A arte contemporânea tem suas raízes no Expressionismo Abstrato

Desde o início do século 20, alguns artistas se afastaram da representação realista e da

representação da figura humana, e avançaram cada vez mais para a abstração. Em Nova York
após a Segunda Guerra Mundial, o mundo da arte cunhou o termo "expressionismo abstrato"
para caracterizar um movimento de arte que não era nem completamente abstrato nem
expressionista. No entanto, o movimento desafiou os artistas a dar mais ênfase ao processo de
fazer arte do que ao produto final. Artistas como Jackson Pollock levaram a criação de arte a
alturas coreográficas, pingando tinta em gestos grandiosos, mas espontâneos. Como um crítico
observou, a tela era um campo de ação do artista - "o que estava acontecendo na tela não era
uma imagem, mas um evento". Essa noção de arte como um evento, que emergiu no
expressionismo abstrato, influenciou grandemente os movimentos de arte que se seguiram e
continua a inspirar os artistas que vivem hoje.

Jana Sterbak

Vanitas: Flesh Dress for an Albino Anorectic (1987).

Vanitas: Flesh Dress for an Albino Anorectic (1987) é um vestido costurado à mão feito de vinte
e três quilos de bife de flanco cru curado. A decomposição gradual da carne é essencial para o
trabalho, e o vestido deve ser refeito para cada exibição para permitir que os espectadores
testemunhem o processo de deterioração. Através do uso de material perecível, a Vanitas
fornece um comentário crítico sobre as relações de poder e o mundo da arte. A declaração do
trabalho depende da sua deterioração, daí o título, em referência à arte vanitas histórica.1

VÍDEO SAM TAYLOR

A deterioração como memento mori na obra de Damien Hirst

Damien Hirst

The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (1991)

1
Vanitas: Flesh Dress for an Albino Anorectic is a hand-sewn dress made from twenty-three
kilos of cured raw flank steak. The gradual decomposition of the flesh is essential to the work,
and the dress must be remade for every showing to allow viewers to witness the process.
Through the use of perishable material, Vanitas delivers a critical commentary on power
relations and the art world. The work’s statement depends upon its deterioration, hence the
title, in reference to historical vanitas* art.
This shark is considered the iconic work of British art in the 1990s, and has become a symbol of
Britart worldwide. It was funded by Charles Saatchi who in 1991 had offered to pay for
whatever artwork the artist wanted to create. The shark itself cost Hirst £6,000 and the total
cost of the work was £50,000. In 2004 it was sold to Steven A. Cohen for an undisclosed
amount, widely reported to have been $8 million – or $12 milion.The shark was caught off
Hervey Bay in Queensland, Australia, by a fisherman commissioned to do so. It was supposed
to be something “big enough to eat you”.

Criado em 1991 por Damien Hirst, intitulado "A Impossibilidade Física da Morte na Mente de
Alguém Vivo" é uma obra de arte que consiste em um tubarão-tigre preservado em
formaldeído em uma vitrina.

Porque o tubarão foi inicialmente preservado mal, começou a deteriorar-se e o líquido

circundante ficou turvo. Hirst atribui um pouco da decadência ao fato de a Galeria Saatchi ter
adicionado alvejante a ela. Em 1993, a galeria destruiu o tubarão e esticou sua pele sobre um
molde de fibra de vidro, e Hirst comentou: “Não parecia tão assustador… Você poderia dizer
que não era real. Quando Hirst ficou sabendo da venda iminente de Saatchi para Cohen, ele se
ofereceu para substituir o tubarão, uma operação que Cohen então financiou, chamando a
despesa de "inconseqüente" (o processo de formaldeído por si só custava cerca de US $
100.000).

Como ele disse então: "Eu costumo trabalhar em coisas depois de um colecionador tê-las",
disse o artista. "Recentemente, eu chamei um colecionador que é dono de uma pintura de
mosca porque eu não gostei do jeito que parecia, então eu mudei um pouco."

