Qué es el diseño de modas

El diseño de moda es el arte de aplicar el diseño y la estética o la belleza natural de prendas de vestir
y accesorios. El diseño de moda se ve influenciada por las latitudes culturales y sociales, y varían con
el tiempo y el lugar. Los diseñadores de moda funcionan de diversas maneras en el diseño y
accesorios de la ropa, debido al tiempo requerido para llevar una prenda de vestir en el mercado ya
veces tienen que predecir los gustos cambiantes de los consumidores.

El curso también puede promover el diseñador en

diversas áreas, tales como el trabajo en empresas,
comercios, en sus propias y otras formas de trabajo.
Este trabajo requiere mucha atención para saber lo que
está en la “moda”, pero no necesariamente el trabajo
con la producción de ropa, el diseñador puede trabajar
con la fotografía, la consultoría, la producción de
espectáculos (en esta zona, por lo general, la
rentabilidad es mayor cuando el diseñador de moda se
llama sólo para coordinar el trabajo).

Hay un mercado de gran crecimiento para un

profesional del diseño de la moda, ya que la demanda
de productos relacionados con el mundo de la moda ha
crecido constantemente en los últimos años. En la
actualidad, ya que el profesional no sólo opera en la
producción de ropa, mirando a ser un diseñador de
moda es cada vez mayor. A pesar de la fuerte competencia, un diseñador puede soportar fácilmente
de otros profesionales de la creatividad. El mercado ha estado buscando profesionales que tienen la
suficiente práctica, por lo que siempre estar en contacto con la profesión es muy importante.

El mercado de diseño de moda, fotógrafo profesional, podría pagar R $ 15.000 a la 25.000 para cada
puesto de trabajo o desfile. Y una buena cosa, es que esta parte del diseño no es tan buscado, porque
muchas personas no les gusta la fotografía. Lo que abre las puertas tanto para el diseñador. Los
diseñadores de moda intentan diseñar ropa que son funcionales, así como estéticamente agradable.
Se deben tener en cuenta que se puede usar la ropa y las situaciones en las que se utiliza.

Tienen una gran variedad de combinaciones de materiales y para trabajar una amplia gama de colores,
diseños y colores para elegir. Aunque la mayor parte de la ropa usada para pasar el día a día en una
estrecha gama de estilos convencionales, prendas inusuales suelen ser buscados para las ocasiones
especiales, tales como vestidos para fiestas.
Algunas prendas están hechas específicamente para un individuo, como en el caso de la alta costura
o sastrería a medida. Hoy en día, la mayoría de las prendas están diseñadas para el mercado de
masas, especialmente casual y día a día.

¿Sabías que la moda de diseño se remonta hasta los tiempos del Antiguo Egipto?
Los egipcios, junto con los griegos y romanos, formaron civilizaciones extraordinarias muy
adelantadas a su tiempo. Así, al igual que desarrollaron artes como la literatura, la música y la pintura,
fueron también desarrollando una gran creatividad en el diseño y un gran gusto por la moda.

La moda de diseño, entendida como la capacidad creativa de sastres y modistos de inventar nuevas
prendas y cortes, fue in crescendo. La variedad de telas, cortes y colores fue cambiando
constantemente creándose tendencias que iban y venían, tal y como ocurre en nuestros tiempos.

Aunque cada cultura tuvo su peculiar moda de diseño, se puede apreciar una evolución de estos
pueblos hasta que la revolución industrial y los modernos canales de distribución hicieron que la moda
de diseño se convirtiese en un arte capaz de crear tendencias a nivel mundial. Desde en femenino te
proponemos un viaje a través de la historia de la moda de diseño para conocer las tendencias de
cada época.
Diseño de moda en el Antiguo Egipto
Ya en aquella época los nobles egipcios utilizaban distintos tipos de tela y patronaje para distinguir su
posición social a través de su ropa y existían sastres y modistos. Además, los egipcios adinerados
utilizaban pieles cortadas por modistos y piedras preciosas para adornar sus atuendos. Inicialmente
usaban algodón y más tarde el lino porque era considerado más puro. El color más habitual era el
blanco, acompañado de dibujos en los bordes.

La moda de los egipcios:

Los hombres llevaban un schenti y las mujeres un kalasiri. El schenti era una falda corta con extremos
cruzados que se ceñían a la cintura. El kalasiri era un vestido largo de una pieza con dos tirantes que
cubrían los senos. Había grandes diferencias según la clase social. Los obreros iban semidesnudos,
tapados por un taparrabos, mientras que las mujeres de clase alta cada vez iban más cubiertas. Otra
moda entre los ricos era la depilación, tanto masculina como femenina, ya que el vello corporal era
considerado como impuro y opuesto a lo divino.
 © Kalasiris egipcios | diariojudio.com
Diseño de moda en la Grecia clásica
Los modistos griegos utilizaban lino, lana y pieles para elaborar la ropa. La moda de diseño se
diferenciaba de la egipcia por la introducción de gran variedad de prendas. La diferenciación de moda
otoño-invierno y primavera-verano comenzaba con el pueblo griego. Sin embargo, las diferencias entre
ropa de hombre y ropa de mujer eran menores que en la tierra del Nilo.

Las prendas esenciales eran el chitón y el himatión. La primera era una túnica y la segunda una capa.
Además de éstas, los guerreros llevaban una especie de pantalón, jalecos (chalecos) con medias
mangas y algunos hombres de clases altas incluso llevaban un faldellín (falda corta) que hoy sigue
siendo una prenda tradicional griega y que era la prenda más parecida a las de la moda de diseño
egipcia.

