TÉCNICAS ARTÍSTICAS

INTRODUCCIÓN

De las técnicas va a depender la propia elaboración de las obras, dicho de otra manera un
mal uso o un mal conocimiento de una técnica puede conllevar su rápido deterioro y por tanto
hacer necesaria la restauración.

En el arte actual es frecuentemente ver una despreocupación por parte de algunos artistas
del oficio, exaltación de la personalidad artística. Artistas que valorando el proceso creativo,
sin tener en cuenta el oficio, dan lugar a Obras que aunque artísticamente puedan ser
interesantes, sufren pronto estragos de un mal uso de la técnica. Hay cierta corriente
peyorativa hacia la enseñanza académica dominante.

Todas las obras artísticas perduran en el tiempo y son susceptibles de cambios desde el
momento inicial en el que estas se realizan. Algunas obras por descuido, por
desconocimiento, por intentar innovar están condenadas a muerte desde el principio,
condenadas a desaparecer, un ejemplo paradigmático es la última cena de Leonardo que
comenzó su deterioro inmediatamente después de ser finalizada. De todo caso de una u otra
forma todas las técnicas artísticas cambian de alguna forma desde su concepción original,
por ejemplo los lienzos que sufren un proceso de envejecimiento, el óleo se oscurece, el
lienzo se oscurece. Cuando se llevan a cabo las restauraciones aparecen nuevos elementos,
se pueden ver muchos más detalles y se puede comprender mucho más la obra que debido
al paso del tiempo ha quedado oculto. Precisamente si por si mismas las obras cambian, por
El Paso del tiempo, cuando hay un mal uso de la técnica los problemas se va a acrecentar
mucho más y los talleres de restauración van a tener que subsanar todas estas deficiencias,
es decir, con un mejor uso de la técnica por parte del artista estas deficiencias no se
observaron.

El conocimiento de las técnicas artísticas es importante no solo para la pervivencia en el

tiempo sino que también ese uso de la técnica es fúndamental para su logro estético. Cada
técnica dará lugar a ciertas cualidades estéticas. Podemos decir que existe la belleza de la
obra bien hecha, independientemente de la intervención del artista, el oficio. El valor de lo
artesanal, lo que esta bien hecho.

El artista debe conocer las posibilidades expresivas de una determinada técnica, porque el
resultado de la obra sera diferente segun la técnica utilizada. El uso de la acuarela o del oleo
o del temple o del pastel da lugar a resultados completamente diferentes.

- La acuarela es una técnica adecuada para captar rápidamente la fugacidad, La Luz,

la atmósfera, a modo de esbozo, porque son colores muy diluidos en agua,
transparentes y propios para ellos, por eso los impresionistas utilizaban mucho la
acuarela para captar estos cambios lumínicos o esta instantaneidad, captando al
natural.

- El pastel da como resultado unas calidades aterciopeladas, como de vellosidad, muy

fresco y de gran viveza, que va. Satisfacer mucho a la clientela del siglo XVIII.
 - la pintura al oleo es una técnica muy util, tiene muchas posibilidades, se puede aplicar
con pincel, con espátula, con la mano, de la manera que queramos, con mas espesor
o con muy poco espesor, es susmanente moldeable y por tanto cuando surja la técnica
al oleo, a partir del siglo XV en la pintura flamenca, quedaran desbancadas otras
técnicas que antes se utilizaba.

Cada técnica tiene una serie de limitaciones, una serie de condicionantes que exigen al artista
determinadas dotes para expresarme a través d ella. Hay opciones para trabajar despacio y
otras con despreocupación. Si trabajamos con rapidez, necesitamos una técnica que permita
modificaciones, o por el contrario, hay tecnicas que requieren un gran control del trazo o gran
seguridad de este que condicionan la tarea del artista. Un artista no debe trabajar con aquellas
técnicas que no maneja, y por tanto los artistas usan las técnicas que les son propias para lo
que realizan.

Otro factor es la función misma que va a tener la obra y los objetivos del encargante, todo
esto influye en la obra, cada técnica es más adecuada dependiendo del mensaje que quiera
transmitir el autor. Por ejemplo la pintura mural ha sido especialmente apta a través de la
historia para la temática religiosa y mitológica, con una misión que es la de aleccionar al
pueblo. La acuarela sobre todo se ha determinado a la representación del paisaje.

