La Venus de Willendorf

Máscara de Tutankamón en el Museo de El Cairo. Realizada en oro batido con

incrustaciones de pasta de vidrio y turquesas, reinó de 1336/5 a 1327/5 a. C.
 Busto de Nefertiti en el Neues Museum, Berlín.

Nefertiti (c. 1370 a. C.-c. 1330 a. C.) fue una reina (Consorte Real) de la dinastía
XVIII de Egipto, Gran Esposa Real de Ajenatón (Akenatón).
Siva, señor de la danza
 Taj Mahal
Este bellísimo edificio es en realidad un mausoleo, es decir, la tumba de la esposa
de un monarca indio. Presta atención a los jardines, a los que se concede también
mucha importancia en el arte islámico.
Sita en el Louvre, se puede apreciar por la parte de atrás que está bastante deteriorada,
se fecha actualmente entre el 130 y el 100 adc, algunos se atreven a darla como de
Alejandro de Antioquía, los Turcos encontraron los brazos en el mismo sitio que la
desenterraron pero se niegan a cederlos.
Afrodita, Pan y Eros en Delos hacia el 100 adc, actualmente en el museo de Atenas
ROMA: VENUS Y MARTE
David: Marte desarmado por Venus y Servido por las Gracias.
Botticelli: Venus y Marte

Encargado por los Vespucci (Vespa: avispa, símbolo heráldico), simboliza el

triunfo del amor. Simonetta como Venus apacible y Giuliano como Marte,
subyugado por su gracia. Alegoría: Venus ( el pensamiento humanístico)
ejerce su poder beneficioso sobre la discordia: Marte (sus armas se vuelven
inofensivos juguetes)

Tintoretto: Venus,Vulcano y Marte

HERMES
Edward Hodges Baily
(Bristol 1788-1867)
EDIPO Y LA ESFINGE
EDIPO Y LA ESFINGE
El Discóbolo, copia romana conservada en el Museo de las Termas,
Roma
La obra principal que dan los manuales como la evolución expresiva del movimiento en el
arte antiguo es la victoria de Samotracia, o Nike de Samotracia, fechada hacia el 190
adc. sita en el Louvre, la misma también es el punto de mira principal de los ataques del
modernismo del siglo XX, pero para llegar a ella los griegos tuvieron que realizar muchos
ensayos.
El pórtico de las Cariátides, en el Erecteion
En ocasiones, los arquitectos griegos sustituían las columnas por esculturas,
como, por ejemplo, en el templo del Erecteion, en la Acrópolis. En este caso son
seis cariátides, columnas con forma de mujer, las que sujetan el pórtico del
templo.

Epígonos: El
Galata suicida
El escultor, en este
conjunto en bronce para
el templo de Atenea
Polias, en Pérgamo,
muestra un trozo
histórico. Vencidos por
Átalo I, los celtas
gálatas, dan un nuevo
sentido del honor
guerrero. Por eso este
guerrero para no aceptar
el vergonzoso
aplastamiento, mata a su
mujer y se suicida.
David: Muerte de Sócrates (1787)
David: Minerva vence a Marte
Rossetti: Pandora
Apolo de Belvedere. El original en mármol de Paros, se descubrió en 1495, cerca
de Grottaferrata, paso a ser propiedad del Papa Julio II formando parte de las
colecciones vaticanas.
APOLO Y DAFNE
Leda y el cisne,
Gustave Moreau
Rembrandt:Rapto de Ganímedes
Rubens: Rapto de Ganímedes
Correggio: Rapto de Ganímedes
Christian Wilhelm Allers
Aleman (1857-1915)
 EL JUICIO DE PARIS

Rubens: El juicio de Paris

Rubens: El juicio de Paris

.

Renoir
 Bertel
Thorvaldsen
El escultor danés, rival
de Canova, muestra al
arte griego como
inspirador de su
concepto de belleza
ideal, “noble
simplicidad y quieta
grandeza”. Así
aparecen, “Jasón con
el vellocino de oro”,
pasaje mítico y su
“Venus” helénica
totalmente.
David:Los amores de Paris y Helena
 Laoconte
Sito en el museo vaticano atrubuido a: Athanadoros, Hagesandros y Polydoros de
Rhodas hacia el 175 y 150 adc.
Rubens: Rapto de Proserpina
Rubens: Rapto de las hijas de Leucipo
Rubens: Rapto de Deidamia
Rubens: Sileno Ebrio
Dionisio
 Corot: Bacante

Corot. BACANTE Mujer que celebraba las fiestas bacanales. Orgía con mucho
desorden y tumulto. Mujer descocada, ebria y lúbrica.
 Fresco de Príapo (hijo de Afrodita y Dionisios) pesando su miembro en una
balanza contra la ganancia obtenida de sus campos (casa de los Vettii, Pompeya).