La ropa femenina era objeto de deseo y existían distintos estilos. Las mujeres de Atenas llevaban
modelos complicados, en ocasiones ajustados y, muy habitualmente, llevaban adornos como volantes
y bordados. Aunque existían vestidos de todos los colores y dibujos, el verdadero lujo de las mujeres
eran las joyas, especialmente aquellas que utilizaban para decorar su pelo con diademas.

© Moda griega | Pinterest

Diseño de moda en la Roma clásica
La moda de diseño de Roma fue la más rica de todas. El famoso escritor romano Plauto llegó a parodiar
en una de sus comedias los grandes gastos que realizaban los romanos para tener un armario lleno.
Esta fue la época de esplendor de bordadores, camiseros, curtidores, tintoreros y zapateros. A
diferencia de los griegos, los romanos cosían sus telas, principalmente de lino e hilo. Los romanos más
ricos se permitían el lujo de tener sastres entre sus esclavos, aunque los oficios artesanos relacionados
con la moda de diseño fueron ganando prestigio progresivamente.

Los romanos utilizaban amplias telas para cubrir su cuerpo. La prenda por excelencia era la toga
aunque la prenda que siempre llevaban era la túnica, ya que esta iba inmediatamente pegada a su
cuerpo. Era parecida al chitón griego y el corte era el mismo tanto para hombre como para mujer.

En cuanto al calzado romano, aunque la sandalia seguía siendo un habitual había distintas versiones
como la cáliga y el campago y numerosos accesorios como anillos, brazaletes y collares. Estos
accesorios también los llevaban junto con cadenas de oro, perlas y piedras como rubíes y esmeraldas.

© Moda en la Roma clásica | historiadelascivilizaciones.com

Moda de diseño en la Edad Media

La moda de diseño de la Edad Media sigue estando liderada por los romanos aunque éstos adoptaron
prendas y estilos de bárbaros, bizantinos y árabes. Salvo para actos oficiales, los romanos dejaron de
utilizar la toga, influenciados por el pudor de las creencias cristianas. La tendencia de la moda de diseño
fue la de cubrir el cuerpo.

Una de las primeras adopciones fue el uso de bragas (no las modernas, sino una especie de pantalones)
que utilizaban los bárbaros. También se adoptaron las calzas, unas medias de paño o cuero de distintos
colores. Las túnicas se seguían utilizando pero más amplias y siempre por encima de las bragas o las
calzas.

De los árabes se tomaron los zaragüelles (calzones anchos), fajas, turbantes y gorros. La moda de
diseño morisca hizo común en España el uso de pequeños turbantes y la aljuba, una corta túnica ceñida
al brazo y a la cintura pero ancha en el resto del cuerpo. Incluso después de la Reconquista se llevaba
esta prenda con botones en las mangas. En esta época lograron gran popularidad los talleres de moda
de diseño que innovaban distintas prendas como calzas a la española y talles como jubones y corpiños.
Aunque la mayor novedad fueron, sin lugar a dudas, las faldas, que llegaron desde Italia.
 © Moda en la Edad Media | Pinterest
Diseño de moda en la Edad Moderna
La moda de diseño de la Edad Moderna se caracteriza por grandes cambios de principio a fin. El
Renacimiento fue la época de esplendor de la moda italiana con sombreros de plumas, zapatos de
punta ancha y sombreros de pluma. Las mujeres continúan llevando jubones y corpiños y se imponen
las faldas y sobrefaldas hasta que en España se impone el verdugado, una saya acampanada sostenida
por un armazón de alambres o madera.

Al Renacimiento le sigue un tiempo de influencia francesa. La moda de diseño francesa incluye medias
de seda y vestidos con pliegues y mangas estrechas. La mujer sigue llevando verdugados anchos con
corpiños ajustados o faldas rectas a las que incorporan una larga cola y el cuello doblado. Se empiezan
a llevar los zapatos de tacón, los escotes, las chaquetas de manga larga y la tendencia del peinado es
de rizos y gran volumen.

A medida que se acerca la Revolución Industrial se empiezan a llevar vestidos, pelucas y grandes
sombreros aunque en España lo que se impone son las mantillas para la cabeza, siendo las más
admiradas las de fabricadas en seda.
 © Moda del Renacimiento | historiadeltraje.wordpress.com
Diseño de moda en la Edad Contemporánea
La moda de diseño se ha desarrollado a una velocidad frenética en el Siglo XX, edad contemporánea.
Algunos consideran que la moda comienza en el 1900 con la llamada silueta S, una especie de
“wonderbra” que empujaba los pechos hacia arriba. Pasando por los encajes y la Belle Epoque se llega
a un período de moda más cómoda para la mujer en los años 20. En las fiestas se llevaban los escotes
y en las calles las chaquetas.

Moda en los años 30

En los años 30 se popularizaron los pantys y los trajes de chaqueta y, en los años 40, se volvió a un
look más elegante de manos de Christian Dior con vestidos más ceñidos a la cintura. Las curvas
femeninas se asociaron a un ideal de belleza con actrices como Marilyn Monroe como referentes.

Moda en los años 60 y 70

Empezaban a imponerse los zapatos puntiagudos, accesorios y complementos como bolsos que se
llevaban al codo y estampados de flores que, en los años 60, son sustituidos por pantalones de
campanay blusas de algodón. En los años 70 se mantienen los temas floreados que se mezclan con
“moda retro”, triunfando las botas entre las mujeres.

