16 marzo
abril
Carlos Gil Zamora
Valoraciones populares,
descalificaciones gratuitas y
una mochila azul
E
n una de esas noticias que cada
día aparecen en los medios de
comunicación para distraernos,
se nos informa de una encuesta
realizada en territorio español donde se
reconoce de manera mayoritaria más valor
creativo a los cocineros que a los músicos,
pintores o pensadores. Según interpreta-
ciones más ajustadas, es a los únicos que
se les considera artistas creativos en lo
suyo. Es decir la campaña de mercadotec-
nia del gremio de restauradores merece
un premio. O dos.
No hay programa televisivo, radiofónico,
periódico de papel o digital, revista gene-
ralista, del corazón, política o caza en la
que no existen recetarios y opiniones de
cocineros de toda ralea. Sin olvidarnos de
los programas específicos de lanzamiento FLA.CO.MEN de Israel Galvan ©Hugo Gumiel
de restaurantes y sus cocineros, de todos
los programas buscando talentos en los fogones además de un canal
dedicado veinticuatro horas a la cocina universal.
Parece que existe más información, comentario y difusión de la
cocina en abstracto que del fútbol. Se conocen a unos cuantos co-
cineros, muy pocas cocineras, tanto como a las estrellas del fútbol
y más que a las estrellas de la música popular o el baile clásico.
Quizás compitan con algunos de los productos televisivos más re-
calcitrantes que además, para abundar en mi desasosiego, se han
convertido en autores, actores y productores teatrales.
Siempre he soñado en mis delirios de grandeza ludópata en que
si me tocaba la lotería tendría un edificio teatral propio, con produc-
ción propia, con espacios para la restauración, desde luego, pero que
invertiría la mitad del presupuesto en mantenimiento y producción y
la otra en publicidad y difusión. Y subido en ese trote cochinero abe-
rrante me imaginaba un tiempo en el que se tratara a las creaciones
culturales, pero específicamente a las artes escénicas con el mismo
Número: 209 - año 20 · Marzo / Abril 2016 | Depósito Legal: SS-1154/97
Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com
Portada | Foto de la obra ‘Vai vem’ de Gato SA - Casa del Silencio
tiempo, espacio y aporte crítico valorativo
en todos los medios de comunicación. ¿Se
imaginan que en cada noticiario televisivo
estuvieran cinco, diez minutos hablando
de estrenos, proyectos, y hasta críticas?
Horas de debates, programas en todos
los canales dedicados a la promoción. No
hace tanto que en el periódico de papel
en el que sigo publicando mis pequeñas
disquisiciones había meses que inserta-
ban veinte o más críticas. Sin limitación de
espacio, es decir acomodando a las cir-
cunstancias e importancia de lo criticado.
En la radio pública vasca hablaba casi cada
día de teatro, en forma crítica o coloquial,
para incitar a ir. Hablo de mí, porque soy
el soñador de antes, el que sabe que si
se empieza por al escuela, con una plani-
ficación pormenorizada, se pone en valor,
se hace que la sociedad toda, primero se
entere de su existencia, después se sepa valorar y distinguir entre
una pescadilla congelada refrita en aceites pasados y una merluza
de anzuelo con hinojo, es decir del teatro comercial barato, de los
productos de consumo de los que tienen el valor de alta cocina, per-
dón alta cultura, los que tienen ambición artística, los que quieren
todas las estrellas de valoraciones sin descalificaciones apriorísticas
por ignorancia o por saña. Esas frases dañinas de “a mí el teatro no
me gusta”. Y sus derivadas.
En estos tiempos de tantas ofertas y posibilidades de comunica-
ción, de ese traslado de nuestras vías de contacto a los aparatos, a
la tecnología, el simple hecho de congregar en un sala, a treinta o
tres mil personas para asistir a ese acto de reafirmación humanista y
de inteligencia como es una obra de teatro, una danza, un concierto
en vivo, ya debería ser algo protegido por todos los organismos que
defiendan la libertad y los derechos humanos sin ambigüedades.
Es por eso que se quiere recordar que hace unos años se utilizó
 marzo
abril 16
Editorial Opinión
4 - 5 Editorial
6 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias
7 Desde la Caverna – David Ladra
50 Luz Negra – Josu Montero
83 Vivir para contarlo – Virginia Imaz
políticamente el término titiritero como una descalificación gratuita 84 - 85 Postales argentinas – Jorge Dubatti
y agresiva para el mundo de los actores, de tal manera que dos de 86 El método griego – María Chatziemmanoui
ellos han pasado cinco días en la cárcel y pesa sobre ellos grandes 87 El lado oscuro – Jaume Colomer
88 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado
acusaciones por enaltecimiento del terrorismo en una agresión a la 89 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán
libertad de expresión incompatible con una democracia asentada 91 Las lejanías – Carlos Be
por confundir la ficción con la realidad. Los personajes no delin- 98 Enrique Atonal
quen. Sí, Bertolt Brecht se compadecía de aquellos tiempos en los
que había que reivindicar lo obvio. O sea, estos tiempos. Estrenos
Por eso desde nuestra más absoluta independencia queremos
10 - 11 El sueño de una noche de verano de William
agradecer a quienes desde la producción privada, la gestión públi- Shakespeare por Teatro Arriaga Antzokia
ca, el teatro amateur, lo alternativo o lo comercial siguen abriendo 12 - 13 Tierra del Fuego de Mario Diament por
salas, levantando el telón, haciendo contrataciones, programacio- Producciones Teatrales Contemporáneas
14 - 15 Proyecto Homero: Ilíada / Odisea por
nes, festivales o ferias. Con todas las discrepancias ideológicas La Joven Compañía
que podamos mantener, con toda la distancia ante algunas de sus 16 Estrenos varios del CDN
propuestas, nosotros estaremos siempre ahí, compartiendo, acom- 17 Neva de Guillermo Calderón por Nacho Vilar
Producciones
pañando, en la medida de nuestras posibilidades. 18 - 20 Resto de estrenos
Este número es una muestra de ello. Volvemos después de mu-
chos años a salir con lomos, pasando de las cien páginas, infor-
mando primordialmente de Dferia y de la programación especial
Festivales
que se va a mostrar en Donostia con motivo de la Capitalidad Eu- 22 - 23 III Festival Internacional de Teatro do Alentejo
ropea de la Cultura. Sí podemos discrepar, creemos que se ha im- 24 - 25 XV FITB y FESTA en Bogotá
26 - 27 VII Sismògraf - Festival de Dansa de Olot
provisado algo, pero debemos enamorarnos aunque sea a través 28 - 29 ALT.16 - Festival Alternativo das Artes
de una alienación transitoria de la de la mochila azul en la que lleva Escénicas de Vigo
la información que nos ayuda a saber de festivales en Portugal, 30 - 31 XXIX FitCarrer Vila-real
32 XXXIX Jornadas de Teatro de Eibar
Panamá, Colombia, Brasil, Bolivia, Argentina y muchas iniciativas en 33 XX Feria de las Artes Escénicas de Castilla-
todo el Estado español que nos mantienen vivos, en tensión, con La Mancha
un hilo de esperanza, a la espera de tiempos mejores que segura- 34 XXVII Fira de Titelles de Lleida
35 - 36 Miscelánea de festivales
mente tardarán en llegar pero que deben contribuir a cambiar algo
el paradigma, el estancamiento actual.
Se proponen elecciones por concurso de directores de teatros, mu- Suplementos
seos, festivales y es de esperar que por proyecto. Hay que aprovechar 51 - 82 dFERIA
41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’)

mucho mejor los presupuestos culturales, pero sobre todo hay que in- 99 -118 Donostia / San Sebastián 2016
crementarlos, repartirlos de manera coherente y equitativa, pensando
en que si necesario es mantener a los profesionales, más imprescin- En gira
dible es hacer llegar a la ciudadanía la información de su existencia. Y
38 - 44 Programaciones varias
en todos los niveles, no solamente las maquinarias institucionales, sino
que debe servir para promocionar el Teatro, la Danza, la Música, las
Artes Visuales y Performativas, todo, de arriba a abajo y de izquierda a Teatro amateur
derecha. Porque ese dinero público es de la sociedad y debe revertir 46 - 47 Teatro
en la sociedad, no solamente en unos pocos. 48 Noticias y convocatorias
Cuando repasamos el contenido de la revista, encontramos una
pulsión de vida, de ilusiones, de búsquedas que nos parecen en
ocasiones demasiado conservadoras. Es fruto de las circunstancias
Zona abierta
92 - 93 Escaparate
y penurias. Pero las instituciones, la acción de las políticas cultura-
índice

94 - 96 Nueva York
les debe servir para garantizar la biodiversidad creativa y el acceso
de todas las capas sociales a esos bienes culturales.
Es decir, empezando por el principio, y entre todos, especialmen-
te entre los profesionales de las artes escénicas valorarse más
como artistas o como trabajadores de la cultura y no del entreteni-
miento y la alienación. Como cocineros sin ir más lejos.
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abril
María-José Ragué-Arias
Salvat diaris
“H eredé” de Ricard Salvat esta sección y, a su muer-
te, en 2009, comencé a publicar aquí estas “rondes
escéniques” cuyo nombre tiene reminiscencias para
mí de aquellas “Rondas....” de Espriu-Salvat. Hoy Salvat revive en la
memoria de quienes le conocimos de cerca, al publicarse el primer
volumen de sus memorias. Y he de decir que lo de conocerle “de
cerca” se refiere a estar lo suficiente-
mente cerca de su persona para darse
cuenta de que en todo momento Salvat
tenía en sus manos un cuaderno en el
que constantemente tomaba notas. En
las reuniones del Departamento de
Historia del Arte de la Universidad de
Barcelona de la que él formaba parte
como Catedrático y yo como Profesora
Titular, solía sentarme a su lado para
no perderme sus comentarios y com-
probar qué anotaba en su cuaderno,
un cuaderno que siempre lo acom-
pañaba. Ahora estas notas están
comenzando a publicarse. El primer
volumen-muy bien editado por Nuria
Salvat- abarca de 1962 a l968. Son
538 páginas que recorren unos años
significativos de nuestra historia y,
por supuesto, no sólo la del teatro en
nuestro país. La rica personalidad de
Salvat y su insaciable curiosidad cultu-
ral, política y humanista, nos ofrece un
retrato valiosísimo de esos años desde
la perspectiva de alguien que recorrió
el mundo del teatro, de la cultura y de
la política a partir de su realidad adscrita a Catalunya pero abierta
al mundo de la época de la que él formó parte.
No le voy a comparar a Stefan Zweig, pero el relato personal de
Salvat nos informa desde su realidad de hombre de la cultura ca-
talana de los años 60 de una realidad cultural y política catalana
abierta al mundo teatral, cultural y político que la condiciona y
moldea. Comienza el volumen con una carta de Salvador Espriu
y termina con una carta de Salvat, desde Coimbra a José María
Valverde. Salvat viajó y entendió y nos lo deja ver en este valioso
volumen, el primero de sus diarios que abarca de 1962 a 1968.
Manuel Molins conoció de cerca a Salvat en sus últimos años, sien-
do el responsable de la adaptación al teatro de “Mirall trencat” de
Mercé Rodoreda. De Molins, junto a Francesc Foguet, profesor de
la Universidad Autónoma, es el prólogo que trata de acercarnos al
panorama que vive y narra Salvat en los años 60, de su compro-
6
w w w. a r t e z b l a i . c o m
Rondas escénicas
miso histórico con el pacifismo internacional, de su participación
en un catalanismo de izquierdas, de su carácter de catalanista
independiente, crítico siempre con el poder establecido, con un
proyecto de libertad, justicia y democracia que no tenía freno para
él, con sus contactos tanto catalanes como internacionales que
muestran la amplitud de las inquietudes de Salvat Y también su
ternura cuando habla de su reciente
matrimonio con Nuria Golobardes o
de la emoción sentida en el nacimien-
to de Neus su primera hija.
El teatro, la cultura, la política, las
grandes figuras de la época, los gran-
des problemas de la humanidad de
estos años, las grandes corrientes cul-
turales, los movimientos políticos eu-
ropeos, todo forma parte de una vida
rica en todos los aspectos, interesada
en los personajes más relevantes de
este entorno que partiendo del teatro
adquiere poder universal.
Ricard Salvat viaja constantemente y
conoce a los personajes más significa-
tivos y más enriquecedores del arte,
la cultura y la política. Escribe, trabaja,
crea y de todo deja constancia en sus
diarios. La historia de Catalunya, de
una Catalunya en contacto con Europa
pasa por la historia personal de Ricard
Salvat. Podríamos estar de acuerdo o
no con sus opiniones y comentarios
pero la riqueza de la información y
del pensamiento que desprende son
incontestables y propician la reflexión para quienes hemos vivido
los años que recoge este primer volumen de sus memorias. Y la
información para quienes la edad no les ha permitido vivirlos. Por
lo dicho hasta aquí ya podemos entender que no estamos ante un
libro al uso, ni ante una autobiografía. No es la creación literaria de
unas memorias o de un diario. Es auténticamente un diario que se
escribe pensando en dejar constancia de unos hechos y de una épo-
ca. Por lo tanto no se puede acotar temas ni establecer apartados
temáticos. Sólo la fecha de los años figura en el índice. Es la historia
teatral, cultural y también política de una época vivida en Catalunya
o desde Catalunya con la intensidad y lucidez de Ricard Salvat. Es
una información valiosísima redactada del modo próximo y personal
de un diario cuya intimidad sólo puede ser la de Ricard Salvat, un
hombre extraordinario y , permítaseme utilizar el tópico, un catalàn
universal.

Desde la caverna
Tres versiones de Galileo
C urioso arranque el de Vida de Galileo en el Valle-Inclán. Es
el propio protagonista Ramón Fontserè quien, personifi-
cando al mismísimo Brecht y en perfecto alemán, se dirige
a dos de los intérpretes interesándose por la compañía y el actor
que hará de Galileo. Salen éstos en busca de su compañero mientras
que, al reclamo de que “Brecht está aquí”, acude el resto del elenco.
Se agolpa así un numeroso grupo que acoge al maestro con fervor
y de pronto, sin más, convirtiéndose por fin en Galileo el Brecht de
Fontserè, se inicia la función.
Se establece así desde el principio un paralelismo entre los dos colo-
sos, el uno de la ciencia y de la escena el otro (“el Galileo del teatro
contemporáneo” dirá de Brecht el director Ernesto Caballero en su
nota al programa de mano), que se va a mantener hasta el final como
pivote principal del montaje en cuanto que, a la inversa, la figura del
autor alemán nos va a servir para abordar, en su proporción justa, la
del científico italiano. Y es que, vista desde hoy y a pesar de ser impo-
nente, la imagen de Brecht nos es cercana, como si siguiera con no-
sotros y consecuentemente, la que él se forjó de Galileo como hombre
de su tiempo lo es también. Brecht no quiere gigantes en escena sino
seres humanos que podamos juzgar sin que su talla nos lo impida. Por
eso nos presenta un Galileo que es, sí, un gran astrónomo reconocido
en toda Europa pero, ante todo, un semejante nuestro sometido al
dinero y la fama. No dudará en copiar el telescopio inventado en Ho-
landa para ofrecerle un ejemplar al Dogo y aumentar su retribución.
Y serán también sus apetencias las que le llevarán a abandonar la
segura república de Venecia para establecerse en el opulento ducado
de Toscana infectado por la Inquisición. Cuando su amigo Sagredo le
previene del riesgo en una corte como la de Florencia, el científico
expone una larga lista de la compra: el ajuar de su hija, los libros que
tiene que leer, el comer convenientemente (“Es durante una buena co-
mida cuando me vienen las mejores ideas”)… Le pierde a Galileo su
inquebrantable fe en la razón humana que, según él, debería rendirse
a la evidencia que refleja el ocular de su telescopio. Y no termina de
entender el pragmatismo de los príncipes de la Iglesia: si las cartas
celestes resultantes de las nuevas hipótesis facilitan la navegación a
los marinos, bien está que las usen siempre que no sirvan de pretexto
para desmantelar las Escrituras. Pero nuestro científico ya ha sobre-
pasado estas disputas y ha extrapolado sus teorías físicas del dogma
religioso al campo social: empieza a escribir en lengua vernácula y
se interesa por la miseria que ve a su alrededor. Es más, la cólera
empieza a transfundirse al sector popular y las nuevas ideas invaden
toda Italia en su carnaval. Un toque de atención para la Iglesia que
decide actuar y convoca a Galileo a Roma. Lo que viene después es
bien sabido: el proceso de la Inquisición, la retractación del científico y
su retiro vigilado en una casa de campo de la Toscana hasta la fecha
de su muerte en 1642. Pero aún nos preguntamos, como lo hicieron
sus ayudantes Andrea, Federzoni y el pequeño monje renegado aquel
22 de junio de 1633, por qué se retractó: ¿se trató de una argucia
para poder seguir investigando o, sencillamente, del pavor?
Una pregunta para la que hay que volver al propio Brecht, quien se
marzo
abril 16
David Ladra
la planteó de continuo. La primera versión, escrita en 1938 durante
su exilio en Dinamarca y estrenada en el Schauspielhaus de Zürich
en septiembre de 1943, presenta la retractación de Galileo como un
medio estratégico para combatir la represión: el científico salvará su
vida y seguirá trabajando a escondidas hasta terminar los Discorsi.
Un optimismo que se concreta en el epílogo cuando Andrea traspasa
la frontera con el manuscrito escondido en su jubón. Será en Esta-
dos Unidos donde Brecht prepare, de 1945 a 1947 y junto al actor
Charles Laughton, la versión llamada “americana” que, aparte de ali-
gerar la trama eliminando escenas como dicho epílogo, incide en su
contenido social e incluye, sobre todo, la llamada a la responsabilidad
de los científicos tras el holocausto nuclear de Hiroshima y Nagasaki,
una carnicería que ha contribuido a transformar el fin último del co-
nocimiento de “disminuir las miserias de la vida humana” a provocar
“un grito de terror universal”. Dirigida por Joseph Losey, el estreno de
esta segunda versión tuvo lugar en el Coronet Theatre de Los Ángeles
el 30 de julio de 1947 y en el Maxine Elliott´s Theatre de Nueva York
el 7 de diciembre del mismo año. Ya instalado en la RDA, el autor ale-
mán empieza a elaborar en 1953 una tercera versión, la “berlinesa”,
que consiste esencialmente en una traducción de la “americana” pero
haciendo aún más hincapié en los motivos para el pesimismo que ya
figuraban en ésta (aunque vuelve a añadir el epílogo). El haberse
retractado de sus ideas ante el Santo Oficio no es ya un acto propio
de su astucia sino una muestra de su cobardía. Y es que “quien ignora
la verdad es un imbécil, pero quien la conoce, y aún así la oculta, es un
criminal”. El estreno de esta tercera versión se llevó a cabo en Colonia
en abril de 1955. Brecht se puso a trabajar en su montaje poco des-
pués, pero su fallecimiento en 1956 retrasó su estreno por el Berliner
Ensemble hasta enero de 1957.
El montaje dirigido por Ernesto Caballero en el Valle-Inclán responde
a la versión “americana” y exceptuados dos fragmentos de su cose-
cha propia (el comienzo del que ya hemos hablado y otro intermedio
sobre las relaciones entre Brecht y la RDA que no viene a cuento) es
excepcional. El director acierta plenamente al poner el énfasis en la “fá-
bula”. Así, la vida del astrónomo italiano nos es presentada con una
pasmosa fluidez que permite apreciar con todo detalle el discurso del
autor alemán. Además, dentro de la austeridad general, siempre hay un
movimiento, una figura, un gesto que realza el conjunto: ese hombre
que se alza sobre los demás agitando la carraca que alejará la peste,
esas estatuas propias de un Miguel Ángel que adornan los palacios
romanos, el discreto estallido de la bomba atómica o ese sencillo gesto
de un Galileo casi ciego, pero saciado por un guiso de oca, fumándose
un pitillo bajo la noche clara… Excelente la interpretación a todos los
niveles: Ramón Fontserè, Alfonso Torregrosa, Paco Déniz, Roberto Mori,
Paco Ochoa, Tamar Novas, Ione Irazabal, Macarena Sanz… Relevantes
también el vestuario de Felype de Lima, la iluminación de Ion Anibal y el
espacio escénico de Paco Azorín con ese escenario circular que parece
moverse al ritmo de los cielos. Aunque procede de la partitura incidental
de Hanns Eisler, mejorable la parte musical y, sobre todo, el canto. En fin,
con sus pequeñas cosas, un éxito total.
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16 marzo
abril
El Teatro Arriaga estrena El sueño de una noche de verano
El Arriaga recrea “un sueño”
gestado en tres lenguas
E
l Teatro Arriaga se suma a las ac-
tividades que durante todo el año
conmemorarán el 400 aniversario
de la muerte del dramaturgo Wi-
lliam Shakespeare y lleva a escena una
versión en tres idiomas de El sueño de
una noche verano/ Uda gau bateko amet-
sa, que se estrenará el 6 de abril y ofre-
cerá otras siete funciones hasta el día 16.
Pablo Viar, autor y director de la versión,
afirma que “no hay mejor homenaje que
celebrar la poesía de Shakespeare en el
mayor número de lenguas posible”.
El sueño de una noche verano se pre-
senta como la producción propia más
importante de la temporada del teatro
bilbaíno, con un elenco que supera la
veintena de intérpretes. En pasadas tem-
poradas el teatro ha producido los mon-
tajes ‘Los enamorados’ y ‘La gaviota’,
dando paso ahora a una de las obras
10
w w w. a r t e z b l a i . c o m
maestras de Shakespeare, que será in-
terpretada por un “elenco sensacional”
de intérpretes vascos, según expresa su
director. Viar es responsable de trabajos
como el montaje que el Arriaga produjo de
la zarzuela ‘El caserío’ en 2011. En esta
ocasión, el director se encarga también de
la traducción del texto al castellano. Y es
que el público podrá disfrutar de una obra
en tres idiomas; además de interpretarse
en castellano y en euskera, se ofrecerán
breves fragmentos del texto en la lengua
original de Shakespeare.
En un principio, la idea era hacer dos
versiones, una en euskera y otra en caste-
llano, de manera que se realizarían cuatro
funciones en cada idioma. Pero finalmen-
te se apostó por una única versión, que
pensaron resultaría más atractiva debido
a la mezcla de los tres idiomas. Esto no
supondrá, sin embargo, ninguna dificultad
©E. Moreno Esquibel
de comprensión para los asistentes, que
podrán seguir y entender la obra sin nin-
gún problema, ya que el texto al comple-
to estará sobre titulado, en euskera y en
castellano. Según ha desvelado el director,
serán las partes del texto conectadas con
el mundo natural y mitológico las que sean
recitadas en euskera, “aprovechando la
riqueza y la belleza de la lengua”. Jon Kol-
do Vázquez es el autor de la traducción de
los fragmentos al euskera.
versión fiel
El Arriaga presentará una versión fiel de
la pieza original del autor inglés. Para Viar,
se trata de un texto “que explora los lími-
tes entre lo real y lo simbólico, lo soñado”.
Según él, supone una gran oportunidad de
descubrir “cómo se fabrica la ficción para
que se complete en la mente del especta-
 marzo
abril 16
dor”. El montaje ofrecerá una puesta en
escena de estética actual. Josep Simón es
el encargado de la escenografía y Carmen
Martínez del diseño de iluminación. Jesús
Ruiz, por su parte, es el autor del moder-
no vestuario que lucirán los actores. Entre
ellos, Gabriel Ocina interpretará a Teseo,
Eneritz Artetxe será Hipólita, Chema Trujillo
dará vida a Filóstrato y Antonio Rupérez a
Egeo. Por su parte, Aritza Rodríguez, Jose-
ba Apaolaza e Itziar Lazkano encarnarán a
Puck, Oberón y Titania, respectivamente.
Completan el reparto Mikel Losada (Li-
sandro), Lander Otaola (Demetrio), Itxa-
so Quintana (Hermia), Lucía Astigarraga
(Helena), Gurutze Beitia (Trasero/Píramo),
Iñaki Maruri (Membrillo/Prólogo), Jon Koldo
Vázquez (Flauta/Tisbe), Jon Ariño (Hocico/
Muro), Karmele Larrinaga (Acople/León) y
Mitxel Santamarina (Famélico/Luz de Luna).
Por último, las hadas serán interpretadas
por las actrices Sara Barroeta, Olatz Gan-
boa, María Urcelay y Aiora Sedano. Pablo
Viar expresa que es “un lujo” contar con el
trabajo de todos ellos.

La obra ©E. Moreno Esquibel

William Shakespeare escribió esta co-
media, cuyo título original es ‘A Midsum-
mer Night’s Dream’, alrededor de 1595,
con motivo, al parecer, de la conmemora-
ción de la boda de Sir Thomas Berkeley
y Elizabeth Carey, en febrero de 1596.
Felix Mendelssohn escribió una obertura
y otras piezas musicales inspirado en esta
obra que se utilizaron como acompaña-
miento musical de la obra a lo largo del
siglo XIX. Ya en el siglo XX, en 1960, Ben-
jamin Britten compuso una ópera sobre el
mismo tema con libreto del propio Britten
y del tenor Peter Pears.
La historia acontece en la noche de
San Juan y está ambientada en una
imaginaria Atenas. Mientras el duque
Teseo cuenta las horas que faltan para
su boda con Hipólita, se descubren las
desventuras amorosas de unos jóvenes,
que aman a quien les desprecia, y des-
precian a quien les ama. Para mayor em-
brollo, Oberón, rey de las hadas, y Tita-
nia, la reina, en sus disputas, siembran
de sor tilegios el bosque donde todos
acuden a refugiarse y donde una com-
pañía de cómicos aficionados prepara
una representación. Todo está prepa-
rado para que la noche haga extraños
compañeros de cama y acaben todos
anhelando abrazar un cuerpo que no es
el que durante el día decían adorar.
Como diría Teseo: “Dejemos a los aman-
tes y a esas imaginaciones ardientes, a
esas extravagantes fantasías que van más
allá de lo que la razón puede percibir”.

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16 marzo
abril
Producciones Teatrales Contemporáneas estrena Tierra del Fuego
El diálogo como llave para
superar las diferencias
P
roducciones Teatrales Contempo-
ráneas presenta el estreno de Tie-
rra del Fuego, obra del argentino
Mario Diament sobre la necesidad
del diálogo, de la comprensión entre cul-
turas, para encontrar un camino que su-
pere las diferencias y enemistades entre
israelíes y palestinos. Dirigida por Claudio
Tolcachir, la pieza se llevará a escena los
días 11 y 12 de marzo en el Teatro Central
de Sevilla. El 21 de abril el montaje llegará
a las Naves del Español (Madrid), para re-
presentarse hasta el 4 de junio.
Hacia 1999, Barenboim y Said (falleci-
do en 2003) planificaron la creación de
una orquesta integrada por músicos pro-
12
w w w. a r t e z b l a i . c o m
venientes de las dos zonas enfrentadas
desde 1948, cuando se creó el Estado de
Israel en tierras que los judíos considera-
ban propias, aunque hacía casi 2000 años
que no habitaban. La orquesta se llamó
West-Eastern Divan y viene demostrando
que la convivencia civilizada es posible.
Con el mismo espíritu humanista y pare-
cida voluntad de sumar esfuerzos a un
acercamiento honesto a tan grave proble-
mática, Mario Diament, argentino de as-
cendencia judía, se anima a dar espacio a
distintos puntos de vista, a reconocer que
todos los personajes de su obra tienen
sus razones.
Alicia Borrachero, Claudio Tolcachir,
© Álvaro Vicente
Abdelatif Hwidar, Juan Calot, Malena Gu-
tiérrez y Hamid Krim forman el elenco de
Tierra del Fuego, obra inspirada en un he-
cho real. El dramaturgo y periodista Mario
Diament parte del encuentro y el diálogo
entre una pacifista israelí y un palestino
preso por terrorismo, para construir una
ficción. La obra narra la historia de una
ex azafata israelí víctima de un atentado
en el que resultó herida y su mejor amiga
muerta. Veintidós años después decide vi-
sitar y encontrase con el terrorista autor
del atentado, miembro del Frente Popular
para la Liberación de Palestina, que está
recluido en una prisión de Londres, con-
denado a cadena perpetua. En ese en-

cuentro, bucearán en la bús-
queda de la comprensión de
una realidad que va más allá
de sus historias personales.
El relato se propone re-
flexionar sobre la necesidad
de escuchar la historia del
otro, del enemigo, como con-
dición necesaria para iniciar
un diálogo. Y comenzar a es-
bozar la paz y la convivencia
pacífica como posibilidad. Se
trata de una propuesta para
reflexionar sobre las causas
y consecuencias de la violen-
cia política militar, en una de
las zonas más calientes del
planeta. Y sobre el lugar del
diálogo y la palabra como medio para la
convivencia pacífica y la justicia. “Al final,
la relevancia de esta historia excede el li-
mitado contorno del conflicto enquistado
en Oriente Medio, porque ese conflicto tan
testarudo como doloroso puede leerse
desde la luminosidad de esta obra, des-
de la mano tendida al entendimiento y al
perdón para enterrar las desgracias”, ex-
plican desde la productora.
© Jean Pierre Ledos
David Serrano ha sido el encargado de
realizar la versión española de un texto
que se estrenó en el Teatro El Tinglado
de Buenos Aires en el año 2013, con
Alejandra Darín y Pepe Monje como pro-
tagonistas. La obra ha sido escenificada
en diversos países. En Broadway tuvo a
Frances McDormand como protagonista.
Tolcachir expresa que “ojalá al salir de
ver esta obra alguna de las diferencias
marzo
abril 16
que nos separan pudieran
achicarse. Aunque sea un
poco. Porque en definitiva
todo se trata de personas de
historias de vida. Y quizá sea
el teatro el que nos permita
borrar fronteras y volvernos
más humanos”.
En esta nueva propuesta,
es Elisa Sanz quien realiza las
labores de escenografía y ves-
tuario, mientras la iluminación
cuenta con la autoría de Juan
Gómez Cornejo. En palabras
de Tolcachir, la obra “es una
oportunidad de entrar en la
Historia, una Historia absolu-
tamente presente y contradic-
toria, llena de preguntas, de incómodas re-
velaciones. La eterna esperanza de lograr
el encuentro en medio de tantos años de
dolor. Como cajas chinas desplegándose,
intentando descubrir el origen de tantas
injusticias. Cuando el teatro interpela, des-
cubre, conmueve y nos permite pensar y
tratar de comprender, se vuelve un ejercicio
absolutamente necesario. Como es necesa-
ria esta obra”.
13
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16 marzo
abril
La Joven Compañía estrena Proyecto Homero: Ilíada/Odisea
Jóvenes actores de aventura
con las poesías de Homero
J
osé Luis Arellano dirige a La Joven
Compañía en Proyecto Homero, pro-
ducción que presenta los textos de
los dramaturgos Guillem Clua y Alber-
to Conejero, que han adaptado los cantos
de Homero ‘Ilíada’ y ‘Odisea’, respectiva-
mente. La propuesta, concebida en dos
espectáculos independientes, estará en
cartel del 5 al 30 de abril en el Teatro
Conde Duque de Madrid, donde reside la
compañía.
“Nos planteamos un gran reto para
cerrar la tercera temporada en el Teatro
Conde Duque: hablar del origen de Europa
a través de dos de las voces más poten-
tes de la dramaturgia española como son
Guillem Clua y Alberto Conejero. Dos en-
cargos para revisar y acercar a nuestra
14
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época y al teatro europeo las dos grandes
epopeyas griegas en voz de Homero: la
Ilíada y la Odisea. Los dos poemas épicos
recogen los temas que luego han cons-
tituido la civilización occidental”, afirman
desde La Joven Compañía.
José Luis Arellano, Juanjo Llorens, Silvia
de Marta, Álvaro Luna y Josep Vila lide-
ran el equipo artístico de esta producción,
que contará con un reparto formado por
15 jóvenes actores y actrices. Se trata de
Javier Ariano, Cristina Bertol, Katia Bor-
lado, Alejandro Chaparro, Juan Frendsa,
Víctor de la Fuente, Cristina Gallego, Jota
Haya, Carmen Ibeas, Samy Khalil, Jesús
Lavi, Juan Carlos Pertusa, Álvaro Quinta-
na, María Romero y Álex Villazán.
© Paul Rodríguez
Ilíada
Nueve años después del rapto de He-
lena por parte de Paris, el ejército aqueo
ha conseguido poner Troya bajo sitio. La
guerra parece llegar a su fin, pero Aquiles
se retira de la batalla tras una disputa con
el rey Agamenón. Esa decisión cambiará el
rumbo de la guerra y hará que la tragedia
se desboque en ambos bandos.
Guillem Clua ha sido el encargado de
realizar la versión de la Ilíada, quien ex-
presa: “Al tomar el relevo de Homero (y
de tantos autores que han bebido de esos
cantos a lo largo de los siglos), he intenta-
do tener esa humanidad siempre presen-
te. Hay que contar las gestas, claro, los
episodios que todos tenemos en mente:

Helena contemplando la
lucha entre sus dos espo-
sos desde la muralla de
Troya, Patroclo saliendo a
la batalla con las armas de
Aquiles, la terrible vengan-
za de éste sobre Héctor...
pero allí, en las rendijas de
lo heroico, Homero siempre
encuentra un lugar para la
belleza, para el amor, para
la piedad. La guerra siem-
pre ha estado presente en
mis obras. Desde ‘La piel
en llamas’, pasando por
‘El sabor de las cenizas,
Marburg’ y, claro está, por
la primera obra que escri-
bí para La Joven Compañía, ‘Invasión’. En
todo este tiempo me he dado cuenta de
que escribir sobre la guerra consiste en
rellenar los espacios que la destrucción ha
dejado tras de sí; es una constante lucha
contra el vacío, una búsqueda incansable
de la cordura en medio del caos, del senti-
miento en la oscuridad metálica que trata
de enmudecerlo. Y eso es más verdad que
nunca en la Ilíada, una obra sumergida en
el dolor y la muerte hasta tal punto que
la más ínfima muestra de humanidad brilla
más que una galaxia entera”.
Odisea
La guerra de Troya ha terminado y los
combatientes se disponen a volver a sus
hogares. Al ingenioso Ulises, el retorno
le llevará otros diez años. Un viaje en el
que deberá sortear todo tipo de dificulta-
des causadas por seres mortales, sirenas,
© Paul Rodríguez
cíclopes y dioses que buscan venganza.
En Ítaca esperan Penélope y Telémaco, su
esposa e hijo.
Alberto Conejero afirma, en una entre-
vista realizada por El Cultural, que para la
versión escénica de la Odisea ha tenido
en cuenta tanto la juventud y fuerza de La
Joven Compañía y de muchos de sus es-
pectadores, como el hecho de que la obra
debe acompañar a la Ilíada de Guillem
Clua. “Los espectadores podrán ver una
u otra pero también las dos seguidas. No
son limitaciones sino reglas de juego que
he asumido con fascinación”.
El autor cuenta que su propuesta ha-
bla a nuestros jóvenes de la necesidad de
amar el camino sin temer ni a sirenas ni
a Cíclopes. “Ahora esos monstruos son
otros, quizá más invisibles (los señores de
los mercados, la falta de perspectiva labo-
ral, etc.) pero no debemos temer el viaje.
Ése es el sentido de las Ítacas: propor-
marzo
abril 16
cionarnos el viaje, la expe-
riencia, la aventura de estar
vivo. Mi Odisea mira muy de
cerca a Telémaco”.
La Joven
Compañía
La Joven Compañía tiene
el objetivo de contribuir a la
creación de futuros profesio-
nales, artísticos y técnicos,
fomentando la investigación
dramática, y buscando la in-
corporación de los públicos
jóvenes al teatro a través
de un proyecto pedagógico.
Hasta la fecha, ha realizado
producciones como ‘El señor de los mos-
cas’ de William Golding, montaje finalista
de los XVIII Premios Max a Mejor Espectá-
culo Familiar. Cuenta además con proyec-
tos como ‘Hey Boy Hey Girl’ sobre ‘Romeo
y Julieta’, ‘Punk Rock’ de Simon Stephens,
‘Fuente Ovejuna’ de Lope de Vega e ‘Inva-
sión’, también de Guillem Clua.
La compañía, que obtuvo el Premio El
Ojo Crítico de Teatro 2014 que otorga Ra-
dio Nacional de España, nació en 2012 a
voluntad de David R. Peralto y José Luis
Arellano. En la actualidad cuenta con al-
rededor de una treintena de jóvenes de
entre los 18 y 26 años. La agrupación
está afincada en el Teatro Conde Duque
de Madrid, donde representa más de 100
funciones al año, además de realizar giras
nacionales. En tres temporadas más de
70.000 espectadores han disfrutado de
sus producciones, número que presumi-
blemente aumentará muy pronto.
15
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16 marzo
abril
El Centro Dramático Nacional estrena 5 espectáculos
Lorca y Tennessee Williams,
entre lo nuevo del CDN
E
l Centro Dramático Nacional pre-
senta, en el Teatro María Guerrero
y en el Teatro Valle-Inclán, cinco
nuevos montajes durante los meses
de marzo y abril. Entre ellos se encuentra la
coproducción con la compañía Atalaya, que
recupera 30 años después la pieza Así que
pasen cinco años de Federico García Lorca.
Teatro María Guerrero
El primero de los estrenos será …y la
casa crecía, con texto, escenografía y di-
rección de Jesús Campos García. En sus
palabras: “... la casa crece de forma in-
controlada; y crecer sin control puede ser
cancerígeno. Es cancerígeno. Así es como
ha crecido el mundo del dinero: sin control.
Desde que es electrónico, hay más dinero
que cosas que comprar. Y ahí andan los ri-
cos, desesperados, buscando en qué gas-
tarlo. Cuánta abundancia, cuánto poderío.
Sí, el mundo es un disfrute para quien lo
disfruta. No sé de qué se quejan los que
lo tienen que limpiar. Y advierto que es una
comedia. Quiero decir con esto que habrá
quien se ría, aunque la cosa no sea para
reírse”. La obra, que estará en cartel del
4 de marzo al de 10 abril, cuenta con el
siguiente reparto: Fernando Albizu, José
Ramón Arredondo, Ana Cerdeiriña, Luis
Hostalot, Ana Marzoa, Juan Matute, Miguel
Palenzuela, Juan Carlos Talavera, Marilyn
Torres y Samuel Viyuela González.
Del 9 de marzo al 10 de abril llegará el
turno de Los dramáticos orígenes de las ga-
laxias espirales, texto escrito y dirigido por
Denise Despeyroux, quien expresa: “Luz,
agonizante o tal vez solo sugestionada, pide
a su gemela Andrómeda que la suplante
en las celebraciones familiares. La crisis de
identidad de ésta se desata, en un ambiente
cargado de interrogantes: ¿qué se puede
esperar de una familia convencida de que
Cumpleaños feliz es un clásico a la altura
de La Marsellesa? ¿Tendrá futuro el pop la-
16
w w w. a r t e z b l a i . c o m
caniano en los congresos de psicoanálisis?
¿Qué es más insensato: escribir una carta
íntima al director de El Corte Inglés, a Rilke
o a tu hermana muerta? ¿Qué es más noble
para el espíritu, ser uno mismo o tratar de
ser otro mejor que uno?”. Cuatro son los
intérpretes del montaje, Ester Bellver, Juan
Ceacero, Cecilia Freire y Ascen López.
Por último, Carme Portaceli propone y
dirige su versión de La rosa tatuada, obra
de Tennessee Williams que narra la histo-
ria de Serafina delle Rose, una viuda italo-
americana afincada en el estado de Loui-
siana que decide retirarse del mundo tras
la muerte de su marido. En opinión de la
directora, “la obra de Tennessee Williams,
reflejo de su propia vida, estaba marcada
por la caída de un mundo al que pertene-
cía, siempre presente en sus atormentados,
solitarios, reprimidos e incomprendidos
personajes. Con esa sensibilidad, el autor
construye unos seres que son víctimas de
sí mismos viviendo en un mundo en el que
los sueños no tienen lugar, en un mundo
que les impide encontrar la felicidad”. Jordi
Collet, Roberto Enríquez, David Fernández
“Fabu”, Alba Flores, Gabriela Flores, Igna-
cio Jiménez, Aitana Sánchez-Gijón, Paloma
Tabasco y Ana Vélez protagonizan este
montaje, que se podrá disfrutar del 29 de
abril al 19 de junio.
©MarcosGpunto
Teatro Valle-Inclán
Atalaya presentará, del 1 de abril al
15 de mayo, la obra Así que pasen cinco
años de Federico García Lorca. Se trata de
la primera vez que el CDN coproduce un
montaje con una compañía andaluza. La
primera puesta en escena de esta pieza
se realizó en el Círculo de Bellas Artes de
Madrid en 1986, y supuso el lanzamien-
to de la compañía sevillana. Entonces, el
elenco estaba formado por seis jóvenes
actores que afrontaban teatro de texto, al
igual que el propio director, por primera
vez. Treinta años después, Ricardo Iniesta
vuelve a llevar a escena este texto mágico,
interpretado en esta ocasión por nueve
actores.
Aquiles y Pentesilea, por su parte, es un
proyecto de investigación del Laboratorio
Rivas Cherif que se llevará a escena del 8
de abril al 15 mayo. La obra de Lourdes
Ortiz contará con la dirección de Santiago
Sánchez, que afirma que se trata de “una
de las más bellas historias de amor de la
mitología griega”. El reparto lo forman
Maria Almudéver, Rubén Carballés, Dayana
Contreras, Gorsy Edú, Astrid Jones, Víctor
Massán, Didier Otaola, José J. Rodríguez,
Verónica Ronda, Rodolfo Sacristán, Cecilia
Solaguren y Camino Texeira.

Nacho Vilar Producciones estrena Neva
El teatro y la política
surcan el río Neva
E
l Teatro Circo Murcia acoge dentro
del “Ciclo escena de aquí” la obra
Neva de Guillermo Calderón, produc-
ción de Nacho Vilar dirigida por José
Bornás. Lola Martínez, Irene Verdú y Jesús
Arribas “Risi” son los intérpretes del montaje
que se estrenará el día 16 de marzo.
En San Petersburgo, durante una tarde
de invierno en 1905, mientras las tropas
reprimen salvajemente a los obreros que
se manifiestan en las calles, dos actrices y
un actor tratan de ensayar en un teatro de
la ciudad frente al río Neva. Una de ellas
es Olga Knipper, la famosa actriz del Teatro
del Arte de Moscú, dirigida por Stanislavski
y viuda de Antón Chejov. Olga se culpa de
haber vivido lejos de su esposo durante los
últimos años de su vida, mientras escribía
aislado para curar su tuberculosis y ella
estrenaba sus obras en Moscú. Los otros
dos actores tratan de ayudarla a ensayar la
obra ‘El jardín de los Cerezos’, soportando
con admiración sus aires de diva y tratando
de ignorar el terrible hecho de que el resto
de los actores no ha llegado. La situación
se vuelve irónica e hilarante cuando los
actores discuten acerca de la técnica de
actuación y la belleza del teatro en el con-
texto de la histórica matanza del Domingo
Sangriento en las calles de la ciudad.
Neva se estrenó en octubre de 2006
en el Teatro Mori de Santiago de Chile, a
cargo de la compañía Teatro en el Blanco
y dirigida por el propio Guillermo Calderón.
Basada en hechos y personajes reales, es
una reflexión crítica y sarcástica acerca del
teatro, la actuación y sus limitaciones para
dar cuenta del drama privado de la muerte
y del drama público de la violencia políti-
ca. En palabras de Calderón: “En el caso
de Neva, trato de hacer que la obra sea
muy personal, aunque no necesariamente
lo parezca, porque quizás para un ojo no
demasiado incisivo pueda parecer que es
una obra acerca de actores y política, pero
lo que está ahí puesto es mi conflicto”. En
su opinión, “sacar lo que pasa por dentro y
ponerlo afuera es muy enriquecedor”.
marzo
abril 16
cementerio ambulante
“Yo crecí con algo que me contaba mi
mamá, que es muy simple: que después
del golpe militar había cuerpos en el río,
entonces son esas cosas que uno escucha
banalmente cuando es niño, pero que se
van quedando en la mente y nunca se me
olvidó esa imagen. El río, en vez de ser
fuente de vida o el paso del tiempo, como
se usa en términos filosóficos, para mí ha
sido una especie de cementerio ambulante
o una cosa así. Siempre me quedó esta
idea como fatal del río, entonces me ima-
giné que en muchas ciudades europeas
los ríos han figurado a veces como ideas
de cementerios flotantes; por lo mismo,
como quería hablar de Rusia, que tiene
esa connotación de una tremenda canti-
dad de muertes, de vidas desperdiciadas,
de vidas aniquiladas, se me ocurrió que
un buen punto de partida era esta idea
de cementerio ambulante y del río Neva”,
expresa el autor.
17
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16 marzo
abril
m i s c e l
Txanozuritxu
Versión libre de ‘Caperucita
roja’, se trata de una ópera
en euskera para 5 músicos
y 8 cantantes, fruto del con-
venio de colaboración entre
ABAO-OLBE y el Teatro
Arriaga. Es precisamente el
teatro bilbaíno el que acoge-
rá el estreno de Txanozuri-
txu, montaje con música de
Carlos Imaz que se podrá ver del 12 al 14 de marzo.
Mitxel Santamarina, director de escena y dramaturgo,
propone una adaptación donde personajes y escenarios
se adaptan a una situación actual y moderna. Caperu-
cita es una adolescente que intentando hacer amigos
se acercará a Lobo, un chico enigmático de su clase.
Según explican, la historia trata de la incomunicación
entre las personas, destacando el estrés y las prisas
que la sociedad de hoy en día vive. También se tratan
temas como la inserción social, el “bullying” o la reali-
zación de sueños y objetivos en la vida, “con muchas
posibles moralejas que ayudan al espectador a enten-
der a los personajes de la obra y les invitan a reflexio-
nar sobre la sociedad que creamos entre todos, como
la falta de valores y sus consecuencias”.
El Prisionero
El Prisionero es una copro-
ducción de los Teatros del
Canal y la Compañía Pri-
sioneros, una obra de José
Luis de Blas Correa creada
a partir de una idea original
de José Manuel Seda, quien
se encarga de interpretar el
monólogo, dirigido por Ma-
riano de Paco Serrano. En la
historia, un hombre aguarda la muerte en su celda,
mientras escucha cómo construyen el patíbulo donde
será ejecutado. Sin embargo, tiene la oportunidad de
sobrevivir si firma un documento en el que abjura pú-
blicamente de sus “crímenes”. “El tema de la identidad
halla en El prisionero un campo donde germinar a su
antojo. Alguien quiere ser otro. En un juego de espejos,
el escritor quiere ser actor, el actor quiere ser su perso-
naje, y el mito, ignorante de sus mil muertes, lucha por
su pervivencia desde el corazón del actor”, explican. El
montaje se estrenará en los Teatros del Canal de Ma-
drid, donde estará en cartel del 4 y el 24 de abril. “¿La
cárcel está dentro o fuera? ¿En qué dirección empieza
la celda? Si de este costado, ¿no es el mundo otra cel-
da al otro lado, solo que de mayor tamaño? ¿No fue
entrar en la celda pequeña, salir de una celda mucho
más grande?”.
18
w w w. a r t e z b l a i . c o m
á n e a
El Jurado
Avanti Teatro estrena El
Jurado bajo la dirección
de Andrés Lima e inspirado
en ‘Doce hombres sin pie-
dad’ de Reginald Rose. El
montaje se presenta como
un retrato de la sociedad
española y su posiciona-
miento ante el sistema ju-
dicial: un político sentado
en el banquillo de los acusados por un gran caso de
corrupción. Un largo juicio sometido a una importante
presión mediática. Llega la hora de la deliberación y un
jurado popular tendrá que tomar una decisión: ¿culpa-
ble o inocente?. “El desarrollo del texto responde a los
principios del thriller, con varias vueltas de tuerca que
aumentarán el suspense, jugando todo el tiempo con
lo que el espectador sabe, lo que supone y lo que no
se espera”, explica su autor, Luis Felipe Blasco Vilches.
La obra cuenta con los intérpretes Josean Bengoetxea,
Víctor Clavijo, Cuca Escribano, Pepón Nieto, Isabel Or-
daz, Canco Rodríguez, Luz Valdenebro, Eduardo Velasco
y Usun Yoon. Se presentará el 2 y 3 de abril en el Teatro
Tomás y Valiente de Fuenlabrada (Madrid), para recalar
después en las Naves de Matadero/Teatro Español.
Un vasco en Sevilla
El bilbaíno Mikel del Valle
presenta esta pieza dentro
de los denominados ‘Cuar-
titos del Arriaga’. El baila-
rín terminó sus estudios en
danza clásica y contemporá-
nea en Madrid. Ha trabaja-
do en diversas compañías y
con más de un centenar de
coreógrafos. La idea de esta
pieza nace tras su etapa en la capital hispalense, donde
crea un solo que fue premiado en el certamen coreográ-
fico de Andalucía y de Madrid, como mejor coreografía y
mejor bailarín en 2014. Ahora, el montaje se ha creado
con un cuerpo de baile de 7 intérpretes, con diferentes
estilos de danza, como neoclásica, contemporánea y fla-
menca, donde se estrenará en el Teatro Arriaga de Bil-
bao el 16 de marzo. En palabras de Mikel del Valle: “La
Felicidad es el sentimiento más íntimo de todos, pero
cuando se plasma transparente enérgico y agradecido
entre la osada muchedumbre, resalta el brillo del despo-
jo. Independientemente los ojos de los labios y fieles al
corazón, ensanchan para mostrarse, donde los canales
fluyen sin fronteras de peajes. La flor de Ubre estalla, es
apasionante, impuesta por los cánones cuela su aroma
salvaje y es ahí el punto del movimiento. La Libertad.
Sevilla tiene un vasco especial”.
 marzo
abril 16
m i s c e l á n e a

H amlet
Pau Carrió versiona y dirige
la obra de Shakespeare, pro-
ducción en catalán del Tea-
tre Lliure interpretada por
Eduard Farelo, Pol López,
Xicu Masó, Rosa Renom,
Marc Rius, Maria Rodríguez
y Pau Vinyals. Según Carrió:
“Somos, quizás hablo de mi
generación, conscientes de
la putrefacción del reino, de la corrupción dominante,
sabemos que se puede sonreír y ser un canalla al mismo
tiempo. Como en una cárcel, no encontramos la salida, y
todas estas cosas nos hacen sentir a su vez indignados y
desconcertados. Nos preguntamos qué debemos hacer.
Quisiéramos articular respuestas y acciones acertadas
contra todo esto. Y cuando nos detenemos a estudiar
cómo hacerlo, una y otra vez chocamos con contradic-
ciones que no sabemos superar. No sabemos resolver
nuestro papel con determinación, porque ya no nos
creemos esta tragedia de venganza. Somos Hamlet”. La
obra se podrá ver en el Lliure (Barcelona) del 17 de mar-
zo al 17 de abril, con entradas ya agotadas.
Celestina
José Luis Gómez dirige la
obra de Fernando de Rojas
en esta coproducción de la
Compañía Nacional de
Teatro Clásico y el Tea-
tro de La Abadía. “La Ce-
lestina encarna un mundo
donde la moneda tiene dos
caras: Pleberio y Celestina.
Pleberio cree en el hombre
de virtud, ley y razón. Celestina apuesta por el instinto
y el egoísmo humano. La modernidad escénica estriba
en hacer visible este doble gesto. Celestina es una obra
que acontece en movimiento: callejeando, susurrando,
dudando, haciendo. Para mostrar su dimensión basta
que el director de escena sepa tejer voluntades con
un hilado hechizado; basta que ese director se haga
Celestina”, afirma Gómez, que interpretará a Celestina.
El espectáculo se llevará a escena del 6 de abril al 8 de
mayo en el Teatro de la Comedia de Madrid, sede de la
CNTC. El montaje, que cuenta con la música de Eduar-
do Aguirre de Cárcer, pasará después por lugares como
Logroño, Zaragoza, Valladolid y Cáceres.