Las connotaciones de las técnicas artísticas son muy amplias.

La división de las artes, se han diferenciado siempre tres grandes géneros, arquitectura,
escultura y pintura. Algunos grandes teóricos del pasado como Alberti dividió las artes de esta
forma. Y es lo que tradicionalmente se han llamado artes mayores, frente a una especie de
cajón desastre donde se pretendía meter a todo lo que no fuera arquitectura pintura y
escultura, las llamadas artes menores. Ha habido muchos intentos de acabar con esta división
en el tiempo. Hoy en día no se pueden dividir las artes, aunque sí que es cierto que sigue
habiendo indicios de esto.

TEMA 1, EL DIBUJO:

Es el mas breve, parte de grafía, que es un termino griego que designa la modalidad gráfica
tanto en escritura como en dibujo. Realmente esto se debe a la afinidad del carácter figurativo
de las formas mas antiguas de escritura, es decir, muchas formas de escritura antiguas tienen
muestras de elementos gráficos que a su vez muestran ideales de la escritura. La distinción
entre dibujo y pintura esta presente en Grecia y se mantiene en Roma. Pero a nosotros nos
interesa un termino muy concreto que es el termino italiano; “DISEGNO” que viene de signo
y que significa señal, imagen. Para G. Vasari fue considerado el padre de las tres artes, ya
que como fundamento de las artes o como madre de todas estas se le dio una connotación
intelectual, como proyección plástica de la idea. Un dibujo puede ser un trabajo preparatorio
o bien tener un sentido definitivo. Otros técnicos como Cenini, considero la practica del dibujo
como esencial en el aprendizaje, y posteriormente, en las academias aparecerán salas donde
los artistas dibujaran al modelo vivo.
El dibujo tiene cuatro características primordiales, partiendo del trazo o la linea que es lo
esencial, pero se diferencia de las demás tecnicas en:

- el soporte, aunque cualquier superficie plana que es susceptible de tener dibujo o

líneas, siempre se han destinado soportes concretos para el dibujo, así antes de la
difusión del papel, encontramos lugares como las tablillas, ojos de papiro, tablillas de
madera y el pergamino.

- técnica, sobre estos soportes se han utilizado puntas afiladas o estiletes, o ya con
plumillas, lápiz, etc.

- tiempo de ejecución, en principio el dibujo está relacionado con la relativa brevedad

de la ejecución, con respecto a otras tecnicas.

- dimensiones, generalmente reducidas dimensiones del dibujo, por exigencias

practicas.

La necesidad de expresión del ser humano dio un significado mágico a su producción

artística. Se utilizó todo tipo de material que tuviera una superficie lisa o que pudiera ser
pulido. La técnica mas antigua del dibujo consiste en trazar con uno o mas dedos,
presionando la superficie, como puede ser ejemplo algunas de las representaciones de
Altamira. En muchos caso las incisiones trazan el contorno de las imagenes. Los artistas
griegos lo utlizaban, pero no han llegado hasta nuestros días. En roma pasa algo parecido,
pero el dibujo era fundamental para su traducción a otra obra artística. Tenemos que llegar a
la Edad Media y al libro ilustrado que va unido a la sustitución de los rollos de papiro con
códices de pergamino, con un valor importante didáctico de las imágenes. En el caso de la
miniatura tenemos que ir hasta el siglo VII para encontrar miniaturas realizados solamente
con dibujos o con pluma con tinta, se empiezan a difundir debido a su menor coste y a la
ejecución más rápida. Junto a estos dibujos que ilustran un texto desde el siglo XI
encontramos repertorios de motivos iconograficos en cuadernos que servían de modelo a
miniaturas a pinturas… el más conocido es el album de Villar de Honnecourt del siglo XIII. Es
interesante que se utiliza el dibujo como sustituto memorístico de utilidad practica, es decir,
la memoria queda plasmada en el dibujo.

Los soportes para el dibujo.

- pergamino, que es piel de la Rex limpia de pelo adobada para que se ablande y
estirada. Específicamente se conoce como vitela la que procede de animales jóvenes,
 que es mucho mas fina. Durante la Edad Media fue el soporte fundamental para
dibujar bruñiendose con piedra pómez, habría que dejar la piel apta para el dibujo.

