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O nu no barroco e na arte posterior

https://www.metmuseum.org/toah/hd/nuba/hd_nuba.htm
Jean Sorabella
Estudioso Independente
Janeiro de 2008
Heilbrunn Timeline of Art History
Nova York: The Metropolitan Museum of Art

Desde o Renascimento, o nu permaneceu um foco essencial da arte ocidental.


Seja abraçando ou remodelando os ideais clássicos, os artistas do século XVII até o
presente privilegiaram a forma nua e a tornaram um meio infinitamente atraente de
expressão criativa.
Na arte barroca, a contínua fascinação pela antiguidade clássica pressionou os
artistas a renovarem sua abordagem da tradição nua e antiga. Assim, a notável visão de
Hendrick Goltzius do Farnese Hércules por trás e por baixo (Figura 1) altera a textura
muscular de uma antiga estátua reverenciada, enquanto o retrato de Marcantonio
Pasqualini (Figura 2), de Andrea Sacchi, um cantor muito estimado de sua época,
inflaciona o status do assistente, incluindo dois nus representando os míticos músicos
Apolo e Marsyas. Outros nus ajudam a exaltar o drama das obras narrativas, como a
pintura de Sansão de Guercino (Figura 3), na qual a decisão de representar o herói como
o nu solitário, musculoso mas impotente em meio aos adversários armados, destaca sua
presente fraqueza, bem como sua antiga força. O nu feminino adquiriu um novo sentido
na arte de Peter Paul Rubens – e também de Anthony Van Dyck –, que com evidente
prazer pintou mulheres de figura generosa e carne radiante (Figura 4). O gosto barroco
por alegorias baseadas em metáforas clássicas também favorecia figuras nuas, que eram
usadas para personificar conceitos como as Graças e a Verdade.
Nos séculos XVIII e XIX, assim como a estima pela cultura clássica era alta,
também o era o prestígio do nu. As academias do período orientaram jovens artistas a
desenvolver suas habilidades desenhando a forma nua da escultura antiga, bem como
modelos ao vivo, e muitos artistas de sucesso continuaram tais exercícios muito depois
de seus dias de estudante (Figuras 5 e 6). Nus são onipresentes nas pinturas da história
ambiciosa do período, bem como esquemas de escultura e decoração. Os defensores do
estilo neoclássico fizeram nus intimamente baseados em exemplos antigos, como o
Perseu de Canova (Figura 7), que repete a pose e o tipo de corpo do amplamente
admirado Apolo Belvedere. Os artistas associados ao movimento Romântico assumiram
uma atitude mais livre em relação ao nu e ao assunto antigo de forma mais geral.
Camille Corot, por exemplo, incluiu contos mitológicos em algumas de suas paisagens;
um primeiro exemplo (Figura 8) representa a primavera da floresta onde a deusa Diana
entre as ninfas de banho se prepara para punir Actaeon por avistá-la nua. Para não
ofender a moral do século XIX, os artistas tendiam a retratar figuras nuas em contextos
retirados do cotidiano, como a mitologia ou o Oriente imaginado, e as cuidadosas
restrições impostas ao nu aumentam seu erotismo, como no Nascimento de Vênus, de
Alexandre Cabanel (Figura 9).
Quando os ideais acadêmicos enfrentaram desafios no final do século XIX, o
delicado status do nu foi rapidamente exposto e subvertido. Édouard Manet chocou o
público de seu tempo pintando mulheres nuas em situações contemporâneas em Le
Déjeuner sur l'herbe e Olympia (1863 e 1865; ambos no Musée d'Orsay, em Paris), e
Gustave Courbet recebeu críticas amargas por retratar em Mulher com um papagaio
(Figura 10) uma prostituta nua sem vestígio de deusa ou ninfa. Na escultura, os artistas
procuraram novas proporções e coerência narrativa para o masculino nu e para o
feminino. Jean-Baptiste Carpeaux apontou para o dramático contraste entre o físico
poderoso e a situação desesperada em seu grupo de nus representando Ugolino e seus
filhos (Figura 11), e Auguste Rodin desafiou os cânones clássicos da idealização em seu
Adão expressamente distorcido (Figura 12).
Embora a tradição clássica tenha perdido sua supremacia cultural no século XX,
o apelo do nu permanece forte na arte moderna e contemporânea. A rejeição dos modos
acadêmicos em busca de uma nova forma de verdade reduziu o apelo de Vênus, mas
promoveu os nus sem adornos da vida privada. Os banhistas inocentes da carreira tardia
de Renoir (Figura 13), as cenas de mulheres que se lavavam e se vestiam de Degas
(Figura 14) e a garota simples de Balthus olhando no espelho (Figura 15) são
formalmente diferentes das nus idealizados da arte anterior, mas em sua humanidade
indisfarçada são parentes dos nus da antiguidade.