Invocación de Príapo. Grabado del siglo XIX de un supuesto bajorrelieve de

Pompeya.
Romanelli Pasquale
(1812-1887)
HÉRCULES Y ANTEO
La Loba Capitolina (Museos Capitolinos, Roma)
Arco de triunfo de Constantino (Roma)
El Coliseo de Roma
Este impresionante anfiteatro fue construido en torno al año 80 d.C. y
podía albergar hasta 50.000 espectadores sentados. Allí se celebraban
luchas de gladiadores y simulacros de batallas navales.
 EL CRISTIANISMO

Creación de Adán

En esta imagen puedes ver una de las nueve escenas, pertenecientes al libro del
Genésis, que Miguel Ángel pintó en la bóveda de la Capilla Sixtina.
Alexis Mossa (1844-1926)
hály Zichy
CIRCUNCISIÓN
 Franz Ritter Von Stuck
simbolismo, la secession (Tettenweiß (Bayern) 1863-1928 München)
 Franz Ritter Von Stuck
simbolismo, la secession (Tettenweiß (Bayern) 1863-1928 München
Puvis de Chavannes: El hijo pródigo
Rembrandt: El Hijo Pródigo
Il Guercino: Regreso del hijo pródigo
MASACCIO: EL TRIBUTO
La Última Cena Leonardo de Vinci
Giotto (1267 – 1337):
Cristo crucificado, por Diego Velázquez
Ernst Liebermann
(1869-1960)
Burne Jones: La Templanza
Brueghel: Combate entre el Carnaval y la Cuaresma
 EL RENACIMIENTO

Brueghel: Campesina

Así como la anoréxica

Cuaresma y la loca Griet
esta campesina muestra un
desequilibrio mental, pues
la Muerte y la Locura
parecen guiar buena parte
de la obra de Brueghel.
 Brueghel: Los lisiados

Patético
cuadro que
repite a los
leprosos del
“Combate…”
y en donde
Bruegel
muestra los
desastres de
la guerra y de
las pestes.
 PARÁBOLA DE LOS CIEGOS

Tomado del Evangelio, “si un ciego guía a otro ciego, ambos caen en un hoyo. La
belleza del paisaje contrasta con la cuerda de desgraciados. Para algunos es el
signo de la fatalidad ante el estoicismo nórdico.
 El pintor campesino se disfrazaba
Brueghel: Boda campestre
para pintar las costumbres y tipos.
Rembrandt: Sabio en su aposento
Martin Van Maele
 Fabio Fabbi
ilustrador (1861 Boloña 1946)
Jean Vignaud: Abelardo y Heloísa
Kauffman: Abelardo y Heloísa
TRISTÁN E ISOLDA
Muerte de Tristán e Isolda
Ingres: PAOLO Y FRANCESCA Los amantes espiados por el marido de
Francesca, Gianciotto Malatesta, quien los asesinará atravesándolos con la
espada.
 RUBIO: PAOLO Y FRANCESCA

Los amantes espiados por el marido de Francesca, Gianciotto Malatesta, quien los
asesinará atravesándolos con la espada.
Gaetano Previati: Paolo y Francesca
Esta escultura realizada en bronce constituye el paradigma del canon de belleza
masculina, el David, de Donatello (de 159 centímetros de alto y una
circunferencia de 51 centímetros).

