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Margaret Adames

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Seccion: 1111

El Teatro

El teatro : es la rama del arte escénico relacionada con la actuación, que representa historias
frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido
y espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras concebidas para un
escenario, ante un público. El Día del Teatro se celebra el 27 de marzo.

En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el teatro también toma otras formas como la
ópera, el ballet, la ópera china y la pantomima.

El teatro del punto de vista físico es un lugar donde se representan obras de distinto tipo
,dramáticass ,cómicass ,musicales, etc.El teatro tiene una larga historia a través del tiempo desde
los griegos que lo representaban en los anfiteatros para el pueblo Genéricamentee teatro se lo
llama a las obras que se representan en dichas salas.Los hay de Opera donde se representan ,
operas líricass,ballet.Otros donde se representan comedias musicales, otros donde se representan
comedias ,dramas,etc.Esto es el circuito normal .Hay teatro no profesional , teatro underground,
etc.

fjdonster · hace 10 años

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katerin

El teatro pertenece al genero dramatico, presenta situaciones en forma de dialogo y los


personajes son representados por actores

katerin · hace 3 años

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Hola cielo pues el teatro es un género literario, ya sea en prosa o en verso, normalmente
dialogado, concebido para ser representado;

Las artes escénicas cubren todo lo relativo a la escritura de la obra teatral,

1-la interpretación,

2-la producción,

3-los vestuarios

4- escenarios.

5-La tecnica
La palabra teatro viene del griego y significa “lugar para contemplar”. Se trata de un arte que
busca representar historias frente a una audiencia, combinando actuación, discurso, gestos,
escenografía, música y sonido. A menudo se le llama también teatro al género literario que
desarrolla las obras que serán representadas en escena e incluso a la disciplina que busca formar a
los actores para desempeñarse en este u otros artes dramáticos como el cine o la televisión.

El teatro tiene diversas formas, puede ser ópera, pantomima, ballet y muchas otras variantes.

A su vez, el teatro suele estar constituido por una diversidad de elementos que son necesarios a su
naturaleza. Por ejemplo, el texto basado en diálogos en primera persona, aunque también una
obra puede ser representada a través de la mímica o la danza, sin necesidad de texto escrito.
También son fundamentales en una obra la dirección y la actuación. Otros elementos accesorios
son la escenografía, el vestuario y el maquillaje.

En términos de actuación, se pueden contar distintos métodos, como el famoso Método o método
Stanislavski, por medio del cual los actores trabajan juntos para desarrollar sus habilidades en un
entorno experimental. Este método fue continuado por el Actor’s Studio a cargo de Lee Strasberg.
Entre sus alumnos más conocidos se encuentran Robert De Niro, Al Pacino, Marlon Brando y
Dustin Hoffman.

Existen distintos tipos de teatro, por ejemplo, el teatro kabuki japonés, o el teatro de marionetas,
los cuales son muy distintos del teatro isabelino, e incluso del teatro de vanguardia. También
pueden contarse el teatro del absurdo o el teatro de improvisación, más comunes en el siglo XX.

Algunos de los dramaturgos o escritores de obras de teatro más reconocidos son William
Shakespeare, Molière, Bertolt Brecht, y más recientemente, Andrew Lloyd Webber.

Entre las obras más célebres se cuentan Romeo y Julieta o, por ejemplo, Cats en Broadway. A su
vez, diversas obras literarias se han adaptado para ser interpretadas dramáticamente

mi amor el teatro es la obra dramaticas que se escriben en dialogos y en las primera persona en el
que existe las acciones que van entre parentesis es texto de una obra teatral o de cine que se
domina el guion

ES LA REPRESENTACIÓN DRAMÁTICA DE UN HECHO COTIDIANO, VISTO EN UN ESCENARIO, ES


COMO RELATAR LA VIDA MISMA, EN UN TEXTO.

ORIGEN DEL TEATRO

l teatro nace en Grecia, pero antes de su nacimiento ya existían manifestaciones teatrales en el


mundo: los bailes, las danzas, que constituyen las más remotas formas del arte escénico. Estas
primeras manifestaciones dramáticas son las prehistóricas danzas mímicas que ejecutaban los
magos de las tribus, acompañándose de música y de masas corales en sus conjuros con objeto de
ahuyentar los espíritus malignos, y otras pantomimas y mascaradas, así como las danzas córicas en
honor de Dionisos, renovación del culto de Príapo, que se celebraba al pie de la Acrópolis de
Atenas.
La estatua de Baco era llevada procesionalmente, entre himnos al macho cabrío que era
sacrificado al retorno de la procesión, en un altar colocado bajo una encina. Los himnos,
entonados por sátiros y náyades que no cesaban de danzar durante el trayecto, eran de un poeta
del Peloponeso, llamado Arión, que puede ser considerado el precursor de los autores dramáticos.

Estos festivales fueron luego modificándose, y se introdujeron, en lugar del ya anacrónico mito,
héroes y reyes, primera piedra del arte escénico, colocada casi simultáneamente por Tespis, por
Epigenes y por Arión.

OTRA COSA

Qué es el teatro, su historia y origen

historia del teatro

El teatro es un tipo de espectáculo que ha acompañado a la civilización humana desde tiempos


muy antiguos. Un tipo de representación artística que siempre ha sido del gusto de todos en sus
diferentes variedades. En este artículo de CurioSfera.com queremos explicarte qué es el teatro: su
definición, significado y concepto. Del mismo modo, te mostramos como ha sido su historia y
evolución, todos los tipos de teatro que existen y también cómo es el edificio en el que se realiza.

Qué es el teatro

Si te preguntas ¿qué es teatro? debes saber que el significado de teatro es un término procedente
de la palabra griega theatrón (θέατρον). Una traducción válida en español sería “lugar o sitio para
la contemplación”.

La definición de teatro es que es uno de los componentes de las Artes escénicas y vinculado con la
actuación. En su desarrollo intervienen actores que reproducen una historia ante el público
mediante la palabra, el canto, gestualidad, música, escenografía y sonidos.

definición de teatro

Del mismo modo, también se utiliza la denominación o concepto de teatro para referirse al género
literario que abarca a las obras y textos escritos para ser representados ante unos espectadores en
vivo o mediante una grabación o retransmisión televisiva.
También se conoce como teatro al edificio o instalación donde se representan tradicionalmente
las obras de teatro. También se incluyen en este ámbito espectáculos como el ballet, la ópera,
monólogos o la pantomima.

Origen del teatro

Casi todos los estudios coinciden en que los primeros indicios del origen del teatro, o algo
parecido, se encuentran en las primitivas ceremonias y rituales relacionados con la caza. Del
mismo modo, tras la recolecta de la cosecha, se realizaban ritos de agradecimiento con música,
cantos y danza.

Gran parte de estos rituales, se convirtieron en verdaderos espectáculos en los que se expresaban
espiritualidad y se rendía devoción y culto a los dioses. Este tipo de manifestaciones litúrgicas o
sagradas son un elemento fundamental para el nacimiento del teatro en todas la civilizaciones.

Hace miles de años, en Mesopotamia y en África, existían poblados y tribus que tenían un gran
sentido de la mímica, los sonidos y el ritmo. Contaban con gran facilidad para imitar a los animales
y contar grandes historias sobre sus cacerías.

origenes del teatro

En las noches, alrededor de un fuego, se explicaban increíbles historias que poco a poco fueron
acompañadas de cierta música con tambores, canciones y disfraces. También sucedía algo similar
con celebraciones y ritos religiosos, que se convirtieron en verdaderos espectáculos.

Pero los historiadores se preguntan si realmente se puede considerar a estas prácticas como
teatro, ya que por lo general tenían una gran carga religiosa. Otros, en cambio, consideran que
como mínimo, son lo más parecido a los orígenes del teatro de los que se tiene constancia.

dónde se inventó el teatro

Por tanto, si bien no se puede considerar estas prácticas como teatro, si se puede considerar que
son los primeros indicios del origen del teatro.
Una vez dicho esto, a las preguntas ¿dónde nació el teatro? y ¿quién inventó el teatro? La
respuesta es que el teatro nació en la antigua Grecia entre los siglos V y VI a.C. Concretamente en
su capital, Atenas.

Los ciudadanos atenienses realizaban ceremonias en honor al dios de la vegetación y del vino
Dionisio. Estos ritos evolucionaron poco a poco hasta convertirse en teatro. Siendo así en uno de
los mayores avances culturales de la civilización griega. Tanto que en cada nueva ciudad o colonia,
era imperativo la construcción de un edificio para el teatro.

Historia del teatro y su evolución

A lo largo de la historia del teatro hasta la actualidad, siempre ha estado en constante evolución.
Por lo tanto, es evidente que han existido diversos tipos de teatro. Todos ellos con características y
variedades distintivas que los diferencian entre ellos. Vamos a realizar un recorrido por el tiempo
para ver cómo ha sido la historia del teatro ver a continuación los principales:

Teatro Antiguo Egipto

En tiempos del antiguo Egipto, hacia el año 2000 a.C., se tiene constancia de la realización de una
especie de representaciones dramáticas sobre la muerte y posterior resurrección del dios Osiris.

En este tipo de “espectáculos” religiosos se empleaban actores provistos con máscaras para que la
dramatización fuera más creíble. Pero como hemos comentado anteriormente, los expertos
coinciden que esto no se puede considerar aún teatro.

teatro en el antiguo egipto

Teatro Griego

Se considera que en la Antigua Grecia nació el teatro. En lo que se puede considerar los inicios del
teatro, se realizaban ritos en las fiestas dedicadas al dios Dionisio. Se puede afirmar pues que el
nacimiento del teatro fue Atenas. En dichas actuaciones, se escenificaba diferentes capítulos de la
vida de los dioses griegos con cánticos (Ditirambos) y danzas.
Más adelante surgieron las primeras representaciones dramáticas, que se realizaban en las plazas
públicas de los pueblos. Dichas obras tenían un único actor acompañado por un coro.

