HISTORIA DE LA MÚSICA 

Capítulo Burkholder “La música de cámara en la primera mitad del s.XVII”

 
Introducción 
La música de cámara vocal italiana  
Obras profanas en estilo concertato 
Basso ostinato 
Cantata 
Fuera de Italia 
La música Instrumental 
Tipos de música instrumental 
Tocata 
Ricercare y Fuga 
Fantasía 
Canzona 
Sonata 
Composiciones sobre melodías ya existentes 
Variaciones 
Una tradición separada 
Tradición e innovación  
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

 
 
 
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Capítulo Burkholder “La música de cámara en la primera mitad del s.XVII” 
 
 
Introducción 
Los músicos del siglo XVII eran conscientes del estilo y de su relación con las funciones sociales de la música. 
Distinguían entre música sacra, música de cámara y música para teatro, y reconocían los diferentes estilos 
más apropiados para cada género. 
Los géneros, las formas y los lenguajes idiomáticos de la música vocal e instrumental se siguieron 
desarrollando. 
El dramatismo y los elementos dramáticos que se incorporaron a la ópera, comienzan a expandirse al resto de 
géneros, y así es como llega a la música de cámara e instrumental de 1600-1650. Encontramos en este tipo de 
música una continuidad de los elementos del pasado y la influencia del nuevo estilo teatral. 
 
La música de cámara vocal italiana  
La ópera se había convertido en el centro musical de ciudades como Venecia, pero en otro lugares era aún algo 
extraordinario. La mayoría de música profana se interpretaba en eventos privados o estaban realizados por 
aficionados, por lo que no eran grandes producciones, sino grupos de música vocal de cámara.  
La música de cámara vocal apareció para las élites con una gran variedad de estilos y formas, en la que a 
menudo se incorporan elementos de los madrigales, de la monodia, las canciones de danzas, el recitativo 
dramático y el aria. El procedimiento del concertato Permitía la variación de las texturas. Los compositores 
utilizaban ritornelos, esquemas de bajo que se repetían, y contrastes de estilo para crear grandes formas 
musicales y enriquecer su música.  
 
Obras profanas en estilo concertato 
Desde principios del siglo, los compositores italianos sacaron a la luz piezas para voz solista o para pequeños 
conjuntos vocales con bajo continuo. En ocasiones incluían otros instrumentos. Se publicaron numerosas 
colecciones de estos tipos de música vocal. La mayoría de obras se escribieron para una, dos o tres voces, 
aunque algunas tenían 6 o más. Las formas y géneros eran madrigales, canzonetas, canciones estróficas, 
Arias, variaciones estróficas, diálogos y recitativos.Muchas de estas composiciones se dieron a conocer en un 
ámbito más amplio que el de las óperas, ya que estas se representaban muy pocas veces y para un público 
reducido y erudito. Muchas de las innovaciones propuestas en la Ópera se divulgación gracias a la canción 
profana. 
Evaluamos la importancia del cocerto a través de la evolución del Madrigal polifónico, ya que este pasa de ser 
un madrigal polifónico sin acompañamiento, a un madrigal concertato con acompañamiento instrumental, 
tal y como vemos desde el 5 al 8 libro de madrigales de Monteverdi. 
Tomando los libros de madrigales de Monteverdi como ejemplo, observamos que a partir de los seis últimos 
madrigales del libro quinto, todos contenían bajo continuo y algunos requerían de otros instrumentos. Solo, 
dúos y tríos se separan del conjunto vocal mientras aparecen introducciones y ritornelos instrumentales. El 
libro séptimo de madrigales se titula concerto, y consta de variaciones estróficas y canzonetta, además de 
madrigales transcompuesto. 
El libro octavo, titulado madrigales guerreros y amorosos, muestra una notoria variedad ya que en el 
encontramos madrigales a cinco voces, solos, dúos y tríos con continuo,piezas extensas para coro, solista y 
conjunto instrumental, además de pequeñas obras dramáticas. 
Los estilos usados van desde la polifonía imitativa y la declamación homofónica, hasta el recitativo operístico 
y estilo concitato. 
 