Reina Juana
La actriz Concha Velasco se mete en la piel de Juana de Castilla (Juana la Loca) en Reina
Juana, una reina “caracterizada por la falta de adecuación a la realidad que hoy define a
buen número de las patologías mentales, pero, también, por un temperamento indómito
y transgresor obstinado en contravenir las pautas de comportamiento convencionales”, en
opinión de Ernesto Caballero, autor del monólogo que dirige Gerardo Vera. “Mi principal pro-
pósito como dramaturgo ha sido crear un personaje poliédrico, sensible y perspicaz decidido
a sobrevivir al infortunio haciéndose fuerte en los infranqueables dominios de la irrealidad y
la imaginación. Un sueño felizmente cumplido por obra y gracia de una artista excepcional,
© Sergio Parra
Concha Velasco, reina y señora de esa balsámica conmoción que conocemos como Teatro”,
explica Caballero. En palabras de Gerardo Vera, “la leyenda popular y el morbo enfermizo de
este país acumulado durante años alrededor de su personaje, ha sido inspiración para obras de teatro, series de televi-
sión y películas. De todos modos, siempre eché en falta un tratamiento más profundo y más justo con tan extraordinario
personaje y cuando Ernesto Caballero me mandó este texto, vi, desde su primera lectura, que era el espectáculo teatral
que había que hacer”. Se trata de una producción de Siempre Teatro y Grupo Marquina que se representará del 7
al 10 de abril en el Teatro Lope de Vega de Sevilla, y llegará después al Teatro de la Abadía de Madrid, donde estará en
cartel del 28 de abril al 5 de junio. “Gracias Concha por haberte embarcado en este viaje tan apasionante y tan luminoso
como la propia vida”, concluye el director.

19
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16 marzo
abril
m i s c e l
A teatro con Eduardo
A teatro con Eduardo,
producción del Teatre Lliu-
re de Barcelona, está com-
puesta por dos obras de
Eduardo De Filippo: el pri-
mer acto de ‘Uomo e galan-
tuomo’ y, entera, ‘La grande
magia’. Este espectáculo en
catalán estará versionado y
dirigido por Lluís Pasqual,
y contará con un elenco formado por los intérpretes
Laura Aubert, Jordi Bosch, Robert González, Oriol Gui-
nart, Teresa Lozano, Ramon Madaula, Francesca Piñón,
Albert Ribalta, Marc Rodríguez y Mercè Sampietro. En
palabras de Pasqual: “Eduardo de Filippo nunca se ha-
brá encontrado tan cerca de Pirandello. La vida es como
una función de teatro, sí, pero también como una caja
china, o una muñeca rusa que en su interior contiene
a otra, y a otra y a otra, como un infinito juego de ilu-
sión... La hilaridad y la emoción se mezclan en manos
de este genio del teatro napolitano que jugaba a hacer
teatro para contarse la vida siempre con una sonrisa
socarrona en los labios, muy parecida a la nuestra”. La
pieza se podrá disfrutar en el Teatre Lliure del 30 de
marzo al 1 de mayo.
La estancia
Coproducción del Teatro
Calderón de Valladolid y
la Compañía Salvador
Collado-Euroscena, Javier
Collado es Marlowe y José
Manuel Seda es Shakespea-
re en esta obra de Chema
Cerdeña, dirigidos por Jesús
Castejón. Enmarcada en la
Inglaterra Isabelina, La es-
tancia ha recibido el Premio de la Crítica Valenciana al
Mejor Texto, ha sido Mejor texto por la Asociación de
Espectadores de Alicante (AITA) y nominada al mejor
texto para el premio “Premis de las arts escéniques” de
la Generalitat Valenciana. Según Cerdeña, “es una histo-
ria de pasión. De pasión por el teatro, por la vida, por el
sexo, por la aventura, por la necesidad de vivir al límite
y al mismo tiempo de permanecer para la posteridad. Es
la historia de dos hombres iguales y muy diferentes. Dos
hombres, a quienes uní en un destino, nada descabella-
do, en un juego teatral que les conduce vertiginosamen-
te hacia dos finales. ¿Quién es quién? ¿Y cuál es cuál?
No importa. Quedan siempre las obras, y al fin y al cabo,
la autoría, no es lo más importante, sino la vida que
queda plasmada en un papel para que una y mil veces,
unos personajes vuelvan a esa misma vida”.
La obra estará en el Calderón del 11 al 13 de marzo.
20
w w w. a r t e z b l a i . c o m
á n e a
D on Joan
El Teatre Nacional de Ca-
talunya y La Brutal pre-
sentan Don Joan, espec-
táculo que dirigirá David
Selvas sobre la tragicome-
dia de Molière, estrenada el
15 de enero de 1665. Sergi
Pompermayer, Cristina Ge-
nebat y el propio David Sel-
vas realizan una adaptación
actualizada del personaje más libertino, infiel, seductor,
hipócrita y vividor de la literatura universal. Una revi-
sión contemporánea de la figura de Don Juan, uno de
los mitos indiscutibles de la modernidad europea. Será
Julio Manrique el encargado de meterse en la piel del
personaje. En el reparto le acompañan Lluís Marco, Ma-
nel Sans, Anna Azcona, Cristina Genebat, Xavi Ricart,
Javier Beltrán y Nausicaa Bonnín. Forman parte tam-
bién del equipo artístico Max Glaenzel (escenografía),
Mingo Albir (iluminación) y Maria Armengol (vestuario).
Cristina Genebat es la traductora del texto, que estará
programado en la Sala Petita del TNC del 17 de marzo
al 24 de abril. El espectáculo comenzará después una
gira por diferentes puntos de Cataluña como Badalona,
Mataró, Viladecans, Girona y Manresa, entre otros.
Un dios salvaje
Jordi Galcerán versiona la
comedia negra Un dios sal-
vaje de la dramaturga fran-
cesa Yasmina Reza, pieza
que fue estrenada en París
en el año 2006 y que se alzó
en Broadway con el Premio
Tony a la Mejor Obra Teatral
en 2009. Debido a su éxito,
el director Roman Polanski
la llevó a la gran pantalla en el año 2011, obteniendo
diversos galardones.
En esta ocasión, será Paco Montes el encargado de diri-
gir a Maia Sur, Fernando Ramallo, Lidia Navarro y Jaime
Zataraín. El texto trata sobre dos parejas de padres
que se reúnen a discutir sobre la violenta conducta del
hijo de una, que golpeó con un palo al hijo de la otra.
Lo que comienza como una conversación tranquila y
civilizada, adquiere un tinte más violento a medida que
los padres van revelando sus ridículas contradicciones
y grotescos prejuicios sociales. “Ninguno de ellos esca-
pará del brutal juicio final ante Un dios salvaje”, afir-
man desde la producción.
El espectáculo, en el que José Helguera realiza las labo-
res de escenografía y diseño de iluminación, se esceni-
ficará del 4 de marzo al 24 de abril en el Teatro Nuevo
Apolo de Madrid.
marzo
abril 16
16 marzo
abril

III FITA - Festival Internacional de Teatro do Alentejo

El teatro se expande por

la región de Alentejo

Otelo de Viajeinmóvil

La tercera edición de FITA presenta a catorce compañías llegadas

de diversos puntos de Portugal, España y América

E
l Festival Internacional de Teatro
do Alentejo, FITA celebra su tercera
edición entre el 1 y el 13 de marzo,
edición esta que incluye tres ciuda-
des más: Santiago do Cacém, Elvas y Vila
Nova Santo André, que se suman a Beja,
Évora, Portalegre y Grândola, sedes del
festival en las dos ediciones anteriores. En
palabras de su director artístico, Antonio
Revez, uno de los objetivos de la FITA es
“crecer en territorio Alentejo”, además de
ofrecer “una programación de alta calidad
artística para contribuir a la creación y de-
sarrollo de públicos”.
14 compañías conforman la programa-
ción de esta edición, la mitad de ellas por-
tuguesas. La anfitriona y encargada de la
organización de FITA, Lendias d`Encantar
22
w w w. a r t e z b l a i . c o m
pondrá en escena No limite da Dor, espec-
táculo basado en el libro del mismo título
de Ana Aranha y Carlos Ademar en el que
cuatro historias se entrelazan en una pieza
que lleva a los espectadores de hoy a visio-
nar la experiencia de muchos portugueses
a manos de la PIDE durante los años de
dictadura. Una profunda reflexión sobre la
resistencia, el miedo, la humillación, el dolor
y la dignidad del ser humano.
Teatromosca es una compañía formada
en 1999 que tiene como objetivos artísti-
cos la ruptura de los binomios realidad/re-
presentación, actor/interventor, exhibición/
interpretación, cultural/social... Quieren ex-
presar nuevos conflictos y poner en juego
cuestiones de identidad social, transgre-
sión, tradición... optando por una drama-
turgia actual en lengua portuguesa. A FITA
llegan con Fahrenheit 451, adaptación tea-
tral de la novela de Ray Bradbury realizada
por el director del montaje, Pedro Alves.
Guerra é Guerra de Teatro Extremo y
con texto y puesta en escena de Horácio
Manuel es un espectáculo lleno de música,
ritmo y suspense que narra con humor la
epopeya vivida por el pueblo portugués
mientras se resistía a las tres invasiones
de Napoleón. La guerra es también el tema
central de 24A74-Salgueiro MAia, un monó-
logo con texto e interpretación de Ricardo
Simões creado a partir de la obra ‘Capitao
de Abril-Memórias da Guerra do Ultramar e
do 25 de Abril’ de Salgueiro Maia que pre-
senta Teatro do Noroeste.
Vai Vem por su parte es un espectáculo

de teatro físico en el que Gato SA realiza
un recorrido visual donde cuerpo y silencio
son los protagonistas. Inspirado en la inmi-
gración la obra presenta a los personajes
como sombras fuera de tiempo para reco-
rrer a través de sus historias, como si de
un calidoscopio se trataran, sus ilusiones,
vacíos, miedos, soledades, el amor...
AL Teatro presenta Os3 Érres, un es-
pectáculo dirigido al público familiar que a
través de la reutilización de residuos y con
mucha imaginación camina hacia un mundo
menos oscuro y más verde. Escuridão Bo-
nita, por su parte, es una obra de Ondajki
Umcoletivo, una historia contada como de-
ben ser contadas las historias, con mucho
amor. Una historia contada en la oscuridad
por la luz y con la que podrán disfrutar
grandes y pequeños.
De otras latitudes
Desde Brasil llegan a FITA dos compañías
para reflexionar sobre las relaciones huma-
nas desde perspectivas muy diferentes. Cia
Afeta parte de un hecho real, el asesinato
de la actriz de Belo-Horizonte, Cecília Biz-
zotto en su casa para crear Talvez Eu Me
Despeça sobre el final de las relaciones y la
memoria y Teatro Por Que Não? hace lo
propio sobre los nuevos contextos de co-
municación en Say Hello Para o Futuro, una
obra sobre las posibilidades de socializa-
ción a través de las nuevas tecnologías.
Desde México Teatro de Babel acerca
marzo
abril 16
Talvez Eu Me Despeça Teatro Por Que Não? ©Guto Muniz
Jacinto y Nicolasa, una obra de Camila Ville-
gas que trasmite ideas mágicas y pone en
cuestión aspectos de la realidad áspera de
los Rarámuris, en la sierra de Chihuahua,
compartiendo la visión de su mundo en
contraposición con la civilización occiden-
tal. De República Dominicana llegará A ve-
ces grito de Freddy Ginebra, un monólogo
de un personaje apresado en los límites
de la locura que pone en escena Casa De
Teatro, uue también presentará la obra El
canto yo cuento.
El deseo de Macbeth de la compañía
cubana Teatro D´Dos es una reescritu-
ra realizada por el dramaturgo Agnieska
Hernández de la obra de William Shakes-
peare, que se presenta como en forma de
teatro documental. Y otra versión de una
obra de Shakespeare, Otelo, se podrá ver
a cargo de los chilenos Viajeinmóvil. Se
trata de una nueva mirada al clásico en la
que utilizando diferentes lenguajes narra-
tivos –teatro social, muñecos y televisión,
entre otros– se pone el acento en el ca-
rácter popular del texto original a través
de la mezcla sobre el escenario de actores
y marionetas, realidad y fantasía, humor y
tragedia, lo antiguo y lo contemporáneo.
Y desde España llega Unahoramenos
con la pieza Me llamo Suleimán, obra diri-
gida al público familiar escrita por Antonio
Lozano sobre la inmigración narrada por
una actriz –Marta Viera– y las animaciones
de Juan Carlos Cruz con dirección de Mario
Vega.
23
w w w. a r t e z b l a i . c o m
16 marzo
abril
XV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá
Todo el teatro para la gran
fiesta de la capital colombiana
La décima quinta edición del Festival Iberoamericano de
Teatro de Bogotá se celebra del 11 al 27 de marzo bajo
el lema ‘El Teatro está de fiesta ¡Celebremos!’. Con Méxi-
co como país invitado de honor y una importante pre-
sencia de compañías llegadas desde los países nórdicos,
los números de esta edición hablan por sí solos, ya que
se podrá disfrutar con 164 espectáculos de más de 100
directores llegados de 32 países. Un total de 855 funcio-
nes que se llevarán a cabo en 40 salas de 22 localidades.
C
on México como invitado
de honor, la décima quinta
edición del Festival Ibero-
americano de Teatro de
Bogotá acoge una amplia repre-
sentación de su creación escénica
con la participación de ocho com-
pañías. El folclore mexicano llega
a Colombia de la mano del Ballet
Folclórico de la Universidad de
Guadalajara, compañía con 50
años de existencia y una de las
más importantes del país que pre-
senta coreografías muy coloristas
acompañadas de música en vivo.
Uno de los dramaturgos y direc-
tores mexicanos más reconocidos,
Luis de Tavira, llega al festival al
frente de la Compañía Nacional
de Teatro para poner en escena
El Círculo de Cal, adaptación de ‘El
círculo de tiza caucasiano’ en la
que Bertolt Brecht una reflexiona
sobre la familia y la propiedad.
El Grupo de Teatro de la Uni-
versidad Autónoma de México,
por su parte, pondrá en escena
una obra de Eugene O´Neill, Una
luna para los mal nacidos bajo la
dirección de Mario Espinosa. Una
obra sobre la redención del ser
humano y con la que el dramatur-
go estadounidense homenajeó a
su hermano.
Teatro Línea de Sombra reali-
24
w w w. a r t e z b l a i . c o m
Y casi en las mismas fechas, del 12 al 27 y también en
la capital colombiana, se celebra el Festival de Teatro
Alternativo que desde su nacimiento en 1994, continúa
con el objetivo de reafirmar el teatro colombiano. Esta
edición de FESTA se presenta con una programación
en la que participan más de 60 compañías nacionales e
internacionales con diferentes narrativas, que ofrecerán
más de 100 funciones, encuentros y talleres de forma-
ción artística.
za una reflexión sobre la situación
actual de violencia de la ciudad de
Guadalajara como consecuencia
de la lucha en contra del narcotrá-
fico en Baños Roma, mientras que
Los Colochos realizan una par-
ticular versión de ‘Macbeth’ con
Mendoza, que traslada el univer-
sal de Shakespeare a la época de
la Revolución Mexicana en la que
el general José Mendoza, cegado
por los vaticinios de una bruja e
impulsado por la ambición de su
esposa, asesina a su compadre
por sentirlo como un obstáculo
para convertirse en comandante
supremo.
Otra versión, en este caso de la
trágica historia de amor de Tristán
e Isolda es a través de la que la
compañía de Manuel Aguilar re-
Mendoza de Los Colochos fleja las dificultades de las parejas
contemporáneas. Con Misa Fronte-
riza, las compañías Gorguz Teatro
y Universiteatro ofrecen su visión
del norte de México, de su música,
sus modos, su acento y hasta su
forma particular de vestir, todo ello
siguiendo los diferentes momentos
de la ceremonia religiosa católica.
De México llegan también la compa-
ñía de teatro de calle Zayco Circo y
Carretera 45. Está última presenta
Memorias de dos hijos caracol, obra
para público familiar en la que se
 marzo
abril 16
reflexiona sobre la diferencia y la tolerancia.
Caben destacar a su vez dos coproduc-
ciones de esta edición del FITB, Pequeños
territorios en reconstrucción a cargo de
Línea de Sombra “un antiespectáculo
teatral centrado en las preguntas que le
suscitó a la compañía mexicana su encuen-
tro con la Ciudad de las Mujeres, construida
en Turbaco Bolívar, por mujeres desplaza-
das en Colombia”, y Las 10 mil cosas, co-
producción entre el Festival Cervantino de
México, el Festival Santiago a Mil de Chile y
el FITB, dirigida por Fabio Rubiano.
Destaca en esta edición la presencia de 9
espectáculos de compañías nórdicas, como
The Tiger Lillies perform Hamlet a cargo de
los daneses Theatre Republique; Los ba-
jos fondos de Máximo Gorki con puesta en
escena del Teatro Nacional de Finlandia;
o la versión de Fanny y Alexander de Ingmar
Bergman de los suecos Uppsala Stads-
teater. Neander Theater de Dinamarca su Hotel Paradiso y Schaubühne Berlín Soma Mnemosine, el Cuerpo de la Memoria
hará lo propio con Blam! y el célebre mago am Lehniener Platz y su versión del clási- y Camilo con dirección de Patirica Ariza.
finalandés Janne Raudaskoski sorpren- co de Ibsen El enemigo del pueblo. A su vez, y con el objetivo de home-
derá con The Outsider. La compañía del najear a la legendaria compañía colom-
coreógrafo, director de teatro y dramatur- FESTA biana, diversos grupos teatrales llevarán
go noruego Jo Strømgren presentará dos a escena la emblemática obra Guadalupe
obras: The Writer y A Dance Tribute to Ping También en Bogotá y del 12 al 27 de Años Sin Cuenta. “Este es un festival de
Pong. Y de danza son también los monta- marzo se celebra FESTA, el Festival Alter- encuentro entre los grupos teatrales y
jes Rose: Rite of Spring – extended 2 de la nativo de Teatro de la capital colombiana los habitantes espectadores y especta-
compañía danesa Granhøg y Rain de Det organizado por la Corporación Colombiana doras de la ciudad. Lo hacemos como
Ferösche Compagnie de las Islas Feroe. de Teatro. La programación de esta edición homenaje y reconocimiento al teatro co-
La programación internacional de esta la conforman 60 compañías tanto colombia- lombiano, a los grupos, al público y fun-
edición incluye además espectáculos de nas como llegadas de diversos países como damentalmente a las personas de a pie,
reconocidos creadores y directores como Argentina, Canada, Cuba, Estados Unidos o y a su vez dedicaremos este Festival de
Slava Polunin con Slava`s SnowShow, To- España, una edición que rinde homenaje al Teatro Alternativo a los 50 años del Tea-
maz Pandur con Fausto, Jan Fabre con Teatro La Candelaria que cumple 50 años tro la Candelaria y a su ardua labor por
Attends, Attends, Attends y Peter Stein con de trayectoria, motivo por el que la progra- relatar el país, el conflicto y la valentía
Boris Godunov, entre otros, o los de com- mación incluye tres de sus obras: Si el río de nuestro pueblo en las tablas”, resume
pañías como las alemanas Familie Flöz y hablara bajo la dirección de César Badillo y Patricia Ariza, directora de FESTA.

25
w w w. a r t e z b l a i . c o m
16 marzo
abril
VII Sismògraf.Festival de dansa a Olot
Danza y bienestar se
funden en Olot
Treinta espectáculos conforman el programa de esta edición que
une danza con salud, educación y comunidad
S
ismògraf, ‘el festival que detecta el
moviment’ nació hace siete años
en Olot, Girona, alrededor del Día
Internacional de la Danza con la
voluntad de crear un punto de encuentro
entre creadores y programadores y de
acercar la danza a nuevos públicos. Del
31 de marzo al 3 de abril celebra su sép-
tima edición, una edición que “pretende
ampliar el espectro tradicional de la danza
y mostrar la utilidad que esta disciplina
artística puede suponer para otros profe-
sionales y colectivos”, tal y como destacan
los responsables de su organización, el
Ayuntamiento de Olot y el Departamento
de Cultura de la Generalitat de Catalunya.
Una treintena de espectáculos confor-
man la programación de este año, en la
que destacan cinco estrenos, todos ellos
coproducidos por el propio festival. Se
trata de los espectáculos Bailamos, un
collage coreográfico de historias con
música en directo de Inés Boza/SenZa
26
w w w. a r t e z b l a i . c o m
TeMPo & Giulia Valle; Follow the leader,
danza y humor sobre el fenómeno fan
de XeviXaviXou; Si sabes lo que hay, dos
propuestas –una pieza de danza y una
exposición– diseñadas por Fundación
Collado-Van Hoestenberghe con las que
reflexionan sobre la idea de comunidad a
través del cuerpo y el movimiento; Ether-
feel fest un ritual colectivo de Strada
Aerial Show de música electrónica, una
coreografía aérea y un baño de polvo de
colores inspirado en las fiestas creado y
dirigido por Roberto Strada; y Espheres
de Moviment Lantana, una simbiosis en-
tre la danza, la música y la ciencia creada
y dirigida por Marcel Bassachs.
La Veronal por su parte presenta dos
propuestas, Siena –con texto y dramatur-
gia de Pablo Gisbert-El Conde de Torrefiel
y coreografía y dirección de Marcos Mo-
rau–, una reflexión sobre la idea del cuer-
po humano a través de un recorrido que
va desde el Renacimiento hasta el mundo
Siena de La Veronal
contemporáneo, y Siena Site versión re-
ducida y al aire libre de la citada pieza.
Erre que Erre Danza celebra la danza y
homenajea al cuerpo a sus posibilidades
con Reset, mientras que La dona del sac
de Labuena Compañía es una acción poé-
tica y visual que de forma metafórica pone
de manifiesto la carga que arrastran las
mujeres en la sociedad actual.
Entre las compañías internacionales
destaca la danesa Hello!earth, que presen-
ta Life in the universe, un espectáculo que
anima a la exploración sensorial y poética
del colectivo humano. También se prevé
una propuesta para bebés, Aupapa de Zig
Zag Danza. Cabe destacar a su vez que
GRUA, colectivo formado por Pere Faura,
Claudia SolWat y Anna Rubirola, presen-
tan Caravana de Tràilers, una muestra de
ocho trailers escénicos, piezas de menos
de cinco minutos de duración.
En esta edición, destaca como novedad
la incursión de las “réplicas” que denomi-
 marzo
abril 16
nan los espectáculos que se pondrán en
escena fuera de los cuatro días del festival
y que complementan la programación ofi-
cial. “Si el Sismògraf es el festival que de-
tecta el movimiento, estas propuestas son
las réplicas, siguiendo con la terminología
que relaciona el festival con el movimiento
característico de su entorno volcánico”,
explican desde la organización.
Las dos primeras “réplicas” (18 y 19
de marzo) relacionan la danza con el fút-
bol, Foot-Ball, en la que Cesc Gelabert,
coreografía los goles de Leo Messi y La
Partida, pieza de Vero Cendoya en la que
se pone de relieve el parecido de ambas
disciplinas. En abril se podrá disfrutar
con El cinquè hivern de Mal Pelo (día
21), un poema coreográfico y vocal con
una propuesta sobria y depurada que
en la que ese reúnen los elementos más
representativos de la compañía formada
por Maria Muñoz y Pep Ramis.
El 29 de abril se podrá disfrutar de +45 cuarenta y cinco años de edad. El día 30 El festival también incluye jornadas
de Cia. Sebastián García Ferro, una coreo- de abril llega el turno de ‘SismÒFFgraf’, profesionales como la ‘Jornada de Dan-
grafía creada por el propio García Ferro a festival de danza local compuesto por di- za y salud’ (31 de marzo) y la ‘Jornada
partir de una cita de Schopenhauer: “Los versos espectáculos de artistas y grupos Professional’ (31 de marzo y 1 de abril),
primeros 40 años de la vida nos dan el de danza local, amateur, emergente y ex- dirigida a los gestores y profesionales
texto, los segundos 30, el comentario” perimental y con el que Olot celebra el Día del mundo de la danza y las artes es-
e interpretada por bailarines de más de Internacional de la Dansa. cénicas.

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16 marzo
abril

ALT.16 - Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo

Alta calidad para luchar

contra la precariedad
Diez espectáculos conforman esta edición en la que destaca el
programa ALT.procrea en Femenino. La cita, del 9 al 13 de marzo

Matarile Teatro presenta El cuello de jirafa

A
LT16. Festival Alternativo das Artes
Escénicas de Vigo encara su déci-
ma quinta edición en una situación
económica muy delicada debida a
los recortes presupuestarios “de hasta el
50%”, según explican desde su organiza-
ción, lo que hace “que tengamos un ALT.
en los estertores de la desaparición y solo
la fuerza del público, fiel al festival, y la
generosidad de artistas y cómplices saca
adelante este programa”, destacan.
Diez espectáculos de otras tantas com-
pañías conforman esta edición en la que
destacan las coproducciones del propio
festival y el programa ALT. procrea Femeni-
no, que comenzó en su día “como un guiño
28
w w w. a r t e z b l a i . c o m
necesario a la visibilización y apoyo a la
creación en femenino y hoy es el programa
que salva esta edición”, aclara la organiza-
ción, para añadir que este programa tiene
el apoyo “incondicional” de la Secretaria
Xeral de Cultura y la Unidade de Igualdade
de la Universidad de Vigo.
Coproducciones
El programa general de este año se abre
con la coproducción de ALT.15, el festival
Temporada Alta de Girona y la compañía
Societat Dr. Alonso. Con Andrei Rublev,
una paniconografía la compañía catalana
“quiere generar un repertorio de iconogra-
fías del cuerpo humano, y al mismo tiempo
trabajar con el sonido y la escenografía
como símbolos del paisaje”. Este montaje
toma como título y punto de partida la pelí-
cula de Andrei Tarkovsky rodada en 1966,
y en la que el pintor iconoclasta Andrei Ru-
blev (1360 - 1427) realiza un largo viaje
en la Rusia medieval para pintar los frescos
de la catedral de la Asunción del Kremlin.
“La obra del singular pintor, con su estilo
iconográfico único, provoca en el espec-
tador un impacto y recogimiento interior
debido al uso de la perspectiva invertida,
que nos habla del arte no como un retrato
de la realidad sino como una realidad entre
las realidades”. Un espectáculo con drama-

turgia y dirección de Tomàs Aragay y
coreografía de Sofia Asencio.
Nazario Díaz es el autor e intérprete
de Oro, montaje con el que Vértebro
plantea la posibilidad de reactualizar
el cuerpo, el pensamiento, la palabra
y el deseo. Díaz despliega las formas
de su cuerpo para ofrendarlas en un
acto presente en el que las circuns-
tancias condicionan la creación. Ante
el público “la historia de un hombre
que irá donde haga falta para encon-
trar la manera más pura de relacio-
narse con el mundo. Su cuerpo no
actúa como metáfora; no representa
a nadie, no habla del ser humano. El
cuerpo trasciende su creación a tra-
vés del ofertorio de una de sus par-
tes, que insiste en ser quemada. El
cuerpo es el oxígeno que permite que
ardanlas pestes de la escena. Insistir.
Arder. Trascender”.
Sonia Gómez & Javier Caro pre-
sentan Bailarinas, un proyecto de
transmisión creación en la que la
coreógrafa invita a codificar el solo ‘Bai-
larina’ a Caro. La pieza “codificada” es un
recorrido detallado por la interpretación, la
construcción de un espectáculo y la proxi-
midad con el público, que tiene como re-
sultado un unplugged escénico bailado y
que se presenta ahora “acompañada” de
los recursos, trucos escénicos, hallazgos y
referentes de Caro, pero con los conceptos
y las reglas del solo.
La danza es también el lenguaje de Ha-
ppy Hour de los belgas Wooshing Machi-
ne. Sobre el escenario un reencuentro. A
Caterina Sagna, Mauro Paccagnella y Ales-
sandro Bernardeschi les une una fuerte
Paula de Editta Braun Compay & Iris Heitzinger
amistad y complicidad que ha durado casi
dos décadas y les ha reunidos para crear
este dúo coreográfico realizado por dos or-
ganismos que han vivido el mismo número
de años. El reencuentro de dos bailarines
emigrantes italianos, casi del mismo peso y
con más o menos el mismo patrón de calvi-
cie. Un proyecto itinerante que está siendo
construido como parte del estudio de di-
versas recepciones.
El programa general se completa con
Que pasa cuando no pasa nada, una pro-
puesta muy especial con la que Vicente
Arlandis invitará al público a dormir en el
museo de arte contemporáneo.
ALT.procrea en
marzo
abril 16
Femenino
Los cinco espectáculos restantes que
conforman la programación de este año
se enmarcan dentro del ya mencionado
programa ALT.procrea Femenino, cuatro de
ellos coproducidos con el propio festival.
Matarile Teatro presenta El cuello de
jirafa, obra coproducida con ALT y FITO -
Festival Internacional de Teatro de Ouren-
se. Ana Vallés dirige a los intérpretes en
un montaje teatral que gira en torno al
tiempo, “inseparable de las repeticiones.
Una figura en movimiento, sombra (...)
La impermanencia supone la pérdida en
unos segundos de algo que ha empleado
mucho tiempo en construirse. Todo está
cubierto de una capa de impermanencia.
Un día de julio soleado, una mujer fuman-
do, el bullicio de las tabernas. La sensa-
ción de que va a pasar una banda”.
También es una coproducción de ALT
junto en este caso con Escenas do Cam-
bio (Cidade da Cultura) la nueva pieza
coreográfica de Licenciada Sotelo, Amor
error. Coproducciones de ALT son además
The Formerly Pilgrimage, un relato y a la vez
un juego experiencial que dialoga con recuer-
dos efímeros de personas mayores de Louisa
Merino, y Lost & Dead in Thunderland de la
artista coreográfica y visual Mercé de Rande.
Ambas creadoras “desarrollarán un taller de
acercamiento a la creación de piezas autobio-
gráficas con un grupo de performers gallegas.
Entre todas en base al trabajo aportado por
las artistas crearán y presentaran una pieza
en el festival”. El programa ALT.procrea en Fe-
menino se completa con la propuesta invitada
para esta edición, el solo Paula de Editta Braun
Compay & Iris Heitzinger.
29
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16 marzo
abril
XXIX FitCarrer Vila-real
Espectáculos y jornadas en
torno a las artes de calle
FitCarrer ofrece más de veinte espectáculos y colabora con los
festivales Sismograf y Escena Poblenou
L
a vigésima novena edición de
FitCarrer Vila-real se celebra
del 5 al 8 de mayo con una pro-
gramación en la que además de
los veintitrés montajes que pondrán en
escena otras tantas compañías, aco-
ge las ‘IV Jornadas de Artes de Calle’,
un espacio consolidado de debate y
presentación de los proyectos impul-
sados por FitCarrer. En esta edición se
otorgará además el 5º Premi Ramón
Batalla de Arts al Carrer, “creado para
el reconocimiento y puesta en valor de
personas y/o entidades que destacan
por su dedicación y defensa de las Ar-
tes de Calle” y que este año es para el
Festival de Teatro Callejero de Matan-
zas, Cuba.
FitCarrer continúa con su “política
de barrios” que se refiere a la descen-
tralización de la programación, exten-
diéndola a todo el municipio con el ob-
jetivo de que los espectáculos lleguen
a toda la ciudadanía de Vila-real, y continúa
también con los proyectos de coproducción
y ayudas a la producción. La coproducción
de esta edición realizada junto con el fes-
tival Sismograf de Olot es el espectáculo
Etherfeel de la compañía Strada. Un mon-
taje de gran formato en forma de ritual
colectivo de música electrónica, una coreo-
grafía aérea y un baño de polvo de colores
inspirado en las fiestas Holi hindúes. Dieci-
séis artistas suspendidos de una torre de
quince metros de altura crean esculturas y
constelaciones de cuerpos; una experiencia
que fusiona danza, música y circo creada y
dirigida por Roberto Strada.
Las ayudas a la producción de esta edi-
ción han sido para cuatro compañías, todas
30
w w w. a r t e z b l a i . c o m
Sex o no sex de Oihulari Klown
El hombre que perdía los botones de Circ Panic
ellas presentes en el FitCarrer. Scura Splats
presenta Satsuma 3.0, espectáculo itine-
rante protagonizado por unos exploradores
siderales que llegan a la Tierra para salvar
el planeta de una inminente destrucción.
La Industrial Teatrera presenta Náufragos,
un espectáculo en clave de clown en el que
hablan el gesto, las miradas y las sonrisas
sobre el ritual del viajero, del andante, del
náufrago. “Un homenaje a todos los viajeros
que alguna vez se sintieron náufragos. Un
reírse con todo, con la fragilidad, con los
naufragios cotidianos, con nosotros”.
De clown es también la propuesta de Mar-
ta Sitjà, Ambicions, unipersonal que como su
propio título indica versa sobre la ambición.
Música en directo en un ambiente poético,
de clown en el que no falta lugar para
la crítica. Y unipersonal es también la
última creación de Claire Ducreaux, Si-
lèncis, montaje en el que la poesía, la
danza y el clown vuelven a ser los prin-
cipales elementos de la artista.
En esta nueva edición de FitCarrer
se podrá disfrutar con tres uniperso-
nales más en clave de clown dos de
ellos interpretados por mujeres. Se
trata de Agente Singente, un show
sobre lo absurda que puede llegar a
ser a veces la represión ejercida por
una autoridad a cargo de Aten Soria,
y Sex o no sex, parodia clown protago-
nizada por Pauxa –Virginia Imaz– que
se pregunta sobre la vida, la muerte y
el sexo. Un montaje de Oihulari Klown
con el que Pauxa comparte sus dife-
rentes iniciaciones en temas sexuales
y nos confiesa sus inquietudes sobre
las relaciones humanas en general y la
dificultad de gestionar vínculos saluda-
bles. Mateo Galbusera por su parte trae
con The loser la historia surrealista llena de
humor absurdo de un hombre frustrado y
solitario. En Iceberg, Leandre, acompaña-
do por Mireia Miracle pone ante el público
una oda a la felicidad, al optimismo y a la
belleza a través de la historia de dos perso-
najes que viajan hacia ninguna parte.
Danza y Circo
La danza llega FitCarrer de la mano de
Sharon Fridman que pondrá en escena
Hasta dónde…?, extracto del montaje ‘Al
menos dos caras’. Un dúo de danza con-
temporánea basado en la técnica del contact
interpretada por el propio Fridman junto con

Arthur Bernard Bazin. Danza,
teatro, música y poesía audio-
visual se funden en Inànimes
de ESK Manifactures, mientras
que la danza es una excusa
para los dos protagonistas de
The audition, obra de Xa! Teatre
en la que se presentan a una
audición de danza clásica para
demostrar sus grandes habilida-
des con el trapecio y para hacer
visibles sus desavenencias. Zan-
garia teatro acerca el circo y la
danza, Tu vuelo, mi vuelo... es
una reflexión sobre el viaje que
se comparte y los vacíos que
se generan entre dos personas
que se proponen un trayecto
común.
Las técnicas circenses son el lenguaje
utilizado por un gran número de compañías
como Colectivo Circo 9.8 en Split, Circ
Panic en El hombre que perdía los boto-
nes, fuerza, virtuosismo y equilibrio en un
espectáculo en el que se funden el hombre,
la música y el mástil de hierro, y Mumusic
Circus en Merci Bien, mezcla acrobacia,
mástil chino, las verticales, música en di-
recto y muchas sorpresas.
Iceberg de Leandre
El humor es el principal elemento de Ci-
nema Pradiso, una pieza ecléctica de los
japoneses to R mansion en la que cuatro
personajes combinan mimo, danza, teatro,
acrobacia, magia, dinámica corporal y buen
humor. Al igual que los veteranos de Trapu
Zaharra, que con su inconfundible humor
llegan para presentar La conga, en la que
el sindicato obrero “Virgen de los desam-
parados” ofrece un coaching especializado
marzo
abril 16
en “revitalizar a parados de larga
duración”. Y el humor impregna de
lado a lado De todas las bellas, las
más bellotas, un espectáculo burles-
co-musical de Cia. Aérea Teatro. La
programación se completa con los
espectáculos The Wolves de La Fam,
Zattera de Colectivo La Balsa, Za! de
Auditiva y el itinerante El clan de la
nube de Animasur.
Novedad
Por primera vez FitCarrer cola-
bora con el Festival de Creación
Contemporània Escena Poblenou y
su proyecto ‘Embrions’ en el que
previa selección participan diver-
sas compañías para representar
un proyecto en proceso de creación que
tras su presentación, público y creadores
llevan a cabo un encuentro con el objetivo
de enriquecer dicho proceso. Compañías de
artes de calle participantes en ‘Embrions”
presentarán en FitCarrer sus propuestas
en unos encuentros que junto a los creado-
res y público en general participará –como
público especializado– el alumnado de las
escuelas de danza y teatro de Vila-real.
31
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16 marzo
abril

XXXIX Jornadas de Teatro de Eibar

Segunda parte de las jornadas

de teatro eibarresas

L
a 39 edición de las Jornadas de
Teatro continúa en marzo con la
puesta en escena de un total de
diez propuestas que darán comien-
zo el día 1 en el Teatro Coliseo con Teresa,
miserere gozoso de Teatro Corsario. En
esta ocasión la compañía pucelana vuelve
a Eibar para presentar esta obra escrita y
dirigida por Luis Miguel García con motivo
del V Centenario del Nacimiento de Santa
Teresa de Jesús. Teatro del Temple por su
parte pondrá en escena Arte de las putas,
(día 4) espectáculo basado en el poema
de Nicolás de Moratín que dirige Carlos
Martín en formato de opúsculo, ensayo-
conferencia a partir de la dramaturgia
creada por José Luis Esteban y que él mis-
mo interpreta. “Una historia de amor con-
tada con humor, ironía, sátira, arrebato y
ternura en la que suena multitud de voces
y la música”.
El día 5 y en el Complejo Educativo se Arte de las putas de Teatro del Temple © Andrés de Gabriel
podrá disfrutar con Cabaret Chihuahua,
“un exorcismo desde el más allá para lugar en el que también se podrá disfrutar absurdos, de suspense e inesperado final”
ahuyentar los malos rollos del más acá”, de otra producción en euskara, Etxekoak dirigida por Manolo Murillo y con la que se
tal y como apuntan desde Teatro Mutante. de Huts Teatroa-Artedrama. Escrita por completa la programación de propuestas
Un musical con texto y dirección de Felipe Jon Gerediaga y dirigida por Ander Lipus, de compañías universitarias.
Loza, “una enchilada de risas, baile y can- esta propuesta critica “las absurdas fron- La danza llega a las Jornadas de la
ción a pecho partido”. teras y leyes que los estados y sociedades mano de Natxo Montero_Danza que el
Este año las Jornadas ofrecen la posibi- contemporáneas han ido construyendo” día 11 interpretará junto a Laia Cabrera
lidad de ver una misma obra en castellano y que convierten casi en imposible traer Barbecho, una pieza de danza contempo-
y euskara y en dos producciones diferen- a nuestra casa a alguien de otro país. El ránea que ofrece un amplio recorrido de
tes con las diferencias que ello ofrece. Se espectáculo clausurará esta edición el 16 movimientos y coreografías.
trata de Páncreas / Pankreas de Patxo de marzo. En esta edición también hay lugar para
Telleria. Concha Busto y el CDN se han en- la magia con el espectáculo Conjuro del
cargado de la producción de la versión en Narruzko Zezen que el mago Yunke ofrecerá dos funciones
castellano (día 8) que dirige Juan Carlos el día 6, la primera dirigida especialmen-
Rubio e interpretan José Pedro Carrión, La compañía anfitriona Narruzko Zezen te al público infantil y una segunda para
Fernando Cayo y Alfonso Lara, mientras vuelve a participar en las Jornadas con todos los públicos. Y dirigida al público
que la versión en euskara (día 10) es de “energías renovadas” para estrenar –el infantil es también El niño erizo, –día 12–
Tartean Teatroa con dirección de Jokin día 13 en el Teatro Complejo Educativo,– una historia basada en uno de los cuen-
Oregi e interpretada por Mikel Martinez, el Objetos perdidos, una lectura escenifica- tos menos conocidos recopilados por los
propio Telleria y Joseba Apaolaza. Ambas da de la obra de Antonio Muñoz de Mesa, hermanos Grim que ha llevado a escena
obras se pondrán en escena los días 8 y “una hilarante comedia, sucesión de en- La Machina Teatro con dirección de Rita
10 respectivamente en el Teatro Coliseo, cuentros y desencuentros, con elementos Cofiño y Francisco Valcarce.
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XX Feria de las Artes Escénicas de Castilla-La Mancha
Albacete vuelve a empaparse
de artes escénicas
L
a Feria de las Artes Escénicas
de Castilla-La Mancha celebra
del 11 al 14 de abril su 20ª
edición, con una programa-
ción compuesta por 25 montajes, a
disfrutar en cinco espacios diferentes
de Albacete. Uno de los objetivos de
la feria es mostrar un conjunto de
espectáculos con gran posibilidad de
programación en el circuito regional, y
que a la vez sirvan de referente para
otros tipos de programación. Por otro lado,
pretende ser un escaparate de las produc-
ciones castellano manchegas que en este
momento pueden estar en giras por todo el
territorio estatal.
Entre esas propuestas se encuentra
Los últimos piratas, un texto para títeres
de Alberto Cebreiro, que lleva a escena
la conquense compañía Cacaramusa. En
cuanto al teatro para niños, se podrá ver
Cuenta conmigo de 300 Alas blancas,
con texto y dirección de Borja Rodríguez.
L’Om Imprebís de La Crazy Class
Como proyecto múltiple encontramos a los
albaceteños La Chica Charcos & The Ka-
tiuskas band presentando Un elefante en
mi lavadora con teatro, música y humor en
directo a través de los textos de Patricia
Charcos, acompañados de un libro-disco.
Desde Alcázar de San Juan la joven autora
María Gómez-Comino Mata mostrará con
Teatro Kumato la comedia Pantone 361.
Otra autora castellano-manchega, Llanos
Campos, trae con su compañía Falsaria de
Indias los Cuentos negros para noches en
marzo
abril 16
blanco. Se cierra la presencia regio-
nal con Teatro Thales, que presenta
Malditas, y el musical Nueve cuarenta
y tres.
Además, la feria contará con una
selección de espectáculos llegados de
diversos puntos del Estado. Entre ellos
está la adaptación a teatro de la no-
vela de Lorenzo Silva La flaqueza del
bolchevique. L’Om Imprebís llevarán
a escena La Crazy Class y Teatro de
Fondo y Vanesa Martínez presentarán Los
Atroces. Además del teatro y con montajes
aún por confirmar, se puede adelantar que
la danza ocupará también un papel impor-
tante en la feria, con espectáculos infantiles
y conmemorando el 400 aniversario de la
muerte de Cervantes. En este sentido la
compañía Noviembre ofrecerá La ruta de
Don Quijote, basada en la obra de Azorín
que escribió a modo de artículos en el ABC
de 1905, a modo de crónica de su viaje por
los pueblos manchegos.
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abril

XXVII Fira de Teatre de Titelles de Lleida

La Fira de los objetos, hilos y

marionetas que toman vida
Por segundo año consecutivo la Fira co-produce un espectáculo,
‘El rumor del ruido’ de Onírica Mecánica

L
a 27a edición de la Fira de Teatre de
Titelles de Lleida se celebra los días 29
y 30 de abril y 1 de mayo, tres jornadas
en las que público en general y profesio-
nales del sector podrán disfrutar con un amplio
abanico de espectáculos, desde propuestas
tradicionales hasta las más innovadoras tanto
de sala como de calle y para diversas franjas
de edad. 27 espacios acogerán la veintena de
obras que conforman la programación de una
edición de la que podemos avanzar que será
inaugurada por el espectáculo I, Sisyphus de la
compañía búlgara Puppet’s Lab.
La Fira de Teatre de Titelles de Lleida
continúa con el proyecto iniciado el pasado
año pasado de co-producir espectáculos
de títeres, objetos o de teatro visual con el
objetivo de ayudar y acompañar la creación
de nuevas producciones. Este año la copro-
ducción ha sido realizada con la compañía
Onírica Mecánica que estrenará en la propia
Fira El rumor del ruido. También estrenan
en el marco de la Fira dos compañías más:
Festuc que pondrá ante el público por vez
primera la obra Mr. Parfum y los anfitriones
Centre de Titelles de Lleida que presentarán
El petit piano.
Desde Andalucía llegan los veteranos
El Espejo Negro con su última producción, OSCAR, el niño dormido de El Espejo Negro
OSCAR, el niño dormido y desde Holanda,
Electric Circus con el montaje-performance sional, esta nueva edición también cuenta Un año más, un jurado especializado otor-
Headspace. con el Espacio PRO como lugar de encuen- gará entre las compañías participantes los
Entre las novedades de esta edición en- tro, reunión y negocio para los profesionales Premios Drac d´Or en las diferentes catego-
contramos un espectáculo que por su alto que participen en la feria convirtiéndola a su rías, y se llevará a cabo la Feria del Libro de
contenido erótico está dirigido únicamente vez en una plataforma de mercado. las Artes Escénicas, así como otras activida-
al público adulto. Se trata de A Filosofia na Además entre las actividades profesiona- des como exposiciones, feria de artesanos
Alcova de los brasileños Pigmalião Escultura les organizadas destaca la novena edición etc. Entre las diversas actividades solidarias,
Que Mexe, una adaptación del polémico Mar- de las Jornadas Técnicas que incluyen dife- destaca la vista que la Fira de Titelles reali-
qués de Sade, en el que el sexo, la violencia rentes actividades formativas, entre las que zará a la planta del de pediatría del Hospital
y todo tipo de cuestionamiento religioso y se puede avanzar una Master Class de dos Arnau de Vilanova, para que los niños que
moral toman el protagonismo. días impartida por el actor, director y bailarín están ingresados puedan disfrutar también
Siguiendo con su carácter de Fira profe- holandés Duda Paiva. de los títeres.
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abril 16
m i s c e l á n e a

MIT - São Paulo FIDEBA - Buenos Aires

La MITsp – Mostra Inter-
nacional de Teatro de São
Paulo celebra su 3ª edición
del 4 al 13 de marzo, pre-
sentando diez espectáculos
creados por algunos de los
directores más importantes
de Francia, Polonia, Sudáfri-
ca, Grecia, Bélgica, El Con-
go, Alemania y Brasil. Inau-
gura la programación de espectáculos la Cenicienta
del Teatro Nacional de Bruxelas / Compagnie
Louis Brouillard dirigida por el francés Joël Pomme-
rat, quien también presentará la obra Ça Ira, inspira-
da en el proceso revolucionario de 1789 para discutir
las implicaciones del poder, los mecanismos que rigen
las acciones de los individuos y la dimensión colectiva
de la acción política. Destacan también dos estrenos
brasileños: Cidade Vodu, dirigida por José Fernando
de Azevedo de Teatro de Narradores, y A Tragédia
Latino-Americana de Felipe Hirsch y los Ultralíricos.
Se podrá ver también, entre otros, el montaje Still Life
del griego Dimitris Papaioannou.
La 2ª edición del FIDEBA,
Festival Internacional de
Danza Emergente de Bue-
nos Aires, celebrará su se-
gunda etapa del 24 de abril
al 1 de mayo. Es un proyec-
to de artistas y gestores cul-
turales independientes de la
ciudad de Buenos Aires que
propone funciones escéni-
cas nacionales e internacionales, talleres y espacios de
intercambio, reflexión y creación entre artistas emer-
gentes de danza contemporánea. A su vez, acogerá por
primera vez en Argentina el Encuentro Internacional de
Artistas ETC, que tiene como propósito discutir, evaluar
y elaborar estrategias asociativas y vinculares entre
proyectos y festivales de la región. En la programación
se encuentran las piezas Pardo de Vera Garat, San-
tiago Turenne y Leticia Skrycky (Uruguay), Rendirse
es lo más difícil de Luis Della Mea Deluchi (Noruega
/ Argentina), Persistir de Zoitsa Noriega (Colombia) y
Trilogía coreográfica de Javier Contreras (México),
además de varias obras nacionales aún por confirmar.

