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Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber

sobre el arte en Colombia.
“El ser humano es la única especie que disfruta de su suicidio en una fiesta pagana: entre más se queme la carne, más goza”. Óscar Roldán-Alzate.
Año 14 # 71. Noviembre 2019 - Enero 2020 Edición anterior descargable en PDF en www.periodicoarteria.com

Así es el
mundo
de Camilo
Restrepo
Menos conocido en
Colombia que en Los
Ángeles (EE. UU.),
este artista paisa
realiza una gran
exposición individual
en Suramericana, de
Medellín. Comprende
un recorrido por
obras anteriores y
nuevas; instalaciones
y dibujos que critican
de una manera
sarcástica la violencia
Diego Guerrero /ARTERIA y la sociedad. Pág. 4.

María Belén Sáez de Ibarra, con ‘Blanco’. Diego Guerrero /ARTERIA

María Belén Sáez de Ibarra, personaje Cortesía del 45SNA

del año para el Periódico ARTERIA Lo que gustó a los que vieron
La obra de Doris Salcedo en la Plaza de Bolívar (Quebrantos), el proyecto ‘El
el Salón Nacional de Artistas Cortesía Germán Arrubla

testigo’, de Jesús A. Colorado, y la ‘Misa por la reconciliación de Colombia’, Opiniones de quienes trabajando ‘trasescena’
Óscar Murillo mira a los migrantes
creada por el compositor Juan Pablo Carreño, entre otras acciones, han pudieron apreciar en muchas ocasiones el even- El artista visual Germán Arrubla nos cuenta desde Margate (Reino Unido)
tenido la gestión y el apoyo de la directora de Patrimonio Cultural de la to, que se desarrolló de septiembre a noviembre, cómo es la propuesta con la que el colombobritánico opta por el famoso
Universidad Nacional. Página 6. en la capital del país. Página 14. Premio Turner. Página 3.

gracias a los artistas, equipo de

trabajo, aliados y público asistente
que hicieron posible el 45 salón
nacional de artistas
En asocio con Un proyecto de
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
2
EDITORIAL
C
ercanos al cierre del 2019, es hora
de echar un vistazo a lo que fue un
año que se pensaba, podría ser uno
de los más importantes del arte en
el país. Con eventos como la celebración de 15
ediciones de Artbo, el crecimiento de Barcú,
la expansión de la Feria del Millón, la versión
45 del Salón Nacional de Artistas, que regresó
a Bogotá; una nueva versión del Premio Luis
Caballero, la segunda Bienal Juntos Aparte en
Cúcuta y un nuevo Salón BAT de Arte Popular,
era normal pensar que este iba a ser un buen
año para el arte.
En lo individual fue un año en el que colombia-
nos se destacaron en el exterior. Doris Salcedo
ganó el premio Nomura, el más cuantioso en el
mundo; Óscar Muñoz, el premio Montblanc al
Patronato de las Artes por la creación de Lugar
a Dudas en Cali; y Óscar Murillo fue nominado
al Turner Prize (de él hablamos en esta edición).
También parece que para los jóvenes crecen los
espacios colectivos donde mostrarse –tema que
también trabajamos en esta entrega–; en tanto
que las ferias se mantienen en firme.
Una ciudad como Medellín sigue “dando la
pelea” y muchos de los de allí continúan jalando
para mostrar que tienen que decir al país, pre-
sentamos en esta edición las exposiciones ‘For-
tuna’ y ‘Alias’. Lo de Cúcuta, es casi milagroso,
con una Bienal que propone un arte contem-
poráneo comprometido con el momento (así
parezca una redundancia) desde una frontera
tan compleja como la de Venezuela. En este
número también le hablamos sobre ella.
Así que, a primera vista, podría decirse que fue
un año activo y prolífico, resultado de muchos
esfuerzos. Sin embargo, en su gran mayoría,
son aislados, aunque no por eso son menos
importantes. Montar una feria, un salón, un
premio, organizar al sector de San Felipe, en
Bogotá, como la primera ‘Área de desarrollo na-
ranja (ADN)’, o abrir y mantener exposiciones
www.periodicoarteria.com
Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber
sobre el arte en Colombia.
Directora
Nelly Peñaranda R.
nelly.penaranda@periodicoarteria.com
Editor
Diego Guerrero
editor@periodicoarteria.com
Consejo Editorial
Juan Fernando Herrán, Humberto Junca Casas
José Ignacio Roca, María Belén Sáez de Ibarra
Luisa Ungar.
Periodistas
Laura Guzmán Díaz
periodista3@periodicoarteria.com
David Guzmán
periodista2@periodicoarteria.com
Colaboran en esta edición
Germán Arrubla
Guillermo Vanegas
Diseño
Fabián Cárdenas
El Periódico Arteria es una publicación de Colombian Art Crafts SAS y Fundación Arteria.
Por: Nelly Peñaranda
NOTICIAS
colectivas con decenas de artistas no es, para
nada, fácil.
Aún con todo, queda una sensación de que acti-
vidades de esta índole deberían tener un impac-
to más importante en la vida de los ciudadanos
y del mismo sector. Sin duda, hay eventos im-
portantes, galeristas que se expanden y artistas
relevantes que continúan en ascenso, así como
otros a quienes vemos crecer.
Por lo que, habiendo llegado a este momento,
quizá lo que podría seguir es realizar pro-
puestas en grande. Desde el sector podrían
surgir políticas sobre el arte y la cultura para
proponer al Estado y a la sociedad en general.
Hay tantos temas que se podrían abordar que,
incluso eso amerita una evaluación como sec-
tor en sí mismo. Este sector, del que se puede
decir que cuenta con personas altamente pre-
paradas (muchísimas de ellas con posgrados),
podría proponer soluciones a cosas básicas,
buscar cómo crear mayores oportunidades en
lo económico, por ejemplo, y vislumbrar una Cortesía Fundación Bienal de San Pablo (Brasil).
ruta hacia la construcción de un sistema que El argentino Feliciano Centurión presenta sus obras en ‘Afinidades afectivas’, en el Museo de Antioquia.
se integre a la dinámica socioeconómica del
país y en distintos aspectos del flujo creativo Bienal de San Pablo se muestra en el Museo de Antioquia
y expositivo.
Hasta el 26 de enero, el Museo de Antioquia presentará ‘Afinidades afectivas’, muestra que
Desde el Periódico Arteria reiteramos nuestro hace parte de la 33 Bienal de San Pablo (Brasil), que viajará para presentarse en varias ciuda-
compromiso para ser un espacio para la circu- des. Fue curada por Jacopo Crivelli Visconti y presenta obras de Sofía Borges, Sara Ramo,
lación y generación de contenido alrededor de Bruno Dunley, Ana Prata, Vânia Mignone, Feliciano Centurión, Bruno Moreschi, Katrín
la cultura y las artes, y para la difusión racional Sigurdardottir, Antonio Balleter Moreno, Benjamín Palencia, Maria Laet, Mauro Restiffe,
de esas ideas. Matt Mullican y Oliver Laric.
Los invitamos a mantenerse informados a El Planetario de Bogotá celebra 50 años de existencia
través de nuestra página web y redes sociales,
ARTERIA continuará sus ediciones impresas El Planetario de Bogotá, fundado el 22 de diciembre de 1969, celebra 50 años con una jor-
en 2020, momento en que celebramos 15 años nada de Planetario abierto, el 14 de diciembre. Este día el Planetario organizará actividades
de circulación ininterrumpida y a que conti- gratuitas, de 10 a.m. a 10 p.m. En el domo del Planetario se presentarán funciones especiales,
núen siguiéndonos en www.periodicoarteria. incluyendo cuatro proyecciones en formato fulldome sobre arqueología y astronomía maya y
com y en nuestras redes sociales. A todos, gra- conciertos musicales y video. Habrá una demostración con drones a cargo de profesionales
cias por continuar con nosotros y les deseamos y se dispondrán los telescopios que habitualmente están en las vitrinas para observar las
una feliz Navidad y un próximo año acorde con estrellas.
sus sueños.
‘Coloquio de tecnología ancestral’ presenta tres publicaciones
La ‘Línea de arte, ciencia y tecnología’, del Idartes, realizó el ‘Coloquio de tecnologías y an-
cestralidad’, en la Biblioteca Luis Ángel Arango y el Museo de Arte Miguel Urrutia. Durante
este evento Bárbara Santos, Pablo Mora Calderón y Gilles Charalambos lanzaron una
publicación cada uno, producto de sus investigaciones. Santos, artista, viajó a la Amazonía a
entrevistar indígenas y publicó Curación como tecnología; Pablo Mora Calderón, antropólogo
Suscripciones y cineasta, indagó sobre las representaciones que se tiene de los indígenas en la ciudad en
$60.000 cinco ejemplares
Máquinas de visión y espíritu de indios; y Charalambos, artista, viajó alrededor del mundo,
Contactos indagando la forma de representación del rayo en las culturas ancestrales y publicó Bajo el
periodicoarter@periodicoarteria.com signo del rayo.
www.facebook.com/arteriap
twitter: @arteria_ #YoleoArteria
Instagram: @periodicoarteria Abren tres muestras más del X Premio Luis Caballero
Las opiniones consignadas en los artículos El 7 de noviembre, La Decanatura (colectivo artístico compuesto por Elkin Calderón y Diego
en la presente edición son responsabilidad
de cada uno de los autores y no Piñeros) presentó su propuesta como finalista al décimo Premio Luis Caballero, titulada ‘De
necesariamente expresan el punto la mula al avión’, en el Monumento a los Héroes. Esta propuesta podrá ser visitada hasta el 8
de vista del Periódico ARTERIA. de diciembre. Carlos Bonil presentó (el 28 de noviembre) ‘Suelo turboso’, en El Parqueadero,
Calle 29 # 6-94, oficina 601 del Banco de la República, y Delcy Morelos mostrará ‘Moradas’ en la Galería Santa Fe, desde
Tel. 57 (1) 4673921. Cel. (317) 6386108 el 12 de diciembre. Estas dos propuestas cierran el 24 de enero del 2020.
Bogotá, Colombia
ARTERIA cuida el medio ambiente. Murió el pintor barranquillero Ángel Loochkartt
El papel utilizado para la impresión
de este periódico es 100 % reciclable. En la clínica Marly de Bogotá murió el 8 de noviembre Ángel Loochkartt, reconocido pintor
expresionista colombiano, a los 86 años. Loochkartt nació en Barranquilla, el 19 de mayo
de 1933, estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad del Atlántico, se especializó
en pintura y grabado en la Academia de Bellas Artes de Roma y expuso sus obras en Europa
Programa apoyado por el Ministerio de Cultura - Programa Nacional de Concertación Cultural
con diferentes galerías. También ejerció la docencia en la Universidad Nacional. Loochkartt
obtuvo reconocimientos como el Primer Premio del Salón Nacional de Artistas de 1986 y el
Premio Vida y Obra 2011 de la Secretaría de Cultura de Barranquilla.