Basso ostinato 
Numerosas obras emplearon el bajo ostinato, un esquema que se repite en el bajo mientras cambia la melodía 
por encima de él. La mayor parte de bajo ostinato estaba en compás ternario o compuesto por lo general con 
una extensión de 2,4 u 8 compases. Otro esquema común consistía en un tetracordo descendente, un 
movimiento descendente por grados conjuntos que abarca una cuarta y que Monteverdi utilizó en su lamento 
della ninfa, en su octavo libro de madrigales. 
Muy diferentes eran las emociones transmitidas por los esquemas de bajo adaptados a partir de las chaconas, 
una canción y danza vivaz importada en España y después en Italia desde América latina. El estribillo seguía 
un simple esquema de acordes de guitarra.  

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Cantata 
Este nuevo género de música de Camón vocal surge en Italia en el siglo 17. La llamamos cantata ya que es una 
pieza para ser cantada. El término se aplicó antes de 1620 en una colección publicada de Arias en forma de 
variación estrófica. Para mediados de siglo, el término cantata designaba a una composición profana con 
continuo, generalmente para voz solista, sobre un texto lírico o casi dramático, que consiste en varias 
secciones de recitativos y arias. Entre los dos compositores más destacados de cantatas de mediados del siglo 
17 se encuentra Luigi Rossi, Antonio Cesti, Giacomo Carissimi y Barbara Strozzi. 
De Strozzi destacamos “Placeres de Euterpe”, obra representativa de canto a solo, al presentar secciones 
sucesivas de recitativo, arioso y aria.  
 
Fuera de Italia 
Los compositores de otras naciones imitan los estilos italianos. Los alemanes escribieron villanelles, 
canzonettas y otras canciones homofónica y estróficas, que poco a poco desplazaron a la antigua tradición 
polifónica del Lied alemán.En estilo italiano de monodia se propaga por alemania, Inglaterra y otros lugares 
del norte de Europa y para finales del siglo 17 los compositores alemanes y franceses comienzan a adoptar la 
cantata. 
Aún así en muchos países siguieron componiendo canciones de carácter nacional.  
En Francia, el género más importante de música vocal fue el a ​ ire de corte​, canción homofónica y estrófica a 
cuatro voces, o para voz solista con acompañamiento de laúd, cantada como música vocal independiente o 
como parte de un ballet de corte. Estos​ aires de corte​ eran bastante simples y casi siempre silábicos, siendo 
muy diferente a las canciones de otros lugares, ya que seguían las sílabas largas y cortas de el texto, en lugar 
de un esquema métrico regular. 
 
Los compositores ingleses continuaron escribiendo canciones para con sol, madrigales y canciones con laúd 
en la tradición nacional, aunque también compusieron canciones con acompañamiento de continuo para el 
entretenimiento de la corte y como solos independientes. Estos abarcan desde el estilo recitativo y las arias 
con ostinato, adoptadas de los modelos italianos, hasta ​aire de danza​ basados en los estilos autóctonos de la 
canción, o a​ ire de corte​ francés. 

La música Instrumental 
La interacción entre tradición e innovación típica de la primera mitad del siglo 17 es evidente en la música 
instrumental, tal y como lo fue en la música vocal. La música instrumental continúa aumentando su 
independencia de la música vocal, y llegó a equipararse con esta en cantidad y calidad. Los compositores 
practicaban aún la mayoría de los géneros de música instrumental del siglo 17, pero se concentraban en los 
abstractos e ignoraban los más dependientes de los modelos vocales, como las transcripciones. 
Los compositores tomaron muchos elementos típicos de los nuevos lenguajes instrumentales, incluido el 
empleo del bajo continuo, el interés por el movimiento de los afectos, la concentración en el solista y el uso de 
la ornamentación virtuosa, la composición idiomática, el contraste estilístico, e incluso estilos específicos 
como el recitativo y el aria.El violín que cada vez tuvo más importancia en el siglo 17, imito la voz humana y 
asimiló las técnicas vocales en su vocabulario propio. 
 
Tipos de música instrumental 
Existen distintas maneras de clasificar la música instrumental barroca: considerando la instrumentación, el 
ámbito, la nacionalidad o el tipo de composición. 
 