SORABELLA, Jean. “O nu em barroco e mais tarde Art”. Em Heilbrunn Timeline of


Art History. Nova York: The Metropolitan Museum of Art, 2000.

Leitura Adicional

BONFANTE, Larissa. “Nudez como traje na arte clássica”. American Journal of


Archaeology 93 (1989), pp. 543-70.
CLARK, Kenneth. O nu: um estudo na forma ideal. Nova Iorque: Pantheon, 1956
SAUNDERS, Gill. O nu: uma nova perspectiva. Cambridge, Mass .: Harper & Row,
1989.
STEIMBERG, Leo. A sexualidade de Cristo na arte renascentista e no esquecimento
moderno. Nova Iorque: Pantheon, 1983.
Figura 1
“Hercules Farnese”

Artista: Hendrick Goltzius (Holandês, Mühlbracht 1558–1617 Haarlem)


Data: ca. 1592, datado de 1617
Médio: Gravura
Descrição: Foi a saúde precária de Goltzius, assim como seu desejo de ver os
tesouros de Roma que o inspiraram a viajar para a Itália em 1590 -
91. Supostamente, o famoso gravurista holandês viajou incógnito para evitar
obrigações sociais que poderiam desviar seu verdadeiro propósito, que era
esboçar e estudar esculturas antigas. A antiga estátua romana conhecida como
Hércules Farnese havia sido descoberta nas Termas de Caracalla, em Roma, em
1546, e instalada em um pátio do palácio da família Farnese, às margens do
Tibre, onde foi um dos destaques da excursão romana para visitas de
acadêmicos, conhecedores e artistas. Quando Goltzius desenhou a estátua, as
pernas que viu foram substituições feitas por Guglielmo della Porta em 1560 –
embora as pernas antigas tivessem sido encontradas logo após o resto da estátua.
As duas figuras que olham para a enorme estátua no canto inferior direito da
gravura nunca foram satisfatoriamente identificadas. Talvez, como foi sugerido
pelo artista e colecionador holandês do século XVIII Cornelis Ploos van Amstel,
eles sejam um autorretrato e um retrato do enteado do artista Jacob Matham, que
também era um gravador.
O Hércules Farnese mostra uma excelente vantagem da técnica virtuosa
desenvolvida por Goltzius, na qual a linha expandida e afilada lançada por
Cornelis Cort é exagerada a ponto de se tornar um foco de interesse em si
mesma. À medida que a linha serpenteia em torno das formas, expandindo -se e
contraindo-se, dá grande força escultural às curvas e protuberâncias do corpo do
herói. A gravura de Goltzius, incomum por seu ponto de vista e sua inclusão de
observadores, foi uma de uma longa série que espalhou a fama da estátua,
incluindo uma de Jacob Bos que fornece a visão frontal mais comum do
Hércules.
Figura 2
“Marcantonio Pasqualine (1614-1691) coroado por Apolo”