- El papel, no se generaliza en Europa hasta el siglo XV, aunque en el mundo musulman

se empezó a fabricar desde finales del siglo XI, y los chinos los conocían desde el
siglo II. Aun hoy en día se realizan papeles caseros o artesanales. El papel se realiza
de la siguiente forma: fibra vegetales de lino, algodón, cañamo que era dejada pudrir
y maceradas con una tinta con agua y trituradas, esta masa que es ligeramente
espesa se introduce en un bastidor que tiene una base reticular de hilos, denominados
como verjuras, ahí queda depositada la pasta, así pues tenemos un molde en esencia,
y se llama forma. Hay que escurrirlo, y hay que colocarlo sobre un fieltro de lana para
ir absorbiendo el agua que todavía tiene. Luego se apilan y se prensan, para que así
se quite el líquido, con un torno. Y nos queda otro paso que es evidente, por ultimo el
papel se tiende, como la ropa, en tendederos. La flacidez del papel, una vez que ya
lo tenemos seco, se eliminaba intriducciendo la hoja en una sustancia a base de cola
de animal hervida, que bademás lo hacia menos absorbente al papel, y es lo que se
denomina como papel encolado. La superficie lisa se consigue golpeando una
superficie lisa, esto es lo que se denomina como papel satinado. La textura del papel
es el grano, que depende del acabado y del tipo de molde, segun el tipo de molde, es
decir, del tipo de las verjuras. Hay dos tipos de papel, segun el grano, el llamado papel
verjurado, es porque tiene una malla de estructura abierta, y si es mas tupido se llama
avitelado, que tiene una superficie mas uniforme y arenosa. En el pasado se utilizaba
la verjuras o filigrana que es la marca del fabricante, en las verjuras se cosía un dibujo
con hilo metálico y que por tanto se quedaba cosido en la trama, muchas veces se
incluía en la localidad donde se habia fabricado y la cronología.

Instrumentos y tecnicas.

Unas se aplican directamente, las que utilizan tinta o bien un pigmento liquido, con plumas y
pinceles. Entre las plumas están las de madera, de caña de bambú, y las de ave. El dibujo
con pluma es mas fino y mas versátil. El pincel de pluma de animal y los de piel sintética que
se desarrollan mas a posteriori.

Puntas metálicas: unas finas varillas que podían ser; puntas de plomo, y ese era el nombre
que recibían, y de plata cuando eran de plata. Es conocido y usado desde época romana.
Pero se convierten en frecuentes en Italia durante los siglos XIV y XV, en artistas como
Paulino, da Vinci, Rafael, filipino lippi. También en el ámbito alemán. La diferencia entre la
punta de plomo y la de plata es que la punta de plomo, o estilete de plomo se utiliza sobre un
papel sin tratar, no requiere nada el papel, mientras que el de plata si que necesita un fondo
preparado o un fondo coloreado y deja un tono brillante y sedoso.

Carboncillo: se utilizo primero sobre el muro para realizar apuntes sobre muro y sobre papel
aparece a partir del siglo XVI. Sobre todo lo identificaremos con las llamadas ACADEMIAS
de bellas artes, ya que realizaban estudios del modelo o la modelo a carboncillo. Por lo que
podemos decir que el carboncillo era utilizado para el propio estudio del dibujo. Es fruto de la
carbonización de unos palillos de madera, que pueden ser de distinto tipo. Hay palitos de
diversos grosores y variada dureza. Concretamente el carboncillo comprimido se desarrolla
a partir del siglo XVIII y es la barra o el lápiz, con madera. Algunos artistas importantes en el
uso del carbonizllo fueron el propio Goya, Millet, los cubistas históricos en sus collages,
Picasso, pero aquí encontramos una combinación de tecnicas.