Instrumentación  Ámbito de ejecución o función social 

Obras a solo para teclado, laúd, tiorba, guitarra y arpa  La iglesia: música para órgano u oficios religiosos 

Obras de cámara para solista o grupo de cámara con continuo  Cámara: música para solista y pequeño grupo para eventos 
privados 

Obras para gran conjunto con dos o más intérpretes de voz  Teatro: música para teatros, ballets e interludios 

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Nacionalidad   Tipo de obra 

Los compositores italianos, franceses,   Obras para instrumentos de teclado y laúd en estilo improvisado: 
toccata, fantasía o preludio 

ingleses y españoles no coincidían en los géneros y elementos   Obras con secciones contrastantes: canzona o Sonata 

estilísticos empleados.  Obra que modifican una melodía, un coral o la melodía de un bajo: 
Variaciones 

  Composiciones sobre melodías ya existente: verso de órgano o 

preludio coral 

  Danzas y otras fiestas en estilizados ritmo independientes o 

agrupadas en suite 

Tocata 
Las tocatas y otras piezas de carácter improvisado se tocaban en el clave con música de cámara, o en el 
órgano, música de los oficios. Encontramos diferencias entre las dos casas pensadas para el órgano y el clave, 
ya que encontramos insistencia en los tonos prolongados y en la armonía inusual en las compuertas para 
órgano y no en las compuestas para clave. 
El más importante compositor de tocatas fue Girolamo Frescobaldi organista de San Pedro de roma. La tocata 
número 3 de su primer libro de tocatas para clave, es característica a disponer una sucesión de secciones 
breves, cada una concentrada en una figura particular sutilmente variada. Algunas secciones despliegan 
pasajes de virtuosismo, mientras que otras hacen pasar las ideas por distintas voces. Según el prefacio del 
compositor, las diversas secciones de estas tocatas pueden tocarse separadamente. El intérprete puede 
terminar la pieza con cualquier cadencia apropiada, lo que nos recuerda que en la época barroca la música 
escrita en la plataforma para la interpretación, no un texto inalterable. Frescobaldi indicó que el tempo no 
estaba sujeto a un ritmo regular, sino que podría modificarse de acuerdo con el sentido de la música, en 
especial a la hora de retardar las cadencias. 
 
El papel de las tocatas como música de la liturgia está entrado en Flores musicales de frescobaldi, un conjunto 
de tres misas para órgano, donde cada una contiene toda la música que un organista podía tocar en una misa. 
Las tres incluyen una tocata antes de la misa y otra durante la elevación de la hostia, antes de la comunión, y 
dos agregan otra tocata está antes del ricercare.Estás loca estás son más breves que las que compuso para 
clave, aunque están igualmente divididas en secciones. 
 
El alumno más famoso de Frescobaldi fue Johann Jakob Froberger, organista de la corte imperial de Viena. 
Las tocatas de Froberger tiende a alternar pasajes improvisados con secciones en contrapunto imitativo. Sus 
piezas fueron el modelo de la posterior confluencia de tocata y fuga, como sucede en las obras de Buxtehude, 
o de su emparejamiento como en las tocatas o preludios y fugas de Bach. 
Ricercare y Fuga 
El ricercare del siglo 17 consistía por lo general en una composición seria para órgano o clave en la que un 
sujeto o tema se desarrollaba continuamente en la imitación. A principios del siglo 17, algunos compositores, 
especialmente en Alemania, empezaron a aplicar a estas composiciones el término fuga usado para la técnica 
de la imitación como tal, como nombre de un género de piezas serias que trataban un tema en continua 
imitación. Las fugas adquirieron una importancia creciente a finales del siglo 17 y principios del siglo 18. 
 
Fantasía 
La fantasía para teclado, una obra imitativa de mayor envergadura que el ricercare, tenía una organización 
formal más compleja. Los compositores de fantasías más destacados fueron el organista grandes Jean 
Pieterszoon Sweelinck y su discípulo Samuel Scheidt. En las fantasías de Sweelinck, una exposición fugada 
conduce generalmente a secciones sucesivas con diferentes contra sujetos, donde en ocasiones el sujeto se 
elabora en incremento o disminución rítmica. Scheidt adoptó la moderna práctica italiana de escribir cada 
voz en un pentagrama separado. Las obras de Scheidt y su influencia como maestro, fueron el fundamento 
para el desarrollo de la música para órgano en el norte de Alemania. 

