Você está na página 1de 17

ARTE INDÍGENA: PINTURAS, CERÂMICAS E PLUMAGEM

Neste artigo abordaremos algumas das mais conhecidas e artes indígenas. A arte indígena é parte da
cultura Brasileira. A cultura indígena possui características diferentes de grupos para grupos, fazendo com
que cada grupo tenha uma arte particular e seja individual.
Apesar do individualismo visível entre os grupos, algumas características em comum são notadas, como a
pintura corporal por exemplo.
Pintura Corporal Indígena
A pintura corporal utiliza tintas naturais, provindas de árvores e
frutos. A mais utilizada é preparada através do jenipapo, uma fruta
muito apreciada pelos índios. Ela é coletada ainda verde, retira-se
então seu líquido, que quando entra em contato com a pele,
transforma-se em uma tinta preta que pode durar até 2
semanas(durando no mínimo 1 semana).

A semente do urucum também é muito utilizada. Ela solta uma tinta avermelhada na pele, porém, existem
outras maneiras de realizar a pintura corporal. Cada tribo possui um modo e uma técnica, há por exemplo,
tribos que utilizam um tipo de tinta em crianças e outro tipo de tinta em adultos.Os desenhos e as formas
também possuem distinções, por exemplo, existem desenhos feitos para comemorações, outros para
rituais…
A arte corporal com pintura é individual e única de cada grupo indígena, possuindo diversos icsignifados e
motivos pelo seu uso.

Arte com Penas e Plumas


Os índios utilizam as penas e plumas de aves para fazer flexas, cocar, entre outros…
Os principais grupos indígenas que realizam esta arte, são: Xavante, Waurá, Juruna, Kaiapó, Tukano,
Urubus-Kaapor, Asurini, Karajá.
As penas e plumas, quando coletadas, geralmente são tingidas. Eles possuem significados e marcações,
cada arte transmite uma mensagem, pode ser por exemplo: Sexo, idade, filiação, posição social…
A arte plumária é mais utilizada por homens, pois eles possuem um grau de importância maior do que o
das mulheres em suas culturas.

Cerâmica
O domínio da cerâmica é
visto em muitas tribos. Eles a utilizam para criar vasos e recipientes, assim como esculturas, estátuas e
instrumentos.
As cerâmicas muitas vezes são pintadas e utilizadas também para armazenar as cinzas dos mortos. Estima-
se a existência de 200 tribos que dominam esta arte, aprendida com seus antepassados.

A ARTE DO RENASCIMENTO
O Nascimento de Vênus, uma das obras mais importantes do artista renascentistas Sandro Botticelli. Uma
das principais características do movimento artístico desenvolvido nesse período é o resgate da cultura da
Antiguidade Clássica. Como se pode ver na imagem acima essa revalorização da cultura greco-romana
expressou também na retomada dos temas da mitologia grega.
HISTÓRIA

2
O Renascimento foi um movimento cultural nascido durante o século XIV na rica cidade de Florença na Itália.
Os ideais renascentistas se espalharam por toda a Europa até o final do século XVI. Os artistas desse
movimento visavam resgatar os valores da cultura greco-romana segundo eles, abandonados no período
conhecido como Idade Média.
Os renascentistas colocavam em primeiro plano a existência humana, ao contrário do que acontecia no
período medieval, em que havia uma excessiva preocupação com os valores religiosos. Como a Igreja
Católica havia se transformado na instituição mais poderosa da Europa, ela controlava tudo o que era
produzido e divulgado na sociedade.
Deus não era negado pelos homens do Renascimento, no entanto a preocupação com o ser humano e os
assuntos terrenos deveria estar em primeiro lugar. A base da cultura renascentista era o humanismo,
movimento que apresentava como principais características:
 Antropocentrismo: homem como o centro do universo.
Resgate da cultura e dos estudos da Antiguidade Clássica.
 Racionalismo: a busca da verdade deve ocorrer por meio da investigação, visto que o homem é um
ser racional.
 O Desenvolvimento da Arte Renascentista
O fortalecimento da burguesia na Europa estimulou a expansão dos ideais renascentistas. Os estudiosos e
artistas do Renascimento foram financiados por ricos banqueiros e comerciantes conhecidos como mecenas,
estes financiavam e divulgavam o trabalho dos artistas em troca de reconhecimento social. A beleza das
obras de arte gerava um grande prestígio para as cidades, o que levava os mecenas a competirem para
contratar os melhores artistas.
Características da Arte Renascentista
O Renascimento e suas mais variadas expressões surgiram em Florença, mas ao se espalhar para outras
regiões da Europa adquiriu especificidades de cada local. Apesar da liberdade de criação de cada artista, a
arte renascentista apresentava algumas características em comum, entre elas pode-se destacar:
Realismo: os artistas buscavam representar suas criações com o máximo de realidade, para isso no centro de
suas obras estava o homem e a natureza. Com o objetivo de se aproximar dessa realidade, eles
desenvolveram técnicas que visavam expressar os sentimentos e emoções humanas.
Valorizavam-se muito os prazeres terrenos e a beleza do corpo, o que antes era considerado pecado pela
sociedade medieval.
A Técnica da Perspectiva: a utilização dessa técnica criava uma sensação de profundidade e volume às telas.
Seu emprego só foi possível a partir da utilização de figuras geométricas e estudos matemáticos. Até mesmo
as obras de arte eram fruto de incansáveis estudos científicos.
Valorização da cultura greco-romana: Os renascentistas admiravam a relação dos gregos e romanos com os
sentimentos humanos e a natureza. Para eles tudo o que foi criado por essas duas grandes civilizações da
antiguidade clássica foi perdido durante a Idade Média, devido aos dogmas religiosos.
Questionário

