TALLER: LA HISTORIA DE LAS CARICATURAS Y SUS GENERACIONES

AREA: EDUCACION ARTISTICA

Dar respuesta a las siguientes preguntas de acuerdo con el video tutorial
expuesto en clase:

1. ¿Qué es la caricatura?
2. ¿De dónde y cuándo viene el origen de la caricatura?
3. ¿De quién son las primeras representaciones de caricaturas?
4. ¿Cuáles fueran las primeras caricaturas?
5. ¿Cuáles fueron los materiales que se usaban antes para la
caricatura?
6. Hoy en la actualidad, ¿Qué elementos o técnicas se usan para
elaborar la caricatura?
7. Partiendo de que la caricatura es para exagerar y cargar personas,
era más retratista ¿Cuál fue su evolución?
8. ¿Qué cambios a tenido la caricatura desde sus inicios hasta la
actualidad?
9. ¿Qué aporte hace la caricatura a la sociedad?
10.¿Qué diferencia hay entre caricatura y cartoon?
11.¿Qué expresa el artista en los cartoon?
12.¿Qué aspectos físicos se destacan más en la caricatura de una
persona?
13.La caricatura inicia en Bolonia, España ¿a qué otros países se
popularizo la caricatura?
14.¿Por qué caricaturas en blanco y negro?
15.Consultar las biografías de los pintores de Leonardo Da Vinci , Pablo
Picasso y Miguel Ángel y algunas de sus obras más importantes
(anexo imágenes)
16.Nombra las distintitas generaciones que ha tenido las caricaturas.
17.Realiza tu propia caricatura destacando las exageraciones o
cargando los rasgos físicos de algún personaje de tu municipio.
Leonardo da Vinci: 11 obras
fundamentales
COMPARTIR

Leonardo da Vinci fue pintor, escultor, arquitecto e ingeniero militar, pero su

nombre quedó para siempre ligado a la pintura. Por eso, aquí se abordarán 11
de las obras más importantes del artista por orden cronológico.

1. La anunciación
Pintada entre los años 1472 y 1475, La anunciación es un cuadro al óleo sobre
madera que representa los primeros pasos de Leonardo en la pintura, a pesar
de que no todos concuerdan con el veredicto.

El cuadro estuvo "escondido" en un monasterio hasta 1867 cuando fue

trasladado a la Galleria degli Uffizi, en Florencia. Fue atribuido inicialmente a
Domenico Ghirlandaio, pintor contemporáneo a Leonardo e igualmente
aprendiz en el taller de Verrocchio.
Leonardo da Vinci: La anunciación, 0,98 m × 2,17 m - Galleria degli Uffizi,
Florencia.

Sin embargo, estudios y análisis posteriores a la obra sustentan la teoría de

que esta pintura corresponde a uno de los primeros trabajos de Leonardo. En
realidad, habrá sido un trabajo conjunto, pues al analizar el cuadro se percibió
que la base y la Virgen habrían sido ejecutados por Verrocchio.

Leonardo habría pintado el ángel, la alfombra de flores y el paisaje de fondo (el

mar y las montañas). Esto queda claro en la precisión científica con que fueron
pintadas las alas, así como en el descubrimiento de un dibujo preparatorio para
las mangas del ángel atribuido a Leonardo.

También parece obvia la diferencia entre la delicadeza del ángel y la majestad

casi fría de la Virgen. De la misma manera, ya se puede ver en el ángel el uso
del sfumato y el claroscuro.

La escena representa el episodio de Nuevo Testamento en que el ángel visita a

la Virgen para decirle que dará a luz al Mesías, hijo de Dios.

2. Retrato de Ginevra de' Benci

El retrato de Ginevra de' Benci fue pintado por Leonardo entre 1474 e 1476. Se
trata de un óleo sobre madera y recibe ese nombre por la persona retratada,
quien es una joven aristócrata de Florencia, famosa y admirada por su
inteligencia.

La cabeza de la joven se encuentra enmarcada por las hojas de un arbusto de

enebro, mientras que al fondo puede contemplarse un cuidado paisaje natural.
Leonardo da Vinci: Ginevra de’ Benci - 38.1 cm × 37 cm - National Gallery of
Art, Washington, EUA.