Este es el Murillo que participa en el Turner Prize
Un acercamiento al artista colombobritánico nominado al premio más importante del Reino Unido.
Germán Arrubla*
MARGATE (REINO UNIDO)
E
n 2014, Óscar Murillo me invitó a la
inauguración de la Bienal de Arte de
Cartagena. Recorrimos la mayoría
de las obras mientras compartía sus
opiniones: yo tenía gran interés en auscultar
el modo en que asume o se aproxima a las
obras un artista colombiano con un ‘exilio’
migratorio tan extendido, pero era también
una manera de conocerle mejor y entender
cómo procesa y opera en sus propias prácticas.
Era la primera vez que presentaba su trabajo
en Colombia. Su obra rompía con muchos
de los patrones de factura impecable de la
mayoría de propuestas participantes, per-
meadas, casi siempre, por lugares comunes
localmente establecidos: coordenadas y dis-
cursos con variaciones de lo ya visto.
Murillo suele desconcertar en parte porque,
acaso sin proponérselo, desmonta de alguna
manera la institucionalidad mediante gestos
y acciones: al usar soportes precarios como
hojas de periódico en blanco para pintar con
finos óleos o con el uso de masa de maíz
con la que ancla sus pinturas en medio del
descuido y lejos de algún marco teórico con
largos anclajes locales.
Para esa bienal, eligió una casa casi en ruinas
en cuyos espacios proyectó videos de comu-
nidades negras marginales de la ciudad, sus
fiestas, música y ambientando su trabajo en
proceso con proyecciones encontradas en las
periferias. Acostumbrados como estábamos
a los modelos imperantes en nuestro medio,
dictaminados por los grupos dominantes
del país, muchas personas me manifestaban
que Murillo le había quedado ‘debiendo’ a
la Bienal.
En 2015, María Belén Sáez de Ibarra hizo
posible otra exhibición suya en el Museo
de Arte de la Universidad Nacional de Co-
lombia, que nombró ‘Condiciones aún por
titular’. Allí conocimos otra faceta donde
aparecieron nuevos significantes para noso-
tros: se expandió el color negro sobre varias
superficies de lienzo y empleó elementos
autobiográficos de su Paila (Valle) natal,
como overoles de trabajo, documentos de su
madre y una pintura encontrada en Bogotá,
lo que formó un cuerpo complejo de trabajo.
En ese momento, hizo una transición desde
lo marginal y precario al frío ámbito de lo
aséptico: el tratamiento e instalación de las
telas negras remitían a la atmosfera de los
anfiteatros, sobre todo cuando reposaban
sobre mesas metálicas que remiten a lugares
de higiene o autopsia.
La propuesta para el Premio Turner
Cuatro meses atrás, recibí un mensaje de
Óscar comentándome su nominación al
Turner Prize. La noche de gala fue memo-
rable. La madre de Óscar me dijo: “Óscar ya
Estos ‘años viejos’, creados por Murillo, viajaron en tren desde Londres a Margate (Inglaterra).
ganó no importe lo que pase el 3 de diciem-
bre… él ya es un triunfador”.
La instalación picto-escultórica que pre-
sentó ostenta una presencia desbordante:
Óscar involucró el mar de Margate (Ingla-
terra) en su obra, al igual que la ciudad y el
tren que nos llevó desde Londres, el mismo
que transportó sus ‘años viejos’. Ellos son
una serie de personajes como los que se
queman el 31 de diciembre en los pueblos de
Colombia con rostros de políticos odiados,
aunque algunos de los suyos van vestidos
con uniformes de Colombina y Riopaila
Valle que, tiempo atrás, habían participado
en Collision of Intent, en el centro de arte The
Shed, en Nueva York.).
‘Desde que empezó su búsqueda se
ha sumergido en su propia fuente,
en sus raíces, en su propia historia,
pero perteneciendo a ambas orillas:
a la del depredador y a la del
depredado”.
A estos muñecos-personajes les compró ti-
quetes para viajar desde Londres, y ocuparon
puestos entre los pasajeros. Desde la Esta-
ción de Margate fueron llevados en sillas con
ruedas hasta tomar posesión de unas bancas
de iglesia en el edificio del Contemporary
Turner Prize. Allí los dispuso en los asientos,
colocados al lado contrario del paredón prin-
cipal de la sala y frente a un gran ventanal
ARTERIA Ed. 71
Fotos: cortesía de Germán Arrubla
cubierto por una inmensa cortina negra
que tapa la vista del horizonte, dejando una
pequeña abertura por donde se cuela un rayo
de luz tan potente que enceguece.
“Tienes que venir a ver qué hay detrás de
esa luz para entender: es el mar el que llega
a través de ese intenso reflejo”, me dijo. En
este momento, me vino a la mente la parte
final de un poema de Jorge Luis Borges: “…
Pero en algún recodo de tu encierro puede
haber una luz, una hendidura y detrás de la
grieta, está Dios que acecha”.
Entonces estos ‘viajeros’ parecen cobrar vida
y sus identidades relucen porque sus rostros
no son seriados: tienen una personalidad
en esos ojos de vidrio, tez negra o mestiza,
y vestuario de gente de pueblo. Están de
espaldas al culto, al atril, al altar y su vista
se pierde en una espera eterna, en la aber-
tura por donde la luz que llega anuncia un
mundo perdido, un paisaje ideal que se ha
dejado atrás.
Esperan sentados algo que inevitablemente
no va a pasar… Recordé a Carlos Castaneda
en su obra El viaje a Ixtlán. “Creo que, por un
instante, vi la soledad humana como una ola
gigantesca congelada frente a mí, detenida
por el muro invisible de una metáfora”.
Algunos de estos personajes ostentan una
especie de close-up tridimensional en sus
vientres, donde se ven entrañas que con-
Noviembre 2019 - Febrero 2020
3
En sus vientres algunos muñecos tienen masa de maíz y
arcilla horneada, que son comunes en la obra de Murillo.
tienen masas de maíz y arcilla horneadas,
presentes en obras anteriores. Su corazón
está en el horizonte, al otro lado de la grieta,
pero su mente está aquí, entre dos mundos:
el ideal o soñado y el real, que está detrás, y
que Óscar presenta con un muro de fondo
con cortinas que, a pesar de estar recogidas
y prensadas, cubren casi toda la superficie
de la pared y la sala, y que sólo en la mitad,
antes de juntarse, dejan ver un claro que nos
enseña un cuadro del siglo XIX, donde unos
inmigrantes acaban de llegar a tierra recién
bajados de la embarcación.
Las cortinas develan superficies de agua,
logradas con un expresionismo tal que de
cerca parecen abstracciones de color marino
y de lejos un mar amenazante, que tiende a
inundar la sala. Por no estar contenido por
ningún marco, ellos flotan sin nada que los
contenga y el espectador se siente debajo o
dentro de ese mar.
Óscar Murillo habita en una frontera: de
un lado está su hogar y sus raíces colom-
bianas y del otro está el enorme peso de una
cultura que a lo largo de su historia ha sido
depredadora de muchas otras. Es por ello
que podemos deleitarnos con los valiosos
tesoros del Museo Británico: los Asirios, el
Partenón romano, la Piedra de Roseta, los
Budas de China e India, estatuas de México,
de África…
Siento que una parte suya, inconsciente-
mente, ha asumido un modus operandi si-
milar y desde que empezó su búsqueda se
ha sumergido en su propia fuente, en sus
raíces, en su propia historia, pero pertene-
ciendo a ambas orillas: a la del depredador y
a la del depredado. Un mundo que, aunque
en estado puro –“natural” o inocente– por
un lado, es también exótico para ‘su otro yo
inglés’ y, por ende, extrae de esa fuente y se
alimenta. Así un hecho totalmente colom-
biano, aunque algo remoto, se vuelven en él
un estilo y una propuesta racionalizada por
su ser británico.
*Artista plástico.
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
4
‘Alias’, historia de muerte y balas perdidas
Suramericana, en Medellín, dedica toda su sala a Camilo Restrepo que, probablemente, es más conocido
en Los Ángeles (EE. UU.) que en su ciudad natal. Hablamos con él y con Steve Turner, su galerista.
H
ace un tiempo, un amigo del ar-
tista Camilo Restrepo (Medellín,
1973), le dijo “Vos por qué no
exponés en Colombia. Es que
nadie te conoce”. Y era verdad. A pesar de
que lleva varios años exponiendo en Estados
Unidos con Steve Turner, dueño de una
de las galerías importantes en ese país, en
Colombia y en su ciudad, las apariciones
de Restrepo han sido esporádicas (aunque
siempre llamativas).
Tal vez, porque no empezó estudiando arte
y sus contactos en ese mundo, como él dice,
no eran muchos. Lo curioso es que ha par-
ticipado en eventos como ‘Imagen regional
4’, en el Banco de la República, Photofest,
el Salón Regional de Artistas (dos veces), el
Salón Nacional de Artistas (otras dos) y en
el Premio Luis Caballero 2011.
Últimamente ha ganado relevancia con
obras que, para quien las ha visto, tienen
una marca inconfundible. El punto es que,
finalmente, tiene una gran exposición en
la galería de Suramericana (hasta el 15 de
enero), tal vez la más importante de Mede-
llín, con obras de distintas épocas. También
le han dedicado un libro muy bien editado.
Curada por Conrado Uribe, muestra un
recorrido por piezas como Bowling for Me-
dellín 4, con dibujos que parecen comics
abigarrados, que son referencias a su ado-
lescencia, cuando alias ‘Popeye’ comandaba
la banda de sicarios de Pablo Escobar, que
destrozaba la ciudad, la sociedad y daba al
traste con muchas esperanzas.
De hecho, ‘Alias’ es el nombre de esta amplia
exposición que deja ver sus distintas formas
de afrontar el arte. A la inauguración llegó
Turner, quien cuenta cómo se encontró en
el 2013 con Restrepo. “Estaba interesado
en viajar a Colombia, entonces le escribí a
diferentes curadores con conexiones en el
país y pregunté a quién debía visitar.
“Uno me dijo: ‘No tienes que ir precisamente
a Colombia para conocer a un buen artista.
Justo hay uno en este momento en Los Án-
geles. Eso fue cuando Camilo estaba, proba-
blemente, en el último mes de sus estudios
de Maestría, en Bellas Artes en el Instituto
de las Artes de California”.
Camilo Restrepo y el galerista Steve Turner, con una pieza hecha a partir de la viviencia del artista paisa en su adolescencia.
Hicieron cita por Skype y, luego de hora y
media de conversación, lo invitó para una
individual en su galería. Fue una decisión
veloz, que el galerista explica: “En Los Ánge-
les he visitado más de mil artistas y creo que
cuando vi a Camilo representaba algo distin-
to desde el público. Tenía una voz distinta,
un resultado distinto”.
La individual, dice el galerista fue pequeña,
pero “la gente lo admiró y fue un gran éxito.
Algunos dijeron: “Este es algún artista loco
o un genio loco o un trabajo loco y raro”. La
gente notó eso y cuando tienes una galería,
no necesitas más que unas pocas personas
que admiren lo que estás haciendo y en esa
ocasión hubo grandes admiradores”, cuenta
Steve Turner.
De su obra destaca que “se separa de mu-
chos trabajos latinoamericanos, colombia-
nos e internacionales. Es sólo el contexto
del propio Camilo. Eso me parece bastante
distintivo y es lo que busco en un artista.
Busco artistas que puedan tener una gran
individual y una buena carrera. Camilo es
un gran artista en este momento y en esta
época”, dice el galerista.
Finalmente, luego de un proyecto especial
en Miami y estar en ferias de exponer en
Turín (Italia), Bruselas, Madrid, Ciudad de
México y Londres, y de cinco individuales y
UTOPÍAS EVOLUTIVAS
EVOLUTIONARY UTOPIAS
Curadoría:Germán Bernal Caicedo
Noviembre-diciembre de 2019
/ARTERIA
otras tantas colectivas en la galería de Tur-
ner, puede exponer en Medellín.
Una oficina de balas perdidas
Cuando alguien ve las obras que muestran
dibujos caricaturescos de grandes asesinos
o de tragedias, con un criminal sobre otro,
una bomba junto a un titular de periódico,
todo revuelto en un mundo traído de los
cabellos (¿acaso no ha sido así Colombia?),
no se puede evitar en pensar en que hay algo
de un extraño humor ahí.
Al fin y al cabo narra lo que vivió de chico:
casi secuestrado, bombas, muertos en las
calles por sicarios en moto… ¿quién de Me-
dellín de su edad no lo vivió? “La cuestión es
esta –dice Turner: la violencia que Camilo
comenta y que sufrió, para mí, son grandes
momentos de violencia, como la guerra civil
estadounidense, la Segunda Guerra Mun-
dial o el Holocausto, entonces no me parece
que su narrativa esté separada de una más
grande al respecto de la violencia, crimina-
lidad, victimización y trauma psicológico.
“Cuando piensas en Estados Unidos y la vio-
lencia en contra de sus comunidades indíge-
nas o la comunidad negra o los inmigrantes
hay un contexto para la narrativa de Camilo,
para que esta case en una más amplia. Su
uso de la caricatura es brillante y clásico,
Ulla-Mari Lindström
como Honoré Daumier o Goya, y se ajusta
a la historia del arte usando elementos cómi-
cos para contar una historia horrible”.
Su más reciente pieza está llena de sarcasmo.
Es un gran letrero iluminado, amarillo que
reza: “Oficina de balas perdidas”, en inglés
y español. “Una de las intenciones que tenía
Conrado era mostrar esa diversidad en el
trabajo que estoy proponiendo. Muchas
veces se puede hablar de lo mismo con cin-
co mil soldados y un hipopótamo de una
herencia exótica y nefasta (obra Bloque de
búsqueda), que con un dibujo que me toma
tres meses hacerlo.
“Lo de la tenencia de armas por de civiles y
que la defensa no sea de una entidad que
tiene una regulación del Estado, como la
Policía o el Ejército, sino que las ciudades se
conviertan en un western, donde cada uno
se defiende como puede… ese pensamiento
de derecha que dice que lo que está pasan-
do aquí es porque no tenemos suficientes
armas, es una falacia total. Entonces, era
ese problema de la bala perdida, donde hay
una historia muy fuerte de confrontaciones.
Por ejemplo en la ‘Operación Orión’ (hecha
en el 2002 en la Comuna 13 de Medellín),
donde mucha gente murió por balas que no
estaban destinadas a ellos, o por eventos
más exóticos, como disparar al aire cuando
se ‘coronaba’ un cargamento en los ochenta
y la gente moría por esas balas”.
La pregunta era cómo hablar de estas ba-
las perdidas y al ver las oficinas de objetos
perdidos en EE. UU. y España pensó: “Esto
del objeto perdido y de la bala perdida me
pareció que tenían una relación muy fuerte
y muy absurda a la vez, porque las balas
perdidas no se encuentran. Generalmente,
se encuentran cuando la bala mató o hirió
a alguien. Entonces el letrero de balas per-
didas podría ser reemplazado por otro que
dijera “morgue”. Este es un letrero que está
con el cable por fuera (ver portada). Enton-
ces es movible y permite que habite muchos
lugares, y eso hace que esa oficina de balas
perdidas se vuelva cualquier parte donde cae
una persona por una bala que no fue dirigida
hacia él. Es un letrero que se puede trastear
para la escena del crimen. La oficina de balas
perdidas no es una oficina que está en un
edificio. Está en la escena del crimen.
Galería Espacio Alterno
Sede Nacional Uniandinos
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www.uniandinos.org.co
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
6
María Belén Sáez de Ibarra: fuerza y constancia
ARTERIA reconoce el trabajo de una persona cuya labor ha sido determinante en el arte y la cultura del país.
¿ Qué tienen en común Doris Salce-
do, Miguel Ángel Rojas, Clemencia
Echeverri, Jesús Abad Colorado, el
compositor de música contemporá-
nea Juan Pablo Carreño, Óscar Murillo, la
Bienal de Shanghái y el contramonumento
fragmentos? La respuesta es: María Belén
Sáez de Ibarra.
Ella, actual cabeza de la Dirección de Patri-
monio Cultural en la Universidad Nacional
de Colombia (tiene a cargo el auditorio León
de Greiff, el Claustro de San Agustín y el
Museo de Arte), está detrás de muchos de
los proyectos más destacados en el arte co-
lombiano en la última década y en el último
año.
Su acción ha sido fundamental en las obras
de Salcedo en la Plaza de Bolívar, al apo-
yarla en su producción, lo mismo que para
Fragmentos. Estuvo detrás de la organiza-
ción de ‘El testigo’, de Colorado, sin duda,
la exposición individual más visitada del
último año en Colombia, que pasa el mi-
llón de visitantes; fue invitada como co-
curadora de la Bienal de Shanghái de este
año, a donde llevó obras de Miguel Ángel
Rojas y Clemencia Echeverri y este semes-
tre organizó la ‘Misa por la reconciliación’,
escrita por Juan Pablo Carreño, estrenada
en la Catedral Primada.
Y, para ser justos, como una especie de co-
lofón, fue la primera curadora que invitó a
una individual a Óscar Murillo, luego de que
empezó a ser reconocido (y controvertido
aunque su obra nadie la había visto amplia-
mente en el país). Hoy, Murillo está nomi-
nado al Turner Prize, el más renombrado
de los que se entregan en Gran Bretaña. Sin
duda su influencia en el arte y la cultura de
este país es grande y, por eso, en ARTERIA
creemos que su obra merece ser destacada y,
ella misma, como personaje del 2019.
María Belén habla en plural: “Nosotros ha-
cemos o nosotros tenemos”, en vez de “yo
hago, yo tengo”. “Nosotros somos los artis-
tas con los que trabajamos y el grupo (de la
Universidad Nacional). Uno no trabaja solo
nunca. Cuando uno se junta hace máquina.
Uno coopera y apoya lo que los otros pueden
y quieren hacer”.
Lo dice sentada en su casa, con cara de can-
sada, recién venida de Bojayá, donde estuvo
en uno de los actos de la recepción de los
cuerpos de las personas muertas en la ma-
sacre del 2002. Porque María Belén ve en el
arte (y la cultura) una forma de activismo
social y sabe que hacer presencia es im-
portante, aunque, para ser justos, no es de
la que se exhibe. Es práctica y cree más en
los hechos: “Uno sabe que desde la práctica
cultural hay un activismo muy importante.
Usted ve la ‘Misa por la reconciliación de
Colombia’, eso es activismo cultural; apoyar
los procesos comunitarios”, dice.
PERSONAJE DEL AÑO
Varios de los proyectos más impactantes del arte en Colombia en los últimos años han pasado por las manos de María Belén Sáez de Ibarra.
Así que trabaja en proyectos que en Bogotá
no se conocen como los que realizan en
apoyo de la educación en comunidades indí-
genas de Cauca, Nariño y Putumayo.
‘Nadie puede solo’
No se crea por lo anterior, que María Belén
Sáez de Ibarra es una mujer suave. En el
fondo, nadie puede ser demasiado suave si
quiere vencer obstáculos y ella lo sabe. Re-
conoce que tiene su carácter y prefiere que
le sobre y no que le falte. Pero de ahí a que
el ego la domine hay mucha diferencia. Ella
asegura que se mete con procesos que tienen
vida propia y que por eso ven la vida, a pesar
de las dificultades. “Lo primero es saberse
desprender del ego y de la necesidad de re-
conocimiento. Luego, hay que dar lo mejor
de cada uno. Nadie puede solo”.
Está claro que lo que apoya son trabajos que
tienen que ver con la parte más dura de la
realidad colombiana, con las injusticias que
unos cometen contra otros. “En todos los
proyectos hay una relación con la vida, que
es sagrada. En una sociedad materializada,
mostramos los sujetos desposeídos de de-
rechos. Son cosas reunidas en el territorio
colombiano, pero que van más allá. Hay
también una memoria de la guerra. El pro-
yecto de Juan Pablo Carreño es una pieza de
memoria que recoge ‘El Salado’, ‘El Aro’ y ‘Bo-
jayá’ (lugares de masacres). Lo más reciente
de Heiner Goebbels (expuesto actualmente
en la Universidad Nacional) es también muy
espiritual, tiene que ver con mostrar otra
forma de conocimiento, de cómo se ve la vida
humana en otras culturas”, dice.
Y lo dice convencida en que aun las obras
que sean más abstractas en estos temas,
cobran sentido, pues si bien “el arte es el
mundo de lo simbólico, los artistas trascien-
den lo simbólico”. Por eso, en este momento
de escépticos afirma: “Yo no descreo del arte.
Cada vez más, creo en la capacidad que tiene
de transformar una sociedad, de curarla”.
No es un secreto: en Colombia el sector del
arte es difícil y tal vez porque en el medio
el ego pesa, porque las oportunidades son
pocas, los logros de los demás no solo no
se celebran, en general, sino que en muchas
ocasiones se miran con recelo, no los logros,
sino la personas. Algo así le pasó a Óscar
Murillo, criticado por muchos cuando ape-
nas había expuesto una obra en Cartagena.
Entonces María Belén lo invitó a exponer en
el Museo de la Universidad Nacional.
“A mí me gusta llevar la contraria –dice es-
pontáneamente y con una sonrisa acaso
un poco retadora–. Nosotros tenemos un
discurso y es que en el arte se juega haciendo
arte. Había un recelo contra él y me parecía
interesante que se viera. ¡Dejemos que mues-
tre a ver de qué está hecho!”, dice sobre esa
exposición. Y lo invitó “sabiendo que su obra
tiene una pulsión de mostrar una parte de la
sociedad colombiana que no queremos ver.
Él tiene una claridad política y se la juega”.
Ella también sabe que su trabajo puede re-
sultar molesto: “Creo que son proyectos
honestos y entonces molesta que seamos
independientes, que no vendamos las con-
vicciones. Creo que la independencia mo-
lesta. Hemos tenido dificultades: conseguir
plata, el más mínimo permiso es una lucha.
Colombia es difícil: el uno pendiente del
otro, no dejar hacer. Es normal en un país
tan desigual. Por ejemplo, ‘Fragmentos’ es
una ‘papa caliente’”.
Diego Guerrero /ARTERIA
Y ella tiene su mirada sobre ese tema de las
muchas ‘papas calientes’ que hay en este
país. “A los colombianos no les gusta recono-
cerse a sí mismos. Rechazan los trabajos con
el conflicto, prefieren ignorar lo que sucede.
Mire Bojayá: qué vergüenza lo que pasó y lo
que puede volver a pasar. Es una vergüenza
que no empiece la transformación social…
la pobreza a que la gente está condenada en
los territorios…”.
Lo que sí reconoce (aunque después de al-
guna insistencia) es que tiene buen ojo para
los proyectos. “Creo que hay que estar bien
acompañado... Todo lo que estudiamos es
válido si lo que tú conoces y eres está en jue-
go, está en juego la vida propia y la compren-
sión. Estamos abocados a una vida pública y
política, en el espacio público, no en el muro
(redes) ni en la casa. Los proyectos tienen
que ser suficientemente ambiciosos, con en-
vergadura. La fortaleza de un proyecto llega
en su capacidad de generar impactos”, dice.
Entonces, resulta ineludible preguntarle
por cómo ve lo que en Colombia se llama
‘Sector del arte’. Antes, aclara que ella ve las
artes como uno solo, que no separa entre
plásticas y visuales, y teatro o música, por
ejemplo. Pero sin negar que hay artistas
comprometidos, con referencia al sector de
las artes plásticas y visuales dice: “Hay poco
compromiso con debates grandes. Es muy
obediente, cómodo y burocratizado; pobre
en discurso y con programas difusos que no
permiten hacer un programa a largo plazo”.
Por eso cree que hay que trabajar en política
para las artes, generar una discusión fuerte,
“aparte de las becas de 15 millones que no le
sirven a nadie”. ¿Dura? Sí. Una década de su
trabajo lo demuestra.