Artista: Andrea Sacchi (italiano, Roma (?) Ca. 1599–1661 Roma)


Data: 1641
Médio: óleo sobre tela
Dimensões: 96 x 76 1/2 pol. (243,8 x 194,3 cm)
Classificação: Pinturas
Linha de crédito: Compra, Enid A. Haupt Gift e Gwynne Andrews Fund, 1981
Descrição: Um celebrado soprano masculino, Pasqualini é coroado por Apolo,
que venceu em um concurso musical com o sátiro Marsyas (mostrado ao fundo,
derrotado e amarrado a uma árvore com suas gaitas de foles ao lado). Pasqualini
se juntou ao coro da Capela Sistina em 1630, e de 1632 foi protagonista em
muitas óperas produzidas no Palazzo Barberini. Sacchi projetou conjuntos para
alguns deles. O cantor toca um cravo na vertical decorado com as figuras de
Daphne e um sátiro ligado; Apolo é vagamente baseado na famosa escultura
antiga conhecida como Apollo Belvedere.
Figura 3
“Sansão capturado pelos filisteus”

Artista: Guercino (Giovanni Francesco Barbieri) (Italiano, Cento 1591 –1666


Bologna)
Data: 1619
Médio: óleo sobre tela
Dimensões: 75 1/4 x 93 1/4 pol. (191,1 x 236,9 cm)
Classificação: Pinturas
Linha de crédito: presente do Sr. e Sra. Charles Wrightsman, 1984
Descrição: O assunto desta imagem é do livro bíblico dos juízes. Sansão, cuja
força veio de seus cabelos, foi desfeito por sua amante dúbia, Dalila, e é ata cado
pelos filisteus, que o amarram e cegam. O foco desta composição dramática e
maravilhosamente encenada - um marco na carreira do artista – são as costas
vigorosamente modeladas de Sansão –, lutando para se libertar. É uma das várias
comissões do cardeal Giacomo Serra, legado papal a Ferrara. Serra foi um
notável colecionador em Roma e também promoveu Rubens.
Figura 4
“Vênus e Adonis”

Artista: Peter Paul Rubens (Flemish, Siegen 1577–1640 Antuérpia)


Data: provavelmente em meados da década de 1630
Médio: óleo sobre tela
Dimensões: Com tiras adicionadas, 77 3/4 x 95 5/8 pol. (197,5 x 242,9 cm)
Classificação: Pinturas
Linha de crédito: presente de Harry Payne Bingham, 1937
Continuação: O assunto é das Metamorfoses de Ovídio (completadas em 8
d.C.). Acertadamente picado por uma das flechas de Cupido, Vênus se
apaixonou pelo belo caçador Adonis. Rubens mostra a sua despedida – um tema
popular também famoso retratado por Ticiano em outra imagem agora no The
Met. Com indiferença descuidada aos encantos da deusa e seus avisos de perigo,
Adonis caçou um javali e foi ferido até a morte. O exame técnico indica que uma
mão posterior alterou a expressão de Adonis para torná-lo menos agourento.
Figura 5
“Nu masculino sentado”

Artista: Louis Lagrenée (francês, Paris 1725–1805 Paris)


Data: nd
Médio: Giz Vermelho
Dimensões: 15 5/8 x 19 15/16 pol. (39,7 x 50,6 cm)
Classificação: Desenhos
Linha de crédito: Harry G. Sperling Fund, 1985
Descrição: Esta folha é, de certa forma, chamada de academia, isto é, um
desenho cuidadosamente executado de um nu em uma pose de estúdio. Embora
as academias fossem exercícios padrão para jovens artistas, elas também eram
produzidas por desenhistas estabelecidos como Lagrenée, q ue era professor na
Académie Royale na época em que esse desenho foi feito.
Como era típico, o modelo assume uma postura inspirada em outras obras
de arte. A expressão pensativa e o arranjo das pernas lembram figuras de
Michelangelo, fazendo com que o desenho de Lagrenée seja um estudo da pose
da vida e uma homenagem ao mestre ant erior. O contorno aguçado e a
musculatura compacta conferem à figura uma qualidade escultural que é
reforçada pela eclosão usada para descrever os volumes do corpo e as sombras
projetadas pelo braço esquerdo e pela perna direita.
Figura 6
“Mulher sentada nua”