La expresión de la joven es severa y altiva, y como la mayoría de las mueres

de aquella época, también Ginevra rasuró sus cejas.

El tamaño de la obra fue recortado, pues originalmente llegaba hasta la cintura

de la joven e iba a incluir la representación de sus manos descansando sobre
el regazo.

3. La Virgen de las rocas

La Virgen de las rocas es un óleo sobre madera y fue ejecutado alrededor de
1485. Aquí, las figuras se encuentran frente a una gruta y sus formas están
envueltas en una bruma (sfumato) que le confiere a la pintura un carácter casi
surrealista.

Esta composición es un perfecto ejemplo del dominio del claroscuro en la

pintura de Leonardo, así como de la técnica del sfumato que él desarrolló.
Leonardo da Vinci: Virgen de las Rocas. 1,90 m x 1,10 m - Louvre, París.

El tema de la obra es único y enigmático, pues se representa a San Juan niño

adorando a Jesús en presencia de la Virgen y un ángel.

El significado de esta composición no es de fácil interpretación, pero tal vez el

secreto esté en la utilización del gesto (detalle característico y de gran
importancia para el artista).

Cada figura está reproduciendo un gesto diferente, y aquí como otras figuras
de otras pinturas, el ángel apunta con su dedo índice, pero en dirección a San
Juan.

Entre tanto, la Virgen lo protege, San Juan está en posición de adoración y el

niño Jesús está bendiciendo.

4. Hombre vitruviano
Alrededor del año 1487, Leonardo creó el llamado Hombre vitruviano, un dibujo
en tinta sobre papel de dos figuras masculinas superpuestas con brazos y
piernas separadas dentro de un círculo y un cuadrado.
Leonardo da Vinci: Hombre vitruviano. Gallerie dell'Accademia, Venecia.
El dibujo está acompañado de notas basadas en la obra del famoso arquitecto
Vitruvius Pollio. Es considerado un estudio de las proporciones y una perfecta
yuxtaposición entre ciencia y arte, así como uno de los trabajos más
significativos del artista, científico e inventor Leonardo da Vinci.

5. Dama con armiño

La Dama con armiño es un óleo sobre madera pintado alrededor de los años
1489-1490 por Leonardo. La figura representada es Cecilia Gallerani, una
supuesta amante del Duque de Milán, Lodovico Sforza, para quien Leonardo
trabajó.
Leonardo da Vinci: Dama con armiño. 54 cm x 39 cm - Museo Czartoryski,
Cracovia, Polonia.
Debido a las diversas intervenciones que ha sufrido a lo largo de los siglos, el
fondo original de la pintura desapareció y fue totalmente oscurecido, parte del
vestido fue agregado así como el cabello que se entorna alrededor de la
barbilla.

Los análisis de la pintura han revelado una puerta en el fondo original. Además
de eso, se descubrió también que Leonardo podría haber cambiado de ideas al
pintar la figura y que originalmente la posición de los brazos de la dama sería
diferente. A esto se suma el hecho de que el armiño se agregó posteriormente.

Versiones de Dama con armiño.

La supervivencia de esta pintura hasta hoy es casi un milagro, pues desde

1800, cuando fue comprada por un príncipe polaco, fue repintada varias veces,
sufrió el exilio y estuvo escondida debido a invasiones y guerras. En 1939,
después de la invasión nazi, se encontró en la pintura una huella de un soldado
de las SS.

6. La Belle Ferronière
Pintada entre 1490 y 1495, La Belle Ferronière es también un óleo sobre
madera. La figura representada es una mujer desconocida, hija o esposa de un
herrero.
Leonardo da Vinci: La Belle Ferronière - 62 cm x 44 cm - Louvre, París.

Esta pintura es uno de los cuatro retratos que hizo el pintor, grupo que se
completa con la Mona Lisa, Dama con armiño y Givevra de' Benci.

7. La última cena
La última cena es una pintura mural ejecutada por Leonardo da Vinci entre los
años 1493 y 1498. Se encuentra en la pared del comedor del Convento de
Santa Maria Delle Grazie en Milán.