FAE - Panamá
El 7° Festival Internacional de Artes Escénicas – Panamá (FAE 16) tendrá lugar del 3 al 9 de
marzo bajo el lema “Una semana con lo mejor del teatro y la danza del mundo”. La progra-
mación está compuesta por 16 agrupaciones, 9 internacionales y 7 colectivos nacionales,
más 3 críticos y especialistas, con un total de 11 países representados: Argentina, Brasil,
Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, Dinamarca, España, México, Panamá y Portugal, que
ofrecerán sus representaciones en el Ateneo de la Ciudad del Saber, los teatros Balboa, Ani-
ta Villaláz y Amador, los espacios Estudio Multiuso GECU, Tántalo, Las Clementinas el Arco
Chato y la Cinta Costera. Entre los montajes se encuentra la obra argentina Tiempos de
Paz, los brasileños Teatro Andante con Olympia, desde Colombia las propuestas Morir de
Amor de La Maldita Vanidad y La Piñata de Gota de Mercurio, un Otelo desde Chile por
la Compañía Teatro Inmóvil y la española Distancia Siete Minutos de Titzina Teatro. La danza contemporánea
extranjera estará representada por Dinamarca, que presentará Rose, Rito de Primavera de la Compañía Granhoj
Danse; México con Taxdermia por Proyecto Sur Oeste Arte Escénico; y Portugal con Arena de Circolando. En
cuanto al teatro nacional se podrá ver, entre otras, B612 VIAJE AL SOL, una adaptación libre que realiza el Teatro
Rayuela de ‘El Principito’. Y en danza estará la Compañía Wa-taa, que presentará su recién estrenada coreografía Sin
Ningún Orden. En lo relativo a los espacios al aire libre está prevista la participación del Teatro Carilimpia con su
performance El Último Salto.

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abril
m i s c e l
Topaklown
Organizada por San Agus-
tin Kulturgunea y Ganso &
Cía, la localidad de Durango
(Bizkai) acogerá la cuarta
edición de Topaklown del 23
al 27 de marzo. Concebido
como un lugar de encuentro
para aquellos que practican
el Clown, la programación
está compuesta por diver-
sos cursos y espectáculos. Los montajes que se po-
drán disfrutar son, entre otros, Puestos en libertad
de Hnos. Bolinga (Euskadi), Lullaby de Cão à Chuva
(Portugal), Tortell Poltrona con Grimègies (Barcelona),
Podemos conseguirlo de Teatro Indigesto (Zara-
goza), Wendy Ramos con Cuerda (Perú) y la Compa-
ñía Puntoclown con Vida clownyugal (Valencia). En
cuanto a los cursos, se ofrecerán los siguientes: ‘Curso
de Clown Hospitalario’, ‘El Clown en la pista’, ‘Las re-
glas del juego, el personaje, la improvisación’, ‘Máscara
cómica y expresiva’, ‘Clown, el placer de ser ridículo’,
‘Un lenguaje del Corazón’, ‘Klownak ez dira hiltzen se-
kulan’, ‘Curso de Improvisación teatral’, ‘Mimo Cómico’
y ‘Humor físico’.
Cuenta con Agüimes
El XXVI Festival Internacio-
nal de Narración Oral-Cuen-
ta con Agüimes tendrá lugar
del 11 al 13 de marzo en
Agüimes, municipio de Las
Palmas que acogerá a narra-
dores llegados de diversos
lugares del mundo. La pro-
gramación, además de las
©Yoshi Hioki funciones en centros edu-
cativos, se compone de propuestas como Los cuentos
que no me contaron de la gallega Paula Carballeira; la
mexicana Martha Escudero que interpretará La Bella, la
Bestia y toda su familia. Un culebrón de 1740 y la
infantil ¡Qué asco de bichos!, sobre cuentos y versos
de Roald Dahl; los canarios Taller de juglares llevarán
a cabo Esencia de cuento (recordando a Eugenita); y
el colombiano Nelson Calderón que presentará Cuentos
de amor y mal amor. Además, se impartirán dos talle-
res de narración: el primero, ‘Aprender a contar’, estará
dirigido a participantes infantiles y llegará de la mano de
Michelle Tanon-Lora (Costa de Marfil). El segundo, ‘Los
caminos de las historias’, será para adultos e impartido
por Paula Carballeira (Galicia). “Creemos en la palabra
que crea lazos entre los pueblos frente a la que mani-
pula y distorsiona la realidad”, afirma Óscar Hernández
Suárez, Alcalde de la Villa de Agüimes.
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w w w. a r t e z b l a i . c o m
á n e a
Teatralia
Teatralia, el Festival Inter-
nacional de Artes Escéni-
cas para Niños y Jóvenes
de la Comunidad de Ma-
drid, cumple en 2016 veinte
años. Entre el 1 y el 24 de
abril, veinticinco compañías
nacionales e internacionales
ofrecerán una veintena de
©Pedro Anay espectáculos en cuarenta
y cinco escenarios de la Comunidad de Madrid. Entre
ellas se podrá disfrutar de propuestas como Ballenas,
historias de gigantes de Larumbe Danza, Péndulo
Cero y Sneo Mestizaje Projects (galardonado con el
Premio al Mejor Espectáculo de Danza en FETEN 2015);
Pour la petite histoire (Para la pequeña historia) de
Compagnie Sémaphore; Screen Man de El Teatre
de l’Home Dibuixat; Flots, tout ce qui brille voit
(Olas, todo lo que brilla puede ver) de Le Théâtre des
Confettis; Quijote, el vértigo de Sancho de Mar-
keliñe (ganador del Premio FETEN 2015 a la Crea-
tividad, la Dramaturgia y el Espacio Escénico); y En
busca de la Ciudad Subterránea de Teatro de los
sentidos.
Mostra d’Igualada
La Mostra d’Igualada – Feria
de teatro infantil y juvenil
(Cataluña) celebra su 27ª
edición del 7 al 10 de abril.
El público podrá asistir a
representaciones como la
de Loops, nuevo montaje
de la compañía sabadellen-
se Engruna Teatre, Dibi
dubi dubà de Inspira
Teatre, La Rous que propone Hilos y las compañías
valencianas El teatre de l’home dibuixat con Screen
Man y Bambalina Teatre Practicable con Cubs.
Las compañías italianas Touch Clown y Accademia
Perduta presentarán también sus nuevas creaciones.
Los primeros son un grupo compuesto por 12 clowns
que jugarán a rugby por las calles de la ciudad en un
espectáculo que terminará de ser creado en Igualada,
donde se instalarán una semana antes de empezar La
Mostra para hacer una residencia. Accademia Perdu-
ta ofrecerá su espectáculo H+G, siglas de los prota-
gonistas del cuento de los hermanos Grimm ‘Hansel y
Gretel’. Una versión en la que todos los actores tienen
alguna discapacidad, sea física o mental. El espacio de
L’Escorxador ofrecerá obras para jóvenes (12-18 años)
como Ragazzo de Teatre Tot Terreny y Amortal
Combat de Los Moñekos.
marzo
abril 16
16 marzo
abril

Teatro Arriaga y La Fundición

dos referentes en Bilbao

E
l Teatro Arriaga es el escenario
elegido para la presentación por
vez primera ante el público de la
versión en castellano de ¿Por qué
Jamil?, un espectáculo de suspense a partir
de un drama social escrito por Patxo Te-
lleria y dirigido por el propio Telleria junto
con Jokin Oregi. Eneko Sagardoy y Mikel
Martinez dan vida a los dos protagonis-
tas de este montaje de Tar tean Teatroa
que se pondrá en escena los días 4 y 5 de
marzo. El día anterior, la compañía realiza-
rá dos funciones de la versión en euskara,
Zergatik, Jamil?, estrenada el pasado mes
de octubre.
Estrenos son también la ópera para pú-
blico familiar de ABAO-OLBE Txanozuritxu
(12-14 de marzo), la producción propia del
Teatro Arriaga de El sueño de una noche de
Verano/Uda gau bateko ametsa de Shakes-
peare que dirige Pablo Viar (del 6 al 16 de
abril) o la pieza de danza Un vasco en Sevilla
que dentro del programa Cuartitos del Arria-
ga presenta Mikel del Valle el 16 de marzo.
De todo ello se da cumplida información en
páginas precedentes de este número.
Otro Shakespeare, Hamlet, con versión y
dirección de Miguel del Arco y en una co-
producción de la Compañía Nacional de
Teatro Clásico y Kamilkaze Produccio-
nes. “Un poema ilimitado habitado por un
personaje ilimitado sobre un escenario que
es puro espacio mental”, afirma del Arco
sobre esta protagonizada por Israel Elejal-
de –Hamlet–, Ana Wagener –Gertrudis– y
Ángela Cremonte –Ofelia–, entre otros. Las
funciones, los días 22, 23 y 24 de abril.
La cita con la danza será los días 18 y
19 de marzo de la mano de Eifman Ballet
de San Petersburgo. Considerada como
una de las mejores compañías de danza
rusas de la actualidad, está dirigida por el
coreógrafo Boris Eifman y pondrá en esce-
na Rodin, un “ballet psicológico” con mú-
sica de Maurice Ravel, Camille Saint-Saëns
y Jules Massenet que expresa la pasión, la
lucha interna y la desesperación que Rodin
y Camille expresaron a través de sus obras
de bronce y mármol. Varios días después,
del 24 al 27, Laboratorio de la Voz pre-
38
w w w. a r t e z b l a i . c o m
Hamlet de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Kamilkaze Producciones
senta Iba en serio, espectáculo musical
protagonizado por Jorge Javier Vázquez y
Kiti Manver; una adaptación teatral del li-
bro escrito por el primero a cargo de Juan
Carlos Rubio, quien también se encarga de
la dirección.
El programa ‘Cuartitos’ del Teatro Arria-
ga incluye además dos espectáculos tea-
trales. Es mi fiesta y lloro si me da la gana
es un experimento escénico dirigido por
Maria Ibarretxe y basado en la puesta en
escena de versiones de canciones pop que
el Kombo vocal Bilbaomúsica lleva realizan-
do durante los últimos años (9 de marzo).
Lehergailuaren teoria, estupefacción y/o
suspense a cargo de Horman Poster (19
y 20 de abril).
Y también habrá tiempo para la música
con los conciertos de Silvia Pérez Cruz
y Antonio Orozco (10 y 20 de marzo,
respectivamente) y Jordi Savall & Pedro
Estevan (17 de abril) y Anne Etchegoyen
& Coro Biotz Alai (21 de abril).
La fundición
La sala La Fundición continúa con el
‘Taller de espectadores’ de creaciones
contemporáneas en artes escénicas, cuya
última cita de este primer trimestre tendrá
lugar el 3 de marzo. Continúa a su vez el
programa ‘Rock de Cámara’ iniciado a
primeros de año con el concierto de The
Fakeband el día 17.
Abril comienza con un espectáculo en-
marcado en la quinta edición del proyecto
de internacionalización Biarritz-Bilbao-
Burdeos-Limoges ‘Regards Croisés’, con la
puesta en escena los días 8 y 9 de La nuit
entre deux soleils de Origami - Cie. Gilles
Baron, una coreografía del propio Baron
que parte de preguntas como: “¿Qué pue-
de decirnos una pareja que se quiere des-
de hace ya mucho tiempo? y ¿Cómo reflejar
las vibraciones de una relación cómplice y
tranquila?”. Dentro del mismo programa
pero los días 16 y 17 se podrá disfrutar con
otra pieza de danza a cargo de la también
francesa Cie. Pedro Pauwels.
El día 24, Miren Gaztañaga & Gabi
Ocina pondrán en escena en La Fundación
y dentro del festival ‘Loraldia’ que se ce-
lebra en Bilbao, Solasean, un espectáculo
interpretado en euskara en el que diserta-
rán sobre la muerte, la amistad, la creación
el devenir del tiempo... Los días 30 de abril
y 1 de mayo será el turno de Taiat Dansa
que llega con la pieza Still life (o naturaleza
muerta) con coreografía e interpretación
de Meritxell Barberá, Inma García, Jony Ló-
pez y Ramón Vera. Una pieza que defiende
que posiblemente en la “terminalidad del
discurso es donde la danza encuentra su
bodegón”.
 marzo
abril 16
m i s c e l á n e a

Teatro Barakaldo
Lindsay Kemp Company llega al Teatro Ba-
rakaldo el día 4 de marzo para presentar Kemp
Dances, una serie de nuevas creaciones mez-
cladas con algunas piezas clásicas recreadas y
revisadas hoy por el propio Kemp, un “mons-
truo sagrado” del teatro del siglo XX. Las niñas
de las escuelas franquistas son las protagonis-
tas de El florido pensil-niñas que Tanttaka
Teatroa pondrá en escena al día siguiente,
mientras que el día 19 será el turno para Heroiak, conmovedora obra de
Gerald Sibleyras con puesta en escena de Txalo que narra los últimos días
de tres veteranos de guerra en un hospital militar. La programación para
público adulto continúa el 15 de abril con el estreno de CARNE. El carni-
cero y los pecados de los otros con texto y dirección de Fer Montoya, la
obra es el trabajo de fin de curso del alumnado de BAI - Bizkaiko Antzerki
Ikastegia. Al día siguiente se podrá disfrutar con La sesión final de Freud
de Mark St. Germain y dirección de Tamzin Townsed en una producción de
Fundación Unir que dará paso (23 de abril) al espectáculo de danza fla-
menco FLA.CO.MEN. del premiado Israel Galván, para finalizar el día 30
con Reikiavik, una obra sobre el ajedrez, la guerra fría y el propio ser hu-
mano escrita y dirigida por Juan Mayorga. Además el Teatro Barakaldo ofre-
ce una variada programación dirigida al público familiar: Amour de Marie
de Marie de Jongh-Tartean Teatroa (6 marzo), Laboratorio inocencia
(8), y los títeres que son los protagonistas en Boab de los canadienses
Theatre Motus (20) y El alma del pueblo de Etcétera (17 de abril).

Kultur Leioa
La programación teatral del mes de marzo
comienza en Kultur Leioa con la puesta en
escena el día 11 del espectáculo El florido
pensil - Niñas con el que Tanttaka Teatroa
vuelve a abrir la puerta de aquella escuela
nacional-católica, pero esta vez, la del aula
de las chicas, lugar en el que la formación
estaba dirigida a convertirlas en abnegadas
madres y esposas sumisas. La danza llega a
Leioa de la mano de las compañías Natxo Montero_Danza y Cielo
RasO. Los primeros presentan Barbecho (8 de abril) con coreografía
y dirección de Montero, que también interpreta la pieza junto con Laia
Cabrera, en la que reflexionan en torno al propio proceso de creación.
La compañía del coreógrafo Igor Calonge presenta el día 22 Tormenta,
pieza con la que continúa con su línea de trabajo basado en un lenguaje
narrativo cercano al cine y una fisicalidad que destaca por su calidad
técnica. También habrá lugar para el circo de la mano de la compañía
francesa Blizzard Concept, que pondrán en escena el 16 de abril Opéra
pour séche-Cheveux, un espectáculo en el que los malabares desafían
a la gravedad y donde la magia se reinventa en cada función. El 13 de
marzo la compañía de teatro de títeres Pee Green Boat pondrá en es-
cena una deliciosa historia contada en inglés, The Shoe Tree. El 24 de
abril, Cía. Entremans llegará con Xoga, un espectáculo para descubrir
cómo eres y saber de qué estás hecho/a. En el apartado musical encon-
tramos los conciertos de Martirio, Dom La Nena y Kalakan, programa-
dos los días 4 y 18 de marzo y 30 de abril respectivamente.

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w w w. a r t e z b l a i . c o m
16 marzo
abril
Tras dFeria más teatro y danza
en Donostia
L
os espectáculos dirigidos al públi-
co familiar son los encargados de
dar comienzo a la programación del
mes de marzo en Donostia: Faboo, el
encanto de la imaginación, Futbolariak eta
printzesak de Eidabe, los payasos Gari, Mon-
tox eta Joselontxo con Kolore y Pinocchio de
La Baldufa. Los cuatro montajes tendrán lu-
gar en otros tantos espacios de la ciudad el
día 5 y darán paso la extensa oferta escénica
de dFeria que se concentra entre los días 7 y
10 de marzo y de la que se incluye un suple-
mento especial en este número de ARTEZ.
El Teatro Principal retoma su “programa-
ción general” los días 13 y 13 con El florido
pensil - Niñas/ Neskak con el que Tanttaka
Teatroa –bajo la dirección de Fernando Ber-
nués y Mireia Gabilondo– lleva a escena el
día a día de cinco muchachas sometidas a
la absurda e ilógica brutalidad del sistema
educativo que dominó la España de la post-
guerra. En el mes de abril (días 16 y 17)
la cita es con la obra No daré hijos, daré
versos de la dramaturga y directora urugua-
ya Marianella Morena. Una obra en la que
seis actores-cantantes rotan roles, puntos
de vista, sobre la poeta uruguaya Delmira
Agustini, asesinada en 1914 por su ex ma-
rido, cuando eran amantes. Una propuesta
“con una polémica introducción obre el lugar
40
w w w. a r t e z b l a i . c o m
No daré hijos, daré versos de Marianella Morena © Mauro Martella
que ocupan en la sociedad nuestros artis-
tas, qué valor tienen de acuerdo al gobierno
de turno y la ideología imperante. Morena,
como mujer artista dialoga con otra artista”.
Un espectáculo en tres actos. Tres géneros.
Tres lenguajes.
La programación del Teatro Victoria Eu-
genia dará comienzo con Ballets Jazz de
Montreal que el 12 de marzo presenta ante
el público donostiarra las piezas Mona Lisa,
Kosmos y Harry de tres coreográfos de re-
nombre internacional: Itzik Galili, Andonis Fo-
niadakis y Barak Marshall, respectivamente.
El día 20 será el turno de Altzoko Haundia,
una ópera infantil para títeres, coro de niños,
solistas y pequeña formación instrumental
basada en el canto coral y la narrativa oral
vasca, con aportaciones plásticas y escéni-
cas contemporáneas. Una coproducción de
TOPIC con DSS2016EU.
Abril comienza con Torobaka (días 1 y 2),
espectáculo que ha unido a dos figuras de
la danza, Akram Khan & Israel Galván. Un
montaje que trata de “hacer conjunto de una
manera de entender el baile –Khan viene de
bailar kathak y y Galván flamenco–, que quie-
re situarse en los principios de la voz y del
gesto, antes de que empezaran a producir
significados. Mímesis antes que mimetismo”,
explican. Y el ballet y los malabares se funden
en 4X4 Smashed, espectáculo de Gandini (8
y 9 de abril) en el que cuatro malabaristas y
cuatro bailarines comparten escenario en un
viaje por el tiempo y el espacio en un diálogo
único entre ambas disciplinas artísticas.
Días Mundiales
Otros espacios de la ciudad también
ofrecerán diversas propuestas como el
espectáculo de danza Vuelos de Aracala-
danza (13 de marzo en Gazteszena) o el
montaje teatral-musical Lapsus, descon-
cierto acústico de Lapso Producciones
(19 y 20 de marzo en Imanol Larzabal
Aretoa), entre otros. Y un año más Do-
nostia celebra de forma especial los días
mundiales del Teatro y de la Danza. El
primero, el 27 de marzo, con la represen-
tación en del Teatro Victoria Eugenia del
espectáculo galardonado con el ‘XVI Pre-
mio Donostia de Teatro’ que se concede
a la mejor obra en euskara representada
en la ciudad el año anterior. El segundo se
celebra con la Gala del Día Internacional
de la Danza que este año cumple su vigé-
sima edición y en la que se desplegará un
amplio abanico de estilos y que vuelve a
organizar la Asociación de Profesionales
de la Danza de Gipuzkoa.

José Luis Garci homenajea al
movimiento Arte Nuevo
E
l Teatro Español acoge hasta el 27
de marzo el montaje Arte Nuevo (Un
homenaje), pieza dirigida por José
Luis Garci a partir de las obras ‘Car-
gamento de sueños’ de Alfonso Sastre y ‘El
Hermano’ de Medardo Fraile. Miguel Ángel
Muñoz, Gary Piquer, Ana Carlota Fernández,
Ana Fernández e Irene Pozo forman el repar-
to del espectáculo.
“Arte Nuevo es un espectáculo que consta
de dos obras de un acto. Una de ellas, Carga-
mento de sueños, podría encuadrarse dentro
de un teatro experimental o de vanguardia,
mientras que la otra, El hermano, es el más
puro ejemplo del teatro costumbrista. Si hu-
biera que buscar antecedentes para ambas
piezas, estos serían Esperando a Godot e
Historia de una escalera, las dos, curiosamen-
te, posteriores a los textos de Sastre y Fraile.
Con este programa, quiero rendir homenaje
al movimiento Arte Nuevo, que a finales de
los años 40 del pasado siglo, dieron el primer
grito existencial del teatro español de posgue-
rra”, explica Garci, quien debuta con esta obra
como director teatral.
Sobre las raíces culturales de Arte Nuevo,
Alfonso Sastre expresa: “Como superviviente
de aquel grupo de teatro, voy a aprovechar la
posibilidad que me ofrecen estas líneas de de-
cir algo sobre lo que fue, creo, su aportación
más interesante al teatro español, el cual na-
vegaba en los años cuarenta, como siempre,
entre la mediocridad y la pobreza. Sobre la
historia de sus componentes anterior a la for-
mación del grupo, ya está ligeramente rese-
ñada en mi libro Teatro de Vanguardia (Hiru,
1992), y queda acreditada en otro del mismo
título y subtitulado 15 obras de Arte Nuevo,
que fue publicado por la fugaz editorial Per-
man (Madrid, 1949). Repasando ahora los
acontecimientos, yo creo que la mejor apor-
tación de Arte Nuevo fue la de un teatro libe-
marzo
abril 16
© Sergio Parra
rado de apriorismos formales, en el sentido,
sobre todo, de ser narrativo, o sea épico en
la terminología brechtiana, y ello en un tiempo
en el que la admiración por Bertolt Brecht no
era todavía un fetichismo, como lo fue bajo los
auspicios de la crítica progresista francesa de
la revista Théâtre Populaire. Nosotros cami-
nábamos por nuestro propio camino, en el
que habíamos tenido la fortuna de encontrar
al gran escritor y persona de teatro que fue
el norteamericano Thornton Wilder, autor del
drama narrativo Nuestra ciudad -que tuvimos
la fortuna de ver representado en el Teatro
María Guerrero de Madrid-, y de marchar
junto a él en Arte Nuevo, sintiéndonos muy
distantes de todo el teatro español, que por
otra parte tampoco dedicaba atención a ex-
periencias interesantes como fueron los bellos
esperpentos del gran don Ramón María del
Valle Inclán, quien también se sentía muy aje-
no a los escenarios españoles”.
41
w w w. a r t e z b l a i . c o m
16 marzo
abril
m i s c e l á n e a

Escena murciana
De la extensa programación que ofrecen los dos grandes escenarios de Murcia,
cabe destacar que el 3 de marzo en el Teatro Circo se presentan ante el público
las montajes galardonados en las diferentes categorías de los Premios del Públi-
co del Festival Decorrido 2015. El mismo día dará comienzo además la séptima
edición del Festival Internacional de Magia Solidaria de Murcia, que se extende-
rá hasta el día 5 y en la que participarán importantes figuras de este arte. En
abril se podrá disfrutar con producciones de teatro y danza como Cuando deje
de llover del Teatro Español (8), Smached circo y danza contemporánea
protagonizada por virtuosos intérpretes de los británicos Gandini Juggling
(14), Nora 1959 a partir del universal de Ibsen a cargo de Lazonakubik (16),
La piedra oscura de Alberto Conejero en coproducción de Lazona y el CDN
(21) y Bajo Terapia de PTC y con dirección de Daniel Veronese (28). El Teatro
Romea acercará versiones de obras de grandes autores como Atchúusss!!!,
creada a partir de obras humorísticas de Chéjov (5 de marzo), Hay que deshacer la casa de Sebastián Junyent por
Doble K Teatro (9), El mercader de Venecia (12) y Macbeth (20 y 30 de abril) de la mano de Noviembre Teatro
y Alquibla Teatro, respectivamente, y Equus de Peter Shaffer con puesta de Ferroviaria.

Femenino singular
Femenino singular de Inconstantes Teatro pone ante el público a cuatro
mujeres que han dejado por un día sus responsabilidades diarias y suben al es-
cenario para ser actrices. Esos quehaceres que no son otros que cuidar de sus
hijos, hijas, madres, padres y parejas. Pero esta noche Carolina, Maria, Marta
y Rosa han dejado todo en manos de ellos (maridos-parejas-exmaridos, expa-
rejas-abuelos-amigos-canguros), abandonando sus roles, y aparentemente al
menos, asumirán otros, los de sus compañeras. Esta noche se han liberado de
todo ese trabajo que tanto tiempo les lleva día a día. Emilio del Valle dirige a
Carolina Solas, María Vázquez, Marta Berenguer, Lucía Jiménez y Jorge Muñoz
en esta obra que “pretende reflexionar sobre las mujeres hoy, desde sí mis-
mas, con los hombres como telón de fondo (…) con todo lo que evidencia que
los hombres son circunstancia necesaria, inevitable en esta propuesta, pero su
presencia física es eludible: no necesariamente mala”. La obra está de gira y en
marzo se llevará a escena los días 5, 9, 10 y 12 de marzo en el Teatre Nuria Espert de Sant Andreu de la Barca (Barce-
lona), Teatro Principal de Santiago de Compostela, Auditorio Municipal de Ourense y el Teatre Echegaray de Ontinyent
en Valencia. En abril la cita es el día 8 en el Teatro Cortés de Almoradí, Alicante.

Nada que perder

La Compañía Cuarta Pared vuelve a poner en escena Nada que perder, una
pieza policíaca escrita por los hermanos Quique y Yeray Bazo, Juanma Romero
y Javier G. Yagüe que estará en cartel del 17 de marzo al 9 de abril en la sala de
la compañía, Cuarta Pared de Madrid. Estrenado el pasado mes de noviembre,
vuelve a los escenarios este espectáculo dirigido por el propio Yagüe, una obra
centrada en la situación social y económica actual que tiene un asesinato como
punto de partida. A partir de ahí la obra se estructura en ocho interrogatorios
sucesivos, pero no solo los realizados por parte de la policía a los sospechos,
sino también entre abogados y empresarios, psiquiatras y pacientes, jefes y
empleados, padres e hijos… Poco a poco el público irá conociendo a través de
los interrogatorios “que el pasado siempre vuelve y que es peligro llevar a al-
guien hasta un extremo en que ya no tiene nada que perder”, según explican
los autores. Así, la investigación “llegará hasta las cloacas de una sociedad en
crisis, una crisis que no es sólo económica”, añaden. Marina Herranz, Javier Pérez-Acebron y Pedro Ángel Roca dan vida
a los diversos personajes de este espectáculo de género negro que ha obtenido el reconocimiento tanto de la crítica
como del público.

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 marzo
abril 16

Circuito de danza en
territorio Sarea

E
l Departamento de Cultura del
Gobierno Vasco ha organizado la
duodécima edición de Zirkuitua,
circuito de danza contemporánea
que tiene como objetivos promover esta
disciplina artística e impulsar la creación
de públicos. La nueva edición de este pro-
grama comenzó el pasado mes de enero y
se desarrollará a lo largo de todo 2016 en
los escenarios de la red de teatros públi-
cos vascos que conforman SAREA.
Para la edición de este año han sido
seleccionados un total de 40 espectácu-
los de 35 compañías, ya que algunas de
ellas presentarán varios montajes. Es el
caso de Ertza, compañía dirigida por Asier
Zabaleta que participa en el circuito con
tres piezas: 4X4, El show del espectador
y NAN, Kukai Dantza Konpainia con la Venere de Cía Daniel Abreu ©Luis Antonio Barajas
premiada Gelauziak y su última creación
Oskara, o Aukeran Danza Konpainia que reo, Txoriak y Launaka. ladanza con Vuelos. También hay lugar
acercará al público Geltokia y la aún no Las coreógrafas Olatz de Andrés y Pau- para el nuevo flamenco con Reencuentro
estrenada obra Maurizia&Aiziruam. La la Quintana pondrán en escena El cielo de Choni Cia. Flamenca o el hip hop de Di-
compañía dirigida por Igor Calonge, Cie- ahora y Latente, respectivamente. Nacho venire de Circle of Trust & Logela. Estas
lo RasO, también presenta dos obras en Montero_Danza hará lo propio con Bar- son solo algunas de las propuestas que
Zirkuitua, Tormeta y la tampoco estrenada becho y Elirale con Kadira. Damián Muñoz conforman la programación de la edición
por el momento Jardín de invierno, al igual y Virginia García o lo que es lo mismo La 2006 de Zirkuitua, que como ya se ha in-
que Lasala, que participa con Hooked y Intrusa Danza llegan con Mud Gallery, Cía dicado incluye espectáculos de una trein-
Lauesku 22, o Dantzaz Konpainia con Aú- Daniel Abreu estará con Venere y Araca- tena de coreógrafos y compañías.

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16 marzo
abril
Matarile Teatro celebra sus
30 años haciendo teatro
La primera celebración tendrá lugar en el Teatro Principal de San-
tiago de Compostela del 1 al 5 de marzo
L
a compañía gallega formada por Ana
Vallés y Baltasar Patiño, Matarile Tea-
tro, cumple este año su 30 aniversa-
rio, cuya primera celebración tendrá
lugar entre el 1 y el 5 de marzo en el Teatro
Principal de Santiago de Compostela “donde
queremos mostrar el teatro que hacemos
ahora”, explican Vallés y Patiño. Para ello han
preparado un programa con sus montajes
en cartel y un encuentro-coloquio denomina-
do ‘Ponencias Perras: apuntes irreverentes
sobre la escena contemporánea’.
Tal y como apuntan los miembros de la
compañía, los espectáculos que mostrarán
“son adaptaciones específicamente pensa-
das para este espacio. Los espectadores no
ocuparán el patio de butacas: comparten con
nosotros una gran mesa, se asoman a los pal-
cos, entran hasta el escenario. Observaremos
el teatro iluminado desde otros ángulos”.
Esta celebración dará comienzo el día 1
de marzo con la puesta en escena de Teatro
Invisible con el público sobre el escenario.
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Creado a partir del encuentro celebrado en-
tre Ana Vallés y un grupo de alumnos de di-
rección de la ESAD en 2012, en este montaje
se muestran las principales claves del teatro
de Matarile.
Los días 2 y 3 se podrá disfrutar con una
versión especial de Staying Alive, cuyo visio-
nado se realizará desde los palcos del tea-
tro. Esta obra, protagonizada por un elenco
formado por artistas procedentes del mundo
de la danza, “surge de la necesidad de plan-
tearnos cuál es nuestro lugar en el mundo”,
indican los miembros de la compañía. El día
3 tendrá lugar una versión especial en for-
ma de acción y también con el público sobre
el escenario de Hombres Bisagra, montaje
creado por Patiño y el percusionista Nacho
Sanz que combina movimiento, electrónica
en vivo y atmósferas de luz.
El cuarto montaje, El Cuello de la Jirafa,
se pondrá en escena los días 4 y 5 y una
vez más el público se acomodará sobre el
escenario. “Una muestra del irremediable
© Rubén Vilanova
aburrimiento producido por el continuo re-
petir cíclico de rutinas en la naturaleza, en
el universo entero, en nuestras relaciones,
nuestras vidas y costumbres”, en palabras
de Vallés.
Pero también habrá espacio para la re-
flexión con las ‘Ponencias Perras: apuntes
irreverentes sobre la escena contemporá-
nea’, que tendrán lugar la mañana del día
5 y donde los temas a debate serán libres.
Participarán entre otros Eduardo Pérez
Rasilla, crítico y profesor de la Universidad
Carlos III de Madrid, Alfonso Becerra, crítico
y profesor de la ESAD de Vigo, y Antón Lopo,
poeta, performer y periodista.
En sus 30 años de trayectoria, Matarile
Teatro ha creado alrededor de treinta es-
pectáculos y ha sido galardonada con más
de veinte premios y menciones. Además creó
y gestionó el Teatro Galán de 1993 a 2005 e
impulsó durante doce años el Festival Inter-
nacional de Danza En Pé de Pedra, ambos
en Compostela.
marzo
abril 16
16 marzo
abril
Amateur o profesional…
¿esa es la cuestión? (I)
E
mpezaré por decir que no soy par-
tidario de presentar amateur y pro-
fesional como términos antagónicos,
por eso los signos de interrogación.
Aún son muchos los que conciben ama-
teur como antítesis de profesional. Me
refiero a aquellos que prefieren juntar los
términos amateur y profesional en un mismo
enunciado en clave de oposición, deslizando
sutilmente en nuestras mentes una cierta
idea de confrontación, de conflicto o dispu-
ta entre dos extremos opuestos. Estos dos
polos, amateur y profesional, proceden de
un etiquetaje economicista moderno de la
actividad humana, que olvida lo esencial…
al ser humano.
Pero no es mi caso. Solo quiero poner
en valor a aquellos, que aspirando a prac-
ticar una actividad sin vivir de ella, han
elegido la opción amateur como modo
de enfocar su proceso creativo dentro de
las artes escénicas. Quiero defender que
puedan hacerlo sin pedir disculpas o per-
miso, sin creerse culpables, desleales o
46
w w w. a r t e z b l a i . c o m
intrusos, si sentirse acomplejados.
Y para defender el amateurismo no es
necesario mostrarlo como oposición al
profesionalismo. No acepto esa estructura
binaria Bien/Mal, porque entre esos dos
términos, entre esas dos formas de orga-
nización o de afrontar una actividad, hay
un basto universo plagado de experiencias
complementarias y amigables.
Los que prefieren una escisión entre teatro
amateur y profesional son los que defienden
que la igualdad de acceso a la cultura y a la
educación artística quede reservada a una
aristocracia del arte y de la cultura (de ahí
la terminología de escuelas y conservatorios
profesionales), son los mismos que critican
el movimiento asociativo como generador
de cultura (característico de teatro amateur)
para dar poder y entronizar a los creadores
como productores de industria cultural, y
son los que defienden los centros cultura-
les como lugares de presentación al público
de la excelencia cultural de escaparate y no
como espacio de socialización y creación.
¿Cómo defender lo
amateur sin morir en el
intento?
Defender al teatro amateur, sin atraer la
critica furibunda de aquellos que ven a los
amateur como enemigos, resulta cuando
menos incómodo. Pero es de justicia inten-
tar reequilibrar la balanza llevando el fiel a
la verticalidad. La frase que sigue a con-
tinuación resumiría todos los tópicos que
esgrimen los que, de una manera u otra
descalifican al teatro amateur: Los amateur
son grupos de amigos, desorganizados,
que van a lo suyo, que adolecen de prepa-
ración y de calidad, que hacen competencia
desleal, fomentan la economía sumergida,
practican el intrusismo, actúan en sitios
que no reúnen las mínimas condiciones y
por cuatro “duros”. En los próximos pá-
rrafos me propongo aportar elementos de
reflexión que ayuden a sacar conclusiones,
sobre cada uno de los argumentos esgrimi-
dos. Así que…vayamos por partes.
¿Los amateur son
grupos de amigos,…
El teatro profesional y el ama-
teur no se oponen aunque, en el
estado más puro de ambos, si
son antropológicamente diferen-
tes. El teatro amateur, a diferen-
cia del profesional, tiene una fun-
ción esencial en los procesos de
socialización, de reconocimiento
recíproco, de uso de códigos co-
munes no impuestos. Los grupos
amateur son más homogéneos
porque las expectativas e intereses de sus
miembros son similares. Una homogeneidad
que también se da con relación al público
cercano al espacio geográfico donde se
mueven. Es, esta convivialidad con el entor-
no y la camaradería interna, la que les lleva,
en algunos casos, a ser despectivamente
calificados de “grupos de amigos” faltos de
ambición expansiva. El teatro profesional es
sin embargo más rupturista, sin solución de
continuidad con relación a su entrono social
y, en cierto modo, es itinerante pues los lazos
internos y con el entorno son más coyuntu-
rales y descansan sobre una base legítima
de intereses económicos y no de estabilidad
en el tiempo o pertenencia geográfica. Pero
no es esta característica lo que hace mejores
a unos o a otros, solo diferentes y comple-
mentarios.
En el teatro amateur hay jóvenes que, en
fase de aprendizaje y búsqueda de proyec-
tos de futuro, se sirven del teatro para sen-
tirse aceptados como parte de una comuni-
dad o grupo y buscan, desde refugio, apoyo
y aprobación hasta amistad, afecto o com-
pañerismo. Pero también hay personas que
buscan autorreconocimeinto, autoestima o
autorrealización y lo hacen en el teatro, y de
forma amateur, porque teniendo cubiertas
sus necesidades económicas, de protección
y de seguridad material, necesitan recupe-
rar proyectos en su día aparcados y recon-
marzo
abril 16
quistar esas vivencias frustradas
por las inexorables obligaciones
impuestas por la subsistencia. Y es
esta coincidencia en fines y objeti-
vos, aunque por distintas causas, lo
que da fuerza y cohesión al grupo,
de amigos si se quiere, pero que
no necesitan hacerse profesionales
para seguir disfrutando de lo que
hacen por amor al teatro. De ahí
que la fórmula elegida, como espa-
cio de encuentro, para desarrollar
su actividad sea la de asociación
sin fines lucrativos. Porque una asociación
aumenta las posibilidades para participar e
incluso competir, en el mejor sentido de la
palabra, sin que ello afecte a la individuali-
dad de cada persona. Dentro de la asocia-
ción pueden estar, y de hecho están, inte-
grados tanto los intereses individuales con
los comunes.
…desorganizados y que
van a lo suyo…
El hecho de que la práctica totalidad de
los grupos amateur se hayan constituido
como asociaciones sin fines lucrativos es
demostrativo de que tal afirmación no se co-
47
w w w. a r t e z b l a i . c o m
rresponde con la realidad. La circunstancia
de que un grupo de personas amantes del
teatro decidan agruparse y organizarse, es
sintomática de una elección contraria al im-
pulso individualista.
El conformar el grupo como asociación
sin fines de lucro, se ha convertido para el
amateur en la mejor fórmula de combatir la
soledad y el aislamiento entre sus componen-
tes y para con otros grupos. En el grupo se
produce una confluencia de conocimientos,
vivencias, opiniones, formas de pensar, en
suma de diversidad de criterios que obliga al
ejercicio del diálogo y al logro de consensos
fundamentales para diseñar estrategias co-
munes de acción. Las convicciones de cada
integrante del grupo se ven reforzadas cuan-
do comprueban que hay un sentir común.
El empeño y la energía que pone cada
uno, se multiplica con la suma de la energía
de los demás. Dentro de las asociaciones
los aficionados al teatro pueden compartir
sensibilidades e intereses, lo que les permi-
te profundizar en el análisis de la realidad
y emprender acciones tendentes a alcanzar
los objetivos que se hayan propuesto intra o
extra muros del grupo.
Son muchos los grupos de teatro que se
preocupan por la eficacia y eficiencia en la
consecución de sus fines y objetivos. Se pre-
ocupan por la formación de sus integrantes,
por la calidad de sus montajes, por una me-
jor distribución de sus espectáculos, etc.
Pero además cada vez son más los grupos
que se agrupan, en federaciones de ámbito
de comunidad autónoma y estas a su vez
en confederaciones de ámbito estatal, para
aunar esfuerzos en la consecución de obje-
tivos comunes. El tejido asociativo amateur
ha tenido en nuestro país un desarrollo que
ha multiplicado la capacidad de influencia y
visibilidad del teatro amateur, no solo a nivel
de nuestro país sino también internacional.
Pero las cotas alcanzadas con ser impor-
tantes, son aún modestas en comparación
a las logradas en otros países, en los que la
opción amateur goza de un mayor apoyo y
protección de las instituciones y administra-
ciones públicas.
…que adolece de prepara-
ción y de calidad...
Otro de los lugares comunes a la hora de
definir el teatro amateur es su falta de pre-
paración, de calidad en incluso de falta de
seriedad. Nada más lejos de la realidad. El
que cultiva o practica, sin ser profesional, un
arte, ciencia, oficio, deporte, etc., no lo hace
por imposibilidad de dar el salto a la profe-
sionalidad, porque se reconozca inexperto o
considere su trabajo de menor entidad o ca-
lidad. En la mayoría de los casos, la vía de la
no profesionalidad, es más un planteamiento
de principios, de independencia, de libertad
creativa no sometida a las exigencias de los
“mercados” artísticos.
En el teatro amateur, al igual que en el pro-
fesional, puede haber personas novatas, sin
experiencia, principiantes que aún no tiene ha-
bilidad en la actividad que realizan y que están
en fase de aprendizaje… pero también hay
personas preparadas, experimentadas, y con
talento. Los que militan en lo amateur lo ha-
cen de forma consciente, elegida, porque no
quieren verse prisioneros de unos objetivos
económicos que primen sobre los artísticos
o creativos. Y como los profesionales hacen
estudios de arte dramático, demandan cursos
de formación en diversas disciplinas escéni-
cas, reclaman asistencia técnica a expertos y
se imponen ambiciosos retos estéticos, artís-
ticos y de puesta en escena.
Para ser amateur hay que tener una enor-
me curiosidad y carencia de miedo en probar
y explorar cosas nuevas. Son amateur por-
que en aquello que les gusta quieren ser los
amos de su propia vida y, si fuera cierta aque-
lla frase de que el que mucho abarca poco
aprieta, prefieren abarcar más y apretar poco.
Les gusta la variedad y en cierto modo el ries-
go de lo desconocido. Hacen teatro desde el
amor que sienten por él. No tienen miedo a
arriesgarse porque lo máximo que pueden
perder es el tiempo, dado que el sustento se
lo aporta otra actividad. Suplen bisoñez por
talento, entusiasmo y pasión por el teatro.
Como espectadores asistiremos, en los es-
pectáculos de teatro amateur, a algunos mo-
mentos de duda, a dicciones balbucientes...
pero sobre todo veremos creación pura, sin-
ceridad expresiva, entrega absoluta al público
y unas enormes ganas de abrirse camino en
el mundo de las artes escénicas.
El que practica el amateurismo en cual-
quier disciplina humana, valora en primer lu-
gar la calidad de la experiencia y se mueven
por una motivación de crecimiento personal.
En la medida que se entregue a este objetivo
con afán de superación obtendrá por añadi-
dura la calidad, el reconocimiento y en mu-
chos casos el éxito. Éxito que sin embargo
se convierte en el objetivo primario para los
profesionales por la rentabilidad económica
que habitualmente conlleva.
Carlos Taberneiro
16 marzo
abril
Josu Montero
Cien años no son casi nada
L os primeros libros publicados por la añorada e insusti-
tuible Hiru Argitaletxea dejaban bien claras sus audaces
y necesarias intenciones: “Orgía” y “Fabulación” de Pa-
solini, “Muerte accidental de un anarquista” y “Tengamos el sexo en
paz” de Fo, “Germania: Muerte en Berlín” de Müller, o “Holderlin”de
Peter Weiss y “Una estética de la resistencia”, volumen
coordinado por César de Vicente Hernando en torno a
la gran novela “La estética de la resistencia” del propio
Weiss; más tarde también publicaría esta editorial “El
nuevo proceso” o la legendaria “Marat/Sade”, la obra
más célebre de Weiss, cuyo título real es nada menos
que “La persecución y asesinato de Jean Paul Marat
representada por el grupo de teatro del hospicio de
Charenton bajo la dirección del señor Sade”.
Weiss la estrenó en 1964, y cuatro años después, en
pleno 68, fue estrenada en España por, claro, Alfonso
Sastre. En esta obra entronca Weiss tanto con el teatro
dialéctico y didáctico de Brecht -distanciamiento, teatro LA ESTÉTICA DE LA
dentro del teatro, canciones- como con el Teatro de la RESISTENCIA
crueldad de Artaud, y es que se trata de una represen-
PETER WEISS
tación de locos para locos para otros locos -los especta-
Hiru Argitaletxea
dores, nosotros. El marqués de Sade estuvo encerrado
en el manicomio de Charenton y Weiss se imagina que
allí dirige a una troupe de enajenados para representar
el asesinato del revolucionario Marat, mártir de la revolución y adalid de
la emancipación política colectiva; en frente un Sade decepcionado de la
revolución representa el individualismo radical y transgresor. Por encima
de esta dialéctica, la restauración ya imperante representada por el di-
rector del manicomio que ordena la represión violenta de la sublevación
final de los locos. Intento por tanto de reproducir en el escenario los
mecanismos que llevaron al fracaso de la revolución. Weiss, claro, quiere
hablar de revoluciones más recientes. Los avatares de la historia política
de la primera mitad del siglo XX, el fracaso del socialismo, el movimiento
obrero traicionado y la búsqueda de la propia identidad en ese laberinto
a través del arte son constantes de su obra. En esa obra fascinante que
es“Holderlin” el fracaso de esa ilusión de emancipación que supuso la
revolución francesa está centrado en el gran poeta romántico que optó
por desentenderse del mundo y por adentrarse en la ebriedad de la
poesía y en la locura.
Este año celebramos cien años del nacimiento de Peter Weiss. Naci-
do en Berlín en 1916, en el seno de una familia judía –de padre checo
y madre actriz procedente de Estrasburgo– que hubo de emigrar a
Praga en 1934 y a Estocolmo en 1939. Allí el joven Peter estudio
Arte, y de hecho antes que a la literatura se dedicó a la pintura -ex-
presionista- y al cine experimental y documental. Fijó en Estocolmo su
residencia –allí falleció en 1982– e incluso en 1945 se nacionalizó
sueco. “Yo nuna fui alemán”, afirmó rotundo; y es que el lugar con el
50
w w w. a r t e z b l a i . c o m
Luz negra
que se identifica es Auschwitz, “adonde estaba destinado”. En 1965
incursiona en el ámbito del teatro Documental Político con “La inda-
gación. Oratorio en once cantos”, obra basada en el proceso sobre
Auschwitz que tuvo lugar en Frankfurt entre 1963 y 1965 y para la
que utiliza las actas de dicho proceso; las intervenciones corales de
las víctimas en su camino hacia el exterminio resultan
escalofriantes. Con “Canto del ogro lusitano” Weiss da
un paso hacia el Teatro de Agitación Política; la dicta-
dura de Salazar como símbolo de toda opresión y de la
explotación colonial capitalista. Igualmente polémicas e
incómodas fueron “Discurso sobre el Vietnam”(1968)
y, sobre todo, “Trotsky en el exilio” (1970).
Pero antes de dedicarse al teatro y después de su
etapa de pintor y cineasta, Weiss escribió varias novelas
igualmente experimentales y que a pesar de su radicali-
dad formal le convirtieron ya en un autor reconocido y de
éxito –¡Oh tiempos!–. Es el caso de “La sombra del cuer-
po del cochero”, en la que la descripción minuciosísima
se va transformando en falta de sentido: de la ordenada
cotidianidad convencional al absurdo no va ni un paso,
parece decirnos. Pero sin duda la obra magna de Peter
Weiss es esa monumental novela en tres volúmenes titu-
lada “La estética de la resistencia” y que escribió entre
1975 y 1981; ambicioso proyecto narrativo comparable
a otros titánicos empeños de la novela del siglo XX como “El hombre
sin atributos” de Musil, “En busca del tiempo perdido” de Proust o el
“Ulises” de Joyce. Gran friso del drama de Europa en la primera mitad
del siglo XX; narrativa del yo, de la propia existencia; autobiografía ficticia
y real, personal y colectiva. Novela de formación, de búsqueda de la
propia identidad a través de la rebelión y del arte –voluntad de libertad
a través del conocimiento de la realidad–: caminos que necesariamente
han de confluir –plantea– en la lucha por una sociedad más justa. El arte
es el único medio que en un proceso infinito e impredecible nos puede
transmitir la profunda unidad entre el yo subjetivo y la realidad objetiva.
Una propuesta dialéctica fascinante la que encierra esta novela.
Se afirma que la obra de Peter Weiss es excesivamente hija de su
tiempo, que ha envejecido mal, y todo esto a mí me suena a otro intento
más –logrado– de enmascarar las miserias del presente y de reivindicar
una literatura, un arte, anémica, integrada y que no aparte sus ojos
del mercado; esa sí que es hija de ningún tiempo o de un no tiempo.
Lo mismo se afirma de la obra de otro dramaturgo, este español, del
que también se cumple un siglo de su nacimiento, nos referimos a Anto-
nio Buero Vallejo; pero tal vez las obras de Buero estén esperando un
director audaz que se atreva a servirlas con libertad y sin esquemas
prejuzgados, como se hace con cualquier clásico. Entre tanto lean con la
mente abierta obras como “En la ardiente oscuridad”, “La Fundación”,
“La doble historia del doctor Valmy”, “Caimán” o “Diálogo secreto”.
AGURRAK / SALUDOS
Berriz ere, arte eszenikoen agertoki handia izango da
Donostia dFERIAri esker. Antzerkia, dantza… Hogeita
hamar proposamen baino gehiago lau egunetan, mar-
txoaren 7tik 10era, arte eszenikoak Donostiako hainbat
gunetan dauden zortzi agertokietara hurbiltzeko. Jar-
duera paraleloek eta profesionalen arteko bilerek abe-
rastuko dute aurten ere dFERIAren programazioa. Hitzor-
du honek egina du bere lekua Donostian, zine edo
musikako beste jaialdi ezagun batzuen ondoan. Hala,
bada, Donostia arte eszenikoen topagune izango da
programatzaile, zuzendari, sortzaile, aktore eta ikus-
entzuleentzat. dFERIA erreferente nabarmena da da-
goeneko sektorearentzat. Zergatik? Sorkuntza-trukea
dakarrelako, arte-berrikuntza dakarrelako, merkata-
ritza-trukea ere bultzatzen duelako, plataforma ezin
hobea gertatzen delako bertan parte hartzen duten
antzerki- eta dantza-ikuskizunak ezagutarazteko.
Aurtengo edizioaren ardatza Elkarrizketaren gaia
da; hori da, halaber, Donostia 2016 egitasmoaren
ardatz nagusietako bat, hau da, Europako Kultura
Hiriburutzaren egitasmoarena. Aurten, ezin bestela
izan, dFERIAren eta hiriburutzaren arteko lokarriak
eta komunikazioa estutu egin dira, zertarako eta
enpatia berriak, kidetasun berriak, konplizitate berriak
aurkitzeko aukera eskaintzeko. Urkoa aurkitzeko,
harekin enpatizatzeko. Urteak daramatzate elkarlanean
dFERIAk eta DSS2016EUk; urtez urte, hainbat jarduera
izan dira elkarlan horren emaitza: Mugalariak proiektua,
laborategiak, tailerrak, dFERIAren Meeting Point-a 2016
Gunean kokatzea, gune hori ikuskizunen zabalkun-
dea egiteko ere erabiltzea. Lankidetza horrek
DSS2016EUren balioekin bat datorren ekarpena egiten
dio dFERIAren programazioari.
Azkenik, azpimarratu nahi nuke TABAKALERA ere
izango dela dFERIAren programaziorako guneetako
bat, 2016ko edizio honetan; ikuskizunak, negozio-fo-
roa, sentsibilizazio-jarduerak, besteak beste. 2015eko
irailean inauguratu zen TABAKALERA, Kultura Garai-
kidearen Nazioarteko Zentroa, pentsamendurako eta
kultura garaikideaz gozatzeko leku bizia izan dadin
Donostian.
On dagizuela feriak, profita eta goza dezazuela!
2016 Hiriburutza, Kultura, Euskara eta Hezkuntzako zinegotzi-ordezkaria
Concejala delegada de Capitalidad 2016, Cultura, Euskera y Educación
Una vez más, Donostia se va a convertir en un gran
escenario de las artes escénicas gracias a dFERIA. Tea-
tro, danza... Más de una treintena de propuestas que
durante cuatro días, del 7 al 10 de marzo, acercarán
las artes escénicas a los ocho escenarios disemina-
dos por todo la geografía donostiarra. Las actividades
paralelas y las reuniones profesionales terminarán de
enriquecer, un año más, la programación de dFERIA,
cita que tiene su espacio en la ciudad al lado de reco-
nocidos festivales donostiarras de cine o música. Así
pues, San Sebastián va a ser punto de encuentro del
mundo de las artes escénicas para programadores, di-
rectores, creadores, actores y público. dFERIA es ya un
referente indiscutible para el sector, por generar inter-
cambio creativo, por aportar innovación artística y por
impulsar el intercambio comercial, al constituirse como
una inmejorable plataforma de lanzamiento para los es-
pectáculos de teatro y de danza que participan en la
misma.
El eje de esta edición gira en torno al tema Conversa-
ciones, en sintonía con uno de los ejes básicos del pro-
yecto de Donostia / San Sebastián 2016, Capital Euro-
pea de la Cultura. Este año, como no podía ser de otra
manera, los lazos de unión y comunicación entre dFE-
RIA y la capitalidad se han estrechado con el objetivo
de ofrecer la posibilidad de descubrir nuevas empatías,
nuevas pertenencias, nuevas complicidades. Descubrir
al otro y empatizar con él. Son ya años de colaboración
entre dFERIA y DSS2016EU, colaboración que cristali-
za, año tras año, en diversas actividades: proyecto Mu-
galariak, laboratorios, talleres, instalación del Meeting
Point de dFERIA en el Espacio 2016, espacio también
utilizado para la difusión de espectáculos. Colaboración
que dota a la programación de dFERIA de una aporta-
ción alineada con los valores de DSS2016EU.
Por último, me gustaría resaltar la incorporación de TA-
BAKALERA como uno de los espacios en los que se
desarrollará una parte importante de la programación
de dFERIA durante esta edición 2016: espectáculos,
foro de negocios, o actividades de sensibilización, entre
otras. Centro Internacional de Cultura Contempóranea
inaugurado en septiembre de 2015, TABAKALERA se
erige en la ciudad como un lugar vivo de pensamiento y
disfrute de la cultura contemporánea.
¡Que tengan una buena feria, que la aprovechen y la
disfruten!
Miren Azkarate
Hona hemen 2016ko dFERIAren XXII. edizioa. Elkarrizke-
tak du goiburutzat. Elkarrizketen betekizun nagusia enpatia
lortzea da, hots, bestearen lekuan jartzeko gaitasuna, esan
nahi diguna ulertzeko. Komunikatzea, harremanetan jartzea,
elkarrekin adiskidantza estua sortzea. Konfiantzaz hitz egi-
tea, lagunartean. Elkarrizketan, esaten digutena ulertzeko
borondate eta ahalegin bat dago. Garrantzitsua da solasean
jardutea, ideiei afektuak eransten baitizkiegu: besteaz ardu-
ratzen gara. Bestearen lekuan jartzen gara, eta, horretarako,
gure lekutik irten behar dugu. Erraztu egiten du elkarbizitza.
Hartara, elkarbizitzarako tresna nagusia, elkarrizketa, kultu-
ra-aberastasunerako bide bihurtzen da. Arteen eta artearen
kontzeptuen arteko elkarrizketa izango da dFERIAren osa-
gai garrantzitsu bat, leit motiva.
dFERIAk bere ezaugarriei eusten die antzerki- eta dantza-
gertaera den aldetik, arte garaikidearen feria bat den aldetik.
Euskal sorkuntzarekin konprometituta dago, baina gai da
beste leku batzuetara begiratzeko, Latinoamerikarako leihoa
zabalik izateko, Espainiako eta Europako eszenaren erreali-
tatea ahaztu gabe. dFERIAk estreinaldien eta berrikuntzen
aldeko apustua egiten du. Eztabaida eta gogoeta sortu nahi
ditu sektorean, eta galderak ikus-entzuleen artean. dFERIAk
arreta berezia eskainiz jarraitzen du euskal dantzari, ikusgai
jartzeko, bai eta OARAri ere, Akitaniako gure auzoekin harre-
manak estutzeko. Europara begira jarraitzen dugu, halaber
–aurten, are indar handiagoz, bistan denez–, eta berriz ere in-
gelesez eta frantsesez azpidatziko ditugu zenbait ikuskizun,
erakargarriago gerta daitezen, eta dFERIA gertaera erakar-
garria izan dadin espainieraz mintzo ez diren programatzaile
eta kudeatzaileentzat. Eta garrantzitsuena: hori guztia egi-
teko, instituzio, erakunde, konpainia eta norbanakoen bo-
rondateak, babesa, laguntza eta parte-hartzeak batu ditugu;
horiek guztiek gauzatzen dute dFERIA, beren ekarpenez eta
lanaz, denen arteko ahaleginaz. Eskerrik asko den-denei.
Eskerrik asko urtero-urtero dFERIAra etortzen zaretenoi,
dFERIA bizi duzuenoi, aberasten duzuenoi, egitasmo izaten
jarraitzeko behar duen indarra ematen diozuenoi.
Baina dFERIA bada jaialdia ere, bada jendearentzako, za-
learentzako dantza- eta antzerki-ikuskizunen oturuntza bat.
Lau egunetan, errezela 30 aldiz baino gehiagotan jasoko
da. Zenbait formatu, zortzi agertoki, askotariko ikuspegi eta
kontzeptu artistikoak; Portugal, Frantzia, Mexiko Txile, Ekua-
dor, Brasil, Dominikar Errepublikatik etorritako, ikuskizunak.
Era guztietako edukiak, baina huskeriatik edo denbora-pasa
hutsetik ihes eginez betiere. Ikuskizun horiekin batera, jar-
duera paraleloen programazio bat izango da, gertaera esze-
nikora beste ikuspuntu batzuetatik hurbiltzeko. Aukera ona,
ezbairik gabe, Donostiak urtez urte bihurtu ohi den arte es-
zenikoaren jai handia izaten jarrai dezan. Hala biz.
Presentamos la XXII Edición de dFERIA2016. Conversa-
ciones, es su lema, cuya mayor expresión es la empatía o
capacidad de ponernos en el lugar del otro para compren-
der lo que quiere decirnos. Comunicar, relacionarse, trabar
o estrechar amistad unas personas con otras. Hablar con
confianza, familiarmente. Existe una voluntad y esfuerzo por
comprender lo que nos dicen. Es importante conversar por-
que unimos afectos a las ideas: nos preocupa el otro. Nos
ponemos en lugar del otro, y para ello hemos de salir previa-
mente del nuestro. Facilita la convivencia. La principal he-
rramienta para la convivencia, la conversación, se convierte
de este modo en una vía para el enriquecimiento cultural.
El diálogo entre las distintas artes y conceptos del arte será
parte importante también en el leit motiv de dFERIA.
dFERIA mantiene sus signos de identidad como evento
tanto de teatro como de danza, como una feria de arte
contemporáneo. Comprometida con la creación vasca pero
capaz de mirar a otros lugares y capaz de consolidar una
ventana hacia Latinoamérica sin olvidar la realidad escénica
española y europea. dFERIA apuesta por los estrenos y
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
por la novedad. Pretende crear debate y reflexión en el
sector y plantear interrogantes al público. dFERIA continúa
mimando también la ventana de visibilidad a la danza vasca
y la ventana OARA hacia nuestros vecinos de Aquitania.
Se mantiene también la mirada hacia Europa, este año con
mayor fuerza, repitiendo la apuesta de sobretitular al inglés
y al francés algunos espectáculos de texto para incorporar
alicientes y que dFERIA se convierta en un evento atractivo
para programadores y gestores de habla no hispana. Y
lo más importante, que para hacer todo esto se suman
las voluntades, los apoyos y las participaciones activas
de instituciones, entidades, organizaciones, compañías y
personas individuales que aportan, trabajan y hacen de
dFERIA una realidad fruto de un esfuerzo colectivo. Muchas
gracias a cada uno de ellos y de ellas. Y gracias también a
todos aquellos y aquellas que año tras año acudís a dFERIA,
la vivís, la enriquecéis, le dais esa fuerza tan necesaria y esa
energía fundamental para que siga siendo un proyecto.
Pero dFERIA es también un festival, un festín de espectácu-
los de danza y teatro para el público, para el aficionado. En
cuatro días se levanta el telón más de 30 veces. Distintos
formatos, ocho espacios distintos, visiones y conceptos ar-
tísticos variopintos, espectáculos venidos desde Portugal,
Francia, México, Chile, Ecuador, Brasil, República Domini-
cana… Contenidos para todos los gustos pero escapando
de la vanalidad o del entretenimiento puro y duro. Espectá-
culos reforzados con una programación de actividades pa-
ralelas que posibilitará acercarse al hecho escénico desde
otros puntos de vista, con mayor cercanía e intimidad. Una
buena oportunidad, sin duda que esperemos no defraude y
siga siendo la gran fiesta de las artes escénicas en la que se
convierte Donostia año tras año.
Norka Chiapusso
dFERIAko zuzendaria / Director de dFERIA
3
PROGRAMAZIOA | PROGRAMACIÓN
07
AMARGA DULCE
Paula Quintana Castellano Intxaurrondo K.E. 12:30 50 min