Outro tubarão foi pego em Queensland e enviado para Hirst em uma viagem de dois meses.
Oliver Crimmen, cientista e curador de peixes do Museu de História Natural de Londres,
ajudou na preservação do novo espécime em 2006. Isso envolveu injetar formaldeído no
corpo, bem como embebê-lo por duas semanas em um banho de 7% de solução de formalina.
A vitrina original de 1991 foi então usada para abrigá-la.2

Segundo o artista, o título era “apenas uma afirmação que usei para descrever a ideia de
morte para mim mesmo”. Pensado antes da escultura, foi tirado da tese de Hirst sobre
hiperrealidade e o trabalho de Robert Longo e Umberto Eco. Hirst lembra que gostou da falta
de jeito poético do título por causa do modo como ele expressava "algo que não estava lá, ou
estava lá".

A escultura, gerou uma atenção colossal da imprensa quando exibida na "YBA 1" da The
Saatchi Gallery, na Boundary Road, em Londres (1991). Explicando “Eu não queria apenas uma
mesa de luz ou uma pintura de tubarão” A intenção de Hirst era forçar o espectador a sair de
seu elemento introduzindo em um ambiente de galeria, um tubarão que era “real o suficiente
para assustar você”. Ao isolar o tubarão de seu habitat natural, com o formaldeído
proporcionando uma ilusão de vida, o trabalho explora nossos maiores medos e a dificuldade
de tentar expressá-los adequadamente. Como Hirst afirma: "Você tenta evitar [a morte], mas é
uma coisa tão grande que você não pode. Essa é a coisa assustadora, não é?”3.

2
Created in 1991 by Damien Hirst, entitled “The Physical Impossibility of Death in the Mind of
Someone Living” is an artwork that consists of a tiger shark preserved in formaldehyde in a
vitrine.

Because the shark was initially preserved poorly, it began to deteriorate and the surrounding
liquid grew murky. Hirst attributes some of the decay to the fact that the Saatchi Gallery had
added bleach to it. In 1993 the gallery gutted the shark and stretched its skin over a fiberglass
mold, and Hirst commented, “It didn’t look as frightening … You could tell it wasn’t real. It had
no weight.” When Hirst learned of Saatchi’s impending sale of the work to Cohen, he offered
to replace the shark, an operation which Cohen then funded, calling the expense
“inconsequential” (the formaldehyde process alone cost around $100,000).

As he said then: “I frequently work on things after a collector has them,’’ the artist said. “I
recently called a collector who owns a fly painting because I didn’t like the way it looked, so I
changed it slightly.’’

Another shark was caught off Queensland and shipped to Hirst in a 2-month journey. Oliver
Crimmen, a scientist and fish curator at London’s Natural History Museum, assisted with the
preservation of the new specimen in 2006. This involved injecting formaldehyde into the body,
as well as soaking it for two weeks in a bath of 7% formalin solution. The original 1991 vitrine
was then used to house it.
3
According to the artist, the title was, “just a statement that I had used to describe the idea of
death to myself”. Thought of prior to the sculpture, it was taken from Hirst’s student thesis on
Hyperreality and the work of Robert Longo and Umberto Eco. Hirst recalls liking the title’s
poetic clumsiness because of the way it expressed, “something that wasn’t there, or was
there”.[1]

The sculpture, which successfully pushed the boundaries of contemporary art, generated
colossal press attention when exhibited at The Saatchi Gallery’s ‘YBA 1’ at Boundary Road in
London (1991). Explaining “I didn’t just want a lightbox, or a painting of a shark” Hirst’s
intention was to force the viewer out of their element by introducing into a gallery setting, a
https://www.saatchigallery.com/aipe/damien_hirst.htm

+ VIDEO

The World’s Most Expensive Hotel Suite, Designed by Damien Hirst

https://www.bloomberg.com/news/photo-essays/2019-03-01/damien-hirst-designs-100-000-
per-night-las-vegas-hotel-room

http://www.artnews.com/2019/03/01/damien-hirst-suite-palms-las-vegas/

Dr. Hagens’ Body Worlds: When Dead Bodies Become Art

http://scribol.com/art-and-design/art/dr-hagens-body-worlds-when-dead-bodies-become-art/

shark that was “real enough to frighten you”.[2] By isolating the shark from its natural habitat,
with the formaldehyde providing an illusion of life, the work explores our greatest fears, and
the difficulty involved in adequately trying to express them. As Hirst states: “You try and avoid
[death], but it’s such a big thing that you can’t. That’s the frightening thing isn’t it?”[3]