Artista: Pierre Paul Prud'hon (francês, Cluny 1758–1823 Paris)


Data: provavelmente entre 1810-20
Médio: Giz preto e branco, perplexo, em papel azul
Dimensões: 22 x 15 pol. (55,9 x 38,1 cm)
Classificação: Desenhos
Linha de crédito: legado de Walter C. Baker, 1971
Descrição: Esta bela imagem de um nu feminino sentado demonstra o profundo
compromisso de Prud'hon com o estudo da figura humana. Ele registrou uma
pose simples de um ponto de vista desafiador e modelou com o maior cuidado as
formas sutis das costelas, joelhos e coxas. Sombra aveludada vai do cotovelo
elevado até o assento da figura, e os realces suavizam as formas da barriga e dos
seios.
O ponto de vista adotado aqui torna fácil imaginar um semicírculo de
artistas em torno do modelo, com Prud'hon talvez colocado em uma
extremidade. Esse encontro teria ocorrido em um ambiente privado, já que a
Académie Royale não permitia modelos de mulheres nuas na época.
Figura 7
“Perseu com a cabeça da Medusa”

Artista: Antonio Canova (italiano, Possagno 1757–1822 Veneza)


Patrono: Encomendado pelo conde Jan e pela condessa Valeria Tarnowski
(Dzików, Polônia)
Data: 1804-6
Médio: Mármore
Dimensões: Geral (confirmado): H. 95 1/2 x W. 75 1/2 x D. 40 1/2 pol. (242.6 x
191.8 x 102.9 cm)
Classificação: Escultura
Descrição: Este Perseu, comprado pela condessa Valeria Tarnowska da Polônia,
é uma réplica do famoso mármore de Perseu de Canova no Vaticano, concebido
por volta de 1790 e exibido pela primeira vez em 1801. Baseado livremente no
Apollo Belvedere, que havia sido levado a Paris sob Napoleão, foi comprada
pelo papa Pio VII e colocada no pedestal onde antes se encontrava o Apolo. Na
versão do Museu, Canova refinou os detalhes ornamentais e apontou para um
efeito mais lírico do que no Perseu do Vaticano, uma característica estilizante e
estilística de seu processo artístico. A cabeça da Medusa é baseada na antiga
Medusa Rondanini.
Figura 8
“Diana e Actaeon (Diana surpreendida em seu banho)”

Artista: Camille Corot (francês, Paris 1796–1875 Paris)


Data: 1836
Médio: óleo sobre tela
Dimensões: 61 5/8 x 44 3/8 pol. (156,5 x 112,7 cm)
Classificação: Pinturas
Linha de Crédito: Robert Lehman Collection, 1975
Descrição: De seu tamanho imponente a sua execução refinada, esta pintura é
um testemunho elegante da ingenuidade de Corot: a paisagem parece
surpreendentemente natural, mas é meticulosamente composta. A narrativa, de
Metamorfoses de Ovídio, relata o destino de um jovem caçador Actaeon quando
ele encontra a figura nua da deusa Diana e suas ninfas desfrutando de um banho
na mata. Diana, em um ataque de fúria envergonhada, espirra água no caçador
involuntário, transformando-o em um cervo.
Há uma diferença marcante entre o manuseio geral da tinta e os contrastes
tonais e o fundo à esquerda, que é esbranquiçado e prateado, típico do estilo
tardio de Corot. Um ano antes da morte do artista, ele foi convidado a repintar
essa passagem como uma cortesia ao novo dono da gravura.
Figura 9
“O nascimento de Vênus”