BOTTICELLI
La Primavera
Botticelli: Nacimiento de Venus
Ingres: Nacimiento de Venus
Cabanel: Nacimiento de Venus
William Bouguerau: Nacimiento de Venus
Henri Pierre Picou
Botticelli: Girolamo Savonarola

Monje ascético que encabezó la rebelión popular en Florencia que

acabó con la expulsión de Pedro de Medicis y presidió la República.
Con la “hoguera de la vanidades” desechó todo paganismo en la vida
y en el arte. Botticelli fue su adepto y firmó la anulación de su
excomunión.
Botticelli:La abandonada

Se han tejido conjeturas sobre esta obra tardía, una de carácter bíblico
indica que es Tamar, violada por su hermanastro Amón; otra, histórica,
es Lucrecia deshonrada; quizás simbólicamente, es la Justicia que
llora a Savonarola.
Botticelli: La calumnia de Apeles

La Calumnia:1494-1495
• Se debe a una pintura de uno de los grandes artistas de la
antigüedad, Apeles, contra las calumnias de su rival
Antífilo al rey Tolomeo I. La obra desaparecida es descrita
por Luciano de Samosata, escritor y filósofo del siglo II
a.c. en su libro “Sobre la Calumnia”, que Botticelli
conoció gracias a sus amigos los humanistas. La escena ha
sido ambientada en el marco de un soberbio pórtico
clásico, adornado con estatuas y dorados bajorrelieves
tomados de la mitología y la historia reciente.
• Esta pintura fue hecha para el florentino Antonio Segni y
quizás alude a ciertas calumnias inventadas contra
Botticelli, alrededor de 1495.
En el trono, actuando como juez, está el rey Midas, a quien se reconoce por las
orejas de asno ( apropiadas para quien está dispuesto a escuchar cualquier
calumnia) y ambos lados La Ignorancia y La Sospecha que le susurran palabras
seductoras.

Botticelli puso especial cuidado al elegir las actitudes, los vestidos y los colores de
cada una de las figuras, en relación con su significado simbólico y expresivo.

Ante al rey, con ropajes oscuros, La Perversidad, llevando del brazo a La

Calumnia que arrastra por el pelo a una víctima, sosteniendo en la otra mano una
antorcha.

La Calumnia arrastra por los cabellos a una víctima mientras La Insidia y el Fraude
se representan trenzando los cabellos de la Calumnia.

La siniestra figura encapuchada es La Perversidad que lleva del brazo a La

Calumnia representa la Envidia o el Odio.

Tras el grupo camina la Penitencia que mira, a su vez, a La Verdad, desnuda,

apuntando con el dedo al cielo, supremo y definitivo juez.

El Remordimiento se representa como una figura austera, vestida de luto, y es el

único que conoce a la Verdad.
Botticelli: Holofernes
Botticelli: Judith con la cabeza de Holofernes
Botticelli:Judith camino a Betulia
Botticelli:Salomé

Alfred Courmes
(Bormes-les-Mimosas 1898-1993 París)
Clovis Trouille
Interpretación de Botticelli de una de las historias del Decamerón
Hogarth: El contrato

• FASE I.- Primera de 6 escenas, pintada por Hogarth en 1745. Se

dice que el aristócrata podría ser el conde Scardale o el conde
Porsmouth. Tema: Advertencia contra el matrimonio por
conveniencia que conduce a un comportamiento inmoral.
• FASE II.- Escena: tratos financieros que preceden a la firma del
contrato.
• La pareja vestida a la moda francesa, muy en boga a los ojos de
la aristocracia inglesa.
Gustave Moreau
LA GIOCONDA
Da Vinci: Ginevra
Benci $6.240.00o
La Piedad. Miguel Ángel. Realizada en 1498, es la única obra firmada por el
artista.
MOISÉS
David de Miguel Ángel
 Della Rovere, Miguel Ángel,Leonardo, Bramante, Rafael, Il Sodoma

RAFAEL. ESCUELA DE ATENAS

David:Juramento de los Horacios

• Expuesto en el Salón de 1785 Encargado por el Rey a través del Conde de

Angiviller.

• Tema tomado de Tito Livio, pero inspirado en la representación del

“Horacio” de Corneille(1782)