Grafito: es fruto de la cristalización del carbon natural, en forma de barra para dibujar desde
el siglo XVI. Hay una varriante que es lápiz conté, que es un señor que mezclo grafito con
arcilla, y que se produce industrialmente desde fines del siglo XIX 1891). Es muy habitual y
es lo mismo que hoy en día encontramos, porque segun la cantidad de arcilla, segun la
proporción, los efectos van a ser diferentes; mas grafito mas oscuridad y menos dureza, mas
arcilla, mas dureza y menos oscuridad. Esto es lo que establece esa numeración que llevan
los lápices actuales, con letras y números. El tipo de lápiz que utilicemos variara en cuanto al
tipo de papel.

Sanguina: es fácil de identificar por el color rojizo de esta. También se le puede denominar
como lápiz rojo. Es una arcilla Ferrujinosa, es decir, una arcilla que lleva oxidación de hierro.
Permite la marca muy fácil en papel con grano. Se puede encontrar en barra o en lápices.
Tradicionalmente se ha utilizado como para dibujar en papel como para dibujar sobre muro,
a grande escala, dibujos preparatorios sobre muro. Son muchos los artistas que han utilizado
la sanguina. Lo habitual es combinarlo con otras tecnicas.

Clarion: es una pasta blanca que se obtiene con yeso mate y greda, que es una arcilla arenosa
de tonalidad blanquecina. Principalmente se utiliza para dar luz, por su color blanquecino, por
eso es complicado diferenciarlo. Hoy en día no se utiliza tan frecuentemente el clarion.

Albayalde, es otro tipo de blanco, blanco de plomo o blanco de ESPAÑA. Es la parte mas
pura del carbonato de plata. Su color es blanco y proporciona luminosidad. Esta luminosidad
es mas sedosa que la del clarion.

Tinta: es. una sustancia fluida muta pta para dibujar sobre papel, en este caso con plumas y
pinceles. Que puede dar lugar a una aguada. Dentro de la tinta hay que destacar: la tinta
china, que es negro de humo en una suspension de aceite, goma, cola de pescado (como
aglutinante). Otro tipo de tinta es la tinta albistre o de Oyin que proviene de la carbonización
de la madera. La tinta de sepia, que es un pigmento natural que se obtiene de algunos
moluscos, como la jibia, será muy natural desde el renacimiento.

La acuarela: es fruto de mezclar pigmentos pulverizados con goma arábiga, diluidos en agua.
El sorporte empleado es papel. Na de las característica que permite la acuareka es más cálida
es transparentes y de luminosidad. Si se aplican varios lavados (capas) van a darse una
sensación de transparencia, se extiende el color segun la cantidad de agua y permite ver a
través de ella. Hoy en día, la acuarela viene distribuida en pastillas secas o cápsulas
semihumedas, en tubos. Va a ser muy utilizada en el dibujo arquitectónico o en el científico.
Los primeros acuarelistas fueron Duero, en el ámbito germanico. La acuarela adquiere gran
importancia en el siglo XVIII y XIX, con Turner o Cezanne.

Gouache: utiliza pigmentos molidos con goma arábiga, como aglutinante y agua. Se
encuentra molido en vez de pulverizado. Además lleva blanco de plomo o lleno. El Gouache
que puede parecer similar a la acuarela denota ciertas diferencias, que son las anteriormente
nombradas, en Italia se denomina como tempera.
Pastel: es una de las variantes del dibujo a lápiz que se obtiene en pastando el pigmento en
polvo con agua mezclada con diferentes sustancias según el color y la dureza deseada. La
pasta se moldea en cilindros, como una tiza, y se deja secar. Puede ser duro, blando,
semiduro, y las variaciones de color, las gradaciones del tinte se obtienen añadiendo arcilla
blanca. El aspecto del. pastel es una sensación aterciopelada, es una de las características
más interesantes, además de que es muy luminoso. El momento de esplendor del pastel es
muy concreto, es en el siglo XVIII cuando alcanza su máxima expresión para el retrato.
Porque el color un tanto frío y la textura delicada iba muy bien a la estética del rococó, y
además la rapidez en el uso satisfacía el gusto por la instantaneidad. Degas rompe con la
tradición de la delicadez, y la luminosidad, que es propia del XVIII, y renueva los temas
sacándolo del espacio al que estaba anotado en ese espacio.