TIRANIA DAS CORES

Ertza konpainia Castellano Gazteszena (Egia) 16:00 60 min

PIM PAM FUERA! 17:15

Castellano Victoria Eugenia Club 75 min
En2do Prod. – Karra Elejalde 19:00
EROSKI PARAISO
Chévere Castellano / Galego Antzoki Zaharra – Teatro Principal 18:45 90 min

QUATRO SANTOS EM TRÊS ACTOS

Portugués Victoria Eugenia Antzokia 20:30 100 min
Teatro do Bairro / Ar de filmes
JOKOZ KANPO
Euskara Imanol Larzabal (Lugaritz) 20:30 75 min
Borobil Teatroa
WELCOME TO THE
MONTGOMERY EXPERIENCE Testurik gabe / Sin Texto Tabakalera, Patioa 23:30 48 min
Montgomery

08
FUERA DE JUEGO
Castellano Imanol Larzabal (Lugaritz) 10:00 75 min
Borobil Teatroa
TAXIDERMIA DE UN GORRIÓN
Castellano Intxaurrondo K.E. 11:30 80 min
L’Atelier & Kulunka Teatro
TORMENTA
Castellano Gazteszena (Egia) 13:00 50 min
Cielo Raso
UN BESO
Castellano Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 16:00 60 min
Tanttaka
À LA RENVERSE
Français Tabakalera, Patioa 17:30 70 min
Caroline Serres - Théâtre du Rivage
MUXUA
Euskara Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 19:00 60 min
Tanttaka
DANTZARI
Testurik gabe / Sin Texto Antzoki Zaharra – Teatro Principal 19:00 75 min
Jesús Herrera
LLOPIS 20:30
La Teta Calva Castellano Espacio 2016 Gunea 75 min
22:45
OSKARA
Kukai Dantza-Marcos Morau/La Veronal Euskara Victoria Eugenia Antzokia 20:30 60 min

OVARIOS VERDES FRITOS

Castellano Espacio 2016 Gunea 24:00 75 min
Detritus Teatrus

09
ÉRASE UNA VEZ... (Oc ye Nechca)
Castellano Imanol Larzabal (Lugaritz) 10:00 70 min
Carretera 45 Teatro AC
IRRINTZI
Testurik gabe / Sin Texto Intxaurrondo K.E. 11:30 65 min
Organik Dantza – Antzerki
TERESA (Ora al alma)
Testurik gabe / Sin Texto Gazteszena (Egia) 13:00 90 min
Losdedae
UN BESO
Castellano Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 16:00 60 min
Tanttaka
KASPAR HAUSER,
EL HUÉRFANO DE EUROPA Testurik gabe / Sin Texto Tabakalera, Patioa 17:30 60 min
La Phármaco
MUXUA
Euskara Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 19:00 60 min
Tanttaka
EL FLORIDO PÉNSIL “NIÑAS”
Castellano Antzoki Zaharra – Teatro Principal 19:00 105 min
Tanttaka
FOOT- BALL
Testurik gabe / Sin Texto Victoria Eugenia Antzokia 20:30 60 min
Gelabert-Azzopardi Companyia de Dansa
ÑUCANCHIK ANTISUYU RIMAN
20:30
(Habla nuestra selva) Castellano Espacio 2016 Gunea 70 min
22:45
La Mestiza
ZERGATIK, JAMIL?
Euskara Imanol Larzabal (Lugaritz) 20:30 75 min
Tartean Teatroa
HEY BRO! HIPSTER SHOW
Castellano Espacio 2016 Gunea 24:00 70 min
Fabiolo
¿POR QUÉ, JAMIL?

10
Castellano Imanol Larzabal (Lugaritz) 10:00 75 min
Tartean Teatroa
OTELO
Castellano Intxaurrondo K.E. 11:30 75 min
Viajeinmóvile
LIBERTINO
Castellano Gazteszena (Egia) 13:00 60 min
Marco Vargas & Chloé Brùlé
KITTO, yo lo dejo
Castellano Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 16:00 45 min
En2do Prod.
ETHER
Testurik gabe / Sin Texto Tabakalera, Patioa 17:30 60 min
Collectif a.a.O
KITTO, nik utziko dut
Euskara Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa 19:00 45 min
En2do Prod.
LA MIRADA DEL OTRO
Castellano Antzoki Zaharra – Teatro Principal 19:00 75 min
Proyecto 43-2
AIRE
Castellano Victoria Eugenia Antzokia 20:30 60 min
Bovoj
EL CANTA , YO CUENTO
Freddy Ginebra, Víctor Víctor Musika / Música Espacio 2016 Gunea 22:00 -
Juan Francisco Ordoñez
PROGRAMAK / PROGRAMAS
Feriaren historian zehar, zenbait programa edota plata-
forma bultzatu edo aurkeztu izan dira. dFERIAren XXII.
edizio honetan, hiru, hain zuzen ere:
Akitania-Euskadi leihoa
Iazko edizioaren arrakastaren ondoren, Baionako Scène
Nationale-ko lagunekin partekatzen dugun eta ESZENA
T deritzon programari esker, leiho hau irekitzeko aukera
sortu zen iaz.
Akitaniako OARAk (hemengo SAREA Antzokien Euskal
Sarearen baliokideak) dFERIArekin trukea egiteko konpro-
misoa hartu du. Truke horren bidez, OARAk Akitaniako bi
ikuskizun finantzatuko ditu (THEATRE DU RIVAGE eta LE
COLLECTIF a.a.O). dFERIAk, berriz, bere sareko progra-
matzaile batzuk gonbidatuko ditu bilera batera eta feria
goitik behera ezagutzera, hau da, programazioa ez ezik, le-
hen kontaktu batzuk izatera gure arteko harremanak gehia-
go estutzeko eta etorkizunean proiektu gehiago sortzeko
bidea emateko, denon mesedetan.
Iberoamerikar leihoa
“Iberescena”, iberoamerikar funtsaren laguntzari esker sor-
tutako leihoa, 2006an sortu zen, eta honako helburu hauek
ditu, besteak beste:
- Ikuskizun iberoamerikarren banaketa, zirkulazioa eta sus-
tapena bultzatzea.
- Iberoamerikako espazio eszenikoak eta jaialdiak bultza-
tzea, beren programazioetan eskualde osoko produkzioei
lehentasuna emateko.
- Arte Eszenikoekin zerikusia duten beste programa eta
instantzia batzuekiko lankidetza eta sinergiak sustatzea.
Aurten, dFERIA 2016n, zazpi ikuskizun izango ditugu, oso
desberdinak, zazpi herrialdetakoak; tartean, gurea.
Hona hemen hautaturiko proposamenak:
1- TEATRO DO BAIRRO, AR DE FILMES, “Quatro santos
em trés actos” lanarekin (Portugal).
2- CARRETERA 45 TEATRO AC, “Érase una vez... (oc ye
Nechca)” lanarekin (Mexiko).
3- LA MESTIZA, “Ñucanchik Antisuyu Riman (Habla nues-
tra selva)” lanarekin (Ecuador/Kolonbia)
4- VIAJEINMÓVIL, “Otelo” lanarekin (Txile).
5- “El canta yo cuento” AFARI – IKUSKIZUNA (Dominikar
Errepublika).
Leiho hau osatzeko, beste bi proposamen, hurbilagokoak,
baina nazioartera begirakoak betiere.
6- ERTZA Konpainia (egonaldian Núcleo Viladança-n, Brasi-
len), “Tirania das cores” lanarekin (Brasil/Euskadi).
7- KUKAI DANTZA - MARCOS MORAU / LA VERONAL,
“Oskara” lanarekin (Euskadi/Valentzia).
dFERIA DANTZAN leihoa
dFERIAko leihorik zaharrena da. Jaurlaritzak bultzatzen
eta finantzatzen duen “Dantza Bultzatuz” programari es-
ker, Donostiako feriak lau dantza-ikuskizun izango ditu
aurten ere, berriak, erakargarriak eta oso artista desber-
dinenak: Asier Zabaleta, Igor Calonge, Natalia Monje eta
Jon Maia.
Ekinbide hori orain dela urte batzuk sortu zen, Jaurlaritzak
sustatuta, dFERIAn euskal dantzaren plataforma bat bul-
tzatzeko eta konpainiek beren erakusleihoa izan zezaten
arte eszenikoen merkatura sartu ahal izateko, hala Euskal
Herrikoan nola nazioartekoan.
A lo largo de la historia de la feria, varios han sido los programas
y/o plataformas que se han impulsado o bien han tenido cabida
en la misma. En esta XXII edición de dFERIA, son tres:
Ventana Aquitania-Euskadi
Tras el éxito de la pasada edición y gracias al programa con-
junto denominado ESZENA T, que compartimos con nuestros
compañeros de la Escena Nacional de Baiona, surgió la posi-
bilidad de abrir esta ventana el año pasado.
La OARA en Aquitania (equivalente a la SAREA de aquí, Red
Vasca de Teatros), ha adquirido el compromiso de realizar
un intercambio con dFERIA, intercambio en el que la OARA
financia 2 espectáculos de Aquitania, (THEATRE DU RIVAGE
y LE COLLECTIF a.a.O). dFERIA por su parte, invita a varios
programadores de su red a un encuentro y a conocer la feria
en toda su extensión, es decir, no sólo la programación, sino
que puedan realizarse los primeros contactos para incremen-
tar las relaciones entre nosotros y puedan surgir nuevos pro-
yectos de futuro, beneficiosos para todos.
Ventana Iberoamericana
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
Ventana impulsada gracias a la ayuda del fondo iberoame-
ricano “Iberescena” creado en 2006, cuyos objetivos entre
otros muchos, son:
- Fomentar la distribución, circulación y promoción de es-
pectáculos iberoamericanos.
- Apoyar a los espacios escénicos y a los festivales de Ibero-
américa para que prioricen en sus programaciones las pro-
ducciones de la región.
- Promover la colaboración y sinergias con otros programas
e instancias relacionados con las Artes Escénicas...
Este año en dFERIA 2016, vamos a poder disfrutar de 7 es-
pectáculos muy diversos de diferentes países, incluido el
nuestro.
Las propuestas seleccionadas son las siguientes:
1- TEATRO DO BAIRRO, AR DE FILMES con “Quatro santos
em trés actos” (Portugal).
2- CARRETERA 45 TEATRO AC con “Érase una vez... (oc ye
Nechca)” (México).
3- LA MESTIZA con “Ñucanchik Antisuyu Riman (Habla
nuestra selva)” (Ecuador/Colombia).
4- VIAJEINMÓVIL con “Otelo” (Chile).
5- “El canta yo cuento” CENA - ESPECTÁCULO (República
Dominicana).
Esta ventana la completan 2 propuestas más cercanas, pero
con proyección internacional.
6- CÍA ERTZA (en Residencia en Núcleo Viladança, Brasil)
con “Tirania das cores” (Brasil/Euskadi).
7- KUKAI DANTZA - MARCOS MORAU / LA VERONAL con
“Oskara” (Euskadi/Valencia).
Ventana dFERIA DANTZAN
Es la ventana más antigua de dFERIA. Gracias al programa
“Dantza Bultzatuz” impulsado y financiado por el Gobierno
Vasco, la feria de San Sebastián un año más, vuelve a contar
con 4 espectáculos de danza novedosos, atractivos y de ar-
tístas muy diferentes entre sí: Asier Zabaleta, Igor Calonge,
Natalia Monje y Jon Maia.
Es una iniciativa que surgió hace unos años promovida por
el Gobierno Vasco, para impulsar una plataforma de danza
vasca en dFERIA y que las compañías, pudieran tener un es-
caparate propicio, para su integración en el mercado de las
artes escénicas, tanto vasco, estatal como internacional.
5
 MARTXOA 07 08 09 10 MARZO

AMARGA DULCE
Paula Quintana Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Intxaurrondo K.E. | 12:30
Dantza / Danza [ 50 min ] Castellano

Dultzinea Tobosokoaren pertsonaian oinarritutako ikuskizuna; hark

Don Kijote Mantxakoaren balentrien bultzagile gisa jokatutako rolean.
Zoroa zuhur, eta zuhurra zoro… Zer gertatu zitzaion emakume hari?
Nola dirau bizirik ahanzturan? Non dira zaldun ibiltariak? Cervantesen
testuetan, dantzan eta musikan oinarrituta, bidaia emozionala eskaint-
zen zaigu, heroitasunetik bazterketara eta alderantziz, historiakoa de-
nari gaur egungo izaera garaikidetik ekinez. (...)
Poetek eta artistek fikzioak sortzen badituzte, gizakiak eskubidea du
hori bera egiteko bere bizitzan; alegia, artea baldin bada gizakiaren
obra, bizitza bera ere, eguneroko egintzak ere, gizakiaren obra dira
edo izan behar lukete.

Espectáculo basado en la figura de Dulcinea del Toboso y su papel

como impulsora de las hazañas de Don Quijote de La Mancha. Cuer- ©Guillermo Casas
do el loco y loco el cuerdo… ¿qué fue de ella? ¿cómo sobrevive en el
olvido? ¿dónde están los caballeros andantes? A través de los textos
ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Paula Quintana ZUZENDARI LAGUNTZAI-
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

de Cervantes, la danza y la música, se establece un viaje emocional
de la heroicidad al abandono y viceversa, abordando lo histórico des-
de un modo de ser y sentir actual y contemporáneo. (...)
Si los poetas y artistas crean sus ficciones, el hombre tiene derecho
a hacer lo mismo en su vida propia; es decir, que si el arte es la obra
del hombre, la vida misma, los hechos diarios, son o deberían ser
también, obra del hombre.
LEA / AYTE.DIRECCIÓN: Carlos Pedrós DRAMATURGIA: Carlos Pedrós,
Miguel de Cervantesen testuan oinarritua / Carlos Pedrós a partir del texto
de Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes JATORRIZKO MU-
SIKA / MÚSICA ORIGINAL: Juan Antonio Simarro KOREOGRAFIA ETA
ANTZEZPENA / COREOGRAFÍA e INTERPRETACIÓN: Paula Quintana
ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Grace Morales JANTZIAK / VESTUARIO:
Raquel Rodríguez, Camaleoni-k DISEINU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO:
Laura Ortega

TIRANIA DAS CORES

Cía. Ertza Konpainia
(Brasilgo Nucleo Viladançaren egonaldian / Residencia en Nucleo Viladança, Brasil)
Gazteszena (Egia K.E.) | 16:00 Estreinaldia Europan / Estreno en Europa
Dantza / Danza [ 60 min ] Castellano

Tirania das Cores bidaia kromatiko dantzatua da. Bidaia horretan, agerian
geratzen da koloreek gure bizitzan duten eta beti izan duten eragina. Kolo-
reek batzeko balio izan dute sarri, baina baita zatitzeko eta gorrotoa zabal-
tzeko ere, beste askotan. Koloreak beste pertsona batzuk manipulatzeko,
iraintzeko edo are hiltzeko ere erabili izan dira. Koloreak erabiltzen dira au-
zokoengandik bereizten gaituzten banderak margotzeko. Koloreak jainkotu
edo deabrutu egiten dira, hala nola zuria edo beltza.

Tirania das Cores es un viaje cromático danzado. Un viaje en el que se pone

de manifiesto la influencia que los colores tienen y han tenido siempre en
nuestras vidas. Colores que muchas veces han servido para unir pero mu-
chas otras para dividir y sembrar odio. Colores que se han usado para ma-
nipular, insultar, o incluso matar a otras personas. Colores con los que se
pintan las banderas que nos diferencian de nuestros vecinos. Colores que se
divinizan o se satanizan como el blanco y el negro. © Luca Castro

ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Asier Zabaleta DANTZARIAK / INTÉRPRETES: Ariel Oliveira, Carolina Miranda, Flávia Rodrigues, Guilherme Silva, Rafael
Alexandre BIDEOA / VÍDEO: Rafael Grilo ARGITERIAREN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Marcos Dedê ARGIEN TEKNIKOA / TÉCNICO DE LUCES:
Jaime Gonzalez JANTZIAK / VESTUARIO: Colectivo JANTZIGINTZA / CONFECCIÓN DE VESTUARIO: Carolina Miranda MUSIKA / MÚSICA: Mark DwInell,
Carrageenan, Lee Rosevere, Hank Hobson, CXLVIII, Circus Marcus, -ono-, Jose Ph Kony, There AUDIO EDIZIOA / EDICIÓN DE AUDIO: Caio Terra TESTUA
/ TEXTO: Ariel Ribeiro, Carolina Miranda, Flávia Rodrigues, Guilherme Silva, Rafael Alexandre, Asier Zabaleta.

6
 MARTXOA 07 08 09 10 MARZO

PIM PAM FUERA!

En2do Prod.- Karra Elejalde Estreinaldia / Estreno
Victoria Eugenia Club | 17:15 / 19:00
Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano

Espainiako kartzela zahar bat. Bi ziega bata bestearen ondoan. Lau emakumek, denak
ere 35 eta 50 urte artekoak, oso modu desberdinetan betetzen dituzte zigorrak. Pim,
pam, fuera! bizirik irautea lortu duten horien historia da. Askatasuna galdu dute, beren
grina gaiztoengatik, pobrezia handienagatik, askonahi neurrigabeagatik edo Mozal Lege
eman berriagatik. Pim, pam, fuera! gure herrialdearen erretratu garratza da. Gaur egun-
go gizartearen argazki anker eta jostaria, Espainiako kartzela bateko barratzarren artetik
egina. Ondo pasa, negar pixka bat eta barre asko egin dezazuela.

Una vieja cárcel española. Dos celdas contiguas. Cuatro mujeres de entre 35 y 50
años cumplen sus condenas de forma muy diferente. Pim, pam, fuera! es la historia
de estas supervivientes que han perdido la libertad víctimas de sus bajas pasiones,
de la pobreza extrema, de su ambición desmedida o de la reciente Ley Mordaza. Pim,
pam, fuera! es un retrato mordaz de nuestro país. Una cruel y divertida instantánea de
la sociedad actual vislumbrada a través de los barrotes de una cárcel española. Que
ustedes lo pasen bien, lloren poco y rían mucho.

XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
TESTUA / TEXTO: Carlos Zabala ANTZEZLEAK / REPARTO: Ane Gabarain, Vito Rogado, Amagoia Lauzirika, Amaia Lizarralde ARGIZTAPENA / ILUMINA-
CIÓN: Iñigo Letamendia JANTZIAK ETA ESZENOGRAFIA / VESTUARIO y ESZENOGRAFIA: Luis M. del Olmo GRABAZIOA eta SOINU MUNTAIA / GRA-
BACION Y MONTAJE DE SONIDO: Jose Luis Rubio, REC estudio DISEINU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO: Javi Alonso MUNTAIA TEKNIKOA / MONTAJE
TÉCNICO: Eragin GESTORIA / GESTORIA: Fiskade PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: Eneko Olasagasti ESPAZIO ESZENIKOA eta ZUZENDARITZA / ESPA-
CIO ESCÉNICO y DIRECCIÓN: Carlos Zabala

EROSKI PARAISO
Chévere Estreinaldia / Estreno
Antzoki Zaharra / Teatro Principal | 18:45
Antzerkia / Teatro [ 90 min ] Castellano / Galego Azpitituluak / Subtítulos: euskara, castellano

Chévere konpainiaren lehen produkzioa Primera producción de la compañía

Antzerki Sari Nazionala irabazi eta gero.
Ongizatearen Estatuak agindutako Pa-
radisu sozialaren gainean eraikitako
obra bat… Ongizatearen Estatua lur
jotzen hasita dagoen honetan. Agindu-
tako paradisua hipermerkatu handi bat
izan zen; han, kontsumitzaile pasibo eta
zoriontsuak bagina bezala jardun be-
har dugu, interes eta guzti ordaintzeko
etorkizun hobe baten promesa onartu
izana. Komedia sozial bat, klase ertain
mugagabe eta anonimo horretako fami-
lia baten bizitzan eta erabakietan sar-
tzen dena, itxaropen-izpi bat aurkitzeko
dauden aukerak arakatzeko.
Chévere después de recibir el Premio
Nacional de Teatro. Una obra construi-
da sobre la promesa de un paraíso so-
cial hecha por un Estado de Bienestar
que ahora se desmorona. El paraíso
prometido era en realidad un gran hi-
permercado en el que debemos actuar
como consumidores pasivos y felices
para devolver con intereses el hecho de
haber aceptado la promesa de un futuro
mejor. Una comedia social que entra en
la vida y las decisiones de una familia
de esa inmensa y anónima clase media,
para explorar las posibilidades de en-
contrar un rastro de esperanza. ©Matteo Bertolino

ANTZEZLEAK / REPARTO: Patricia de Lorenzo, Miguel de Lira, Cristina Iglesias eta bertako komunitateko kide baten laguntzarekin. Con la colaboración especial de
un miembro de la comunidad local DRAMATURGIA eta ZUZENDARITZA / DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: Xron TESTUGINTZA / ESCRITURA: Manuel Cortés / ESZE-
NOGRAFIA eta JANTZIAK / ESCENOGRAFIA y VESTUARIO: Chévere ARGIZTAPENAREN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Fidel Vázquez SOINU ESPAZIOA /
ESPACIO SONORO: Xacobe Martínez Antelo ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Arantza Villar ARGAZKIAK / FOTOGRAFÍA: Matteo Bertolino
PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: Inés Portela PRODUKZIO EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Patricia de Lorenzo BANATZAILEA / DISTRIBUCIÓN: CRÉMILO

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QUATRO SANTOS EM TRÊS ACTOS

Teatro do Bairro, Ar de filmes Estreinaldia Estatuan / Estreno en el Estado
Victoria Eugenia Antzokia | 20:30
Antzerki koreografikoa / Teatro coreográfico [ 100 min ] Portugués Azpitituluak / Subtítulos: euskara, castellano

Quatro santos em três actos Virgil Thompson-ek 1927an Gertrude

Stein-en libreto baten gainean konposatutako opera bat da. Hogei bat
santu biltzen ditu, errealak zein irudimenezkoak, Avilako San Teresa
eta Loiolako San Inazio tartean eta gutxienez lau ekitaldi eta preludio
bat. Opera hau, aktoreek jokatu bitartean adituko dena, izan da oinarri
elkarrizketa dramaturgiko eta koreografiko bat eraikitzeko eta soinua
diseinatzeko. Testua bi hizkuntzatan berridatzi da jatorrizkotik abiatu-
ta; batzuetan, operan gertatzen dena itzultzen du, eta beste batzuetan
ekintza eta testu jatorrizkoak birsortzen eta parodiatzen ditu oharren
bidez, ahotsen interakzioaren, soinu-distortsioen eta jokatzeko era
berri baten bidez.

Quatro santos em três actos es una ópera compuesta en 1927 por

Virgil Thompson, con libreto de Gertrude Stein. Incluye alrededor de
veinte santos, reales e imaginarios, Santa Teresa de Ávila y San Igna-
cio de Loyola entre ellos, y al menos cuatro actos y un preludio. Esta
LIBRETOA / LIBRETO: Gertrude Stein MUSIKA / MÚSIC: Virgil Thompson
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

ópera, que será escuchada como música de fondo durante la actua-
ción, ha sido la base para la construcción de un diálogo dramatúrgico
y coreográfico y del diseño del sonido. El texto ha sido reescrito en
dos idiomas a partir del texto original; a veces traduce lo que ocurre
en la obra operística, y otras veces recrea o parodia la acción y el
texto original mediante acotaciones, interacción de voces, distorsión
del sonido y el nuevo modo de actuación.
ITZULPENA eta DRAMATURGIA / TRADUCCIÓN y DRAMATURGIA: Luísa
Costa Gomes ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: António Pires AKTOREAK /
REPARTO: Francisco Tavares, Leonor Keil, Pedro Sousa, Solange Santos,
Tiago Careto ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: João Mendes Ribeiro
JANTZIEN DISEINUA / DISEÑO DE VESTUARIO:Luís Mesquita PRODUKZIO
ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: Manecos Vila-Nova
KOPRODUKZIOA / COPRODUCCIÓN: Act – School PRODUKZIOA / PRO-
DUCCIÓN: Ar de Filmes / Teatro do Bairro

WELCOME TO THE MONTGOMERY EXPERIENCE!

Montgomery Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Tabakalera, Patioa | 23:30
Dantza / Danza [ 48 min ]

Ongi etorri jai guztiz fin honetara.

Energia eta erritmo handiz, giro onez osatutako dantza- eta musika-esperien-
tzia bat, partez 50 eta 60ko hamarkaden estetikan inspiratua, eta benetako
dantza-kontzertu bat bihurtu dena. Miguel Marin musikariak asmatua, Teresa
Navarrete eta María M. Cabeza de Vaca koreografoen laguntzaz, Welcome to
the Montgomery Experience! 2015eko abenduaren 4an estreinatu zen, Sevi-
llako Teatro Centralen.

Bienvenidos a una fiesta muy exquisita.

Una experiencia dancística y musical dibujada por lotes de energía, ritmo y
buen ambiente, que encuentra parte de su inspiración en la estética de los
50 y 60 y cristaliza en un auténtico concierto bailado. Ideada por el músico
Miguel Marín con la colaboración de las coreógrafas Teresa Navarrete y María
M. Cabeza de Vaca, Welcome to the Montgomery Experience! se estrenó el 4
de diciembre de 2015 en el Teatro Central de Sevilla.

JATORRIZKO IDEIA eta ZUZENDARITZA / IDEA ORIGINAL Y DIRECCIÓN: Miguel Marín KOZUZENDARI ESZENIKOA / CO-DIRECCIÓN ESCÉNICA: Teresa
Navarrete, María M. Cabeza de Vaca MUSIKA KONPOSIZIOA, SOINU ESPAZIOA eta ZUZENEKOA / COMPOSICIÓN MUSICAL, ESPACIO SONORO y
DIRECTO: Montgomery (Amanda Palma: bateria eta koruak / batería y coros; Miriam Blanch: baxua eta koruak / bajo y coros; Jesús Bascón: gitarra eta
teklatuak / guitarra y teclados; Bjort Runarsdottir: biolontxeloa / violonchelo; Gustavo A. Domínguez Ojalvo: saxoa eta klarinetea / saxo y clarinete; Miguel
Marín: ahotsa, perkusioa, teklatuak / voz, percusión y teclados)

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JOKOZ KANPO
FUERA DE JUEGO
Borobil Teatroa
Imanol Larzabal (Lugaritz) | 7; EUS: 20:30 8; CAS: 10:00
Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano / Euskara Azpitituluak / subtítulos: français, english

“Futbola haundia da, miresgarria. Futbolari esker ikasten dugu
talde lana zeinen garrantzitsua den, ausardia eta umildadearen
arteko orekaz, galtzen nola ikasi...”. Ikaragarria ze pasio pizten
dituen, eta aldi berean ze frustazio sortzen duen. Futbolak mi-
laka pertsona aldi berean hunki edo hondora daitezen lortzen
du. Itxuraz normala, orekatua eta lasaia den pertsona segundo
batzuetan basati bihurtzea ahalbidetzen du. Manuk eta Martinek
aspalditik ezagutzen dute elkar. Manuk eta Martinek finala dute
begien bistan. Eta finala irabazi egin nahi dute. Garaipena dute
nor direla frogatzeko modu bakarra, bizitzan jokoz kanpo ez dau-
dela erakusteko aukera bakarra.
“El fútbol es grande, maravilloso, admirable. Gracias al fútbol,
aprendemos lo importante que es el trabajo en equipo, el equi-
librio entre valentía y humildad, a saber ganar y perder…”. Es
increíble qué pasiones despierta y qué frustraciones al mismo
tiempo. El fútbol consigue que miles de personas se emocionen o
se hundan al mismo tiempo. Nos permite cambiar constantemen-
te de opinión y provoca que una persona aparentemente normal,
equilibrada y tranquila se vuelva un ser salvaje en pocos segun-
dos… Manu y Martin se conocen desde hace tiempo. Han llegado
a la final y lo único que desean es ganarla. La victoria es lo único
que tienen para demostrar quienes son, demostrar que en la vida
no están fuera de juego.

XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

EGILEAK / AUTORES: Mikel Pagadizabal, Nagore Aranburu, Anartz Zuazua AKTOREAK / REPARTO: Joseba Apaolaza, Asier Hormaza, Asier Sota MUSIKA
/ MÚSICA: Ignacio Pérez Marin VESTUARIO / JANTZIAK: Nagore Dendariarena ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Josean Pérez, Iñaki Iriondo ARGITE-
RIAREN DISEINUA / DISEÑO ILUMINACION: Carlos Salaberri ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Anartz Zuazua

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TAXIDERMIA DE UN GORRIÓN
L’ Atelier & Kulunka Teatro Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Intxaurrondo K.E. | 11:30
Antzerkia / Teatro [ 80 min ] Castellano

Fikziozko topaketa bat, Camile Schultz animaliak fotografiatzen espezializatu-

tako erreportariaren eta Edith Piaf diva handiaren artean. Elkarrizketa eztabai-
daz beteriko hori azterketa xehe bihurtuko da mitoen jatorriaz, mitoen izaeraz,
mitoetan sinesteko eta mitoak sortzeko beharraz. Bidaia emozional bat, izar
baten, jainkosa baten –buztinezko oinak dituen jainkosa baten– sorrera eta
gainbehera ekarri duten gertaeretan barrena. Kulunka Teatrok Ozkar Galán
dramaturgoaren testu baten eszenaratzea ekoitzi du L’Atélier-ekin batera.

Taxidermia de un Gorrión narra el encuentro ficticio entre Camile Schultz, una

reportera especializada en fotografiar animales, y una gran diva, Edith Piaf.
Una controvertida entrevista que se convertirá en una auténtica disección
acerca del origen, la naturaleza y la necesidad de creer y crear Mitos. Un viaje
emocional a través de los acontecimientos que han propiciado el nacimiento
y ocaso de una estrella, de una Diosa, aunque sea con pies de barro.
Kulunka Teatro produce con L´Atelier la puesta en escena del texto del dra-
maturgo Ozkar Galán.
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

AKTOREAK / REPARTO: Lola Casamayor, Garbiñe Insausti y Alberto Huici DRAMATURGIA / DRAMATURGIA: Ozkar Galán ESZENOGRAFIA ETA JANTZIAK / ES-
CENOGRAFÍA Y VESTUARIO: Ikerne Giménez ARGITERIAREN DISEINUA / DISEÑO DE LUCES: The Blue Stage Family PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: L´atelier
– Kulunka Teatro BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Proversus ZUZ.LAGUNTZAILEA / AYTE DIRECCIÓN: José Dault ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Fernando Soto

TORMENTA
Cielo Raso
Gazteszena (Egia) | 13:00
Dantza / Danza [ 50 min ]

Neurritasun gabeko energia, amorru-sua, txingar erreak eror-

tzen ari zaizkigu zerutik, eta loreontziak bezala ureztatzen gaituzten
ur-laztan, ontasun huts bihurtzen dira gure buruak ukitzean. Ba-
samortuan galduta, zerutik erortzen denaren egarri. Gora begiratu
eta ezin iritsi. Ezin gara gure begien aurrean dugun amaigabeta-
sunera iritsi, hitzak berak etsiarazi egiten du, zure gorputzaren larrua
bera, urez betea eta lastatua gogorarazten dizu, eta ez dizu uzten
jauzi egiten, hurrengo ekaitza iragartzen duten hodeiez betetzen den
zerua ukitzen.

Del cielo cae energía desatada, cólera encendida, ascuas infla-

madas que al tocar nuestras cabezas se convierten en caricias de
agua, puras bondades, que nos riegan como macetas. Perdidos en
el desierto, sedientos de todo lo que cae del cielo. Mirar hacia arriba
y no poder llegar. No conseguimos alcanzar la infinitud que ante
nuestros ojos se exhibe, la misma palabra desespera. No hay paz
en nuestro espacio construido, y la naturaleza se mantiene, obsti-
nada, potente, implacable. © Gabriel F.

DANTZARIAK / INTÉRPRETES: Marti Güell, Igor Calonge, Leire Otamendi. ZUZ. LAGUNTZAILEA / AYUDANTÍA DE DIRECCIÓN: Gabriel F. ARGITERIAREN
DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Pedro Fresneda ARGIZTATZAILEA BIRAN / ILUMINADORA EN GIRA: Cristina Libertad Bolivar ZUZENDARITZA /
DIRECCIÓN: Igor Calonge PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: Beatriz Churruca LAGUNTZAILE / COLABORA: Teatro Ensalle, DSS 2016 Mugalariak, Donostia
Kultura C.C. Egia K.E. (Gazteszena), Dantzagunea (GFA / DFG) Eusko Jaurlaritzak diruz lagunduta / Subvenciona, Gobierno Vasco KOPRODUKZIOA / CO-
PRODUCE: BAD Bilbao 2015

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À LA RENVERSE
Karin Serres - Théâtre Du Rivage Estreinaldia Estatuan / Estreno en el Estado
Tabakalera Patioa | 17:30
Dantza / Danza [ 70 min ] Francés Azpitituluak / Subtítulos: euskara, castellano

Sabrina eta Gabriel bi gazte frantses dira, elkar txikitatik ezagutzen dute-
nak. Neska Bretainian bizi da, eta mutila ekialdean. Udan eta otsailean,
urtero, inauteriak direla eta, Gabriel Sabrina ikustera joan ohi da itsaser-
tzera, hots, dena posible den leku hartara. Neskak ihesa du amets; muti-
lak, neska berriz han aurkitzea.
Zergatik egiten dute topo beti banku urdin horretan, itsasoaren aurrean?
Bizitza oso bat, gertaeraz betea, patuak alderantzikatzen, dei indartsuei
aurre egin ezinik, denbora aurrera doalarik alde guztietarantz.
Obra bikaina, bi aktore gazteren eskutik.

Sardine y Gabriel son dos jóvenes franceses que se conocen desde pe-
queños. Ella vive en la Bretaña, y él al este. Cada verano y cada mes de
febrero, coincidiendo con los carnavales, Gabriel viaja para reencontrase
con Sabrina al borde del mar, allí donde todo es posible. Ella sueña con
huir, él con reencontrarla.
¿Por qué se encuentran siempre en ese banco azul, frente al Océano?.
Una obra magnífica de la mano de dos jóvenes actores.

XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
DANTZARIAK / INTÉRPRETES: Mathilde Panis (Sardine), Carol Cadilhac (Gabriel) TEKNIKARIAK / TÉCNIC@S: Peggy Marcatel, Kevin Grin, Cyril Babin
PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: Teatro du Rivage, Office Artistiquita de la Región Aquitania (OARA), Trés Tôt Teatro (Quimper), CCAS France, Consejo
departamental des Pyrenéos Atlánticos, Consejo Regional de Aquitania

DANTZARI
Jesús Herrera Estreinaldia / Estreno
Antzoki Zaharra / Teatro Principal | 19:00
Dantza / Danza [ 75 min ]

Ikuskizun honetan, artistak bat egin nahi
ditu euskal musika tradizionala eta fla-
menkoa. Jaioleku duen lurra eta artista
gisa hazi zeneko lurra.
Errespetu osoz batzen ditu bi kultura
desberdin, bi musika-estilo desberdin,
flamenkoko ikuskizuna sortzeko. Artis-
tak euskal dantzetan arakatu, eta bere
sentimendu flamenkora eramaten ditu.
Ikuskizun honetan, ikusiko dugu nola bi
kulturak bat egin dezaketen, elkar uler-
tu eta maita dezaketen. Ezaugarri horiek
guztiak agertuko dira maitasun-historia
polit, sentimenduz, indarrez eta talentuz
bete batean.
En este espectáculo el artista quiere fu-
sionar la música tradicional vasca con el
flamenco. La tierra que le vio nacer con la
tierra que le hizo crecer como artista. Dos
culturas diferentes, dos estilos de música
diferentes que las une con todo su respe-
to para crear un espectáculo flamenco.
El artista indaga en los bailes regionales
vascos y lo lleva a su sentir flamenco. Ve-
remos como dos culturas pueden unirse,
entenderse y quererse. Todos estos adje-
tivos se van a ver reflejados en una bonita
historia de amor lleno de sentimientos,
fuerza y talento.