• Asunto dramático y moral. Virtud cívica y heroismo de Horacios ante su

padre, antes de matar a los Curiacios. Las mujeres a la derecha, una de las
cuales, novia de un Curiacio, llora simultáneamente, muerte de su
prometido o la de sus hermanos.
David: El dolor de Andrómaca
David: La Muerte de Marat
Las Meninas, de Velázquez (1656)
 La rendición de Breda
Velázquez pintó este cuadro para decorar las salas del palacio del Buen Retiro.
Hoy se conserva en el Museo del Prado de Madrid.
GOYA
Capricho n.º 43, «El sueño de la razón produce monstruos».
La familia de Carlos IV, 1800.
El dos de mayo de 1808, 1814.
El tres de mayo de 1808, 1814.
Saturno devorando a uno de sus hijos. Goya
La Libertad guiando al pueblo (1830), de Eugène Delacroix.
Dante y Virgilio atravesando la laguna que rodea la dudad infernal de Oitis de
Eugéne Delacroix (Musée du Louvre, París). También llamada La barca de Dante,
esta obra, pintada a los 24 años, se hizo famosa por su resonancia al presentarla
en el Salón de 1822. Este suceso le dio a conocer y el cuadro se hizo merecedor
del título de "manifiesto de la estética nueva".
RODIN EL PENSADOR
Rodin: EL BESO. Obra destinada originalmente a representar dentro de la La Puerta del
Infierno la trágica historia de Paolo y Francesca, se separó del conjunto.
 Augusto
Rodin

El célebre escultor
francés empieza a
eliminar los elementos
narrativos o históricos
para plasmar elementos
sincrónicos. Así
expresó: “Siempre he
tratado de expresar los
sentimientos internos a
través de la tensión
muscular…Sin la vida,
el arte no existe”
Rodin: Los burgueses de Calais
Fussli: Sueño
Le Sommeil (El Sueño) de Gustave Courbet (1866).
Palacio de Versalles
 GEORG SANT

EL IMPRESIONISMO
 CLAUDE MONET: IMPRESIÓN SOL NACIENTE
Impresión: soleil levant, 1872 Cuadro al que debe su nombre el movimiento

“El papel sin pintar de las paredes está mejor terminado que esta marina” escribió
un agudo crítico de la época sobre este lienzo, expuesto en la primera exposición
impresionista de 1877. No se trató de una crítica aislada, sino que es tan solo un
ejemplo de cómo los críticos de la época reaccionaron ante esta pintura, y por
extensión, ante la pintura impresionista (movimiento que, a la larga, debería su
nombre a esta marina) No resulta sorprendente, pues, que nadie ofreciera los
1,000 francos que Monet pedía por esta pintura.
CLAUDE MONET – “El portal de la Catedral de Rouen (soleil), armonía en azul y oro" -
óleo sobre lienzo, 101 - 65 cm. - 1893. Paris, Musée d'Orsay

“El clímax del impresionismo". Así se ha descrito la serie de vistas de La Catedral de

Rouen llevada a cabo por Claude Monet entre 1892 y 1894. La serie -consistente en 31
lienzos que muestran la fachada de la catedral gótica de Rouen bajo distintas condiciones
de luz y clima- provocó una admiración inmediata entre la crítica de su tiempo, y fue
alabada por muchos maestros posteriores, desde Wassily Kandinsky hasta Roy
Lichtenstein.
CLAUDE MONET – “Nympheas (nenúfares)" - óleo sobre lienzo, 219-602 cm. -
1920-1926 - Paris, Musée de l'Orangerie

La serie de los nenúfares realizada por Monet ha sido descrita como "La Capilla
Sixtina del Impresionismo".

Claude
Monet:
Nimpheas
BERTHE MORISOT – “Día de verano", 1879 - Londres, National Gallery - óleo
sobre lienzo, 45-75 cm.
 CAMILLE PISSARRO: "Le Boulevard Montmartre, effet de nuit (El Boulevard
Montmartre de noche)", 1897 - óleo sobre lienzo, 53.3 x 64.8 cm - Londres,
National Gallery

Aunque Pissarro es más conocido por sus paisajes rurales, creó un gran número de
escenas urbanas de París de gran calidad. En 1897 alquiló un estudio en el Boulevard
Montmartre y representó esta vía a distintas horas del día, siendo esta la única vista
nocturna de la noche. "El Boulevard Montmartre de noche" es una sensacional pintura
impresionista, aunque Pissarro nunca la expusiera en público en vida.
 VAN GOGH: NOCHE ESTRELLADA
VINCENT VAN GOGH: “Noche estrellada”, 1889 - óleo sobre lienzo, 73,7 - 92,1 cm. -
Nueva York,