Artista: Alexandre Cabanel (francês, Montpellier 1823–1889 Paris)


Data: 1875
Médio: óleo sobre tela
Dimensões: 41 3/4 x 71 7/8 pol. (106 x 182,6 cm)
Classificação: Pinturas
Linha de crédito: Dom de John Wolfe, 1893
Descrição: A primeira versão do Nascimento de Vênus de Cabanel (Musée
d'Orsay, Paris) criou uma sensação no Salão de 1863, que foi apelidado de
"Salão das Venus" devido ao número de nus sedutores à vista. Incorporando os
ideais da arte acadêmica, a modelagem cuidadosa, a pincelada sedosa e o tema
mitológico da tela de Cabanel provar am uma combinação vencedora: a
imagem do salão foi comprada por ninguém menos que Napoleão III para sua
coleção pessoal. Em 1875, John Wolfe encomendou a réplica atual,
ligeiramente menor, de Cabanel.
Figura 10
“Mulher com um papagaio”

Artista: Gustave Courbet (francês, Ornans 1819–1877 La Tour-de-Peilz)


Data: 1866
Médio: óleo sobre tela
Dimensões: 51 x 77 pol. (129,5 x 195,6 cm)
Classificação: Pinturas
Linha de crédito: Coleção HO Havemeyer, legado da Sra. HO Havemeyer,
1929
Descrição: Quando esta pintura foi mostrada no Salão de 1866, os críticos
censuraram a “falta de gosto” de Courbet, bem como a pose “desajeitada” e o
“cabelo despenteado” de seu modelo. Ainda assim, o quadro provocativo
encontrou uma nova geração de artistas que compartilhavam o desrespeito de
Courbet pelos padrões acadêmicos. Manet começou sua versão do assunto no
mesmo ano; e Cézanne aparentemente carregou uma pequena fo tografia do
presente trabalho em sua carteira.
Figura 11
“Ugolino e seus filhos”

Artista: Jean-Baptiste Carpeaux (francês, Valenciennes 1827–1875 Courbevoie)


Data: 1865 a 1867
Cultura: francesa, Paris
Medium: mármore de Saint-Béat
Dimensões: Geral (confirmado): 77 3/4 × 59 × 43 1/2 in., 4955 lb. (197,5 x
149,9 x 110,5 cm, 2247,6 kg); Pedestal (confirmado): 3759 lb (1705,1 kg)
Classificação: Escultura
Linha de crédito: Compra, Josephine Bay Paul e Fundação C. Michael Paul Inc.
Presente, Charles Ulrick e Josephine Bay Foundation Inc. Gift e Fletcher Fund,
1967
Descrição: O tema desta obra intensamente romântico é derivado do canto
XXXIII do “Inferno” de Dante, que descreve como o traidor de Pisa, Conde
Ugolino della Gherardesca, seus filhos e netos foram presos em 1288 e
morreram de fome. A estátua visionária de Carpeaux, executada entre 1865 e
1867, reflete a reverência apaixonada do artista por Michelangelo,
especificamente por O Juízo Final (1536-1541) na Capela Sistina do Vaticano,
Roma, bem como sua própria preocupação minuciosa com o realismo anatômico.
Figura 12
“Adão”

Artista: Auguste Rodin (francês, Paris 1840-1917 Meudon)