Acabando el siglo VI a.C, el intérprete y poeta Tespis, consiguió tener una popularidad enorme en
toda Grecia. Tanto fue así, que hoy en día en su honor, se emplea el término “carro de Tespis”
para denominar a todo el ámbito del teatro.

dónde nació el teatro

Máscaras de teatro griego. Alegre para la comedia y triste para la tragedia

El teatro griego es el resultado del perfeccionamiento de las ceremonias y artes griegas. Como por
ejemplo, la festividad de la vendimia, en la que los muchachos cantaban y bailaban mientras
peregrinaban al templo del Dios Dionisios para dejar en ofrenda ejemplares de las mejores vides.
Con el tiempo, se decidió que el chico más adecuado fuese nombrado como maestro del coro o
Corifeo. Del mismo modo, surgieron el rapsoda y el bardo, que se dedicaban a recitar.

Durante el transcurso del siglo V a. C., en plena Grecia clásica, aparecieron dos modelos de teatro:
la comedia y la tragedia. Sófocles y Esquilo, dos dramaturgos de la época, incluyeron como
novedad un segundo y tercer actor. Esto supuso un aumento en la complejidad de la ejecución de
las obras teatrales, por lo que fue necesario disponer de mayores escenarios.

Por este motivo, se comenzaron a construir teatros cada vez más grandes. Actualmente todavía se
conserva en bastante buen estado el teatro de Epidauro, del siglo V a. C. Este recinto tenía una
capacidad de 12.000 personas, todo un logro en aquella época. A continuación puedes ver una
foto del mismo.

teatro giego de epidauro

También se conserva las ruinas del teatro de Dioniso, en la capital griega (Atenas), del siglo IV A.C.
De esta edificación, llama la atención que para su construcción se aprovechó la inclinación de la
ladera de una montaña. Las gradas para los espectadores tenía una forma semicircular rodeando a
los músicos y el escenario. Este teatro dispone de una acústica que muy pocos teatro modernos
pueden igualar.

Justo detrás de los músicos existía un edificio llamo skené, que era el espacio donde los actores se
cambiaban de vestuario. Delante se erigía un muro con columnas (el proscenio), dónde se
colocaban pinturas que evocaban la acción representadas a modo de decorados.
El teatro griego contaba con 4 formatos principales:

El drama satírico

La tragedia

EL mimo

La comedia

Los dos primeros formatos se consideraban adecuadas para un público adulto. Mientras que las
dos últimas eran consideradas algo más “primitivas” y adecuadas para el público infantil.

Los actores del teatro, que eran todos hombres, vestían con un vestuario al uso pero utilizaban
unas máscaras para poder caracterizarse del personaje en cuestión que tuviera que interpretar.

La Tragedia Griega

Dentro del teatro griego, la tragedia es una obra dramática capaz de causar pena y conmover al
público y tiene un final fatídico. En este tipo de género teatral despuntaron dramaturgos griegos
como Sófocles, Eurípides o Esquilo.

la tragedia griega

Las principales características de la tragedia griega son:

Las representaciones son pomposas, se estructuran en varias escenas o episodios y están escritas
en verso. Rara vez se puede ver a más de 3 actores interpretando a la vez sombre el escenario y se
acompañan por los cantos de un coro.

Las tragedias son historias que mayoritariamente se apoyan en antiguos relatos o mitos. Pero el
objetivo final no era simplemente volver a contar una historia de una manera distinta. Los autores
se tomaban muchas libertades para reinterpretar el original y enfatizaban en el carácter de los
protagonistas, las consecuencias de las acciones individuales o de la sociedad en general.
Normalmente eran representaciones sin mucha acción. Los acontecimientos transcurrían
mediante los cánticos del coro y los diálogos de los actores.

La Comedia Griega

La comedia Griega se popularizó a mediados del siglo V a.C. Las comedias más añejas que se tiene
constancia y que han llegado hasta nuestros días son las del autor Aristófanes. Cuentan con una
cuidada estructura inspirada en los ritos sobre la fertilidad ancestrales.

la comedia griega

Su jocosidad o humor se basaba en la ejecución de sátiras sobre personajes públicos o populares.


También se realizaban parodias y chistes que incluso podían llegar a ofender a los dioses. Ya en el
siglo IV a.C. se puede considerar que el formato de la comedia superaba con creces en número de
seguidores a la tragedia.

Más adelante, surgió una variante de la comedia que recibía el nombre de “comedia nueva“. El
autor de las comedias nuevas que más destacó fue Menandro. En sus obras el guion trata sobre
embrollos o enredos sobre el dinero, la familia o el amor. Existían una serie de personajes
habituales, que incluso existen en la actualidad, como lo es la suegra metomentodo.

Teatro Romano

Se puede afirmar que el teatro romano emergió fuertemente en siglo III a.C. Pese a que en
principio las obras teatrales tenían un fuerte vínculo con los festivales religiosos, no pasó mucho
tiempo para que esta espiritualidad teatral se desvaneciera. Esto fue así debido al incremento de
festejos y festivales, por lo que el teatro se fue convirtiendo cada vez más en un entretenimiento
del pueblo.

Una vez dicho esto, es lógico que la forma teatral más demandada y que más gustaba al público
popular era la comedia. Los grandes escritores Plauto y Terencio (siglo II a.C.), marcaron una gran
época dentro de las obras teatrales romanas. Por norma general, eran adaptaciones de obras de la
nueva comedia griega.

En la trama de estas obras, abundaba la intriga y en muchas ocasiones se intentaba también


aportar cierto valor educativo. Estas representaciones gustaban mucho al público, ya que eran
muy dinámicas y contaban con muchos fragmentos que eran cantados. Salvando las distancias,
algo parecido al teatro musical actual.
A este primer periodo se le denomina teatro romano clásico, ya que incluye el teatro realizado en
Roma y Grecia, es decir, las civilizaciones clásicas. Del mismo modo, las obras de teatro se
escribían en las lenguas clásicas, latín y griego.

obra de teatro romano

Pero con la finalización del siglo II d.C., llegó la decadencia del teatro literario romano. Otros
entretenimientos y espectáculos más populares pasaron por delante de él. Además la emergente
Iglesia cristiana fue muy crítica con el teatro romano. Entre otros motivos, las actrices y actores
gozaban de una mala fama de inmorales, ya que hacían sátiras a los creyentes cristianos.

En el 476 d.C. coincidiendo con la definitiva caída del Imperio romano, el teatro clásico
prácticamente desapareció en Occidente. Tuvieron que pasar 450 años para que el teatro surgiera
de nuevo de la mano de algunos artistas populares, denominados trovadores y juglares.

¿Cómo eran los teatros romanos?

Hablando de los edificios, los teatros romanos tenían muchas características similares a la de los
teatros griegos, aunque bien es cierto que contaban con algunas diferencias. Inicialmente fueros
construidos con madera y posteriormente en piedra.

Pompeyo construyó en Roma, en el 55 a.C., un teatro de piedra y lujoso mármol que llevaba su
nombre. Sus dimensiones eran descomunales, ya que no solo era un teatro, era todo un complejo
destinado a estas representaciones.

teatro romano de pompeyo

A diferencia de sus modelos helénicos, Se edificaban en suelo plano. Contaban con diversas
plantas construidas en mampostería. Buscando mejorar aún más la acústica del recinto teatral, los
arquitectos disminuyeron la orquesta a un semicírculo, y las representaciones se hacían ahora
sobre una superficie algo elevada (pulpitum). Este fue el origen de los actuales escenarios.

Las fachadas de los teatros, denominadas frons scaenae, contaban con varios pisos y hacía las
veces de escenario. Las gradas donde se ubicaba a los espectadores (cávea) constaba de tres
partes bien diferenciadas: la Ima, la media y la suma.
La primera zona era la inferior y en ella se ubicaban a la clase dirigente y a los senadores. En la
zona media se sentaban el pueblo llano. La suma o parte superior se destinaba para los esclavos y
para las mujeres. Al igual que en algunos circos romanos, el graderío se podía cubrir con un velum
a modo de gigantesco toldo para proteger del sol.

Teatro Oriental

La representaciones teatrales en el continente asiático se remontan a más de 2000 años.


Concretamente en China se realizaban escenificaciones de poemas ante un grupo de refinados
espectadores.

En la India, en el siglo IV a.C., existía un tipo de poema épico-mitológico, el Mahabhárata. A través


de algunos de ellos se puede saber la existencia de una especie o tipo de interpretaciones
teatrales de carácter religioso muy remotas.

En Japón, la evolución del teatro, llamado en español “Nō” derivó en el denominado teatro kabuki.
Este último se fundamenta en la priorización de los sentidos sobre el intelecto. Por este motivo fue
el más apreciado y popular entre el pueblo. Fue declarado patrimonio de la humanidad por la
UNESCO (ver noticia).

En el teatro oriental, el de China, India, Japón y en general el del Sureste asiático, cuenta con unas
características comunes que claramente lo diferencian del teatro occidental posrenacentista.

El teatro en Asia tiene un fuerte componente teatral presentacional, ya que el objetivo es fabricar
una ilusión a través de la réplica o repetición de una realidad social. Pese a que, naturalmente, en
función de cada país el arte teatral es diferente, suelen ser obras que unifican la mayoría de las
artes. Como por ejemplo, danza, literatura, interpretación, espectáculo y música.

Por tanto, y en líneas generales, el teatro oriental antiguo se caracterizaba por la ritualidad y el
simbolismo. Precisamente estos dos conceptos, hicieron que la danza y la música gozara de
especial protagonismo. Vamos a verlos con más detalle:

Teatro Chino
Se puede afirmar que el teatro chino tradicional tal y como lo conoceos hoy, comenzó su
singladura durante el siglo XIV. En sus inicios contaba con protocolos muy escrupulosas y era
excesivamente literario.

Pero desde inicios del siglo XIX, ha ido evolucionando constantemente. Ha sido muy influenciado
por la ópera de Pekín, que es como se denomina al arte escénico que integra la recitación, el
canto, las artes marciales y la actuación teatral.

teatro chino

Por este motivo, en todas las representaciones que se realizaban a lo largo de todo el territorio
chino, se otorgaba más importancia al canto, la danza, las acrobacias y la interpretación que al
texto propiamente dicho.

En este tipo de teatro se hace especial énfasis a la destreza de los actores. Normalmente, la trama
suele ser bastante oscura. Los escenarios son minimalistas, es decir, con los elementos justos e
imprescindibles. El maquillaje de los actores es muy elaborado y caricaturesco, y éstos se mueven
con acciones muy estilizadas.