Una de las obras más famosas y reproducidas de van Gogh, comúnmente asociada a su
creciente locura, y que en realidad es resultado de la preocupación del artista por las
investigaciones astronómicas del momento. De hecho, en la pintura conviven elementos
reales y fantásticos. Por un lado, un estudio del Griffith Park Observatory demostró que
Van Gogh representó la Luna , Venus, y varias estrellas en la posición exacta en la que se
encontraban aquella noche despejada. Por otro lado, la llamativa espiral que ocupa gran
parte de la obra es un elemento claramente fantástico
VINCENT VAN GOGH: "Los girasoles (vaso con 15 girasoles)", 1888 - óleo sobre
lienzo - Londres, National Gallery of Art

"Los girasoles" de Van Gogh son una de las series de pinturas más famosas del mundo.
El propio Van Gogh se sentía especialmente a gusto mientras pintaba los girasoles ("el
girasol es propio de mí", llegó a escribir a su hermano Theo en una carta) y el único
retrato de van Gogh que pintó Gauguin muestra al artista holandés pintando precisamente
este tema. Es ejemplar ilustrado aquí es la primera composición con quince girasoles que
realizó van Gogh, y sin duda en la que el color amarillo ("el color del sol", como decía van
Gogh) está más presente en la composición. Una pintura de esta serie batió todos los
records de cotización para una obra de Arte al ser vendida a un inversor japonés por casi
40 millones de dólares en marzo de 1987. Recientemente han surgido rumores sobre la
posibilidad de que dicha pieza pudiera no ser de van Gogh, sino una copia de Emile
Schuffenecker.
 VINCENT VAN GOGH: “La chambre de Van Gogh à Arles (La habitación del
artista en Arles)”, 1889 - óleo sobre lienzo, 73-92 cm. - Chicago, Art Institute

Van Gogh pintó su habitación en Arles en octubre de 1888 (Ámsterdam, Rijksmuseum

Van Gogh), y un año después pintó otras dos copias mientras residía en Saint-Rémy,
siendo el ejemplar mostrado aquí el más elaborado de los tres. "Esta vez es simplemente
mi dormitorio" - comentó Van Gogh en una carta - "y lo único que importa es el color, lo
simple le da a los objetos un mayor estilo"
 VINCENT VAN GOGH: “Lirios”, 1889 - óleo sobre lienzo, 73,5 - 92 cm.

Van Goh pintó esta famosa tela mientras estaba internado en el sanatorio de Saint-Rémy,
donde se le permitía pintar "au plen air". Todo el lienzo es un canto a la belleza de la
naturaleza, y llama la atención como el suelo rojo parece acompañar a las flores rojas de
la parte posterior, a la vez que el lirio blanco encuentra un eco en una flor azul pálida de la
derecha. La pintura fue vendida en Sotheby's en 1989 por 53.9 millones de dólares,
entonces un precio record para una obra de Arte.
 VINCENT VAN GOGH: “Autorretrato con la oreja vendada” , 1889 - óleo sobre
lienzo, 60-49 cm., London, Courtald Institute Galleries

Este es uno de los dos autorretratos que van Gogh realizó tras seccionarse la
oreja (el otro, anteriormente en la colección Leigh B. Block en Chicago, fue
comprado posteriormente por la familia Niarchos). La expresión del rostro del
artista es, paradójicamente, más serena que en otros muchos autorretratos del
artista. Tal vez se trata de un esfuerzo del pintor por encontrar en la pintura su
salvación particular, a lo que podría contribuir la presencia de una estampa
japonesa en el fondo, una pintura –la japonesa- que van Gogh admiraba por “ su
estilo tan sencillo como respirar.

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PAUL GAUGUIN - "Le Christ jaune (El Cristo amarillo"), 1889 - óleo sobre lienzo,
91.1-73.4 cm. - Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

Esta obra puede ser considerada uno de los orígenes de la pintura simbolista, junto con
"El Cristo verde", y es un claro precedente a las pinturas religiosas que Gauguin creó en
la Polinesia ("Ia Orana Maria", "Maternidad"), pero empleando como modelos a mujeres
bretonas en lugar de chicas de la Polinesia. El Cristo amarillo también aparece en un
famoso autorretrato del artista hoy en el Museo de Orsay en París.
PAUL GAUGUIN - "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?",
1897 - óleo sobre lienzo, 139- 375 cm. - Boston, Museum of Fine
Arts

