradação sem dúvida, a maior expressão. Sua

entre os matizes; Característica mais forte é a

 As pinceladas, largas e definitivas, despreocupação com o realismo, tanto em

que continham espontânea relação ás formas das figuras quanto em

gestualidade; relação ás cores. Em suas obras, as

 A utilização da cor na delimitação coisas representadas são menos

dos planos e na sensação de importantes do que a maneira de

profundidade; representá-las. Assim, as figuras

 A escolha dos matizes sem relação interessam enquanto formas que

com a realidade; constituem uma composição. È indiferente

 O movimento rítmico sugerido ao artista se elas são de pessoas ou de

pelas linhas, texturas e pela natureza-morta. Por exemplo, em

continuidade dos elementos Natureza-morta com Peixes Vermelhos,

desenhados; quadro pintando em 1911, podemos

 Impulsividade e experimentação, observar, que o importante para Matisse é

em vez de exaustivos estudos que as figuras tais como a mulher, o

preparatórios; aquário, o vaso com flores e a pequena

 Temas cotidianos que retratavam estante, uma vez associadas, compõem

emoções e a alegria de viver; um todo orgânico. Mas esse objetivo não

 A tradução de sensações era procurado apenas pela associação

elementares, no mesmo estado de das figuras. As cores puras e estendidas


em grandes campos, como o azul, o
amarelo e o vermelho, são também
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fundamentais para a organização da Madame Matisse (1905) de Matisse.


composição. Statens Museum for Kunst, Copenhagen,
Dinamarca.

CUBISMO

Surgiu no século XX, nas artes


plásticas, tendo como principais
fundadores: Pablo Picasso e Georges
Braque, esse movimento também se
expandiu para a literatura e a poesia. O
quadro "Les demoiselles d'Avignon", de
Picasso, 1907 é conhecido como o marco
inicial do cubismo. Nele ficam evidentes
as referências a máscaras africanas, que
inspiraram a fase inicial do cubismo,
juntamente com a obra de Paul Cézanne.

Natureza-morta com peixes vermelhos Historicamente o cubismo originou-se nas

(1911), de Matisse. Museu de Arte obras de Cézanne, pois, eram como se

Moderna de Nova York. fossem cones, esferas e cilindros.


Entretanto, os cubistas foram mais longe
do que Cézanne. Passaram a representar
os objetos com todas as suas partes num
mesmo plano. È como se eles estivessem
abertos e apresentassem todos os seus
lados no plano frontal em relação ao
espectador. Na verdade, essa atitude de
decompor os objetos não tinha nenhum
compromisso de fidelidade com a
aparência real das coisas. Significava, em
suma, o abandono da busca da ilusão da
perspectiva ou das três dimensões dos
seres, tão perseguidos pelos pintores
renascentistas. Com o tempo, o Cubismo
evoluiu em duas grandes tendências

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chamadas Cubismo Analítico e


Cubismo Sintético. O cubismo analítico
foi desenvolvido por Picasso e Braque,
aproximadamente entre 1908 e 1911.
Esses artistas trabalharam com poucas
cores entre elas o preto, cinza e alguns
tons de marrom e ocre, já que o mais
importante para eles era definir um tema e
apresenta-lo de todos os lados
simultaneamente, levando ás ultimas
consequências, essa tendência chegou a
uma fragmentação tão grande dos seres,
que tornou impossível o reconhecimento
de qualquer figura nas pinturas cubistas.
Temos como exemplo:

O Poeta (1911), de Pablo Picasso.


Coleção Peggy Guggenhein Veneza.

Reagindo á excessiva
fragmentação dos objetos e á destruição
de sua estrutura, os cubistas passaram ao
cubismo sintético. Essa tendência
procurou tornar as figuras novamente
reconhecíveis. Mas, apesar de ter havido
uma certa recuperação da imagem real
Violino e Cântaro (1910) de Braque. dos objetos, isso não significou o retorno a
Museu de Arte Brasiléia um tratamento realista do tema. Foi
mantido o modo característico do cubismo
de apresentar simultaneamente as várias
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dimensões de um objeto, como podemos entre suas formas e cores e as formas e