Moda en los años 80 y 90

En los años 80 y 90 se sigue en una línea de libertad de expresión y comodidad con la novedad de la
transparencia en la ropa. La lencería deja de ser un tabú y es habitual que los tirantes de los sujetadores
sean visibles, permitiendo a la mujer mostrarse como quiera. Cada vez más los looks se asocian a
grupos sociales y camisetas con mensajes y se popularizan el tinte de pelo, los piercings y los tatuajes.
 © Moda años 80
Diseño de moda en el siglo XXI
A partir del siglo XXI, año 2000 se empieza a hablar de tribus urbanas y se asocian una serie de marcas
y estilos a cada una de estas “tribus”. El traje y los vestidos clásicos se llevan solo en ocasiones
especiales y para trabajar en entornos exclusivos o de cara al cliente. Nace una tendencia hacia la
customización de la ropa. Son muchas las personas que crean sus propias prendas y accesorios y las
opciones de diseño y personalización se incluyen en procesos de fabricación a escala mundial.

La ropa es un reflejo de la personalidad y la individualidad de cada persona, una forma más de

expresarse. Los trajes y vestidos de marcas de lujo se vuelven a pedir a medida y se paga por la
exclusividad. La moda de diseño vuelve a ser trendy y se considera artistas a modistas y diseñadores
de moda.
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© Disney/ Style
HISTORIA DE DISEÑOS DE MODA Y SU TRAYECTORIA.

El diseño de modas difiere del diseño de vestuario debido al hecho de que su producto principal tiende
a quedar obsoleto después de una o dos temporadas, usualmente. Una temporada está definida como
otoño/invierno o primavera/verano. Se considera generalmente que el diseño de modas nació en el
siglo XIX con Charles Frederick Worth, que fue el primero en coser a las prendas una etiqueta con su
nombre. Mientras todos los artículos de vestimenta de cualquier período de la historia son estudiados
por los académicos como diseño de vestuario, sólo la ropa creada después de 1858 puede ser
considerada como diseño de modas.
Los diseñadores de modas diseñan ropa y accesorios. Algunos diseñadores de alta costura son
independientes laboralmente y diseñan para clientes individuales. Otros cubren las necesidades de
tiendas especializadas o de tiendas de departamentos de alta costura. Estos diseñadores crean
prendas originales, así mismo como los que siguen tendencias de moda establecidas. Sin embargo, la
mayoría de los diseñadores de modas trabajan para fabricantes de ropa, creando diseños para
hombres, mujeres y niños en el mercado masificado. Las marcas de diseñador que tienen un 'nombre',
tales como Calvin Klein o Ralph Lauren son generalmente diseñadas por un equipo de diseñadores
individuales bajo la dirección de un director de diseño.

Historia del diseño de modas

Comienzos de la alta costura
El primer diseñador de modas que no era simplemente un modisto fue Charles Frederick Worth (1826–
1895). Antes de que estableciera su maison couture (casa de modas) en Paris, el diseño y creación de
ropa era manejado por un gran número de modistas anónimas, y la alta moda estaba basada en los
estilos usados en cortes reales. El éxito de Worth fue tal que pudo ordenar a sus clientes lo que debían
usar, en lugar de seguir su dirección como los modistos solían hacer. El término couturier (costurero)
fue, de hecho, acuñado para referirse a él. Fue durante este período que muchas casas de modas
comenzaron a contratar artistas para bosquejar o pintar diseños de prendas. Las imágenes por sí
mismas podían ser presentadas a los clientes de forma mucho más económica que produciendo una
prenda de muestra en el taller de trabajo. Si al cliente le gustaba la prenda, ésta era ordenada y pagada.
Por lo tanto, la tradición de bocetos de prendas comenzó como un método de las casas de modas para
economizar.

Comienzos del siglo XX

A lo largo de los primeros años del siglo XX, prácticamente toda la alta moda se originó en Paris y en
menor medida en Londres. Las revistas de modas de otros países enviaban editores a los espectáculos
de moda de París. Las tiendas de departamentos enviaban compradores a los desfiles de París, donde
compraban prendas para copiar (y robaban abiertamente las líneas de estilo y el corte de otras). Tanto
en los talleres que fabricaban trajes sobre medidas como las tiendas de ropa lista para usarse aparecían
las últimas modas de París, adaptadas a las características económicas y cotidianas de los clientes de
las tiendas.

En este momento la división entre alta costura y ropa lista para usarse no estaba todavía claramente
definida. Los dos modos independientes de producción todavía no llegaban a ser competidores, y, de
hecho, coexistían en casas donde las modistas elaboraban prendas de ambos modos.

En los primeros años del siglo las revistas comenzaron a incluir también fotografías de los conjuntos y
se volvieron aún más influyentes que en el pasado. En las ciudades alrededor del mundo estas revostas
tenían un gran efecto en el gusto público y eran muy solicitadas. Ilustradores talentosos como Paul
Iribe, Georges Lepape, Erté, y George Barbier dibujaban cuadros de modas exquisitos para estas
publicaciones, que cubrían los más recientes desarrollos en moda y belleza. Tal vez la revista de moda
más famosa del momento era La Gazette du bon ton, que había sido fundada en 1912 por Lucien Vogel
y regularmente publicada hasta 1925, con la excepción de los años de la guerra.