Esta es la obra que le dará notoriedad al artista. Pero lamentablemente, debido

al hecho de que Leonardo aplicó una técnica poco ortodoxa que
comprometería su durabilidad. Mezcló así las técnicas del temple y el óleo
sobre capas de yeso en un enlucido.

Hoy es necesario hacer un esfuerzo para imaginar todo el esplendor de aquella

pintura original, aunque sigue siendo un milagro que aún pueda ser
contemplada.

Leonardo da Vinci: La última cena. 4,6 m x 8,8 m - Convento de Santa Maria

Delle Grazie, Milán.

Tal como lo indica el título, la pintura representa la última cena entre Jesús y
los apóstoles. El mesías se encuentra en el centro de la composición y atrás de
su cabeza se sitúa una ventana que acentúa el efecto de perspectiva en punto
de fuga.
Por encima de la cabeza de Jesús un frontón hace las veces de aureola. Así,
se confirma la importancia de los elementos arquitectónicos como apoyo a las
figuras centrales de la composición.

El momento captado será justo después de que Cristo anuncia la traición de

uno de sus discípulos, lo que puede observarse en la gesticulación agitada de
las figuras alrededor del Mesías en contraste con su calma y serenidad.

Ver también: Pintura mural La última cena de Leonardo da Vinci

8. Salvator mundi
Salvator mundi es un óleo sobre tela, posiblemente pintado entre los años 1490
y 1500, y supuestamente estaba destinado al Rey Luís XII de Francia y a su
consorte Ana, la duquesa de Bretaña.

Durante los años 1763 hasta 1900, la pintura estuvo desaparecida y se creía
que había sido destruida. Después fue descubierta, restaurada y atribuida a
Leonardo. Sin embargo, muchos estudiosos sostienen que tal atribución está
errada.
Leonardo da Vinci: Salvator Mundi - 45.4 cm × 65.6 cm.

Empero, en noviembre de 2017, la obra fue subastada y vendida a un

comprador anónimo como si de Leonardo da Vinci se tratase. La subasta
alcanzó un nuevo récord jamás imaginado, y la obra se vendió en 450.312.500
millones de dólares.

La composición representa a Cristo como salvador de mundo, sosteniendo un

globo de cristal con su mano izquierda y bendiciendo con su mano derecha.
Jesús aparece vestido con ropajes típicos del Renacimiento.

9. La Mona Lisa
También conocida como La Gioconda, La Mona Lisa es un óleo sobre madera
pintado por Leonardo entre 1503 y 1506. La pintura es un retrato de Mona Lisa,
la joven esposa de Franceso de Giocondo, según el testimonio de Giorgio
Vasari (1511-1574), pintor, arquitecto, y biógrafo de varios artistas del
Renacimiento italiano.

La obra fue adquirida por Francisco I, rey de Francia desde 1515 hasta 1547.
En 1911 la pintura fue robada y se recuperó dos años después, en 1913.
Leonardo da Vinci: Mona Lisa - 77 cm x 53 cm - Louvre, París.

Sobre esta obra hay incontables teorías y especulaciones, pero su verdadera

maravilla no está tanto en la llamada sonrisa enigmática, sino en la técnica
utilizada.

En la representación se introduce la perspectiva atmosférica que tanto influirá

en el Barroco y en Velázquez. En este retrato, Leonardo colocó la figura en
primer plano, pintándola con nitidez, mientras que el paisaje es suavemente
difuminado.

Esto ayuda a construir una sensación de distancia respecto del paisaje, pero de
cercanía respecto de la figura femenina retratada. Así, la mirada se pierde en el
horizonte. Se trata de una perfecta utilización de las técnicas del sfumato y la
perspectiva atmosférica.
Koré - Escultura en Mármol - Cerca de 550-540 A.C.- 63 cm x 36 cm, Atenas.

En relación al retrato en sí y a su famosa sonrisa, hay que decir que se

encuentra una expresión semejante en otras obras del artista, como Santa Ana
y San Juan.