observar em Mulher com o Violão, de cores de um ser. Por isso, uma tela
Braque. abstrata não representa nada da realidade
que nos cerca, nem narra figurativamente
alguma cena histórica, literária, religiosa
ou mitológica. Os estudiosos de arte
comumente consideram o pintor russo
Wassily Kandinsky (1866-1944) o
iniciador da moderna pintura abstrata. Em
1914, Kandinsky entrou em contato com
os pintores russos Mikhail Larionov e
Natalia Gontchorova, que valorizavam as
relações entre as cores, sem se preocupar
com a representação de um assunto. Em
1912, ao visitar Paris, o artista russo
Vladimir Tatlin impressionou-se com as
colagens cubistas. A partir de então
começou a fazer pintura de relevo, usando
materiais diversos. Daí, o artista deu mais
Mulher com o Violão (1908),
um passo e começou a construir objetos a
de Braque. partir de vidro, metal e madeira. Suas
obras eram completamente abstratas e
foram base para o movimento
O cubismo Sintético foi chamado também Construtivismo. Esse movimento teve a
de colagem porque introduziu letras, participação também dos escultores
palavras, números, pedaços de madeira, Antoine Pevsner e Naum Gabo que, ao
vidro, metal e até objetos inteiros nas lado de Tatlin, usaram principalmente o
pinturas. Essa inovação pode ser metal como matéria-prima para a criação
explicada pela intenção dos artistas em de peças abstratas, ou “construções”,
cria novos efeitos plásticos e de como preferiam chama-las, em vez de
ultrapassar os limites das sensações esculturas, como tradicionalmente são
visuais que a pintura sugere, despertando denominadas.
também no observador as funções táteis
Em 1922, os artistas russos
ABSTRACIONISMO separam-se e terminaram esta fase de
A principal característica da pintura intensa pesquisa de novas formas de
abstrata é a ausência de relação imediata expressão plástica. Tatlin ligou-se á

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Revolução Russa. Gabo e Pevsner


abandoaram o pais, quando o governo
revolucionário interferiu na produção
artística, fechando os ateliês dos artistas
modernos e valorizando a arte realista. Mas
em 1931, Gabo e Pevsner, novamente
juntos, tornam-se os fundadores do
movimento internacional abstrato chamado
Criação Abstrata. Depois das primeiras
pesquisas abstratas realizadas pelos
artistas russos, em pouco tempo o
abstracionismo dominou a pinta moderna e
tornou-se um movimento bastante
diversificado. Entretanto, duas tendências
firmaram-se um movimento com Impressão, Domingo (1910), de
características mais precisas o Kandinsky. Staatliche Galerie, Munique.
abstracionismo informal e o
abstracionismo geométrico. No
abstracionismo informal predominam os
sentimentos e emoções. Por isso, as As obras do pintor holandês Piet
formas e cores são criadas mais livremente, Mondrian são as mais representativas do
sugerindo associações com os elementos Abstracionismo geométrico, pois,
da natureza. A obras impressão, Domingo segundo Mondrian, cada coisa, seja ela
de Kandinsky, constitui um bom exemplo uma casa, uma árvore ou uma paisagem,
dessa tendência. possui uma essência que está por trás de
sua aparência. E as coisas, em sua
essência, estão em harmonia no universo.
O papel do artista, para ele, seria revelar
essa essência oculta e essa harmonia
universal. Essa busca da estrutura oculta
dos seres aparece na série de árvores
que pintou entre 1908 a 1912. Em Árvore
vermelha reconhecemos perfeitamente
uma árvore apesar do uso arbitrário que
faz da cor vermelha.
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Árvore Vermelha, (1906-1910), de Composição com Vermelho, Amarelo e


Mondrian. Azul, de Piet Mondrian.

Nas décadas de 20 e 30, as linhas


diagonais e curvas desaparecem dos seus FUTURISMO

quadros, dando lugar somente ás linhas


Este movimento teve uma forte
horizontais e verticais; estas, juntamente
relação com a literatura do inicio do século
com as cores primárias, produzem xx, influencia em 1909 pelo Manifesto
estruturas claras, brilhante e equilibradas. Futurista do poeta e escritor italiano
Mas o equilíbrio obtido em suas obras não Filippo Tommaso Marinetti. Foi publicado
é resultado da simetria, forma
no jornal francês Le Figaro em 20 de
tradicionalmente usada para consegui-los.
fevereiro de 1909. Este manifesto marcou
Ao contrario, em Mondrian, o equilíbrio é
a fundação do futurismo, um dos primeiros
resultado da assimetria.
movimentos da arte moderna. Consistia
em 11 itens que proclamavam a ruptura
com o passado e a identificação do
homem com a máquina, a velocidade e o
dinamismo do novo século.