Data: modelado em 1880 ou 1881, lançado em 1910
Cultura: francês, Paris
Médio: Bronze
Dimensões: Geral (confirmado): 76 3/8 × 30 3/8 × 32 1/2 in., 831 lb. (194 ×
77.2 × 82.6 cm, 376.9 kg)
Classificação: Escultura-Bronze
Linha de crédito: presente de Thomas F. Ryan, 1910
Descrição: Rodin foi fortemente influenciado pelo trabalho de Michelangelo. A
experiência direta da arte do mestre renascentista, tanto no curso de suas viagens
italianas em 1875-1876 como no Musée du Louvre, em Paris, parece ter revelado
a Rodin muitos dos segredos da modelagem de Michelangelo. Aqui eles são
usados para transmitir a angústia interior e a concentração rebitada de um ser
poderoso, mas imobilizado.
A dívida de Rodin com Michelangelo vai ainda mais longe, pois na pose
contorcida e desconfortável de Adão, foi reconhecido que Rodin incorporou os
gestos reais das figuras em duas das obras de Michelangelo: o braço direito faz
alusão à Criação de Adão, afresco na Capela Sistina, no Vaticano; a esquerda é
emprestada do Cristo morto da Pietà, na Catedral de Florença. Nas palavras do
estudioso de Rodin, Albert Elsen: “a figura é emoldurada pelo começo e fim da
vida, entre (estes), seu corpo mostra sua existência torturada”.
Figura 13
“Jovem menina tomando banho”

Artista: Auguste Renoir (francês, Limoges 1841-1919 Cagnes-sur-Mer)


Data: 1892
Médio: óleo sobre tela
Dimensões: 32 x 25 1/2 pol. (81,3 x 64,8 cm)
Classificação: Pinturas
Linha de Crédito: Robert Lehman Collection, 1975
Descrição: Pierre Auguste Renoir pintou uma grande quantidade de telas de
banhistas solteiros em ambientes ao ar livre, estudos atemporais de jovens
mulheres voluptuosas. Na pintura de Lehman, seu modelo evita seu olhar,
sentado em um perfil tímido de três quartos. Inocente, mas sensual, esse nu
encantador teria agradado a audiência de Renoir no final do século XIX. A
imagem é finamente pintada, sua pincelada mac ia e suave. Renoir provavelmente
posou seu modelo no estúdio, já que o fundo da paisagem escovado é muito mais
imaginário do que real. Claude Monet primeiro possuiu esta pintura, e comentou
a um amigo que enquanto o nu era bonito, a paisagem era convencion al. Renoir
concentra-se claramente na fisionomia ondulante de seu inocente modelo de
cabelo ruivo.
Figura 14
“Mulher tomando banho em uma banheira rasa”

Artista: Edgar Degas (francês, Paris 1834–1917 Paris)


Data: 1885
Médio: Carvão e pastel em papel de cabedal verde claro, agora descolorido para
aquecer cinza, colocado sobre parafusos de seda
Dimensões: 32 x 22 1 / 8in. (81,3 x 56,2 cm)
Classificação: Desenhos
Linha de crédito: Coleção HO Havemeyer, legado da Sra. HO Havemeyer,
1929
Descrição: Quando Degas mostrou sua “suíte de nus”, incluindo este pastel, na
oitava e última exposição impressionista de 1886, os críticos atacaram
cruelmente as poses desajeitadas de seus banhistas. Após a exposição, Degas deu
a foto a Mary Cassatt em troca de sua pintura Girl Arranging Her Hair (Galeria
Nacional de Arte, Washington). Louisine Havemeyer acabou adquirindo ambas
as obras.
Figura 15
“Nu na frente de uma cornija de lareira”

Artista: Balthus (Balthasar Klossowski) (francês, Paris 1908–2001 Rossinière)


Data: 1955
Médio: óleo sobre tela
Dimensões: 75 x 64,5 pol. (190,5 x 163,8 cm)
Classificação: Pinturas
Linha de Crédito: Robert Lehman Collection, 1975
Descrição: Para Balthus, a babá feminina era um assunto para toda a vida – seja
sonhar acordado, reclinado ou dormir, muitas vezes nu ou parcialmente vestido,
e tipicamente carregado de conteúdo erótico. O quadro é impressionante pela
monumentalidade escultural do modelo e pela luz suave e prateada que banha a
figura e preenche a sala. A pose hierática do modelo evoca figuras em um antigo
friso egípcio.