Sin embargo, la sonrisa puede haber sido apenas la representación

fidedigna del modelo o expresión de la influencia de la sonrisa arcaica del arte
griego (ver imagen de Koré) que tanto incidió en el Renacimiento.

Ver análisis detallado del Cuadro de la Mona Lisa

10. La Virgen y el niño con Santa Ana

Pintada en óleo sobre madera, La Virgen y el Niño con Santa Ana fue
ejecutada en 1510. En ella están representadas tres figuras bíblicas: Santa
Ana, madre de María, la Virgen y Jesús Niño. Jesús sostiene en su mano un
cordero.

Las figuras están representadas en forma piramidal frente a un fondo rocoso y

poco definido. En este, parte de los contornos de Santa Ana se diluyen el
en sfumato.
Leonardo da Vinci: La Virgen y el Niño con Santa Ana - 1,68 m x 1,12 m -
Louvre, París.
A pesar de ser un tema iconográfico bastante común, lo extraño está en la
posición de María, quien está sentada en el regazo de su madre.

11. San Juan Bautista

San Juan bautista es un óleo sobre madera realizado entre 1513 y 1516. Es
posible que haya sido la última obra del pintor, ya en los últimos años del
Renacimiento y el inicio del Manierismo.

En esta pintura San Juan apunta a lo alto con el dedo índice de la mano
derecha (gesto repetido exhaustivamente en las obras del artista), tal vez
reforzando la importancia del bautizo en el Espíritu para la salvación del alma.

Esta representación de la figura de San Juan Bautista difiere de todos los

arquetipos anteriores, que hasta entonces representaban al santo como
un personaje delgado y feroz.
Leonardo da Vinci. San Juan Bautista. 69 cm x 57 cm - Louvre, París.

San Juan es representado aquí sobre un fondo indescifrable, y con trazos más
femeninos que masculinos. Su postura, envuelto en lana de oveja, invoca
sensualidad, un carácter seductor, que hace recordar a los sátiros de la
mitología griega.

La obra es inquietante y perturbadora. El carácter andrógino de la pintura de

Leonardo queda expuesto una vez más en esta obra, así como el dominio de la
técnica del claroscuro. Además de eso, la representación de San Juan Bautista
repite la sonrisa enigmática de La Mona Lisa y Santa Ana.

Curiosamente, cuando Leonardo aceptó la invitación de Francisco I a mudarse

a Francia en 1517, esta pintura fue una de las que decidió llevarse consigo,
sumando también la Mona Lisa y La Virgen con el Niño y Santa Ana.

Biografía
Leonardo da Vinci (1452-1519) nació en una pequeña localidad cerca de
Florencia llamada Vinci. Como era hijo ilegítimo de un notario y una mujer que
probablemente habría sido una esclava, lo separaron de la madre a los 5 años.
Cuando contaba con 14 años entró al taller de Verrochio en calidad de
aprendiz.
Autorretrato de Leonardo da Vinci

Sin apellido, pasó a ser conocido como Leonardo da Vinci. Su nombre

completo sería Leonardo di ser Piero da Vinci, que significa Leonardo hijo de
(Mes)ser Piero de Vinci, dado que la paternidad de Leonardo es atribuida a
Messer Piero Fruosino de Antonio da Vinci.

A pesar de que es recordado en la historia como pintor, sólo han llegado a este
tiempo poco más de dos docenas de pinturas atribuidas a él. En realidad la
explicación podría estar en el hecho de que Leonardo no fue nunca un pintor
muy prolífico.

Mente curiosa, se interesó por todo, pero no se dedicaba plenamente a

nada. Sin embargo, su contribución e influencia en la pintura y el arte en
general es innegable.

Para Leonardo la pintura era el arte por excelencia, pues el pintor termina sus
obras con el esfuerzo de la razón. Luego, un pintor es un intelectual, mientras
que el escultor termina sus obras con el esfuerzo físico.

Esta y otras ideas contribuyeron al desencuentro que durante años fue

alimentado entre Leonardo y Miguel Ángel (para quien la escultura era el arte
más grande y que consideraba la pintura al óleo como algo propio de las
mujeres).