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aspectos interpenetram-se continuamente


a um só tempo. Procura-se neste estilo
expressar o movimento atual, registrando
a velocidade descrita pelas figuras em
movimento no espaço. O artista futurista
não está interessado em pintar um
automóvel, mas captar a forma plástica a
velocidade descrita por ele no espaço.

Suas principais características são:

 Desvalorização da tradição e do
moralismo;
 Valorização do desenvolvimento
industrial e tecnológico;
 Propaganda como principal forma de
comunicação;
 Uso de onomatopeias (palavras com
sonoridade que imitam ruídos, vozes,
sons de objetos) nas poesias;
 Poesias com uso de frases
Na pintura, assim como na fragmentadas para passar a ideia de
literatura, os futuristas, como a própria velocidade;
palavra sugere, exaltavam o futuro e,  Pinturas com uso de cores vivas e
sobretudo a velocidade, que passou a ser contrastes. Sobreposição de imagens,
conhecida e admirada a partir da traços e pequenas deformações para
mecanização das indústrias e da passar a ideia de movimento e
crescente complexidade social que dinamismo.
ganharam grandes centros urbanos. A
pintura futurista foi explicitada Em 1910, foi lançado em Milão outro
pelo cubismo e pela abstração, mas o uso manifesto futurista, dirigido
de cores vivas e contrastes e a particularmente á pintura, assinado por
sobreposição das imagens pretendia dar a Umberto Boccioni, Carlos Carrá, Luigi
ideia de dinâmica, deformação e não Russolo, Giacomo Balla e Gino Severini.
materialização por que passam os objetos Para esses artistas não interessava a
e o espaço quando ocorre a ação. Para os representação de um corpo em
artistas do futurismo os objetos não se movimento. Como pretendiam evitar
concluem no contorno aparente e os seus qualquer relação com a imobilidade,
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recusaram toda representação realista e


usaram, além de linhas retas e curvas,
Cidade se levanta (1910), Umberto
cores que sugerissem convincentemente Boccioni.
a velocidade.

DADAÍSMO

O dadaísmo foi um movimento


artístico que surgiu na cidade Zurique no
ano de 1916. Possuía como característica
principal a ruptura com as formas de arte
tradicionais. Portanto, o dadaísmo foi um
movimento com forte conteúdo anárquico.
A palavra dada em francês signifique
"cavalo de madeira", sua utilização marca
o non-sense ou falta de sentido que pode
ter a linguagem (como na fala de um
bebê). Para reforçar esta ideia,
estabeleceu-se o mito de que o nome foi
escolhido aleatoriamente, abrindo-se uma
página de um dicionário e inserindo um
estilete sobre ele, de forma a simbolizar o
caráter antirracional do movimento,
claramente contrário à Primeira Guerra
Formas únicas de continuidade no
espaço, de Umberto Boccioni. Mundial e aos padrões da arte
estabelecida na época. Em poucos anos o
movimento alcançou, além de Zurique, as
cidades
de Barcelona, Berlim, Colônia, Hanôver, N
ova York e Paris. Muitos de seus
seguidores deram início posteriormente
ao surrealismo, e seus parâmetros
influenciam a arte até hoje. È preciso
também considerar que os estudos de
Freud chamavam a atenção para um
aspecto novo da realidade humana. Eles

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revelavam que muitos atos praticados encontrados pelas ruas ou objetos que
pelos homens são automáticos e haviam sido jogados fora.
independentes de um encadeamento de
razões lógicas. Foi na literatura, porém, que o
ilogismo e a espontaneidade alcançaram
Dessa forma, os dadaístas sua expressão máxima: no último
propunham que a criação artística se manifesto que divulgou, Tzara disse que o
libertasse das amarras do pensamento grande segredo da poesia é que "o
racionalista e sugeriam que ela fosse pensamento se faz na boca". Como uma
apenas o resultado do automatismo afirmação desse tipo é evidentemente
psíquico, selecionando e combinando incompreensível, ele procurou orientar
elementos ao acaso. Na pintura, essa melhor os seus seguidores dando uma
atitude foi trazida por obras que usaram o receita para fazer um poema dadaísta:
recurso da colagem. Só que agora a
 Pegue um jornal.
intenção não é plástica e sim de sátira e
crítica aos valores tradicionais tão  Pegue a tesoura.