Cómo la ‘autoflagelación’ ha
salvado al artista Edwin Jimeno
El Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo presenta ‘Introspectum’,
retrospectiva de 22 años de carrera del ‘performer’ samario.
D
espués de ver el trabajo de Luis
Caballero, dije: ‘Yo no puedo ser
dibujante, lo siento mucho, es una
responsabilidad demasiado alta en
el arte colombiano como para salir yo con un
mamarracho y hacerme llamar dibujante’. Des-
pués vi la obra de Alejandro Obregón y tam-
poco me pareció muy ético llamarme pintor,
pero cuando vi que María Teresa Hincapié y
Alfonso Suárez ganaron el Salón Nacional de
Artistas (1990 y 1994, respectivamente) me di
cuenta de que por ahí era la cosa”, recuerda el
artista Edwin Jimeno (1974), quien se dedica
a la performance desde hace 22 años.
Como una forma de rendirle homenaje a su
trayectoria, el Museo Bolivariano de Arte
Contemporáneo, en Santa Marta, presenta
hasta el 28 de enero la muestra retrospectiva
‘Introspectum’, con cerca de 20 acciones de
Jimeno entre 1997 y 2019, y que según
cuenta la curadora Estefanía Doria, busca
acercar al público a este artista multifacético.
“Quería hablar del Edwin político, al que le
interesan temas como el medioambiente
y que está comprometido con el dolor del
pueblo”, dice Doria sobre la exposición que
no solo ofrece una revisión de la carrera de
Jimeno, sino que pretende brindar una “ex-
periencia sensorial”, en la que por ejemplo se
combina performance y ‘arte postal’.
La muestra incluye Nicho humano, su prime-
ra obra, con la que entró al Salón Regional
de Artistas de 1997, antes de su grado como
licenciado en artes plásticas en la Universi-
dad del Magdalena (2000). En ella se mos-
traba cubierto de barro, sentado y quieto,
mientras su cabeza reposaba en una de sus
rodillas, simulando ser una escultura.
“Estaba desnudo, fue una forma de recordar
mi infancia. A nosotros en la costa, cuando
nos daba varicela de niños, las mamás y las
abuelas nos metían en una ponchera, nos
lavaban las poluciones y nos ponían alcanfor
con polvo de yuca. Fue una acción que recor-
daba ese momento”, explica Jimeno.
El curador Néstor Martínez Celis, quien le
dio clases a Jimeno en esa época, recuerda
Edwin Jimeno ha usado la ‘performance’ para sanar y para manifestarse frente a lo que ocurre en el país.
que tiempo después (en el 2001) fue una
sorpresa ver que el artista obtuvo el segundo
premio en el 38 Salón Nacional de Artis-
tas, con la obra Nacimiento. En ella estuvo
durante tres horas diarias en posición fetal
dentro de un nido que él mismo tejió. Con
esa propuesta había ganado primera men-
ción en el noveno Salón Regional realizado
en Sincelejo, en 1999.
“Ha marcado un hito en el Caribe, porque
ha presentado acciones muy atractivas y
elementos de significación muy importan-
tes. Tiene gran disciplina, un dominio cor-
poral, y una educación mental que hace que
el público se identifique con sus acciones”,
dice Martínez.
Aunque a Jimeno se le fueron abriendo las
puertas del arte desde temprano, tuvo que
enfrentarse a su familia, pues no creían que
podría llegar a vivir del arte. “Fui el primero
al que mi papá le dio una cachetada. Tras
ganar el Salón me dijo: ‘gánate tu plata,
retírate y ponte a estudiar’. Contesté que ya
había llegado allí y que no había vuelta atrás.
Al año siguiente gané la Bienal del Fuego”.
Allí, el samario ganó con el registro fotográ-
fico de una performance en la que se fumó
ARTERIA Ed. 71
Jairo Cáceres /Cortesía del artista
un cigarrillo hasta la mitad y luego lo apagó
sobre sus muñecas, como una forma de
imitar el estigma de Cristo. Con la plata de
los premios, compró una casa a su familia.
Edwin practica el flagelamiento y somete
su cuerpo a dolores y pruebas de resisten-
cia, tal como lo hacía Gunter Brus, explica
Martínez y agrega: “Esto le resulta atractivo
al público, porque en medio de esa entereza
que demuestra, se ve frágil. No es atlético
o musculoso, a veces se ve enfermo y uno
piensa que no va a resistir; lo que lleva a que
la gente se pregunte: ‘¿Cómo lo hace?’”.
El artista no recurre al dolor para demostrar
su fuerza, sino para sanar, dice. “Beuys decía
que su primera performance fue su nacimien-
to y yo reconfirmo estas palabras, porque
considero que mi primera performance fue
mi nacimiento. Mamá tuvo cinco hijos. Soy
el mayor y el único que no fue recibido por
una partera, sino en un hospital. No quería
nacer, desprenderme del vientre y tuvieron
que sacarme con unas cucharas metálicas.
Me arrancaron de mi lugar y la llegada a este
mundo fue dolorosa”, relata Jimeno.
Ante la vulnerabilidad en la obra del ar-
tista samario, Doria señala que con la
Noviembre 2019 - Febrero 2020
7
Cortesía del artista
‘Nicho humano’, primera ‘performance’ de Jimeno.
curaduría quiso mostrar “la otra cara de
la moneda. Siempre se habla de esa vulne-
rabilidad en su obra, pero me interesaba
ver a alguien que resiste, que se convierte
a sí mismo en un manifiesto y que deja
clara una postura sobre la política, sobre
la sexualidad, sobre su misma existencia,
sobre ser del Caribe”.
Un referente para la ‘performance’
“Cuando le preguntamos al público de Mon-
tería cuáles obras mantienen en grato re-
cuerdo, siempre hablan de la performance
de Edwin Jimeno”, cuenta Cristo Hoyos,
curador del Museo Zenú de Arte Contem-
poráneo, en donde el samario presentó en
2006 la obra Nacimiento. Ese año, habían
invitado a María Teresa Hincapié para que
fuera la primera artista de performance en
realizar una acción con ellos. “Ella no pudo
asistir porque se enfermó, pero me dijo:
‘te voy a recomendar a alguien que puede
reemplazarme’. Así que lo llamamos y fue
extraordinario. Yo nunca me lo imaginé de
ese nivel, lo veía solo como un joven gana-
dor, pero me conmovió”.
Pedro Román, quien hizo su tesis de maes-
tría en historia del arte sobre Jimeno, desta-
ca “el compromiso que tiene con temas que
son de interés en el país, como los ‘falsos
positivos’, las relaciones de poder, los abusos
en la guerra, incluso las relaciones íntimas
homosexuales entre los grupos uniforma-
dos, sin importar si son de la guerra, para-
militares o del Ejército”.
Ese dolor que el artista ha vivido y del que
ha buscado desprenderse con sus obras ha
generado incomodidad, hasta el punto que
ha sido amenazado en varias ocasiones. “El
año pasado recibí unas y hace unos diez años
me pusieron un arma en la cabeza por tener
el cabello largo para hacer una acción. Poco
me ha gustado hablar de ello, pero creo que
es hora de que la gente sepa que no todo es
color de rosa y empelotarte, sangrar y cor-
tarte. Es tomar una postura política. Llega
el momento en que dices ‘voy por acá o me
salgo’. Ya llegó el momento y yo ya he toma-
do mi decisión”, concluye Jimeno.
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
8
Felipe Lozano ganó el primer puesto del Salón de Arte Joven del Club El Nogal por la obra ‘Los jóvenes mártires’, secuencia de cinco retratos en óleo sobre lienzo.
Concursos impulsan la carrera de los nuevos
El décimo Salón de Arte Joven del Club El Nogal, el tercer Premio
Salón de Arte Joven de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño y la
tercera edición del Salón de Arte Joven del Museo de la Memoria de
Cúcuta dan oportunidades a los artistas que empiezan su carrera.
A
rrancar no es fácil para nadie y para
empezar a hacerse un camino en
el mundo del arte, muchas veces,
los artistas deben valerse de las
convocatorias y becas para obtener recursos
para producir sus obras y darse a conocer.
Para Marcela Betancourt, directora cultural
del Club El Nogal, “en Colombia, el apoyo a
los artistas jóvenes es poco y no es común
encontrar convocatorias o concursos de
reconocimiento nacional dirigidos a artistas
plásticos. Por eso, desde el Salón de Arte
Joven del Nogal buscamos darles un impul-
so para que arranquen su profesión con un
reconocimiento”.
Este evento, cuya décima edición fue del
23 de septiembre al 14 de noviembre, en el
Club El Nogal, en Bogotá, estuvo dirigido a
artistas desde los 18 hasta los 30 años, que
estuvieran cursando un programa univer-
sitario de artes en cualquier parte del país
o que fueran egresados. La inauguración,
donde se anunció como ganador a Felipe
Lozano, tuvo un lleno total.
Lozano se graduó en el 2017 de la Facultad
de Artes ASAB de la Universidad Distrital, y
recibió 10 millones de pesos por Los jóvenes
mártires, secuencia de cinco retratos en óleo
sobre lienzo, adquirida por El Nogal.
El segundo lugar fue para Sebastián Zea
Quintero, por Serie del hombre y el juego
(tinta sobre papel), que consiste en siluetas
en un contexto de la guerra, y el tercero,
por votación del público, fue para Angie
Laura Ardila /Cortesía de la FUGA
‘Cuerpos contenidos entre sí’, obra de Jazmín Rojas.
Natalia Vega con la obra Remembranza,
óleo sobre lienzo.
“El primer puesto lo entregamos por una-
nimidad: no es normal que los artistas
contemporáneos usen pintura sobre tela y
nos pareció importante rescatar la técnica
y reivindicar el oficio del pintor. Así mismo,
nos llamaron la atención la expresión de los
rostros y la manera cómo estos comunican
la desazón de la juventud”, dice Carlos Gue-
rrero, jurado del certamen junto a Javier Gil
y Nelly Peñaranda.
Lozano cuenta que la obra surgió de haber
retratado a sus amigos en momentos vulne-
rables. “Me di cuenta de que hay cosas que
marcan a esa generación de jóvenes márti-
res, nacidos en los 90 y es el miedo al futuro
incierto y al fracaso”.
Sobre el uso de la pintura, Lozano dice que
Cortesía del artista
con esta técnica surgen reflexiones que no
se dan con otras. “Hay cosas que solo puedo
resolver con la pintura, que son más emo-
cionales. Creo que hoy hay menos artistas
dedicados a ella porque para su desarrollo se
requiere un espacio y un tiempo que, con los
ritmos de ahora, no se tiene”.
Espacio para los artistas ‘emergentes’
Por tercera vez, la Fundación Gilberto Alzate
Avendaño (FUGA), en Bogotá, realizó su
Salón de Arte Joven, el cual exhibió trabajos
de 25 artistas del 16 al 29 de octubre y desde
el 7 de noviembre hasta el 20 de noviembre.
“En estos 49 años, la FUGA se ha caracte-
rizado por ser el lugar de los artistas emer-
gentes, donde han empezado su trabajo. Por
eso se creó el Salón de Arte Joven, dirigido
a menores de 35 años, como una forma de
seguirle apostando a su trabajo y de dar a
conocer nuevos lenguajes”, dice Katherine
Padilla, subdirectora artística y cultural de
la FUGA.
Este año se presentaron 80 participantes.
El jurado, compuesto por Karen Aune, Luis
Fernando Cruz y David Andrés Ayala, es-
cogió 25. En esta edición, se vio, sobre todo,
videoarte y fotografía, así como obras que
mezclan diferentes medios, y performance,
como CNI DE O (Cuerpo No Identificado de
O)(sic), de Isabella Sánchez, que consistió
en un procedimiento forense cuyo fin fue
esclarecer las causas de muerte de la señorita
O, quien murió, supuestamente, de asfixia
por inmersión. La acción fue un guiño a la
Un salón de arte joven, en Cúcuta
En su tercera edición, el Salón de Arte
Joven del Museo de la Memoria de
Cúcuta, que se realizó del 8 al 15 de
noviembre, mostró la creación local
de los artistas emergentes, en donde
predominó la pintura y el dibujo, y
hubo más espacio para las técnicas
mixtas, la fotografía, la imagen digital y
la ilustración.
“Hay una masa de artistas que han
encontrado en el arte un modelo de
ciudad que el establecimiento no está
brindando”, dice Alex Brahim, curador
del Museo de la Memoria de Cúcuta,
sobre este evento que reunió cincuenta
artistas, entre los 14 y los 30 años.
El curador destaca que en las obras de
este evento resaltaron temas como la
identidad, las miradas al paisaje y la
reivindicación a la mujer.
historia de ‘Ofelia’, personaje de Hamlet, y
una metáfora al recuerdo de las mujeres que
han sido encontradas en los diferentes ríos
de Colombia.
Obras como Portal III, de Jonathan Cha-
parro llamaron la atención. Al entrar a un
pequeño cuarto oscuro, cada espectador se
encontró con un tocador, una silla y un espe-
jo que reflejaba débilmente la escenografía
del cuarto de los abuelos de Chaparro.
“Hice la pieza a partir de una investigación
relacionada con la fotografía y quise llevarla
a una instancia más instalativa. Construí
una imagen de tres metros por unos 50
centímetros de alto, que se ubica detrás del
tocador y de un velo que está en un espacio
falso. Mi intención era generar un diálogo
con la casa vieja de la Fundación Gilberto
Alzate Avendaño”, dice Chaparro.
El artista se postuló al Salón porque brinda
visibilidad y por el estímulo monetario que
le permite seguir trabajando, según dice.
Para Padilla parte de la intención con este
premio es “que los artistas se sigan pro-
yectando y se conviertan en referentes. El
estímulo de 32 millones para el ganador y
los 16 millones que se lleva el segundo son
para que cada uno potencie su desarrollo
creativo. Una de las debilidades del sector es
que es difícil que los artistas tengan seguri-
dad económica que les permita concentrarse
en su obra, así que la intención del premio es
que puedan recapitalizar lo que invirtieron y
seguirse proyectando”.
Lugares del arte amigables con los perros