Teatro Indio

El teatro indio emergió durante los siglos IV y V a.C. Las obras, que eran épicas y complejas, se
estructuraban sobre la base de nueve conceptos o rasas. El nudo principal de las obras trataba
sobre cuestiones espirituales.

Los escenarios contaban con una decoración muy cuidadosa, pero en cambio no se aplicaban
técnicas representacionales. Existían estrictos códigos para las canciones, la recitación y todos los
movimientos de los actores. El teatro Kathakali (teatro bailado) y el teatro de marionetas han sido
siempre muy valorados a lo largo de la historia en este país.

teatro indio Kathakali

Precisamente este último tipo de teatro, el de marionetas, dominaban muchas partes del Sureste
asiático. En especial el de marionetas de sombras, denominado wayang kulit. Tanto es así que en
algunos lugares, como en java, los actores estudian minuciosamente los movimientos de dichas
marionetas para imitarlos en las representaciones.
Teatro Japonés

Es posible que el arte teatral más complejo de Asia sea el teatro japonés. Como hemos comentado
con anterioridad, los dos tipos o géneros más populares son el Nō y el teatro kabuki.

El primero se puede considerar el teatro clásico japonés por antonomasia. Mediante el relato de
una historia o hecho, intenta rememorar un ánimo. En este género escénico se cuida
escrupulosamente la síntesis entre música, danza y teatro. Este arte escénico nipón está
estrechamente vinculado al budismo Zen. El apogeo del nō se produjo principalmente durante el
siglo XV.

teatro japones

En cambio el teatro kabuki tiene su origen en el siglo XVI y ha gozado de mucha más popular que
su predecesor. También son dignos de destacar otros géneros teatrales propios del país del sol
naciente:

El bugaku, que es un delicado teatro bailado

El bunraku, un teatro de muñecos o marionetas casi de tamaño real.

Como resumen, cabe destacar que estas formas de expresión teatral niponas son tremendamente
bellas, elegantes y refinadas. Como ejemplo basta con ver los decorados y el vestuario muy bien
elaborados, incluyendo los populares abanicos japoneses. Quizá quieras conocer la historia del
abanico.

Estos dos tipos de teatro que hemos descrito, se basan sobre todo en la tradición, la danza y los
rituales, valores que no se tienen en tanta consideración en el teatro occidental.

Teatro Prehispánico

En las civilizaciones prehispánicas americanas el teatro llegó a tener una tremenda importancia.
Desafortunadamente se tienen muy pocas evidencias de cómo eran las manifestaciones artísticas
escénicas de las civilizaciones precolombinas. Pero sí se conoce que tenían un elevado carácter
religioso.
Cabe destacar en este aspecto el pueblo maya, dónde las escenificaciones artísticas y religiosas
eran muy habituales. Afortunadamente, se conserva un escrito maya descubierto en 1850 de
carácter dramático: el Rabinal-Achi.

teatro maya rabinal-achi

Esta obra describe el feroz combate entre dos legendarios guerreros que luchas hasta la muerte
en una batalla ceremonial. En su representación entran en juego elementos como la música, el
vestuario, la expresión corporal y la danza.

Del mismo modo, el teatro Maya estaba también estrechamente relacionado con los ciclos
agrícolas y a la grandiosidad de sus hitos históricos.

En cambio, el teatro Azteca y el teatro Inca, eran un reflejo de cómo estaban organizadas estas
civilizaciones. Eran pueblos regidos por la teocracia (un gobierno que obedecía las órdenes de los
dioses). Por lo que sus actividades teatrales tenían un claro aspecto religioso y bélico.

Teatro Poscolonial

A partir de la llegada de los españoles al continente americano, el teatro que se practicaba se


basaba y seguían casi en su totalidad el modelo que se realizaba en España.

Hay que esperar hasta bien entrado el siglo XX para que el teatro latinoamericano consiga su
propia personalidad. Es en este periodo cuando comienza a tratar temas nativos y prioriza los
intereses del público al que va dirigido.

Se priorizan obras teatrales que hagan referencia a realidades sociales y a los orígenes históricos.
Un movimiento que fue denominado como “Nuestra América”.

Países como Chile, Uruguay o Argentina, desarrollaron experimentos teatrales independientes


tomando como base el Teatro del Pueblo. El teatro Mexicano también destacó en este aspecto.
Otro movimiento destacable fue el llamado teatro campesino, impulsado en 1965 por Luis Valdés
tras una importante huelga laboral.

Compañías teatrales como La Candelaria o Rajatabla impulsaron un tipo de teatro que sirviera
como elemento de denuncia de la realidad social. Pero sin olvidar, naturalmente, el componente
estético y conceptual del espectáculo.

Teatro Medieval

Tras siglos desde el declive del teatro romano, el resurgimiento del teatro en Occidente debe dar
las gracias al clero, que lo utilizaba como una herramienta para la enseñanza de la doctrina
cristiana.

De este modo, en el siglo XI, era habitual ver en las iglesias representaciones que trataban los
mensajes bíblicos y moralistas con el objetivo de adoctrinar de una manera muy sencilla y
entendible para el pueblo llano.

Debes saber que la gran parte de los fieles eran personas analfabetas y sin cultura; artesanos y
campesinos sin ninguna cultura ni formación. Además las misas se realizaban en latín. Pero poco a
poco a partir de los siglos XIII y XIV se fue reemplazando por la lengua autóctona.

En estas representaciones recibían el nombre de tropos. Se podía explicar, por ejemplo, la muerte
y resurrección de Jesús, las buenaventuras o cualquier otro pasaje de la Bíbilia.

teatro medieval

Tenían lugar en el interior de las iglesias, en la parte central o en la parte del coro: Cada vez eran
más elaboradas y espectaculares y de mayor duración. Por lo que acabaron dando lugar a cierto
tipo de teatro religioso cristiano y, por ende, en el teatro medieval.

Con el paso de los años, se incorporaron algunos elementos un tanto cómicos o profanos. Tanto
fue así, que llegó un punto que por moralidad, ya no se podían representar en el interior de los
edificios eclesiásticos. Pasaron entonces a realizarse en sitios públicos como plazas, pórticos y
calles.
Teatro Medieval profano

Llegado el siglo XIV, el teatro se independizó del estilo litúrgico y eclesiástico para realizarse en
otros lugares fuera de las iglesias. Evolucionó en una especie de ciclos que contaban con muchos
dramas. Algunos historiadores expertos creen que eran parecidos a los dramas litúrgicos, estos
ciclos nacieron de una forma totalmente independiente.

Estas obras se producían por toda una corporación cada 4 o 5 años. Estas representaciones podían
tener una duración de entre 2 días hasta casi un mes. La producción de todas y cada una de estas
obras era labor de un gremio laboral que procuraba que la obra tuviese relación con su trabajo. De
este modo, los miembros del gremio del comercio, podían escenificar el pasaje de los mercaderes,
por ejemplo.

Durante el siglo XV, aparecieron un tipo de obras del tipo farsas, folclóricas o dramas pastorales
que entretenían al pueblo llano. Estas obras se denominaban autos. Pese a que éstos no tuvieran
personajes ni una trama cristiana, los autos se diferenciaban de los ciclos religiosos principalmente
en que no hacían referencia a pasajes bíblicos. Los autos se representaban por “actores”
profesionales como los juglares o trovadores.

Teatro Renacentista

La aparición del Renacimiento en Italia trajo unas influencias determinantes en la evolución del
teatro. Apareció un tipo de manifestación dramática con un alto componente cultural, basada en
los patrones clásicos y para las más altas clases aristocráticas.

El teatro renacentista se generalizó durante todo el siglo XVI. Comportó la edificación de recintos
con salas cubiertas para la realización de las obras de teatro y bien dotadas con las mejores
comodidades de la época.

Teatro Italiano

No es hasta el siglo XV que se tiene constancia del teatro renacentista en Italia. Pese a que las
primeras obras estaban escritas en latín, pronto se fueron escribiendo en el idioma materno y,
por lo general, trataban sobre temas clásicos.

Este género teatral no es una evolución resultante de los modelos religiosos, tampoco de los tipos
dramáticos populares. Era un tipo de teatro con un proceso meramente académico. Eran obras
que se escribían principalmente para ser leídas, ya sea con fines didácticos o por varios lectores
para los espectadores.

commedia dellarte

También se desarrolló en Italia durante este periodo un tipo de teatro popular, la commedia
dell’arte (comedia del arte). Su característica principal es que priorizaba la total libertad del actor
para improvisar, lo que supuso un enorme progreso en la técnica interpretativa.

El teatro Olímpico de Vicenza es considerado uno de los primeros teatros modernos de Italia. Fue
diseñado por el prestigioso arquitecto italiano Andrea Palladio y su construcción se finalizó en
1585. En cuanto a su estructura, se podría decir que era una evolución de los antiguos teatros
romanos. Detrás del escenario, se podía tener una vista de las calles de la población.

Pese a ello, el teatro Farnese de Parma, es considerado el referente principal del modelo clásico
del teatro italiano. Levantado en 1618, su estructura contaba con un escenario, encuadrado con
arco proscenio y separado de los asientos de los espectadores por un telón. También disponía de
una platea con forma de herradura que estaba rodeada por diversos pisos de galerías.

Teatro Isabelino

A finales del siglo XVI y en el periodo de reinado de Isabel I, fue cuando el teatro renacentista
inglés evolucionó. En aquellos años, lo habitual era crear obras que eran tragedias de marcado
carácter neoclásico y que se interpretaban mayoritariamente en las universidades. No obstante,
gran parte de los poetas de la época isabelina ignoraban el neoclasicismo o lo empleaban solo en
casos puntuales a conveniencia.

Al contrario que el teatro que se realizaba en el resto del continente europeo, escrito con la
intención de representarse ante las clases altas, el teatro renacentista inglés se cimentaba en
fórmulas populares, en el antiguo teatro medieval, y en los gustos y reivindicaciones del gran
público en general.