valorizados, mas responsáveis pelo caos  Escolha no jornal um artigo do


em que se encontrava a Europa. O tamanho que você deseja dar a seu
dadaísmo, e principalmente o seu poema.
principio do automatismo psicológico,  Recorte o artigo.
propiciou o aparecimento do Surrealismo.  Recorte em seguida com atenção
algumas palavras que formam esse
O principal problema de todas as artigo e meta-as num saco.
manifestações artísticas estava, segundo
 Agite suavemente.
os dadaístas, em almejar algo que era
 Tire em seguida cada pedaço um
impossível: explicar o ser humano. Na
após o outro.
esteira de todas as outras afirmações
 Copie conscienciosamente na ordem
retumbantes, Tzara decreta: "A obra de
em que elas são tiradas do saco.
arte não deve ser a beleza em si mesma,
 O poema se parecerá com você.
porque a beleza está morta". No seu
 Surgi um escritor infinitamente original
esforço para expressar a negação de
e de uma sensibilidade graciosa,
todos os valores estéticos e artísticos
ainda que incompreendido do público.
correntes, os dadaístas usaram, com
frequência, métodos deliberadamente
incompreensíveis. Nas pinturas e O dadaísmo utilizava muito o
esculturas, por exemplo, tinham por hábito “Ready-made” que consiste em utilizar
aproveitar pedaços de materiais objetos já feitos, e dá-lhe uma utilidade
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diferente do habitual. A única ação do


artista é descontextualizar o objeto e com
SURREALISMO
isso atribuir-lhes uma nova função, logo
um novo valor mental.
Movimento artístico e literário nascid
o em Paris na década de 1920, inserido
Principais artistas dadaístas:
no contexto das vanguardas que viriam a
- Tristan Tzara (Literatura)
definir o modernismo no período entre as
- Marcel Duchamp
duas Grandes Guerras Mundiais. Reúne
- Max Ernst
artistas anteriormente ligados
- Marcel Janco
ao dadaísmo ganhando dimensão
- Man Ray
mundial. Fortemente influenciado pelas
teorias psicanalíticas do
psicólogo Sigmund Freud, o surrealismo
enfatiza o papel do inconsciente na
atividade criativa. Um dos seus objetivos
foi produzir uma arte que, segundo o
movimento, estava sendo destruída pelo
racionalismo. O poeta e crítico André
Breton era o principal líder e mentor deste
movimento. As características deste estilo
são:

 Uma combinação do
representativo, do abstrato, do
irreal e do inconsciente. Entre
muitas das suas metodologias
estão à colagem e a escrita
automática.

Marcel Duchamp, Gioconda. Em 1919, o


artista colocou um bigode sobre uma  Segundo os surrealistas, a arte
reprodução barata do célebre quadro de deve libertar-se das exigências
Da Vinci, com a inscrição LHOOQ.
da lógica e da razão e ir além
da consciência cotidiana,
procurando expressar o mundo do
inconsciente e dos sonhos. No
manifesto e nos textos escritos

32 | P á g i n a
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posteriores, os surrealistas recursa a lógica que rege a vida comum


rejeitam a chamada ditadura da das pessoas. Segundo o próprio pintor é
razão e valores burgueses preciso “contribuir para o total descredito
como pátria família, religião, trabal da realidade”.
ho e honra. Humor, sonho e a
contra lógica são recursos a serem
utilizados para libertar o homem da
existência utilitária. Segundo esta
nova ordem, as ideias de bom
gosto e de pudor devem ser
subvertidas.

 Mais do que um movimento


estético, o surrealismo é uma
maneira de enxergar o mundo,
uma vanguarda artística que
transcende a arte. Busca restaurar
os poderes da imaginação,
castrados pelos limites do
utilitarismo da sociedade burguesa,
e superar a contradição entre
objetividade e subjetividade,
tentando consagrar uma poética
da alucinação, de ampliação da
consciência. Breton declara no
Primeiro Manifesto sua crença na "A Persistência da Memória", de Salvador
possibilidade de reduzir dois Dalí, 1931.
estados aparentemente tão
contraditórios, sonho e realidade,
“a uma espécie de realidade
absoluta, de sobre realidade”.

Dos pintores surrealistas, Salvador


Dali, é sem duvida o mais conhecido, com
suas obras. A persistência da Memoria e a
Ceia Ele criou o conceito de “paranoia
critica” para referir-se á atitude de quem
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símbolos recorrentes em sua obra, tais


como o torso feminino, o chapéu coco, o

castelo, a rocha e a janela, entre outros


mais, porém de um modo impossível de
ser encontrado na vida real.