La constante práctica de la
minería deja sus huellas en el arte
Medio centenar de artistas exponen en ‘Fortuna’, en el Museo Universitario
de la Universidad de Antioquia y en la Casa Museo Pedro Nel Gómez.
Laura Guzmán Díaz*
MEDELLÍN
A
raíz de su interés en temas ecoló-
gicos, hace tres años, el curador
Óscar Roldán-Alzate inició una
investigación sobre cómo el arte
ha abordado el tema de la extracción mine-
ra. Esta partió de preguntas que giraban en
torno a la necesidad de expresión del dolor
y del miedo de los artistas contemporáneos
frente a la minería.
“En el proceso, me di cuenta de que eso
no siempre fue así. Para Pedro Nel Gómez
(1899) la minería no conllevaba miedo, sino
codicia, y en su obra se ve la guerra que
genera controlar esos recursos que todos
queremos”, dice Roldán-Alzate, director del
Museo Universitario de la Universidad de
Antioquia (Muua), en Medellín.
Los primeros resultados de la investigación
se mostraron en la exposición ‘Fortuna. Diá-
logos: extracción, economía y cultura’, que se
presentó en el Espacio ArtNexus, en Bogotá,
del 3 de mayo al 8 de junio de este año, y que
incluyó el trabajo de 18 artistas.
Ahora, esta muestra estará hasta el 30 de
abril de 2020, en el Muua y la Casa Museo
Pedro Nel Gómez, en Medellín, con una
“hipótesis más completa y un desarrollo más
amplio de una triada conceptual de extrac-
ción, economía y cultura”, dice el curador.
En la exposición hay obras de 50 artistas
colombianos, como Fredy Alzate, Adriana
Arenas, Fernando Arias, Pilar Aparicio,
Gabriel Botero, Antonio Caro, Pedro Nel
Gómez, Lina Mazenett, Mario Opazo, Ós-
car Murillo y Raquel Ramírez.
“Hay un desfase en el relato que nos han
contado, porque nos han dicho que de ca-
zadores-recolectores pasamos a ser cultiva-
dores-pastores y se les pasó decirnos que
fuimos mineros. Los cazadores-recolectores
se quedaron en territorios donde había ya-
cimientos y eso no nos lo contaron”, señala
Roldán-Alzate.
La instalación ‘Cartografía de la contienda’, de Lina Mazenett y David Quiroga, se exhibe en la Casa Museo
Pedro Nel Gómez, como parte de la muestra ‘Fortuna’.
La muestra exhibe un panorama amplio de
la extracción, a través de artistas de los siglos
XIX, XX y XXI que no solo hicieron creacio-
nes artísticas, sino también antropológicas y
etnográficas. También hay escultura, pintu-
ra, instalaciones, cerámica y video (algunas
hacen parte de la colección del Museo).
“La minería es indispensable, la humanidad
la requiere. Acá tenemos una plataforma
discursiva que nos dispone en un espacio de
reflexión donde la minería no es una cosa
horrible. Igualmente, la exposición sí señala
y denuncia cosas”, manifiesta el curador.
Por ejemplo, mientras se presentan dibujos
como El espíritu creador del pueblo antioqueño,
de Pedro Nel Gómez, que muestra las virtu-
des de la extracción, el público se puede en-
contrar con la intervención In Gold We Trust,
de Miguel Ángel Rojas, que muestra el afán
desmedido por obtener oro; y Nada dorado
permanece, de Óscar Murillo, enfocada en el
abuso laboral.
La obra de Murillo, ubicada en la sala patri-
monial del Museo de la Universidad de An-
ARTERIA Ed. 71
/ARTERIA
tioquia, resulta impactante pues a primera
vista se ve una maraña de tela y prendas de
vestir que, al mirarla con atención, devela
una especie de gusano que consume los
cuerpos de los trabajadores.
‘Fortuna’ no se trata solo de dar un panora-
ma colombiano. Al contrario, el espectador
se puede identificar con el desarrollo de
estas prácticas en Latinoamérica, tal como
lo hace la obra Mapa mudo, de Mario Opa-
zo, intervención en un muro del Museo,
que aborda problemáticas derivadas de la
minería en los lugares donde se lleva a cabo.
“Remite a Latinoamérica y a parte de los paí-
ses que, como el nuestro, dentro de sus diná-
micas económicas, la salida que han tenido
es echar mano de sus recursos naturales.
La exhibición cumple con los preceptos de
‘glocalidad’, en tanto que son artistas locales
pero el resultado es universal. La exposición
podría estar en cualquier lado y sería igual de
fuerte”, opina Roldán-Alzate.
Esto se logra transmitir a través de obras
como Sustracción, de Carlos Castro, hecha
Noviembre 2019 - Febrero 2020
9
‘La intervención de los pájaros o el gabinete del
vuelo’, obra de Jorge Marín.
en una de las paredes del Muua, que remite
a un grabado del siglo XVII el cual muestra la
mina del Potosí, en Bolivia, en la que se ve a
los hombres trabajar como hormigas.
“Hay muchos artistas trabajando sobre eco-
nomía, naturaleza y cultura. Si los reúnes,
empiezas un diálogo que lleva a una ‘novela’
con caminos que cualquiera puede recorrer.
Si te paras sobre Latinoamérica o en Colom-
bia te vas a dar cuenta de que los artistas en
este país siempre han tenido una relación
con la extracción”, dice el curador.
“A Pedro Nel la minería lo marcó desde su
nacimiento, porque nació en Anorí (Antio-
quia) en donde la extracción de oro artesanal
era el sustento de las barequeras que iban al
río. Su papá era propietario de minas. Por
eso en sus obras plasmó los barequeros,
las bateas, los rostros nostálgicos y la in-
dustrialización de las minas”, cuenta Paola
López, coordinadora de colecciones de la
Casa Museo Pedro Nel Gómez, que fue la
casa del artista.
A mitad del siglo XX, la gente no se pregun-
taba si habría dificultades tan complicadas
con el crecimiento de la población, “aunque
en el 72 el Club de Roma estaba prendiendo
las alarmas y decía que el desarrollo sosteni-
ble era la única salida. El ser humano es la
única especie disfrutando de su suicidio en
una fiesta pagana donde entre más brille y se
queme la carne, más goza”, dice el curador.
Agrega que los museos deben hablar de las
problemáticas y los conflictos. “En la mues-
tra, también hay una lectura de denuncia:
este es su espejo. Mírese. Usted verá si se
ve como una calavera o una criatura bella”.
*Con invitación del Museo Universitario de la
Universidad de Antioquia.
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
10

‘El Paseante’, de Nadín Ospina, conmemora

(y cuestiona) 200 años de la Independencia
Un inflable de ocho metros de altura, en la Biblioteca Nacional, es parte de la exposición ‘200 años
después’, que presenta, además, iconografía y piezas indígenas de la colección de esa biblioteca.

I
nspirado en los retablos quimbayas, el
artista bogotano Nadín Ospina creó
una escultura inflable de ocho metros de
alto, la cual fue instalada en el vestíbulo
de la Biblioteca Nacional de Colombia. Esta
escultura es la más reciente de las versiones
de El paseante, proyecto que ha viajado por
Cuba, Italia, Holanda, Estados Unidos y
Colombia, desde que lo hizo por primera
ocasión en 1997.

La pieza hace parte de la exposición ‘200

años después: Nadín Ospina y la pervivencia
de lo indígena’, la cual conmemora el bicen-
tenario de la independencia.

Los retablos quimbayas son representa-

ciones de figuras humanas, con anatomías
geométricas y simples. Sus rostros son inex-
presivos y están hechos a partir de hendidu-
ras para la boca y los ojos, y una protuberan-
cia para la nariz. Ospina, conocido por tener
una obra basada en figuras precolombinas
que cruza con íconos del mundo contempo-
ráneo, ha incorporado este tipo de imagen
en varias de sus obras.

“Desde pequeño he sentido fascinación por

el tema precolombino, por su formalidad.
Luego, en el desarrollo de mi obra artística,
descubrí una identidad en el entorno latino-
americano y en el colombiano en particular.
Me identifiqué con la realidad compleja del
país, que invoca, con nostalgia, el arte de
nuestros antepasados, pero que al mismo
tiempo destruye, menosprecia y asesina a
las comunidades contemporáneas super-
vivientes”, explica Ospina. Es imposible
dejar de pensar, con esta respuesta, en los
ataques de los cuales están siendo víctimas
las comunidades indígenas colombianas,
cuyos integrantes han sido asesinados en
muchos casos.
La figura está inflada en el vestíbulo de la
Biblioteca, un espacio con murales gigantes,
del suelo al techo y junto a las escaleras que
llevan al segundo piso, lo que hace inevitable
que sea apreciada.
El hecho de que la pieza sea inflable tiene un
carácter irónico, según Ospina, porque en
vez de ser una representación o una repro-
ducción en metal, piedra o cerámica de una
pieza precolombina, es una obra hueca, lo
que para él representa el vacío de la simbo-
logía que el gobierno y algunas instituciones
usan para exaltar el patriotismo. “Discursos
vacíos de contenido frente a la problemática
real del presente de las comunidades indíge-
nas”, añade el artista.
De todos modos, a Ospina el arte preco-
lombino no deja de parecerle enigmático.
“En muchos lugares por fuera de Colombia,
Nadín Ospina presenta ‘El paseante’ en el vestíbulo central de la Biblioteca Nacional. La obra ha recorrido distintos lugares del mundo.
e incluso algunos adentro del país, muchas
personas no saben de qué se trata. Quién es
ese ser tan extraño con esa configuración
anatómica tan rara. Ahí es donde comienza
una interacción muy interesante de hacerse
preguntas: ¿esto de dónde es? ¿Por qué es
así? ¿Por qué el color? Comunica cosas de
esa riqueza cultural, pero no de una manera
directa y elemental, sino que es una forma
problemática que genera muchas pregun-
tas”, dice Ospina.
Para el artista, El paseante más que una es-
cultura es una intervención, pues argumen-
ta que se lleva a cabo un proceso puntual
en el que el inflable se activa y se dispone
en distintos lugares por varios días. Para el
artista, esta característica le da un carácter
activo a la obra, al llevar esa idea compleja
del arte precolombino, insertada en la con-
temporaneidad.
El inflable está dispuesto junto a represen-
taciones e imágenes indígenas obtenidas
o realizadas por la Comisión Corográfica
(realizada entre 1850 y 1862), la cual reunió
a varios dibujantes, quienes trazaron y pin-
taron caminos y montañas de Colombia en
mapas, y retrataron a los indígenas del país
y sus costumbres.
La exposición presenta también documen-
tos de las colecciones y fondos de la Biblio-
teca Nacional de Colombia, divididos en
siete categorías: ‘El poder del lenguaje’, ‘La
fuerza política’, ‘Los dos grandes tesoros’,
‘Los investigadores’, ‘La Vorágine’, ‘La mira-
da colonizadora’ y ‘Jorge Isaacs viajero’.
“Esta es una exposición muy dialógica, en la
que mi obra forma parte de un contexto y
un conjunto de piezas que están invocando
la presencia de las comunidades indígenas
que hay en este momento histórico”, explica
el artista.
Los viajes de ‘El paseante’
La obra que se exhibe en la Biblioteca Na-
cional nació de un boceto modelado tridi-
mensionalmente en arcilla y yeso, el cual
fue recreado en un programa de diseño para
computador. Este fue enviado a empresas
que se encargan de fabricar inflables para
parques infantiles y publicidad, quienes
elaboran el objeto en un proceso que Ospina
describe como “industrial”: una máquina
corta diferentes piezas de una trama de tela,
las cuales son cosidas luego para hacer la
forma del inflable. Luego se conecta a un
motor que lo mantiene inflado.
La primera versión fue mostrada en Mede-
llín, como la imagen del Festival de Arte
de esa ciudad, en 1997. Luego de eso, ha
estado en parques públicos de Bogotá,
Elvia Ospina /Cortesía Biblioteca Nacional de Colombia
hizo parte de la Bienal de la Habana, en
el 2000; estuvo en la Bienal de Venecia un
año después, y luego pasó por Holanda y
Estados Unidos.
“En Medellín, la obra estuvo en varias comu-
nas y había personas que tenían el temor de
que dañaran la obra, pero por el contrario,
algunos habitantes de la calle decidieron
adoptarla y la cuidaban. En la Habana, una
cubana me preguntaba si esa pieza volaba o
podría desplazarse por el mar y rápidamente
me di cuenta de que su intención era con-
vertirla en una balsa gigante. Ella se sintió
muy frustrada cuando le comenté que iba a
necesitar un cable muy largo para ir hasta la
Florida (EE. UU.).
“En Holanda un vendaval destrozó un Pa-
seante y un cuidador del museo casi muere
porque en el momento en que el temporal
se desató, él intentó soltar el Paseante del
lugar donde estaba anclado, pero quedó
atrapado por una de las cuerdas del inflable
y lo arrastró por varios metros. El hombre
logró liberarse y la pieza salió volando, y
fue destrozada totalmente. Pérdida total”,
cuenta el artista.
‘200 años después: Nadín Ospina y la per-
viviencia de lo indígena’ se podrá visitar en
la Biblioteca Nacional de Colombia hasta
febrero de 2020. La entrada es gratuita.