Mediados de siglo
La Segunda Guerra Mundial creó muchos cambios radicales en la industria de la moda. Después de la
guerra la reputación de París como centro mundial de la moda comenzó a declinar, y las modas de
confección y manufacturación de masa acrecentaron su popularidad. Un nuevo estilo para la juventud
surgió en los 1950's, cambiando el enfoque de la moda para siempre. Mientras la instalación de
calefacción central se expandía, lo hacía también la era de prendas de mínimo cuidado, surgiendo así
textiles más ligeros y los sintéticos.
Enfrentando la amenaza de productos de moda prefabricados, la alta costura de París se defendió, pero
con poco efecto, en cuanto no podía evitar que la moda se colara en las calles. En poco tiempo, enteras
categorías de mujeres hasta ahora restringidas a suplantaciones inferiores de la alta costura disfrutarían
una gran variedad y libertad de elección. Tratando con volúmenes mayores de productos, los ciclos de
producción eran mucho más largos que los de los talleres de costura, lo que significaba que los
diseñadores que planeaban colecciones dos veces al año, debían adivinar con más de un año de
anticipación lo que sus clientes podían querer.
Últimas décadas del siglo
Durante las últimas décadas del siglo las modas comenzaron a cruzar los límites internacionales
rápidamente. Los estilos populares occidentales fueron adoptados alrededor de todo el mundo, y
muchos diseñadores que no eran occidentales tuvieron un alto impacto en la moda. Materiales sintéticos
como la lycra, el spandex y la viscosa fueron ampliamente usados y la moda, después de dos décadas
de mirar al futuro, volvió a buscar en sus raíces para encontrar elementos de innovación.
ANTECEDENTES HISTORICOS DE LA MODA
El diseño de modas se encarga de diseño de ropa y accesorios creados dentro de las influencias
culturales y sociales de un período específico. Representa el estilo e idea del diseñador según su
principios de la composición, conocimientos y talento. No debe de confundirse con Corte y Confección
o sastrería, pues aunque el diseño de modas esté muy ligado a este, es una tarea distinta al Corte y
Confección o Sastrería.
El diseño de modas no siempre es un arte, ya que el arte no busca como fin obtener dinero y la moda
en la mayoría de los casos sí; la moda se reconoce como un estilo de vida, ya que para diseñar se tiene
que conocer al cliente desde su nivel económico, gustos de comida, de música, a dónde le gusta salir
a divertirse, etc.
Diseñador de la figura humana para que ese fin sea logrado lo más satisfactoriamente posible.
• Fin estético: Pretende crear una respuesta en quién lo observa siendo la belleza su único eje.
• Fin ergonómico: Diseño de una cobertura en perfecta armonía con la fisiología humana, haciendo que
ésta mejore en uno o varios aspectos.
• Fin de personalidad: Mediante la cobertura se sugiere un tipo de vida, inclinaciones políticas,
culturales, religiosas o de carácter.
• Fin de situación: Analizando el envoltorio se sitúa al individuo en un contexto histórico y geográfico
concreto.
• Fin emotivita: Mediante la imagen que se proyecta, se induce una respuesta emotiva
Psicología de la vestimenta
Teniendo en cuenta estos los fines a lograr, se puede crear una cobertura o vestido. Dependiendo de
la calidad con que se mezclen y cantidad de fines mezclados obtendremos mejores o peores resultados.
La psicología de la moda influye en muchos aspectos dentro del ser humano, por ejemplo: el hecho de
como el color de una prenda puede llegar a cambiar tu estado de ánimo, o bien como te quita o te da
seguridad para unirte a un grupo social.
Cuando la psicología del individuo bascula entre lo establecido como normal, puede hacerse un análisis
a través de la vestimenta de su personalidad, nivel cultural, ambiciones, pasatiempos, lugar de origen,
gustos musicales, condiciones físicas, complejos...
En caso de que haya picos de algún tipo en la función de lo establecido como normalidad psicológica,
la imagen podría ser infiel a la realidad del individuo demostrando así una carencia adaptativa,
dependencia, introspección, inteligencia de imagen, baja autoestima, vanidad... Es decir, cuanta más
distancia hay entre la imagen proyectada y la realidad, más alto es el valor positivo o negativo de la
función de la psicología normal.
La cobertura puede ser un fiel reflejo del alma o totalmente lo contrario dependiendo de la salud mental
del individuo, así que, debería considerarse la vestimenta como herramienta analítica en psicología.
El diseño de modas se difiere a el diseño de vestuario debido a que su producto principal tiende a
quedar obsoleto después de una o dos temporadas, usualmente. Una temporada está definida como
otoño-invierno o primavera-verano. Se considera generalmente que el diseño de modas nació en el
siglo XIX con Charles Frederick Worth, que fue el primero en coser a las prendas una etiqueta con su
nombre. Mientras todos los artículos de vestimenta de cualquier período de la historia son estudiados
por los académicos como diseño de vestuario, sólo la ropa creada después de 1858 puede ser
considerada como diseño de modas.
Los diseñadores de modas crean ropa y accesorios. Algunos diseñadores de alta costura son
independientes laboralmente y diseñan para clientes individuales. Otros cubren las necesidades de
tiendas especializadas o de tiendas de departamentos de alta costura. Estos diseñadores crean
prendas originales, así mismo como los que siguen tendencias de moda establecidas. Sin embargo, la
mayoría de los diseñadores de modas trabajan para fabricantes de ropa, creando diseños para
hombres, mujeres y niños en el mercado masificado. Las marcas de diseñador que tienen un «nombre»,
tales como Calvin Klein o Ralph Lauren, son generalmente creadas por un equipo de diseñadores
individuales bajo la supervisión de un director de diseño.
Historia
Comienzos de la alta costura
El primer diseñador de modas, que no era simplemente un modisto, fue Charles Frederick Worth (1826-
1895). Antes de que estableciera su masón costure (casa de modas) en París, el diseño y creación de
ropa era manejado por un gran número de modistas anónimas, y la alta moda estaba basada en los
estilos usados en cortes reales. El éxito de Worth fue tal, que pudo ordenar a sus clientes lo que debían
usar, en lugar de seguir su dirección como los modistos solían hacer. El término couturier (costurero)
fue, de hecho, acuñado para referirse a él. Fue durante este período que muchas casas de modas
comenzaron a contratar artistas para bosquejar o pintar diseños de prendas. Las imágenes por sí