A pesar de que no haya llegado ningún retrato del joven Leonardo hasta
nosotros, la escultura del David de Verrochio contiene los rasgos de Leonardo
que en joven poseía un porte bastante atractivo.
 Andrea del Verrocchio: David - Bronce - Museo Nazionale del Bargello,
Florencia.

En el año 1476, aún en el taller de Verrocchio, Leonardo fue acusado de

sodomía, y posteriormente fue absuelto de la acusación.

Vida y obras del pintor español

Pablo Picasso

La historia de la vida del pintor español

 Gonzalo Mendo
 14/11/201712:30

1 Comentario

Hablar de Pablo Picasso es hablar de arte. El pintor español nacido en Málaga

el 25 de octubre de 1881 se enmarca como uno de los creadores, junto
a Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Sin duda, uno de los
artistas más reconocidos de la historia que participó en una gran cantidad de
movimientos artísticos que se propagaron por todo el mundo ejerciendo una gran
influencia en los agrandes artistas de la época. Un auténtico genio.
Biografía de Pablo Picasso, más que un artista

Las obras de Picasso estaban repletas de una enorme carga social

PUBLICIDAD
Picasso está considerado como uno de los mayores genios del siglo XX. Un
hombre famoso por su capacidad a la hora de crear verdaderas obras de arte en
las que lo más importante no eran las formas o las pinceladas, sino su enorme
carga social. Incansable y peculiar, el malagueño pintó más de 2.000
cuadrosdistintos que adornan los museos más importantes del mundo. Un talento
que no solo utilizó para la pintura convencional sino que decidió abrir sus
horizontes hasta géneros como el dibujo, la ilustración de libros, el grabado, la
escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes
teatrales.
En el ámbito político, Pablo Ruiz Picasso era un profundo pacifista de índole
comunista. Nombrado miembro de honor del Partido Comunista Francés, el
artista español siempre se mostró contrario a la dictadura franquista. Una forma
de gobierno que criticó en numerosas ocasiones, tanto públicamente como por
medio de sus obras. El impacto de la Guerra Civil hizo aumentar su
compromiso político posicionándose a favor del bando republicano y creando
una de las obras más conocidas del mundo: Guernica. Un cuadro con el objetivo
de ser expuesto en el Pabellón de la República Española en la Exposición
Internacional de París.
PUBLICIDAD
En sus últimos años de vida se dedicó a rentabilizar su popularidad con diferentes
pinturas de una menor calidad y dedica la mayor parte de su tiempo a la escultura
y la cerámica. Finalmente, y con la admiración del mundo del arte, Picasso
muere en Mougins (Francia) el 8 de abril de 1973 a los 91 años de edad.

Pablo Ruiz Picasso fue un pintor y escultor español, reconocido por ser uno de los
creadores del cubismo. Hoy pasamos revista a sus obras más destacadas.

VER 10 FOTOS
Sarah Romero

Las señoritas de Avignon

El cuadro de 'Las señoritas de Avignon' fue pintado por Picasso en 1907.
Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (EE.
UU.). El artista malagueño, máximo exponente del cubismo español rompe con
los cánones del realismo y reduce la obra a planos angulares, dejando de lado la
perspectiva espacial o el fondo. El cuadro se considera el inicio del arte
moderno.

Guernica
Picasso nunca bautizaba sus creaciones nada más pintarlas, sino más bien
mucho tiempo después (varios años). En este caso, sin embargo, el cuadro, que
fue pintado en apenas dos meses del año 1937, nos encontramos una alusión al
bombardeo de Guernica durante la Guerra Civil Española. En este cuadro
meramente simbólico, Picasso empleó únicamente los colores blanco y negro, y
un gran abanico de grises. El Guernica, ese grito pictórico contra la represión y
la violencia, se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en
Madrid (España).


 Los tres músicos
'Los tres músicos' o 'Músicos con máscaras' fue pintado por Picasso en
Fontainebleau, Francia, en 1921 y pone punto y final al período del Cubismo
Sintético para comenzar con el cubismo analítico, esto es, una pintura mucho
más compleja y aún más abstracta. Hizo dos versiones de este cuadro y ambas se
consideran dos obras maestras de la historia del arte. Se encuentran en
el Museo de Arte Moderno de Nueva York (EE.UU.).