Profesores se renuevan en sus territorios
El diplomado ‘Espejos y cartografías’, realizado en Cúcuta, Riohacha, Sincelejo, Villavicencio, Quibdó
Buenaventura y Florencia, llevó a estudiantes y profesores a intercambiar visiones sobre pedagogía y arte.
E
ste año, por tercera vez, el Área de
Artes Visuales del Ministerio de Cul-
tura, con el apoyo de la Fundación
Arteria, realizaron el tercer ciclo de
los diplomados ‘Espejos y Cartografías’, en
Cúcuta, Riohacha, Sincelejo, Villavicencio,
Buenaventura, Quibdó y Florencia.
Esta iniciativa gratuita, que en 2017 se realizó
en Pereira; y en 2018, en Santa Marta, Ocaña,
Neiva, Manizales, Tunja, Leticia, Pereira y
Popayán, busca formar en arte a formadores
(docentes de instituciones públicas o privadas
y artistas plásticos o que vienen de las artes
escénicas) de esas zonas, para que incremen-
ten sus conocimientos y tengan nuevas he-
rramientas para enseñarles a sus estudiantes.
En cada zona, 30 estudiantes recibieron 120
horas presenciales de clase en cinco módulos:
fotografía, dibujo, paisaje, cuerpo y pedagogía,
en donde desarrollaron ejercicios desde la pre-
misa de cómo se ven ellos en su región y cómo
reconocen los lugares que habitan.
Guillermo Santos, quien hizo parte del
módulo de fotografía en Florencia y en
Riohacha cuenta que en su caso más que
enseñarles a los estudiantes a tomar fotos,
buscó hacer una reflexión sobre el papel de
la fotografía, actualmente, en medio de la
tecnología. “Puse a los estudiantes a hacer
un recorrido sobre los elementos esenciales,
como la formación de la imagen con la luz.
Para eso, el diálogo con la ubicación y el
entorno eran importantes”, cuenta Santos.
Así mismo, el intercambio entre docentes y
estudiantes es uno de los objetivos del diplo-
mado, de ahí que se buscara que los profeso-
res provinieran de distintas zonas del país.
Para el artista bogotano Manuel Santana,
quien dictó clases de dibujo en Florencia, Sin-
celejo y Buenaventura, “desplazarse a otras
regiones es otra manera de conocer el país
que uno desconoce, porque se tienen otras
realidades y la pedagogía tiene que ver más
con una necesidad de vida. Me pareció impor-
tante constatar el valor que los estudiantes le
dan a la educación artística y que la ven como
una forma de relacionarse con el mundo”.
Uno de los estudiantes de Riohacha, Eusebio
Siosi Rosado, quien se graduó del diplomado
En ‘Espejos y cartografías’ los participantes pudieron interactuar con su entorno y el paisaje de sus ciudades.
Franklin Medina /Cortesía
Los objetos cotidianos fueron vitales para los estudiantes.
el 9 de noviembre, cuenta que él se inscribió
a esta iniciativa (mandó su hoja de vida y
una carta en la que expresó las razones por
las que quiso participar) porque “pienso que
es importante estar siempre en formación.
Siempre hay cosas nuevas que uno comparte
en estos espacios y hay un proceso de retroa-
limentación con los demás compañeros”.
Siosi, quien es artista visual, suele dar talle-
res de formación en instituciones culturales,
como los centros culturales del Banco de la
República, y formar parte de algunos proyec-
tos de concertación del Ministerio de Cultu-
ra y de proyectos de formación dirigidos a
públicos vulnerables, a niños en los colegios,
a jóvenes y adultos.
“Siempre me ha gustado trabajar procesos
de exploración con nuevos soportes y eso es
ARTERIA Ed. 71
Daniela Salcedo /Cortesía
gracias a todos estos talleres que uno recibe,
que multiplica y adapta al territorio. Yo hago
parte de la etnia Wayú y cuando voy a estas
comunidades tomo temas como el tejido
wayú y la simbología para hacer talleres que
fortalezcan el lenguaje en el arte y en la cos-
movisión wayú”, dice Siosi.
Una oportunidad para crear comunidad
La artista Angélica Teuta (Medellín), quien
dictó clases en Riohacha y Sincelejo, cuenta
que para su clase “uno de los requisitos es
poner a estos agentes del arte en una actua-
lización contemporánea. En este punto, yo
tengo un interés de revisar el tema del pai-
saje desde la historia de Colombia y lo que
hago es mirar cómo se ve el paisaje desde la
época del barroco, pasando por las vanguar-
dias y cómo se ve actualmente. Entonces lo
hago por medio de la pintura y desarrollo
una revisión de cómo se mira ese paisaje
desde diferentes perspectivas”.
Teuta explica que esto lo hizo desde cuatro
ejes: el paisaje como escenario o telón, el
paisaje como documento, el paisaje como
expresión y el paisaje como testimonio. “Se
dio una retroalimentación donde ellos me
hicieron consciente de muchos aspectos en
el paisaje, como su variedad; hablar de paisa-
je es muy diferente en Sincelejo, pues allí la
cultura costeña está fuertemente arraigada;
Noviembre 2019 - Febrero 2020
11
y en Riohacha, la conexión con lo wayú es
súper fuerte y es más bien un paisaje desér-
tico”, manifiesta Teuta.
De esta experiencia, Teuta destaca que con los
diplomados ha tenido la oportunidad de “hacer
colectividad entre los artistas, pues suelen estar
muy ensimismados y acostumbrados a que
todo sale del yo y eso me lleva a cuestionarme
por qué el mundo del arte no es muy colectivo.
“Lo que más me interesa de ‘Espejos y Car-
tografías’ es hacer estas redes, entender
que en estas zonas también hay artistas. Yo
enseño porque ellos también me enseñan
un montón de sus territorios y quedé con
muchas ganas de hacer proyectos con ellos.
Además, me gusta la disposición del progra-
ma que no es solo teórico, sino que propone
el quehacer”, dice Teuta.
Santana manifiesta lo mismo: “Uno en estos
sectores se da cuenta de que hay una alta
necesidad de los encuentros, debido a que
los artistas pueden desarrollar sus procesos
de una forma solitaria y conocer lo que otro
hace enriquece mucho la experiencia, ese es
uno de los valores del diplomado”.
Por ejemplo, el artista bumangués Nico-
lás Cadavid, quien dio clases de dibujo en
Villavicencio y en Cúcuta, señala que una
de las cosas más interesantes y que más le
gustó fue enseñarles tanto a estudiantes
que contaban con formación en artes como
a aquellos que no, ya que “algunos nunca
habían dibujado y le tenían miedo al dibu-
jo. Para mí fue satisfactorio ver que estos
estudiantes que al principio se quejaban, al
final demostraron con los resultados que el
asunto del dibujo no pasa necesariamente
por una condición técnica, sino que se trata
más de una forma de diálogo”.
¿Y cómo ponen en práctica los estudiantes
lo aprendido? Según Siosa, el mayor apren-
dizaje es que para el desarrollo de sus propias
clases pudo aprender que no es necesario
tener materiales específicos para crear. “Uno
puede usar cualquier material que encuentre
en el territorio y no es necesario tener mucha
plata para eso, porque hay elementos como
la tierra donde uno puede dibujar o puede
usar el cuerpo como una herramienta de
comunicación, en el caso de la performance”.
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
12
La bienal de Cúcuta aborda las fronteras y la migración
Juntos Aparte muestra obras de más de 70 artistas sobre los problemas que viven migrantes en el mundo.
David Guzmán*
CÚCUTA
E
s el mediodía de un miércoles y des-
de el puente internacional Simón
Bolívar, del lado de Cúcuta, hay una
fila de automóviles hasta donde la
vista alcanza, avanzando lentamente y le-
vantando el polvo a su paso. Ningún vehí-
culo cruza el puente, pues está obstaculizado
por un ya famoso contenedor atravesado en
la vía, pintado de amarillo, azul y rojo.
Entre el polvero, en los costados de la via, se ven
jóvenes venezolanos con la piel tostada por el
sol, corriendo a las ventanas de los carros, ofre-
ciendo sus servicios a los pasajeros para cargar
su equipaje hasta el otro lado del puente, a San
Antonio del Táchira, en territorio venezolano.
Los locales los llaman los ‘carretilleros’.
De los vehículos que llegan hasta donde em-
pieza el puente descienden los pasajeros car-
gados de alimentos y productos de aseo, en
todo tipo de condiciones. Se ven señoras de
edad mayor en sillas de ruedas que llevan pa-
quetes de botellas de gaseosa sobre su regazo;
niños y adultos que cargan al hombro costales
tan grandes como ellos.
El puente Simón Bolívar pasa sobre el río Tá-
chira, que también es la frontera entre Cúcuta
y San Antonio, y es la principal ruta de acceso
entre Colombia y Venezuela. En el 2015 Nico-
lás Maduro, presidente de Venezuela, ordenó
cerrar la frontera con Colombia, en el marco
de una crisis diplomática entre ambos países.
Como se sabe, por la situación económica
que vive Venezuela, muchas personas han
decidido migrar a otros países en busca de
oportunidades, y Cúcuta es una de las princi-
pales puertas de salida de los migrantes hacia
el resto del continente. Esta emergencia social
da origen a fenómenos de clandestinidad
como el contrabando de combustible, me-
dicamentos y todo tipo de productos, y a la
trata de personas en la frontera.
A lo largo de la historia, artistas han trabajado
en torno a la problemática de la migración,
denunciando los vejámenes a los que son
sometidos los migrantes, contando sus his-
torias o las de sus familias en sus viajes o
cuestionando la misma noción de frontera,
las divisiones administrativas del territorio o
los modelos económicos.
Un ejemplo es el documental creado por el
artista chino Ai Wei Wei, Human Flow, en
el que registra las condiciones de vida de
migrantes de Afganistán, Iraq y Bangladesh,
entre otros países que intentan entrar a Euro-
pa desde África y Medio Oriente, para escapar
del conflicto. Otro ejemplo, sobre el caso de la
frontera colombovenezolana, es el mural que
hizo la mexicana Teresa Margolles con foto-
grafías de mujeres carretilleras paradas en el
puente Simón Bolívar, titulado Carretilleras
sobre el Puente Internacional Simón Bolívar.
Esta intervención se expone desde el 11 de
Pintura de la serie ‘Ausencias presentes’, del colombiano Mauricio Sánchez, también conocido como ‘Masán’.
‘Made in Cúcuta’ es una obra hecha por Samir Quintero,
que alude al contrabando de gasolina en Cúcuta.
octubre, sobre la Avenida Panamericana de
Cúcuta, cerca del Tennis Club.
Ambas obras fueron presentadas durante
Juntos Aparte, bienal de arte que se realiza en
Cúcuta y aborda por segunda ocasión la pro-
blemática que se vive en las fronteras de Co-
lombia y Venezuela y otras partes del mundo,
desde una perspectiva artística y pedagógica.
“Juntos Aparte fue creada entendiendo a
la región de Cúcuta y la frontera como una
referencia en el mundo, no sólo por la crisis
humanitaria que vive, sino por ser frontera,
un lugar de transformación y una alternativa
de desarrollo de pensamiento. La bienal es
un escenario para la construcción de ciuda-
danía a través de la convivencia y el debate
con otros”, declara Alex Brahim, el director
del proyecto.
Juntos Aparte abrió por primera vez en 2017
y fue ideada por los hermanos Álex Brahim
y Luis Miguel Brahim, fallecido en enero de
este año. Ellos consideraban que el mundo
se encuentra en un momento que amerita
hablar sobre las fronteras y los inmigrantes,
/ARTERIA
y Cúcuta es un lugar óptimo para tener esa
conversación dada la crisis humanitaria cau-
sada por el cierre y la reapertura de la frontera
entre Cúcuta y San Antonio del Táchira.
“Nos presentamos a Bienal Sur 2017, junto
a más de 2.500 propuestas de 78 países, ana-
lizadas por un jurado compuesto por Hans
Ulrich Obrist, Néstor García Canclini, Gilles
Lipovetsky, Andrés Duprat y Ticio Escobar.
Ellos eligieron 36 propuestas, entre ellas la de
Cúcuta, y de esas propuestas de 2017 avalan
e invitan solo a permanecer para siempre la
nuestra”, explica Álex Brahím, a referirse a
que durante la inauguración de la primera
versión de Juntos Aparte, el director de Bie-
nal Sur, Aníbal Jozami, anunció que Cúcuta
sería una sede permanente de la bienal.
“La mejor forma de agradecerles, es decirles
que no creo que se pueda concebir ninguna
edición futura de Bienal Sur sin que los pro-
yectos de ellos y todo lo que tenga que ver
con Cúcuta tengan un lugar predominante
porque esta ciudad se ha ganado el derecho
a ser una de las sedes principales de Bienal
Sur”, dijo Jozami.
Para este año, en su segunda edición, la bie-
nal Juntos Aparte reúne obras de más de 70
artistas, organizadas en cinco exposiciones,
un ciclo audiovisual, cinco talleres, cuatro
intervenciones, cuatro conferencias y un con-
versatorio. Todos con entrada gratuita.
‘El puente está quebrado’, en el Centro Cul-
tural Quinta Teresa, es una muestra sobre
relatos y visiones de la frontera colombo-ve-
nezolana, representada a través de la produc-
ción artística colombiana y venezolana de este
siglo, con obras como la de Andrés Duplat y
el colectivo Calentado Producciones, quienes
documentan en fotografía y video la crisis
humanitaria en la frontera desde el 2015.
Dentro de esta misma exposición, Amparo
Cárdenas presentó el resultado y el registro
en video de un proceso titulado ‘Tierra pro-
metida’, el cual realizó en 2010 y que involu-
cró a alfareros colombianos del municipio de
Juan Frío, en Norte de Santander, y alfareras
de Lomas Bajas, en Venezuela.
El proyecto consistió en crear una vasija de
más de un metro de alto con arcilla vene-
zolana y moldeada en Lomas Bajas. Luego
fue traída a Colombia en una procesión por
el puente Simón Bolívar y cocinada en un
horno en Juan Frío. Cárdenas explica que
mientras en Lomas Bajas, la alfarería es un
oficio femenino y decorativo, en Juan Frío
tiene un propósito estructural a través de la
fabricación de tejas y ladrillos y es ejercida
mayoritariamente por los hombres.
“Para mí lo verdaderamente valioso de todo el
proyecto fueron las relaciones y las experien-
cias que vivimos los involucrados. La obra no
es esa vasija que usted ve ahí. La verdadera ex-
periencia estética está en los sucesos que atra-
vesamos con los alfareros y alfareras, quienes
viniendo de tradiciones distintas, se unieron
por un propósito común”, añade Cárdenas.
‘Entre toche y guayaba madura’ presenta en
la Biblioteca Pública Julio Pérez Forero obras
como la del rumano Ciprian Homorodean,
quien denuncia con humor e ironía la falta de
oportunidades laborales para los migrantes,
en su obra ‘Quiero trabajar’: una serie de
folletos dispuestos en una de las esquinas de
la sala en los que el rumano se ofrece para de-
sarrollar todo tipo de labores, como jardinero,
técnico de computadores, detective privado,
o médium.
A pocas calles de la biblioteca está la siguiente
muestra, ‘Sigan bailando (despierte al vecino)’
en la Casa Museo Torre del Reloj, que incluye
un mural creado por el colectivo basado en
España PSJM, titulado ‘Inmigración colom-
biana en Venezuela e inmigración venezo-
lana en Colombia de 1970 a 2018’. En el
muro pintaron una gráfica de la migración
de colombianos a Venezuela comparada con
la de migrantes venezolanos a Colombia, en
el período comprendido entre 1970 a 2018,
realizada a partir de los tres colores de las
banderas de ambos países.
A poca distancia también, en el Museo Norte
de Santander y ciudad de Cúcuta se muestra
‘es_ta_do_na_ción’, una exposición sobre
organizaciones políticas y su colapso en la
contemporaneidad. Incluye obras como el
registro del performance ideado por la Israelí
Yael Bartana, realizado en el 2016. Bartana
le comisionó a un joven hombre reemplazar
una bandera de Israel, situada en la piedra de
Andrómeda, en la frontera marítima entre
las ciudades de Tel Aviv y Jaffa, por un árbol
de olivo. Este gesto poético hace referencia a
la ocupación de Palestina por Israel, basado
en la importancia cultural que tiene el árbol
de olivo tanto para palestinos como israelitas.
*Con invitación de la Bienal Juntos Aparte.
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
14
El 45SNA según los
que estaban en ‘el
revés de la trama’
Mediadores, productores y comunicadores
que estuvieron detrás de la realización
del Salón Nacional de Artistas hablaron
de lo que les llamó la atención.
M
uchas de las personas que hicie-
ron posible que se realizara el
45 Salón Nacional de Artistas
(45SNA), pero que por estar en
‘el revés de la trama’, no figuraron, tuvieron,
sin embargo, la posibilidad de recorrer los
diez espacios en los que se llevó a cabo este
evento en Bogotá, desde el 14 de septiembre
hasta el 4 de noviembre de este año.
Paula Londoño, productora general del
45SNA, cuenta que en su caso y en el de su
equipo, vieron las obras a medida que iban
desarrollando el montaje. “Así fue como
visitamos el Salón, mientras íbamos cons-
truyendo esos pequeños mundos por el
centro (de Bogotá). Pero en nuestro caso
conocer las obras era ir más allá de lo que
mostraba cada una: saber de dónde vienen,
cómo llegan, quién está pendiente de ellas,
todos los detalles”.
En su opinión, una de las obras más impor-
tantes y que más le gustó fue The Tristan
Chord, de Pedro Gómez-Egaña: un esque-
leto de dinosaurio de papel que colgaba
del techo del Museo de Arte Moderno de
Bogotá y que todos los días a cierta hora ba-
jaba lentamente hasta tocar el suelo. “Verlo
subir y montar fue emocionante, lo disfruté
mucho”, dice Londoño.
Por su parte, a Andrea Pérez, quien hizo
parte del equipo de comunicaciones y estu-
vo a cargo de las redes sociales del 45SNA,
lo que más le gustó fueron las performances
del bogotano Alejandro Díaz Penagos (Los
trigales) y la artista brasilera Jota Mombaça
(Así desaparecemos). “Me mostraron que el
arte puede llegar a dar unos mensajes espe-
cíficos a través de la performatividad (sic) y
allí radicó mi enamoramiento con el Salón.
Además, las artes vivas atrajeron una au-
diencia diferente que la que suele ir al Salón
Nacional”, manifiesta Pérez.
En este punto coincide Yuli Rivera, guía del
Salón en las distintas curadurías, quien destaca
que se les dio espacio a actividades que no se
centraron en el objeto artístico. “A veces, la
performance es un arte menor que se deja atrás
en otros escenarios y fue muy interesante ver
cómo al público le llamó la atención, aunque
fuera muy extraño para ellos”, comenta.
“Performances como la de ‘La Dany’ Castaño
sintonizaron un evento tradicional con la
‘La Dany’ Castaño se presentó en Espacio Odeón y en la Cinemateca con un espectáculo que mezcló objetos
usados e historias improvisadas.
época que estamos viviendo culturalmente
en el país, más allá del glamur y el elitismo,
ese aspecto de ‘clase’ al que se liga el arte en
Colombia”, señala Andrea Pérez.
Londoño, Rivera, la mediadora Alejandra
Castaño, así como el guía John Éder Sacan-
tiva, coinciden en que una de las curadurías
que creen va a ser recordada es ‘La fábula
de Aracne’, que se exhibió en el Museo de
la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Rivera,
quien estuvo la mayoría del tiempo en este
espacio, dice que “fue desde esta curaduría
que el director artístico Alejandro Martín
desarrolló todo el concepto de ‘el revés de la
trama’. Creo que al público le gustó tanto por
la monumentalidad de las obras, porque el
espacio era propicio para estas y porque cada
una tenía una presencia muy fuerte y no era
un ‘revuelto’ de muchas cosas como se vio en
otras curadurías”.
Cortesía del 45SNA
‘Los trigales’, de Alejandro Díaz Penagos.
Adrián Gaitán elaboró la obra ‘Moebius Machine’ con colchones viejos y malla de construcción.
Cortesía del 45SNA
Entre las obras que se presentaron allí, des-
tacan La espalda de mi superficie, de Delcy
Morelos, y Ensayos sobre la fe, de Juliana
Góngora. “Una de las que más me llamó la
atención fue la de Juliana Góngora, porque
me puso a analizar cómo lo hizo y cómo lo-
gró esos detalles en los que se evidencian el
amor por la obra”, comenta Castaño.
‘Instancias’ es otra de las curadurías que el
equipo cree que va a tener relevancia en el
futuro, pues según Pérez, “tengo entendido
que es la primera curaduría web que se desa-
rrolla en toda la historia del Salón Nacional”.
“Es una curaduría por Internet, puedes ver
que hay muchas cosas sucediendo allí al
mismo tiempo. Como guía percibí que eso le
gustó mucho a la gente”, dice Sacantiva so-
bre esta curaduría, a la que todavía se puede
acceder en la página del 45 Salón Nacional
de Artistas.
Una oportunidad para salir del museo
Aparte de las obras que se exhibieron, el
equipo dice que algo que tuvo bastante re-
levancia fueron los procesos pedagógicos
que se desarrollaron a lo largo de todo el
45SNA, como parte del apartado ‘Antes
del amanecer’, por María Buenaventura.
“Siento que las actividades planteadas allí
fueron muy novedosas y reflejaron el amor
que tienen los artistas por la pedagogía”,
dice Rivera.
«Tras ver las clases de House of Tupamaras
(grupo) o el taller de producción de ‘El Carry’,
del Parche Artist Residency (colectivo), me
parece que ese lado disidente es muy impor-
Cortesía del 45SNA
tante en un evento que ha medido la tempe-
ratura del arte en Colombia», indica Pérez.
Para la comunicadora y para Sacantiva, quien
hizo sobre todo presencia como guía en el
Museo de Arte Miguel Urrutia y en la Univer-
sidad Jorge Tadeo Lozano, dentro de lo más
llamativo estuvieron los recorridos realizados
por los murales que se pintaron en el Salón.
“Me encantaron los recorridos por los mura-
les de ‘Contrainformación’, así como el mu-
ral hecho por Lucas Ospina y ‘Power Paola’,
porque fue una obra que generó un diálogo.
Además, fue dinámica y estuvo en constante
transformación”, resalta Pérez.
Sobre esto, Rivera comenta que esta fue una
de las cosas que más apreció, porque “los
murales permitieron que el espectador se
saliera de esos espacios de exposición y que
interactuaran con el arte más allá del museo”.
Además de estas actividades del 45SNA, los
laboratorios que se desarrollaron como par-
te de la curaduría ‘Mitopía’ (se llevó a cabo
en LIA, Laboratorio Interdisciplinario para
las Artes), también fueron vitales dentro del
evento, según Pérez.
Allí, varios colectivos realizaron residencias
artísticas y usaron el espacio como un centro
de operaciones, en donde se generaron dis-
cusiones, acciones y contenidos editoriales,
musicales y radiales, así como una crítica al
formato expositivo tradicional a través de
la configuración de distintas experiencias.
«Más que el espacio en sí, lo más valioso en
LIA fueron las interrelaciones e intercambios
que se dieron allí», opina Sacantiva.
Por último, el equipo destacó, dentro de lo
que más les gustó, el ejercicio de María Bue-
naventura de escuchar el río, así como Los
ecos de la chicha, de la curaduría ‘Espacios de
interferencia’; las obras del artista Luto pre-
sentes en ‘Arquitecturas narrativas’; El apa-
rato del progreso, de Eblis Álvarez y Mateo
Rivano, exhibido en ‘Universos desdobla-
dos’; Quimeras, de Wilson Díaz, instalación
con acetatos de vinilo, pinturas en acuarela
sobre papel y óleo sobre tela (vale decir, ya
presentada en distintos eventos); el trabajo
de Éricka Flórez, Mi negrito, y Hombres de
chocolate, de Carmenza Banguera; Pulpo,
de Yoshua Okón; Comunicaciones y compe-
tencias, de Néstor Gutiérrez, y El olor de la
guayaba, de John Nomesqui.