mismas podían ser presentadas a los clientes de forma mucho más económica que produciendo una
prenda de muestra en el taller de trabajo. Si al cliente le gustaba la prenda, ésta era ordenada y pagada.
Por lo tanto, la tradición de bocetos de prendas comenzó como un método de las casas de modas para
economizar.
Comienzos del siglo XX
Durante los primeros años del siglo XX, prácticamente toda la alta moda se originó en París y en menor
medida en Londres. Las revistas de modas de otros países enviaban editores a los espectáculos de
moda de París. Las tiendas de departamentos mandaban compradores a los desfiles de París, donde
compraban prendas para copiar (y robaban abiertamente las líneas de estilo y el corte de otras). Tanto
en los talleres que fabricaban trajes sobre medidas como las tiendas de ropa lista para usarse (prêt à
porter) aparecían las últimas modas de París, adaptadas a las características económicas y cotidianas
de los clientes de las tiendas.
En este momento la división entre alta costura y ropa lista para usar no estaba todavía claramente
definida. Los dos modos independientes de producción todavía no llegaban a ser competidores, y, de
hecho, coexistían en casas donde las modistas elaboraban prendas de ambos modos.
En los primeros años del siglo, las revistas comenzaron a incluir también fotografías de los conjuntos y
se volvieron aún más influyentes que en el pasado. En las ciudades alrededor del mundo estas revistas
tenían un gran efecto en el gusto público y eran muy solicitadas. Ilustradores talentosos como Paul
Iribe, Georges Lepape, Erté y George Barbier dibujaban cuadros de modas exquisitos para estas
publicaciones, que cubrían los más recientes desarrollos en moda y belleza. Tal vez la revista de moda
más famosa del momento era La Gazette du bon ton, que había sido fundada en 1912 por Lucien Vogel
y regularmente publicada hasta 1925, con la excepción de los años de la Primera Guerra Mundial.
Mediados de siglo XX
La Segunda Guerra Mundial creó muchos cambios radicales en la industria de la moda. Después de la
guerra, la reputación de París como centro mundial de la moda comenzó a declinar, y las modas de
confección y manufacturación de masa acrecentaron su popularidad. Un nuevo estilo para la juventud
surgió en los años 1950, cambiando el enfoque de la moda para siempre. Mientras la instalación de
calefacción central se expandía, lo hacía también la era de prendas de mínimo cuidado, surgiendo así
textiles más ligeros y los sintéticos.
Enfrentando la amenaza de productos de moda prefabricados, la alta costura de París se defendió, pero
con poco efecto, en cuanto no podía evitar que la moda se colara en las calles. En poco tiempo, enteras
categorías de mujeres hasta ahora restringidas a suplantaciones inferiores de la alta costura disfrutarían
una gran variedad y libertad de elección. Tratando con volúmenes mayores de productos, los ciclos de
producción eran mucho más largos que los de los talleres de costura, lo que significaba que los
diseñadores que planeaban colecciones dos veces al año, debían adivinar con más de un año de
anticipación lo que sus clientes podían querer.
Últimas décadas del siglo XX
Durante las últimas décadas del siglo las modas comenzaron a cruzar los límites internacionales
rápidamente. Los estilos populares occidentales fueron adoptados alrededor de todo el mundo, y
muchos diseñadores que no eran occidentales tuvieron un alto impacto en la moda. Materiales sintéticos
como el elastano y la viscosa fueron ampliamente usados y la moda, después de dos décadas de mirar
al futuro, volvió a buscar en sus raíces para encontrar elementos de innovación. Es importante resaltar
el invalorable aporte de Fernando Ermenegildo Celis Rocha y de La Concha a la moda en la última
década.
Tipos de diseño de moda
Hay tres tipos principales de diseño de modas, aunque pueden ser divididos en otras categorías más
específicas:
Alta costura
El tipo de moda que predominó hasta los años 1950 fue la moda "hecha a medida" o haute couture
(francés para "alta costura"). El término "hecho a la medida" puede ser usado para cualquier prenda
que sea creada para un cliente en particular. Alta costura, sin embargo, es un término protegido que
puede ser usado solamente por compañías que cumplen ciertos estándares bien definidos por la
Chambre Syndicale de la Couture. No obstante, muchas marcas de ropa "lista para usar", e incluso de
mercado masivo, afirman crear alta costura, lo que según los estándares, es falso. Una prenda de alta
costura está hecha por orden de un cliente individual, y está hecha usualmente de textiles costosos de
alta calidad, confeccionada con extrema atención en los detalles y el acabado, generalmente usando
técnicas a mano que toman mucho tiempo.
Moda lista para llevar
La moda "lista para usar" (o Prêt-à-porter) es un punto medio entre alta costura y mercado de masa. No
está hecha para clientes individuales, pero se toma gran cuidado en la elección y el corte de la tela. La
ropa está confeccionada en pequeñas cantidades para asegurar la exclusividad, por lo cual es más bien
costosa. Las colecciones de prendas listas para usar son usualmente presentadas por casas de modas
en cada temporada durante un período conocido como «semana de la moda» que toma lugar dos veces
al año.
Mercado de masa
Actualmente la industria de moda cuenta sobre todo con las ventas del mercado de masa. El mercado
de masa cubre las necesidades de un amplio rango de clientes, produciendo ropa lista para usar en
grandes cantidades y tamaños estándar. Materiales baratos usados creativamente producen moda
accesible. Los diseñadores de mercado de masa generalmente adaptan las modas establecidas por los
nombres famosos en el área de la moda. Esperan generalmente una temporada para asegurarse de
que un determinado estilo tendrá éxito antes de producir sus propias versiones de éste. Para ahorrar
tiempo y dinero, usan textiles más baratos y técnicas de producción más simples que pueden ser
fácilmente ejecutadas por una máquina. El producto final puede ser vendido a un precio mucho más
bajo que un producto de cualquiera de los otros dos métodos de producción.
Diseño de moda por ordenador / por computadora
En los últimos años han aparecido nuevas técnicas que permiten acortar el proceso de diseño de
prendas de vestir. Estas técnicas se engloban dentro de la categoría de diseño asistido por ordenador
bajo las siglas C.A.F.D (Computer Aided Fashion Design).
temprano llegarán o de las que acabamos de abandonar.