ZUZENDARITZA eta KOREOGRAFIA / DIRECCIÓN y COREOGRAFíA: Jesus Herrera ZUZEN-

DARI LAGUNTZAILEA ETA KOREOGRAFIA / ASISTENTE DE DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA:
Lola Jaramillo MUSIKA ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN MUSICAL: J.Manuel Tudela y Jesus
Herrera ARTISTA GONBIDATUA / ARTISTA INVITADA: Lola Jaramillo GITARRA / GUITARRA:
J.Manuel Tudela KANTUA / CANTE: Cristina Tovar y Rosario Amador PERKUSIOA / PERCU-
SIÓN: Raul Botella BIOLINA / VIOLÍN: David Moñiz ARGIZTAPEN DISEINUA eta TEKNIKARIA
/ TÉCNICO y DISEÑO ILUMINACIÓN: Oscar Gomez SOINU TEKNIKARIA / TÉCNICO DE SO-
NIDO: Pepe Carnacea JANTZIEN DISEINUA / DISEÑO DE VESTUARIO: Lopez de Santos

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LLOPIS
La Teta Calva Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Espacio 2016 Gunea
20:30 / 22:45 (akreditatuentzat / para acreditadas-os)
Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano

Zergatik belarriratzen zaigu hobeto Ala-
bama Araba baino? Zergatik? Llopis
oso amerikar sentitzen da. Iparrame-
rikar. Onenetarikoa. Hanburgesak jaten
ditu. Hanburgesak pertsonak bezala
gustatzen zaizkio, gutxi eginak. Llopisek
besteen bizitza bizi du. Edo beste bat
izanez bizi du berea. Zineak, amerikar
amets ustelak eta haurtzarotik zaborra
irensteak bihurtu dute Llopis kale-kan-
toietako izaki, arnasa ahal bezala har-
tzen duena, hutsaren peskizan dabile-
na, arruntak direnen pila arrunt horren
gainera igotzen dena. Pertsonaia bakar-
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
¿Por qué nos suena mejor Alabama que
Álava? ¿Por qué? Llopis se siente muy
americano. Americano del norte. De
los buenos. Come hamburguesas. Le
gustan las hamburguesas al igual que
las personas, poco hechas. Llopis vive
la vida de otros. O vive la suya siendo
otro. El cine, la publicidad, el falso sue-
ño americano y el tragar basura desde
la infancia han convertido a Llopis en
un ser que dobla esquinas, que respi-
ra como puede, que late al compás del
vacío, que trepa en ese montón de los
que son del montón. Un personaje ais-

TESTUA, ZUZENDARITZA, ANTZEZPENA, ESZENOGRA-

tu bat, hiri bakartuz eta bizitza bakartuz
inguratua. Planeta honetatik alde egitea
amesten duen norbait, orain iragaitzaz
baita bertan. Llopis valentziar gizotso
bat da. Ilargi enigmatiko bat, likantropo-
kutsuko abizen bat. Llopis norbait izan
nahi zuen baten historia da.
lado rodeado de ciudades aisladas, de
vidas aisladas. Alguien que sueña con
dejar este planeta en el que ahora está
de paso. Llopis es el hombre lobo va-
lenciano. Una luna enigmática y un ape-
llido de tintes licántropos. Llopis es la
historia de uno que quiso ser alguien.
FIA eta ARGIZTAPENA / TEXTO, DIRECCIÓN, ACTOR,
ESCENOGRAFÍA e ILUMINACIÓN: Xavo Giménez SOINU
DISEINUA / DISEÑO SONORO: Lukas Lemann ARGAZ-
KIAK eta KOMUNIKABIDEAK / FOTOGRAFÍA y PRENSA:
Iaia Cárdenas ILUSTRAZIOA / ILUSTRACIÓN: Julia Valencia
PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: La Teta Calva BANAKETA
/ DISTRIBUCIÓN: a+ Soluciones Culturales

OVARIOS VERDES FRITOS

Detritus Teatrus
2016 Gunea / Espacio 2016 | 24:00
Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano

Mastur Batetu Candida doktorea La doctora Mastur Batetu Cándida,

identitate galera eta gernu isurietan
aditua da eta Txumino Power Revolu-
tion programa jarri du martxan; horren
arabera, buru-sabai kementsua berre-
raiki daiteke pelbisaren zoru indartsu
bat oinarri izanda...
experta en pérdidas de identidad y de
orina, pone en práctica su programa
Txumino Power Revolution partiendo
de la base de que sobre un poderoso
suelo pélvico se puede reconstruir un
enérgico techo mental...

AKTOREA / ACTRIZ: Belen Nevado TESTUA / TEXTO: Belen Nevado ZUZENDARITZA /

DIRECTORA: Belen Nevado ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / ASISTENTE DE DIRECCIÓN:
Javi Huete SOINU TEKNIKARIA / TÉCNICO DE SONIDO: Javi Huete ARGIEN TEKNIKARIA
/ TÉCNICO DE ILUMINACIÓN: Javi Huete

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OSKARA
Kukai Dantza – Marcos Morau / La Veronal
Victoria Eugenia Antzokia | 20:30
Dantza / Danza [ 60 min ] Euskara Azpitituluak / Subtítulos: français, english

XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

Oskarak bi unibertso koreografiko ezberdin batzen ditu, bi begirada
ezberdin: Euskal Herriko kultura tradizionalean du oinarria eta sorme-
nerako abiapuntua; eta, era berean, gaur egungo abangoardiazko ar-
tisten ikuspegitik sortutako artelana izango da. Instalazio moduko lan
bat da, zeinak euskal kulturaren eta mitoen hainbat ataletatik igaro-
tzen den, bere jatorritik aro garaikidera, eta indar bikoitz eta harri-
duraz beteriko sinbolo eta ikonografien ibilbide plastiko zein emo-
zionala marrazten duten. Modu absolutuenean, bere baitan giza es-
perientziaren historia gordetzen du. Kodigo dramatikoa abstrakzio
sakona duen, ia bortxazko, lengoai batean artikulatutako ikuskizun
baterantz doa. Soilik konposizioen ordenak eman ahalko dio esanahi
sentsorial bat.
Oskara aúna dos universos coreográficos diferentes, dos miradas di-
versas: se basa en la cultura vasca tradicional como punto de partida
para la creación; al mismo tiempo, se trata de una obra creada des-
de la perspectiva de artistas de vanguardia contemporáneos. Es una
especie de instalación que recorre diversos aspectos de la cultura
vasca y sus mitos desde su origen hasta la época contemporánea,
dibujando un recorrido plástico y emocional a través de símbolos e
iconografías plenos de fuerza y de encanto. Encierra en sí la expe-
riencia humana de la manera más absoluta. El código dramático tiene
por objeto un espectáculo articulado mediante un lenguaje de una
abstracción profunda, casi violenta. Únicamente el orden de las com-
posiciones le confiere un sentido sensorial.

PROIEKTUAREN ZUZENDARIA / DIRECTOR DEL PROYECTO: Jon Maya KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA: Marcos Morau - La Veronal DRAMATURGIA:
Pablo Gisbert - El Conde de Torrefiel PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN : Kukai Dantza Konpainia DANTZARIAK / BAILARINES: Alain Maya, Eneko Gil, Urko
Mitxelena, Ibon Huarte, eta Matxel Rodriguez ZUZENEKO ABESLARIA / CANTANTE EN DIRECTO: Erramun Martikorena

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UN BESO
MUXUA
Tanttaka Teatroa
Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa | 8; CAS: 16:00 EUS: 19:00
9; CAS: 16:00 EUS: 19:00
Antzerkia / Teatro [ 60 min ] Euskara / Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english

Lorenzok hamabost urte ditu, eta umezurztegia utzi eta abegi-familia
batekin bizitzera joan da, Italiako hiri txiki batera. Han, Antoniorekin
maiteminduko da. Antoniok sentimenduak adierazteko zailtasunak
ditu, eta ez daki nola erantzun Lorenzok erakutsitako afektuari. Elena,
berari falta zaion adorea ikasleei emateko gogotsu dagoen irakaslea,
horren testigu izango da. Hiru pertsonaia horiek dira maitasun. gorroto
eta indarkeriari buruzko obra bikain baten protagonistak. Eta erdian,
musu bat, eromena eragin dezakeen musu bakar eta sinple bat...
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
Lorenzo tiene quince años, y tras dejar el orfanato se ha ido a vivir
con una familia de acogida en una pequeña ciudad italiana. Allí se
enamorará de Antonio. Antonio tiene problemas para demostrar sus
sentimientos y no sabe cómo reaccionar al afecto demostrado por
Lorenzo. Elena, la profesora que ansía transmitir a sus alumnos el
valor que le falta a ella, será testigo de todo esto.
Estos tres personajes, son los protagonistas de una excelente historia
de amor, odio y violencia. Y en medio, un beso, un simple beso que
puede desencadenar la locura....

EGILEA / AUTOR: Ivan Cotroneo ZUZENDARIA / DIRECTOR : Fernando Bernués ITZULPENA / TRADUCCIÓN: Ritxi Lizartza ESZENOGRAFIA / ESCENO-
GRAFÍA: Fernando Bernués, Edi Naudo ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Xabier Lozano JANTZIAK / VESTUARIO: Ana Turrillas INTERPRETEAK / INTÉRPRE-
TES: Ander Iruretagoiena, Mireia Gabilondo, Haritz Morrás ZUZENDARITZA TEKNIKOA / DIRECCIÓN TÉCNICA: Edi Naudo ZUZENDARI LAGUNTZAILEA /
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Vito Rogado DISEINU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO:Javier Alonso EKOIZPEN EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA:
Koro Etxeberria

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ÉRASE UNA VEZ… (Oc ye Nechca)

Carretera 45 Teatro AC Estreinaldia Europan / Estreno en Europa
Imanol Larzabal (Lugaritz) | 10:00
Antzerkia / Teatro [ 70 min ] Castellano

Jaime Chabaud-en Érase una vez… o
esto ya lo está diciendo alguien? ez da
saiakera sozial bat gerraren edo emi-
grazioaren gaiari buruz. Ez da pasadizo
huts bat, ez du egitura fabulatua, ez
da dokumentu estatistikoa; batik bat,
antzerki-probokazio metalinguistikoa
da, muga bat hautsi eta beste bat sor-
tzen duena, hala nola leihoak, kanpokoa
ikusten uzten baitute, bai, baina ba-
rrukoa ahazten utzi gabe. Muga horre-
tara bide batetik iristen da; ez dakigu
zer bidetatik, baina erronka egiten digu
egunero, nola aurkitu eta nola bizi egun
bakoitza, segundo bakoitza, berria, bi-
Érase una vez… o esto ya lo está dicien-
do alguien? de Jaime Chabaud, no es un
ensayo social sobre el tema de la guerra
o de la emigración. No es anecdótico,
no presenta una estructura fabulada, no
es un documento estadístico, es sobre
todo, una provocación metalingüística
y teatral que en sí misma, rompe una
frontera para crear otra, como las ven-
tanas que dejan ver el afuera sin olvidar EGILEA / AUTOR: Jaime Chabaud ZUZENDARITZA / DI-
los adentros de las casas. Una frontera RECCIÓN: Marco Vieyra AKTOREAK / ELENCO: Margarita
Lozano, Christian Cortés, Leonardo Zamudio, Julian Perdo-
a la que se llega por un camino, no sa-
mo, Hasam Díaz, Antonio Zuñiga KONPAINIA / COMPAÑÍA:
bemos cuál, pero que nos planta cada CARRETERA 45 TEATRO AC KOPRODUKZIOA / CO-PRO-
día como reto, descubrir y vivir, cada DUCCIÓN: TEATRO UNAM, CARRETERA 45, TEATRO AC
día, cada segundo como nuevo, como

zia, erreala balitz bezala.
Bide hori zuekin batera aurkitzea espe-
ro dugu egunero, gogo onez partekatu
nahi dugu, baita begi argiz, zoliz, ernez
bada ere, untxi batenak diruditen be-
giez, basamortuaren erdian.
vivo, como real.
Esperamos descubrir todos los días
con ustedes este camino y lo deseamos
compartir de buena gana, aunque sea
con los ojos claros, avispados y alertas,
como los ojos de un conejo, en medio
del desierto.
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
ESCENOGRAFIA eta ARGIZTAPENA / ESCENOGRAFÍA E
ILUMINACIÓN: Philippe Amand JANTZIEN DISEINUA / DI-
SEÑO DE VESTUARIO: Mario Marín del río JATORRIZKO
MUSIKA eta ELEKTROAKUSTIKA / MÚSICA ORIGINAL y
ELECTROACÚSTICA: Iker Arce ZUZENDARITZA eta PRO-
DUKZIO LAGUNTZAILEAK / ASISTENTES DE DIRECCIÓN
Y PRODUCCIÓN: Enrique Flores, Irma Hermoso luna ESZE-
NAKO PINTURA / REALIZACIÓN DE PINTURA ESCÉNICA:
Paso de Gato

IRRINTZI
Organik Dantza - Antzerki Estreinaldia / Estreno
Intxaurrondo K.E. | 11:30
Dantza / Danza [ 65 min ]

IRRINTZI: oihu zorrotz, ozen eta luzea, arnasaldi baka-

rrekoa.

Hainbat eratan erabili izan da historian zehar, baina

irrintziaren komunikazio-ahalmena aukeratuko dugu,
alaitasun-adierazpen gisa jaurtitzen baita herri-jai eta
halakoetan. Bat-bateko oihua da, askatzailea, eta en-
patia eragiten du entzuleagan, emozionatu egiten du.
Bibrazioa aterako diogu, eta soinura eta gorputzera
eramango dugu.

IRRINTZI: grito estridente, sonoro y prolongado, de un

solo aliento.

Su uso ha tenido varias funciones a lo largo de la

historia, pero optamos por el poder comunicador del
irrintzi que se lanza como explosión de alegría en fies-
tas populares y otros eventos. Es un grito espontá-
neo y liberador que genera empatía en el oyente y le IDEIA / IDEA: Natalia Monge SORKUNTZA / CREACIÓN: Colectiva DANTZARIAK: Helena Golab,
emociona. Abstraemos su vibración y la exportamos al Natalia Monge MUSIKA KONPOSIZIOA / COMPOSICIÓN MUSICAL: Laurent Etxemendi JAN-
sonido y al cuerpo. TZIAK eta PRODUZKIOA / VESTUARIO y PRODUCCIÓN: Organik

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TERESA (ORA AL ALMA)

Losdedae Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Gazteszena (Egia) | 13:00
Dantza / Danza [ 90 min ]

Santa Teresa bere kontakizunen idazlea
eta protagonista da aldi berean: bizi,
sufritu, gainditu, eta azkenean kontatu
egiten ditu, bere-berea duen ahotsez,
idatzietan ageri diren abenturak. Mugi-
menduaren eta hitzaren bitartez, Santa
Teresa Jesusenaren unibertsoan sar-
tuko gara. Santaren fedearen pasioan
barrena bidaiatu, eta gorputzaren eta
espirituaren artean den lotura ikusteko
duen modua ulertu. Bitasun hori uler-
tzen saiatuko gara mugimenduen bidez,
eszenak marraztuz joango baitira, ikus-
kizun osozkoa eratu arte.
Santa Teresa es a la vez escritora y pro-
tagonista de sus propias narraciones:
vive, sufre, supera, y finalmente narra,
con una voz inconfundible, las aven-
turas que aparecen en sus escritos. A
través del movimiento y la palabra nos
adentraremos en el universo de Santa
Teresa de Jesús. Viajar a través de la
pasión de la fe de la Santa y entender
su manera de ver la relación entre cuer-
po y espíritu, dualidad que intentaremos
comprender a través de los movimien-
tos que como irán dibujando escenas
que conformarán un espectáculo total.

ZUZENDARITZA ARTISTIKOA eta KOREOGRAFIA / DIRECCIÓN ARTÍSTICA y COREOGRAFÍA: Chevi

Muraday ESZENA ZUZENDARITZA eta DRAMATURGIA / DIRECCIÓN ESCENA y DRAMATURGIA: Da-
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

vid Picazo ZUZ. LAGUNTZAILEA / ASISTENTE DIRECCIÓN: Manuela Barrero DANTZARIAK / INTÉR-
PRETES: Carmen Angulo, Manuela Barrero, Chevi Muraday, Verónica Ronda, Paloma Sainz-Ajá, Silvia
Marty MUSIKA ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN MUSICAL: Pablo Salinas JATORRIZKO MUSIKA / MÚ-
SICA ORIGINAL: Pablo Salinas y Mariano Marón JANTZIEN DISEINUA / DISEÑO DE VESTUARIO: Ana
López Cobos JOSKINTZA / SASTRERÍA: Marisa Maggi BIDEO DISEINUA / DISEÑO DE VÍDEO: Emilio
Valenzuela ESZENOGRAFIAREN DISEINUA eta ERAIKUNTZA / DISEÑO y CONSTRUCCIÓN ESCENO-
GRAFÍA: David Cubells GIROTZEA / AMBIENTACIÓN: Alessio Meloni ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN:
David Picazo ARGAZKIAK / FOTOGRAFÍA: Jacobo Medrano PRODUKZIO EXEKUTIBOA / PRODUC-
CIÓN EJECUTIVA: Amanda R. García PRODUKZIOA / PRODUCE: LOSDEDAE, Fundación V Centenario
del Nacimiento de Santa Teresa de Jesús

KASPAR HAUSER, EL HUÉRFANO DE EUROPA

La Phármaco Estreinaldia / Estreno
Tabakalera, Patioa | 17:30
Dantza / Danza [ 60 min ]

Kaspar Hauser 1828ko maiatzean agertu zen Nuremberg-eko pla-

zan. Ez zekien hitz egiten, eta ia ezin zen zutik egon. Ziega batean
giltzapetuta egona zen, ez zuen beste inor ikusi, eta ez zekien
ezertxo ere kanpoko munduaz.Kaspar Hauser, edo nola dantzatu
munduarekiko lehen elkartzea, 17 urtez itzalpean eta isiltasunean
bizi ondoren: mundua espero eta behar ez zuen norbaiten begiez
begiratu guztiari. Dantza garaikideko soloa; jatorrizko musika,
pianoz eta perkutsioz zuzenean jota.

Kaspar Hauser apareció en 1828 en una plaza de Nuremberg. No sabía

hablar ni había visto nunca a nadie. Apenas podía mantenerse en pie.
Había permanecido encerrado toda su vida en un calabozo.
Kaspar Hauser o cómo se baila el primer encuentro con el mundo des-
pués de 17 años de sombra y de silencio: mirarlo todo con los ojos de
quien no esperaba ni necesitaba el mundo. Bailar la naturaleza poética
y salvaje de lo humano.
Solo de danza contemporánea acompañado de música original inter-
© Javier Suárez
pretada en directo por piano y percusión.

EGILEA / AUTORA: Luz Arcas ANTZEZPENA / INTERPRETACIÓN: Luz Arcas KONPOSIZIOA eta MUSIKA INTERPRETAZIOA / COMPOSICIÓN e INTER-
PRETACIÓN MUSICAL: Carlos Gónzalez, pianoa KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA: Luz Arcas JANTZIAK / VESTUARIO: Herida de Gato ESZENOGRAFIA /
ESCENOGRAFÍA: Ana Montes de Miguel ARGITERIA / ILUMINACIÓN: Jorge Colomer ARGAZKIAK / FOTOGRAFÍA: Javier Suárez Gómez BIDEOA / VÍDEO:
Virginia Rota PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: La Phármaco PRODUKZIO ZUZENDARIA / DIRECTORA DE PRODUCCIÓN: Sofía Manrique ZUZENDARITZA
ARTISTIKOA eta DRAMATURGIA / DIRECCIÓN ARTÍSTICA y DRAMATURGIA : Luz Arcas, Abraham Gragera

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EL FLORIDO PÉNSIL “NIÑAS”

Tanttaka
Antzoki Zaharra / Teatro Principal | 19:00
Antzerkia / Teatro [ 105 min ] Castellano

Gerraondoko Espainiako hezkuntza sistemaren krudeltasun absurdu eta zentzuga-

bea jasaten duten bost neskatoren egunerokoa kontatzen du. Eskola gizartearen eta
horren ideologia menderatzailearen isla zen. Ideologia horrek Erdi Aroko patriarkatu-
rik sakonena berreskuratu eta azken ondorioetaraino ezartzea erabaki zuen. Emaku-
meak izan ziren ekintza moralizatzaile horren helburu; izan ere, ezkontzea eta etxeko
lanak egitea zen beren berezko bidea. Eta beren ibilbide profesionala, familia osatzea
eta seme-alabak edukitzea. Horretan bat zetozen ia guztiak, emakumeak zein gi-
zonak: maistra, apaiza, gurasoak, moralistak, kupletistak, eleberri arrosen idazleak,
gimnasia-irakasleak... Eszena guztietan ikusiko da, batzuetan argi, besteetan itzulin-
guru korapilatsuen bidez, bi emakume mota baino ez zeudela: zintzoak eta besteak.

Historia del día a día de 5 muchachas sometidas a la absurda e ilógica brutalidad del
sistema educativo que dominó la España de la postguerra. La escuela es el reflejo
de la sociedad y de su ideología dominante. Y esa ideología había decidido poner al
día el más profundo patriarcado medieval, y llevarlo a sus últimas consecuencias. La

mujer fue el principal objetivo de la empresa moralizadora pues resultaba que la mu-
jer estaba naturalmente destinada para el matrimonio y para las labores domésticas.
Su carrera profesional venía a ser formar una familia y tener prole. Y en eso se ponían
de acuerdo prácticamente tod@s: la maestra, el cura, los padres, los moralistas, las
cupletistas, las escritoras de novelas rosas, las profesoras de gimnasia... En todos
los escenarios de la acción se verá reflejada, a veces a las claras, a veces mediante
retorcidos rodeos, que sólo existían dos tipos de mujeres: las decentes y las otras.
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
EGILEA / AUTOR: Andrés Sopeña ZUZENDARITZA / DI-
RECCIÓN: Fernando Bernués, Mireia Gabilondo AKTO-
REAK / REPARTO: Loli Astoreka, Gurutze Beitia, Teresa
Calo, Elena Irureta, Itziar Lazkano EKOIZPENA / PRO-
DUCCIÓN: Tanttaka Teatroa

ÑUCANCHIK ANTISUYU RIMAN (Habla nuestra selva)

La Mestiza Estreinaldia Europan / Estreno en Europa
Espacio 2016 Gunea | 20:30 / 22:45 (akreditatuentzat / para acreditados)
Antzerkia / Teatro [ 70 min ] Castellano

Amazoniako oihana, epikoa eta amaiezina, bertako ipuin,

mito eta kantuen bidez uler daiteke. La Mestiza esperimen-
tazio eszenikorako proiektuak ekoitzitako eszenaratze bat da
ÑUCANCHIK ANTISUYU RIMAN. Willian Ospina idazlearen
El país de la canela liburuko zenbait zatitan oinarritua –non
Francisco Orellanak eta Gonzalo Pizarrok kanela irrikatuaren
bila egindako bidaia mitikoa kontatzen baita–, eta Ecuado-
rreko Napo probintzian bildutako soinu, ikus-entzunezko eta
ahozko oroitzapenetan.

La selva amazónica, épica e inabarcable se deja entender

desde sus cuentos, sus mitos y sus cantos. ÑUCANCHIK
ANTISUYU RIMAN es una puesta en escena producida por
el proyecto de experimentación escénica La Mestiza. Basada
en extractos del libro El País de la Canela del escritor William
Ospina, de aquel viaje mítico de Francisco de Orellana y Gon-
zalo Pizarro en búsqueda de la codiciada canela y la recopi-
lación sonora, audiovisual y de memoria oral en la provincia
del Napo - Ecuador.

ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN Franklin Martínez (Colombia) DRAMATURGIA, ZUZENEKO MUSIKA, BIDEOA eta AKTOREAK: / DRAMATURGIA, MUSIKA EN
DIRECTO, VÍDEO E INTERPRETACIÓN: Franklin Martínez (Colombia) Leonardo Santillán (Ecuador) PRODUKZIOA / REALIZACIÓN: “LA MESTIZA” Proyecto
de experimentación escénica. (Colombia / Ecuador)

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FOOT - BALL
Gelabert - Azzopardi Companyia
de Dansa
Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Victoria Eugenia Antzokia | 20:30
Dantza / Danza [ 60 min ]
Foot-ballek aukera ematen digu Gelabert Azzopardiren dantzariak
arian ikusteko, koreografikoki deskodetzen FC Barcelonaren jokal-
dirik onenak. Pasolinik zioenez, futbola hizkuntza bat da: jokalariek
zeinuak idazten dituzte beren gorputzaz, eta ikusleek zeinuok des-
zifratzen dituzte. Jokalari eta dantzarien mugimenduei begiratuz,
antzekotasun eta desberdintasunak ikus ditzakegu. Ikuskizun honen
izenburua osatzen duten hizkuntzak –ingelesa eta katalana– nahas-
teaz baliatzen da Cesc Gelabert koreografoa futbola eta dantza– hi-
bridatzeko.
Foot-ball es la ocasión de ver en juego a los bailarines de Gelabert
Azzopardi descodificando, coreográficamente, algunas de las me-
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
jores jugadas del FC Barcelona. Según Pasolini, el fútbol es un len-
guaje en el cual los jugadores escriben los signos con su cuerpo y
los espectadores los descifran. Observando los movimientos de fut-
bolistas y de bailarines, podemos percibir similitudes y diferencias.
La hibridación de lenguas –inglés y catalán- que forman el título de
este espectáculo sirve al coreógrafo Cesc Gelabert para presentar
de forma conjunta una hibridación del fútbol y la danza.
HEY BRO! HIPSTER SHOW
Fabiolo Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Espacio 2016 Gunea | 24:00
Antzerkia / Teatro [ 70 min ] Castellano
ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Alberto Castrillo-Ferrer DRAMATURGIA: Alberto
Gálvez ANTZEZLEA / INTÉRPRETE: Rafael Maza
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© Ros Ribas
ZUZENDARIAK / DIRECTOR y DIRECTORA: Cesc Gelabert, Lydia Azzopardi
IDEIA eta ZUZENDARITZA / IDEA y DIRECCIÓN: Cesc Gelabert KOREOGRA-
FIA / COREOGRAFÍA: Cesc Gelabert dantzarien laguntzarekin. Cesc Gelabert,
con la colaboración de los bailarin@s IKUS ENTZUNEZKOA / AUDIOVISUAL:
Jordi Morató, Cesc Gelabert JATORRIZKO MUSIKA / MUSICA ORIGINAL:
Borja Ramos JANTZIAK / VESTUARIO: Lydia Azzopardi ARGIZTAPENA /
ILUMINACIÓN: Conxita Pons, Cesc Gelabert DANTZARIAK / BAILARINES y
BAILARINAS: Daniel Corrales, Lluc Fruitós, Cesc Gelabert, Virginia Gimeno,
Anna Hierro, Lorena Nogal, Luis Pedraza, Alberto Pineda
Hipsterra, jaio ala egin egiten da? Zu zeu, hipsterra ote
zara, zarenik jakin gabe? Zer izan zen lehenago: Hipsterra
ala oiloa? Galdera horiei eta beste askori erantzungo die
Rafael Maza komediante ospetsuak. Solo Fabiolo ikuskizun
glamourosoaren ondoren, hemen dator berriro gure garaiko
pertsonaiarik coolenarekin: “Homo Histerra”.
Gure Hipsterra antzokian agertu da (antzokia cool center bi-
hurtu dugu horretarako) modernotasunaren aingeru bat bai-
litzan, gaur egun sorkuntzak duen erronkari buruzko kezkak
baretzeko helburuz, ikus-entzuleekiko coworkingaren bitar-
tez.
Bere arima post-a biluztuko digu, jatorri retroaz hitz egingo,
bloga erakutsiko, eta haren adiskiderik hautenak ezagutuko
ditugu, diseinuaren, modaren, indie zinemaren eta arkitektu-
raren eremukoak.
El Hipster, ¿nace o se hace? ¿Es usted, sin saberlo, un Hips-
ter? ¿Qué fue antes: el Hipster o la gallina? Todos estos
interrogantes y muchos más serán resueltos por el célebre
comediante Rafael Maza, que tras su glamuroso espectácu-
lo Solo Fabiolo ataca ahora con el personaje más cool de
nuestro tiempo: el “Homo Hipster”.
Nuestro Hipster se presenta en el teatro, (transformado
para la ocasión en un cool center) como un ángel de la
modernidad, con el objetivo de apaciguar inquietudes sobre
el desafío creativo actual a través del co-working con los
espectadores.
Nos desnudará su alma post, nos hablará de sus orígenes
retro, nos enseñará su blog y conoceremos a sus más se-
lectas amistades en la esfera del diseño, la moda, el cine
indie y la arquitectura.
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ZERGATIK, JAMIL?
¿POR QUÉ, JAMIL?
Tartean Teatroa Estreinaldia / Estreno
Imanol Larzabal (Lugaritz) | 9; EUS: 20:30
10; CAS: 10:00
Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Euskara / Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english

XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

© Guillermo Casas

Kolpe bat jaso eta memoria galdu berri duzu. Dakizun bakarra, poliziak
esan dizulako, zera da, tiroz hil duzula ohean zegoen gizon babesgabe
eta desgaitua. Duela gutxira arte zaintzen zenuena, hain zuzen. Zeure
burua duina eta zintzotzat duzu eta hala ere krimenik gorrotagarriena
burutu duzu. Eta zure buruari galdetzen diozu: “Zergatik, Jamil?”.
Tras un golpe acabas de perder la memoria. Lo único que sabes, y es
porque así te lo ha contado la policía, es que has matado de un dispa-
ro a un hombre indefenso y con discapacidad que yacía en su cama.
El hombre al que cuidabas hasta hace poco, concretamente. Tú que
te tenías por un hombre honesto, has cometido un crimen deleznable.
Y te preguntas: “¿Por qué, Jamil?”.

EGILEA / AUTOR: Patxo Telleria ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Jokin Oregi, Patxo Telleria AKTOREAK / ACTORES: Mikel Martinez, Eneko Sagardoy AR-
GIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Xabier Lozano IKUS ENTZUNEZKOAK / AUDIOVISUALES: Acrónica Producciones MUSIKA / MÚSICA: Pascal Gaigne DISEI-
NU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO: Hirudika ARGAZKIAK / FOTOGRAFÍA: Guillermo Casas ESZENOGRAFIA: Eskenitek

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OTELO
Viajeinmóvil Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Intxaurrondo K.E. | 11:30
Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano

Bekaizkeriaz, gorrotoz, arrazakeriaz, zeloz eta traizioz beteriko historia

bat, Shakespearek 1604an idatzia. Oteloren eta Desdemonaren arteko
maite-harremanak kolokan jartzen dira Yagok bere Almirante eta lagun
Oteloz mendekatzea erabakitzen duenean, lotinant postua eman ez
diola eta. Viajeinmóvil txiletar konpainiak tragediaren egokitzapen bat
aurkezten du, objektuak manipulatzeko jolas landu bat erabiliz, eta bi
aktorek pertsonaia nagusiak jokatzen dituztela.
William Shakespeareren “Otelo, el moro de Venecia”-n oinarrituta.

Una historia de envidia, odio, racismo, celos y traiciones, escrita por

Shakespeare en 1604. La relación amorosa entre Otelo y Desdémona
es puesta en jaque cuando Yago decide vengarse de su Almirante
y amigo Otelo, después de no haber sido ascendido a teniente. La
compañía chilena Viajeinmóvil presenta una adaptación de la tragedia
utilizando un elaborado juego de manipulación de objetos, con un
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

actor y una actriz representando a los personajes principales.

Basada en “Otelo, el moro de Venecia “de William Shakespeare.

EGOKITZAPENA eta ZUZENDARITZA / ADAPTACIÓN y DIRECCIÓN: Jaime Lorca, Teresita Iacobelli ,Christian Ortega AKTOREAK / INTÉRPRETES: Nicole Espi-
noza, Jaime Lorca DISEINU AHOLKULARITZA / ASESORIA DE DISEÑO INTEGRAL: Eduardo Jiménez JATORRIZKO MUSIKA / MÚSICA ORIGINAL: Juan Salinas
JANTZIAK / VESTUARIO: Loreto monsalve ARGIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Tito Velásquez SOINU DISEINUA / DISEÑO DE SONIDO: Gon-
zalo Aylwin ARGAZKIAK / FOTOGRAFÍA: Rafael Arenas-Sandra Zea AFITXEA / AFICHE: Hugo Covarrubias PRODUKZIOA / PRODUCCIÓN: Viajeinmóvil

LIBERTINO
Marco Vargas & Chloé Brùlé Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Gazteszena ( Egia ) | 13:00
Dantza / Danza [ 60 min ] Castellano

Oroitzapenak poetaren baitan sartzen dira. Pertsonak, egoerak,

gogoetak eta emozioak barneratzen zaizkio babesleku duen
ziegan. Nahita dago giltzapean, plazer, gehiegikeria eta bel-
dur artean. Kaiola orojakile huts bat du helduleku, buruko eta
gizarte-loturen sinbolo. Oroimenak dakarzkionak izaki beregain
ageri dira, eta, bizitasun argiz, galdetu, probokatu, eta xaxa
egiten diote erabaki bat har dezan: bakartasun gozo horretan
jarraitu, ala bizitzaren jarioan parte hartu.
Los recuerdos penetran el ámbito del poeta. Personas, situaciones,
reflexiones y emociones invaden la penumbra de su refugio y celda.
Encierro voluntario construido de placeres, excesos y miedos. Una
omnipresente jaula deshabitada le sirve de asidero cual símbolo de
ataduras mentales y sociales. Las invocaciones de la memoria se
revelan como seres independientes que, con luminosa vitalidad,
© Luis Castilla preguntan, provocan y desafían a tomar una decisión: continuar el
dorado aislamiento o participar en el flujo de la vida.

ZUZENDARITZA, KOREOGRAFIA eta DANTZA / DIRECCIÓN, COREOGRAFÍA y BAILE: Marco Vargas, Chloé Brûlé ZUZENDARIAREN ONDOKOA / DIREC-
CIÓN ADJUNTA :Evaristo Romero TESTUA eta ANTZEZPENA / TEXTOS e INTERPRETACIÓN: Fernando Mansilla KANTUA / CANTE Juan José Amador
MUSIKA KONPOSIZIOA / COMPOSICIÓN MUSICAL Gabriel Vargas TORMENTA BIKOTEA / DÚO TORMENTA Gabriel Vargas (Gitarra / Guitarra), Manuel
Montenegro (Bateria / Batería) ARGIZTAPENAREN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Carmen Mori ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA Antonio Go-
doy JANTZIAK / VESTUARIO La aguja en el dedo, Fondo de armario GUAJIRAREN KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA GUAJIRA David Romero, Chloé Brûlé
EKOIZPENA / PRODUCCIÓN El Mandaito Producciones BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Elena Carrascal 8co80 gestión cultural

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KITTO, yo lo dejo
KITTO, nik utziko dut
En2do Prod.
Tabakalera, Sala Ruiz Balerdi Aretoa | CAS: 16:00 EUS: 19:00
Antzerkia / Teatro [ 45 min ] Castellano / Euskara

XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

Zer uzten dugu, benetan, zerbait utziko dugula esaten dugunean? Ama- ¿Qué dejamos, en realidad, cuando decimos que dejamos algo?
goia aktorea izan da, da eta izaten jarraitu nahi du. Baina ama da baita Amagoia ha sido, es y quiere seguir siendo actriz. Pero también es
ere, langilea eta emaztea… Euskal Herrian. 40 urte betetzen dituen egu- madre, trabajadora y esposa… en Euskadi. Y el día que cumple 40
nean zera esan du: Kitto, ni utziko dut. años dice: yo lo dejo.

TESTUAK / TEXTOS: Teresa Calo, Carlos Zabala, Dorleta Urretabizkaia, Eneko Olasagasti AKTOREA / ACTRIZ: Amagoia Lauzirika MUSIKA / MÚSICA:
Joserra Senperena JANTZIAK / VESTUARIO: Arantxa Lauzirika MUNTAIA TEKNIKOA / MONTAJE TÉCNICO: Eragin EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: EN2DO
DRAMATURGIA eta ZUZENDARITZA / DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: Eneko Olasagasti

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ETHER
Collectif a.a.O
Proiektuaren diseinua eta koreografia: Carole Verge / Diseño del proyecto y coreografía: Carole Verge
Tabakalera, Patioa | 17:30 Estreinaldia Estatuan / Estreno en el Estado
Dantza / Danza [ 60 min ]

Murgilaldi koreografiko eta birtuala, iturria Western deitzen zaion lurral-

de grafiko eta ametsezko baten esplorazio espazialean duena. ETHER
da Western serieko lehen pertsonaia. Izaki bat zeinaren egokitzeko
ahalmena ingurune ez-egonkorrari adi baitago, jario atzemanezinean
den paisaia bati... Ether desoreka baten esperientzia da, pisuarekiko
solas malguaren esperientzia, eremu-sakontasunean den joan-etorri
batena.

Una inmersión coreográfica y virtual que tiene su fuente en la explo-

ración espacial de un territorio gráfico y onírico llamado Western.
ETHER es el primer personaje de la serie Western. Un ser cuyo poten-
cial de adaptación está a la escucha del entorno inestable, de un pai-
saje en flujo inasible… Ether es una experiencia de un desequilibrio,
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

de un diálogo flexible con el peso, de un ir y venir que se inscribe en

la profundidad de campo... © Bastien Capela

DANTZA, IRUDIA, BIDEOA eta ANTZEZPENA / DANZA, IMAGEN, VÍDEO e INTERPRETACIÓN: Carole Vergne LAGUNTZA ARTISTIKOA eta ANTZEZPENA
/ COLABORACIÓN ARTÍSTICA e INTERPRETACIÓN: Hugo Dayot ARGITERIAREN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Maryse Gautier MUSIKA / MÚ-
SICA: Laurent Sassi LAGUNTZA ARTISTIKO eta TEKNIKOA / COLABORACIÓN ARTÍSTICA y TÉCNICA: Bastien Capela ADMINISTRAZIOA, EKOIZPENA /
ADMINISTRACIÓN, PRODUCCIÓN: Pascale Garbaye

LA MIRADA DEL OTRO

Proyecto 43-2 Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Antzoki Zaharra – Teatro Principal | 19:00
Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Castellano

Gela bat kartzelan. Hiru lagun: bitartekaria, biktima eta kaltegilea.

Haren begiak. Bestearen begiak. Zeintzuk dira gehiago: bestee-
kin lotzen gaituzten gauzak ala besteengandik bereizten gaituz-
tenak?
2010aren azken aldera, gutun bat irten zen Langraiztik (Araba).
Gutun hartan, ETAko disidente batzuek beren biktimen senideekin
biltzeko prest zeudela adierazten zuten. La mirada del otro lanak
elkartze baten historia eszenaratzen du. Hasi prestaketetatik eta
elkartzea gertatzen den arte.
Una sala en la cárcel. Tres personas: la mediadora, la víctima y el
victimario. Sus ojos. Los ojos del otro. ¿Son más cosas las que nos
unen a los demás o las que nos separan de ellos?
A finales de 2010 sale una carta de la cárcel de Nanclares de la
Oca (Álava) en la que un grupo de disidentes de ETA muestran su
disposición para entrevistarse con las familias de sus víctimas La
mirada del otro lleva a escena la historia de un encuentro. Desde su
preparación hasta el momento en el que se produce.

AKTOREAK / REPARTO: Estibaliz Curiel, Pablo Rodríguez, María San Miguel ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Chani Martín DRAMATURGIA: Maria San
Miguel, Chani Martín MUSIKA KONPOSIZIOA / COMPOSICIÓN MUSICAL: Jorge Arribas ESPAZIO ESZENIKOAREN DISEINUA / DISEÑO ESPACIO ESCÉ-
NICO: Karmen Abarca EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Preyecto 43-2 ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Javier Galán

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 MARTXOA 07 08 09 10 MARZO

AIRE
Bovoj Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria
Victoria Eugenia Antzokia | 20:30
Dantza, kantu flamenkoa, musika eta poesia / Danza, cante flamenco, música y poesía [ 60 min ] Castellano

Musikaren, perkusioaren eta soinu-efektuen bitartez, umorearen bi-

detik joango gara aurkituz lau “izaki” ren historia. Xaman zahar baten
laguntzaz ikusiko ditugu jaiotzen eta hazten.
Lau “izakiok” musikaren bidez eta funtzioan zehar –jostailuz eta bes-
telako objektuz osatuta– erabiliko dituzten 150 elementu baino ge-
hiagoren bitartez komunikatzen dira elkarrekin. Denentzako ikuskizun
bat, musika hizkuntza unibertsaltzat darabilena. Estetika zaindu eta
gaurkoa duelarik, musika eta erritmoa aurkezten dizkigu bizitzarako
proposamentzat.

A través de la música, la percusión y de los efectos sonoros se des-

cubre en clave de humor la historia de cuatro ‘entes’. Los veremos
nacer y evolucionar con la ayuda de un viejo chamán. Se comunican
a través de la música y de los sonidos que obtienen a partir de los más
de 150 elementos, entre instrumentos de juguete y objetos, que utili-
zarán durante la función. Un espectáculo para todos los públicos que

XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
utiliza la música como lenguaje universal. Con una estética cuidada y
© Pedro Gato
contemporánea, hace de la música y el ritmo su propuesta vital.
INTERPRETEAK / INTÉRPRETES: Compañía Bovoj, Alejandro Aragón, Alonso Aragón, Gonzalo Aragón, Rodrigo Aragón, Punch Domínguez Aragón EGI-
LEAK / AUTORES: Paco Mir, Compañía Bovoj, Emilio Aragón ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Paco Mir ZUZENDARIAREN LAGUNTZAILEA / AYUDANTE
DE DIRECCIÓN: Edu Pericas JANTZIAK / VESTUARIO: Gabriela Salaberri MUSIKA / MÚSICA: Alarmantiks ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Adisar Media
SOINUA / SONIDO: Juan Carlos Ramírez MUSIKA ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN MUSICAL: Alonso Aragón ZUZENDARITZA TEKNIKOA / DIRECCIÓN
TÉCNICA : Carlos Carmona EKOIZPEN LAGUNTZAILEA / ASISTENTE PRODUCCIÓN: Florencia Claes EKOIZPEN AHOLKULARITZA / ASESORAMIENTO
DE PRODUCCIÓN: Anexa EKOIZPEN EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Itziar Puga EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Caribe Teatro

EL CANTA, YO CUENTO , KONTZERTUA +

AFARI DOMINIKARRA
Freddy Ginebra, Víctor Víctor, Juan Francisco Ordoñez
Espacio 2016 Gunea | 22:00 (akreditatuentzat / para acreditadas-os)
Abestien eta ipuinen arteko jolas barnekoi bat da. Víctor Víctor, domi-
nikar kantautore saritua, Freddy Ginebra, kultur sustatzailea eta Casa
de Teatroko zuzendaria, eta Juan Franciso Ordoñez gitarra jotzaile eta
musika zuzendaria elkarri esku emanda datoz, bere abestirik ederren
eta ezagunenekin, eta kontu-kontari, hamar urte baino gehiagoz he-
rrialde hartako egunkaririk salduenaren azken orrialdean argitaratu
dituen ipuinekin. Batetik, barreak, nostalgia, malkoren bat edo beste;
bestetik, boleroak, bachatak eta kanta zirraragarriak egilearen gitarraz
lagunduta; batzuk eta besteak nahasturik.
El canta, yo cuento Dominikar Errepublika deritzon uharte erdi horrek
donostiarroi eman nahi digun besarkada beroa da.

El canta yo cuento, es un divertimento íntimo entre canciones y

cuentos. Víctor Víctor, laureado cantautor dominicano, Freddy Gi-
nebra, promotor cultural y director de Casa de Teatro y Juan Fran-
cisco Ordoñez guitarrista y director musical, se dan la mano, con
sus más bellas y reconocidas canciones, el otro, narrando las his-
torias que durante más de diez años ha estado publicando en la
última página del periódico de mayor circulación del país.
Se mezclan la risa, la nostalgia, alguna lágrima, con boleros, ba-
chatas y canciones desgarradas en la guitarra de su autor.
El Canta, yo cuento es un abrazo cálido de esa media isla que se
llama República Dominicana a todos los donostiarras.

23
 SARREREN SALNEURRIAK
PRECIOS DE LAS ENTRADAS
Aldez aurretik / Venta anticipada
Antzoki Zaharra - Teatro Principal SARRERA SALMENTA
Gazteszena (Egia) VENTA DE ENTRADAS
Imanol Larzabal Aretoa (Lugaritz)
Intxaurrondo K.E.
ANTZOKI ZAHARREKO LEIHATILA
Victoria Eugenia Club TAQUILLA TEATRO PRINCIPAL
Otsaila 11– 21 Febrero: 8ˆ Kale Nagusia 1
Otsaila 22 Febrero – Martxoa 6 Marzo: 10ˆ Tel: 943 48 19 70
De 17:00 hasta el inicio del espectáculo
Victoria Eugenia Antzokia
VICTORIA EUGENIAKO LEIHATILA
Otsaila 5 – 21 Febrero: 15ˆ / 8ˆ TAQUILLA VICTORIA EUGENIA
Otsaila 22 Febrero – Martxoa 6 Marzo: 18ˆ / 10 ˆ Argentinako Errepublika, 2
Tel: 943 48 18 18
11:30 –13:30
17etatik ikuskizuna hasi arte / De 17:00
hasta el inicio del espectáculo
dFERIA bitartean / Durante dFERIA
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

GAZTESZENA (EGIA K.E.)