70 años de la producción artística
de David Manzur se ven en el Mambo
El Museo de Arte Moderno de Bogotá presenta ‘El oficio de la pintura’. La
exposición tiene pinturas, dibujos y videos de uno de los artistas más prolíficos.
A
sus noventa años, David Man-
zur no se da por satisfecho con
su carrera como artista. A pe-
sar de los reconocimientos que
ha recibido, el más reciente la Orden de
Boyacá, que recibió en noviembre de este
año, Manzur se mantiene concentrado en
seguir creando: “Me reto a ser y a buscar
y a explorar, y a no sentirme cómodo con
las cosas que llegan con el tiempo. Nada
de eso. Yo tengo que estar ganándomela a
diario”, explica el artista.
Con una muestra de casi 70 obras, princi-
palmente pinturas y dibujos, y un video, el
Museo de Arte Moderno de Bogotá (Mam-
bo) rinde un homenaje a David Manzur por
sus 70 años de obra artística. Manzur se
presenta nuevamente en el Mambo, luego
de mostrar allí ‘Ciudades oxidadas’, en 2011,
y ‘Un pez en mi estancia’, en el 2001.
“La exposición no está concebida como una
retrospectiva, a pesar de que es la muestra
más comprensiva del trabajo de Manzur,
pues todos los pasos de su carrera de 70
años están adecuadamente representados.
Por el contrario, el núcleo de la exhibición
es su producción más reciente, la cual de-
muestra ser el acmé de toda su trayectoria”,
explica Eugenio Viola, curador general del
Mambo y de la exposición, sobre el enfoque
que dio a la muestra.
Si bien la exhibición presenta obras de todos
los periodos de creación del artista, estas
no están dispuestas en orden cronológico
o por temáticas. Viola propuso, más bien,
organizar la exposición en torno al barroco,
tendencia que el curador identificó como el
hilo conductor de la obra, encontrándolo
presente a lo largo de toda la producción de
Manzur.
Las obras nuevas
En el segundo piso del museo se exhiben
las nuevas series de pinturas que Manzur
creó para esta exposición. Viola explica que
la intención del museo es volver sobre su
propósito como institución enfocada en el
arte moderno para presentar nuevas pers-
pectivas sobre el arte histórico colombiano,
como es el caso con David Manzur.
Una de las series nuevas es un políptico
de cinco elementos, expuestos en una sala
aparte, alusivos a la tragedia de Bojayá.
“Yo soy un tipo con una carga grande en la
memoria. A medida que pasa el tiempo, la
memoria va dejando una huella en las imá-
genes y, en cierta forma, las desdibuja o las
transforma. Esas imágenes transformadas
son las que estoy usando últimamente en mi
obra. El fuerte de la exposición está en una
obra en donde uno no puede ser ajeno a los
problemas que lo rodean.
David Manzur ha llevado su trabajo a un nivel de detalle que es casi obsesivo.
“Todos los artistas, en cierta manera, re-
flejamos estas cosas que nos rodean y que
contribuyen a la historia y a los horrores del
país. La explosión del cilindro en Bojayá es
algo que Colombia no puede olvidar. Yo voy
a presentar un políptico que me importa
muchísimo como reflejo de ese fenómeno,
en el cual me remonto a una obra flamenca
que me impresionó desde niño: un crucifijo
del artista Rogier van der Weyden. A partir
de su obra arranco hasta llegar a las paredes
vacías, heridas por la explosión del cilindro”,
explica Manzur sobre sus nuevas obras.
Aunque nunca satisfecho con su obra, Man-
zur reconoce que los logros, fruto de la in-
vestigación artística a la que ha dedicado su
vida, y su gusto por la historia del arte le han
permitido despojarse de lo innecesario, para
hablar solamente en términos de lo preciso
visualmente, en el espacio de un cuadro.
La ‘quadrería’
El muro del costado norte del segundo piso
está pintado de rojo cardenal, emulando
una quadreria italiana. Este es un término
acuñado en Italia en el siglo XVII para re-
ferirse a las primeras colecciones de nobles
ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
Cortesía
y burgueses, donde las obras se disponían
según sus dimensiones y sus colores, más
que por escuela, cronología o jerarquía. Hoy,
en Italia se pueden ver ejemplos de quadre-
rias como el Palacio Pitti, en Florencia, o el
Palacio Rossi Poggi Marsili, en Boloña. Este
tipo de espacios de exhibición tienen un
estilo barroco.
“Como el hilo conductor de la muestra es el
barroco, decidí yuxtaponer trabajos nuevos
y antiguos de Manzur y proponer un diálogo
entre su obra y la de Gregorio Vásquez de
Arce y Ceballos, quien es el artista más emble-
mático del barroco colonial. Quiero agradecer
al Museo Colonial por aceptar prestarnos sus
obras. Sólo el 3 por ciento de la obra de Vás-
quez de Arce y Ceballos no es religiosa”.
En este muro presenta una instalación de
pinturas con trabajos de los ochenta, setenta
y sesenta, alternados con obras del periodo
colonial y del siglo XIX.
‘El gabinete de dibujo’
También en el segundo piso, el museo dis-
puso una sala para mostrar arte moderno en
un espacio que llamó ‘El gabinete de dibujo’.
15
Cortesía
La exposición muestra fotos de distintas etapas.
Algunos de estos dibujos son estudios del
proceso para obras finales, pero se muestran
como obras en sí mismas, dada su calidad.
Viola destaca en esta sala cómo Manzur
usa el dibujo como método de investigación,
comparando su proceso epistemológico con
el de maestros del renacimiento. “Creo que
el arte siempre es contemporáneo, cuando el
artista lo hace y a través de la visión contem-
poránea de los espectadores”, añade Viola.
La ‘performance’ inédita de Manzur
En el segundo piso, en un televisor de plas-
ma, el museo mostrará, por primera vez, el
video de una performance que hizo Manzur
sobre el pintor Francisco de Zurbarán. Vio-
la destaca de este registro la calidad pictórica
y la compara con los filmes de Pier Paolo
Pasolini, en cuanto a la sensibilidad que
tenía el director por su trabajo como pintor
y su educación en historia del arte.
“Zurbarán siempre ha sido un personaje
que resume para mí el siglo XVII español.
Me interesé por él principalmente por ese
aspecto quizás teatral. Entonces hice con
un grupo de trabajo una serie de ensayos
cinematográficos sobre el espíritu que tenía
la España del siglo XVII, relacionado con
la llamada escolástica o mística, que era
inherente a la mentalidad de enseñanza que
había en ese entonces”, dice Manzur, que
estuvo internado durante la Guerra Civil es-
pañola, de 1936 a 1939, estudiando dibujo
en el Colegio Claret, de Las Palmas (España),
donde conoció la obra de Zurbarán.
El muro de la colección del Mambo
En el primer piso, hay un muro para dispo-
ner temporalmente piezas de su colección.
Para ‘El oficio de la pintura’, el Mambo col-
gará las pinturas del artista que tiene en su
colección.
‘La pintura se toma el Mambo’
Bajo el eslogan ‘La pintura se toma el Mam-
bo’, además de la exposición de Manzur, el
museo muestra pinturas del artista colom-
biano Julián Burgos, en el sótano, escultu-
ras de Verónica Lehner, en el primer piso
y a las afueras del museo y pinturas de la
colección en una muestra titulada ‘Variacio-
nes infinitas’, sobre abstracción geométrica
en la colección del Mambo, en el último piso.
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
16
MEDELLÍN
Museo de Arte Moderno
de Medellín (Mamm)
Exposición colectiva: ‘El
círculo que faltaba’
Sebastián Múnera: ‘Delito
y ornamento: falsa
libertad, falsa captura’
Lucrecia Dalt: ‘Multiples of Stupor’
Lugares de arte amigables con los perros Hasta febrero 2

‘El círculo que faltaba’ presenta en las salas

BOGOTÁ ‘a’ y ‘b’ 67 obras, creadas por 26 artistas en
Ojo Rojo Fábrica Visual torno a cadáveres, en particular, de figuras
Colectivo Is This Tomorrow: políticas latinoamericanas, para explorar
‘Is This Tomorrow?’ las repercusiones que causaron sus decesos.
Hasta febrero 27 En ‘Delito y ornamento’, Sebastián Múnera
La muestra presenta fotografías, textos aborda con sus obras el hecho de que en el te-
y materiales de archivo de la época de la rreno del antiguo zoológico de Pablo Escobar
Guerra Fría en Latinoamérica. El eje de la funciona hoy la cárcel El Pesebre. Lucrecia
muestra es el archivo, que los artistas usan Dalt presenta una instalación sonora, pen-
para explorar los efectos y legados de estos sada para que los espectadores experimenten
conflictos políticos e ideológicos en América Cortesía del Museo de Arte Moderno de Medellín sonidos distintos a medida que se mueven.
del Sur. Fotografías históricas, desclasifi-
cadas y creadas se mezclan con crónicas,
dibujos, monumentos y relatos para formar BOGOTÁ
esta exposición. Cortesía del colectivo Is This Tomorrow Project Museo Santa Clara
Matías Quintero: ‘Sol invicto’
Noviembre 28-febrero 23
BOGOTÁ
Museo del Oro Sol Invicto es una instalación creada para el
‘Museo del Oro: 80 años de espacio del museo, compuesta por piezas
historias compartidas’ escultóricas emplazadas para establecer rela-
Hasta octubre 10 de 2020 ciones con la antigua iglesia clarisa. La obra
de Matías Quintero explora la práctica del tejo
Esta muestra celebra la adquisición del Po- como elemento cultural popular y simbólico. Cortesía del artista

poro Quimbaya por parte del museo, hecho

que dio inicio a una colección arqueológica
de orfebrería prehispánica, la más grande CALI
en el mundo, y la semilla de una red de mu- Centro Cultural
Cortesía del Museo del Oro seos a lo largo del país. Colombo Americano
Abdu Eljaiek: ‘Go West!’
Noviembre 21-enero 31

BOGOTÁ ‘Go West!’ muestra 33 fotografías realizadas

Espacio Fundación en 1974 por el fotógrafo colombiano Abdu
Art Nexus-Estudios Eljaiek en el recorrido por Washington,
Las Nieves Nueva York, San Francisco, Arizona, Utah
Exposición colectiva: y Nuevo México. La exposición fue curada
‘Un largo recorrido. Cortesía del Centro Cultural Colombo Americano Cali por Santiago Rueda.
Arte cubano
contemporáneo’ BOGOTÁ
Hasta diciembre 20 Flora ars+natura
Cortesía de Art Nexus

Se presentan obras de artistas formados en Cuba a partir de mediados de los setenta, en el mar-
co de reformas educativas e institucionales que promovieron el desarrollo de un movimiento
artístico contemporáneo a nivel latinoamericano. La muestra incluye más de 90 obras realizadas
a partir de 1980, en diferentes técnicas que dan cuenta de las prácticas artísticas de varias genera-
ciones de la isla. La exposición fue curada por Francine Birbragher y Celia Sredni de Birbragher.
ARMENIA
Alianza Francesa de Armenia
Laura Hernández: ‘Caerse de la cama’
Hasta noviembre 25
Teresa Cruz: ‘Habitantes de la
calle, paisaje espontáneo’
Hasta diciembre 6
‘Caerse de la cama’ muestra dibujos, esculturas,
videos e instalación. Laura Hernández aborda
temas como el cuerpo, la enfermedad y el fra-
caso, a partir de su experiencia personal como
paciente que enfrenta un dolor crónico desde
hace varios años. El proyecto se presenta en el
primer piso de la Alianza Francesa de Armenia.
‘Habitantes de la calle, paisaje espontáneo’
aborda el fenómeno de la reacción de la natu-
raleza ante procesos urbanizadores y lo trata a
Cortesía de la Alianza Francesa de Armenia través de pinturas, collage, video e instalación.
Luis Fernando Ramírez: ‘Coro
de quejas de los barrios
San Felipe y Juan XXIII’
Margaret Mariño: ‘Las
obsesiones no se negocian’
Exposición colectiva: ‘Puesta
en público de procesos del
programa Amazonas’
Hasta diciembre 15
Siguiendo el protocolo de los artistas Teller-
vo Kalleinen y Oliver Kochta, Luis Fernan-
do Ramírez dirigió un coro de vecinos del
barrio donde está ubicado Flora ars+natura
(San Felipe) acompañados por la Banda
Pelanga Ligera, para cantar las quejas y recla-
mos de los habitantes del sector y registrarlo
en video. ‘Las obsesiones no se negocian’
es un proyecto audiovisual de Margaret
Mariño, en el que aborda temas como los
actos obsesivos y los sistemas de control.
Se mostrarán performances de Elisa Triana,
Antón Ceballos, Maria Daniela Rojas, Al-
fonso Venegas y Jenny Toro, participantes
del laboratorio de investigación en torno al
cuerpo, dirigido por María José Arjona. Cortesía de Flora ars+natura
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
17

Food of War: la
IBAGUÉ
Museo de Arte de Tolima
‘Goya, en Ibagué’
Hasta febrero 16

Esta muestra presenta una selección del

legado gráfico de Francisco de Goya, con
relación entre la
comida y los conflictos
cerca de 70 grabados realizados a finales
del siglo XVIII en España, que se reunieron
de colecciones de Sevilla, Madrid y Ciudad
de México. Esta exposición fue curada por
Darío Ortiz. Catalina Garzón /Cortesía Museo de Arte de Tolima

El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá

muestra una exposición itinerante por varios
países, concebida por dos artistas colombianos
en el exterior. Son 26 obras de 25 creadores.