Retrato de Dora Maar

Pintado en 1937, este Retrato de Dora Maar o Henriette Theodora Markovitch,
representa a la musa de Picasso. Esta artista plástica, aparte de ser conocida por
su relación con el artista malagueño, fue muy prolífica. Sin duda con una
personalidad muy compleja, callada, orgullosa, inteligente y curiosa, Dora Maar
nos dejó una conocida serie de fotografías del Guernica. El 'Retrato de Dora
Maar' se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid
(España).

Mujer ante el espejo

Pintado en 1932, este cuadro retrata a una mujer de una forma muy abstracta,
utilizando rombos, círculos y triángulos para crearlo. La modelo del cuadro es
Marie-Thérèse Walter (amante de Picasso). La obra de la 'Mujer ante el espejo'
se encuentra en el Museo de Arte Moderno -MoMA- de Nueva York (EE.UU.).

Autorretrato
Este autorretrato forma parte de la colección permanente del Museo Picasso de
Barcelona y fue pintado por el artista en 1896. A lo largo de su
vida, Picasso realizó múltiples interpretaciones de sí mismo y precisamente el
Museo Picasso de Barcelona conserva buena parte de los de la primera época.

La mujer que llora

 Representando el rostro de una mujer desesperada, que sufre, que llora... esta
mujer pintada por Picasso representa otro de los cuadros con más carga histórica
junto al famoso Guernica. La obra fue pintada en 1937 tras la Guerra Civil
Española. Como curiosidad, en agosto de 1986 'La mujer que llora' fue
robada del Museo Nacional de Melbourne, en Australia, donde se conservaba
desde 1985. Afortunadamente el cuadro fue recuperado sin tener que lamentar
ningún desperfecto.

Las Meninas, por Pablo Picasso

Picasso pintó hasta 58 cuadros en honor a 'Las Meninas' de Velázquez. 58
cuadros pintados en 1957 reinterpretando y recreando varias escenas del cuadro
clásico y que se conservan íntegramente en el Museo Picasso de Barcelona. El
propio artista donó estas obras al museo catalán en mayo de 1968, en memoria
del poeta Jaime Sabartés.

La danza
La danza es un cuadro realizado en 1925, momento en el que Picasso estaba
casado con la bailarina rusa Olga Khokhlova; de ahí que el cuadro evoque a un
grupo de mujeres con las manos enlazadas bailando dentro de una habitación a
través de cuyas ventanas se vislumbra el cielo azul. El cuadro se encuentra
actualmente en la galería Tate Modern de Londres (Reino Unido).

Le pigeon aux petits pois

Pablo Picasso pintó este cuadro en 1911. En él quedan representadas varias
figuras geométricas como rectángulos y círculos en tonos grises y blancos sobre
un fondo de color ocre, con la palabra 'café' en letras mayúsculas destacando
sobre la pintura. Este óleo sobre lienzo se encuentra en el Museo de Arte
Moderno de París (Francia).
Miguel Angel Buonarroti
Resumen de su vida y obras más importantes
Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti), también conocido como il Divino, es uno de
los artistas clásicos imprescindibles. Destacó durante el Alto Renacimiento italiano
como escultor, arquitecto y pintor al servicio de la familia Medici.

Miguel Ángel Buonarroti: Quién fue

 Nombre completo: Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni.

 Dónde y cuándo nació: El 6 de marzo de 1475 en Caprese, República de
Florencia.

 Dónde y cuándo murió: El 18 de febrero de 1564 en Roma, Estados Papales.

 Nacionalidad: Florentino.
 Movimiento, grupo o escuela a la que perteneció: Renacimiento.
 Disciplinas que practicó: Escultura, arquitectura, pintura.

Biografía de Miguel Ángel Buonarroti

Miguel Ángel fue hijo de una familia acomodada de la región florentina que se trasladó
a la capital de la Toscana poco después de nacer él. Cuando tiene 6 años fallece su
madre y conoce a Francesco Granice, un pintor que entonces contaba 12 años y que le
anima a iniciarse en el arte.