Influenciados por la constante evolución de la lengua, y a los cambios económicos y político del
momento, dramaturgos como Christopher Marlowe y Thomas Kyd apadrinaron el nacimiento de
un teatro épico, dinámico y sin barreras. Este fenómeno fue culminado con la compleja y variada
obra del escritor más grande del teatro inglés, William Shakespeare.
Los teatros construidos en Inglaterra durante el periodo de Isabel I eran muy distintos al resto de
Europa. Teniendo en cuenta que las obras de teatro se representaban principalmente en los
meses con mejor climatología, los teatros eran al aire libre y de forma circular.

teatro ingles the globe

Por tanto, si estar provistos de techo y construidos básicamente con madera, su rasgo diferencial
más importante era la ubicación del escenario. Era de forma rectangular y en una posición
elevada. En torno a él, los espectadores lo rodeaban por tres de los cuatro lados y los puestos
elevados estaban reservados para las clases altas o la nobleza. Entre todos los teatros de esta
época destaca The Globe, teatro londinense en el que Shakespeare representaba sus obras.

Teatro Español

En España, el denominado Siglo de Oro del teatro fue el siglo XVII. Sin duda, uno de los periodos
más prolíferos del teatro universal. Aunque bien es cierto que esta denominación creó cierta
controversia en algunos países europeos. Grandes autores del denominado Siglo de Oro español
son Miguel de Cervantes, Lope de Vega, Calderón de la Barca y Tirso de Molina.

Abundan las nuevas obras, los autores y las compañías teatrales. El teatro ya no es un espectáculo
reservado para las altas esferas, se democratiza y deja de estar sujeto a la ley de la oferta y la
demanda. El desarrollo de este nuevo estilo y forma de entender el teatro provocó un gran debate
en la época.

En el mismo periodo del teatro Isabelino en Inglaterra, siglos XVI y XVII, en España se construían
edificaciones fijas para la representación del teatro al aire libre que recibían el nombre de Corrales
de Comedias. Estas salas teatrales eran gestionadas por las denominadas “hermandades”. Sin
duda las precursoras de lo que actualmente conocemos como los empresarios del teatro. En
España se han conservado hasta nuestros días algunas de estas instalaciones (al contrario que en
Inglaterra).

Teatro Francés

En Francia, una especie de comedia parecida a la farsa era muy popular a finales del siglo XVI. Tan
aclamado era, que opuso gran resistencia al establecimiento definitivo del drama renacentista.
Pero finalmente, la elevada influencia italiana consiguió popularizar en Francia unas
representaciones que recibieron el nombre de ballets.

Se considera a Jean-Baptiste Poquelin (más conocido como Molière) como el más grande
dramaturgo francés de la época. Sus comedias y farsas están indudablemente influenciadas por la
commedia dell’arte.

teatro frances

No obstante, aportan cuestiones sobre los errores y las limitaciones del género humano. Del
mismo modo, bastantes de sus escritos están impregnados de una cierta angustia.

Molière también fue un actor cómico de reconocido talento. La misión de su trabajo era cambiar
el estilo caricaturesco y pomposo que dominaba en aquel tiempo la escena francesa.

En aquellos años, en París, la capital del país galo, no habían edificios dedicados exclusivamente a
las representación de obras teatrales. Se empleaban para tal fin unas instalaciones que
originariamente fueron construidas para un juego de pelota.

Teatro Barroco y Neoclásico

Durante los siglos XVII (teatro barroco) y sobre todo del XVIII (teatro neoclásico), se priorizaba un
tipo de teatro a medida para los actores. Es decir, los dramaturgos escribían obras ajustándose al
estilo o las preferencias de los intérpretes. Tanto era así, que incluso se rescribieron grandes
clásicos para satisfacer los gustos o caprichos de los más famosos actores.

Cabe destacar que, en especial las obras de Shakespeare, se alteraron de tal modo, que casi no se
podía reconocer. Y no tan solo para satisfacer a los intérpretes, también para cumplir los ideales y
estándares neoclásicos.

Por poner un par de ejemplo, a las obras de Romeo y Julieta o El rey Lear, se les modificó el final
trágico original por un final feliz. Por tanto se cambiaba totalmente la intención inicial del autor.
teatro barroco y neoclasico

Durante los siglos XVII y XVIII se produjo un enorme enriquecimiento respecto a la escenografía
empleada en los teatros. Debido a la recuperación parcial del drama clásico francés, cuya norma
era “acción, tiempo y lugar”, la simultaneidad de los decorados se hizo totalmente innecesaria.
Esto propició el empleo de un solo decorado en cada acto, y en poco tiempo se optó por
cambiarlos entre acto y acto.

Años más tarde, la paulatina notoriedad de la ópera, que precisaba disponer de varios montajes,
colaboró al desarrollo y evolución de mecanismos que otorgaran una apariencia de realismo a
acciones como: la simulación de vuelo o la desaparición de escena de los actores.

En este aspecto, por ejemplo, unos mecanismos denominados “glorias”, podían hacer que desde
el techo del teatro pudieran descender suavemente al escenario un pequeño grupo de actores
simulando ser ángeles.

Un claro exponente de esto es el mundialmente famoso teatro de la Scala de Milán. Que fue
finalizado en 1778 y que representa todo un ejemplo de las enormes dimensiones que eran
necesarias para poder ubicar a todo el aparato escénico, la tramoya y a los espectadores.

Teatro moderno

Durante buena parte del siglo XIX los conceptos escenográficos y arquitectónicos del teatro no
sufrieron prácticamente cambio alguno. Pero arribando a finales del siglo las reclamaciones de
poder tener libertad creativa promovidas por los grandes autores románticos derivaron a realizar
un replanteamiento del este arte dramático en todos aspectos.

Un buen ejemplo de ello fue la construcción en 1876 del colosal teatro Festspielhaus de Bayreuth,
en Baviera (Alemania). Se erigió bajo las recomendaciones del famoso compositor y dramaturgo
Richard Wagner. Este teatro supuso la primera escisión arquitectónica y conceptual con modelos
de teatros italianos.

Destacar su platea escalonada y disposición en abanico. Como en los teatros actuales, la orquesta
era ubicada en un foso justo antes del escenario y durante las representaciones toda la zona de
asientos del público (auditorio) se oscurecía para resaltar lo que estaba sucediendo sobre el
escenario.
Tras la gran acogida de este tipo arquitectónico de teatro, en el que la representación y la
escenografía tenían el máximo protagonismo posible, en los últimos 20 años del siglo XIX y los
primeros del siglo XX, muchos países lo acogieron y potenciaron. Y todo ello gracias a grandes
personajes, autores y directores como por ejemplo:

El francés André Antoine (líder y precursor del naturalismo)

El germano Max Reinhardt (autor de espléndidos montajes)

El ruso Konstantín Stanislavski, actor y director que ejerció una enorme influencia sobre el teatro
moderno gracias a sus revolucionarios métodos de interpretación.

El británico Edward Gordon Craig, escenógrafo que en la defendió la creación de escenarios más
dúctiles y sencillos a favor de un teatro más estilizado y poético.

Por todo ello, la irrupción del teatro moderno, se determinó por su total y absoluta libertad en los
planteamientos a través de los diálogos. Se produjo una curiosa transformación del arte teatral
debido también, en parte, a las nuevos avances tecnológicos.

Efectivamente, dentro del ámbito escenográfico y arquitectónico se produjeron conceptos nunca


antes vistos en el teatro. El desarrollo y novedades en el ámbito de la iluminación y nuevos
sistemas mecánicos propiciaron que los escenarios tuvieran una versatilidad, plasticidad y
transformabilidad inaudita hasta la fecha.

Teatro Romántico

A finales del siglo XVIII algunas ideas y conceptos filosóficos fueron adquiriendo bastante
notoriedad y finalmente terminaron por cuajar y fusionarse a comienzos del siglo XIX, dando
nacimiento a un movimiento denominado romanticismo.

El romanticismo surgió en Alemania, algo curioso ya que el país germano contaba con muy poca
tradición teatral hasta antes del siglo XVIII. Rápidamente se extendió a otro países y ya en 1820, el
teatro Romántico imperaba en la mayor parte de las naciones europeos.

En cuanto al teatro romántico español, destacar que se inspiró en muchos de los grandes temas
empleados en el medievo y muestra a un personaje subyugado por pasiones de todo tipo, buenas
o malas. Se utilizan estructuras y formas del teatro empleado durante el Siglo de Oro, pero eso sí,
aprovechándose de los efectos de iluminación y la nueva maquinaria escénica.
El gran referente es José Zorrilla, popularmente conocido por ser el autor de la obra Don Juan
Tenorio. En esta trama, la figura del burlador es acogida por Zorrilla con gran libertad y en su
apasionado romanticismo procura que el seductor sea redimido por el amor.

Esta obra de teatro posee tanto carisma, encanto y fuerza que desde su estreno hasta nuestros
días, nunca ha dejado de interpretarse. Incluso actualmente se realizan versiones en teatro
musical con una escenografía espectacular.

Teatro Burgués

Como hemos podido ver, durante el primer cuarto del siglo XIX, tanto el romanticismo como el
melodrama solían agregar un cierto aire exótico, abarcando hechos extraordinarios o históricos a
la vez que simplificaban o idealizaban la elaboración del personaje.

No obstante, en Inglaterra alrededor del año 1930, los elementos estilísticos y las características
ambas géneros teatrales antes mencionados iniciaron a plasmar la vida diaria y las cuestiones
cuotidianas del momento:el teatro burgués.

En poco tiempo se pasó de la emoción y el espectáculo a la representación de las situaciones


diarias del hogar. Lógicamente, este tipo de cambios precisaban tener que adoptar nuevas
técnicas para realizar la puesta en escena. Precisamente éstas serían las que facilitarían la
evolución hacia la escenografía moderna.

Como las obras teatrales representaban la vida del hogar, se modificó el escenario con un
concepto de caja. Un entorno formado por tres paredes, y el espacio donde faltaba la cuarta era el
que estaba enfrente del público, para que este tuviera constantemente una sensación de total
inmersión en la escena. Además, el atrezzo, mobiliario tridimensional y los accesorios en general,
sustituían ahora a los decorados utilizados con anterioridad.

De este modo, los decorados ya no eran algo plano en el fondo de la escena. Los actores
interactuaban con él y actuaban como si no fuesen observados por los espectadores. De hecho se
les indicaba que debían ignorar su presencia.
En el teatro burgués los actores ya no adoptaban una pose irreal y recitaban versos. En su lugar se
construían escenas y actitudes realistas, perfectamente identificables por la audiencia.