E
l colectivo ‘Food of War’, fundado en
el 2010 por los artistas colombianos
radicados en Londres Hernán Ba-
rros y Ómar Castañeda, presenta
en el Museo de Arte Contemporáneo de Bo-
gotá (MAC)‘¿Paz en las mesas?’, que aborda
la relación entre la comida y los conflictos
humanos, con el contexto colombiano para
esta exposición.

“Estos conflictos no son solo políticos, se

Cortesía del Museo Rayo
ROLDANILLO ‘Nueve pintores contemporáneos cuba-
Museo Rayo nos’ muestra 19 pinturas en gran formato,
Exposición colectiva: ‘Nueve creadas por nueve artistas cubanos. Javier
pintores contemporáneos cubanos’ Caraballo presenta un óleo sobre lienzo de
Javier Caraballo: ‘Javier Caraballo’ gran formato en las cuales retrata escenas
Ómar Rayo: ‘Humor de intriga. El museo exhibe dibujos, pintu-
gráfico, dibujos, pinturas ras, grabados, intaglios de Ómar Rayo. ‘Bá-
y grabados’ y ‘Oxímoron sica TV’ presenta un video de un minuto y
visual, pinturas e intaglios’ medio. Los jardines de esculturas muestran
Básica TV: ‘Obra huésped’ obras de Édgar Negret, Eduardo Ramírez
Exposición colectiva: Villamizar, Carlos Rojas, Ana Mercedes
‘Jardines de esculturas’ Hoyos, Lydia Azout, Antonio Caro, John
Exposición colectiva: ‘Las Castles, Clever Machado, Claudia Hakim,
transformaciones del paisaje’ Pablo Bartelsman, Jaime Gutiérrez Lega,
Desde enero 18 Manuel Hernández, Bernardo Salcedo,
Juan Peláez, Miguel Castillo, Hugo Zapa-
ta, Pepe Toledo, Mario Vélez y Ómar Rayo.
BOGOTÁ
Maleza Proyectos
Camilo Parra:
‘Vista previa’
Noviembre 29-enero 15
‘Vista Previa’ presenta piezas ins-
piradas en el cuarzo, el paisaje y el
tiempo. Muestra también instala-
ciones con animaciones e impresio-
nes fotográficas intervenidas. Camilo Parra /Cortesía de Maleza Proyectos
BOGOTÁ
NC-arte
Cristián Salineros:
‘Órdenes sistémicos’
Noviembre 23-enero 31
El artista chileno Cristián Salineros pre-
senta una instalación escultórica de gran
formato que aborda temas como las políti-
cas sobre el espacio, relacionando el cuerpo
Cortesía de Cristián Salineros
con la arquitectura y planteando las relacio-
nes que se construyen desde la experiencia
misma de las formas y el rol del espectador
como activador.
extienden de lo familiar a lo social y abarcan
lo colectivo y lo individual, retratan los con-
flictos de creencias, de dogmas, de identidad
personal, de narrativas contradictorias, son
el tejido de la vida humana”, explica Gabrie-
lla Sonabend, artista y escritora británica, y
cocuradora de la exposición junto a Barros
y Castañeda.
Una de las obras es el video de Esteban
Peña, titulado Sal, que muestra seis manos
unidas hechas de sal. Está inspirado en una
foto de las manos del expresidente Juan
Manuel Santos, el presidente cubano Raúl
Castro e Iván Márquez, miembro de las
disidencias de las Farc, cuando firmaron
los Acuerdos de la Habana, en Cartagena,
en 2016.
“Durante cuatro minutos, el artista usa sus
manos para borrar la imagen histórica, re-
cordando a la audiencia la fragilidad de la
paz, la naturaleza indefinida de la política y
el dolor y la amargura que quedan después
de la destrucción de una promesa”, explica
Sonabend.
Por otro lado, el venezolano Juan Cabello
representa la crisis que vive Venezuela con
fotos de estantes vacíos que incorpora en
sus collages, junto a imágenes de exuberancia
de plantas y vegetales. Según la curadora,
la abundancia y vistosidad de las plantas
aluden a la exoticidad asociada a los países
latinoamericanos y contrastan con las imá-
genes de las despensas vacías.
“La idea de que los venezolanos, de alguna
manera, han provocado esta crisis hace eco
de las aterradoras palabras de los líderes fas-
cistas anteriores y refleja los sentimientos de
las personas xenófobas de todo el mundo.
La pieza destaca lo difícil que puede ser con-
ciliar una realidad enormemente compleja
con proyecciones externas de lo que es y
representa un país. Habla de un poder para
marcar las narrativas de los demás, mientras
Cortesía de Germán Arrubla
Así luce el cerebro de Jorge Eliécer Gaitán.
que, convenientemente, hace la vista gorda.
¿Cómo traer esto a la mesa en busca de una
solución?”, dice Sonabend.
Otra pieza llamativa es la serie de fotos que
tomó el artista Germán Arrubla al cerebro
de Gaitán. Sonabend explica que después
del asesinato del caudillo, en 1948, su hija
mandó a conservar el cerebro y el corazón de
Gaitán en formaldehído, con la esperanza
de ponerlos al servicio de la ciencia. Pero,
por errores en la conservación, se secaron
y quedaron olvidados en el Museo Gaitán,
donde Arrubla los fotografió.
La curadora compara la apariencia de los
órganos de Gaitán con la del chocolate y
reflexiona sobre los restos materiales y su
decaimiento, en comparación con la mag-
nitud de la importancia que tuvo Gaitán en
la historia del país. “En esto se convierte en
un gran líder, después de un peculiar acto de
amor de una hija que espera que el futuro
pueda aprender del pasado, un pasado ahora
congelado e indescifrable”, añade Sonabend.
Para el colectivo, el conflicto colombiano
está relacionado con la distribución inapro-
piada de recursos naturales como los culti-
vos, el agua y la tierra. La comida resulta un
aspecto relevante, si consideramos la falta
de apoyo a cultivadores locales, la presencia
y el control de largas extensiones de tierra
por parte de grupos armados y los progra-
mas de erradicación de cultivos ilícitos con
agentes que afectan el suelo y los cultivos
circundantes, a largo plazo. ‘Food of War’
estará abierta hasta el 29 de febrero.
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
18

Sección conducida por Humberto Junca Casas.

Eduard Moreno
Artista plástico

Pocas veces se les pregunta a las personas que trabajan en el mundo del arte sobre su formación, sus maestros, sus compañeros de clase o su relación y posición frente a
las instituciones educativas, como si los artistas hubiesen aprendido solos y sus reacciones frente a estos edificios de poder fueran algo circunstancial. Aquí se demuestra lo contrario.

Humberto Junca: ¿Recuerda alguna expe-

riencia educativa, tanto dentro como fuera
del salón de clase, que haya sido fundamen-
tal para usted?

Eduard Moreno: La experiencia que más

me marcó en mi infancia tuvo que ver con
mi casa, con la influencia de mis padres, Mi-
sael Moreno y Berta Sánchez. Mi papá vie-
ne del campo, de Boyacá. Llegó muy joven a
Bogotá huyendo de la violencia y la pobreza.
Aquí se enamoró de mi mamá, que venía del
Huila buscando un mejor futuro. Por eso mi
niñez fue marcada por la precariedad. Re-
cuerdo mucho cómo armaron, poco a poco,
mi barrio, Palermo Sur, lugar que potenció
de una manera tremenda mis sentidos.

Al comienzo no tenía alcantarillado y por

todo lado había barro, lodo y arcilla. Con
esos materiales los adultos construyeron el
barrio y con esos mismos materiales jugá-
bamos los niños. Recuerdo que en octubre
salían cucarroncitos por todos lados y las
charcas se llenaban de renacuajos. Los niños
nos poníamos a atraparlos, a pescarlos. Así
mismo, llegaban los camiones del recebo que
arrojaban por las calles los bloques partidos
de las ladrilleras aledañas, obedeciendo ór-
denes de los presidentes de las juntas de
acción comunal que trataban de pavimentar
con ellos las calles enfangadas. Era muy ché-
vere tener ese material a mano.
Tuve una niñez linda, pero también peli-
grosa. Muchos amigos de escuela, La Con-
centración Barrio Palermo Sur, murieron o
desaparecieron por la violencia y la pobreza.
Por eso fue muy importante para mí ver a mi
papá luchando para salir adelante. Siempre
quiso tener una industria y su sueño de pro-
greso y modernidad me marcó un montón.
A estas alturas, debe tener unas cuaren-
ta máquinas de coser sin funcionar, pero
mientras yo iba creciendo vi cómo consolidó
su fábrica, vi cómo él y mi mamá invertían
todos sus días trabajando por ese sueño. Lo
primero que hizo mi papá al llegar a Bogotá
fue volverse vendedor en San Victorino.
Ese lugar fue el centro de sus negocios. In-
cluso cuando estudiaba en la universidad,
yo todavía cargaba paquetes para después
vender en San Victorino. Ahora lo veo como
un espacio muy especial y siento que es un
privilegio haber crecido en él. Allí entendí la
importancia del tiempo, del trabajo y de la
emancipación, la idea de que uno puede tra-
bajar por sí mismo sin ser un subordinado
en una fábrica o una empresa.
H.J.: ¿Recuerda alguna clase o profesor que
haya sido importante en el colegio?
E.M: Hay una experiencia inolvidable que
Eduard Moreno posa junto a su obra en la exposición ‘Nudo ciego’, realizada en Espacio El Dorado, en el 2015.
le debo a Eduardo Calderón. Era profesor
de español en el colegio Restrepo Millán.
Él se dio cuenta de que yo falsificaba los
exámenes. Yo repetía todo y colocaba una
nota diferente, cambiando respuestas, fal-
sificando la letra y la firma del profesor. Allá
tenían una forma muy curiosa de calificar.
Primero entregaban los exámenes califica-
dos y cuando se tenían todos, los volvían a
pedir para copiar las notas.
En ese momento los falsificaba. Me sen-
tía muy feliz falsificando, hasta que este
señor se dio cuenta, me buscó y me dijo:
“Sé que usted falsifica exámenes y califica-
ciones, por eso le propongo que se aprenda
de verdad los temas que estamos tratando
o lo hago expulsar. Quiero que aprenda qué
significa la letra, la palabra que usted está
falsificando. Quiero que piense qué signi-
fica que creamos en algo o no creamos, que
respetemos una norma o no la respetemos.
Puede seguir falsificando y engañando a los
demás, porque a usted le queda fácil. Pero
engañarse uno mismo, eso sí que es peligro-
so y trae sus consecuencias”.
Recuerdo mucho ese regaño, quizás porque
el arte está muy vinculado a todo eso: la
copia, la reproducción, el uso de un signo
que reemplaza lo real, el engaño. Desde
aquel día ese profesor me empezó a enseñar
muchas cosas de caligrafía y de grafología.
Gracias a él entendí que así como podía imi-
tar un pájaro a través del dibujo, también
podía imitar el temperamento de un artista.
Por eso, tiempo después, en la universidad
terminé haciendo copias de dibujos de Luis
Caballero y de Santiago Cárdenas. De he-
cho, una persona me pagó por hacerle dos
‘Santiagos Cárdenas’. Eso fue buenísimo.
Copiar es bueno, es chévere. En aquel mo-
mento, para mí el arte consistía en copiar
lo más parecido al modelo. Y siempre pen-
sé que haciendo eso iba a vender bien mis
pinturas e iba a llevar dinero a casa lo más
rápido posible.
Mientras estudiaba en la Nacional me iba
para Galerías (sector de Bogotá) a ver los bo-
degones y los paisajes en todas esas vitrinas y
pensaba: aquí es donde está mi futuro. Pero,
poco a poco, esos modelos capitalistas y fun-
cionalistas calcados de mi padre empezaron a
quebrarse al ir estudiando y comprender otro
tipo de relaciones y de maneras de entender
el arte, mucho más vivas, más complejas. Eso,
por supuesto, me generó una crisis tremenda.
Yo estudié en la Nacional de 1994 a 2001.
H.J.: ¿A quién recuerda en la Universidad
Nacional?
E.M.: A la maestra Stella Muñoz. Ella me
dio dibujo y pintura y tenía una visión muy
particular de la enseñanza, pues nos dijo que
Diego Guerrero /ARTERIA
era imposible compartir conocimiento sin
reconocer el mundo de los afectos, sin reco-
nocer nuestros miedos y nuestros deseos,
sin reconocer lo que pasa con nuestra pareja
o los problemas que tenemos en la casa. Así
empecé a elaborar un lugar de pensamiento
vinculando la creatividad, la enseñanza y los
afectos. Estudiar con Santiago Cárdenas fue
fundamental. También tuve clase con Gus-
tavo Zalamea. Lo recuerdo mucho porque
sacrificó parte de su trabajo artístico por la
pedagogía. Hacía énfasis en que el artista es
un pedagogo.
En ‘Taller Ciudad’ nos habló de sus postales
y de sus proyectos con Bogotá y nos puso a
buscar imágenes urbanas, a hacer collages
e intervenciones en lugares públicos. Al
enfrentarme con estas nuevas formas de
pensar el arte, tuve claro que tenía mucho
miedo de salir de la universidad y jugármela
como un verdadero artista. El lugar más
cómodo para mí era ser un pintor comercial.
Luego rompí tanto ese esquema que no volví
a vender un carajo. Se me fue la mano, creo.
H.J.: También ha sido docente. Cuénteme
sobre eso.
E.M.: El maestro Rolf Abderhalden tenía
organizado un convenio con la Secretaría
de Educación donde algunos estudiantes de
arte a punto de graduarnos podíamos hacer