A Santa Ceia de Salvador Dalí.

O pintor René Magritte praticava o


surrealismo realista, ou “realismo mágico”.
Os Amantes II (1928), de René Magritte.
Começou imitando a vanguarda, mas
precisava realmente de uma linguagem
mais poética e viu-se influenciado pela
pintura metafísica de Giorgio de Chirico.

Obras e Características de René Magritte:

Pintor de imagens insólitas, às quais deu


tratamento rigorosamente realista, utilizou-
se de processos ilusionistas, sempre à
procura do contraste entre o tratamento
realista dos objetos e a atmosfera irreal
dos conjuntos. Suas obras
são metáforas que se apresentam como
representações realistas, através da
justaposição de objetos comuns, e

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Reprodução proibida’, óleo sobre tela de sistemática, mais próxima das ciências do
René Magritte. que das humanidades. Por outro lado,
suas possibilidades parecem ser tão
ilimitadas quanto as da ciência e da

tecnologia.
OP-ART
A razão da Op Art é a representação
A expressão “op-art” vem do inglês
do movimento através da pintura apenas
(optical art) e significa “ arte óptica”. O seu
com a utilização de elementos gráficos. A
percursor é Victor Vasarely, criador da
alteração das cidades modernas e o
plástica do movimento. Os trabalhos de op
sofrimento do homem com a alteração
art são em geral abstratos, e muitas das
constante em seus ritmos de vida também
peças mais conhecidas usam apenas o
são uma preocupação constante. A vida
preto e o branco. Quando são
rápida das cidades contribuiu para a
observados, dão a impressão de
percepção do movimento como elemento
movimento, clarões ou vibração, ou por
constituinte da cultura visual do artista.
vezes parecem inchar ou deformar-se.
Outro fator fundamental para a criação da
Apesar de ter ganho força na metade da
Op Art foi a evolução da ciência, que está
década de 1950, a Op Art passou por um
presente em praticamente todos os
desenvolvimento relativamente lento. Ela
trabalhos, baseando-se principalmente
não tem o ímpeto atual e o apelo
nos estudos psicológicos sobre a vida

emocional da Pop Art; em comparação, moderna e da Física sobre a Óptica.


parece excessivamente cerebral e
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Victor Vasarely , nascido em Hungria, foi


um pintor e escultor húngaro radicado
na França considerado o "pai da OP ART"
.

É, no entanto, o período entre 1950-


60 (período Black and White) que marca
definitivamente o trabalho de Vasarely,
uma vez que ao introduzir pela primeira
vez a sugestão de movimento sem existir
movimento real, cria uma nova relação
entre artista e espectador (que deixa de
ser um elemento passivo para passar a
interpretar livremente a imagem em
quantos cenários visuais conseguir
conceber), desenvolvendo e definindo os
elementos básicos do que será conhecido
como Op Art -um estilo e técnica que
permanecerá para sempre ligado ao seu
nome.

Experimentou o uso de
transparências e cores em projeções, Vega, Victor Vasarely, 1957.
produziu tapeçarias e publicou suas
primeiras gravuras. Seus quadros
É considerado um dos principais artistas
combinam variações de círculos,
do movimento Optical Art, entre suas
quadrados e triângulos, por vezes com
obras se destacam suas "Vegas", obras
gradações de cores puras, para criar
caracterizadas pela impressão 3D
imagens abstratas e ondulantes. Viajou
concedida as 'esferas', e por cores
por muitos países, sempre recebendo
contrastantes.
vários troféus.

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art interessam as imagens, o ambiente,


enfim, a vida que a tecnologia industrial
criou nos grandes centros urbanos. Os
recursos expressivos da arte pop são
semelhantes aos dos meios de
comunicação de massa, como o cinema, a
publicidade e a tevê. Em consequência
disso, seus temas são símbolos e os
produtos industriais dirigidos ás massas
urbanas: lâmpadas elétricas, dentifrícios,
automóveis, sinais de trânsito,
eletrodomésticos, enlatados e até mesmo
a imagem das grandes estrelas do cinema
norte-americano, que também é
consumida em massa nos filmes, nas
tevês e nas revistas. Um exemplo
bastante ilustrativo é o trabalho Marilyn
Monroe, feita por Andy Warhol.