Esta pintura no es simplemente la obra más colosal que Gauguin pintó vida (139- 375
cm.) sino que desarrolla por completo la doctrina filosófica y pictórica del artista.
Estructurando el cuadro en un sentido cronológico inverso, Gauguin parece señalar lo
primitivo, lo inocente, como único camino a seguir por el artista
 PAUL CÉZANNE: “Los jugadores de cartas”, 1893-96 - óleo sobre lienzo, 47- 56
cm. - Paris, Musée d'O

Esta es la menor de las tres versiones que Cézanne realizó de una pareja de jugadores
de cartas, pero es bastante probable que también fuera la última de ellas, y la más
elaborada. Mientras que la composición es realmente simple (dos jugadores enfrentados,
con una botella negra que disimuladamente divide el lienzo en dos partes) la fabulosa
intensidad de los rostros de los jugadores hacen de esta pintura una de las obras
maestras de la pintura post-impresionista

PAUL CÉZANNE: “Grandes bañistas”, 1906 - óleo sobre lienzo, 208 - 251 cm. -
Philadelphia Museum of Art.

Este es el mayor lienzo pintado por Cézanne, y una fabulosa culminación a la serie de los
"bañistas". La pintura es deudora de alguna de las mejores obras de Tiziano, como el
"Bacanal", mientras que la representación casi escultórica del cuerpo humano entronca
esta pintura con los frescos de Miguel Ángel en el Vaticano. Otras dos versiones
"completas" de los "bañistas" existen, una en el Museo de Arte moderno de Nueva York, y
otra en la Galería Nacional de Londres.
EDGAR DEGAS: “La clase de danza", c.1874 - óleo sobre lienzo, 83.2 x 76.8 cm -
Musée d’Orsay, Paris

Las pinturas de Degas representando a jóvenes bailarinas o ballerinas se cuentan entre

sus mayores -y desde luego más famosos- logros. El artista representa a las jóvenes
chicas como verdaderas profesionales, practicando todo el día bajo la estricta tutela de su
maestro. En este lienzo, el maestro aparece en el centro-derecha de la composición,
supervisando la escena como una autoridad con máximos poderes.
EDGAR DEGAS: “L'absinthe (bebedores de absenta)", 1876 - óleo sobre lienzo,
92-68 cm. - Musée d’Orsay, Paris –

"Vaya fulana", exclamó George Moore al ver a la mujer que aparece en la pintura,
añadiendo que "este cuento no es agradable, pero es toda una lección", y que "nadie ha
dicho tanto en tan poco espacio, ni nadie se ha expresado de manera tan simple (...)
gracias a la ciencia del dibujo, invisible pero omnipresente, casi impresonal". Las tristes y
melancólicas figuras parecen haber influenciado obras de artistas posteriores, como los
interiores de Picasso en su Periodo Azul, o las solitarias escenas urbanas de Edward
Hopper.
WINSLOW HOMER: “noche de verano” - 1890 - óleo sobre lienzo,
76.7- 102 cm. - Paris, Musée d' Orsay
 PIERRE-AUGUSTE RENOIR: "Moulin de la Galette", 1876

Esta pintura ha sido descrita en ocasiones como "la pintura más bella del siglo
XIX". La escena describe uno de los numerosos bailes que se celebraban en el
Molino de la Galette, uno de los locales de diversión más frecuentados de
Montmartre y punto de encuentro para bohemios y artistas como Toulouse-
Lautrec, Van Gogh o el propio Renoir.
 PIERRE-AUGUSTE RENOIR: "Le déjeuner des canotiers (el almuerzo de los
barqueros)", 1880-81

La luz es la principal protagonista de esta famosa pintura, en la que Renoir ha

representado a un grupo de personas en actitud relajada durante un viaje de placer por el
Río Sena.
RENOIR
 PAUL SIGNAC: "Le Palais des Papes, Avignon (El Palacio Papal, Avignon)",
c.1900 - óleo sobre lienzo, 73.5-92.5 cm. - Paris, Musée d'Orsay

Junto con su maestro Georges Seurat, Paul Signac (1863-1925) es la figura clave del
puntillismo. Signac amaba navegar, y viajó por toda la costa francesa, en especial por la
parte mediterránea, donde creó algunas de sus composiciones más brillantes, como el
ejemplo aquí mostrado. Signac fue una importante influencia para artistas posteriores,
como Henri Matisse
 JOAQUÍN SOROLLA: "La hora del baño", 1904 –