Principais Artistas do Renascimento


Giotto di Bondone: pintor e arquiteto italiano, os traços realistas expressados em suas obras fazem dele um
dos percussores do movimento renascentista. Entre suas principais obras pode-se destacar a Madonna de
todos os santos, O Beijo de Judas, A Lamentação e Julgamento Final.
Michelangelo Buonorroti: destacou-se na pintura, na arquitetura e na escultura. Suas principais criações
foram à pintura do teto da Capela Sistina e esculturas como a Pietá, Davi e Moisés.
Rafael Sanzio: ficou reconhecido pela pintura de várias Madonas (representação da virgem Maria com o
menino Jesus). Suas obras apresentavam um estilo baseado na clareza das figuras. Apesar de criações
inspiradas em temáticas religiosas, Rafael procurava em retratar o ser humano e explora o mundo real. As
características realistas são nitidamente percebidas em suas obras. Uma das suas criações mais conhecidas é
a Escola de Atenas, pintada em uma das paredes do Vaticano.
Leonardo da Vinci: um dos artistas mais completos do período renascentista destacou-se por seus estudos
científicos sobre os mais variados assuntos. Pintor, escultor, cientista, engenheiro, físico, escritor, etc.
Leonardo conquistou maior reconhecimento em suas obras artísticas do que em seus estudos científicos.
Obras principais: Mona Lisa, Última Ceia.
Sandro Botticelli: reconhecido por suas representações de cenas da mitologia clássica. Entre suas principais
obras estão O Nascimento de Vênus e Primavera.
Filippo Brunelleschi: sua principal criação foi à cúpula da catedral de Florença, modelo para a arquitetura
renascentista.
Donatello: apesar de também exaltar a figura humana, o artista ficou conhecido por suas esculturas com
temas religiosos. Suas principais criações foram São Jorge e Gattamelata.
Arquitetura
A cultura greco-romana continuou a influenciar os artistas renascentistas, as obras arquitetônicas não
fugiram a essa regra. O resgate da cultura Clássica buscava aliar elementos do cristianismo com as
manifestações do mundo pagão. A busca incessante pela beleza levava os arquitetos a investirem na
edificação de obras artisticamente perfeitas que imprimissem as suas características individuais.
As obras arquitetônicas eram meticulosamente calculadas, o uso da geometria euclidiana (geometria, em
duas e três dimensões, baseada nos postulados de Euclides de Alexandria) era aplicado na construção de
casas, igrejas, vilas, monumentos, etc.
Os Novos Meios de Divulgação
A invenção da imprensa, das academias literárias e artísticas contribuiu para a divulgação das obras
renascentistas. Os novos meios de se divulgar as criações e artistas fez com que o renascimento atingisse
toda a Europa até o século XVI. A substituição dos livros manuscritos, pelos livros que utilizavam os tipos
móveis inventados pelo alemão Johannes Gutenberg, facilitou a circulação desse movimento cultural.