La relación con su padre, Ludovico, que pretendía para él una carrera administrativa, se
resintió pues no veía bien esta inclinación de su hijo. Tras años de tensión, finalmente
cedió y Miguel Ángel se incorpora al estudio de Domenico Ghirlandaio donde
desarrolla sus dotes como dibujante y aprende la técnica de la pintura al fresco.

De allí pasa a ser acogido por Lorenzo el Magnifico y es bajo los auspicios de los
Médici, viviendo como hijo adoptivo, que comienza sus estudios de escultura.

Su maestro fue Bertoldo di Giovanni. Esta relación le permitió, además, compartir su

vida con eminentes humanistas que también vivían en el palacio.

Miguel Ángel y el cuerpo humano

En esos años empieza a estudiar anatomía haciendo disecciones de cadáveres humanos

en el depósito municipal. Ello le sirvió para adquirir conocimientos que le permitirían
convertirse en un maestro a la hora de plasmar las proporciones, expresividad y
movimiento del cuerpo humano en sus pinturas y esculturas.

Hay que recordar que en la sociedad de ese momento, cualquier manipulación de los
cadáveres estaba totalmente prohibida.
Tras morir Lorenzo de Médici, y con 17 años, se traslada a Bolonia y, de allí, cuatro
años después, a Roma. Allí ve la luz su primera obra maestra “La Piedad” de la Basílica
de San Pedro, que terminó ya en 1500 y que es considerada pieza imprescindible de la
escultura renacentista italiana, en la que se demuestra su inigualable genio para la
composición y el estudio de la anatomía.

Muy respetado y valorado ya, vuelve a Florencia y da vida a su segunda escultura,

nueva obra maestra en mármol, el famoso "David".

En 1505 recibe el encargo del Papa Julio II para diseñar y esculpir su tumba, que estaba
proyectada con 80 enormes figuras. Finalmente, el proyecto tuvo que reducirse pero
Miguel Angel creó otra obra maestra: el "Moisés".

Miguel Ángel y la Capilla Sixtina

Tras algunas polémicas con su patrón dejó Roma pero volvió no mucho después para
afrontar otro proyecto del Papa: el techo de la Capilla Sixtina. Esta vez se trataba de una
ambiciosa pintura al fresco, el Génesis, considerada también obra maestra de la pintura
renacentista.

Este fue un trabajo largo y complicado que afectó el carácter y el ánimo de Miguel
Ángel y que se extendió durante cuatro años (1508-12), en duras condiciones y sin una
contrapartida económica adecuada para compensarle.

En 1513 muere Julio II y ve como el proyecto de la tumba se reduce aún más. En esos
años viaja continuamente, muchos de sus viajes a Carrara. Vuelve a Florencia a cumplir
encargos del Papa Leon X y trabajará también como ingeniero militar para la República.

En 1534 retorna definitivamente a Roma donde aborda El Juicio Final, en el altar de la

Capilla Sixtina, esta vez para el Papa Paolo III. De él recibe el nombramiento de pintor,
escultor y arquitecto del Vaticano. El resultado es una obra maestra del Manierismo que
deja patente el dominio del maestro de la anatomía y su homenaje a la belleza del
cuerpo humano en los desnudos (incluido Cristo) que la moralidad imperante insistió en
tapar. En opinión de Miguel Ángel, la propia desnudez del cuerpo es vehículo suficiente
para mostrar toda su expresividad.

A partir de 1546 empieza a trabajar en las obras de la Basílica de San Pedro tras la
muerte de Sangallo, responsable hasta ese momento, y que compagina con otros
trabajos. A pesar de los cambios posteriores, el exterior reúne más de sus diseños que
los de ningún otro arquitecto.

Muere en 1564, en Roma, a los 89 años, siendo reconocido en vida y tras su muerte
como un genio de las artes, en todas sus ramas.

Obras más famosas de Miguel Ángel Buonarroti

 Piedad (1496)
 David (1501-1504)
 Moisés (1513-1515)
 La creación de Adán (1511)
 Diseño de la cúpula de San Pedro del Vaticano (h. 1546