Vega-Lep, Victor Vasarely ( 1970).


Nesse trabalho, realizado a partir de uma
fotografia, Andy Warhol reproduz em
sequencia, imagens de Marilyn Monroe
que, apesar das variações de cor, as
características marcantes da imagem real
permanecem invariáveis. Com isso, o
POP ART
artista talvez quisesse mostrar que assim
A expressão “pop-art” vem do inglês
como os objetos são produzidos em serie,
e significa “arte popular”. Esse Movimento
os mitos contemporâneos também são
artístico apareceu nos Estados Unidos por
manipulados para o consumo do grande
volta de 1960 e alcançou extensa
público.
repercussão internacional. A fonte da
criação para os artistas ligados a esse
movimento era o dia-a-dia das grandes
cidades norte-americanas, pois sua
proposta era romper qualquer barreira
entre a arte e a vida comum. Para a Pop-
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Roy Fox Lichtenstein, Na sua


obra, procurou valorizar os clichês
das histórias em quadrinhos como forma
de arte, colocando-se dentro de um
movimento que tentou criticar a cultura de
massa. O seu interesse pelas histórias em
quadradinhos (banda desenhada), como
tema artístico, começou provavelmente
com uma pintura do rato Mickey, que
realizou em 1963 para os filhos. Nos seus
quadros a óleo e tinta acrílica, ampliou as
características da banda desenhada e dos
anúncios comerciais, e reproduziu à mão,
com fidelidade, os procedimentos gráficos.
Empregou uma
técnica pontilhista conhecida como Pontos
Ben-Day para simular os
pontos reticulados das histórias. Cores
Marilyn Monroe
brilhantes, planas e limitadas, delineadas
por um traço negro, contribuíam para o
intenso impacto visual.

Crying Girl – Lichtenstein.

ANDY WARHOL, Campbell’s Soup II,


1969

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tornariam o protótipo das obras


conceptuais, como os readymades, ao
ARTE CONCEITUAL
desafiar qualquer tipo de categorização,
A arte conceptual ou arte
colocando-se mesmo a questão de não
conceitual foi iniciada nos anos 60 do
serem objetos artísticos.
século XX (1965); prevaleceu pela década
de 70, o que implicou uma remodelação
Apesar das diferenças pode-se
dos processos criativos e expressivos.
dizer que a arte conceitual é uma tentativa
Nesta arte valoriza-se mais a ideia da
de revisão da noção de obra de arte
obra do que o produto acabado, sendo
arraigada na cultura ocidental. A arte
que às vezes este (produto) nem mesmo
deixa de ser primordialmente visual e feita
precisa existir. É bastante se expressa
para ser olhada, e passa a ser
através de fotografias, vídeos, mapas,
considerada como ideia e pensamento.
textos escritos e performances. Não
Muitos trabalhos que usam a fotografia,
existem limites muito bem definidos para
xérox, filmes ou vídeo como documento
que uma obra seja considerada Arte
de ações e processos, geralmente em
Conceitual já que esta abrange vários
recusa à noção tradicional de objeto de
aspectos tendo como intenção desafiar as
arte, são designados como arte
pessoas a interpretar uma ideia, um
conceitual. Além da crítica ao formalismo,
conceito, uma crítica ou uma denúncia. O
artistas conceituais atacam ferozmente as
objetivo é que o observador reflita sobre o
instituições, o sistema de seleção de
ambiente, a violência, o consumo e a
obras e o mercado de arte. George
sociedade. Esta arte é vivenciada por
Maciunas, um dos fundadores do Fluxus,
todos os observadores do mesmo modo,
redige em 1963, um manifesto em que diz:
ou seja, ela não possui nenhuma
"Livrem o mundo da doença burguesa, da
singularidade aos olhos de quem a vê.
cultura 'intelectual', profissional e
Esta perspectiva artística teve os comercializada. Livrem o mundo da arte
seus inícios em meados da década de morta, da imitação, da arte artificial,
1960, parcialmente em reação da arte abstrata. Promovam uma arte viva,
ao formalismo, sendo depois uma antiarte, uma realidade não artística,
sistematizada pelo crítico nova-iorquino para ser compreendida por todos [...]". A
Clement Greenberg. Contudo, já a obra do contundente crítica ao materialismo da
artista francês Marcel Duchamp, nas sociedade de consumo, elemento
décadas de 1950 tinha prenunciado o constitutivo das performances e ações do
movimento conceitualista, ao propor artista alemão Joseph Beuys, pode ser
vários exemplos de trabalhos que se compreendida como arte conceitual.
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Embora os artistas conceituais critiquem a