Del mismo modo, los autores de las obras utilizaban cada vez más giros y expresiones empleadas
en la cotidianidad de las personas. También se fueron empleando decorados y vestuarios más
realistas y cercanos a la vida del público.

Asimismo, se produjo un cambio importante en la forma de trabajar de los actores. Si bien antes
eran parte de una compañía teatral e interpretaban decenas de obras durante una temporada,
ahora eran contratados para representar una única obra durante el tiempo que estuviera en
cartel.

Como dato curioso, en los principales teatros de París, a finales del siglo XIX, se instaló un invento
revolucionario para la época: el teatrófono. Un precursor y prototipo del teléfono. Este
mecanismo, permitía a las personas poder escuchar el teatro o la ópera desde sus casas. Puedes
ampliar la información en nuestro artículo sobre la historia del teléfono.

Teatro de Melodrama

Las circunstancias que propiciaron el nacimiento del romanticismo también fueron las que, junto a
otros elementos populares, hicieron posible la creación del teatro de Melodrama. Sin duda alguna,
el género dramático por excelencia y más enraizado en el siglo XIX.

teatro de melodrama

La figura del melodrama, como elemento literario, con mucha frecuencia ha sido ridiculizado o
incluso menospreciado. Muchos críticos teatrales lo ignoran debido a que aporta elementos poco
ortodoxos para ellos, como por ejemplo: damiselas en peligro atadas a unas vías de tren o
indecorosos villanos que se acicalan constantemente el bigote.

Naturalismo y Crítica Social

El interés por los verdaderos problemas de la sociedad, las incitaciones psicológicas de los
protagonistas, propició que a mediados del siglo XIX apareciese el naturismo en el teatro.

Tomando como referencia a los conocimientos científicos, los naturalistas pensaban que el
principal objetivo de este arte, al igual que el de la ciencia, tenía que ser el de ayudarnos a tener
una vida mejor. Los actores y dramaturgos retrataban el mundo real tras observarlo, al igual que
hacen los científicos.

teatro naturalismo y critica social

La aparición en el teatro de la figura del director teatral moderno, tiene en gran medida como
responsable el naturalismo. Si bien es cierto que durante mucho tiempo a lo largo de la historia la
organización y producción de una obra de teatro era la responsabilidad de una persona, la
existencia de un director que aplica su propio estilo, adecúa el texto e interviene en el diseño y
elección del vestuario y decorados, aparece por primera vez en el naturalismo.

Realismo Psicológico

De la misma manera que el teatro empezó a evolucionar hacia realismo, en el afán de mostrar a
realidad del mundo, se comenzó a introducir en los aspectos psicológicos de los personajes. Los
primeros directores que comenzaron este tipo de género lo hicieron durante el siglo XIX.

Los autores del teatro de realismo psicológico de finales del XIX comenzaron a crean personajes
complejos que vivían circunstancias, situaciones y experiencias reales.

Las obras de este tipo de teatro plasman los problemas sociales como la inutilidad del matrimonio
como institución social y religiosa, los derechos de la mujer o los problemas derivados de las
enfermedades hereditarias.

El dramaturgo sueco August Strindberg y el autor noruego Henrik Ibsen son los exponentes más
importantes dentro de este estilo. Muchos expertos los consideran como los verdaderos
fundadores del teatro moderno.

Teatro contemporáneo

Se puede afirmar, sin miedo a equivocarse que a partir del teatro renacentista, éste ha procurado
esforzarse para alcanzar un total realismo. Paradójicamente, una vez que lo consiguió a finales del
siglo XIX, emergió un movimiento antirrealista que en este arte escénico.
Principalmente en los EE.UU., el teatro realista ha seguido adelante, sobre todo en el aspecto
comercial. No obstante, parece ser que el objetivo era conseguir un realismo psicológico. Pero
para ello se utilizaban elementos escénicos y dramáticos muy poco reales.

Se crearon obras fundamentadas en personajes simbólicos, sueños, en la memoria humana e


incluso proyecciones. Se añadieron poemas en forma de diálogo y con el objetivo de endulzar el
crudo realismo, se cuidaba hasta el extremo los sonidos y las notas musicales. También puedes ver
historia de las notas musicales.

Cabe recordar que el teatro es un todo que no podemos dividir. Se distinguen en él tres
componentes elementales, como son:

La dirección

La actuación

El texto

A todos estos elementos se han de sumar también otros componentes como el maquillaje, el
decorado y el vestuario.

Recuerda que a las personas que escriben las obras de teatro se le denomina dramaturgos. Pero
también este término se emplea para el escritor de teatro dramático o de dramas en general.

Teatro simbolista

Durante el siglo XIX también emergió una corriente simbolista. Los afines a este movimiento, los
simbolistas, pretendían conseguir la “desteatralización” del teatro. Esto es, eliminar todos los
avances escénicos y tecnológicos y substituirlos por una espiritualidad proveniente de la
interpretación y del texto.

En este género de teatro, los textos estaban dotados de una simbología bastante compleja de
interpretar por parte de los actores. Por norma general, el ritmo de estas obras era bastante lento,
buscando el mismo tempo que se puede tener en un sueño.

Teatro expresionista
Los primeros 20 años del siglo XX fueron en los que el teatro expresionista tuvo su mayor apogeo,
sobre todo en Alemania. Esta modalidad pretendía profundizar en los aspectos más grotescos y
violentos de la psique humana.

teatro expresionista

Para ello se solía crear una escenografía que emulase el mismo ambiente que se puede encontrar
en una pesadilla. El empleo de sombras y luces, la exageración y la distorsión, son las principales
características, a nivel escénico, del teatro de expresionismo.

Teatro del Absurdo

El teatro del Absurdo surge justo después de la segunda guerra mundial. Su principal génesis
proviene del absurdo y sinsentido de un mundo desilusionado, desesperanzado y destruido.

Aquello que no tiene ningún tipo de lógica, lo absurdo, aquello que no tiene ningún parecido o
relación con un contexto escénico o texto dramático convencional… esto es lo que caracteriza a
este teatro. La existencia misma de los personajes carece de sentido alguno, por lo que no hay
caracteres ni acción consecuente.

Teatro Musical

Los musicales aparecieron en la década de los años veinte del siglo XX. Una amalgama de bailes,
canciones, diálogos y pequeñas piezas cómicas versionando incluso historias que originalmente
eran dramáticas.

Un grupo teatral a cargo de Oscar Hammerstein II y Richard Rodgers actualizó y perfeccionó el


género musical en los años 40. Pero en la década de los 60 este espectáculo dejó las raíces del
musical para convertirse en algo más sombrío y serio.

No obstante, a finales de los 70, seguramente debido a la crispación por la situación política y
económica general, retornaron los musicales para que la gente pudiera evadirse de sus problemas.
La mayoría de ellos eran reposiciones, pero con alto presupuesto, por lo que el lujo y el exceso
estaban muy presentes.
Como dato un tanto curioso, debes saber que incluso alguna de estas obras de teatro musical eran
retransmitidas por radio (ver historia de la radio). Esto es debido a que eran del gusto del gran
público por sus letras y canciones animadas.

Qué es un teatro (edificio)

El edificio de un teatro es, por norma general, una construcción majestuosa, que se construyó para
albergar las representaciones de espectáculos teatrales.

Si bien es cierto que no siempre es necesario un edificio para realizar representaciones de teatro,
la arquitectura para estas funciones es necesaria para la organización de los lugares de
interpretación, público y todo el elenco de equipos técnicos, de vestuario e iluminación.

Vamos a ver las diferentes partes de un teatro:

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Partes de un teatro

Dentro de un teatro se pueden encontrar dos grupos de espacios o instalaciones. Los espacios
teatrales que están destinados al desarrollo en sí de la obra teatral, y los espacios para el público,
que son los destinados a satisfacer sus necesidades y ubicación. Vamos a verlos con más detalle:

Espacios teatrales

Son las partes del edificio que son necesarias para el correcto desarrollo de una obra o
representación teatral:

Escenario

La parte que está acondicionada a la propia representación se denomina escenario, espacio


escénico o escena.

En un teatro típico Italiano, el escenario está ubicado en un plano más elevado justo enfrente de
los espectadores. Esta disposición, heredada del siglo XVIII, es la típica en la mayoría de los teatros
de occidente.
Dicha distribución está formada por del escenario propiamente dicho, que está separado de las
gradas del público un marco denominado boca del escenario o arco de prosceni.

escenario de un teatro

Para cubrirlo y ocultar al espectador lo que está sucediendo en él se emplea el telón de boca,
normalmente de color rojo y elaborado con una tipo de tejido denso y pesado, con algo de brillo y
aspecto aterciopelado. En algunos teatros existe delante de este telón uno menor denominado
“corbata” o proscenio.

Los teatros suelen tener entre la primera fila de asientos y el proscenio lo que se denomina foso.
Aquí es donde se alojan o ubican los miembros de la orquesta y sus instrumentos musicales.
Puedes ver historia del piano.

Ocultos al campo visual de los espectadores gracias a las bambalinas, en un escenario al estilo
italiano, se encuentran los “hombros”. Son una prolongación lateral del escenario por donde salen
y entran los actores a escena y algunos elementos del decorado esperan para que sean utilizados
cuando sea necesario.

El escenario hospeda las varas, que son unas estructuras metálicas que aguantan los dispositivos
de decorado e iluminación. Mediante las varas estos elementos puede moverse y subir y bajar
accionados por motores.

Del mismo modo, las varas cuelgan de lo que se denomina peine. Una especie de estructura
metálica que clausura por la parte superior la caja escénica. Ésta puede llegar a tener una altura de
más de 40 metros.

Algunos elementos del decorado se incorporan al escenario desde debajo del mismo mediante
unas trampillas o escotillones. Este espacio que existe debajo del suelo del escenario se le conoce
como foso. En algunos montajes teatrales modernos, incluso algunos actores acceden a escena
por dichas trampillas.
Qué duda cabe que durante el transcurso del siglo XX la evolución de las artes teatrales ha
producido el replanteamiento del espacio escénico como tal. Se ha tenido que adaptar a las
técnicas interpretativas más modernas con el fin de facilitar la interacción entre público y actores,
haciéndoles estar más próximos entre sí.