História da Arte – Movimento Impressionismo e Expressionismo –


O movimento Impressionista foi o ponto inicial para o surgimento do que, hoje, conhecemos como
Arte Moderna.
Na época, a Academia não concebia a ideia de poder aceitar uma obra de arte que não
representassem paisagens, cenas baseadas na mitologia, iconografia religiosa ou feitos heroicos que
retomassem ao tempo dos gregos antigos, como também não concebia a ideia de considerar uma pintura
que não tivesse um refinamento técnico como sendo uma obra prima. Mas, os impressionistas cansaram
dessa forma de se fazer arte, a intenção deles era inovar, sair dos ateliês e pintar ao ar livre, visando
documentar o mundo moderno.
Apesar de todas as críticas e dificuldades enfrentas pelos impressionistas, atualmente o Impressionismo é
considerado o mais famoso movimento artístico a ganhar forma desde o Renascimento.
O Impressionismo, como o próprio nome nos sugere, lida com o momento – a nossa relação com a luz e com
as cores, com o instante, uma impressão, algo que passa tão rápido como o nascer do sol, tal como o
retratou Monet em Impressão, Nascer do Sol, obra que deu início ao movimento.
REPORT THIS AD
O Impressionismo é um movimento artístico surgido na França no século XIX que criou uma nova visão
conceitual da natureza utilizando pinceladas soltas dando ênfase na luz e no movimento. Geralmente as
telas eram pintadas ao ar livre para que o pintor pudesse capturar melhor as nuances da luz e da natureza.
Os impressionistas retratam em suas telas os reflexos e efeitos que a luz do sol produz nas cores da
natureza. A fonte das cores estava nos raios do sol. Uma mudança no ângulo destes raios implica na
alteração de cores e tons. É comum um mesmo motivo ser retratado diversas vezes no mesmo local, porém
com as variações causadas pelas mudanças nas horas do dia e nas estações ao longo do ano. As telas eram
pintadas ao ar livre, o objetivo era criar obras espontâneas, inspiradas na natureza. Vale lembrar que a cor
era um elemento que a fotografia ainda não conseguia solucionar (as imagens ainda eram monocromáticas).
A partir desse cenário, já na segunda metade do século 19, surgem artistas como Claude Monet, que
passaram a se dedicar à singular experiência de mostrar na pintura o colorido do mundo.
Principais artistas: Claude Monet, foi um dos fundadores da pintura impressionista francesa, Pierre -
Auguste Renoir, Edgar Degas, era um artista francês famoso por seu trabalho na pintura , escultura, gravura
e desenho. No Brasil – Eliseu Visconti .
REPORT THIS AD
O EXPRESSIONISMO.
O expressionismo foi um movimento cultural de vanguarda surgido na Alemanha nos primórdios do século
XX, de indivíduos que estavam mais interessados na interiorização da criação artística do que na sua
exteriorização, projetando na obra de arte uma reflexão individual e subjetiva. Procurava retratar as
inquietações do ser humano do início do século XX.
Pode-se dizer que o Expressionismo foi mais que uma forma de expressão, ele foi uma atitude em prol dos
valores humanos num momento em que politicamente isto era o que menos interessava.
É inegável que o Expressionismo foi uma reação ao Impressionismo, já que esse movimento se preocupou
apenas com as sensações de luz e cor, não se importando com os sentimentos humanos e com a
problemática da sociedade moderna. Ao contrário, o Expressionismo procurou expressar as emoções
humanas e interpretar as angústias que caracterizaram psicologicamente o homem do início do século XX.
REPORT THIS AD
O principal precursor deste movimento foi o pintor holandês Vincent Van Gogh, que, com seu estilo único, já
manifestava, através de sua arte, os primeiros sinais do expressionismo. Outro importante pintor
expressionista foi o norueguês Edvard Munch, autor da conhecida obra O Grito. O expressionismo plasmou-
se num grande número de campos: arquitetura, artes
plásticas, literatura, música, cinema, teatro, dança, fotografia, etc.
O expressionismo costuma ser entendido como a deformação da realidade para expressar mais
subjetivamente a natureza e o ser humano, dando primazia à expressão dos sentimentos mais que
à descrição objetiva da realidade.
Com as suas cores violentas e a sua temática de solidão e de miséria, o expressionismo refletiu a amargura
que invadia os círculos artísticos e intelectuais da Alemanha, bem como da Primeira Guerra Mundial (1914-
1918) e do período entre-guerras (1918-1939). Essa amargura provocou um desejo veemente de
transformar a vida, de buscar novas dimensões à imaginação e de renovar as linguagens artísticas. O
expressionismo defendia a liberdade individual, a primazia da expressão subjetiva.
Expressionismo no Brasil- Em nosso país o movimento também foi importante. Podemos destacar, nas
artes plásticas, os artistas expressionistas mais importantes: Cândido Portinari, que retratou em suas telas a
migração do povo nordestino para as grandes cidades e a vida dos agricultores, operários e desfavorecidos.
REPORT THIS AD
Outro representante do expressionismo brasileiro: Anita Malfatti, pode ser considerada a artista que
introduziu as vanguardas europeias em território brasileiro. Retratou em suas obras retratos nus, cenas
populares cotidianas e paisagens. Usou cores fortes e violentas em suas obras
ARTE CUBISTA