reivindicação moderna de autonomia da
obra de arte, e alguns pretendam até
romper com princípios do modernismo, há
algumas premissas históricas que podem
ser encontradas em experiências
realizadas no início do século XX. Os
ready-mades de Marcel Duchamp, cuja
qualidade artística é conferida pelo
contexto em que são expostos, seriam um
antecedente importante para a
reelaboração da crítica dos conceituais.
Outro importante antecedente é
o Desenho de De Kooning Apagado,
apresentado por Robert Rauschenberg
em 1953. Como o próprio título enuncia,
em um desenho de Willem de Kooning,
artista ligado à abstração
gestual surgida nos Estados Unidos no
pós-guerra, Rauschenberg, com a
permissão do colega, apaga e desfaz o
seu gesto. A obra final, um papel vazio
quase em branco, levanta a questão sobre
os limites e as possibilidades de
superação da noção moderna de arte. Uma experiência emblemática é realizada
“ Fonte", de Marcel Duchamp pelo artista Robert Barry, em 1969, com
a Série de Gás Inerte, que alude à
desmaterialização da obra de arte, ideia
cara à arte conceitual.

Principais Artistas:

 Marcel Duchamp
 Joseph Beuys
 Nam June Paik
 Yoko Ono

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“I Like America and America Likes Me”


(Performance, 1974), Joseph Beuys.

Um mestre de peças de desempenho


convincentes, Beuys voou para Nova

“I Like America and America Likes Me” York, captado por uma ambulância, e
(Performance, 1974), Joseph Beuys. envolta em feltro, foi transportado para
uma sala no Bloco Galeria Rene. O quarto
também foi ocupada por um coiote
selvagem, e por um período de 8 horas
por dia para os próximos três dias, Beuys
passou seu tempo com o coiote no quarto
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pequeno, com pouco mais de um cobertor público cortava um pedaço de sua roupa
de feltro e um monte de palha. Enquanto até que não restasse mais nada para
no quarto, o artista envolvido em gestos cortar ou até que ela decidisse pelo
simbolistas, como golpear um triângulo e término da performance. Yoko
jogando suas luvas para o coiote. No final permaneceu todo o tempo sem se
dos três dias, o coiote, que havia se movimentar e em silêncio, com o olhar fixo
tornado bastante tolerante de Beuys, e distante, enquanto os convidados a
permitiu um abraço do artista, que foi cortavam. A atividade do público era o que
transportado de volta para o aeroporto resultava no êxito da comunicação, cito:
através de ambulância. Ele nunca pôs os “É então inquestionável que o público, na
pés em solo americano fora nem viu nada condição de parceiro participante no teatro
da América que não seja o coiote e o e não mais de mera testemunha do
interior da galeria. exterior, decide sobre o êxito na
comunicação.” (H. T. Lehmann, “Teatro e
performance”), ou seja, na performance
feita por Yoko como o público era
convidado a cortar um pedaço da sua
roupa ela só teve êxito pois houve
resposta à indicação.

Nas duas primeiras apresentações a


performer tem como principal inquietação
a Guerra do Vietnã. Aqueles cortes eram
como se toda a violência do mundo
recaísse sobre ela e ela aceitava essa
violência na sua maior passividade. Já em
2003 seu fio condutor foi o ataque de 11
de Setembro, onde as pessoas estavam
convivendo com uma intimidação
constante. Segundo Yoko: “As pessoas
ficaram sem voz.”. Por essa passividade
da sociedade diante dos acontecimentos,
ela relata que fez o Cut Piece pela paz e
Imagens da performance Cut Piece de pelo amor pedindo para as pessoas que
Yoko Ono. mandassem o pedaço que elas cortassem
A performance consistia na artista da sua roupa à pessoa amada.
sentada sozinha no palco enquanto o

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REFERÊNCIAS

SANTOS, Maria das Graças Vieira Proença dos. História da Arte. São Paulo: Ática,
2007.

GOMBRICH, E. H. A História da Arte; tradução de Álvaro Cabral. Rio de Janeiro:


LTC, 2012.

JANSON, H. W. Iniciação à História da Arte. Trad. Jefferson Luiz Camargo. 2.ed.


São Paulo: Martins Fontes, 1996.