Huyendo del concepto de escenario tradicional o proscenio, ahora se prefiere denominarlo


espacio escénico, una definición de teatro más amplia y flexible. La ubicación del escenario en
formato “en arena” hace que la escena esté situada en pleno centro de la sala. En un plano un
poco más bajo que el público y rodeado del mismo en gradas escalonadas para tener una perfecta
visión.

Existen diferente variantes, puede ser de forma rectangular, cuadrada o circular, como la que se
utiliza en los circos. Otra fórmula que se utiliza bastante es la denominada escenario en forma de
corbata. Dónde el público rodean tres partes del espacio escénico, dejando la cuarta parte, en
forma de pasillo, para la entrada y salida de los actores.

Aunque sí bien es cierto que estas distribuciones facilitan que el espectador tenga un completa
visión del espectáculo, la escenografía y decorados quedan algo más limitados.

Sala de ensayo

Es una amplia sala, normalmente diáfana, destinada a realizar ensayos de la obra teatral. No todo
los teatros disponen de ella, ya que si el teatro no es de grandes dimensiones, es bastante
complejo destinar un espacio tan amplio para la sala de ensayo. En estos caso no queda otra
opción que realizar los ensayos en el escenario principal.

Camerinos

Son una especie de habitaciones donde los actores o artistas se preparan antes de salir a actuar, se
visten y desvisten o descansan. Existen camerinos individuales (normalmente destinado para los
actores principales) y para dos, tres o más personas (normalmente destinados para actores
secundarios o con pequeños papeles).

En los teatros pequeños, no hay otra opción que peinar y maquillar a los actores en los camerinos.
En los teatros de mayor tamaño, normalmente existen unas salas destinadas específicamente a
estas labores, que son realizadas por personal destinado a ello, como lo son los peluqueros o
maquilladores.
Secciones técnicas y talleres

Un teatro cuenta con una gran cantidad de elementos técnicos imprescindibles para el correcto
funcionamiento. Instalaciones y elementos eléctricos, maquinaria diversa, sastrería, maquillaje,
decorados, utilería, peluquería, iluminación, audiovisual, sonido… tienen que tener una salas
destinadas para su almacenaje y su gestión de todo este material.

Del mismo modo, en algunos teatros el vestuarios, el atrezzo y sobre todo los decorados se
fabrican y/o montan in situ. Por lo tanto necesitan tener unos talleres equipados y acondicionados
para estas labores.

Oficinas

Aunque piensen que es una cuestión menor, un teatro precisa disponer de oficinas para la
correcta gestión del mismo. La producción de obras en un teatro comporta tener departamentos
de gerencia, marketing, administración, limpieza, comunicación, nóminas, taquilla, dirección
artística o gestión técnica.

En algunos teatros con mucha enjundia y prestigio, existe también actividades destinadas a la
formación de actores o personal indirecto del teatro. Del mismo modo también organizan
actividades para el público o incluso pedagógicas para adultos y también para niños.

Espacios destinados al público

Estos espacios son los imprescindibles para poder atender y acomodar al público que acude al
teatro a disfrutar de las representaciones teatrales. Las principales son:

Sala

En la clásica distribución al estilo italiano, la sala donde están instalados los asientos para el
público y que se haya enfrente del escenario, suele ser en forma semicircular o de herradura.

La parte más baja, que suele ser la más amplia, recibe el nombre de patio de butacas o platea. Los
asientos se distribuyen en filas, y normalmente, separadas mediante un pasillo central y dos
laterales.

patio de butacas de un teatro


En la gran mayoría de los teatros antiguos, el suelo o piso de la platea cuenta con una ligera
inclinación para garantizar mínimamente una correcta visión del escenario. En cambio, en los
teatros más modernos, la platea o patio de butacas tienen una inclinación mayor o las filas de
butacas están instaladas como las gradas de un estadio. Esto permite absolutamente a todos los
espectadores tener una total y completa visión del escenario, incluso desde las filas más lejanas.
Algo que el espectador realmente agradece.

Para un total aprovechamiento de todo el espacio disponible, en las paredes de la sala se ubican
en varias plantas y sobre la platea una dos estructuras en forma de voladizo. Las zonas laterales se
destinan a balcones o palcos. La parte más elevada del teatro es la más económica, ya que es la de
menor visibilidad. Tradicionalmente se le llama gallinero.

En resumen y ordenado de menos a mayor precio de la entrada, la estructura típica de un teatro


es:

Anfiteatro (en las plantas superiores)

Palcos (ubicados en la entreplanta)

Platea (situada en planta baja)

Foyer

Hace la función de vestíbulo del teatro. Está destinado para que el público pueda esperar en los
descansos que se realizan los entre actos. En los grandes teatros, también se conoce con este
nombre a los pasillos que rodean la sala. En algunos teatros, junto al foyer se encuentra el ambigú
que explicaremos a continuación.

Ambigú

Forma antigua para denominar el espacio donde se ubica la cafetería, bar o restaurante del teatro.
En los últimos tiempo, con la intención de conseguir el máximo aprovechamiento del espacio, el
ambigú se ha remplazado por una sencilla barra dentro del vestíbulo o foyer, donde se venden
refrescos, palomitas de maíz o pequeños tentempiés.

Taquilla

Para la venta directa de las entradas del espectáculo tenemos las taquillas del teatro. Son
perfectamente reconocibles ya que son unos pequeños habitáculos con una ventanilla que da al
vestíbulo de la entrada o directamente a la calle. En función del tamaño del teatro, podremos
encontrar una, dos o más taquillas.

Guardarropa

La gran mayoría de los teatros disponen de un servicio de guardarropa para el público. Puede ser
gratuito o de pago. Es un habitáculo provisto de un mostrador y gestionado por el personal del
teatro que se emplea para que los espectadores que asisten a ver la obra de teatro puedan dejar
el abrigo, bolsos, paraguas (ver historia del paraguas) o algún otro objeto voluminoso.

CUALES SON LOS ELEMENTOS DE REPRESENTACION ESCENICA

Los 7 Elementos del Montaje Escénico Principales

Por Carolina Cobelli

Algunos de los elementos del montaje escénico son el director, los actores, el escenario, el libreto,
la música, la iluminación y el tramoyista. Estos elementos ayudan a componer la representación
dramática.

Dentro de los elementos escénicos también se incluye la escenografía, que son los elementos
visuales que forman la escenificación. Estos son los elementos del decorado y la caracterización de
los personajes, el maquillaje y el vestuario.

Toda obra de teatro posee una ficha técnica en la que se detallan las personas que hacen posible
la puesta en escena mediante su trabajo técnico o manual: sastre, maquilladores, maquinistas,
iluminadores, sonidistas, entre otros.

También se cuenta con la ficha artística. Esta incluye a los actores, y también al escenógrafo, al
diseñador de vestuario, al técnico de luces y sonido y al director.

Los 7 elementos principales del montaje escénico

1- Escenario
Es el sitio donde se sitúan los actores; frente a este está el grupo de personas que conforman los
espectadores.

Según el director contemporáneo Peter Brook cualquier espacio vacío puede transformarse en
escenario.

2- Guion escénico

Es el libreto en el que se desarrollan todos los elementos que se necesitan para que la obra se
pueda llevar adelante.

Contiene los diálogos de los actores, el detalle acerca del desarrollo de cada escena, detalles de la
escenografía, datos sobre los gestos o actitudes de los actores en cada escena, entre otros
elementos.

3- Director

Es quien da vida al guión, quien logra materializar la obra escrita mediante los actores y el
ambiente.

Traslada el medio literario al escenario o medio teatral. Sus objetivos son explicar a los actores la
conducta de los personajes, proyectar en el espacio las ideas principales del guión, y dar su visión
e interpretación personal.

4- Actores

Son las personas que dan vida a los personajes que formarán parte de la obra. En obras de bajo
presupuesto es común la utilización del doblete, figura a través de la cual un mismo actor o actriz
interpreta varios personajes.

En otras obras no se produce ese inconveniente, ya que el guión contempla menor cantidad de
personajes.

Para seleccionar el reparto se realizan audiciones o prueba de actores. Se examina la


interpretación y los atributos físicos del actor, y se busca que coincidan con los del personaje a
interpretar.
5- Vestuario

Ayuda al actor a componer a su personaje, asistiéndole en cuanto a su apariencia externa. El


vestuario indica la época, clase social y situación específica (luto, trabajo, ocio). Es la primera
impresión para reconocer al personaje.

6- Decorado

Es de utilidad para enmarcar las escenas y ambientar el entorno de la obra. Incluye los telones,
muebles, cortinas, utilería, objetos varios y accesorios, incluida la tramoya.

7- Iluminación

La iluminación es sumamente importante para crear el ambiente deseado en el escenario. La luz


posee cuatro cualidades controlables.

La primera es la intensidad que puede ir de la total oscuridad a una brillantez extrema.

La segunda es el color. Por medios electrónicos pueden crearse luces de cualquier color
imaginable, para que combinen o destaquen el vestuario o el decorado.

La tercera cualidad es la dirección, que es el área desde donde la luz llega al escenario. Puede
llegar desde abajo, desde un lado o desde arriba. Esto produce un efecto de luces y sombras único.

Por último, destaca el movimiento, que se refiere a los cambios en intensidad, color o dirección de
la luz.

Referencias

Michael Eagan (2017) What is Scenography? 30/11/2017. Scenic Design at The National Arts
Centre. artsalive.ca

Rafael Portillo (1995) El teatro en tus manos: iniciación a la práctica escénica. Editorial
Complutense, Madrid.

David Martin Jacques (2017) The Basic Elements of Stage Design. 30/11/2017. Church Production.
churchproduction.com
Grupo de Teatro Jerez (2017) El decorado de un Teatro. 01/12/2017. Más Jerez. masjerez.com

Editor (2017) Definición de Guión Teatral. 01/12/2017. Definicion de. definicion.de

OTRA COSA

ELEMENTOS DEL TEATRO

Los 9 Elementos del Teatro Principales

Por Claudia Veloza Rico

Los elementos del teatro principales son los actores, el texto o guión, la audiencia, vestuario,
maquillaje, escenografía, iluminación, sonido y director.

El “teatro” se puede conceptualizar de dos maneras. El primero es el género literario escrito por
dramaturgos, cuyo propósito principal es ofrecer diálogos entre personajes con el ánimo de ser
representados ante un público. Por esta razón, a este tipo de teatro se le conoce también bajo el
nombre de “género dramático”.

qués es una obra de teatro y características

Asimismo, se llama “teatro” al arte de la actuación en la que se personifican historias frente a unos
espectadores o frente a una cámara.