En 1900 en la Exposición Universal de París, se crea el llamado Pavillon de l'Elégance, en la que

seleccionados por Jeanne Paquin, la creadora de los famosísimos vestidos imperio y del abrigo
quimono y cuya carrera se vio ensombrecida por el hecho de ser mujer, presentan sus prendas los más
importantes modistos de la época entre los que se encuentran Doucet, del que hoy por hoy sus vestidos
no son recordados pero su nombre nunca se olvidará porque fue el descubridor de los diseñadores que
cambiaron la moda de estos años: Paul Poiret y Madeleine Vionnet, y Worth, un inglés que revolucionó
el mundo de la moda al firmar sus prendas como hacían los pintores, y para el que se creó el término
de "Alta Costura" para designar el lujo y detalle de sus modelos.
 Estos son los años de la Belle Epoque, de la silueta en S que se conseguía con rígidos corsés que
estrechaban la cintura al tiempo que destacaban pechos y caderas, y que destacaban especialmente
con faldas hasta el suelo que se ensanchaban creando una silueta sirena.

Pero la verdadera revolución de la esta década es el

abandono del corsé, lo que liberaría a la mujer cambiando por
completo su relación con su propio cuerpo y con la moda.
Podríamos decir que el nacimiento de la moda se produce a
la vez que el nacimiento del ser humano, ya en la prehistoria
las mujeres y los hombres elegían su ropa y accesorios en
función de sus gustos y estamentos sociales.

Pero si nos referimos a la moda como Alta Costura, esta

nació a mitad del siglo XIX, antes los reyes y nobles
marcaban la moda europea, pero a partir de esta época, la
revolución industrial cambió la manera de concebir las fábricas textiles.

Inglaterra y Francia se discuten la supremacía en cuanto al buen gusto, pero finalmente tras
la exposición de París de 1855 no cabe la menor duda, al primar el elemento estético frente
al económico –industrial.

Hay un nombre que brilla con luz propia en el nacimiento de la Alta Costura, ese es Charles-
Frédéric Worth, que con su socio sueco Boberg, abren en
París la primera casa de modas, creando los fundamentos
de la Alta Costura. Aunque este tipo de tiendas se propagan
por toda Europa con gran rapidez, París quedará
consagrado como cuna de la moda.
Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº VI

representan en sus imágenes las relaciones sociales, los presupuestos culturales, los
valores y las creencias que se construyen cotidianamente en la cultura humana. Estos
valores pueden ser hegemónicos pero también se deslizan en las representaciones
artísticas valores contraculturales que están pugnando por emerger, algunas veces lo
hacen, transformándose, con el paso del tiempo, en dominantes y otras quedan por siglos
a la sombra hasta que algún historiador los desempolva y plantea su relectura a la luz de
alguna nueva teoría y nos damos cuenta que tal vez, esas imágenes no reconocidas como
valiosas en su momento nos explican más, nos iluminan más los valores de la sociedad
que las representó que aquellas que tenían la distinción artística del momento.

¿Cómo pueden contribuir, entonces, el Arte y el Diseño a pensar las formas que expresan
una sociedad?

Es en este sentido la Historia del Arte hace un aporte interesante. Pensar históricamente,
sobre el pasado nos proporciona un «distanciamiento» necesario para poder vislumbrar
las relaciones entre «forma y sociedad» en el presente, puesto que el pasado sólo nos
habla en relación con el presente que lo piensa y lo ilumina.