Este movimento artístico tem seu surgimento no século XX e é considerado o mais influente deste período.
Com suas formas geométricas representadas, na maioria das vezes, por cubos e cilindros, a arte cubista
rompeu com os padrões estéticos que primavam pela perfeição das formas na busca da imagem realista da
natureza. A imagem única e fiel à natureza, tão apreciada pelos europeus desde o Renascimento, deu lugar a
esta nova forma de expressão onde um único objeto pode ser visto por diferentes ângulos ao mesmo
tempo.

História movimento cubista e características principais:

O marco inicial do Cubismo ocorreu em Paris, em 1907, com a tela Les Demoiselles d''Avignon, pintura que
Pablo Picasso levou um ano para finalizar. Nesta obra, este grande artista espanhol retratou a nudez
feminina de uma forma inusitada, onde as formas reais, naturalmente arredondadas, deram espaço a figuras
geométricas perfeitamente trabalhadas. Tanto nas obras de Picasso, quanto nas pinturas de outros artistas
que seguiam esta nova tendência, como, por exemplo, o ex-fauvista francês – Georges Braque – há uma
forte influência das esculturas africanas e também pelas últimas pinturas do pós-impressionista francês Paul
Cézanne, que retratava a natureza através de formas bem próximas as geométricas.
Historicamente o Cubismo se dividiu em duas fases: Analítico, até 1912, onde a cor era moderada e as
formas eram predominantemente geométricas e desestruturadas pelo desmembramento de suas partes
equivalentes, ocorrendo, desta forma, a necessidade de não somente apreciar a obra, mas também de
decifra-la, ou melhor, analisa-la para entender seu significado. Já no segundo período, a partir de 1912,
surge a reação a este primeiro momento, o Cubismo Sintético, onde as cores eram mais fortes e as formas
tentavam tornar as figuras novamente reconhecíveis através de colagens realizadas com letras e também
com pequenas partes de jornal.
Na Europa está o maior número de artistas que se destacaram nesta manifestação artística, entre eles os
mais conhecidos além dos precursores Pablo Picasso e Georges Braque são: Albert Gleizes, Fernand Léger,
Francis Picabia, Marcel Duchamp, Robert Delaunay, Roger de La Fresnaye, e Juan Gris.

Fases do Cubismo:

- Cubismo cézanniano (entre os anos de 1907 e 1909) - é a fase que dá início ao Cubismo. Período marcado
pela forte presença das obras de Paul Cézanne.

- Cubismo Analítico (entre os anos de 1910 e 1912) - fase marcada pela união dos trabalhos criados
separadamente por Picasso e Braque.

- Cubismo Sintético (entre os anos de 1913 e 1914) - fase marcada pelo uso de formas decorativas e cores
marcantes.

Literatura cubista

Embora tenha sido mais forte nas artes plásticas, o cubismo também se manifestou no campo literário. A
literatura cubista apresentou como principais características: elaboração formal do texto, uso de impressão
tipográfica e destaque para os espaços em preto e em branco. O mais importante representante da
literatura cubista foi o escritor e poeta francês Guillaume Apollinaire.

Cubismo no Brasil

Somente após a Semana de Arte Moderna de 1922 o movimento cubista ganhou terreno no Brasil. Mesmo
assim, não encontramos artistas com características exclusivamente cubistas em nosso país. Muitos pintores
brasileiros foram influenciados pelo movimento e apresentaram características do cubismo em suas obras.
Neste sentido, podemos citar os seguintes artistas: Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Rêgo Monteiro e Di
Cavalcanti.
REALISMO
Durante a primeira metade do século XIX, enquanto se travava o embate entre Neoclassicismo
e Romantismo, o Realismo, força que iria dominar a arte na segunda metade do século, começa lentamente
a aparecer.
O homem europeu, diante da industrialização e aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica
para interpretar e dominar a natureza, se convenceu de que precisava ser realista, inclusive em suas criações
artísticas, deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade.
Em certo sentido o realismo tinha sempre feito parte da arte ocidental. Durante a Renascença, os artistas
superaram as limitações técnicas e representavam a natureza com a acuidade fotográfica.
O “novo” Realismo insistia na imitação precisa de percepções visuais sem alteração. Também eram
diferentes em seus temas, os artistas se limitavam a fatos do mundo moderno à medida que os
experimentavam pessoalmente; somente o que podiam ver ou tocar era considerado real. Deuses, deusas e
heróis da antiguidade estavam “fora”. Camponeses e a classe trabalhadora urbana estavam “dentro”. Em
tudo, de cor ao tema, o Realismo trazia para a arte uma sensação de sobriedade silenciosa.
São características gerais:
O cientificismo;
 A valorização do objeto;
 O sóbrio e o minucioso;
 A expressão da realidade e dos aspectos descritivos.