El impresionismo apenas tuvo presencia en España. De hecho, el hombre que

generalmente es considerado su mayor representante en España - Joaquín Sorolla- no
fue un impresionista "puro", aunque sus obras de madurez están influenciadas de manera
notable por dicho movimiento. Esta pintura se vendió por 6.2 millones de dólares en 2003,
un precio record por una obra de Sorolla
JOAQUÍN SOROLLA

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC: "En el Moulin Rouge", 1890 - óleo sobre

lienzo, 115-150 cm. - París, Musé

Nacido en una familia perteneciente a la aristocracia, y físicamente impedido por una

enfermedad que afectó a su crecimiento, Toulouse-Lautrec es conocido como el gran
cronista de la vida nocturna del París del XIX. Esta pintura, que muestra uno de los
muchos bailes que tenían lugar en uno de los cabarets más famosos de Paris, es una de
sus obras maestras, y junto con el "Moulin de la Galette" de Renoir es una de las mejores
representaciones del París ocioso de su época

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC: “Dans le lit (en la cama)", 1893 - óleo

sobre lienzo, 54-70.5 cm. - París, Musée d'Orsay

Esta es una (y probablemente la mejor) de las varias pinturas representando a una pareja
en la cama realizadas por Toulouse-Lautrec, que han sido calificadas en varias ocasiones
como "desapasionadas" a pesar de lo íntimo de la escena. Aunque la composición parece
muy simple, el artista ha empleado una complicada perspectiva reforzada por los
brillantes colores
T. LAUTREC
T. LAUTREC
Otto Dix. Triumph of death
OTTO DIX EL BURDEL
Andre Dignimont
Francés (París 1891-1965)
Herbert Gustave Schmaltz
(1856-1935)
PICASSO. Las Señoritas De Avignon
PICASSO
PICASSO
Minotauro - Pablo Ruiz Picasso
Guernica
Picasso, horrorizado por el bombardeo a la localidad vasca de Guernica, pintó
este monumental cuadro.

Actualmente se conserva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de

Madrid (España).
1. Fotografía cedida por el Centro Pompidou del cuadro "La persistencia de la
memoria" (1931), de Salvador Dalí - Efe Agencia

Don Quijote y Sancho

Leda
LA ÚLTIMA CENA
Jirafa en llamas
 Las dos Fridas

Esta pieza fue realizada en 1939, el año en que ella se divorcia de Diego, se cree
que Las dos Fridas es la expresión de los sentimientos de la artista en el
momento. Este doble autorretrato fue el primer trabajo en gran escala realizado
por Frida.

El 17 de septiembre de 1925, un accidente de autobús estuvo a punto de costarle

la vida a una joven mexicana de tan sólo 17 años llamada Frida Kahlo. No murió,
pero las secuelas del siniestro dejarían profundas huellas, tanto físicas (32
operaciones, incapacidad para tener hijos, uso de corsé y dolores crónicos) como
psicológicas, estas últimas acentuadas por la tormentosa relación con el también
pintor Diego Rivera.

“La columna rota” es un desgarrador testimonio del sufrimiento que acompañó a

Frida durante toda su vida. La artista se ha representado desnuda de cintura para
arriba, con un corsé que envuelve su cuerpo desnudo, en el que una inhumana
brecha permite observar como una columna clásica rota en varios fragmentos
sustituye a su columna vertebral, claro símbolo de su columna destrozada tras el
accidente de autobús. Además. Frida no duda en representar sus facciones
“antiestéticas” (cejas extremadamente juntas, vello sobre la boca…) de una
manera mucho más notoria que lo que las fotografías de la época. Cuando
hablamos de los autorretratos de Rembrandt, notamos que el artista no muestra ni
un ápice de autocompasión. Muy diferente es el caso de Frida, cuyos autorretratos
parecen lamentos silenciosos.

Collar de espinas

En este Autorretrato Frida Kahlo representa su conexión con la naturaleza, las

mariposas se conectan con la resurrección, todos los símbolos realzan el valor y el
mensaje de la obra.
Este autorretrato lo pintó en el año 1940, después de su divorcio, por eso, las
espinas que simbolizan y el dolor y le dan un aspecto de mártir a Frida.