Arte. Diseño. Innovación. Funcionalidad

El Arte siempre tuvo una relación directa con la idea de innovación. Siempre trató de
superarse a sí mismo y en este sentido tuvo un empuje muy significativo a partir de las
Vanguardias artísticas. Desde el siglo XIX, el Arte, discutió su forma de representar la
realidad, se independizó del motivo, reflexionó sobre sus especificidades, se expandió en
el espacio, se hibridizó. Desde la irrupción de las Vanguardias y de todos los «ismos»
hasta la actualidad, el arte y los artistas se movieron entre la abstracción más pura llegando
al límite del Arte Conceptual y el realismo más acérrimo del Hiperrealismo. Parecería ser
que cuando se arribó a esos extremos, sólo quedó pendular entre uno y otro. Pero
entonces, ¿El arte ha agotado su capacidad de innovación limitándose a autor repetirse,
autonombrarse, auto citarse, con alguna variación, ad infinitum? ¿Se perdió entonces esta
capacidad de auto superarse? ¿De ir más allá? ¿De estar un paso adelante, en definitiva,
de ser vanguardia? La respuesta, creo, está en la palabra variación. Si hay variación, hay
innovación. Lo que perdió la vanguardia es otra cosa. Dice Peter Burger en su texto Teoría
de la Vanguardia que hay algo en lo que los movimientos vanguardísticos no tuvieron éxito
y que es precisamente el rasgo que los define como tales: su propuesta de borrar la barrera
entre arte y vida, entre arte y sociedad. Este deseo de traspasar las fronteras del arte sólo
se hizo carne en los movimientos de vanguardia de comienzos del siglo XX y luego se
perdió. Los movimientos neo vanguardistas de los ´50, no sólo se consideraban dentro del
sistema artístico y no tenían ninguna intención de cambiarlo, sino que además volvieron a
la idea de artista como excéntrico, como diferente, introdujeron al consumo en su arte pero
separándose, distinguiéndose cada vez más de la masa consumidora.

El arte se quedó con la innovación pero ¿Cuál es la relación que se plantea con la
sociedad?

Vemos cómo a lo largo de todo el siglo XX y del presente, toma relevancia para
transformarse en dominante, un campo, el del Diseño, que si bien no se propuso, ni se
propone cambiar radicalmente las relaciones entre representación y sociedad como sí se
proponían las vanguardias, es un campo que por el hecho de autoproclamarse como
funcional (algo que, aclaremos, también sucedía con el arte (esta vez con minúscula) antes
del Renacimiento), necesariamente trabaja sobre las ideas y las representaciones que la
sociedad hace sobre sí misma. Dado el cambio continuo que se produce en la sociedad
moderna, el diseño toma la innovación como su razón de ser y en muchos casos estuvo a
la vanguardia de los cambios en las formas de representación. Por el hecho mismo de ser
considerado como hermano menor del Arte (con mayúscula), permitió, dentro de su
ámbito, el desarrollo creativo de grupos que no tenían acceso a los circuitos oficiales de
legitimación artística. Esta característica de periférico, parece ser de enorme productividad
para el desarrollo de «lo nuevo» incluso en el campo artístico: uno de los grupos a los que
se considera como los que marcaron el quiebre en la forma de representación de la
realidad: los Impresionistas, pudieron realizarse como tales a partir de que fueron
obligados a considerarse como rechazados.

Parecería ser entonces que el Diseño ha tomado en nuestros tiempos un grado de

legitimación en el campo de la creación de formas que nunca antes había tenido. Comparte
con el Arte su interés por lo nuevo pero al no haber tenido éxito las vanguardias en borrar
las fronteras Arte y sociedad, el Arte continúa atrincherándose tras su manto de
«inutilidad» mientras que el diseño, en cambio, trata de operar sobre la sociedad, de
comunicar y ser efectivo en la comunicación, en definitiva trata de ser útil. El Arte hace de
la ambigüedad una virtud. El diseño aparentemente, no podría permitirse tal cosa, la
ambigüedad sería un ruido y habría que reducirlo a su mínimo exponente. Pero aquí nos
topamos con otro problema ¿existe la posibilidad de transparencia?
La ambigüedad del Arte parecería hacer visible que hay algo que no se puede decir, que
no se puede nombrar, algo que en la construcción de la forma nos remite a un «plus» de
significado que no podemos dilucidar, que no podemos explicar racionalmente, algo que
se niega a ser comunicado. Y en realidad, esto es así en cualquier mensaje, es sólo que
el Arte, debido a su inutilidad, se hace cargo de la incoherencia, de lo contradictorio, de la
opacidad, algo que no le es tan fácil al diseño que intenta ser comunicativo. Pero todos
sabemos que hacer pasar algo por transparente cuando en realidad es opaco, y todo signo
lo es, requiere de un dispositivo muy sofisticado que permita borrar los medios de
producción de significados, es por esto justamente, que reflexionar sobre imágenes,
diseños y construcciones culturales de cualquier tipo, desde un punto de vista estético e
histórico, se hace imprescindible para poder acercarnos a los valores y presupuestos de
una sociedad, aquellos por los que esta hace más esfuerzos por esconder, por no mostrar,
aquellos que se tapan, que pretenden ser borrados, o al menos dejados de lado, mientras
nos ocupamos de las formas, el color y la disposición en el espacio, aquellos que
aparentemente quedan fuera de la representación.

Mirar las imágenes con la mirada distanciada, del que se sorprende, del que mira por
primera vez nos permite ver que esas formas, ese color y esa disposición en el espacio
son espejos donde mirarnos a nosotros mismos, imágenes que hablan de relaciones
humanas, relaciones de poder y contradicciones inherentes a toda construcción humana.
Reflexionar sobre nuestras representaciones, historizarlas, ponerlas en contexto, tal vez
nos ayude a comprender más nuestra sociedad, para poder cambiarla.