Victoria Eugenia Antzokia: 20 ˆ , 12 ˆ Baztan kalea / Calle Baztán, 21
Donostia / San Sebastián
Antzoki Zaharra-Teatro Principal 943 29 15 14
Gazteszena (Egia)
IMANOL LARZABAL ARETOA
Imanol Larzabal Aretoa (Lugaritz)
(LUGARITZ K.E.)
Intxaurrondo K.E. Heriz, 20 Donostia / San Sebastián
Victoria Eugenia Club: 12 ˆ 943 31 07 08

INTXAURRONDO K.E.
Felix Gabilondo plaza, 1
Deskontuak / Descuentos Donostia / San Sebastián
943 27 93 43
%10eko deskontua kolektibo hauentzat
Descuento del 10% para los siguientes colectivos: Kultur Etxeen leihatilak, emanaldia hasi
Donostia Kultura Bazkideak / Socios Donostia Kultura baino ordu bete lehenago zabaltzen dira.
Langabetuak / Personas en paro 30 urtetik beherako
Las taquillas de los Centros Culturales
gazteak / Jóvenes menores de 30 Pentsiodunak eta 65 se abren una hora antes del inicio del
urtetik gorako pertsonak / Pensionistas y mayores de 65 espectáculo.
Deskontu hau leihatiletan bakarrik gauzatuko da / Este
descuento se llevará a cabo solo en las taquillas donostiakultura.com/sarrerak

Ordu gaztea
30 urtetik beherakoek sarrerak 3 euroan erosteko
eskaintza emanaldia hasi aurreko ordu erdian.
Info+: Victoria Eugenia Antzokiko eta Antzoki Zaharreko
leihatiletan.
Entradas a 3 euros para menores de 30 años media hora antes del inicio del
espectáculo.
+ Info: en las taquillas del Teatro Victoria Eugenia y Teatro Principal
DESKONTUAK EZ DIRA BATERAGARRIAK DESCUENTOS NO ACUMULABLES
Informazio eguneratua Información actualizada: www.donostiakultura.com

24
BANATZAILEAK
DISTRIBUIDORES
CÍA ERTZA Arantza Balentziaga / Asier Zabaleta TANTTAKA TEATROA Rocío Pindado
688642736 / 663767699 | info@ertza.com 635708999 | rociopindado@portal71.com
www.ertza.com www.portal71.com

PAULA QUINTANA Carlos Martinez GELABERT-AZZOPARDI COMPAMYIA DE DANSA

6784460559 | cmcarbonell@cremilo.es María Rosas
www.cremilo.es 934160068 / 637806820
produccion@gelabertazzopardi.com
CHÉVERE Carlos Martinez www.gelabertazzopardi.com
6784460559 | cmcarbonell@cremilo.es
www.cremilo.es
LA MESTIZA Franklin Martínez
+593 (0)979057261
TEATRO DO BAIRRO, AR DE FILMES
Isabel Marques / Ana Barbosa Bordalo selvacamino@hotmail.com
+35 1213420810 / +35 1915083210
teatrodobairro.isabelmarques@gmail.com FABIOLO Isabel Rufino
ardefilmesbordalo@gmail.com endanza2005@yahoo.es
http://www.teatrodobairro.org/ http://rfmaza.blogspot.com.es/

BOROBIL TEATRO Alberto Muyo Gracía TARTEAN TEATROA María Goiricelaya / Ane Pikaza
630035923 | alberto-muyo@telefonica.net 652946184 / 688617712 | banaketa@tartean.com

XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
www.muyoescena.com www.tartean.com

MONTGOMERY Fernando Pérez García VIAJEINMÓVIL Jaime Lorca

607993766 | montgomery.managementtour@gmail.com teatrolorca@gmail.com
http://dancefromspain.feced.org/montgomery/ http://viajeinmovil.cl/

LA PHÁRMACO Sofía Sánchez Manrique LOSDEDAE Sergio Rubio

687915108 | produccion@lapharmaco.com 667069744 | sergio@comolaseda.com
www.lapharmaco.com www.comolaseda.com
CIELO RASO Beatriz Churruca
PROYECTO 43-2 Fran Ávila
627336703 | cia.cieloraso@gmail.com
659462080 | franaviladistribucion@gmail.com
http://www.ciacieloraso.com/
www.franavila.com
JESÚS HERRERA Jesús Herrera / Jesús Cañas
600644038 / 607256163 MARCO VARGAS&CHLOÉ BRÛLÉ Elena Carrascal
contacto@jesusherrera.es / guadaleventos@gmail.com 610948200
www.jesusherrera.es proyectos@8co80.com / elenacarrascal@8co80.com
www.8co80.com
KUKAI DANTZA – MARCOS MORAU / LA VERONAL
Doltza Oararteta BOVOJ
655739674 | banaketa@kukai.eus Caribe Teatro
www.kukai.eus 910867688
ipuga@grupocaribe.es
LA TETA CALVA Mª Angeles Marchirant
616533805 | ma.marchirant@a-mas.net L’ATELIER&KULUNKA TEATRO Isis Abellán
www.a-mas.net 606608168 | isisabellan@proversus.com
www.proversus.com
DETRITUS TEATRUS Belén Nevado / Miguel Olmeda
619946390 / 656799294 LE COLLECTIF a.a.O Carole Vergne / Pascale Garbaye
detritusteatrus@gmail.com / info@pikorteatro.com 0033 (0)607985985
artistique@collectifaao.fr / administratif@collectifaao.fr
CARRETERA 45 TEATRO AC Antonio Zúñiga
www.collectifaao.fr
+52 62721148 | anzu65@hotmail.com
www.carretera45teatro.com
THEATRE DU RIVAGE Antonin Vulin
ORGANIK DANTZA ANTZERKIA Rocío Pindado 0559236770 / 0680153984
635708999 | rociopindado@portal71.com direction@theatredurivage.com
www.portal71.com http://theatredurivage.com/

EN2DO PROD. Eneko Olasagasti FREDY GINEBRA

636472092 | enekolasagasti@hotmail.com 0018097963890
www.en2do.com fginebra@cumbresaatchi.com

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 JARDUERA PARALELOAK
ACTIVIDADES PARALELAS
Ikuskizunen alboan, jarduera paraleloek gero eta indar handiagoa hartu dute
dFERIAn. Zenbait eragilerekiko elkarlanean egiten dira; besteak beste, Donos-
tia 2016, Fundación Autor, Kutxa, COFAE eta EABrekin. Jarduera paraleloak
ez dira mugatzen feriaren egunetara. Batzuk feria baino lehen hasten dira, eta
feriaren barruan amaitzen.
IKASTAROAK
ANTZERKIGINTZA BERRIAK
Victoria Eugenia Antzokia,
Areto Balioaniztun bikoitia
Martxoaren 8a eta 9a | 10:00 – 17:30
Dramaturgia berrien programan parte hartzeko aukeratutako zortzi autoreak
Donostiako Victoria Eugenia Antzokian bilduko dira taldean jarraitzeko beren
proposamenak lantzen, Patxo Telleria eta Mireia Gabilondo arte eszenikoetako
profesionalekin batera. Donostia 2016 Fundazioak, Victoria Eugenia Antzokiak
eta Gasteizko Principal Antzokiak eta Bilboko Arriaga Antzokiak zortzi autoreren
proposamenak aukeratu zituzten abenduan (Ozkar Galán, Olatz Gorrotxategi,
Oier Guillan, Mikel Gurrea, Arantza Iturbe, Alejandro Prieto, Carmen San Es-
teban eta María Velasco), deialdi ireki baten bidez. Otsailean Gasteizen bildu
ondoren, martxoaren 8an eta 9an Victoria Eugenian izango da dramaturgiaren
sorkuntzarako tailerra. Apirilean izango da hirugarren eta azken topaketa, Bilbon.
Horren ondotik, hasierako zortzi lanetatik hiru hautatuko dira, eta horiek ekoitziko
dituzte parte hartzen duten antzokiek, eta hiru hiriburuetan antzeztuko dira. Pro-
dukziorako laguntzaz gainera, hautaturiko pertsonek 3.300 euroko diru-laguntza
jasoko dute. Dramaturgia Berriak proiektuaren xedea idazketa dramatiko berezi
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
bat sustatzea da, ahots eta testu berrien bidez. Baita sortzaile eta dramaturgoen
sare bat sortzea ere, Norberaren ohiko lana eta talde lan ez hain ohikoa bateratze
bidean jarriz, sare horrek antzerkirako materiala sortuko du, eta material hori
erreferentziatzat erabili ahal izango dute antzerkikonpainiek.
ClíniCa de la obsesión:
ARTISTA ETA SORTZAILEENTZAKO MINTEGIA
Matías Umpierrez
Victoria Eugenia Antzokia Otsailaren 29tik martxoaren 5ra
Arratsaldez (15:00 -20:00), astelehenean izan ezik (15:00 – 18:00)
10 lagun, 50 ˆ Gaztelania
Artistentzako klinika global bat Matías Umpierrezen eskutik. Nola zedarritu artista
baten sorkuntza-unibertsoaren geografia? Hau klinika bat da, laborategi bat, go-
goeta-leku bat, artista bat obsesionatzen duen eta sortzeko bulkada pizten dion
indar etengabea arakatzeko. Obsesioaren Klinika® hiriz aldatzen da, hizkuntzaz,
herrialdez, egoiliarren obraren gorputza zeharkatzen duen gezia argitzeko. To-
paketak parte-hartzaileen soslaia eta obra analizatuz eta eztabaidatuz eratzen
dira, haien bilaketa, zer-nolako eta problematiketatik abiatuta.
Ikasleen kopurua eta soslaia: Guztira, 10 artista hautatuko dira. Antzerki-
zuzendari, zine-zuzendari, artista bisual, koreografo eta edozein artegintzatako
sortzaileentzat, baldin eta proiektu bat sortu nahi badute. Artista horiek gutxienez
bi obra izan beharko dituzte sortuak.
1. eskola. Otsailaren 29an, astelehenarekin, 15:00 – 18:00
Martxoaren 1ean, asteartearekin. Eguna libre
2. eskola. Otsailaren 2an, asteazkenarekin, 15:00 – 20:00
3. eskola. Martxoaren 3an, ostegunarekin, 15:00 – 20:00
4. eskola. Martxoaren 4an, ostiralarekin, 15:00 – 20:00
5. eskola. Martxoaren 5ean, larunbatarekin, 15:00 – 20:00
LAN-MAHAIAK
AKITANIA-EUSKADI TOPAKETA
Etxepare Institutua (Tabakalera) Martxoaren 8a
16:00 - 17:15
Akitania-Euskadi euro-eskualdeko kultur eragileen arteko lokarriak sortzeko
asmoz, topaketa bat egingo da lurralde horietako programatzaileen artean,
ESZENA.T proiektua zabaltzen saiatzeko (duela urte batzuk sortu zuten Baio-
nako Scène Nationale-k eta Victoria Eugenia Antzokiak) eta lankidetza-formulak
bilatzeko sare eraginkor eta dinamikoa eraikitze aldera, produkzioak babestu eta
konpainien birak bultzatuko dituen sarea, hala aretoetan nola kalean.
26
Junto a la exhibición de los espectáculos, las actividades paralelas han ido
tomando cada vez más fuerza en dFERIA. Se realizan en colaboración con
varios agentes, tales como Donostia 2016, Fundación Autor, Kutxa, COFAE
y EAB. Las actividades paralelas no se circunscriben exclusivamente a los
días de la feria. Algunas de ellas comienzan días antes de la feria y tienen su
momento final en el marco de la misma.
CURSOS
NUEVAS DRAMATURIAS
Sala polivalente par, Teatro Victoria Eugenia
8 y 9 de marzo | 10:00 – 17:30
Las y los ocho autores seleccionados para participar en el programa de Nuevas
dramaturgias se reunirán en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia para conti-
nuar trabajando en sus propuestas de forma colectiva acompañados de los pro-
fesionales de la artes escénicas Patxo Telleria y Mireia Gabilondo. La Fundación
San Sebastián 2016, el Teatro Victoria Eugenia, el Teatro Principal de Vitoria y el
Teatro Arriaga de Bilbao eligieron en diciembre las propuestas de ocho autores
(Ozkar Galán, Olatz Gorrotxategi, Oier Guillán, Mikel Gurrea, Arantza iturbe, Ale-
jandro Prieto, Carmen San Esteba y María Velasco), mediante una convocatoria
abierta. Tras el encuentro de Vitoria en en febrero, los dias 8 y 9 de marzo el
taller de creación dramatúrgica se desarrollará en el Victoria Eugenia. En abril
tendrá lugar el tercer y último encuentro, en Bilbao. Tras ello, de las ocho obras
iniciales, se seleccionarán tres, que producirán los teatros participantes y que se
representarán en las tres capitales. Además de la ayuda para la producción, las
personas seleccionadas reciben una subvención de 3.300 euros. El proyecto
Nuevas Dramaturgias pretende promover una escritura dramática propia me-
diante voces y textos nuevos. También tiene como objetivo crear una red de
creadoras/es y dramaturgas/os: haciendo confluir el trabajo individual habitual y
el trabajo en equipo no tan habitual, esta red creará material para el teatro que
servirá de referencia para las compañías de teatro.
ClíniCa de la obsesión
CLíNICA GLOBAL PARA ARTISTAS - CREADORES
Matías Umpierrez
Victoria Eugenia Antzokia Del 29 al 5 de marzo
Horario: tardes(15:00 a 20:00), excepto lunes (15:00 a 18:00)
10 personas, 50 ˆ Castellano
Una clínica global para artistas a cargo de Matías Umpierrez ¿Cómo se delimita
la geografía del universo creativo de un artista? Esta es una clínica, un labora-
torio, un espacio de reflexión que indaga sobre la tenaz persistencia que obse-
siona y genera la pulsión creativa de un artista. La Clínica de la Obsesión® va
cambiando de ciudades, idiomas, países con el fin de iluminar en los residentes
la flecha que atraviesa el cuerpo de su obra. Los encuentros se formulan a partir
del análisis, debate y discusión del perfil y obra de los participantes partiendo de
sus búsquedas, circunstancias y problemáticas emergentes.
Cupo y perfil: En total se seleccionarán 10 artistas. Destinado a directores/
as de teatro, cine, artistas visuales, coreógrafos/as y creadores/as de cualquier
disciplina del arte siempre y cuando su interés sea la creación de un proyecto.
Dichos artistas deberán tener un mínimos de 2 obras como creadores/as.
Clase 1. Lunes 29 de febrero de 15:00 – 18:00
Martes 1 de marzo. Libre
Clase 2. Miércoles 2 de marzo de 15:00 – 20:00
Clase 3. Jueves 3 de marzo de 15:00 – 20:00
Clase 4. Viernes 4 de marzo de 15:00 – 20:00
Clase 5. Sábado 5 de marzo de 15:00 – 20:00
MESAS DE TRABAJO
enCUenTRo aQUiTania-eUsKadi
Instituto Etxepare (Tabakalera) 8 de marzo
16:00-17:15
Con el objetivo de crear vínculos entre los agentes culturales de la Euro-Región
Aquitania Euskadi, se va a realizar un encuentro entre programadores del territo-
rio, para intentar ampliar el proyecto ESZENA T(nacido hace ya varios años entre
La Escena Nacional de Baiona y el Teatro Victoria Eugenia) y buscar fórmulas de
colaboración para construir una red operativa y dinámica, que apoye produccio-
nes y giras de compañías, tanto de sala como de calle.
HITZALDIAK
CHEVÉRE: PRÁCTICAS DE MEDIACIÓN EN EL CONTEXTO DE UNA
COMPAÑÍA RESIDENTE
Xesús Ron (Chévere konpainiako zuzendaria, 2014ko Antzerki Sari Nazionala
Espainian)
Victoria Eugenia Antzokiko Club aretoa
Martxoaren 8a | 12:00 – 13:30
doan, Gaztelania
Santiago de Compostelan 25 urtez lan egin ondoren, 2012an Chéverek proiektu
berri bati ekin zion Teon, Santiago ondoko herri batean, antzerki-egoitzaldiaren
proiektu berri bat, bakarra Galizian. Eredu esperimental publiko-pribatu bat da,
eta honako helburu hauek ditu: antzerki-konpainia bat leku jakin batean egonkor
finkatzea, bertan inplikatuz espazio publikoen erabilera errentagarri egiteko;
antzerki-profesionalen lan-egonkortasuna hobetzea; eta Chévere konpainiaren
ospea eta know howa kapitalizatzea bera hartuko duen komunitatearen mese-
detan. Alde horretatik, Chéverek bitartekaritza-lan handia egin du antzerkia eta
tokiko populazioa lotzeko, konpainian programaturiko ikuskizunei lagun egitea
proposatuz, antzerki komunitarioaren jardunbideak ezarriz edo kultur ohituretatik
kanpo dauden espazioak erabiliz. Urteotan egindako bitartekaritza-jarduera ba-
tzuk kontatzea proposatzen dizuegu, hala Santiagon nola Teon egindakoak, eta
haien arteko aldeak aztertzea. Solasaldi-hitzaldi honetan, egindako esperientzia
batzuen bideoak erakutsiko dira, eta lortutako emaitzen datu batzuk aurkeztuko.
Azkenean, elkarrizketa izango dugu parte hartzen dutenekin.
AURKEZPENAK TABAKALERAKO KUTXA
KULTUR PLAZAN
Kutxa Kultur Plaza (Kutxa Kultur - Tabakalera)
Martxoaren 8tik 10era | 14:15 – 14:45
Martxoaren 8tik 10era, 14:15 eta 14:45 artean, zenbait erakunde eta proiektu
aurkeztuko zaizkie ferian akreditatutakoei.
ERAKUSKETAK
ESPAINIAR ANTZERKIA POLONIAR KARTELEAN
Bilduma: Krzysztof Dydo
Lekua: Victoria Eugenia Antzokia (Foyerra)
Iraupena: Martxoaren 1etik 31ra
Ordutegia: Erakusketa antzerki-funtzioa dagoen egunetan bisitatu ahal izango da.
dFERIAren egunetan, martxoaren 7tik 10era, 10:00etatik 13:00etara
eta 17:00etatik 19:30era.
Espainiar antzerkia poloniar kartelean erakusketak antzerkiko kartel sorta bat
aurkezten du. Polonian ekoitzitako espainiar dramaturgiako lan handientzat di-
seinatuak dira, eta 1966 eta 2014 artean sortutako proiektuak jasotzen dituzte.
Ale hauek Krakoviako Krzystof Dydoren Plakatu Galeriako bilduma bikainaren
adeitasunez jarri dira ikusgai, eta aukera ematen dute ikusteko nola agertu den
gure literatura dramatikoa poloniar artista plastiko handien begietara, Poloniakoa
munduan den kartelgintza-eskola puntakoenetako bat izaki. Erakusketa hone-
tan, Kartelaren poloniar eskolaren lehen aldiko artisten lanak ageri dira (Fran-
ciszek Starowieyski, Waldemar Świerzy, Tadeusz Grabowski), 70eko urteetako
“uhin berria” deritzoneko artistena (Eugeniusz Get Stankiewicz, Andrzej Kli-
mowski, Grzegorz Marszałek, Mieczysław Górowski), eta 80ko urteetakoena
(Wiktor Sadowski, Stasys Eidrigevicius, Marian Nowiński, Leszek Żebrowski,
Wiesław Wałkuski), bai eta kartelgintza garaikideko ordezkari batzuena ere, hasi
90eko urteetatik eta gaur arte (Wiesław Grzegorczyk, Mirosław Adamczyk, Rys-
zard Kaja, Monika Starowicz).
IRUDIMENEZKO ESPAZIOAK, EIDER IBARRONDO
Lekua: Lugaritz (Heriz 20)
Iraupena: Martxoaren 4tik apirilaren 22ra
Ordutegia: Astelehenetik ostiralera, 16:00etatik 20:30era
Eszenografo baten sorkuntza-prozesuari begiratu bat emateko erakusketa, his-
toriak espazio iradokitzaileetan kontatzeko artea.
BILERAK
SAREAren batzarra
Eguna: Martxoaren 7a
Lekua: Intxaurrondo K.E.
Ordutegia: 9:00 – 12:30
Martxoaren 7a, astelehena, 9etatik 12,3oera, Intxaurrondo K. E.
CONFERENCIAS
CHEVÉRE: PRÁCTICAS DE MEDIACIÓN EN EL CONTEXTO DE UNA
COMPAÑÍA RESIDENTE
Xesús Ron (Director de la compañía Chévere, Premio Nacional de Teatro 2014)
Sala Club Victoria Eugenia Antzokia
8 de marzo | 12:00 – 13:30
gratuito, Castellano
Después de 25 anos trabajando en Santiago de Compostela, en 2012 Chévere
inició en Teo (localidad próxima a Santiago) un nuevo proyecto de residencia
teatral único en Galicia. Se trata de un modelo experimental de relación público-
privado, que tiene como objetivos fijar el funcionamiento de una compañía de
teatro a un espacio estable implicándose en un contexto local para rentabilizar el
uso de los espacios públicos, mejorar la estabilidad laboral de los profesionales
del teatro y capitalizar el prestigio y el know how de una compañía como Ché-
vere en beneficio de la comunidad que la acoge. En este sentido, Chévere ha
desarrollado un intenso trabajo de mediación para conectar el hecho teatral con
la población local, proponiendo un acompañamiento expandido de los espectá-
culos programados por la compañía, incorporando prácticas de teatro comuni-
tario o activando espacios situados fuera de los usos culturales. Os proponemos
contaros algunas de las prácticas de mediación llevadas a cabo en estos años,
tanto en Santiago de Compostela como en Teo, analizando las diferencias entre
contextos tan distintos y señalando los aciertos y errores cometidos al tratar de
adaptarse a ellos. En esta charla-conferencia se mostrarán vídeos de algunas
experiencias llevadas a cabo, y se presentarán algunos datos de resultados ob-
tenidos. Al final, abriremos un coloquio con las personas participantes.
PRESENTACIONES EN KUTXA KULTUR
PLAZA DE TABAKALERA
Kutxa Kultur Plaza (Kutxa Kultur - Tabakalera)
del 8 al 10 de marzo | 14:15 – 14:45
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
Del día 8 al 10 de marzo entre las 14:15 y 14:45 horas, se harán diferentes
presentaciones de entidades, proyectos...para los acreditados a la feria.
EXPOSICIONES
TEATRO ESPAÑOL EN EL CARTEL POLACO
Colección: Krzysztof Dydo
Lugar: Victoria Eugenia Antzokia (Foyer)
Duración: Del 1 al 31 de Marzo
Horario: La exposición se podrá visitar cuando haya función en el teatro
durante los días indicados. Durante los días de dFERIA del 7 al 10 de marzo de
10:00 a 13:00 y de 17:00 a 19:30.
Teatro español en el cartel polaco presenta una selección de carteles exclusiva-
mente teatrales, diseñados para grandes obras de la dramaturgia española pro-
ducidas en territorio polaco, reuniendo proyectos creados entre 1966 y 2014.
Los ejemplares aquí expuestos, cortesía de la magnífica colección de la Gale-
ría Plakatu de Krzysztof Dydo de Cracovia, ofrecen la oportunidad de espejar
nuestra literatura dramática en la mirada de grandes artistas plásticos polacos,
representantes de una de las escuelas cartelísticas de mayor relevancia a escala
mundial. La presente exposición exhibe obras de artistas del primer periodo
de la Escuela polaca del cartel (Franciszek Starowieyski, Waldemar Świerzy,
Tadeusz Grabowski), de artistas de la llamada “nueva ola” de los años 70 (Eu-
geniusz Get Stankiewicz, Andrzej Klimowski, Grzegorz Marszałek, Mieczysław
Górowski) y 80 (Wiktor Sadowski, Stasys Eidrigevicius, Marian Nowiński, Leszek
Żebrowski, Wiesław Wałkuski), así como de algunos representantes del arte del
cartel contemporáneo, desde los años 90 hasta la actualidad (Wiesław Grzegor-
czyk, Mirosław Adamczyk, Ryszard Kaja, Monika Starowicz).
ESPACIOS IMAGINARIOS, EIDER IBARRONDO
Lugar: Lugaritz (Heriz 20)
Duración: Del 4 de marzo al 22 de abril
Horario: De lunes a viernes de 16:00-20:30
Una exposición para asomarse al proceso de creación de una escenógrafa, el
arte de contar historias en espacios sugerentes.
BILERAK
Asemblea SAREA
Fecha: 7 de marzo
Lugar: Intxaurrondo K.E.
Horario: 9:00 – 12:30
Lunes 7 de marzo de 9:00 a 12:30. C.C. Intxaurrondo
27
 Estatuko Arte Eszenikoetako Ferien koordinakundea
Coordinadora de Ferias de Artes Escénicas del Estado

MADferia Artes Escénicas Palma Feria de

Urtarrila 19 - 22 Enero Teatro en el Sur
Uztaila 5 - 8 Julio

FETEN. Feria Europea de Artes

Escénicas para Niños y Niñas Feria Teatro de Castilla
Otsaila 21 - 26 Febrero León Ciudad Rodrigo
Abuztua 23 - 27 Agosto

dFERIA
Donostia / San Sebastián FiraTàrrega Teatre
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

Martxoa 7 - 10 Marzo al Carrer

Iraila 8 - 11 Septiembre

La Mostra d’igualada
Fira de Teatre Infantil
i Juvenil Feria Internacional de Teatro
Apirila 7 - 10 Abril y Danza de Huesca
Iraila 6 - 29 Septiembre

Feria de Artes Escénicas

de Castilla La Mancha
Fira Mediterrània
Apirila 12 - 14 Abril
de Manresa
Urria 6 - 9 Octubre

Fira de Teatre de Titelles

de Lleida
Apirila 29, 30, Maiatza1
Galicia Escena PRO
29,30 Abril, 1 de Mayo
Urria 13 - 16 Octubre

Umore Azoka-Feria Fira de Teatre de

de Artistas Callejeros Manacor
de Leioa Urria 28 - Azaroa1
Maiatza 19 - 22 Mayo 28 de Octubre 1 de noviembre

Mostra de Teatre d´Alcoi FIET, Fira de Teatre Infantil

Maiatza 28 - Ekaina 3 i Juvenil de les Illes
28 Mayo - 3 Junio Balears
Azaroa 8 - 12 Noviembre

28
EUSKAL EKOIZPENAK / PRODUCCIONES VASCAS
VAIVÉN PRODUCCIONES Último tren a Treblinka
Antzerkia / Teatro 2016
943433046 | www.vaivenproducciones.com
EN2DO PROD. Y KARRA ELEJALDE Pim Pam fuera!
Antzerkia / Teatro 2016
636472092 | www.en2do.com
EN2DO PROD. Kitto, nik utziko dut/Yo lo dejo
Antzerkia / Teatro 2016
636472092 | www.en2do.com
DISTOPIA ANTZERKI GALDARA MOLLY BLOOM lur eta
haragia
Antzerkia / Teatro 2016
647915592
LAURENTZI PRODUCCIONES Kattalin
Antzerkia / Teatro 2016
600793251 | www.laurentziproducciones.com
TANTTAKA El florido Pénsil niñas/neskak
Antzerkia / Teatro 2016
635708999 | www.tanttaka.com
TARTEAN Amour
Antzerkia / Teatro 2016
688617712 | www.tartean.com
ADOS TEATROA Ladydi Gracía
Antzerkia / Teatro 2015
943278109 | www.adosteatroa.com
ERRE-ARTEKA-MASKARADA La guerra del sofá
Antzerkia / Teatro 2016
659131291 | www.erreprodukzioak.com
GLU GLU PRODUCCIONES La boda de Betty Blue
Antzerkia / Teatro 2016
944124801 | www.glugluproducciones.com
GLU GLU PRODUCCIONES Caperucita feroz
Antzerkia / Teatro 2015
944124801 | www.glugluproducciones.com
K PRODUCCIONES La flaqueza del Bolchevique
Antzerkia / Teatro 2015
913340838 / 616431404 | www.kproducciones.com
KULUNKA TEATRO Solitudes
Maskara antzerkia / Teatro de máscaras 2015
655 701 388 | www.kulunkateatro.com
BOROBIL TEATROA Jokoz kanpo/Fuera de juego
Antzerkia / Teatro 2015
656 759557 | www.borobilteatroa.com
ATEA TEATRO (eta Factory Logistica S.L.) Zu gabe
Antzerkia / Teatro 2015
61772059 / 943504480 | www.zugabeantzerkia.wordpress.
com
LA COCINA Una Casa de Muñecas
Antzerkia / Teatro 2015
635708999 | www.portal71.com
MARKELIÑE Quijote
Andante (Calle) Antzerkia / Teatro 2015
946733257 / 605700284 | www.markeline.com
L’ATELIER&KULUNKA TEATRO Taxidermiade un gorrión
Antzerkia / Teatro 2015
655 701 388 | www.kulunkateatro.com
LA BURLA TEATRO Valium
Antzerkia / Teatro 2015
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
609 905 205 | http://valiumteatro.wix.com/valium
TXALO PRODUKZIOAK Magia Lapurra
Antzerkia / Teatro 2015
943333788 | www.txalo.com
TXALO PRODUKZIOAK Heroiak
Antzerkia / Teatro 2015
943333788 | www.txalo.com
ATX TEATROA El desván de los machos y el sótano de las
hembras / Arren ganbara eta emeen sotoa
Antzerkia / Teatro 2015
638324105 | www.atxteatroa.com
IZAR Films Eskutitzak
Antzerkia / Teatro 2015
603591221 | www.izarfilms.com
TARTEAN Zergaitik Jamil?/ ¿Por qué Jamil?
Antzerkia / Teatro 2015
688617712 | www.tartean.com
CONTRAPUNTO TEATRO Zuritos. Unos cortos de teatro
Antzerkia / Teatro 2015
635734618
JAVIER LIÑERA Barro Rojo
Antzerkia / Teatro 2015
618953242 | https://javierlinera.wordpress.com/
BEHIBI´S Egunen batean
Haur antzerkia / Teatro Infantil 2015
629684140 | www.behibis.com
29
 ANITA MARAVILLAS Pintto Pintto
Haur antzerkia / Teatro Infantil 2015
635708999 | www.portal71.com
HORTZMUGA TEATROA Nola
Antzerkia / Teatro 2015
946711353 | www.hortzmuga.com
PEZ LIMBO Almacenes La Parisienne Saltokia
Antzerkia / Teatro 2015
699 363 336 | www.pezlimbo.com
ALEX TELLO Jendartean bidaide
Antzerkia / Teatro 2015
617720596
ALEX TELLO Zu gabe
Antzerkia / Teatro 2015
617720596
TANTTAKA Un beso/Muxua
Antzerkia / Teatro 2015
635708999 | www.tanttaka.com
XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
EROMEN PRODUKZIOAK Lukurreria, Lizunkeria, Heriotza-
ren erretaula
Antzerkia / Teatro 2015
630559584 | www.facebook.com/Eromen-Produkzioak
PRODUCCIONES MOHICANO Teatro Mohicano
Antzerkia / Teatro 2015
649419009 | www.produccionesmohicano.com
ADOS TEATROA El niño de las zapatillas rojas
Antzerkia / Teatro 2015
943278109 | www.adosteatroa.com
BÚFALO PRODUKZIOAK Síndrome de Estocolmo
Antzerkia / Teatro 2015
94 668 25 95 | www.bufaloprodukzioak.com
ASTROLABIUM TEATRO ¡Eh, Petrel!Conversando con
Julio Villar
Antzerkia / Teatro 2015
615787308 | www.astrolabiumteatroa.com
ARTEDRAMA Etxekoak
Antzerkia / Teatro 2015
946072572 / 615779511 | www.artedrama.com
GORAKADA Moby Dick
Antzerkia / Teatro familiar 2015
609 611 667 | www.gorakada.com
GAITZERDI Out
Kale Antzerkia / Teatro Calle 2015
619 415 537 | www.gaitzerdi.com
30
HORTZMUGA Lisystratas
Antzerkia / Teatro 2015
660 278 782 | www.hortzmuga.com
DANTZA
AUKERAN DANTZA KONPAINIA Maurizia
Euskal Dantza tradicional berria / Nueva danza 2016
944124801 | www.glugluproducciones.com
LASALA Now
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016
646929930 | http://www.lasala-lasala.com/
ERTZA Tiranía das cores
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016
688642736 | http://www.ertza.com/
KUKAI DANTZA TALDEA&MARCOS MORAU/ LA VERO-
NAL Oskara
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016
655 739 674 | http://www.kukai.info/index.php/eu/
ORGANIK DANTZA Irrintzi
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016
627 93 78 75 | www.organikdantza.com
CIRCLE OF TRUST & LOGELA Nagare
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016
620610654 | www.logela.org
AI DO PROJECT Grooming
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016
605730547 | www.aidoproject.com
EVA GUERRERO Anotación nº 7. Anotaciones sobre el
miedo
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016
622790220 | www.evaguerrero.dooscolectivo.es
MUGMUS LABORATEGIA Esku harriak: Oteizaren (h)aria
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2016
652720526
KttQA-Collective Eight
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015
635702482 | https://www.facebook.com/
KpiQACollective/?ref=hl
MATXALEN BILBAO DANZA L’ autre/bestea
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015
666839267 | www.matxalenbilbao.es
MATXALEN BILBAO DANZA Gear
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015
666839267 | www.matxalenbilbao.es
EL LAGARTO BAILA 2X4 HAATIK DANTZA KONPAINIA Itsas Lapurrak
Familiarra / familiar 2015 Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015
675103668 943518299 / 609101075 | http://www.haatik.com

LAURA COBO Señor Smith HAATIK DANTZA KONPAINIA Ilargiaren Malkoa /Lágrima
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015 de Iuna
636566327 Euskal Dantza tradicional berria / Nueva danza 2015
943518299 / 609101075 | http://www.haatik.com
IDURRE AZKUE Dantzagurea/Bailar por bailar
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015
HELENA GOLAB In BET ween
635143884 | www.idurreazkue.com
Danza-Performance-Mísica 2015
944100798 / 635708999 | www.portal71.com
BLANCA ARRIETA Sujetos
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015
636770717 | http://blancaarrieta.wix.com/proyectos
DISZIPLINA ANITZAK
Sra POLARIOSKA Lur Away
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015 MALAS COMPAÑÍAS Letter
610802931 | http://cargocollective.com/srapolaroiska Circo 2016
608025997 | www.malaskompanias.com
KUKAI - TANTTAKA Elkartze huí he rendez vous bctpeya...
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015 ANITA MARAVILLAS Guau
655 739 674 | Otros 2015
http://www.kukai.info/index.php/eu/ 944100798 / 635708999 | www.portal71.com

XXII. ARTE ESZENIKOAK / ARTES ESCÉNICAS MARTXOA 07 - 10 MARZO 2016 DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN
KREGO_MARTIN DANZA La ciencia de inocencia ERTZA Ikuslearen showa - El show del espectador
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015 Multidisciplinar 2015
944100798 / 635708999 | www.portal71.com 688642736 |
http://www.ertza.com/
OIHANE VARELA AIZPURUA Zein da hemen ardi bellza?
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015
MOARE DANZA & SOCIETAT DOCTOR ALONSO La
680127714
Naturaleza y su temblor. Talla 8-13
Multidisciplinar 2015
CIA ZIOMARA HORMAETXEA Symbiosis
657700739 | www.azala.es
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015
669631744 | www.ziomarahormaetxe.wordpress.com
AMEZTU PRODUKZIOAK Rock-Eroak!
CIA. CIELO RASO tormenta Circo 2015
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015 685149016 | www.ameztu.nat
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CÍA.SAINETE Lo que nos dejaron
DANTZAZ KONPAINIA Ni espioi Circo 2015
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015 655391685 | www.ciasainete.com
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DIKOTHOMIA CIA Spazi...o
DANTZAZ KONPAINIA Barrock Circo 2015
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015 667504177 | www.dikothomia.net
943 02 1136 / 629 889 826 | www.dantzaz.net
HORMAN POSTER La Leçon
DANTZAZ KONPAINIA Aureo Multidisciplinar 2015
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015 695741514 | hormanposter.wordpress.com
943 02 1136 / 629 889 826 | www.dantzaz.net
NORABIDEKOLEKTIBOA Nagoen tokiraino noa
LA INTRUSA DANZA Mud Gallery
Multidisciplinar 2015
Dantza garaikidea / Danza Contemporánea 2015
658704004 | www.norabideakolektiboa.blogspot.com
692 157 395 | www.laintrusadanza.com

ANA CAPILLA Tránsito’s in Walk

LOGELA MULTIMEDIA & EDSTEPS & PREDATORZ Bost 5
Danza urbana 2015 Multidisciplinar 2015
637462564 | www.logela.org 617622054 | https://anacapilladanza.wordpress.com/

31

Vivir para contarlo
Desde el imaginario colectivo
“E l lenguaje, la palabra, es una forma más de poder, una de las
muchas que nos ha estado prohibida” Victoria Sau.
El 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer Trabajado-
ra, constituye un buen momento para reflexionar acerca de los avan-
ces logrados en materia de igualdad de oportunidades entre hombres y
mujeres, pedir más cambios y celebrar la valentía y la determinación de
todas las personas que, en este aspecto, han jugado un papel clave en la
historia de sus países y comunidades.
El lema de la ONU del año pasado era “Empoderando a las mujeres,
empoderando a la humanidad: ¡imagínalo!”, y nos invitaba a recrear un
mundo, en nuestro imaginario, en el que cada mujer y cada niña pudiera
escoger sus decisiones, tales como participar en política, educarse, tener
sus propios proyectos y vivir en sociedades sin violencia ni discriminación.
Cualquier cambio en nuestras vidas ha de ser imaginado primero.
Si bien los logros en favor de los derechos de las mujeres han sido mu-
chos, nos quedan todavía muchas asignaturas pendientes. Una de ellas
es el empoderamiento en el imaginario colectivo. Dejar de estar como
invitadas en los territorios de la metáfora: transitar por el humor y la
poesía, Ni musas, ni espectadoras, ni objetos de las narratologías, sino
creadoras. Artistas de pleno derecho: sin justificarnos, sin pedir permiso
ni perdón por tomar la palabra.
Como cuentera, creo, que el lenguaje no es neutro. Las palabras están
cargadas. Tiran a dar. Por eso es prioritario tomar conciencia, no sólo de
lo que decimos, también de cómo lo decimos. El lenguaje importa. Indica
cómo concebimos el mundo, determina cómo nos relacionamos y qué
sociedades construimos. Muchas personas parecen percibir la xenofo-
bia de algunas expresiones como “merienda de negros”, “cuento chino”,
“moros en la costa”, etc., y están dispuestas a combatirla, sin embargo
plantean muchas resistencias para dejar de utilizar el masculino universal
a la hora de hablar. Apelan a la economía lingüística, a lo que es gramati-
calmente correcto, a la pereza… No es fácil. Cambiar el propio lenguaje
es cambiar el pensamiento y viceversa. Y precisa estar muy vigilante.
Al respecto, solo puedo decir, como escuchadora profesional de cuen-
tos, que no siempre me siento incluida en lo que escucho y que he de
hacer un esfuerzo para seguir un relato que me deja fuera como mujer.
Y al revés, al utilizar un lenguaje inclusivo, nombrando lo ninguneado, lo
invisibilizado, lo excluido..., invitamos a quien escucha a pensar de una
manera más crítica y más solidaria. Históricamente ha habido y sigue
habiendo muchos colectivos excluidos. Las mujeres seguimos siendo la
“minoría” más mayoritaria de la humanidad. Y las exclusiones se acumu-
lan, se amontonan. De manera que a algunas mujeres les da tiempo y
cuerpo para ser además de mujeres, por ejemplo, pobres, negras, viejas,
con alguna discapacidad o lesbianas… Solo nombrar lo que es, es ya
mucho. Muchísimo. Es reconocer su existencia y su derecho a ser como
es. Así que el lenguaje es una magnífica herramienta para prevenir todo
tipo de exclusión social, porque refleja lo que somos y también lo que
aspiramos a ser.
Para las mujeres que narramos profesionalmente, tomar la palabra
constituye ya en sí un acto de empoderamiento. Además de que venimos
con el fallo de fábrica y nuestro legado simbólico ha sido y es, no sólo
eminentemente masculino sino también patriarcal, el espacio público nos
sigue siendo tremendamente refractario. Compartimos con otras muje-
marzo
abril 16
Virginia Imaz
res de la escena una buena docena de vulnerabilidades gremiales: nos
cuesta encontrar una voz propia, y valoramos menos y peor nuestras
propias historias por un tema secular de falta de autoestima. En cuanto a
la visibilización, estamos en los peores horarios y en los peores espacios
y a menudo infrarrepresentadas en los Festivales de prestigio y en los
circuitos de reconocimiento profesional. Defendemos peor las condiciones
adecuadas para narrar bien, nos cuesta decir que no. Las que somos o
hemos sido madres tenemos dificultades para conciliar y nos pensamos
las giras y los viajes prolongados. Nos cuesta más reconocer nuestra
pasión como un oficio y dar el salto de lo amateur a lo profesional, etc.
Y es que no podemos ir de incógnito. Narramos desde el cuerpo que
somos. Y como narrar y escuchar cuentos es un acto de comunicación,
ignorar el hecho de que soy una mujer contando y de que cualquier cosa
que diga se va a descodificar desde el cuerpo con él que cuento o pese
a él, sería cuando menos una torpeza profesional del mismo calibre que
ignorar el sexo, la edad, la etnia, la religión o la cultura de quien escu-
cha. Narrar significa también repentizar, actualizar la historia en función
de las circunstancias en las que estoy narrando. No narro igual en una
residencia de personas ancianas que en una escuela. La historia quizás
es la misma y sin embargo es distinta en función del contexto. Narrar es
también establecer puentes entre mundos distantes y diversos.
Somos guías de viaje. “Traducimos”, no ya idiomas, sino compren-
siones diferentes del mundo. En esta aventura de narrar yo estoy muy
agradecida a la mirada feminista, basada en la lectura de la sospecha de
todo legado cultural, que me ha proporcionado una comprensión profun-
da de cómo las fuerzas externas o estereotipos –los papeles a los que la
sociedad espera que las mujeres y los hombres se adapten– refuerzan
algunos patrones arquetípicos y reprimen otros.
Para quienes hemos hecho un oficio del arte de narrar es importante
investigar y contrastar versiones, ya que algunas, muy tóxicas, conviven
con otras, particularmente sanadoras, que nos proporcionan a las perso-
nas revelaciones para entendernos a nosotras mismas y para entender
nuestras relaciones con hombres y con mujeres, con padres y madres,
con amantes, amistades y con nuestra progenie.
Pero más allá de lo explícito, el cuento narrado de viva voz, cuenta en
nuestros silencios. Nuestras manos, nuestra mirada, nuestras pausas…
Nuestro aliento es el contexto que ilumina el texto: cuestiona, acentúa
o resignifica todo lo que decimos. Así el cuento cuenta lo que cuenta
pero yo siempre me cuento al contar. Lo que soy, lo que voy siendo…
se desparrama en lo no verbal. Consciente o inconscientemente, siem-
pre hemos tomado partido y quien escucha lo percibe. En este sentido,
podemos contar un cuento sexista de una forma no sexista y viceversa.
Mi recomendación es no quedarnos en una interpretación simplista o re-
duccionista, en la cáscara del cuento. Por ejemplo, no solo o no siempre
en la consideración de si la o el protagonista de la historia es un hombre
o una mujer. Mi experiencia como narradora, como escuchadora y como
lectora es que quien lee o escucha un relato hace el viaje del héroe o de
la heroína, sea un viejo, una niña o una cafetera.
Feliz 8 de marzo. Y ojalá todos los días del año sean 8 de marzo y las
palabras sean permanentemente fiesta y celebración, una ocasión para
que hombres y mujeres nos acompañemos en la construcción de un mun-
do más igualitario y más justo.
83
w w w. a r t e z b l a i . c o m
16 marzo
abril

Jorge Dubatti

Eduardo Pavlovsky, Primer

Premio Nacional, póstumo

E n diciembre de 2015, en el Centro Cultural Néstor Kir-

chner, se entregaron los Premios Nacionales de Texto
Dramático 2011-2014, que otorga el Ministerio de Cul-
tura de la Nación. El primer premio fue, póstumo, para Asuntos
pendientes, de Eduardo “Tato” Pavlovsky. Fallecido el 4 de octu-
alcahuetes, mezquinos, esos cuerpitos que se esconden para ha-
cernos doler de tristeza, de hambre, de crimen, de vergüenza,
esos cuerpitos que no tienen alma, le temen, le temen a su cuerpo
que es todos los cuerpos alegres apasionados, de alegría inteli-
gente, atorranta porque está afuera del significado, y ahí estos
bre anterior, el autor de Potestad está plenamente presente en cuerpitos que usan la razón de un mercado eternamente sediento
su enorme legado a la cultura no saben qué hacer, porque hu-
argentina. ¿De cuántas formas manizó el horror, se los comió,
pensar ese legado? Destaca- los mostró humanos, hizo del
das figuras de la escena ar- miedo poesía y después se mu-
gentina reflexionan sobre la rió de viejo. Tato nos enseñó la
relevancia en el teatro, la cul- vida y estos boludos que bailan
tura y la política del gran dra- como muñequitos de madera
maturgo y actor de El señor se creen que son eternos, no lo
Galíndez y Rojos globos rojos. son, Tato se metió en la muerte
El actor y director Pompeyo para que nos demos cuenta de
Audivert afirma: “Tato refe- que estamos vivos y contra esa
rente absoluto, fuerza animal fugacidad de intensidad eter-
poética y política, territorial y na, contra eso, no tienen misi-
desterritorial, punto de encaje les, manga de boludos, manga
singularísimo de multiplicida- de hijos de puta, nos estamos
des humanas e inhumanas. riendo de ustedes en medio del
Tato actor, dramaturgo, ensa- diluvio del llanto”.
yista, psicoanalista, Tato ético, El director Enrique Dacal
político, boxeador, niño, cuerpo recuerda: “Al enterarme de la
habitación y cuerpo deshabita- muerte de Pavlovsky, tuve ne-
do, máquina de devenir. Y Tato cesidad de dialogar con mi an-
también hoy como ayer: faro gustia escribiendo unas líneas
de tinieblas en esta intempe- que ahora reproduzco, de me-
rie acéfala en la que estamos moria y más o menos así: ‘No
nuevamente solos y juntos, fui demasiado amigo del Tato
como en una obra suya, que Pavlovsky..., me lo perdí y, sin
alumbra por contraste, donde embargo, siento que lo extraño
la identidad patética y sinies- como a un hermano mayor que
tra del mundo histórico es me ha dejado...’. Empecé a ha-
revelada poéticamente como cer teatro en 1969, en el Teatro
la contracara de esos buenos de la Fábula. Allí estaba Tato,
modales de estilo suntuoso muchacho grande que com-
con los que el poder se viste partía el grupo Yenesí con Julio
para abducirnos. Compañe- Tahier. Tenía una ‘jeta’ imposible
ro Eduardo ‘Tato’ Pavlovsky, de dejar de mirar y de recordar.
¡Presente!”. Recuerdo que, desde mi condi-
Para Bernardo Cappa, director y dramaturgo, “Tato es un cuer- ción de niño insolente y soberbio que creía que estaba haciendo
po ya para siempre. Tato ofreció su cuerpo al horror y se hizo teatro, lo veía a ese grandote en el escenario como el ideal de lo
santo. Es nuestro santo. Se lanzó a las llamas del horror y salió que yo quería hacer ‘cuando realmente me sintiese actor’... Y ahora,
iluminado, le robó al fuego del horror la luz. Tato está iluminando ya tirando para jovato también, reconozco que cada vez que subí
cada gesto de cada actor, su fantasma es infinito. Los cuerpitos a un escenario, cada vez que me tocó actuar o dirigir, me la pasé
84
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queriendo hacer sus mismos gestos, queriendo manejar esos sus
tiempos y ese su vocabulario... Creo que traté de robarme algo de
su talento... Se me ocurrió sincerar esta sensación. Es para mí una
manera de bancarme la tristeza..., la vida que pasa... Yo quería ser
como él. Quiero ser como él. El Tato Pavlovsky, aunque el quizás
nunca lo supo, fue mi compañero de ruta, el líder ético y estético
que quise seguir, pretendiendo escribir algunos renglones de alguna
página teatral..., a lo mejor.”
La dramaturga y teórica cubana Nara Mansur nos escribe: “Sí,
es posible crecer y cambiar si hacemos psicodrama, aunque sea
en La Habana, donde se organizan grupos de psicodrama des-
de que era muy joven, de psicoterapia grupal adonde asistimos
cualquiera de nosotros y somos cualquiera, una voz, una mueca,
un llanto, un deseo. Sí, es posible leer lo que escribe un artista
como él y que nos haga querer estudiar más y confirmar que el
arte es autoconocimiento, riesgo, sentido de pertenencia a cosas
innombrables a veces. Sí, es posible pensar en la alegría como
un compromiso y en la que no nos fue dada para cumplir nuestro
sueño (‘Ser cultos para ser tristes’, ironizando a Martí que escri-
bió ‘Ser cultos para ser libres’). Estudiamos a Pavlovsky en Cuba
en las clases de teatro latinoamericano, leímos sus obras, lo vimos
actuar, lo vimos envejecer y siempre fue y es una presencia y una
fe que nos acompaña: ¿qué hacer?, ¿qué ser?, ¿qué cara, qué
gesto?, ¿qué lengua para chupar? En la necesidad de los otros,
por los otros, por el amor, en la idea de quién soy yo en el amor,
en lo más subversivos que nos permitimos ser. Y en la mosca que
a veces nos zumba y dejamos hacer lo que se le cante, porque
quizá está a punto de morir”.
El dramaturgo Alejandro Finzi recuerda desde Neuquén: “Cono-
cí a Pavlovsky como espectador y como lector. Un puñado de es-
pectáculos; un puñado de obras. Escritura partera de personajes
de las orillas, de los arrabales de la existencia, de los extremos y
las desgracias. Pero, maravillosamente, personajes de una porfía
neta, enamorados de la vida. Sus criaturas me mostraron ese ofi-
cio prodigioso por el cual la tarea del teatro no consiste en cerrar
heridas sino en abrirlas. Sus criaturas me muestran que con esa
mentira de la escena construimos ese cachito de verdad que po-
demos poseer o vislumbrar. Una verdad que no se impone, sino
que construimos entre todos, como cuadrilla que abre un camino
en medio de la tormenta”.
Christian Forteza dirigió varias de las obras de Pavlovsky, dice:
“La ausencia de Tato se va a sentir en diferentes ámbitos, en
el terapéutico, en el intelectual, el político y por supuesto, en el
artístico. Un hombre múltiple, como a él le gustaba, multiplicar…
multiplicar… devenir. Mi experiencia con sus textos me marcó y
me impregnó de una forma de dirigir distinta, a veces muy difícil
de transmitir a los actores. Entendí que su teatro no era de repre-
sentación, ilustrativo de la palabra, sino un teatro de estados, de
intensidades. En su dramaturgia, con influencia beckettiana, con
humor y con aspectos existencialistas, la palabra se inscribe y a la
vez atraviesa todo el cuerpo del actor, y la actuación puede cobrar
nuevos sentidos latentes”.
Dramaturgo y psicoanalista, Jorge Palant reflexiona: “Pavlovsky
fue un hombre de teatro, que es algo más que decir que lo escribía
o lo actuaba. Y además era teatral: el relato de la escapada por
aquella terraza cuando había ido a buscarlo la patota parapolicial,
más el final del episodio, con él en una comisaría denunciando y
fingiendo que hablaba con quien no hablaba, dan sobrada cuenta
marzo
abril 16
Postales argentinas
de eso. Podría agregar que en esa teatralidad quedó incluida la
agilidad que el deporte alguna vez le había conferido. Teatralidad
entonces de un ex deportista cuyo teatro fue siempre ‘un cross
a la mandíbula’. Así Telarañas, El señor Galíndez, Potestad, Paso
de dos, pieza, esta última, de marcada creatividad formal. Como
actor fue el mejor para actuar sus propias obras. El legado que
nos deja es, a mi criterio, que no habría que andarse con vueltas
cuando se quiere pegar fuerte. Tengo este recuerdo. A fines de los
sesenta le digo que quiero leerle una obra mía, Las visitas. Des-
pués de hacerlo y escuchar sus comentarios, le pregunto cómo se
las ingeniaba él para juntar el psicoanálisis (práctica rayana en el
ascetismo en lo que hace a la vida personal del analista) con su
ser teatral, como autor y actor, ya que eso podría haberle traído
dificultades con la Asociación de Psicoanalistas a la que pertene-
cía. ‘Yo quiero ser Vittorio Gassman’, me contestó riendo.”
Manuel Santos Iñurrieta, director del grupo El Bachín, concluye:
“Pavlovsky ha sido un gran autor y actor, un gran pensador del
teatro, pero por sobre todas la cosas ha sido un ejemplo de co-
herencia estética y política. Él nos ha invitado siempre a pensar y
emocionarnos con sus obras y escritos, como también a entrar en
los conflictos humanos y sociales con la vocación de un peleador,
de un boxeador que resiste y se resiste a caer en la lona sin antes
haberlo dejado todo. Este acto como enseñanza es disruptivo,
rebelde, y ciertamente revolucionario. Y apela a la dignidad de re-
conocernos tal cual somos, carentes e incompletos, pero conven-
cidos que en el ‘ir’ a buscar las respuestas necesarias a través del
arte y la vida re-fundaremos en los márgenes nuestras utopías.”
Desde comienzos de los sesenta, Eduardo “Tato” Pavlovsky
(1933-2015) escribió algunos de los clásicos insoslayables de la
dramaturgia nacional: La espera trágica, El Señor Galíndez, Potes-
tad, Rojos globos rojos, Asuntos pendientes (publicada por la Edi-
torial de la Universidad Nacional del Sur, EDIUNS). Los teatristas de
la nueva generación valoran profundamente su obra, entre ellos el
director y dramaturgo Mariano Tenconi Blanco, que piensa a Pavlo-
vsky con estas palabras: “Todo lo hizo con un nivel de intensidad
que es una auténtica inspiración. Hizo natación y fue campeón sud-
americano, y desde este campeonato, no dejó nunca de ser el cam-
peón de todo. Se recibió de médico a los 22 años pero se orientó a
la psicoterapia y es una enorme referencia en la especialidad. Fue
militante político y un grupo paramilitar quiso asesinarlo en 1978.
Como autor y actor es una luz que nos iluminará siempre. Pero lo
que yo quiero destacar, antes que su obra, es su vida: porque Pavlo-
vsky borra ese límite. Todo en él fue obra. Pavlovsky se pliega sobre
sí mismo y no sabemos qué es ficción y qué es realidad. Porque todo
en Pavlovsky es político. Nombrarlo es político. Escribir su nombre.
Pavlovsky. Lo hago y sé que tengo, entonces, una responsabilidad.
Pavlovsky. Joven dramaturgo/a argentino/a, cuando pierdas el rum-
bo, escribí este nombre en un papel: Pavlovsky.”
El joven director Sebastián Berenguer (que puso en escena ver-
siones de La espera trágica, Tercero incluido, El Señor Galindez) es-
cribe: “Qué persona maravillosa Pavlovsky. Su apellido podría ser el
título de una obra. Sr. Pavlovsky. Nombre del hombre que es teatro.
Su mirada de la realidad, la sensibilidad y el compromiso político-
social de sus textos, y las inmejorables interpretaciones de sus per-
sonajes, lo convierten en el máximo referente del teatro político del
siglo XX, y en uno de los grandes ‘inspiradores’ para los teatristas.
Doy gracias por haberlo conocido, de ahora en adelante poner en
escena sus textos será una manera de resucitarlo”.
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16 marzo
abril
María Chatziemmanouil
Jan Fabre: un herético al timón
del Festival de Atenas
D os meses después de la polémica expulsión de Yiorgos
Lúkos desde la posición del director artístico del Festi-
val de Atenas-Epidaúro (fue acusado de malgestión que
costó al Festival unos 2,7 millones de euros; la justicia aún no se
pronunciado sobre el caso), llegó la noticia bomba: el nuevo director
artístico del Festivcal es el flamenco Jan Fabre.
El polifacético artista
belga (es escritor, director,
coreógrafo, escenógrafo,
artista plástico) ha gene-
rado con su trabajo tanto
entusiasmo como polémi-
ca, y es conocido por todo
el mundo por sus ideas
subversivas. La asignación
de Fabre como director
artístico del Festival griego
más importante se anunció
el miércoles pasado con un
simple comunicado de pren-
sa del Ministerio de Cultura,
y creó grandes expectati-
vas. La noticia le encontró a
él en Londres, junto con sus colaboradores, y su primera reacción
fue expresar su entusiasmo por la nueva “aventura artística”.
Desde sus primeros momentos sobre la escena, el nombre de
Jan Fabre fue siempre acompañado con adjetivos como provocativo,
iconoclasta, o herético. En la década de los setenta, en su espec-
táculo Money quemaba billetes de banco, que pedía de su público,
para escribir luego con sus cenizas la palabra Money. Desde en-
tonces ha sido considerado como una personalidad que rompe las
convenciones del teatro contemporáneo mediante la introducción de
la lógica de la “instalación en vivo” y explora posibilidades coreográ-
ficas radicales con el fin de renovar la danza clásica. ¿Cómo define
él mismo las palabras “desafío” y “escándalo”? En una entrevista
más antigua a un periódico griego , Fabre responde: “Creo que la
palabra “desafío” se utiliza de una manera incorrecta, es decir, en
un sentido negativo. Para mí el desafío no es nada más que la reac-
tivación de la mente”.
Aunque todavía queda mucho por aclarar por parte del Ministerio
de Cultura griego, se espera con el máximo interés la conferencia de
prensa, durante la cual Fabre dará a conocer sus primeros planes.
Es probable que el festival griego vaya a dejar de ser un “principio
de un solo hombre”, ya que en contraste con Yiorgos Lúcos, que
tenía también la posición del presidente del consejo administrativo
del Festival, Fabre se encarga solo con la “dirección artística”. ¿Ha-
brá cambios en la estructura organizativa del Festival? Y si es así,
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El método griego
¿en qué medida? La reputación internacional de Fabre, junto con
el impacto reconocido que tienen en el extranjero lugares emble-
máticos del Festival (el Odeón de Herodes y, sobre todo, el teatro
de Epidáuro), ¿podrían ser parámetros positivos para la atracción
de patrocinadores privados, especialmente en un momento que las
posibilidades para subvenciones estatales están dramáticamente
limitadas? ¿Qué será del plan
de este año, dada además la
presión de tiempo?
Nacido en Amberes en 1958,
Fabre mantiene estrechos vín-
culos con nuestro país: sus
obras se han producido varias
veces en diferentes lugares (en
el Palacio de la Música de Ate-
nas, en el Festival Internacional
de Danza de Kalamata y en Te-
salónica), mientras que también
ha colaborado con varios artis-
tas griegos.
La relación de Fabre con Gre-
cia, como también la de la ma-
yoría de artistas occidentales,
tiene que ver con Grecia antigua con sus mitos, su filosofía, su teatro
y su arte inmortal. Su espectáculo Montaña Olympos, la apoteosis
de la cultura de la tragedia que duró 24 horas, estrenado el otoño
pasado en Tesalónica, en el marco de la celebración de los 50 años
del Festival Dimitria, fue su última producción que vimos en Grecia,
un “enfrentamiento” iconoclasta con los antiguos mitos griegos: los
destinos de los héroes y heroínas de la guerra de Troya, y los de
Medea, Antígona, Prometeo, Edipo y Electra, se entrelazan con histo-
rias actuales y su significado se explora con el arma del psicoanálisis.
Fabre mantiene deliberadamente la doctrina aristotélica de la unidad
de tiempo y espacio. Según el filósofo griego, una tragedia puede te-
ner lugar en un solo espacio y la acción debe ser presentada en un
plazo no superior a un día, desde el amanecer hasta la puesta del sol.
Siguiendo a Aristóteles, Fabre invitó a los espectadores perderse en
un universo teatral candente durante 24 horas.
Con “Prometeo Paisaje II”, estrenado en 2011 en Atenas, Fabre
buscó la dimensión trágica “de la misericordia y del miedo, las
emociones fundamentales de la tragedia griega”, declarando al
mismo tiempo que nuestra época “necesita desesperadamente a
un héroe.”
Creemos que queda claro que el programa del Festival de Atenas-
Epidáuro de este año, sin duda ninguna, es el evento cultural más
esperado en Grecia. En cuanto se anuncie, pues, volveremos al tema
con más información.