ARQUITETURA
Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas, criadas
pela industrialização. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. Elas precisam de fábricas,
estações, ferroviárias, armazéns, lojas, bibliotecas, escolas, hospitais e moradias, tanto para os operários
quanto para a nova burguesia.
Em 1850, Joseph Paxton construiu o Palácio de Cristal que abrigou a 1ª Feira Mundial em Londres,
demonstrou as possibilidades estéticas do uso do ferro fundido.
Em 1889, Gustavo Eiffel levanta, em Paris, a Torre Eiffel, hoje logotipo da “Cidade Luz”. Triunfo da
engenharia moderna ostenta seu esqueleto de ferro e aço, sem alusões a estilos arquitetônicos do passado.
ESCULTURA
René-François-Auguste Rodin (1840-1917) foi um importante escultor francês. Desde criança demonstrou
grande interesse por esculturas. Aos 13 anos de idade, entrou para uma academia de arte para aprender os
princípios básicos das artes plásticas. Interessou-se e estudou também, por conta própria, anatomia humana
para utilizar os conhecimentos na elaboração de suas esculturas. Aos 18 anos de idade, começou a trabalhar
como modelador e ornamentista. Especializou-se na elaboração de esculturas em bronze.
Auguste Rodin não se preocupou com a idealização da realidade. Ao contrário, procurou recriar os seres tais
como eles são. Além disso, os escultores preferiam os temas contemporâneos, assumindo muitas vezes uma
intenção política em suas obras. Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um
gesto humano.
PINTURA
Características da pintura:
 Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um fenômeno da
natureza, ou seja, o pintor buscava representar o mundo de maneira documental;
 Ao artista não cabe “melhorar” artisticamente a natureza, pois a beleza está na realidade tal qual ela é;
 Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade.
Temas da pintura:
 Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injustas; a arte
manifesta um protesto em favor dos oprimidos.
 Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a
opulência da burguesia. As pessoas das classes menos favorecidas – o povo, em resumo – tornaram-se
assunto frequente da pintura realista. Os artistas incorporavam a rudeza, a fealdade, a vulgaridade dos
tipos que pintavam, elevando esses tipos à categoria de heróis. Heróis que nada têm a ver com os
idealizados heróis da pintura romântica.
Principais pintores:
Gustave Courbet (1819-1877) homem de grande pragmatismo desafiou o gosto convencional por pinturas
históricas e temas poéticos, insistindo que a “pintura é essencialmente uma arte concreta e tem de ser
aplicada às coisas reais existentes”. Sua crença era “tudo que não aparece na retina está fora do domínio da
pintura”. Foi considerado o criador do realismo social na pintura, pois procurou retratar em suas telas temas
da vida cotidiana, principalmente das classes populares. Manifesta sua simpatia particular pelos
trabalhadores e pelos homens mais pobres da sociedade no século XIX.
Jean-François Millet (1814-1875) pintor romântico e um dos fundadores da Escola de Barbzon na França
rural. É conhecido como percursor do realismo, pelas suas representações de trabalhadores rurais.Junto com
Courbet, Millet foi um dos principais representantes do realismo europeu surgido em meados do século XIX.
Sua obra foi uma resposta à estética romântica, de gostos um tanto orientais e exóticos, e deu forma à
realidade circundante, sobretudo a das classes trabalhadoras. Sensível observador da vida campestre, criou
uma obra realista na qual o principal elemento é a ligação atávica do homem com a terra. Foi educado num
meio de profunda religiosidade e respeito pela natureza. Trabalhou na lavoura desde muito cedo. Seus
numerosos desenhos de paisagens influenciaram, mais tarde, Pissarro e Van Gogh.
Abstracionismo
O “Abstracionismo” ou “Arte Abstrata” é um estilo artístico moderno das artes visuais que
priorizam as formas abstratas em detrimento dos objetos e/ou figuras que representam algo
da nossa própria realidade.
Dessa forma, podemos dizer que a arte abstrata ou o abstracionismo é uma obra “não
representacional”, ao contrário da arte figurativa,expressa por meio de figuras que imitam a
natureza.
Exemplo de Arte Abstrata
O pintor russo Kandinsky é considerado o
precursor da arte abstrata com suas obras
representativas “Primeira Aquarela Abstrata”
(1910) e a série Improvisações” (1909/1914).
Principais Características
As principais características do abstracionismo
são:
 Arte não representacional
 Arte subjetiva e destituída de conteúdo
 Oposição ao modelo renascentista, à arte
figurativa e/ou naturalista
o Uso de formas simples, cores e linhas