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En inglaterra, la música para consort de violas fue un pilar de la interpretación de música con función social. 
El género más relevante era la fantasía imitativa, que sometía a elaboración uno o más sujetos.Entre los 
compositores conocidos tenemos a Alfonso Ferrabosco el Joven, hijo de un músico italiano activo en la corte 
de la reina isabel, y John Coprario, cuyo nombre italianizado (su apellido era Cooper) es un ejemplo de la 
moda italiana existente en Inglaterra. 
 
Canzona 
La canzona era una pieza imitativa para teclado o continuo, en varias secciones contrastantes e interpretada 
como música de cámara o de iglesia. Las calzonas exponían tema marcadamente rítmicos y tenía un carácter 
más animado que los ricercares. En las misas para órgano de Frescobaldi podemos ver el papel que las 
canzonas desempeñan en los oficios, ya que todas incluye una canzona después de la epístola y dos tiene otra 
tras la comunión. En algunas canciones para teclado, y en la mayoría de ellas para conjuntos, cada sección 
trata un tema diferente en imitación u ofrece una textura no imitativa como contraste. En otro tipo, llamado 
canzona variación​, las transformaciones de un único tema aparecen en secciones sucesivas. 
 
Sonata 
Este término se usa frecuentemente para referirse a cualquier pieza instrumental. Gradualmente pasó a 
designar una composición semejante a la canzona en la forma pero con rasgos característicos particulares. 
Las sonatas se componían con frecuencia para uno o dos instrumentos melódicos, mientras que la canzona 
para conjunto era escrita a cuatro o más voces y podía tocarse sin continuo.  
Las sonatas explotaban las posibilidades idiomáticas de un instrumento particular e imitaba en estilo vocal 
expresivo moderno, mientras que la típica canzona ponía de manifiesto la calidad formal y abstracta de la 
polifonía renacentista. 
 
Destacamos como compositor a Biagio Marini, y en concreto sus sonatas para violín y continuo. Estas tienen 
secciones contrastantes como los canzonas, aunque casi todas exponen gestos idiomáticos del violín, 
incluidos saltos grandes, registros dobles, escalas, trinos y ornamentos.  
A mediados del siglo 17, la canción y la sonata confluyen entre sí y el término sonata pasó a significar ambas 
cosas. 
 
Composiciones sobre melodías ya existentes 
En el siglo 17, tal y como se hacía en el siglo 11, los organistas improvisaban o laboraban composiciones sobre 
melodías liturgicas para su uso en la iglesia. Esta obra es contaban con versos de órganos sobre canto 
gregoriano, como las composiciones de Kyrie Christy de las misas para órgano de Frescobaldi, y los diversos 
tipos de composiciones sobre corales conocidas colectivamente como ​corales para órgano​ o p ​ reludios corales. 
Los compositores del centro de Alemania y del Norte escribieron un gran número de composiciones sobre 
corales de gran variedad formal en la segunda mitad del siglo, aunque estas ya aparecen en obras de Schedit. 
Variaciones 
Las composiciones de teclado y de la UZ escribieron conjuntos de variaciones sobre temas prestados o de 
nueva composición. Estas obras se conocían como variaciones o partita. Las técnicas más comunes de 
variación son las siguientes: 
 
● La melodía se repite con pocos cambios pero está rodeada de diferente material contrapuntístico en 
cada variación, pudiendo estos pasar de una voz a otra. A veces podemos llamarla variaciones 
cantus-firmus.​Estas variaciones fueron puestas en práctica por Sweelinck. 
● La melodía de la voz superior recibe una ornamentación diferente en cada variación, mientras en 
armonía permanece sin cambios. 
● El bajo o progresión armónica se mantiene constante mientras la figuración cambia. En ocasiones el 
contorno melódico está asociado al bajo, pero puede ocultarse en las variaciones. 
De este último tipo, las formas más conocidas son las Chaconne y Passacaglia. La primera deriva de la 
chacona, y la última del pasacalles español. Las variaciones para teclado más antiguas que se conocen 
con estas formas son las ​partite sobra ciaccona​ y p
​ artite sobra pasacagli ​ de Frescobaldi. 
 