El lado oscuro
Fomentar la formación de
comunidades de espectadores
U nos de los temas que en los últimos años es el conocimiento de
los públicos. Conocer a los públicos objetivo de un proyecto es
la clave del éxito. La cuestión es cómo conocerlos.
Hay que agradecer que en los últimos años se hayan eliminado los pre-
juicios hacia el marketing y hayan surgido algunas iniciativas que aportan a
los gestores escénicos instrumentos para el conocimiento de sus públicos
habituales y potenciales. Quiero citar especialmente el trabajo que está ha-
ciendo el equipo de Asimétrica para poner en nuestras manos experiencias
y metodologías anglosajonas que han mostrado su eficacia en el conoci-
miento y gestión de públicos, así como el servicio que presta el equipo de
Teknecultura en el ámbito de la explotación de datos estadísticos generados
por las aplicaciones de ticketing para obtener conocimiento que sea de gran
utilidad en la toma de decisiones.
Ambas iniciativas han permitido que el sector haya dado un gran paso
en el conocimiento objetivo de sus públicos y en la profesionalización de su
gestión. Sin embargo, ambas iniciativas se enmarcan en una lógica de mer-
cado que tiene como principal objetivo mejorar el resultado de explotación
de un espacio escénico o de un festival. Ninguna duda en que la eficiencia
en la gestión sea un factor clave de una buena práctica escénica tanto del
sector público como privado. Pero así como en el sector privado conseguir
unos ingresos de explotación satisfactorios sea un objetivo, en el sector pú-
blico sólo es una condición de sostenibilidad del proyecto y de rentabilidad
social de los fondos públicos invertidos.
Los espacios escénicos públicos, que representan un 75% de los
1.546 que había registrados en España en el año 2014, deben aplicar
una doble lógica: una lógica de mercado (porque operan en él) y una
lógica de servicio público (la que da sentido a su acción y a los fondos
públicos que invierten en ella). En lógica de servicio público el objetivo
es facilitar el desarrollo personal y social. Esto comporta promover el
aprendizaje y el empoderamiento de los espectadores.
En varios países europeos se está desarrollando el proyecto Be Spec-
tACTive! financiado por el fondo Europa Creativa en el que participan nueve
partners de distintos países promoviendo experiencias de participación de
los espectadores tanto en procesos creativos como en la decisión de los
contenidos de programaciones de espacios escénicos. El objetivo es ver
qué oportunidades hay para la implicación y empoderamiento de los espec-
tadores en el desarrollo y gestión de propuestas escénicas. En este sentido
aporto algunas consideraciones y propuestas.
a. Un espacio escénico debe ofrecer, más allá de la programación
de contenidos artísticos de calidad, actividades complementarias que
permitan a los espectadores la interiorización de las experiencias com-
partidas y ciertos aprendizajes instrumentales. Las posfunciones son
un recursos excelente para el análisis y la interiorización de la expe-
riencia escénica compartida. También son de gran utilidad los talleres
de espectadores, como los que promueve en Barcelona el equipo Agost
Produccions (en la línea de las escuelas de espectadores de Jorge
Dubatti en Buenos Aires), los encuentros con creadores, los talleres
y cursos sobre técnicas escénicas, los debates y conferencias sobre
marzo
abril 16
Jaume Colomer
el patrimonio escénico local y universal, etc. El objetivo es facilitar la
interiorización de la experiencia escénica y el conocimiento del patrimo-
nio escénico y los lenguajes de las diversas disciplinas escénicas para
desarrollar la capacidad de análisis crítico de la oferta y de elección
autónoma de los contenidos que puedan aportarles más beneficios en
su desarrollo personal.
b. Más allá de facilitar los aprendizajes descritos, un espacio escénico
debe procurar formar comunidades de espectadores que aprendan a
ser capaces de gestionar colectivamente las experiencias escénicas que
disfrutan, pasando de la condición de consumidores a la de prosumi-
dores. Para formar y desarrollar comunidades de espectadores es ne-
cesario que el espacio escénico promueva la formación de plataformas
asociativas y su empoderamiento (una palabra tal vez un poco bárba-
ra) para facilitar que los espectadores sean cada vez más sujetos de
su propia historia. Los equipos de gestión profesionales siguen siendo
necesarios, pero el diálogo entre espectadores y profesionales escé-
nicos puede enriquecer mucho la experiencia escénica, tanto por los
procesos de análisis y reflexión como por los contenidos programados.
La metodología para el desarrollo de comunidades de espectadores
no la aporta el marketing (aunque en su última formulación apuesta
por el marketing colaborativo con un discurso parecido al que propo-
nemos pero sin abandonar la lógica de mercado) sino las propuestas
de animación sociocultural o desarrollo comunitario que surgieron en
Europa en los años sesenta y que son plenamente vigentes. Un caso de
referencia que muestra las oportunidades de desarrollo comunitario a
partir de un proyecto escénico es el del Teatro Kursaal de Manresa que
impulsa la asociación El Galliner.
c. Considero que la implicación y empoderamiento de los espectadores
puede ser un activo importante para desarrollar proyectos escénicos en el
nuevo contexto social y económico. Nos ayudará a abandonar la comodidad
de las políticas de democratización cultural que se han desarrollado en Es-
paña en las décadas de vacas gordas y nos permitirá entrar en el terreno
menos explorado y más complejo de las políticas de democracia cultural.
La animación sociocultural y la dinamización comunitaria nos aportan me-
todologías solventes. Tal vez la gran dificultad es la resistencia de los pro-
gramadores y gestores escénicos a abandonar su monopolio en el proceso
de toma de decisiones para compartirlas con sus públicos. Esta resistencia
está motivada, en muchos casos, por el miedo que conlleva la pérdida del
poder “absoluto”, aunque probablemente se darán cuenta que los especta-
dores pueden ser sus principales aliados para evitar las arbitrariedades de
muchos políticos locales que tienen ansias de intervenir en los contenidos.
Mientras desarrollamos las metodologías y herramientas anglosajo-
nas para el desarrollo cuantitativo de los públicos que nos permitirá
garantizar la sostenibilidad de los proyectos de los espacios escéni-
cos de titularidad pública, deberíamos empezar a reflexionar sobre las
oportunidades que ofrece la implicación y participación de los especta-
dores en la gestión de un espacio escénico abandonando la comodidad
de mirarlos sólo como clientes.
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16 marzo
abril
Víctor Criado
Equilibrios
“Y a se están poniendo creativos”. Lo dice un director
de escena con cierta ironía, al mismo tiempo que,
como encargado de dirigirnos, nos induce a evitar
“ser creativos”.
“He aprendido que esto de dirigir consiste en encontrar un equili-
brio entre evitar tensar demasiado la cuerda para no romperla y no
dejarla demasiado suelta”. La cuerda, imagino yo, es la que nos man-
tiene atados a los actores. Bien atados. Esto me lo cuenta un amigo
director, que a su vez se lo escuchó decir, como aviso para navegan-
tes, a un director de escena con mucho prestigio.
¿Quién ha dicho que el arte de actuar debe contemplar la existencia
de una cuerda? Me pregunto yo. ¿Y si se nos ocurre dejar a los caba-
llos sueltos, qué sucedería?
¿Dónde se encuentra el equilibrio en esta más que interesante dia-
léctica creativa actor-director? Esa es la pregunta que me ocupa el
artículo de este mes. Debo indicar que, como parte implicada (actor)
mi objetividad es más que cuestionable, no obstante…
Sucede que aquí, en Suecia, y después de unos cuantos años de
trabajo dentro de la profesión, la sensación que tengo es la de que el
actor es “creativo”, quiero decir, hay una gran parte de las decisiones
sobre el personaje y la forma de interpretarlo que son suyas, y que
nadie cuestiona. El director es más un “tercer ojo” a nivel interpre-
tativo. Evidentemente la “lectura” que hace del texto y de la puesta
en escena es suya. Podemos también decir que, a nivel de dirección
de actores, trabaja en “negativo”. Quiero decir, que puede expresar
lo que “no funciona”, pero nunca “imponer” aquello que cree puede
funcionar. Todo esto tomado con la distancia que las generalizaciones
obligan, quede claro. Pero si es algo que, desde el primer momento,
me llamó poderosamente la atención. En las escuelas de interpretación
se incide mucho en la formación del actor como un artista “creativo”
individual, alguien que no solo obedece directrices, sino que también
es partícipe de su propia creación-interpretación. Capaz de construir
su texto, su propia historia, desarrollarla y presentarla al público.
Todo tiene sus pros y sus contras, ya que si lo miro con distancia
crítica, a veces echo de menos cierta disciplina en los actores suecos,
encuentro en determinados momentos demasiada intervención por
parte del actor, lo cual tiene como consecuencia, en determinados mo-
mentos, la desaparición del “personaje” sobre la escena en beneficio
del actor. En cambio se gana en organicidad, el texto fluye, es mucho
más orgánico, desde el primer momento las palabras son suyas, del
actor, lo cual evidentemente se agradece sobre la escena. No puedo
evitar, sin embargo, añorar cierta tensión en su trabajo, cierta dificul-
tad, cierta incomodidad que obligue.
Sucede allí que el actor está mucho más sometido a las órdenes del
director. “Ser creativo” está considerado, y no solo por ese director
del que antes hablé, un problema, no una solución. Lo cual implica una
renuncia por parte del actor a sus propios impulsos, para dar cabido
a los del otro. Sin embargo esto, que en un principio, no es una virtud
(por lo menos desde mi punto de vista), si tiene algunos beneficios.
Aquí si debo reconocer algunas virtudes, que no son pocas, en los
actores de allí, de donde provengo.
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Noticias desde los fiordos
Otro famoso y prestigioso director decía que algo que caracteriza a
los actores de allí es la capacidad que tienen para “lanzarse a la pis-
cina”, incluso sin haber comprobado previamente si hay agua. Y esto
es, en sí mismo, una gran virtud, que a veces pasamos por alto, de-
bido al síndrome de “que todo lo que viene de fuera es mejor”. Bien,
yo que estoy fuera, con cierta distancia, puede reconocer el valor de
esa “capacidad”. El personaje es un “traje” con el cual me debo vestir,
solo que me corresponde a mí su propia confección. El director, como
mucho, debe ayudar en el diseño del patrón, arrancar los trozos que
sobran, sugerir quizás la eliminación de esa arruga… poco más
(Se nota la implicación subjetiva del autor, ya lo confesé al comienzo).
Una vez hecha esta reflexión me puedo preguntar el porqué de
estas características, y puedo responderme que una democracia
muy avanzada y que ha logrado unas altas de igualdad entre sus
ciudadanos, tiene como consecuencia lógica la formación de acto-
res “creativos” y con una enorme capacidad de influir en su propio
trabajo, actores que cuestionan el rol del director o que la sitúan
en otro contexto. En cambio un estado, hijo primogénito de una dic-
tadura de casi cuarenta años (eso sin contar el pasado anterior),
en el cual el concepto igualdad no era más que una palabra en el
diccionario (y no la más hermosa), ha generado una dinámica en
el actor en la cual las órdenes de la dirección están ahí para ser
obedecidas. Se puede rechistar eso sí, pero al final la cuerda, o la
sartén, la sujeto yo (el director).
Es evidente que en Suecia hay directores que aprietan (pueden
hasta llegar a ahogarte, por lo que he podido saber), y que allí hay
directores que generan una dinámica de creación en común donde
todos aportan, pero lo apuntado antes es un ruido de fondo que se
puede escuchar a nada que uno se mantenga a la escucha.
Equilibrio. Esa sería la combinación perfecta, y por ello imposible
de alcanzar. Encontrar un equilibrio entre estás dos tendencias. El
actor sueco dispuesto a lanzarse a la piscina sin comprobar si hay
agua (una vez comprobado cualquiera se atreve, es esa cualidad de
hacerlo sin saber, de asumir que te la puedes dar, lo que convierte
la temeridad en cualidad, sobre todo en un escenario). El otro actor,
el de allí, decidido a ser creativo, a romper la cuerda que sujeta el
director para comenzar a conquistar su personaje. O arrebatársela de
las manos para ser el quién la maneje. Algo que debe ser impulsado
desde las escuelas de interpretación, fomentado por los directores.
Trabajar de igual a igual, trabajar en equipo, de verdad, dispuesto a
correr riesgos. En un equilibrio perfecto.
Pd: Uno de los directores que he nombrado antes me confesó
que el arte más perfecto que había, a su juicio, era la música. Yo
me pregunté entonces que porqué hacía teatro, pero esa pregunta
se quedo encerrada en mi cerebro. Lo que sí he descubierto con
el paso de los años es que la perfección es un concepto abstracto,
una idea, una construcción del ser humano. Y ese ser humano
no lo es. Y de eso trata el teatro, de la lucha frente a la muerte,
de la lucha frente a la imperfección, frente a lo desconocido. Por
eso, a mi juicio, es la más perfecta de las artes, porque refleja la
imperfección que somos.

Cronicón de Villán... y corte
Arte Nuevo y Alfonso Sastre
en el Español
Q uerido Alfonso: por Madrid hace un tiempo de perros, esta
Siberia manchega que sigue siendo un poblachón, pese
a los inventos de la modernidad. Madrid seguirá siendo
por siempre y para siempre el Madrid “absurdo, brillante y hambrien-
to” tal como lo definió Valle Inclán en Luces de Bohemia. La gran
trinidad adjetivadora de Valle, manco genial por una disputa de café.
Tres niveles: el metafísico, el material y el sociológico. Respecto a la
manquedad, prefiero la fantasía de Gómez de la Serna que se lo echó
a un león, para que se entretuviera con esos pequeños despojos y no
lo devorase entero. Hay muchos leones en la Metrópoli y cada día se
pegan un festín. Por eso Madrid empieza a ser, como en los versos
de Dámaso Alonso, una ciudad con millones de muertos. Tu barrio de
Cuatro Caminos, ya no es castizo sino arábigo; hay más moros que
cristianos y la calle de Bravo Murillo parece un zoco que de vez en
cuando alborotan la razzias de la policía.
Deseché la idea de ver algún ensayo de Arte Nuevo, un homena-
je que me habían ofrecido. Preferí quedarme en casa, cosa que mis
piernas agradecieron. Tú y yo andamos mal de los pies, aunque pen-
semos bien con la cabeza. Tú eres como Valle, pero renqueante con
90 años en cada pierna. Tampoco con él fue misericordioso el teatro
español, ni falta que le hacía.
La rueda de prensa para presentar el montaje de Arte Nuevo ha
sido multitudinaria y tumultuosa. No sé qué habrá recogido la prensa.
La prensa de teatro no es mejor ni peor que la otra prensa. Está de-
mostrado que, cuando el ciego visionario Max Estrella se preguntaba
“qué dirá mañana esa prensa canalla” y don Latino le contestaba “lo
que le manden” no se refería a la prensa de teatro.
Tampoco sé cómo serán las críticas del estreno de Cargamen-
to de sueños unida a El hermano, de Medardo Fraile. Para mí la
idea de hacer un homenaje a Arte Nuevo me parece un acierto y
más en estos tiempos de tribulación. Otra cosa es poner al lado de
Cargamento de sueños, que es un auto sacramental surrealista, El
hermano de Medardo Fraile, que es un sainete duro y sentimental
con un punto de misterio. Medardo pasará a la historia como un
maestro del relato corto. Como autor dramático de vanguardia, a
pesar de haber escrito en colaboración con Sastre pequeñas piezas,
es un vanguardista menor.
El espectáculo dividido en dos actos se abrió con tus palabras de
salutación desde tu refugio de Hondarribia, “el borrascoso Norte
que decía Bergamín en sus querellas con Alberti. La gente las escu-
chó con santa unción. A mi lado, Zutoya Alarcia, tu actriz fetiche,
lloraba sin disimulo. Guiomar, su hija, actriz joven, guapa y recental,
no creo que llorara. Pérez de la Fuente se removía en el asiento de
delante, recordando quizá el calvario, felizmente resuelto, de Ulalu-
me. Mientras, Xabi Puerta buscaba a José tu hermano, escondido
en algún lugar discreto
Como tú sabes mejor que nadie, Cargamento de Sueños es un auto
sacramental pasado por el surrealismo. Lo cual impone una estética
escénica de narratividad sincopada que, a la vez, determina una
marzo
abril 16
Javier Villán
estilística visual e interpretativa. José Luis Garci ha reducido a tres -
Manfred, Joschoua y Frau- los cinco personajes. El padre y la madre
han sido disueltos en la musculatura de los otros tres. Hay momen-
tos de rara y honda sensibilidad, fulguraciones plásticas que rozan
la perfección. La iluminación de José Manuel Guerra es un magnífico
ejercicio creador.
Cargamento es una pieza germinal y en cierto sentido de una poé-
tica afín a un Lorca, oculto o muy poco conocido por entonces; el
Federico del teatro bajo la arena, el de El Publico. Lorca era Bodas
de Sangre, La casa de Bernarda Alba. Y poco más. No sé qué pensa-
rás de esto y el grado de conocimiento que teníais vosotros del otro
Lorca. En cualquier caso, una audacia mía; como la de atribuir a Arte
Nuevo el origen de tu teatro imposible.
Tú no podías saberlo, pero en Cargamento de Sueños está también
el vislumbre de Bekett y Esperando a Godot. En algún momento pare-
ce que Garci va a decantarse por el marco de Vladimiro y Estragon,
pero acaba respetando el otro absurdo, el existencialista de Camus.
La presencia de Frau, la putilla de fuerte contextura moral con la ética
sacramental de los suicidas, la interpreta Ana Carlota Fernández. Ojo a
esta muchacha; puede llegar lejos. Posee una belleza nada espectacular,
pero turbadora. Interioriza el personaje y luego lo proyecta sin pudor.
Está mejor en El hermano; el enigma de una misteriosa y traumática
relación amorosa, un hermano protector también enigmático. Y unos
padres preocupados por la felicidad y las amarguras de la hija. También
Gary Piquer está mejor en el Padre del hermano que en Jeschoua.
Ana Fernández ha hecho de la naturalidad, una seña de identidad
con la que transita por los recovecos más enrevesados de sus per-
sonajes. Interpretar sin dolor, ahí está la clave. Al menos, a mí me lo
parece. Miguel Angel Muñoz es el hermano cómplice y a la vez severo,
inaccesible a la exigencia indagatoria de los padres. El hermano es
una pieza realista, un costumbrismo sin aspiraciones de vanguardia. A
no ser que tomemos como tal el naturalismo bien construido y dialo-
gado, frente a la mediocridad de los años de la autarquía.
Enorme gratitud a El Padre, que lee Marcial Lafuente Estefanía mi
ídolo de la infancia. Hasta que llegué al Seminario y los curas me me-
tieron el Siglo de Oro como asignatura obligada, Lafuente Estefanía
era mi autor preferido. De su estilo literario no aprendí mucho. Pero
me queda una pasión a machamartillo por el western, cine maldito
para la progresía de los años 70, que flipaba por Antonioni y Mónica
Viti. No les quito mérito a estos dos iconos, pero en mí perduran
más los puñetazos de John Wayne y las piernas interminables de
Angie Dickinson, un suponer. Entonces empecé a darme cuenta de
que los progres, además de ser la negación de la izquierda, suelen
ser unos imbéciles.
Resumiendo, el verdadero Arte Nuevo es Cargamento de Sueños;
responde a este poema, verdadero canon del movimiento efímero y
aniquilado no por la censura, sino por las deudas y las mezquindades
económicas: “venimos a incendiar los viejos edificios, a romperle la
crisma a este viejo teatro”.
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abril

Las Lejanías
La falsedad de “lo políticamente
correcto” y apoyos varios
L a primera vez que descubrí el significado de “lo
políticamente correcto” fue con el cuento de Ca-
perucita Roja. Era yo muy pequeño y no entendía
lo que querían decirme con aquel cambio al final, además al
final, ¡en el momento más impor tante de la narración, el deci-
sivo! ¿Por qué aquel giro tan exabrupto? Sería que el cuento
original estaría mal escrito, o querían mejorarlo, puede que
quisieran remarcarnos algo muy impor tante para que supié-
ramos lo que “no debía ser” (lo censurado) y lo que “sí debía
ser” (el cambio), pero yo no veía las mejoras ni el mensaje por
ningún lado, además me parecía lo más natural que un lobo
se comiera a una abuela, a la nieta de la abuela, al leñador y
a todo quisqui que se encontrara a su paso, a pesar de saber
que suelen actuar en manada, y acercarse a los hombres les
gusta tanto o más que a los hombres acercarnos a ellos. Esto
lo sabía por mis raíces paternas, un revoltijo entre leoneses y
gallegos, una familia muy sensibilizada con el tema de los lo-
bos. Entonces entendí que la censura no corregía los errores,
sino que ocultaba las verdades. Descubrir esto de niño, qué
queréis que os diga: duele.
Muy naif, sí. Mis reflexiones eran muy naif, de niño yo era una
criatura muy naif que no aplicaba más que la observación, el
sentido común a todo lo que veía... y nada me cuadraba. Así des-
cubrí que lo que nos enseñan no se corresponde a lo que vemos,
y ya no hablemos de lo que “no debía ser” y “sí debía ser”. Y con
las pocas verdades que hay en el mundo, pobrecitas.
Esto me dedicaba yo a pensar durante los largos paseos de
mi casa en la calle Jazmines de Igualada hasta la biblioteca (cru-
zaba media ciudad) y de la biblioteca a mi casa, único hogar, por
cierto, del que he sentido que podía salir con los ojos cerrados
y abrirlos ante las puertas de cualquiera de las dos bibliotecas
públicas que había en el centro, muy cerca de la rambla. De
esta infancia feliz entre libros, bibliotecarias que me miraban ir y
venir, llevarme y devolver libros casi el mismo día, proviene esa
sensación de frustración y rabia que he sentido varias veces en
los mostradores de las bibliotecas privadas cuando me negaban
el paso y yo les sacudía en las narices la ficha del libro que
quería leer sin entender por qué no me dejaban leer un libro,
qué peligro había. Y entonces entendí que los libros, para mí tan
buenos por muchos motivos, no solamente por mostrarnos tan-
tas veces lo que “no debía ser”, lo que no era “lo políticamente
correcto”, también eran peligrosos. Muy peligrosos. “Ése no lo
leas” y a mí me faltaba tiempo para cogerlo.
Luego llegaron otros casos flagrantes de lo que “no debía
ser”, qué ingente sucesión de aberraciones acumulada duran-
te siglos en la biblia que ha dejado de ser una crónica de
ciencia-ficción para conver tirse en una herramienta de control.
marzo
abril 16
Carlos Be
Lo de traducir “soltera” por “virgen”, a quién se lo podía ocu-
rrir. Me daba la risa, mirad si era naif. Qué querían cambiar, no
entendía nada. Y luego recordaba el peligro... Algo así sólo se
le podía ocurrir a alguien que quisiera manipular la verdad.
Yo estoy a favor de la libertad de expresión. Y me diréis que
todos estamos a favor de la libertad de expresión. También os
diré que estoy en contra de la doble moral. Y todos volveréis a
estar de acuerdo (y aquí ya habrá unos cuantos aplicando su do-
ble moral). Yo estoy a favor y apoyo a Abel Azcona, a Leo Bassi,
a Denuncia Colectiva 29M, a Rodrigo García, a El Jueves, a La
Central del Museo de Historia de Barcelona, a Angélica Liddell,
a Rita Maestre*, a Xavi Palos, a los padres de los niños violados
en los Maristas Sants-Les Corts, niños que ahora “no son nadie”
según los que apoyan a los pederastas, a Sergio Parra, a Javier
Roca Sierra, a Títeres desde abajo... Muchos de los citados son
artistas, sí, pero no todos; eso sí: todos ellos son personas (mu-
cho más personas que otros) que han sufrido o están sufriendo
la censura por sus actos, por sus ideales y principios, sean artís-
ticos o no. Son los primeros nombres que me vienen a la cabeza,
apenas una muestra de tantísimos más...
Me siento incapaz de ver lo que sucede a través de los ojos
de aquel niño. Yo ya soy adulto y ya he entendido demasiado,
puedo manifestar mi oposición a la censura y a los mecanismos
de control. Pero a un niño, ya no se trata de lo que aprende,
sino de lo que le enseñan. ¿Qué le estamos enseñando a un
niño, además de a no identificar dónde se encuentra el peligro
de verdad? Mientras creamos que los lobos se lo van a pensar
dos veces antes de comerse a un niño y que siempre habrá un
leñador dispuesto a sacarnos a nosotros y a nuestra abuela de
sus tripas moribundas, pues qué queréis que os diga: vamos
aviados. Cuánto se ríe la injusticia en nuestra cara cuando se
cree con el poder para hacerlo.
* ¿“Presunto delito contra la liber tad de conciencia y los
sentimientos religiosos”? “Liber tad de conciencia y sentimien-
to religioso” debe ser lo que demuestran los miembros de la
iglesia católica apostólica a los menores cuando les violan, de-
claran que no saben que eso es un crimen y están exentos de
denunciarse entre sí por per tenecer al mismo par tido político.
Yo me encuentro trabajando en un teatro donde de repente
se aprueba una ley interna por la cual no tengo obligación de
acusar casos de pederastia que vea entre mis compañeros y
no me quedo allí ni un segundo más, y no por ética, sino por
la falta de ética de ustedes. Condénenme por “presunto delito
contra su liber tad de conciencia y sus sentimientos religiosos”
por decir lo que hacen y querer que paguen por ello. Paguen
sus crímenes, porque si un niño no es intocable, ustedes tam-
poco lo son.
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16 marzo
abril

Estantería

Teoría Teatral Teoría Teatral Teoría Teatral Danza

Las editoriales Artezblai

y Paso de Gato han
presentado su primera
edición conjunta,
‘Acrobacias del espec-
tador. Neurociencias y
teatro, y viceversa’ de
Gabriele Sofia, “una
obra que aborda desde
las neurociencias y las
teorías de la percepción
la comunicación que
tiene lugar en la experiencia teatral entre actores y Óscar Cornago es el autor de En ‘Deja de actuar. Empieza a ‘Teatro, psicología y vida coti-
espectadores”. Traducida del italiano por Juana Lor y ‘Ensayos de teoría escénica. vivir’ el actor y coach de acto- diana’ es un manual de Isabel
acompañada de los prólogos de Eugenio Barba y Clelia Sobre teatralidad, público y res Bernard Hiller propone Pintor Maya y Manuel Pintor
Falletti junto con un epílogo de Borja Ruiz, en este democracia’’, un trabajo de un sistema de entrenamiento García publicado por Ñaque
libro su autor parte de las investigaciones científicas investigación publicado por actoral que prepara también editora. En este volumen sus
en neurociencias y de las llamadas neuronas espejo, Abada Editores ‘. Cornago a los alumnos para destacar autores proponen una visión
investigaciones que han tenido gran repercusión pero parte de la idea de que la en la industria del espec- multidisciplinar a partir de la
que según Sofia, “están siendo malentendidas debido acción ha sido el producto táculo. Para ello propone comprensión de la actuación
a una simplificación excesiva, si bien constituyen estrella del siglo XX en lo que ejercicios y consejos para teatral desde la psicología
asombrosas puertas de oportunidad para el estudio del a lenguaje estético se refiere averiguar qué tiene cada cual cognitiva, incorporando
espectador desde perspectivas novedosas, perspectivas y se pregunta en qué medida de especial y para trabajar dentro de ésta la aportación
que han sido de algún modo ya exploradas mediante la el arte puede transformar el sobre esa autenticidad. Una de la psicología positiva y de
investigación en escena por Stanislavski, Meyerhold y mundo en que vivimos. publicación de Alba Editorial. la filosofía.
Eugenio Barba, por poner tres ejemplos”.

Estantería

Teoría Teatral Teoría Teatral Teoría Teatral Teoría Teatral

Ediciones Mahali ha
publicado ‘Historia de
la Danza. Volumen I’
en el que sus autoras,
Georgina A. Cayuela
Vera, Carmen Giménez
Morte, María José Ruiz
Mayordomo, María José
Alemany Lázaro, Ana
Isabel Elvira Esteban y
Marta Carrasco Benítez
investigan y reflexionan
sobre el periodo que va de la Prehistoria al siglo XIX. La editorial italiana Bulzoni En ‘La audición. Una guía La Fundación Canaria de
El objetivo de esta publicación es dar cabida a miradas Editore ha publicado ‘Il pensada para el actor’ Joan- las Artes Escénicas y de la
diferentes y permitir “ibridaciones y desbordamientos” libro degli inventari. Odin na Merlin “enseña a actores Música y la Fundación SGAE
por lo que las autoras “han tratado de alejarse de gran- Teatret Archives’ en el que (y no actores) a desdrama- han coeditado ‘El teatro por
des relatos sobre la historia de la danza en occidente Mirella Schino, realiza una tizar y despersonalizar tanto dentro’ un libro dirigido a
que se han ido sucediendo en los ámbitos anglosajón y descripción de los fondos y el triunfo como el fracaso en niños y jóvenes para que
francófono, entendidos como la autoridad intelectual en materiales el archivo creado un proceso de selección, a conozcan el teatro (el edificio,
la danza, para tejer una historia desde un posiciona- por la compañía danesa en ponerse en el lugar del otro y sus profesiones, como
miento propio”. Para ello cada autora habla desde un 2008. Un trabajo en el que a ofrecer la mejor versión de montar una obra, la historia
punto de vista muy personal respecto a la investigación los documentos no son un sí mismos” y contribuye a la del teatro, autores importan-
histórica de la danza ofreciendo unos textos divulgativos instrumento, sino el propio formación de todo la profe- tes...). Escrito por Gemma
desde diferentes interpretaciones pero sin perder el argumento del discurso del sión teatral. Una publicación Quintana y con ilustraciones
rigor de una investigación especializada. Odin Teatret. de editorial Fundamentos. de Cristina Ramos.

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Estantería
Texto Teatral
‘Tu palabra hágase en mí’ es
un monólogo de Miguel Ángel
Mañas que trata el tema de
la prostitución y el tráfico de
mujeres en primera persona.
Publicada por Editorial
Lastura, en esta segunda
obra Mañas interpela desde
un dolor intenso, físico y
mental, desde el límite de la
existencia, desde la huma-
nidad dentro de un mundo
inhumano y brutal.
Kiosko
Fiestacultura
Correspondiente a invierno
de 2015, el número 65
de ‘Fiestacultura’ incluye
junto con varias crónicas de
diversos eventos y festivales
como FiraTàrrega, Mim de
Sueca o el FIT de Cádiz, un
artículo de opinión de Manuel
M. Vilanova titulado ‘El
neoliberalismo cultural’ o el
firmado por Roser Mezquita
sobre el proyecto Ara Pacis
de Xarxa Teatre.
Texto Teatral
Víctor Iriarte es el autor de
‘La chica junto al flexo’ una
obra dirigida al público juvenil
que narra las andanzas
de un grupo musical, Los
Soviets. Publicada por la
editorial Algar dentro de la
colección Joven Teatro de Pa-
pel, esta obra habla sobre los
amores no confesados que
un día necesitan resolverse.
Y es que todo cambia con la
desaparición de una amiga...
Zirkolika
El Festival de Circo de
Montecarlo celebra este año
su 40 aniversario y es el
tema de portada del número
47 de ‘Zirkolika’ que incluye
diversos artículos sobre el
mismo. Junto a las secciones
habituales de esta publica-
ción, el presente número
incluye una entrevista con
Vitaliy Motouzka, artista de
élite y entrenador de circo en
Murcia.
Texto Teatral
Artezblai ha publicado en un
mismo volumen dos obras
del dramaturgo Hanoch
Levin, ‘Yaacobi y Leidental’
y ‘Shitz’. Levin, (Tel Aviv
1943-1999) es conside-
rado el gran dramaturgo
israelí del siglo XX con una
creación extremadamente
personal protagonizada por
personajes anónimos que no
son más que caricaturas de
su vecindario universal.
El rapto de...
El número 30 de la revista de
pensamiento y creación ‘El
rapto de Europa’ se presenta
con una monografía sobre
La compañía de teatro en
España. Un espacio de crea-
ción colectiva coordinada por
Miriam Gómez en la que se
incluyen artículos de Eduardo
Pérez-Rasilla, Ángel Murcia,
Xesús Ron y Laila Ripoll. Esta
revista está publicada por
Calamar Ediciones.
marzo
abril 16
Texto Teatral
La editorial La Uña
Rota recoge en ‘Mierda
bonita’ todas las obras
que Pablo Gisbert ha
escrito hasta hoy para
la compañía El Conde
de Torrefiel. Las pági-
nas de este volumen
“ofrecen un un pensa-
miento abiertamente
crítico con el sistema y
el orden establecidos.
En cada uno de los títulos Gisbert examina sin perder
el sentido del humor asuntos incómodos y espinosos:
el pasado fascista en España y en Europa, y el peso
que aún ejerce en nuestras vidas; la relación entre la
vida pública y la privada, el deseo individual frente al
colectivo...” Las obras incluidas son: ‘Escenas para una
conversación después del visionado de una película de
Michael Haneke’, ‘La posibilidad que desaparece frente
al paisaje’, ‘Observen cómo el cansancio derrota al pen-
samiento’, ‘La historia del rey vencido por el aburrimien-
to’, ‘La chica de la agencia de viajes nos dijo que había
piscina en el apartamento’, ‘Morir nunca’, ‘Barcelona /
Madrid’, ‘Guerrilla’ y ‘Orxata’.
ADE Teatro
En el número 158 de la
revista ‘ADE Teatro’ se
publica el texto teatral
‘Escenas rasgadas’ de
Guillermo Heras, una
obra sobre “mis fanta-
sías y mis fantasmas,
pero si me dejan confe-
sarles la verdad es una
obra sobre mi propia
frustración” explica
Heras en el artículo que
precede al texto. Pero este número también incluye, tras
las editoriales y varias crónicas sobre la Cuatrienal de
Escenografía de Praga 2015, un monográfico titulado
‘La puesta en escena de los clásicos: procedimientos
y estéticas dentro del cual encontramos: una ‘Crónica
del V encuentro en Mariñán’ a cargo de Roberto Corte,
‘Alternativas estéticas a la puesta en escena de los
clásicos’ por Juan Antonio Hormigón, ‘Conversaciones
con las almas que la muerte ausenta’ de Luis de Tavira
y ‘Leve acercamiento a los clásicos’ de Alfonso Zurro.
La mirada internacional incluye sendas entrevistas con
Dorota Barys, directora del Instituto Polaco de Madrid y
con el dramaturgo australiano Andrew Bovell.
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16 marzo
abril
Nueva York:
Una temporada teatral
de gran intensidad
Q
uizás el director más comen-
tado en la última temporada
haya sido el belga Ivo van
Hove, quien presentó sus
versiones de obras clásicas del re-
pertorio mundial, tanto en Broadway
como en otros teatros de la ciudad,
con gran éxito de crítica y público. Si
bien desde los años noventa pudimos
apreciar la calidad de sus trabajos, en
la Brooklyn Academy of Music (BAM)
y el New York Theatre Workshop de
Manhattan, desde el mes de octubre
hasta hoy la cartelera ha contado con
producciones dirigidas por Van Hove.
Antigone de Sófocles, con Juliette
Binoche en el rol estelar y produc-
ción del Barbican de Londres y Les
Théâtres de la Ville de Luxemburgo,
abrió en BAM la estación. La violencia
enfrentada por Antígona en su odisea
para enterrar al hermano asesinado,
espejeó el dilema de las autoridades
ucranianas para permitir la repatria-
ción de las víctimas del desastre aé-
reo, ocasionado cuando el avión de
pasajeros en que viajaban fue derriba-
do el pasado año por misiles rusos. En
palabras de Van Hove: “Los muertos
quedaron pudriéndose al sol, por más
de una semana, a los ojos del mundo.
Finalmente, un convoy del gobierno
holandés repatrió sus restos en una
procesión funeraria a lo largo de más
de 100 kilómetros. Esta fue una res-
puesta humana y civilizada de respeto ha-
cia las víctimas”.
El ambiente de tensión, producido por
tal insensible acto de violencia, fue tras-
vasado en una puesta en escena donde
un sol, feroz como un ojo de fuego, bañó
a los personajes, calcinando las esperan-
zas y los buenos oficios de Antígona, quien
acabará siendo víctima de los odios de los
otros. Juliette Binoche, mediante una sobria
actuación, captó el abanico de matices del
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Tabac Rouge de James Thiérrée y la Compagnie du Hanneton
King Charles III de Mike Bartlett
personaje, yendo de la súplica a la cólera
y posterior resignación, pero sin perder
su individualidad ni doblegarse completa-
mente a la intransigencia de Creón (Patrick
O’Kane). Aquí el heroísmo de la debilidad
de Antígona fue creciéndose, en tanto ne-
gociaba con su tío la mejor ruta para lograr,
ella también, enterrar dignamente a Polini-
ces (Nathaniel Jackson).
A View From the Bridge de Arthur Miller,
recientemente presentada en el Lyceum
Theater de Broadway, igualmente
espejeó las dinámicas de la tragedia
griega trasvasada a nuestra contem-
poraneidad. En la dirección de Van
Hove, esta obra del gran dramaturgo
norteamericano, que recibió en Lon-
dres el Premio Olivier, con un minima-
lismo de recursos estremeció al pú-
blico desde el ímpetu de las pasiones
de personajes viviendo en situaciones
límite. Eddie (Mark Strong) el patriarca
de la familia irá desmoronándose a los
ojos de Beatrice (Nicola Walker), la es-
posa marginada, su sobrina Catherine
(Phoebe Fox), oscuro objeto del de-
seo, y Rodolpho (Russell Tovey), primo
de Catherine, y quien encenderá los
ardores de los protagonistas hasta el
enfrentamiento mortal con Eddie por
el amor de Catherine.
Aquí la tragedia griega se trasvasa
a las vidas de una familia de inmi-
grantes italianos viviendo del trabajo
en los muelles neoyorkinos, y donde
la llegada como ilegal de Rodolpho,
denunciado a las autoridades por un
celoso Eddie, le permitió a Van Hove
transpolar la acción al drama de los
cientos de miles de refugiados, que
desde el verano pasado se amontonan
a las puertas de Europa escapando de
las guerras y fundamentalismos en
Oriente Medio.
El escenario se diseñó como una
escueta caja de metal, a la manera de
un ring de boxeo donde las peleas, reconci-
liaciones y traiciones fueron orquestándose
como duelos entre los protagonistas. Unos
protagonistas, inmersos en contiendas en-
tre el afecto y la hostilidad, el dominio y la
sumisión, en un crescendo para el cual las
exaltaciones del desenlace quedaron obli-
teradas por el marco histórico contemporá-
neo que la ropa de calle y la música puntua-
ron, haciendo que la obra se suspendiera
entre el momento actual y la eternidad.