La palabra teatro proviene del término griego theatron que significa “lugar para mirar” (Balme,
2008)(Pavis, 1998). Por ende, el término original aludía tanto al sitio donde se llevaba a cabo como
a la actividad dramática en sí (Balme, 2008).

A menudo las personas también usan el término drama para referirse al teatro. Probablemente se
deba a que ésta se deriva de la palabra griega que significa “hacer” o “actuar” para referirse a la
actividad teatral en un escenario, sin necesariamente dirigirse al drama como género literario de
ficción (Balme, 2008).

Si bien la palabra con la que denominamos a este arte escénico y literario es de origen griego, los
inicios del teatro se remontan a civilizaciones de mayor data como la Egipcia o la China.

La comunidad científica coincide que es difícil poder determinar un punto histórico exacto del
surgimiento del teatro pues de acuerdo a los registros de las pinturas rupestres (dibujos
prehistóricos en cuevas o cavernas), ya habían algunas manifestaciones en rituales religiosos
donde también se incluían la música y la danza (Csapo & Miller, 2007).

Al ser el teatro una manifestación artística y una forma de comunicación presente en todas las
culturas, desarrolló características propias de acuerdo al momento histórico y a su ubicación
geográfica.

Desde esta perspectiva, afirmamos que el teatro está formado por dos componentes básicos: el
texto y la representación.

El teatro nace de unir texto y representación, por muy variadas que sean las formas y fórmulas en
que esta <<unión>> se lleve a cabo (Trancón, 2006, pág. 151).

Elementos imprescindibles del teatro

Existen 3 elementos básicos del teatro que son los actores, el público y el texto. Existen otros
elementos adicionales que complementan y hacen más llamativo, convincente y real el
espectáculo como el maquillaje, el vestuario, la escenografía y la iluminación.

1- Actor

Es un artista presente sobre el espacio escénico, cuya misión es actuar y hablar en un universo
ficcional que él construye o contribuye a construir (Ubersfeld, 2004).

Debe haber al menos uno y no necesariamente deben ser personas pues también pueden usarse
marionetas o títeres.

Tal como lo refiere Ricard Salvat “El actor es, de todos los elementos de la nómina teatral, el que
resulta imprescindible. A la hora de ir prescindiendo de algunos componentes del complejo
teatral, siempre acabándonos reduciendo al actor” (Salvat, 1983, pág. 29).

El actor o los actores son quienes dan vida a los personajes, a través de sus acciones, sus palabras
y vestimenta.
Son ellos quienes recitan diálogos imprimiendo tonos vocales, dicción, emociones y energía que
refuerzan la credibilidad de la actuación e influyen en el involucramiento de los espectadores en la
historia.

Visto de otro modo, el cuerpo del actor se presenta como algo vivo, integrado, capaz de encarnar
al personaje con todas las exigencias corporales y físicas que la ficción lo requiera (Trancón, 2006,
pág. 148).

2- Texto

Se trata del escrito que plantea la historia a ser desarrollada y consta de una estructura similar a la
del cuento (inicio, nudo y desenlace), que en el caso puntual del teatro se le conoce como
Planteamiento, Nudo o Clímax y desenlace.

Las obras dramáticas siempre van escritas en diálogos en primera persona y hace uso de los
paréntesis cuando se quiere precisar la acción que se lleva a cabo mientras se pronuncia el
fragmento(a esto se le conoce como lenguaje acotacional). Cuando la pieza literaria va a ser
llevada al escenario o a cine, se le denomina “guión”.

Dicho escrito no se divide en capítulos (como normalmente se haría en una novela u otro tipo de
prosa) sino en actos, que a su vez puede dividirse en fragmentos aún más pequeños conocidos
como cuadros.

El texto es el espíritu y la génesis del teatro; sin él no es posible hablar de teatro. Su grado de
necesidad es tal que se puede “atender el sentido común y comprobar que no conocemos ninguna
obra de teatro sin texto, por lo que partimos de la hipótesis de que el teatro es <<texto más
representación>> (Trancón, 2006, pág. 152)”.

3- Audiencia

Se considera espectador a todo aquel que ve una obra de teatro o acude a un espectáculo.
Aparentemente la audiencia no interfiere en el desarrollo de la obra de teatro, sin embargo, el
propósito de ésta es entretener al público. Son los espectadores la razón de ser del teatro.

A lo largo de una obra teatral se construye una relación entre la audiencia y los actores; y gracias a
ellos no solo se completa el ciclo de creación-comunicación sino también se recibe
retroalimentación inmediata a los actores, pues no hay audiencia pasiva sino que todos son
observadores críticos (Trancón, 2006, pág. 83) que desarrollan una percepción positiva o negativa
del arte visual que contemplaron.

Elementos complementarios

Los elementos siguientes no son vitales para llevar a cabo una obra de teatro pero su contribución
aporta gran valor a la hora de hacer la historia más interesante, organizada, creíble y real.

En palabras de Salvat: “<<los accesorios escénicos>> como los decorados, luces, utilería, vestuario,
maquinaria, etc., los cuales contribuyen a crear la ilusión en la realidad irreal de la escena” (Salvat,
1983, pág. 13). Estos son:

1- Vestuario

Es el atuendo que llevan puestos los actores. A través de ellos y sin necesidad de enunciar
palabras, el público puede identificar el género, la edad, la ocupación, el estatus social y las
características de los personajes, así como la época en la que se desarrolla la historia.

Hoy en día existe una persona dedicada exclusivamente a este aspecto y trabaja de la mano con el
director y con los maquillistas para crear armonía en la construcción de la apariencia del
personaje.

2- Maquillaje

Se utiliza para arreglar las distorsiones producidas por la iluminación (como la pérdida de color o
exceso de brillo facial).

Adicionalmente, la aplicación de productos cosméticos sirve para consolidar el personaje


mediante su caracterización exterior, resaltando o disimulando facciones de los actores o
agregando efectos a los personajes: rejuvenecer, envejecer, hacer lunares, cicatrices o simular
heridas, entre otros.

3- Escenografía

Corresponde al conjunto de decorados empleados para ambientar la representación dramática.


Esto significa que es el espacio en el que interactúan los actores, decorado de tal manera que
muestra el espacio geográfico, temporal, histórico y social en el que se desarrolla la historia.
La mayoría de elementos son estáticos y para producir un efecto más impactante, se apoyan en la
iluminación. Un ejemplo sencillo puede ser el escenario propuesto “de día” y “de noche”.

A los utensilios o herramientas utilizados por los actores durante la actuación se les denomina
objetos de utilería.

4- Iluminación

Tal como ocurre con la escenografía, la iluminación abarca los objetos como la acción de manejar
las luces. Es decir, la iluminación es el conjunto de luces empleadas durante la representación
artística, así como la creación y ejecución de las mismas para ayudar a transmitir emociones,
resaltar y esconder actores, y darle más asertividad a la escenografía, el maquillaje y el vestuario.

5- Sonido

Constituido por la música y todo efecto auditivo para mejorar los aspectos acústicos de la pieza
teatral a los actores y al público.

Por ejemplo, los micrófonos para que los diálogos de los actores puedan ser escuchados por la
audiencia, reforzar la transmisión de una emoción o de una acción tales como el sonido de la lluvia
o el freno súbito de un carro.

6- Director

Es el artista creativo encargado de la coordinación de todos los elementos que intervienen en la


actuación, desde la escenografía hasta la interpretación. Es el responsable de la organización
material del espectáculo (Ubersfeld, 2004, pág. 39).

La figura del director es prácticamente nueva en relación a toda la trayectoria histórica del teatro:
el trabajo del director escasamente existía antes de 1900 como una función artística separada y
antes del teatro de 1750, muy rara vez (Balme, 2008).
Lo anterior se prueba en el hecho que en el teatro griego, en el teatro romano, el medieval y del
Renacimiento esta figura no existía en el sentido estricto de la palabra. Esta persona no está
presente en el escenario, a diferencia de los actores.

Referencias

Balme, C. (2008). The Cambridge Introduction to Theatre Studies. Cambriddge: Cambridge


University Press.

Carlson, M. (1993). Theories of Theatre. A Historical and Critical Survey from the Greeks to the
Present. New York: Cornell University Press.

Csapo, E., & Miller, M. C. (2007). Part I: Komastsand predramatic ritual. En E. Csapo, & M. C. Miller,
The Origins of Theater in Ancient Grece and Beyond (págs. 41-119). New York: Cambrigde
University Press.

Pavis, P. (1998). Theatre Art. En P. Pavis, Dictionary of Theatre. Terms, Concepts and Analysis (pág.
388). Toronto : University of Toronto Press Incorporated.

Salvat, R. (1983). El Teatro como texto, como espectáculo. Barcelona: Montesinos.

Trancón, S. (2006). Teoría del Teatro. Madrid: Fundamento.

Ubersfeld, A. (2004). Diccionario de términos claves del análisis teatral. Buenos Aires: Galerna.

CUALES SON LOS GENEROS TEATRALES MAYORES Y MENORES

¿Cuales son los géneros teatrales?

09 DE MARZO DE 2005 - 23:22 - GENEROS

¿Cuales son los géneros teatrales?Formas mayores: Tragedia y Comedia, como los principales;
además: drama, tragicomedia, y auto sacramental.

Formas menores: Entremés, paso, monólogo y farsa, entre otros.

Teatro musical: Ópera, zarzuela y sainete, principalmente.

TRAGEDIA: Género dramático tradicional, contrapuesto a la comedia. Es una obra de asunto


terrible y desenlace funesto, en la que intervienen personajes ilustres o heroicos. La gran época de
la tragedia corresponde a la Grecia y la Roma clásicas (Esquilo, Sófocles, Eurípides, Séneca...),
renaciendo luego en Inglaterra (Shakespeare) y en la Francia del Renacimiento (Corneille, Racine).
COMEDIA: Género dramático tradicional, contrapuesto a la tragedia. Su desenlace siempre es
placentero y optimista y su fin es conseguir a través de la risa del público, el reconocimiento de
ciertos vicios y defectos, la crítica a determinadas personas e instituciones; el enredo y equívoco
de las situaciones, son característicos de este género teatral cómico. Su plenitud la alcanzó en
Grecia en el siglo V a.c. y sus autores más característicos fueron Aristófanes y Menandro.