Origem do Abstracionismo
A origem do abstracionismo está intimamente relacionada com as vanguardas artísticas
europeias do século XX. Elas representaram movimentos de ruptura artística, sobretudo,
com os moldes renascentistas, tradicionalistas e academicistas, pautados no modelo da arte
greco-romana, onde o conceito de “belo” é sua principal caraterística.
Por outro lado, o abstracionismo, caracterizado pela “não representação”, buscou
apresentar um novo estilo de arte, totalmente contra o modelo até então conhecido.
Movimentos como o surrealismo, cubismo, dadaísmo, expressionismo e o futurismo
buscaram o rompimento com os antigos valores estéticos, propondo assim, novas formas de
fruição artística, o que na época foi recebida com certa desconfiança por grande parte da
população.
Abstracionismo no Brasil
Mesmo assim, a proposta das vanguardas despertou e inaugurou novas formas estéticas, as
quais atravessaram fronteiras, de forma que no Brasil influenciaram a estética modernista, a
partir da década de 40.
Dentre os maiores representantes da arte abstrata no Brasil estão:
 Alfredo Volpi (1896-1988)
 Ivan Serpa (1923-1973)
 Cícero Dias (1907-2003)
 Luiz Sacilotto (1924-2003)
 Antônio Bandeira (1922-1967)
 Manabu Mabe (1924-1997)
 Tomie Ohtake (1913-2015)
 Lygia Clark (1920-1988)
 Hélio Oiticica (1937-1980)
 Iberê Camargo (1914-1994)
Vertentes do Abstracionismo
Segundo suas características formais, existem duas vertentes do abstracionismo, a saber:
Abstracionismo Expressivo
Também chamado de "Abstracionismo Informal ou Lírico", essa vertente foi influenciada
pelo expressionismo e fauvismo sendo suas principais características o sentimentalismo, a
intuição e maior liberdade artística.
O maior representante dessa vertente foi, sem dúvida, o artista russo, Kandinsky.
Abstracionismo Geométrico
Influenciada pelo cubismo e o futurismo, essa vertente está pautada na geometria das
formas e no racionalismo.
O maior representante dessa tendência foi o pintor holandês Mondrian.
Pop Art
Pop Art é um movimento artístico que se caracteriza pela utilização de cores vivas e a
alteração do formato das coisas. Muitas vezes, as obras são representadas de forma repetida
e seguida com cores diferentes. Também chamada de Popular Art, surgiu durante a década
de 1950, na Inglaterra, e se difundiu durante os anos de 1960. Atingiu seu auge em Nova
York. A Pop Art não deve ser considerada um fenômeno de cultura popular, mas uma
interpretação feita pelos seus artistas da cultura dita popular e de massas.
Este fenômeno artístico baseou-se, em grande medida, na estética da cultura de massas, a
mesma criticada pela Escola de Frankfurt.
O movimento influenciou grandemente o grafismo e os desenhos relacionados à moda.
Obras de Andy Warhol
Andy Warhol tornou-se o representante mais conhecido da Pop Art no Mundo.
Ficou famoso por retratar ídolos da música popular e do cinema, evidenciando o quanto
estas figuras são impessoais e vazias. São exemplos Marilyn Monroe, Michael Jackson e Elvis
Presley. Marilyn Monroe, 1967 Michael Jackson, 1984 Triple Elvis, 1963
Warhol também representou a impessoalidade do objeto ao reproduzir as garrafas de Coca-
Cola e as latas de sopa Campbell. Coca-cola, 1962 Sopa Campbell, 1962
Características
Os artistas da Pop Art trabalhavam com cores vivas, inusitadas e massificadas pela
publicidade. Eles elegiam as imagens pictóricas e os símbolos de natureza popular.
Esses símbolos eram ironizados de modo a constituir uma crítica implícita ao excesso de
consumo da sociedade capitalista. Isso porque o capitalismo é incentivado de forma
abundante pela dimensão publicitária, cinematográfica, etc. Apesar de diferirem pelo mundo
afora, os artistas mantinham as mesmas temáticas, os desenhos simplificados e as cores
saturadas. A Pop Art buscava evidenciar a crise da arte do século XX por meio de um retorno
à arte figurativa. Fazia um bom contraponto ao expressionismo alemão e ao hermetismo
da arte moderna.
Ela recusa-se a separação entre arte e vida. Daí a arte pop ser capaz de se conectar ao seu
público a partir de signos e símbolos extraídos do imaginário da cultura de massa e da vida
cotidiana.
Este feito foi levado a cabo quando estes artistas utilizaram na arte a linguagem do design
comercial. Com isso, diluíram as diferenças que separavam arte erudita da arte popular.
Pop Art no Brasil
No Brasil, a Pop Art surgiu no contexto da ditadura militar e foi usada como instrumento de
crítica ao sistema.
Os principais nomes da pop art brasileira são:
 Romero Britto (1963)
 Antonio Dias (1944)
 Rubens Gerchman (1942-2008)
Op Art
A “Op Art” ou “Optical Art” (Arte Ótica) foi um movimento artístico que atingiu seu auge na
década de 60 nos Estados Unidos.
Em Nova York, ocorreu a primeira exposição no Museu de Arte Moderna (MOMA) intitulada
“The Responsive Eye” (O Olho que Responde), em 1965.
Baseado em recursos visuais, sobretudo na ilusão de ótica, esse movimento que expressa a
mutabilidade do mundo e suas ilimitadas possibilidades, é fundamentado no mote “menos
expressão e mais visualização”.
Ele foi considerado uma variação do expressionismo abstrato, sendo seu precursor o artista
húngaro Victor Vasarely, na década de 30.
Design Op Art
Principais Características
As características do movimento Op Art são:
 Tridimensionalidade
 Efeitos óticos e visuais
 Movimento e contraste de cores
 Tons vibrantes (principalmente preto e
branco)
 Formas geométricas e linhas
 Observador participante
 Estilo abstrato