Ropa de la prehistoria
La ropa siempre ha estado asociada al desarrollo de las herramientas, armas y técnicas
del hombre. Por eso, hablar del desarrollo del ser humano a través del tiempo significa
también hablar de la ropa que crearon y utilizaron. En este artículo hablaremos de
cuándo se crearon las primeras prendas, cómo lo hicieron y por qué resultó importante.
¿CUÁNDO SE CREARON LAS PRIMERAS ROPAS DE LA PREHISTORIA?
Evolución de la Ropa (Linea de tiempo)
Se cree que la ropa de la prehistoria fue inventada hace más de 100.000 años,
específicamente cuando ocurrió lo que se conoce como la Glaciación de Würm o la
Última Glaciación, un período de frío extremo que llevó a los seres humanos a crear ropa
para resguardarse del clima. En esta época también fue necesario que se resguardaran
en cuevas a fin de contrarrestar el frío, donde se inventaron también mantas que tenían
este fin.
¿CÓMO SE CREABAN LAS ROPAS EN LA PREHISTORIA?
El hombre empezó a utilizar la caza para cubrir dos necesidades al mismo tiempo y
desarrollando habilidades y técnicas en ambos aspectos: alimentación y vestimenta. La
caza les permitía extraer la carne para comer, pero también la piel de dichos animales para
confeccionar la ropa que usaban.

El telar fue un invento muy útil porque se cosía más rápido y no se perdía tanto tiempo en
coser.
Para ello, utilizaban herramientas que diseñaron especialmente para elaborar ropa,
como raspadores, perforadores, punzones y tiras. Primero, raspaban bien la
pielutilizando la boca para sostener por un extremo y las manos para sostener por el otro
y al mismo tiempo frotar con algún raspador o piedra. Luego, ablandaban la piel si era
necesario con los dientes o alguna otra herramienta elaborada con piedra o madera.
Con el tiempo se fueron desarrollando técnicas cada vez mejores y más rápidas para
realizar este proceso, además del tejido y la costura para crear no sólo ropa para el cuerpo,
sino también para las casas y las camas.

DESARROLLO DE LA ROPA EN LA PREHISTORIA

La prehistoria se divide en muchas épocas más cortas, en todas ellas la ropa era parte
importante de los seres humanos y se fue desarrollando al mismo tiempo que se
desarrollaron otras áreas como las herramientas, las armas, las técnicas y otras más.
Hablemos de las épocas principales de la prehistoria:
Te recomendamos que leas: Etapas de la Prehistoria
ROPA EN EL PALEOLÍTICO
Se dice que fue en el Paleolítico (2 millones a.c. hasta 13.000 a.c.) donde se crearon las
primeras ropas. Fue en esta época donde la ropa era sumamente rudimentaria, igual que
las herramientas inventadas para cazar y también para confeccionar la vestimenta.
Posiblemente en este período se inventaron también los zapatos a fin de proteger cada
parte del cuerpo de los climas más gélidos. La ropa la diseñaban con piel de animales,
la cual incluía un proceso de raspado y curado, y hasta de ablandado si resultaba
muy dura, a fin de que quedara una piel suave y flexible que se ajustara al cuerpo.

Ilustración de la ropa en el Paleolítico

ROPA EN EL MESOLÍTICO
En el período conocido como Mesolítico (13.000 a.c. hasta 8.000 a.c.), el clima comenzó
a mejorar y ser más estable, lo que permitió a los seres humanos desarrollar habilidades
en el campo de la costura y confección de ropas para el cuerpo. Aunque no se han
conseguido pruebas del uso de telas elaboradas, sí se podría decir que usaban las
mismas pieles del período anterior, pero esta vez logrando cocerlas entre sí y
diseñar una vestimenta más ajustada y más ligera.
ROPA EN EL NEOLÍTICO

Ilustración de la ropa en el neolitico

Posteriormente, en el período conocido como Neolítico (8.000 a.c. hasta 3.000 a.c.), se
desarrollan técnicas de agricultura y también herramientas para la cosecha. Además, se
inventa la rueda y se empieza a utilizar las fibras vegetales a fin de tejer telas como el
lino, la cual fue una de las mejores inventadas en aquella época. Otro de los tejidos
importantes de aquella época fue la lana, la cual no se desarrolló en Europa sino hasta la
Edad de bronce.
IMPORTANCIA DE LA ROPA EN LA PREHISTORIA
La ropa en la prehistoria jugó un papel importantísimo en la existencia del ser
humano, cubriendo sus cuerpos desnudos a fin de brindarles protección del frío y
los climas más templados. Además, les servía para no resultar tan vulnerables ante
ataques animales o de otros humanos, lo cual les dio acceso a zonas de la tierra donde
antes no habían podido vivir, zonas gélidas y con presencia de animales salvajes enormes.
Artículos relacionados: Herramientas de la prehistoria & Armas de la prehistoria
Por otro lado, la ropa en la prehistoria no solamente sirvió para proteger del frío a los seres
humanos que habitaron la tierra en esas épocas, sino que también comenzó lo que
conocemos como la moda hoy día. Es decir, se le dio a la ropa un uso ornamental y
decorativo aparte del principal uso que era proteger, lo cual les permitió empezar a
diferenciar entre una clase de persona y otra. Con este fin, se diseñaron distintos modelos
de vestimenta de acuerdo al sexo, al clima e incluso de acuerdo a la clase social.