El trabajo preparatorio

Es consustancial a la obra final desde el Renacimiento italiano. Precisamente la idea es

captada en el dibujo, por eso el decía que el dibujo es la madre de las tres artes (Vasari)

Roger de piles, en su obra idea del perfecto pintar, decía que el trabajo preparatorios son las
ideas que los pintores expresan, generalmente sobre papel, para la ejecución e una obra que
meditan. Los dibujos que recogen la idea grosso molido se denomina esbozo, que es aquello
que según Vasari se encuentra apenas insinuado. También se utiliza el término, apuntes, que
es como tomar una nota rápida de una idea. En España también ene l pasado encontramos
el uso del término rasguño. La diferencia entre lo artístico y lo meramente artesanal radica en
el proceso mental previo a la realización de la obra.

En ocasiones no tiene porque haber un esbozo, sino que puede haber varios intentos o
apuntes, que se concretará sobre la misma idea. Pacheco recomendaba hacer siempre varios
apuntes interpretados libremente o eligiendo uno en concreto y en la obra definitiva. Estos
apuntes no tienen porque ser sobre papel como soporte, así por ejemplo, Bernini sabemos
que dibujaba rápidamente sobre la propia pared con carbón aquello que se le iba ocurriendo.
Además podemos encontrar el agrupamiento de apuntes o esbozos en cuadernos. Leonardo
da Vinci aconsejaba que el pintor anotara con breves trazos las impresiones que le sugería
algo en un pequeño cuaderno, que siempre debía llevar consigo. Alguno de estos cuadernos
o álbum es se pueden proyectar en una obra definitiva y otros tienen sentido por sí solos, por
ejemplo los famosos álbumes De Goya, que están identificados con una letra, un nombre y
una localidad. El cuaderno de viaje que como su nombre indica responde a un interés
personal del artista para su formación realizada en un viaje, en un lugar concreto al que se
ha marchado.

El boceto es un estudio preparatorio para la obra definitiva pero que ha de captar en menor
tamaño la ejecución final, ósea podrá haber alguna modificación, pero esencialmente lo que
vemos ahí es lo que será la producción final. Y puede haber varios bocetos, incluso con
distintas técnicas, u otras. Hay que conocer los trabajos previos para poder realizar un estudio
bueno sobre la obra como tal. Dos ejemplos serían las señoritas de Avignon o el caso del
Guernica, que encuentra los bocetos en el Reina Sofía.
La muestra es el dibujo preparatorio como muestra, es un registro fundamental. Con
frecuencia las imágenes o la figuración, lo que aparecía en cada una de las obras pictóricas
que iban a constituir un retablo tenían que ser presentados en pergamino. Porque el artista a
través de las obras se ha ceñido a un encargo artístico, y por ello tiene que presentar la
llamada muestra, que servía por un lado para dar fe de la capacidad artística del autor, y por
otro lado el encargante le exigía los cambios que eran pertinentes.

Un dibujo previo o preparatorio podía ser ya un boceto que se iba a llevar a la obra final, se
podría trasladar directamente, o bien a ojo o bien pidiéndolo con un compás, para trasponer
las medidas del dibujo a un tamaño superior. Para lograr el máximo parecido se utilizaba la
cuadrícula, ósea crear una retícula con líneas paralelas y perpendiculares, lo mismo en el
soporte definitivo, que permite cuadro a cuadro afinar en el tránsito de pasar de pequeño
tamaño a gran tamaño (obra definitiva). Pero además de la cuadrícula se podían utilizar, en
el caso de utilizar el mismo tamaño, podría utilizarse un papel carbón, o de calco, para
transferir el dibujo, o el papel grafito que dejaba menos rostro.

Los cartones o el cartón (de Goya), son también dibujos preparatorios a escala natural,
generalmente sobre papel. Se encuentra relacionado con la pintura al fresco. Se podría decir
que era el paso anterior a la creación de los talleres como tal. Es un trabajo artesanal y no
artístico. El cartón sobre todo se ha utilizado para la pintura al fresco. Principalmente en la E.
Media y el Renacimiento, donde se llegaba a esgrafiar sobre el propio yeso húmedo. En
cuanto al fresco, los fresquistas realizaban a tamaño real la imagen que después sería
trasladada al muro.

El Bosquejo, que es un esgrafiado directamente sobre el muro húmedo; primeros trazos sobre
el soporte definitivo en los que la idea apenas está sugerida.