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Durante una generación, Chaconne y passacglia, se usaron en Francia, Alemania y otros lugares como 
términos para las variaciones sobre un bajo ostinato, ya fuese tradicional o de nueva composición, 
normalmente con una extensión de 4 compases, en compás ternario y tempo lento. Estás nuevas 
composiciones aparecieron en la música para teclado solo, en la música de cámara y en la música 
teatral de danza. En los siglos posteriores, las distinción entre las dos se debilitaron y ambos términos 
se volvieron intercambiables. 
 
Música de danza 
Se componían danzas para los bailes sociales, los espectáculos teatrales y de forma estilizada como música de 
cámara para laúd, teclado o continuo.La música de danza ocupa un lugar central en la vida musical que los 
ritmos de danza impregnaron otras músicas vocales e instrumentales ya fueran sacras o profanas. La idea de 
poner juntas algunas danzas hizo posible la creación de la suite de varias danzas, usadas para bailar o como 
música de cámara. El “banquete musical” de Johann Hermann Scheim consta de 20 suites para cinco 
instrumentos con continuo, y cada una sigue la secuencia de pavana, gallarda, courante, allemande y tripla. 
Alguna de las suites se construida sobre una idea melódica que reaparecía de forma variada en cada una de las 
danzas, y otras se vinculanban mediante semejanzas melódicas. 

Una tradición separada 

Conforme los compositores se concentran más en los géneros abstractos, la música instrumental adquirió 
mayor relieve como tradición separada de la música vocal y digna de atención por sí misma. Las tocatas, 
ricercare y variaciones de Frescobaldi se han comparado a oraciones que mantiene la atención del oyente 
mientras se expone y desarrollan las ideas musicales . Se trata de un nuevo papel de la música sin palabras, 
que va más allá de la contemplar la música como un ornamento o recurso expresivo de la voz. 
Gracias a esta nueva visión de la música instrumental, las generaciones posteriores desarrollaron las fugas, la 
Sonatas y la sinfonías. 
 
Tradición e innovación  
La oleada de innovaciones de principios del siglo 17 es tan evidente en la música de cámara, en la música 
sacra y la música instrumental de la época tal y como lo es en el desarrollo de la ópera. Sin embargo estos 
tipos diversos de música se basaron también a conciencia en tradiciones del siglo 16, redefinieron géneros y 
concepciones ya existentes y los combinados con los nuevos estilos y técnicas.  
Destacamos la importancia de este periodo ya que dio las pautas para las generaciones anteriores. En este 
periodo se crearon nuevos géneros como la cantata, el concierto sacro, el oratorio, la sonata, la partita, la 
chacona, el pasacalles y la suite de danzas. Estableció técnica como el bajo continuo, el bajo ostinato y el 
conciertazo, y fomento nuevas técnicas expresivas y la tradición instrumental. Un desarrollo destacable es el 
hecho de reconocer que los diferentes testigos eran apropiados para distintas situaciones.  
 
 
El estilo antiguo se conservó y practicó junto a los estilos nuevos, por su asociación con la música sacra y con 
la pedagogía.La mayoría de los estilos odio tilizar se fuera de sus conceptos originales como por ejemplo el 
empleo de los estilos teatrales en la iglesia. Esta nueva música tuvo una vida efímera ya que está cayó 
prácticamente en desuso a finales de siglo. La música de principios del siglo 17, fue redescubierta a finales del 
siglo 19 y durante todo el siglo 20. Buena parte se ha publicado en ediciones académicas y se ha llevado a 
estudios de grabación. Hoy en día encontramos interpretaciones de obras de Monteverdi y Frescobaldi de 
obras de mitad del siglo 17 con relativa frecuencia, pero debemos destacar que hasta décadas de recientes su 
música no fue tan conocida como la de palestrina, Vivaldi o Bach.