DRAMA: Género teatral, en que se representa una acción de la vida, mediante el diálogo de los
personajes, que tratan cuestiones serias y profundas. Su origen remoto se encuentra en las fiestas
de la vendimia, celebradas en honor de Dionisios, con bailes y danzas córicas ejecutadas durante
las vacanales. Evoluciona progresivamente hacia el diálogo, al tiempo que se van articulando y
diferenciando los géneros de la tragedia, la comedia y la sátira; alcanzando su madurez en el siglo
V a.c. Los primeros teatros griegos, son erigidos con un espacio circular, destinado a los
desplazamientos de los coros y grupos de danzantes; en el centro del cual se sitúa el altar con la
estatua de Dionisios. Tras la orquesta queda situada la escena y los espectadores son ubicados en
un amplio hemiciclo dotado de gradas, para cuya construcción en muchas ocasiones es
aprovechada la vertiente de una colina En cuanto a los contenidos de los dramas, Esquilo
comenzará a representar historias de héroes, en tanto que el teatro que lo precedió, tan sólo se
ocupaba de las figuras de los dioses; los principales son:

Drama histórico: el que tiene por asunto de su discurso a figuras, episodios o procesos históricos.

Drama isabelino: se desarrolla en Gran Bretaña, bajo el poder de Isabel I Tudor.

Drama Lírico: aquel en que la poesía y profundidad del texto, tienen preeminencia sobre la acción.

Drama litúrgico: gestado a lo largo de la Edad Media en España y Francia; su materialización está
en los autos sacramentales.

Drama de la pasión: comúnmente se representa el día de Viernes Santo, al aire libre.

Drama social: Se preocupa por la dignidad del hombre y ensalza la lucha del proletariado.

Drama satírico: En el teatro griego, género bufo, en el cual los personajes principales son sátiros y
faunos.
Drama escolar: actividades teatrales realizadas en las universidades europeas, durante los siglos
XVI XVII.

Drama abstracto: El que en su desarrollo, no se atiene a la lógica de las acciones humanas


convencionales; así el teatro del absurdo.

TRAGICOMEDIA: Obra que participa de los géneros trágico y cómico. Tal es el caso de Anfitrión de
Plauto, primer autor en utilizar esta denominación. Su desarrollo a partir del Renacimiento,
alcanzó gran relieve en los siglos XVIII y XIX; como el melodrama y el drama romántico. El género
se caracteriza por la indiferenciación de la clase social a la que pertenecen los personajes -
aristocracia y pueblo – y por la utilización de distintos lenguajes.

AUTO SACRAMENTAL: Representaciones de episodios bíblicos, misterios de la religión o conflictos


de carácter moral y teológico. Inicialmente representados en los templos o pórticos de las iglesias;
el más antiguo es el denominado Auto de los Reyes Magos. Después del Concilio de Trento,
numerosos autores, especialmente del Siglo de Oro español, escribieron autos destinados a
consolidar el ideario de la Contrarreforma, se destacan: Calderón de la Barca, Tirso de Molina,
Lope de Vega, etc.

ENTREMÉS: Pieza teatral cómica, en un solo acto y de trama jocosa, surgido en España, en el siglo
XVI; los entremeses eran representados en los intermedios de las jornadas de una obra. En el siglo
XV, el término "entremés" se aplicaba en los festejos de cortes y palacios, a distintos torneos y
danzas que se ejecutaban acompañadas de coros líricos.

PASO: Pieza dramática de breve duración, asunto sencillo y tratamiento cómico, que
antiguamente se intercalaba entre las partes de las comedias. El paso, denominado así por Lope
de Rueda en el siglo XVI, está considerado como el precursor del entremés y se caracteriza por su
lenguaje realista.

MONÓLOGO: Monodrama - pieza dramática interpretada por un solo actor, aún cuando en ella
intervengan varios personajes; es un parlamento de extensión superior a lo habitual en los
diálogos, pronunciado en solitario o en presencia de otros personajes.

FARSA: Pieza cómica destinada a hacer reir. La diferencia entre la farsa y la comedia reside en el
asunto; que en la primera al contrario que en la segunda, no necesariamente tiene que ser
convincente o cercano a la realidad.
VODEVIL: Comedia aligerada con canciones y bailes, de carácter marcadamente frívolo, alegre y de
asunto amoroso, con marcada intriga y enredo; muy popular en Francia en los siglos XVIII y XIX.

ÓPERA: Representación teatral a lo largo de cuyo desarrollo, cantan los distintos personajes; en
ella la acción dramática se conjuga con la intervención de la orquesta, danza, palabra, decorado y
otros elementos. Conforme a su estilo y contenido, se puede hablar de ópera seria, bufa, idílica
romántica, legendaria, etc. El origen de la ópera se sitúa en la Italia de finales del siglo XVI, cuando
el músico Emilio Cavalieri y el libretista Laura Guidiccioni, estrenan El Sátiro, La desesperación de
Fileno y El juego de la ciega, consideradas como las primeras piezas de este género.

ZARZUELA: Obra dramática y musical, en la que alternativamente se declama y se canta. Como


género específicamente español, tiene sus orígenes remotos en la musicalización de distintos
misterios y dramas. El creador fue Calderón de la Barca, con su pieza El jardín de Farelina,
estrenada en 1648 y otros dicen que fue Lope de Vega con La selva sin amor de 1629; el hecho de
que muchas piezas de este género fueran representadas en la casa de recreo denominada La
Zarzuela que la familia real poseía en el Pardo, acabó por conferirle su nombre.

SAINETE: Pieza jocosa de corta duración - inferior a un acto - de carácter y argumento popular, en
la que se ridiculizan los vicios y convenciones sociales; derivado del entremés y con o sin
canciones.

GÉNERO CHICO: Género teatral español, caracterizado por la sencillez de su argumento de escaso
contenido, con un solo decorado y de menos de una hora de duración.

CUALES SON LOS TIPOS DE TEATRO

1 Tipos de teatros

1.1 Teatro trágico

1.2 Teatro al aire libre

1.3 Teatro de títeres

1.4 Teatro cómico

1.5 Teatro pedagógico

1.6 Teatro mímico

1.7 Teatro infantil

1.8 Teatro dramático


2 Tipos de teatros desde la antigüedad hasta la edad moderna:

2.1 Teatro romano

2.2 Teatro griego

2.3 Teatro clásico

2.4 Teatro occidental

2.5 Teatro renacentista

2.6 Teatro de la edad moderna

2.7 Teatro medieval

Tipos de teatros

Teatro trágico

Tiene su origen en Grecia.

Es cuando los personajes se enfrentan a destinos des-favorecedores donde sufren por causas
distintas entre ellas muerte de seres querido, dolor físico, emocional, etc.

En estas obras el fin es horrible.

Más información de: teatro trágico

Teatro al aire libre

Aquí las obras se representan en lugares abiertos, como plazas, calles, aceras, etc.

Más información de: teatro al aire libre

Teatro de títeres

En el teatro de títeres todos los personajes son marionetas.

Dirigido mayormente a la población infantil. Son las obras que hacen uso de títeres que
interpretan a los personajes para darle un toque pícaro a la presentación.
Más información de: teatro de títeres

Teatro cómico

Durante la dramatización los personajes se encuentran en escenarios donde se dan a conocer sus
defectos, debilidades y/o crean diálogos para dar a lugar una situación cómica o que genere risa
en los espectadores.

Teatro pedagógico

Refiere a las obras que tienen un fin educativo, son empleadas en los centros educativos y en las
iglesias como método de enseñanza para los niños de inicial y de primaria.

Reluce la creatividad y el colorido.

Teatro mímico

En estas obras los personajes juegan con su propio cuerpo usando gestos y movimientos para
reflejar distintas emociones sin tener que usar la voz.

Teatro infantil

Se refiere a las obras y las dramatizaciones donde su público principal son los niños. Estas ofrecen
entretenimiento y diversión para los pequeños. Muchas veces son escritas o dramatizadas por
infantes.

Teatro dramático

Es el tipo de teatro representado por actores en frente de un auditorio, por ello es el género que
engloba a todas las manifestaciones teatrales donde la historia a presentar puede estar escrita en
prosa, en verso o combinado.
A través de este se representa algún conflicto o episodio de la vida de las personas a través del
diálogo de los personajes.

Tipos de teatros desde la antigüedad hasta la edad moderna:

El teatro desde la antigüedad se basaba en las escenificaciones que realizaban las personas que
hoy día se conocen como actores y actrices dentro de un lugar establecido, de allí se da a conocer
varios tipos de teatros, como son:

Teatro romano

Se realizaban obras religiosas y se escenificaban obras latinas y griegas.

Aquí se usaban comedias satíricas donde se llevaban a cabo burlas a gobernantes y personajes
famosos.

Tenían un pórtico –jardín– detrás del escenario, donde descansaban los actores.

Teatro griego

Es el principal lugar donde se genera las parodias, el drama, la comedia, la tragedia, etc. En estos
teatros se buscaba divertir al espectador y a la vez criticar a la sociedad donde vivían.

En Grecia fue donde se le asignó al lugar donde se hacían estos espectáculos el nombre de
theatrón (teatro). Los teatros se ubican en las laderas de las montañas y en espacios donde hay
buena acústica.

Teatro clásico

En este las obras unifican la antigua Grecia y Roma. Están escritas en lenguas griegas, clásicas o
latinas.

Las obras transmitían la ideología de la clase dominante.

Teatro occidental
Se enfoca en la realización de prácticas religiosas y ritos, como son ritos a la fertilidad, a la
cosecha, etc.

Teatro renacentista

Tipo de teatro que inició desde el año 1492 y finalizó en el siglo XVI. Se destacó por el uso de las
máscaras en las actuaciones.

Ejemplos de teatros renacentistas.

Clases de teatro renacentista

Teatro palaciego.

Teatro religioso.

Teatro popular o profano.

Las actuaciones realizadas eran improvisadas y se llevaba a cabo al aire libre. Se caracterizaba por
ser un teatro populista, cortesano y a la vez erudito.

Teatro de la edad moderna

Se da un cambio a las representaciones del medievo y se comienza a representar obras humanos


seculares.