La producción de otra obra de Miller, The
Crucible, que esta primavera Ivo van Hove
dirigirá en el Walter Kerr Theatre de Broad-
way, y un nuevo musical, Lazarus, en cola-
boración con David Bowie que, también en
primavera, el director belga traerá a Nueva
York, auguran nuevos e interesantes even-
tos a estrenarse en la Gran Manzana de la
mano de este sugerente artífice.
Por su parte, el artista franco-suizo Ja-
mes Thiérrée y la Compagnie du Hanne-
ton presentaron en el Harvey Theater su
espectáculo Tabac Rouge donde, como es
habitual en este director, actor y coreógra-
fo, el espectáculo circense, el happening y
la danza-teatro se combinaron en iguales
dosis, seduciendo al público con la magia
de la mise-en-scéne. Ensamblajes simulan-
do muebles, contorsionistas desplazando
mesas cubiertas por artefactos articulados
a la par con fragmentos de objetos diver-
sos, andamios que se transformaban en
plataformas móviles sobre las cuales los
actores realizaban acrobacias, conforma-
ron un amplio crisol de elementos, puestos
a enmarcar el humor y lo inventivo de las
situaciones.
Aquí el sustrato teatral quedó supedi-
tado a la improvisación y lo simbólico, si
bien el hilo argumental evocó similarmente
esta contemporaneidad, al traer a un pri-
mer plano la figura del autócrata rigiendo,
pero desde la irrisión, los destinos de unos
súbditos rebelándose ante lo caricaturesco
del personaje. Thiérrée creó diversas ca-
pas de sentido, que iban separándose en
tanto avanzaba la acción a fin de despojar
al dictador de sus atributos. Una operación
altamente subversiva, cuando nos devolve-
mos al terrible papel que las autocracias
del nuevo milenio juegan hoy en el terroris-
mo y la desestabilización global, llevando a
numerosos contingentes a huir como parias
de sus tierras o a unirse, a causa de la des-
esperación y el resentimiento, a los grupos
internacionales que operan a espaldas de
la legalidad y la legitimidad territorial.
Refuse the Hour, otro espectáculo multi-
media concebido y dirigido por el surafrica-
no William Kentridge para su propio grupo
de actores, músicos, compositores y coreó-
grafos, también nos enfrentó a nuestras
propias ansiedades, aprensiones y recelos,
reflejados sobre una red de espejos, que
aprisionaron la escena de BAM y con ella
al público asistente. Aquí el colonialismo
europeo y el apartheid fueron diseccio-
nados mediante un libreto musical donde
Kentridge combinó las composiciones, del
también surafricano Phillip Miller, con pie-
zas del repertorio clásico, a fin de generar
un diálogo intercontinental dable de unir
ambas culturas hoy, cuando el diálogo in-
tercultural se ha vuelto fundamental para
lograr la convivencia en un mundo cada vez
más conectado virtualmente y aislado ana-
lógicamente.
El uso de ingeniosos aparatos mecáni-
cos, relojes, metrónomos y altavoces se
asoció a la música y la danza para crear un
marzo
abril 16
Refuse the Hour de William Kentridge
concierto de ritmos, voces e instrumentos
puestos a ilustrar la idea de la cronología
y el movimiento, cuya implosión espacio-
temporal igualmente aliena al individuo
contemporáneo, encerrándolo en concep-
tos y creencias cada vez más restringidos.
En este sentido, los monólogos del propio
Kentridge, acerca de la importancia de exa-
minar ideas y dogmas, con objeto de llegar
a un consenso global donde se respeten
las diferencias, aunaron poderosamente
al público asistente, además de llevarnos
a reflexionar acerca de la creciente impor-
tancia de las artes escénicas en la lucha
por lograr una existencia más armoniosa
para nuestros pueblos.
You Us We All, ópera teatral neobarroca
del norteamericano Andrew Ondrejcak para
el ensamble belga Baroque Orchestration
X, erigió, como su nombre lo indica, un es-
pacio inclusivo donde tendencias, estilos,
épocas y credos se asociaron para cons-
tituir una serie de tableaux dedicados a
cinco personajes alegóricos: Amor, Virtud,
Esperanza, Tiempo y Muerte. En cada uno,
actores, bailarines, cantantes y músicos
tejieron diversas referencias a los distintos
temas, extraídos del imaginario barroco,
enlazándolos, en un irónico guiño, a reinas
del pop contemporáneo como Beyoncé y
Britney Spears. De este modo, low y high
entrelazaron un tapiz de sentidos donde
las citas a ciertas composiciones de Handel
y Vivaldi también encontraron su lugar en la
red significativa.
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16 marzo
abril
Un arcoíris de luz, sonidos y trajes re-
alzó el espectáculo de BAM que si apa-
rentemente privilegió lo frívolo, su esen-
cia ilustró la importancia de aceptar las
diferencias, tanto sexuales como raciales
y religiosas, en aras de alcanzar un acuer-
do de concordia para todos los colectivos.
Según Ondrejcak: “Mi espectáculo aborda
sentimientos de soledad, muerte, separa-
ción y pérdida, pero también de conexión.
Aquí el aislamiento y la comunión con el
otro deben compaginarse en todos noso-
tros. Algo que para mí es absolutamente
real y necesario”.
Una obra que también se constituyó en
un ejercicio de referencias cruzadas a tra-
vés de épocas y estilos, fue King Charles III
del dramaturgo inglés Mike Bartlett, dirigi-
da por Rupert Goold para el Music Box Tha-
tre de Broadway, y Premio Olivier a la mejor
obra. Este agudo retrato de una monarquía
en crisis, mira hacia el futuro de la Casa de
Windsor, una vez haya concluido el reinado
de Elizabeth II, la soberana más longeva
del Imperio Británico.
Barlett aludió a la métrica shakespe-
riana para desarrollar el texto, trayendo
a un primer plano los altibajos de la fami-
lia real, continuamente ridiculizada por la
prensa amarillista. Ello le permitió al dra-
maturgo moverse entre la seriedad y la
comicidad, caricaturizando por momentos
a sus miembros, pero sin perder el norte
ni caer en la irrisión desmedida. De hecho,
el futuro monarca emerge aquí como un
individuo sumamente articulado, si bien
96
w w w. a r t e z b l a i . c o m
inseguro, quizás por la fuerza del carácter
de las dos mujeres orbitando en torno a
él: su madre y su actual esposa.
El fantasma de la princesa Diana pla-
neó igualmente sobre la obra, dándole a
la pieza un aire nostálgico no solo por lo
que icónicamente ella representó, sino por
la evocación de la época cuando reinó, sin
corona, sobre una nación y un mundo muy
distintos al actual, es decir, las dos últimas
décadas del siglo XX, cuando parecía que
muchos de los cataclismos de las décadas
anteriores habían quedado atrás, al menos
para los países occidentales.
Tim Pigott-Smith en el rol de Charles,
captó los distintos matices de una figura
oscilando entre la trivialidad y la gloria,
pero sin atajar ninguna. Tal vez haya sido
esa ambigüedad lo que ha contribuido a
presentarlo, ante la opinión pública britá-
nica, como un individuo a quien no debe
tomarse muy en serio, y sería mejor que la
reina abdicara a favor de su nieto, muchos
más a tono con la imagen de las celebrida-
des del siglo XXI.
En tal sentido debe destacarse el mu-
sical Hamilton, del nuyorican Lin-Manuel
Miranda, que ha llevado la vida del prócer
Alexander Hamilton al hip-hop latino, con
gran éxito de crítica y público. Paralelismos
entre la vida de Hamilton y Miranda sirvie-
ron para delinear el argumento, trayendo a
un primer plano la experiencia del inmigran-
te y el desclasado. De hecho, casi todos los
actores son hispanos o afroamericanos y
actúan la vida del héroe, nacido fuera del
Hamilton de Lin-Manuel Miranda
matrimonio en St. Croix y criado en un or-
fanato, con gran conocimiento de causa,
trasladando al Richard Rodgers Theatre de
Broadway el vigor de un mestizaje cultural
similar al de In the Heights, primer gran éxi-
to de Miranda.
El fermento político de Estados Unidos en
el siglo XVIII y la música nacida en los gue-
tos urbanos, se entremezclaron en el argu-
mento actualizando y revisitando, no solo
el pasado del país sino el presente de unas
comunidades, históricamente marginadas
del discurso sociocultural anglosajón que
este actor, director, compositor y dramatur-
go representa. De hecho, Miranda protago-
nizó el rol estelar, dándole a Hamilton una
lectura mucho más afín a las problemáticas
contemporáneas, poco interesadas en la
Historia per se.
Una meticulosa reconstrucción de la épo-
ca, presente en la escenografía y vestua-
rio contrastó, no obstante, con el rap del
libreto y el hip-hop de la música, si bien no
llegó a darse una colisión de estilos, pues
la agudeza del autor se sobrepone a las
diferencias. En sus palabras: “El show re-
fleja a la sociedad estadounidense actual”.
Una sociedad que, si bien no ha superado
los atavismos concernientes al racismo y el
sexismo, muestra una voluntad de confron-
tarlos y discutirlos abiertamente, impres-
cindible para lograr la consecución de un
mundo más justo para todos.
Alejandro Varderi
marzo
abril 16
16 marzo
abril
Vindicación de los guiñoles
N
o vamos a dejar títere con cabe-
za, reza el adagio y al parecer se
aplica en España, en donde de
acuerdo con el periódico satírico
El Mundo Today se llevaron a unos títeres
a la cárcel acompañados por sus manipula-
dores, acusados de incitación al terrorismo.
Añade la información que como era de es-
perarse los títeres se niegan a colaborar.
El delito de los muñecos es el de siempre,
ser impertinentes, deslenguados y el de fo-
mentar el vicio. A lo que se añade en este
caso una nueva tendencia para la Cachipo-
rra: Apología del Terrorismo.
Tremenda acusación de la Tremenda Au-
diencia.
Voy a utilizar como pieza de convicción
para comprobar la perversión innata de los
muñecos, la obra El Retablo de don Cristó-
bal de Federico García Lorca.
Pero antes recuerdo algunos datos del
autor. Ya sabemos que Federico fue asesi-
nado un 19 de agosto de 1936 en Granada
(a los títeres y sus titiriteros les fue mejor
pues aún siguen vivos). Y también sabemos
que para salud de los españoles sus obras
fueron prohibidas hasta la muerte del gene-
ralísimo. A los integrantes del grupo Títeres
desde abajo (que por cierto tienen su sede
en Granada) ya los soltaron, pero no deben
perder el miedo pues han logrado concen-
trar las diatribas de políticos de izquierda y
de derecha y hasta la muy liberal alcaldesa
de Madrid, los ha denunciado con energía
y promete tomar medidas en su contra. To-
dos esperan que se termine esta marejada
mediática para volver a la carga.
Ninguno de los que hemos escrito sobre
este asunto vimos la representación de La
bruja y don Cristóbal, la obra incriminada.
Yo quiero imaginar que en esa tarde de in-
vierno del 5 de febrero, en una plaza del
barrio de Tetuán en Madrid, no había más
de 30 espectadores. Quiero imaginar que
algunos padres de familia se sintieron las-
timados por la obra que presenciaban en
el espacio público. Lo normal es que se
hubieran retirado con sus niños y tal vez
después formular sus reservas. No, tenían
que dar una lección a sus hijos, explicar por
qué habían intervenido para suspender a
los peligrosos muñecos e iniciarlos en la
intolerancia activa.
98
w w w. a r t e z b l a i . c o m
Pero regresemos a este autor, a García
Lorca, ahora celebrado, pero que fue eje-
cutado y enterrado de manera clandestina
por sus coterráneos. Él nos habla en la
introducción de la farsa El Retablo de don
Cristóbal del habla popular y de… el deli-
cioso y duro lenguaje de los muñecos.
Y nos dice más adelante, el guiñol es la
expresión de la fantasía del pueblo (…) el
poeta sabe que el público oirá con alegría
y sencillez las expresiones y vocablos que
nacen de la tierra y que servirán de limpie-
za en una época en que maldades, errores
y sentimientos turbios llegan hasta lo más
hondo de los hogares.
Como si hubiera sido escrito hoy. Es lo
bueno de tratar con clásicos, sus palabras
alcanzan para diferentes épocas, aunque
ellos hayan pagado con su vida la osadía
de decir verdades. Poeta – Profeta.
Y Federico abusa de esta libertad, di-
ciendo por ejemplo, te maté puñetero, te
maté… un doctor, don Cristóbal, que eje-
cuta a un enfermo para robarle el dinero.
Habla de los billetes que trae metidos en
su culito. Y después paga por una señorita
vendida por su madre y presenta a cinco
bebes a los que ejecuta por parecerle que
son de padres desconocidos. Seguramente
si los censores madrileños que protegen la
conciencia de los niños hubieran visto esta
farsa, pondrían en la cárcel a don Cristóbal,
a los titiriteros y al autor. Bueno, a ese últi-
mo ya sabemos lo que le pasó.
Pero hay que darles las gracias a Alfonso
Lázaro y Raúl García ya que con su modes-
ta obra de títeres han logrado reivindicar el
lugar de la marioneta. Su gesto escénico ha
tenido más repercusiones que las mejores
obras representadas en Madrid. De todo el
mundo han surgido críticas y apoyos para
estos nuevos mártires de la escena. Una
modesta obra que logra lo imposible: De-
volverle a los guiñoles su poder subversivo.
La que debió ser una función de rutina se
ha convertido en un emblema de la fuerza
de la escena, nos recuerda que el teatro y
en especial el teatro de títeres está hecho
para subvertir el orden.
No puedo hablar del espectáculo incrimi-
nado, porque como ya dije no lo he visto
y no sé que tan profundamente ofensivo,
subversivo, estimulador del terrorismo pue-
da ser. Pero creo que meter a la cárcel a
sus integrantes nos habla del momento de
suprema represión en la que vivimos, y en
la que podemos decir que los terroristas
han ganado la batalla, pues nos obligan a
los ciudadanos de a pie a tener que demos-
trar a cada paso de nuestra vida cotidiana
que somos inocentes.
Termino con esta cita del diario Libération:
C’est l’incroyable enchaînement de faits
provoqué par un spectacle de guignols don-
né dans le cadre du carnaval (de Madrid).
Es increíble la cadena de hechos provo-
cados por un espectáculo de guiñol presen-
tado durante el carnaval (de Madrid).
Añado que todos los diarios en Francia
dedicaron una nota a este nuevo episodio
de los esperpentos españoles.
Gracias sean dadas a Alfonso Lázaro y
Raúl García.
Enrique Atonal
Donostia Kultura & DSS2016EU 2

Europako Kultura Hiriburu izateak erronka garrantzitsu horri estiloen artean gune komunak aurkituz. Errealitate desberdi-
behar bezala erantzutea eskatzen die Victoria Eugenia An- nak aurkituz, aberastuz eta inplementatuz, denon lekuetarantz
tzokiari eta Hiriburutzari berari, eta antzerki-programazio bat bideratzeko, eta han norbanakoa, lurraldea, erkidegoa, kultura,
eta dantzako beste bat diseinatzea elkarlan estuan, biak ere artea... eraikitzeko.
“2016ko markakoak”. Programazio espezifikoak eta bereziak,
beraz, ikuspegi berritzailea, garaikidea, nazioartekoa eta edu-
‘Dantza-topaketek’ ikuskizun multzo bat aurkezten dute, kon-
kiz konprometitua izango dutenak. Antzerki –eta dantza– pro-
tzeptu-ardaztzat horixe dutena: desberdinen arteko topaketa.
gramazioak desberdinak dira bata bestetik, eta bi leitmotiv des-
Ikuskizun horietan, bat egiten dute kultura tradizionalak eta
berdini erantzuten diete. Victoria Eugenia Antzokia da eremu
abangoardiak, arte-adierazpen desberdinek, jatorri desber-
eszenikoko ardatz nagusia.
dineko artistek eta kulturek... Denek ere gauza bat eta bera
dutelarik: solasean jardutea, lurraldeak bilatzea eta aurkitzea
Antzerki-programazioa ‘Zertarako balio du antzerkiak?’ arte-sorkuntzarako eta elkar ulertzeko testuinguru berriak
leitmotivaren inguruan ibiliko da, hots, gizarte honen errealitate eraikitzeko, aurrez elkar ezagututa.
soziokultural eta ekonomikoaren aurrean sentibera den
antzerkia eskainiko du, bere ingurunean gertatzen denetik
Bi kasuetan, helburua eskaintza eszenikoari tamaina eta trans-
urrun ez dagoena. Erantzunak emateko edo ikus-entzule eta
zendentzia sozial eta kultural handiagoa ematea da, kalitatea
herritarrei ekarpena egiten dieten ikuspuntuak proposatzeko
zainduz eta diziplina-aniztasuna, garaikidetasuna, artearen
gaitasuna du antzerki horrek. Zertarako balio du gizarte-
agerpena bilatuz. Autore-proposamenek eta Artearekin, gi-
bidegabekeriak salatzen ez dituen antzerki batek? Edo sexu-
zartearekin, herritarren dituzten arazo sozial eta politikoekin
aukeragatiko diskriminazioak salatzen ez dituenak? Edo
konprometituriko edukiek toki garrantzitsua izango dute 2016
emakumeen kontrako erasoak? Zertarako balio du antzerkiak,
honetan. Amaitzeko, nazioartean den aniztasuna ere bilatuko
gizartean gertatzen dena kontatzen ez badu? Zertarako balio
dugu; leiho bat irekiko dugu hirian, munduan den sorkuntzari
du antzerkiak, benetako arazoak ukitu gabe pasatzen bada?
begiratzeko.
Edo informatzen ez badu? Edo argudioak ematen ez baditu?
Zertarako balio du antzerkiak, askatasunaren alde egiten ez
badu? Edo Kulturaren alde? Antzerki konprometituko ziklo bat Ikuskizun hauekin batera, jarduera osagarriak ere proposatuko
aurkezten dugu, ez ikusia egiten ez duena, eta gaurko eta betiko dira, herritarrak eta artistak elkarrekin harremanetan jar dai-
gaien ikuspegi garaikidea ematen duena. tezen topaketetan, solasaldietan, tailerretan... Sentsibilizazio-,
prestakuntza- eta parte-hartzeko markoak, non komunikazio
aktiboan lotuko baitira artistak eta herritarrak, jardunbideei,
Dantza-programazioari dagokionez, leitmotiva ‘Desberdinen
bilaketei, ezagutzari begira.
arteko topaketa’ da, hots, mugimendua, gorputz bakoitzaren
hizkuntza unibertsala. Mugarik, itzulpenik gabe. Ardatz bat
markatuz, non ideiak, edukiak garatzen diren, eta desberdi- Norka Chiapusso
nen arteko zubiak eraikitzen diren. Bila. Solasean. Antagonia Donostia Kulturako Antzerki eta Dantza
geografiko eta kronologikoen artean..., arraza, jatorri, dantza- programazio zuzendaria
3 Donostia Kultura & DSS2016EU

El ser Capital Cultural europea exige al Teatro Victoria Eugenia y
a la propia Capitalidad estar a la altura de un reto tan importante
y diseñar una programación de Teatro y otra de Danza que sean
“marca 2016” elaboradas en estrecha colaboración. Unas progra-
maciones específicas y especiales, que ofrezcan una visión innova-
dora, contemporánea, internacional y con contenidos comprome-
tidos. Las programaciones de teatro y danza son distintas entre sí
y responden a dos leitmotiv también diferentes. El Teatro Victoria
Eugenia es el eje principal del campo de juego escénico.
La programación de teatro versará en torno al leitmotiv ¿Para qué
sirve el teatro?, es decir, planteará un teatro que es sensible a la
realidad sociocultural y económica de su sociedad, que no es ajeno
a lo que ocurre en su entorno. Es un teatro que tiene la capacidad
de dar respuestas o proponer puntos de vistas que aportan cuali-
dad en el público y en el ciudadano. ¿Para qué sirve un teatro que
no denuncia las injusticias sociales? ¿O las discriminaciones por
opción sexual? ¿O las agresiones a las mujeres? ¿Para qué sirve un
teatro si no cuenta lo que sucede en su sociedad? ¿Para qué sirve
un teatro que pasa de puntillas sobre los problemas reales? ¿O no
informa? ¿O no argumenta? ¿Para qué sirve un teatro si no defien-
de la libertad? ¿O no defiende su Cultura?. Presentamos un ciclo
de teatro comprometido, que no mira hacia otro lado y que aporta
una visión contemporánea de los temas de hoy y de siempre.
Encuentros de Danza que presentan una madeja de espectáculos
que cultivan como eje conceptual el encuentro entre diferentes. Es-
pectáculos donde convergen la cultura tradicional y la vanguardia,
diferentes expresiones artísticas, artistas y culturas de diferente
procedencia... Todos con un signo común: conversar, buscar y en-
contrar territorios donde construir nuevos contextos de creación
artística y entendimiento, a partir del conocimiento mutuo.
En ambos casos, el objetivo es dotar de mayor dimensión y tras-
cendencia social y cultural a la oferta escénica cuidando la calidad,
buscando multidisciplinariedad, contemporaneidad, emergencia
artística. Las propuestas de autor, y los contenidos comprometidos
con el Arte, con la creación, con los problemas sociales o políticos
que afectan a los ciudadanos, tendrán un espacio importante du-
rante este año 2016. Como último, se buscará también la diver-
sidad internacional que abra en la ciudad una ventana hacia la
creación en el mundo.
Junto a estos espectáculos, se propondrán además actividades
complementarias donde la ciudadanía y los/las artistas tomarán
relación en encuentros, coloquios, talleres... Marcos de sensibiliza-
ción, formación y participación donde se establecerá una comuni-
cación activa entre artistas y ciudadanos, enfocado a sus prácticas,
su búsqueda... su conocimiento.

En lo referente a la programación de Danza, el leitmotiv es Encuen-

tro entre diferentes, es decir, el movimiento, el lenguaje universal
de cada cuerpo. Sin fronteras, ni traducciones... Marcando un eje
donde se desarrollan las ideas, los contenidos y se tienden puentes
entre diferentes. Buscando. Conversando. Encontrando espacios
comunes entre antagonismos geográficos y cronológicos... Entre ra-
zas, orígenes, estilos de danza... Encontrando diferentes realidades,
enriqueciéndose e implementándose para avanzar hacia lugares Norka Chiapusso
comunes donde construir individuo, territorio, comunidad... cultu- Director de programación de Teatro y
ra... Arte. Danza de Donostia Kultura
Donostia Kultura & DSS2016EU 4

Oskara DANTZA

Kukai Dantza & La Veronal

Victoria Eugenia Antzokia

Martxoa 8 Marzo*

20:30 Euskara

Eneko Gil, Alain Maya, Urko Mitxelena,

Ibon Huarte eta Martxel Rodriguez arituko dira
Marcos Morau koreografoaren lan honetan, Jon Mayaren
zuzendaritzapean eta Erramun Martikorena kantariaren
parte hartzearekin.

Eneko Gil, Alain Maya, Urko Mitxelena, Ibon Huarte y

Martxel Rodriguez interpretan esta obra del coreógrafo
Marcos Morau, bajo la dirección de Jon Maya y con la
participación del cantante Erramun Martikorena.

‘Oskara’-k bi unibertso koreografiko ezberdin

batzen ditu, bi begirada ezberdin: Euskal
Herriko kultura tradizionalean du oinarria eta
sormenerako abiapuntua; eta, era berean, gaur
egungo abangoardiazko artisten ikuspegitik
sortutako artelana izango da. Instalazio moduko
lan bat da, zeinak euskal kulturaren eta mitoen
hainbat ataletatik igarotzen den, bere jatorritik aro
garaikidera, eta indar bikoitz eta harriduraz beteriko
sinbolo eta ikonografien ibilbide plastiko zein
emozionala marrazten duten. Modu absolutuenean,
bere baitan giza esperientziaren historia gordetzen
du. Kodigo dramatikoa abstrakzio sakona duen, ia
bortxazko, lengoai batean artikulatutako ikuskizun
baterantz doa. Soilik konposizioen ordenak eman
ahalko dio zentzu sentsorial bat.
‘Oskara’ ESZENA Tkin ekoiztutako ikuskizuna da.
(Victoria Eugenia Antzokia eta Escene National de
Baiona).
Ikuskizuna Mugalariak proiektuaren barruan
kokatzen da.
‘Oskara’ aúna dos universos coreográficos diferentes, dos
miradas diversas: Se basa en la cultura vasca tradicional
como punto de partida para la creación; al mismo tiempo, se
trata de una obra creada desde la perspectiva de artistas de
vanguardia contemporáneos. Es una especie de instalación que
recorre diversos aspectos de la cultura vasca y sus mitos desde
su origen hasta la época contemporánea, dibujando un recorrido
plástico y emocional a través de símbolos e iconografías plenos
de fuerza y de encanto. Encierra en sí la experiencia humana
de la manera más absoluta. El código dramático tiene por
objeto un espectáculo articulado mediante un lenguaje de una
abstracción profunda, casi violenta. Únicamente el orden de las
composiciones le confiere un sentido sensorial.
‘Oskara’ es un espectáculo coproducido con ESZENA T
(Teatro Victoria Eugenia y Escene National de Baiona).
El espectáculo se enmarca dentro del proyecto Mugalariak.

*Donostia 2016rekin elkarlanean obra hau urtarrilaren 30ean eta 31n estreinatu zen Victoria Eugenia Antzokian. Martxoako emanaldia dFeria jaialdi barruan izango da.
Esta obra se estrenó el 30 y 31 de enero en el Victoria Eugenia en colaboración con San Sebastian 2016. La representación de marzo se realizará dentro de la programación de dFeria.
5 Donostia Kultura & DSS2016EU

Hotel Splendid Antzerkia - TEATRO

Cho In Theatre
Victoria Eugenia Antzokia

Otsaila 19 – 20 Febrero

20:00 Koreera / Coreano

Subtítulos: Eusk / Cast

Zuzendaria / Director: Chung-euy Park

Zuzendariaren laguntzailea / Ayudante del director:
Joo-yeon Kim
Idazlea / Escritor: Lavonne Mueller
Antzezleak / Actores: Yi-soon Jung, Sang-hee Lee, Gi-jun
Kim, Kwonnim Ahn, Jung-won Shin, Jong-hoon Lee, Eun-
sung Lee, Sung-jae Lee, Dong-hun Ryu

II. Mundu Gerran, 200.000 “emakume
kontsolagarri”, gehienak korearrak, morroi sexualak
izateko bahitu zituen armada japoniarrak. Lan hau
oso ezagun egin ez zen ankerkeri hura pairatu zuten
emakumeen omenez atera da argitara. Maltzurki
‘Hotel Splendid’ deituriko “kontsolamendu geltoki”
batean girotua, lau emakume eta hauetako batez
maitemintzen den pilotu kamikaze bat aurkitzen
ditugu. Bizitzen dituzten izugarrikerien eta horiei
aurre egiteko duten indar, duintasun eta baita
umorearen lekukotzarekin, aparteko edertasun eta
esperantza harrigarria erakusten duen ekoizpen
indartsua dugu. Jatorrizko bertsioa azpitituluekin.
Durante la Segunda Guerra Mundial, 200.000
“mujeres consuelo”, mayoritariamente coreanas,
fueron raptadas por el ejército japonés para ser
esclavas sexuales. Esta producción brinda homenaje
a las mujeres que sufrieron esta atrocidad poco
conocida. Ambientada en una ‘estación de consuelo’
siniestramente denominada ‘Hotel Splendid’, nos
encontramos con cuatro mujeres y un piloto kamikaze
que se enamora de una de ellas. Somos testigos de los
horrores que las visitan y la fuerza, dignidad e incluso
el humor con que los enfrentan. Es una poderosa
producción de belleza extraordinaria y sorpresiva
esperanza. Versión original subtitulada.
Donostia Kultura & DSS2016EU 6

Return DANTZA

Marta Etura & Chevi Muraday

Antzoki Zaharra – Teatro Principal

Otsaila 26 – 27 Febrero

20:00

Interpreteak / Intérpretes: Marta Etura, Chevi Muraday

Testuak / Textos: Pablo Messiez
Musika orijinala / Música original: Ricardo Miluy,
Mariano Marín
Soinu espazioa / Espacio sonoro: Ricardo Miluy / inscene

Marta Etura eta Chevi Muraday egitasmo honetan elkartu dira beren kezkak partekatzeko, dantza eta hitza plano berean
hizketan jarriz. Bikote-harremanetan arakatzen dute; norberak espero duenak eta gizarteak agintzen digunak eragiten
dituzten frustrazioetan. Abiapuntua harremanen zailtasunak ulertzeko era berriak izango dira, eta maitasunaren berezko
izaeraren eta gizarteak hartaz eratzen duen irudiaren arteko talka. Benetako maitasuna errealitatean oinarritutako zerbait
da, ala irudimenezko eta irreal den zerbaitetan oinarritzen da? “Zuregan, neure burua ere maite dut”. Nork bere burua
maitatzea, beste bat maitatzetik abiatuta. Bi pertsonaren arteko konplizitatea unibertso bat sortuz doa, non elkarrekin
bizi baitira, elkarrekin amesten, arnasten baitute, azkenean ulertzeko hori ez dela ispilukeria bat baizik, gaztetatik ikasten
dugun fikzio baten ispilukeria. Egitura hori hautsi egiten da bat-batean, eta elbarri uzten ditu. Ingurunea eraldatu egiten da,
eta elkarrekin duten espazioa itogarri bihurtzen zaie.

Marta Etura y Chevi Muraday se unen en un nuevo proyecto para compartir inquietudes, donde la danza y la palabra dialogan
en un mismo plano. Indagan en las relaciones de pareja y las frustraciones que se originan ante las expectativas propias y las
generadas por la sociedad. El punto de partida será las nuevas formas de entender las dificultades de las relaciones y el choque
entre la naturaleza propia del amor y la imagen que la sociedad genera del mismo. ¿El verdadero amor es una sustancia basada
en la realidad, o en algo imaginario e irreal? “En ti, me amo también a mí mismo”. Amarse a uno mismo a partir de amar a otra
persona. Dos personas cuya complicidad va creando un universo en el que conviven, sueñan, respiran, para finalmente entender
que no es más que el espejismo de una realidad ficticia que es aprendida desde la juventud. Esta estructura, de repente, se rompe y
eso les deja mutilados. El entorno se transforma y el espacio que comparten empieza a asfixiarles.
7 Donostia Kultura & DSS2016EU
Torobaka
Akram Khan & Israel Galván
Victoria Eugenia Antzokia
Apirila 1 – 2 Abril
20:00
Musika egokitzapenak eta interpretazioa / Arreglos
musicales e interpretación: David Azurza, Bobote,
Christine Leboutte, Bernhard Schimpelsberger
Argi diseinua / Diseño iluminación: Michael Hulls
Jantzien diseinua / Diseño vestuario: Kimie Nakano
Soinu-diseinua / Diseño sonido: Pedro León
DANTZA
Akram Khan; Israel Galván; Khan; Galván; izenon
eufoniak berak jartzen gaitu bidean. Dantza, dantza
izan aurretik. Erdibide horretan, tarte horretan
mugitzen dira. Ez da, inola ere, tradizioen arteko
truke etniko bat, ez da dantza globalaren ariketa
bat. Dantza ulertzeko modu batetik abiatuta elkar
hartzea da kontua: kathak eta flamenkoa dantzatuz,
noski, baina ahotsaren eta keinuaren hasieretan
kokatu, esanahiak sortzen hasi aurreko hartan.
Mimesia, mimetismoa baino lehen.
Akram Khan; Israel Galván; Khan; Galván; La propia
eufonía de los nombres nos pone en el camino. El baile
antes de que fuera danza. En ese paso, en ese intermedio,
en ese intersticio se mueven. No se trata, desde luego,
de un intercambio étnico entre tradiciones, de ningún
ejercicio de danza global. Se trata de hacer conjunto de
una manera de entender el baile –sí, claro, viene de bailar
kathak y flamenco–, que quiere situarse en los principios
de la voz y del gesto, antes de que empezaran a producir
significados. Mímesis antes que mimetismo. Israel Galván
y Akram Khan. Se trata de eso, de bailar sin concesiones
y que el público siga pensando qué es danza.
Donostia Kultura & DSS2016EU 8

No daré hijos, Antzerkia - TEATRO

daré versos
Marianella Morena
Antzoki Zaharra – Teatro Principal Hiru ekitaldi. Hiru genero, Hiru hizkuntza. Sei
aktore-abeslari gazte rolak eta ikuspuntuak
aldatuz doaz Delmira Agustini poeta uruguaiarrari
Apirila 16 – 17 Abril buruz, zeina senar ohiak hil baitzuen 1914an,
maitale zirelarik. Sarrera polemikoa du gure
artistek gizartean duten lekuari buruz, unean uneko
16 20:00 Castellano gobernuak eta ideologia menderatzaileak ematen
17 19:30 dien balioari buruz. Marianella Morena emakume
eta artista den aldetik arituko da solasean beste
artista batekin.
Marianella Morenak sortu eta zuzendua, eta
Lucía Trentini, Agustín Urrutia, Mané Pérez,
Tres actos. Tres géneros.Tres lenguajes. Seis actores-
Christian Amacoria, Laura Báez eta Domingo Milesi
cantantes jóvenes rotan roles, puntos de vista, sobre
aktoreek jokatua.
la poeta uruguaya Delmira Agustini, asesinada en
1914 por su ex marido, cuando eran amantes. Con
Creado y dirigido por Marianella Morena, Lucía Trentini, una introducción polémica sobre el lugar que ocupan
Agustín Urrutia, Mané Pérez, Christian Amacoria, en la sociedad nuestros artistas, qué valor tienen de
Laura Báez y Domingo Milesi componen el reparto de este acuerdo al gobierno de turno y la ideología imperante.
espectáculo. Morena, como mujer artista dialoga con otra artista.
9 Donostia Kultura & DSS2016EU

Noetic DANTZA

GöteborgsOperans Danskompani
Victoria Eugenia Antzokia

Maiatza 12 – 13 Mayo

20:00

Koreografia / Coreografía: Sidi Larbi Cherkaoui

Dantzariak / Bailarines: GöteborgsOperans
Danskompani
Musika konposizioa / Composición musical:
Szymon Brzóska
Zuzeneko musikaren interpretazioa / Interpretación
musical en directo: Miriam Andersén, Shogo Yoshii

Gogokoenen arteko hiru dantza, pasioari, senari eta

kontsolamenduari buruz. ‘Interfacial Scale’, ‘Your
Passion is Pure Joy to Me’ eta ‘Noetic’: arrakasta
handiko hiru dantza-emankizun, testuinguru berri
batean aurkeztuak.
Gure gogokoenen artean hautatu ditugu hiru lanak,
konpainiak dantza garaikidearen eremuan izan
duen garapen bizkorraren adibide baitira. Hirurak
dira berariaz Göteborgs Operans Danskompani-
rentzat sortuak.

Tres danzas favoritas sobre la pasión, el instinto y la

consolación. ‘Interfacial Scale’, ‘Your Passion is Pure Joy
to Me’ y ‘Noetic’: tres espectáculos de baile de entre los
más aclamados, presentados en un nuevo contexto.
Estos tres trabajos son una selección de nuestros
favoritos y ejemplifican el rápido desarrollo de la
compañía en el campo de la danza contemporánea.
Los tres fueron creados en exclusiva para Göteborgs
Operans Danskompani.
Donostia Kultura & DSS2016EU 10

Labio de liebre Antzerkia - TEATRO

Teatro Petra
Victoria Eugenia Antzokia

Maiatza 21 – 22 Mayo

21 20:00 Castellano

22 19:30

Interpreteak / Intérpretes: Marcela Valencia, Liliana

Escobar, Jacques Toukhmanian, Ana María Cuéllar,
Biassini Segura, Fabio Rubiano
Arte zuzendaritza / Dirección de arte: Laura Villegas
Musika konposizioa eta soinu-diseinua / Composición
musical y diseño sonoro: Camilo Sanabria
Bideoaren diseinua / Diseño de video: Carlos Pérez,
Diego Andrés Forero
Argi diseinua / Diseño de iluminación: Adelio Leiva,
Leonardo Murcia

‘Labio de liebre’ narrazio dramatikoan falta ezin den pasio bati buruzko lan bat da: mendekua du gaitzat. Baina baita
eginkizun zailenetako bati buruzkoa ere: barkamena. Salvo Castellok, langile eraginkor batek, irmo parte hartu du
izugarrikeria handiak egiten. Sinesmen osoz jardun du, amorruz, oinazez, baina baita mendekuz ere. Damututa dago. Baina
zorretan da. Zorra kitatzeko, bere etxean egin behar die aurre iraganeko gertaerei; nahita ahaztutako zatiak dira, ahaztu
beharragatik edo inertziaz ahaztutakoak. Sosa familiak, duela zenbait urte kalteak jaso zituenak, uko egiten dio iraganeko
kalteak don Salvori kobratzeari. Ez denak, ordea. Badira batzuk oroimenean galdu ezin direnak, barkamenaren lurretan
ehortzi ezin direnak. Mendekuari uko egiteak, justizia modu gisa, ez du esan nahi kaltetuek ez dutenik ezer erreklamatzen.
Eskatu, exijitu egiten dute. Hainbesteraino, non, batzuetan, exijentzia hori hain baita tematia eta aldaezina, non ankerra
baitirudi, mendekuaren hurbilekoa.

‘Labio de liebre’ es una obra sobre una de las pasiones infalibles en la narración dramática: la venganza. Pero también sobre una
de las acciones más difíciles: el perdón. Salvo Castello, un empleado eficiente ha colaborado con firmeza en la ejecución de hechos
atroces. Ha obrado por convicción, por rabia, por dolor; pero también por venganza. Se arrepiente. Pero queda en deuda. Para
saldar su deuda debe enfrentarse en su propia casa con hechos del pasado; fragmentos olvidados por voluntad, por obligación o
por inercia. La familia Sosa, afectada años atrás, renuncia a cobrarle a don Salvo los daños del pasado. No todos. Hay algunos
que no se pueden perder en la memoria, ni sepultar en los terrenos del perdón. Renunciar a la venganza como forma de justicia, no
significa que los afectados no reclamen otras cosas. Piden, exigen. Tanto, que a veces la exigencia es tan insistente e inalterable que
parece cruel, cercana a la venganza.
11 Donostia Kultura & DSS2016EU

Solitudes Antzerkia - TEATRO

Kulunka Teatro
Victoria Eugenia Antzokia

Ekaina 11 Junio

20:00 Testurik gabe / Sin texto

Interpreteak / Intérpretes: Garbiñe Insausti, José Dault,

Edu Cárcamo
Dramaturgia: Garbiñe Insausti, José Dault, Iñaki Rikarte,
Rolando San Martín, Edu Cárcamo
Musika orijinala / Música original: Luis Miguel Cobos
Eszenografia eta jantzien diseinua / Diseño de
escenografía y vestuario: Ikerne Giménez
Argi diseinua / Diseño de iluminación: Carlos Samaniego
“sama”

Kartetan egin besterik nahi ez duen agure bat.

Alargundu den agure bat. Norekin jokatu ez duen
agure bat. Burutu ezinik dabilen seme bat, biloba
nerabe bat. Etsitzen ez duen agure bat. Gizarte itsu
bat. Puta hasiberri bat. Gaizkiulertu bat. Euli bat.
Eta denbora, kontrajokoan. ‘Solitudes’ ESZENA
Tkin ekoiztutako ikuskizuna da. (Victoria Eugenia
Antzokia eta Scène Nationale du Sud-Aquitaine)

Un anciano que ya sólo quiere jugar a las cartas. Un

anciano que se queda viudo. Un anciano que no tiene
con quién compartir el juego. Un hijo superado, una
nieta adolescente. Un anciano que no se resigna. Una
sociedad ciega. Una puta primeriza. Un equívoco. Una
mosca. Y el tiempo jugando en contra. ‘Solitudes’ es
un espectáculo coproducido con ESZENA T. (Teatro
Victoria Eugenia y Scène Nationale du Sud-Aquitaine)
Donostia Kultura & DSS2016EU 12

Hybrid rythm DANTZA

& dance
Oreka Tx
Victoria Eugenia Antzokia Txalaparta, Ainu indigena japoniarren kantua eta
dantza garaikidea Euskal Herria eta Japoniaren
arteko zubi bat eraikitzeko balio izango dute.
Urria 21 – 22 – 23 Octubre Donostian eta Tokion egindako egonaldi
artistikoetatik sortutako ikuskizun honek antzinako
bi tradizio elkartuko ditu dantza garaikide fin
21 – 22 20:00 batekin.
23 19:30

La txalaparta euskaldun, el canto de los indígenas

Zuzendaritza eta koreografia / Dirección y coreografía:
Hirayama Motoko
Musikaren interpretazioa / Interpretación musical: Oreka TX
Abeslaria / Cantante: Toko Emi
Interpreteak / Intérpretes: Kojiri Kenta, Oba, Suzuki Ryu,
Minakawa Mayumu, Nishiyama Yuki
japoneses Ainu y la danza contemporánea sirven para
tender un puente entre Euskal Herria y Japón. Este
espectáculo será fruto de sendas residencias artísticas
realizadas en Donostia y Tokyo, que fundirá dos
tradiciones ancestrales con una danza contemporánea
delicada.
13 Donostia Kultura & DSS2016EU

Incendios Antzerkia - TEATRO

Ysarca
Victoria Eugenia Antzokia

Azaroa 11 – 12 Noviembre

20:00 Castellano

Mario Gas zuzendari eta Nuria Espert protagonista

Wajdi Mouawad autore libanoarraren obra honetan.

Mario Gas dirige a Nuria Espert en esta obra del autor

libanés Wadji Mouawad.

Waidi Mouawad su-emailea da. Baina hark

eragindako errautsetatik fenix hegazti sekulakoak
berpizten dira. Incendios berpizte horretaz ari da,
batzuetan egin beharreko suteez, maiz norberaren
baitara iristeko ibili behar den bide izugarriaz.
Emakume bat hil da oraintxe, eta gaur atea ireki die
bere isiltasunari eta bere sekretuei. Oihal berdezko
jantzi bat utzi die bere seme-alaba bikiei, koaderno
gorri bat eta bi kartazal, Pandoraren bi kutxa balira
bezala, nondik gaitzak eta mirariak sortzen baitira.
Koadernoak eta kartazalek barruan dutenak
egundoko odiseara eramango ditu, urruneko
kontinente batera, iragan ezezagun batera, bigarren
jaiotza batera.
Wajdi Mouawad es un incendiario. Pero de las
fabulosas aves fénix que renacen de sus cenizas.
Incendios habla de ese renacer, de fuegos que a veces
hay que sembrar, del terrible camino que a menudo
hace falta recorrer para llegar a uno mismo. Una
mujer acaba de morir y hoy abre la puerta a su
silencio y a sus secretos. Deja a sus gemelos un traje
de tela verde, un cuaderno rojo y dos sobres que son
como dos cajas de Pandora de las que surgen males y
maravillas, y cuyo contenido les va a arrastrar a una
fabulosa odisea, hacia un continente lejano, hacia un
pasado desconocido, hacia un segundo nacer.
Donostia Kultura & DSS2016EU 14

The naked clown DANTZA

Recirquel
Victoria Eugenia Antzokia
Azaroa 24 – 25 Noviembre
20:00
Idazlea, koreografoa, zuzendaria, kontzeptu bisuala /
Escritor, coreógrafo, director, concepto visual: Bence Vági
Konpositorea / Compositor: Péter Sárik
Jantziak / Vestuario: Kriszta Berzsenyi
Argi diseinua / Diseño iluminación: József Pet
Dramaturgia: Dorka Gergely
Koreografoa / Coreógrafo: Gábor Zsíros
Clown: Brigitta Egyed
Piano: Zoltán Lengyel
Dantzariak / Bailarines: Zita Horváth, Andrea Orbán,
Gabriella Pálfi, Márk Csörögi, Gábor Zsíros
Pailazoari amaitzen ari zaio bizia. Ezezagunean
sartzear da, baina azken oihala erori baino
lehen, oroz gabetu beharra du, bere arima erabat
biluzturik egin nahi ditu azken urratsak. Zer dago
pailazoaren mozorroaren irribarre etengabearen
atzean? Produkzio honetan, aktoreek literalki eta
irudimenez erantziko dute mozorroa, ikus-entzuleei
barne-bidaia ez ohiko batera abiatzeko gonbita
egiten dietenean, irudimenaren eremuetan barrena,
non errealitatea babesten duten geruzak desagertu
egiten baitira.
La vida del payaso llega a su fin. Está a punto de
entrar en lo desconocido, pero antes de que caiga
el telón necesita despojarse de todo para dar sus
últimos pasos con el alma desnuda. ¿Qué hay
detrás de la máscara siempre sonriente del payaso?
En esta producción, los actores se despojan literal
y figurativamente del disfraz, cuando invitan a la
audiencia a un inusual viaje interior por ámbitos
imaginarios donde las barreras protectoras de la
realidad desaparecen.
15
She poems
Aïda Colmenero Dïaz
Antzoki Zaharra – Teatro Principal
Azaroa 26 – 27 Noviembre
26 20:00
27 19:30
Aïda Colmenero Dïazen proiektua, Afrikako emakume
artista ezberdinen laguntzarekin sortua.
Proyecto de Aïda Colmenero Dïaz, creado con la ayuda de
diferentes mujeres artistas de África.
‘She poems’ egitasmo original eta berritzailea
da, Aïda Colmenero Dïazek sortua, eta bi dantza
aurkezten ditu, Senegalen, Nigerian, Tanzanian eta
Kamerunen osatutako bideo-dantzetatik eraikiak.
Dantza garaikideko ikus-entzunezko lan hau
emakumeek emakumeentzat egina da, emakumeen
identitatea eta haien eskubideen babesa ditu
gaitzat, eta poesiaren bidez jorratzen ditu.
‘She poems’ afrikar dantzako aukera-
berdintasunari buruzko proiektu bat da,
dantza hori gizonezkoek egin baitute eskuarki;
profesionaltasunari eta gaitasunari buruzkoa,
sorkuntzazko interpretazioari buruzkoa, afrikar
emakumea artista gisa han eta handik kanpo
ahalduntzeari eta ikusgai jartzeari buruzkoa.
Donostia Kultura & DSS2016EU
DANTZA
©Siaka S. Traoré
‘She poems’ es un proyecto original e innovador creado
por Aïda Colmenero Dïaz que presenta dos piezas de
danza creadas a partir de video-danzas construidas
en Senegal, Nigeria, Tanzania y Camerún. Este trabajo
audiovisual de danza contemporánea realizado por y
para las mujeres trata, a través de la poesía, el tema
de la identidad de las mujeres y la protección de sus
derechos.
‘She poems’ es un proyecto sobre la igualdad de
oportunidades en la danza africana - tradicionalmente
interpretada por hombres-, la profesionalización
y la capacidad en la composición coreográfica y
la interpretación creativa, el empoderamiento y la
visualización de la mujer africana como artista, dentro
y fuera de sus fronteras.
Donostia Kultura & DSS2016EU 16

El retablo de Antzerkia - TEATRO

las maravillas
Morfeo Teatro
Victoria Eugenia Antzokia

Abenduak 10 Diciembre

20:00 Castellano

Morfeo Teatroren produkzio bat, Francisco Negrok

egokitu eta zuzendua, eta honako aktore hauek jokatua:
Francisco Negro bera, Mayte Bona, Felipe Santiago,
Adolfo Pastor, Santiago Nogués, Mamen Godoy eta
Joan Llaneras.

Una producción de Morfeo Teatro, bajo dramaturgia y

dirección de Francisco Negro, con el propio
Francisco Negro, Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor,
Santiago Nogués, Mamen Godoy y Joan Llaneras
en el reparto.

Cervantesek duela lau mende idatzi zuen ‘El retablo

de las maravillas’ lanak satira jostagarri bat
aurkezten du garai hartako Espainiako hipokresiei
buruz. Herri bateko agintariek, komediante batzuek
erakusten dieten erretaula huts baten aurrean,
pentsatuz magikoa dela ez dielako ezer erakusten
odol garbikoak ez direnei, sasikoei, plantak
egiten dituzte, ikusten ez dutena ikusiko balute
bezala, frogatzeko “jatorri oneko jendea” direla.
Satira itxuragabeko horrek dramatismoa hartzen
du, Cervantesen kontakizunaren mikaztasuna
areagotu egiten da amaiera harrigarrian. Morfeok
aurkezten du satira krudel hau, Cervantesen
zenbait lan hautatutan oinarritua, pieza nagusitzat
Cervantesen entremes ospetsua duelarik.
‘El retablo de las maravillas’ que escribió Cervantes
hace cuatro siglos, presenta una divertida sátira
sobre las hipocresías de la España de la época. Los
mandatarios de un pueblo, ante un retablo vacío
mostrado por unos cómicos, y aparentemente mágico
por no enseñar nada a sucios de sangre o bastardos,
simulan ver lo que no ven para demostrar que son
“gentes de bien nacer”. La disparatada sátira cobra
dramatismo y se acentúa la acidez del discurso
cervantino en un sorprendente final. Morfeo presenta
esta cruel sátira basada en una selección de varias
obras de Cervantes y teniendo como pieza principal el
famoso entremés cervantino.
17 Donostia Kultura & DSS2016EU

Caída libre DANTZA

Free fall
Sharon Fridman
Victoria Eugenia Antzokia

Abenduak 16 – 17 Diciembre

20:00

Zuzendaritza artistikoa / Dirección artística: Sharon Fridman

Koreografia / Coreografía: Sharon Fridman eta dantzariak /
Sharon Fridman y bailarines
Koreografia laguntzaileak / Asistentes coreográficos: Arthur
©Andrea Macchia
Bernard-Bazin, Carlos Fernández
Dantzariak / Bailarines: Pau Cólera, Jonathan Foussadier,
Maite Larrañeta, Richard Martin Mascherin, Melania Olcina,
Léonore Zurfluh, Donostiako dantzarien parte-hartzearekin /
con la participación de bailarines de Donostia
Dramaturgia: Antonio Ramírez-Stabivo
Konposizio musikal orijinala / Composición musical original:
Luis Miguel Cobo

Gure biziraupena bertikaltasun-auzi bat da: erori ondoren
jaikitzea amaierarik gabeko zikloa da, egunero berregiten
dena. Denok gaude sartuta dinamika simetriko horretan,
baina bakoitzak berea eta ez beste inorena balitz bezala
sentitzen du. Beti taldeetan sartuta, saiatzen gara
zentzua eta askatasuna aurkitzen, ikusiz ea posible den
“erorketa librea”. “Erortzeko” erresistentziek, bizi-
egitura defentsibo eta itogarriak alde batera uzteko
erresistentziek, ez aurrera ez atzera uzten gaituzte
batzuetan, etsita, dena errepikatu beharko balitz bezala,
norbanakoak bide berritzerik aurkituko ez balu bezala,
harrapatuta bizi delarik. Galdetzen diogu geure buruari
nola erraz lezakeen talde batek “erorketa” hori, nola
izan daitekeen adore-emaile eta lagungarri norbanakoak
irtenbidea aurki dezan, bere izatea onartu eta bidean
aurrera segi dezan. Ur-jauzitik erori nahi ez duen ur
geldi hori bezala, azkenean korrontearen bultzadaz libre
erortzen den arte.
Nuestra supervivencia es una cuestión vertical: levantarse
tras caerse constituye un ciclo infinito que se reproduce
cada día. Todos somos partícipes de esta simétrica
dinámica, pero cada uno la siente única e intransferible.
Siempre inmersos en grupos procuramos encontrar el
sentido, la libertad, comprobando si es posible la ` c aída
libre´ . Las resistencias a ` c aer´ , a abandonar estructuras
vitales defensivas y asfixiantes pueden, en ocasiones,
conducir a un estancamiento desalentador, a un estado
redundante de la existencia en el que el individuo
no encuentra una posible bifurcación y vive en el
atrapamiento. Nos preguntamos cómo un grupo puede
facilitar esa “caída”, cómo puede servir de aliento y soporte
para que el individuo pueda redimirse, entregarse a su
naturaleza y continuar con su camino. Como ese remanso
de agua que se resiste a precipitarse por la cascada y
finalmente recibe el empuje de la corriente realizando una
caída libre.
Donostia Kultura & DSS2016EU 18

Último tren Antzerkia - TEATRO

a Treblinka
Vaivén Producciones
Victoria Eugenia Antzokia

Abenduak 29 Diciembre

20:00 Castellano

Zuzendaritza / Dirección: Mireia Gabilondo

Testua / Texto: Patxo Telleria
Espazio eszenikoa / Espacio escénico: Fernando Bernués
Eszenografia / Escenografía: Iñigo Lacasa
Atrezzo: Julia Gysling
Jantziak / Vestuario: Anselmo Gervoles
Musika / Música: Iñaki Salvador
Argi diseinua / Diseño iluminación: Xabier Lozano
Argazkiak / Fotografía: Manix Diaz de Rada

1942ko abuztuaren 5a, asteazkena, Varsovia.
Umezurztegi bat, 200 haur judutarren bizilekua.
Janusz Kòrczak mediku eta pedagogoak, hango
buru zelarik, haur-errepublika zinezko bat sortu
zuen bere laguntzaile min Stefania Wilzynskarekin
batera. Haurrekin eskuz esku jardunez, konstituzio
bat sortu zuen, bere lege, araudiekin, bai eta bere
zigor-kodearekin ere. Ikus-entzuleek parte hartuko
dute horretan, beren ohe-literetan egongo baitira,
umezurztegiaren azken egunean, eta hartara parte
hartuko dute barne-antolamenduan, eguneroko
errutinan, hango beldur eta alaitasunetan...
Ikus-entzuleak epaiketa baten lekuko izango dira,
non jakinarazpen izugarri batek amaiera emango
baitie hango ametsei, bizitzari: umezurztegitik alde
egin behar dute, eta tren bat hartu, Treblinkako
kontzentrazio-esparrura eramango dituen trena.
Miércoles 5 de agosto de 1942, Varsovia. Un orfanato
con 200 niños judíos, liderado por el doctor y
pedagogo Janusz Kòrczak, junto con su inseparable
colaboradora Stefania Wilczynska, formó allí una
verdadera república infantil. Trabajando mano a
mano con los niños creó una constitución con sus
leyes, reglamentos y también un código penal. Los
espectadores serán parte de ellos, ya que estarán
aposentados en sus camas-litera, el último día de este
orfanato, siendo así, partícipes de su organización
interna, de su rutina diaria, de sus miedos y alegrías...
El público será testigo de uno de sus juicios donde
una terrible notificación acabará con sus sueños y su
existencia: deben abandonar el orfanato y dirigirse
al tren que les llevará al campo de concentración de
Treblinka.
Donostia Kultura & DSS2016EU

ELKARRIZKETAK Ekitaldi mota Hasiera eguna Gainerako egunak

Hilabetea / Mes Ordua / Hora Tokia / Lugar
CONVERSACIONES 2016 Tipo de espectáculo Día de comienzo Resto de días
Oskara Dantza 3 8 20: 30 Victoria Eugenia Antzokia
Hotel Splendid Antzerkia /Teatro 2 19 20 20:00 Victoria Eugenia Antzokia
Antzoki Zaharra
Return Dantza 2 26 27 20:00
Teatro Principal
Torobaka Dantza 4 1 2 20:00 Victoria Eugenia Antzokia
No pariré hijos, Antzoki Zaharra
Antzerkia / Teatro 4 16 17 20:00 / 19:30
pariré versos Teatro Principal
Noetic Dantza 5 12 13 20:00 Victoria Eugenia Antzokia
Labio de Liebre Antzerkia / Teatro 5 21 22 20:00 / 19:30 Victoria Eugenia Antzokia
Solitudes Antzerkia / Teatro 6 11 20:00 Victoria Eugenia Antzokia
Hybrid Rythm & Dance Dantza 10 21 22, 23 20:00/20:00/19:30 Victoria Eugenia Antzokia
Incendios Antzerkia / Teatro 11 11 12 20:00 Victoria Eugenia Antzokia
Agenda
The naked clown Antzerkia / Teatro 11 24 25 20:00 Victoria Eugenia Antzokia
Antzoki Zaharra
She poems Dantza 11 26 27 20:00 / 19:30
Teatro Principal
El Retablo de las Maravillas Antzerkia / Teatro 12 10 20:00 Victoria Eugenia Antzokia
Free Fall (Caída libre) Dantza 12 16 17 20:00 Victoria Eugenia Antzokia
Último tren a Treblinka Antzerkia / Teatro 12 29 20:00 Victoria Eugenia Antzokia
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