Principais Artistas e Obras


Os principais representantes do movimento da Op Art foram:
 Victor Vasarely (1908-1997): artista húngaro considerado o “Pai da Op Art”. Foi influenciado
pela arte cinética, construtivista e abstrata bem como ao movimento de Bauhaus, donde
destaca-se sua obra “Zebra” (1938).
Os grandes pintores brasileiros da Semana da Arte
Moderna em 1922

Alguns dos pintores brasileiros mais famosos ganharam notoriedade após a Semana da Arte
Moderna, evento que aconteceu em São Paulo em 1922.
Conhecidos como os grandes nomes da pintura modernista brasileira, os artistas abaixo fundaram
um movimento cultural que prezava por uma arte mais livre, sem regras estabelecidas, enfim,
moderna. Veja quem são as pessoas que marcaram o evento mais importante do movimento
modernista nacional.

Tarsila do Amaral (1886 - 1973)

Tarsila do Amaral e sua obra "Abaporu" (1928)


Paulistana que teve a oportunidade de estudar arte em vários países europeus, foi isso que
influenciou Tarsila a ser uma das principais figuras do Movimento Modernista Brasileiro. Criou os
movimentos nacionalistas 'Pau-Brasil' e 'Antropofágico', que marcou seus quadros com paisagens
do Brasil, cores vivas e alegres.
Suas principais obras são os quadros Abaporu (1928), Antropofagia (1929) e Operários (1933).
Leia aqui a biografia completa de Tarsila do Amaral.

Di Cavalcanti (1897 - 1976)

Di Cavalcanti e sua obra "Cinco Moças de Guaratinguetá" (1930)


Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo conhecido como Di Cavalcanti nasceu no Rio
de Janeiro, foi eleito o melhor pintor brasileiro na Bienal de São Paulo de 1953, e foi um dos
idealizadores da Semana de 22. Também teve contato com diversos pintores internacionalmente
conhecidos como Picasso e Matisse, em suas viagens pela Europa. Gostava de pintar festas
populares, favelas, operários, em telas que passavam uma constante sensação de alegria e
celebração.
Suas obras mais importantes são Cinco Moças de Guaratinguetá (1930), Aldeia de
Pescadores (1950) e Carnaval (1972).
Leia aqui a biografia completa de Di Cavalcanti.

Cândido Portinari (1903 - 1962)

Cândido Portinari e sua obra "Os Retirantes" (1944)


Filho de imigrantes italianos, Cândido Portinari nasceu em São Paulo. Ainda criança descobriu seu
dom artístico, tendo participado de trabalhos de restauração da igreja de Brodowski quando
tinha nove anos. Após estudar desenho e pintura na Escola Nacional de Belas Artes, o pintor
traçou uma carreira meteórica, sendo o principal nome da pintura nacional com projeção no resto
do mundo.
Entre as suas mais de cinco mil obras, destacam-se, o painel Guerra e Paz (1956), O Lavrador de
Café (1934) e Os Retirantes (1944).
Leia aqui a biografia completa de Cândido Portinari.

Anita Malfatti (1889 - 1964)

Anita Malfatti e sua obra "O Homem Amarelo" (1917)


Paulistana que herdou da mãe o dom para as artes plásticas, foi quando adolescente que Anita se
dedicou às suas primeiras telas, tendo estudado depois anos no exterior para encontrar seu estilo.
Foi o principal alvo das críticas à pintura modernista no Brasil e, por consequência, uma dos mais
importantes. A artista tinha uma atrofia na mão direita, mas aprendeu a fazer seus trabalhos com a
mão esquerda e trabalhou até a sua morte.
Entre os seus principais trabalhos estão: O Homem Amarelo (1917), O Farol (1915) e A Mulher de
Cabos Verdes (1916).
Leia aqui a biografia completa de Anita Malfatti.
Vicente do Rego Monteiro (1899 - 1970)

Vicente do Rego Monteiro e sua obra Artesão (s/d)


Um artista múltiplo nascido em Pernambuco, que trabalhou com escrita, desenho, escultura e
pintura. Fez amizade com o grupo de modernistas que idealizaram a Semana de 22 e expôs oito
de suas obras. O artista também esteve no exterior, especialmente na França, onde frequentou a
Academia Julian em Paris.
Principais obras: Mulher com Galinha (1925), Deposição (1924) e Artesão (s/d)
Leia aqui a biografia completa de Vicente do Rego Monteiro.

John Graz (1891 - 1980)

John Graz e sua obra "Amazonas" (s/d)


Apesar da nacionalidade e formação artística suíça, Graz passou boa parte de sua vida no Brasil,
trabalhando como pintor e decorador, especialmente. Participou da Semana de 22 por conta da
sua amizade com Oswald de Andrade, expondo sete obras. Também foi um dos sócios-fundadores
da Sociedade Pró-Arte Moderna (SPAM), em 1932.
Principais quadros: Quinteto (1976), Magia (s/d) e Amazonas (s/d)

Outros artistas plásticos modernistas brasileiros importantes


Apesar de não ter exposto na Semana de 22, os nomes abaixo também se consagraram como
grandes destaques da arte modernista brasileira.
Oswaldo Goeldi (1895 - 1961)

Oswaldo Goeldi e sua obra "O Ladrão" (1955)


Conhecido principalmente pelas suas xilogravuras, Goeldi foi um artista nascido no Rio de Janeiro
que frequentou diversas escolas de arte, especialmente em Genebra, na Suiça, pátria de seu pai.
Sua primeira exposição no Brasil foi em 1919, dois anos antes da Semana de Arte Moderna. Nessa
época começou a sua aproximação com os modernistas. Atualmente suas gravuras permeiam
exposições na América Latina, mas também em Portugal, Espanha e Suíça.
Principais obras: Pescadores (1950), O Ladrão (1955) e Chuva (1957).

Ismael Nery (1900 - 1934)

Ismael Nery e sua obra "Autorretrato" (1930)


Pintor paraense que, depois de passar um período na Academia Julian, em Paris, passou a expor
no Brasil na década de vinte. Ao contrário de seus colegas modernistas, não tinha influências
nacionalistas. Nery gostava de pintar a figura humana, de várias formas, especialmente com
toques surrealistas e cubistas. Morreu precocemente de tuberculose aos trinta e quatro anos de
idade.
Principais quadros do autor: Namorados (1927), Figura (1927) e Autorretrato (1930)
Leia aqui a biografia completa de Ismael Nery.
Lasar Segall (1891 - 1957)

Lasar Segalle e sua obra "Retrato de Mario de Andrade" (1927)


Nascido na atual Lituânia, o pintor naturalizou-brasileiro tornando um dos principais nomes do
modernismo brasileiro. Chegou a fundar a Sociedade Pró-Arte Moderna em São Paulo em 1932 e
suas obras sofriam forte influência expressionista e impressionista. Deixou um vasto material, parte
exposto no Museu Lasar Segall, mantido pela família em São Paulo.
Entre os seus quadros mais famosos estão: Retrato de Mario de Andrade (1927), Perfil de
Zulmira (1928) e Bananal (1927).

Você também pode gostar