Celebraciones
Noventa años de controversia en el MoMa
La historia del Museo de Arte Moderno de Nueva York ha tenido dinero, benefectores, sangre y contradicciones.
Guillermo Vanegas*
E
l 7 de noviembre de 1929, es de-
cir, a dos meses del ‘Viernes Negro’
que dio inicio a ‘La gran depresión’,
que diera inicio a la Segunda Guerra
Mundial, abrió sus puertas el Museo de Arte
Moderno de Nueva York.
En principio se trataba de una entidad in-
teresada en promover el arte cuyo nombre
indica pero, también desde sus inicios no
ha dejado de contar con lo más saludable
que ha aportado la cultura occidental al
pensamiento de la especie: la permanente
posibilidad de la controversia.
Esta situación, en realidad, la ha engrandeci-
do, posicionado y caracterizado. Sobre todo
porque revela un estado siempre deseable:
nada mejor que un ente cultural de alcance
global esté sometido a la veeduría exter-
na para que sus integrantes comprendan
mejor su devenir. O a una serie de debates
consecutivos que les permitan revisitar su
enfoque. O a polémicas intermitentes que
aviven su presencia en la esfera pública.
Como en otros museos de talante similar,
sin enfrentar la crítica pertinaz este museo
no sería lo que es.
El recuento de sus logros y debates podría
comenzar, por ejemplo, con lo problemático
que resultó desde el comienzo mismo de su
operación el haber incluido un concepto tan
omniabarcador como el de “moderno” en su
denominación. En una reciente conferencia
del director de Museos y Exposiciones de la
Fundación Juan March, Manuel Fontán del
Junco, se recordaba que algunas intelectua-
les remarcaron la contradicción evidente allí.
Entre ellas citaba a Gertrude Stein cuando
comentaba que “o es museo o es moderno,
(pero) las dos cosas juntas no se puede.” (1)
Ahora bien, en una extraña actitud que de
por sí daría para varios artículos, hay que re-
cordar que para comenzar su actividad, una
vez los miembros de su junta directiva de
Eduard Moreno
una práctica extracurricular en colegios pú-
blicos. Así resulté dictando clase en dos cole-
gios en Usme, una experiencia maravillosa.
Esa localidad es la que más papel de desecho
recibe en Bogotá. En un momento nos sa-
caron del colegio y terminamos haciendo el
taller en la iglesia de Nuestra Señora de Los
Huérfanos. Esa iglesia fue muy importante
en el Bogotazo, pues albergó a niños del
sector para protegerlos de la violencia y de
ahí su nombre. Años después, se robaron el
cuadro que entronizaba esa iglesia, el de La
Virgen de Los Huérfanos.
Mientras estaba ahí, enseñando a hacer
papel, mataron en la ‘L’, dentro del ‘Bronx’, a
base se reunieron en Manhattan para firmar
el manifiesto-invitación a suscribirse a la ini-
ciativa titulado ‘The Museum of Modern Art.
A New Institution for New York’, decidieron
postular, entre otros, el propósito de “rea-
lizar una serie de exposiciones durante los
siguientes dos años, que permita incluir una
representación lo más completa posible de
los grandes maestros modernos –europeos y
(norte)americanos(2)– desde Cézanne has-
ta nuestros días”.(3) Para subrayar luego la
necesidad de contar con “la cooperación de
artistas, propietarios, dealers […] con quie-
nes creemos que podemos obtener –para
nuestras exposiciones– pinturas, esculturas,
dibujos o litografías de primer orden”. Es
decir que, a pesar de contar dentro de sus
directivas con la presencia del hombre más
rico de su momento, este museo ¡operó
originalmente a punta de donativos! Tra-
duciéndolo a nuestros días: hasta el MoMA
era precario.
‘Regaron sangre en su lobby y
crearon la obra ‘And babies?’,
donde transcribían la respuesta
de un soldado estadounidense
cuando se le preguntó por la
matanza de Mi Lay’.
Años más tarde, su curador en jefe, Alfred
Barr, tomó una serie de decisiones que lo
pusieron en entredicho ante la masculina,
blanca y millonaria junta directiva del em-
prendimiento: creó un organismo multide-
partamental, que enfatizaría su actividad en
el estudio más que en el acopio –su colec-
ción permanente se consolidó dos décadas
más tarde–, de todo aquello que pudiera
connotarse como manifestación cultural
de la época. Así, organizó una estructura
que incluiría departamentos de curaduría
para pintura y escultura, dibujo, impresos
y libros ilustrados, fotografía, cine, y arqui-
tectura y diseño.
De igual manera, organizó varias exposi-
ciones con las que afianzó su trayectoria,
Cortesía
En el Museo Santa Clara, Eduard Moreno presenta ‘Pro-
vocarse el archivo’, nominada al Premio Luis Caballero.
la mamá de cinco de los niños del taller. Ella
era expendedora de drogas. La manera como
tratamos de elaborar el duelo fue pintar en-
tre todos un cuadro de aquella mamá como
Virgen, acompañada de sus cinco hijos, ves-
tidos con el uniforme del colegio, tal como
venían al taller. Lo bonito es que ahora esa
pintura está ahí, en la iglesia, entronizán-
ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
destacándolo ante el arte europeo de van-
guardia como el faro del traspaso de la alta
cultura visual que se dio entre París y Nueva
York. Originalmente inauguró con Cézanne,
Gauguin, Seurat, Van Gogh, en 1929 y siete
años más tarde asentó su arquitectura con-
ceptual –esquema visual hegeliano superexi-
toso mediante– con las enormes (y siempre
eurocentristas) Cubism and Abstract Art y
Fantastic Art, Dada, Surrealism, en 1936. Con
esto se granjeó la previsible molestia de las
capas más conservadoras de los eternamen-
te conservatizados Estados Unidos.
Poco después, organizó la exposición del
artista primitivo y fabricante de chanclas,
Morris Hirschhfield, un desastre expositi-
vo que condujo a su despido y al inicio de
una tensa relación con la entidad y a que
entre los varios CEO que reemplazaron a
los miembros fundadores (entre ellos, un
nefando Steven Clark), se empezara a sos-
pechar de su gestión.
Mientras esto se daba, el museo comenzó a
ser acusado de no darle cabida a los repre-
sentantes de la escuela de Nueva York den-
tro de su programa de trabajo. De ahí que Ad
Reinhardt coordinara una serie de manifes-
taciones en el museo y repartiera aquellos
famosos volantes donde reclamaba “how
modern is the museum of modern art?”, lle-
vando a que la entidad virara su orientación
y en 1944, comenzara a enmendar la plana
comprando She Wolf, de Jackson Pollock
(manifestarse sirve).
Durante la Guerra fría, el museo comenzó
a ser objeto de duros señalamientos por su
abierta promoción del arte que promovía
desde sus salas como respuesta ideologizada
ante cualquier tipo de manifestación artís-
tica relacionada con el realismo socialista y
sus derivados.
Así mismo, durante la guerra de Vietnam
se dió una de las manifestaciones más me-
morables de su existencia: los miembros
de Guerrilla Art Action Group organizaron
dola, reemplazando a la que se robaron. Por
otro lado, como en el taller reciclábamos el
papel blanco de las oficinas, siempre sobraba
el papel carbón y empecé a acumularlo. De
ahí salió un grueso de mi trabajo que tiene
que ver con la idea del archivo. Todo el papel
carbón de los ministerios y oficinas públicas
y privadas del centro terminaba en Mártires.
Así me encontré cientos de archivos bien cu-
riosos. Eran casi unos “Wikileaks” precarios,
bien locos. Luego de terminar mis talleres en
esa iglesia, que duraron de 2002 al 2005, fui
profesor de cátedra de dibujo y pintura, más
o menos siete años en la Tadeo y fui docente
en la Academia de Artes Guerrero.
H.J.: ¿Se puede enseñar a ser artista?
E.M.: Sí. Camnitzer empieza un discurso
elaborando la epistemología de otros cono-
19
varios eventos para exigir la renuncia de
la familia Rockefeller de la junta directiva,
puesto que estaba directamente relacionada
con la producción de armas para el ejército
estadounidense. Como era de esperarse,
dicha petición no se cumplió y el grupo
incrementó la fuerza de sus requerimientos.
Por ejemplo, regaron sangre en su lobby y
crearon la obra And babies?, donde transcri-
bían la respuesta de un soldado estadouni-
dense cuando se le preguntó por el alcance
de la matanza de Mi Lay. Inicialmente, el
museo apoyó la distribución del afiche, pero,
en una clara muestra de censura postacuer-
do típica de la instituciones culturales de ese
país, decidió cortar todo vínculo con el pro-
yecto. Por supuesto, el interés por la imagen
de violencia gráfica, literalmente, estalló.
En 1974, el artista Tony Shafrazi grafiteó
el Guernica –que para ese momento estaba
bajo la custodia del museo– con la frase “Kill
all lies”, como protesta por la absolución que
le dio el presidente Richard Nixon a uno de
los participantes en la misma masacre.
Qué cantidad de cosas interesantes han su-
cedido allí. Ya quiero perfeccionar mi inglés
para dar muchas visitas guiadas ahí.
Notas:
1.- Manuel Fontán del Junco, “Alfred H. Barr:
el hombre que le inventó un museo al arte
moderno”. Disponible en: https://www.march.es/
actos/101858/
2.- Paréntesis del autor.
3.- Lizzie Bliss, W. Murray Crane, Frank
Crowninshield, Cornelius Sullivan, Paul Sachs,
John Rockefeller, The Museum of Modern Art.
A New Institution for New York. Disponible en:
https://www.march.es/plugins/visor/visorFLOW.
aspx?p0=4_39567&p1=1&l=1#page=15
* Psicólogo, curador, crítico y docente
universitario, sorprendido de la conversión masiva
de iniciativas de arte contemporáneo que antes
eran increíbles a emprendimientos anaranjados.
cimientos. Afirma que la ciencia es conduc-
tual, que es informativa, que es un proceso
de construcción y que el arte es un poquito
más que la ciencia porque es eso mismo más
todo lo otro. Concluye que todas las disci-
plinas deberían ser “eso más todo lo otro”.
Es decir, el arte no debe pertenecer exclusi-
vamente a los artistas. Me parece fabuloso.
Para él cualquiera puede ser artista. ¿Pero
cómo provocar una pedagogía del arte para
los otros, para científicos, para sociólogos,
para contadores? ¿Cómo hacerlo cuando los
artistas pensamos que sólo nosotros pode-
mos hablar de arte, hacer arte, enseñar arte,
aprender arte? Por supuesto, todo artista es
un pedagogo. Lo que pasa es que no hemos
querido asumir ese lugar abiertamente, nos
da flojera. Preferimos nuestro pedestalito de
artista y, ojalá, capitalista.
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
20

Galerías Lugares de arte amigables con los perros Cortesía del espacio.

BOGOTÁ
Alonso Garcés Galería
Luis Caballero: ‘El gran telón’
Hasta diciembre 20
En esta ocasión, la galería vuelve a exhibir
la obra ‘El gran telón’ de Luis Caballero, de
4,70 por 5,80 metros, creada en 1990. Esta
es acompañada por piezas de artistas como el
venezolano Pedro Tagliafico.

Alejandra Álvarez Bernal /Cortesía del espacio

BOGOTÁ
Galería La Escalera Cortesía del espacio Pablo Gómez /Cortesía del espacio

Exposición colectiva: BOGOTÁ BOGOTÁ

‘Arte con sentido de vida’ Galería La Cometa Espacio El Dorado
Noviembre 25-diciembre 13 Alejandro Tobón: Rosa Navarro: ‘9 caligramas’
La galería celebra diez años con una mues- ‘Fósiles en movimiento y Hasta enero
tra, curada por Patricia Ortega, que le rinde avistamientos temporales’ Exposición colectiva:
homenaje al legado del maestro Armando Hasta diciembre 2 ‘Levantar la liebre’
Villegas, a través de 17 obras que incluyen El artista, a quien le interesa explorar con Paula Amador y Edward Cortesía del artistav

pintura, escultura, fotografía, música, artes sus propuestas el valor de la tierra y su dis- Salazar: ‘Estéticas del espacio’ BOGOTÁ
escénicas y audiovisuales. tribución, exhibe cinco ensambles hechos Hasta enero 25 Galería Baobab
con materiales reutilizables como madera, Rosa Navarro muestra una serie de foto- Jeison Sierra: ‘Nuevo proyecto’
hierro y polímeros. grafías tomadas en los 80, que giran en Noviembre 21-diciembre 13
BOGOTÁ torno al lenguaje. En ‘Levantar la liebre’, Con su nueva muestra, que presenta paisajes
Rincón Projects los artistas Verónica Puche, Francisca Ji- creados con pintura y técnica mixta sobre
Juan Pérez Anaya: ménez, Sebastián Bright, Pablo Gómez, lienzo, el artista antioqueño busca generar
‘3 de enero, 2936’ Leonardo Caro y Alejandra Parra expo- conciencia sobre la explotación del oro en
Hasta diciembre 13 nen fotografías. El grupo de investigación Colombia.
En esta exhibición ‘Estéticas del espacio’, de la Facultad de
se exponen dibujos, Diseño Gráfico de la Universidad Santo
pinturas, instala- Tomás, conformado por Paula Amador
ciones y esculturas y Edward Salazar, exhibe los resultados
hechas con piedra, de su investigación sobre los procesos de
tela y madera, sobre diseño y decoración de los apartamentos
las relaciones entre bogotanos.
imagen, objetos y es- Cortesía del espacio
pacio. Cortesía del espacio
BOGOTÁ
Liberia Central Contemporánea
Jorge Julián Aristizábal:
‘Progresiones’
Hasta diciembre 4
Esta muestra está compuesta por dibujos
e instalaciones construidas con flores ar-
tificiales, figuras de animales hechos en
plástico, espejos y madera, con los que el
artista busca emular la naturaleza.

MEDELLÍN
Galería Duque Arango Cortesía del espacio

Darío Ortiz: ‘Contrapunto’ BOGOTÁ Cortesía del espacio

Cortesía del espacio
Hasta enero 31 Galería Espacio Alterno MEDELLÍN
MEDELLÍN Esta exposición, Uniandinos La Balsa Arte
Galería La Cometa compuesta por 23 Ulla-Mari Lindström: Exposición colectiva: ‘El implacable
Exposición colectiva: ‘Paripé’ pinturas al óleo, hace ‘Utopías evolutivas’ derretimiento del tiempo’
Hasta diciembre 20 parte de una mues- Noviembre 7-diciembre 13 Noviembre 21-febrero 7
Esta exposición reúne acuarelas de Alejan- tra itinerante que co- En esta muestra, curada por Germán Bernal, Esta muestra, curada por Patricia Gómez
dro Sánchez, letreros hechos con vidrio y menzó en la séptima la artista finlandesa presenta ocho fotogra- Jaramillo, reúne más de 20 fotografías de los
neón de Camilo Matiz, piezas en bronce edición de la Bienal fías y un video relacionados con los cambios artistas Pablo Mora, Ana María Velásquez,
de Dagoberto Rodríguez, fotografías de de Beijing y que se Cortesía del espacio climáticos, que pretenden dejar en el especta- Camila Mora, Camila Botero, Caroline
Eduardo Soriano, así como obras de Ed- ha presentado en dor algunas preguntas sobre la evolución, las Peña Bray, Juan Caicedo, Margarita Beso-
ward Rico, Edwin Monsalve, Fidel Suárez varios museos de México, Estados Unidos y especies que sobrevivirán al cambio climático sa, Matt Jacob, Nicola Lo Calzo y Ramón
y Jerónimo Villa. Colombia. y nuevas formas de vida. Laserna.

Cortesía del artista
BOGOTÁ
Beatriz Esguerra Arte
Mario Arroyave:
‘Disecciones del infinito’
Noviembre 23-diciembre 20
El artista, cuyo trabajo gira en torno a los
lenguajes de la fotografía, creó para esta expo-
sición más de 20 obras en dos formatos: 120
x 180 cm. y 120 x 60 cm. Las piezas parten de
una idea del físico y matemático alemán Max
Planck, sobre el origen de la materia.
Juanita Carrasco /Cortesía del espacio
BOGOTÁ
Galería El Museo
Exposición colectiva: ‘Maestros’
Fernando Botero:
‘Dibujos sobre tela’
Guillermo Wiedemann:
‘Óleos y acuarelas’
Noviembre 30-enero 25
Exposición colectiva;
‘Lenguajes en papel’
Febrero 1-marzo 7
En ‘Maestros’ se exponen obras de Carlos Ro-
jas, Débora Arango, Eduardo Ramírez Villa-
mizar, Luis Caballero, Enrique Grau, Beatriz
González, Alejandro Obregón y Bernardo
Salcedo, entre otros. En ‘Lenguajes en papel’,
se exhiben obras de artistas como Alejandro
García, Fredy Saúl Serrano, Catalina Ortiz,
Camilo Bojacá, Gonzalo García, Gonzalo
Fuenmayor, Simón Ortega, María Cristina
Cortés, José Horacio Martínez y Gabriel Silva.
Además, se presentan muestras individuales
de Fernando Botero (‘Dibujos sobre lienzo’) y
Guillermo Wiedemann (‘Óleos y acuarelas’).
ARTERIA Ed. 71
Cortesía del espacio
MEDELLÍN
Galería Policroma Los participantes del laboratorio aprenden sobre ciencia, programación, microscopía y arte a través de experimentos.
Elizabeth Builes:
‘De oscuro nacimiento’
Noviembre 28-enero 24
La artista expone una serie de obras con las
Una plataforma que combina
que ganó en el 2018 una de las becas de la
convocatoria ‘Creación ilustrar o dibujar las
memorias y los patrimonios culturales de Me-
arte, ciencia y tecnología
dellín’. Muestra 29 dibujos en técnica mixta
que giran alrededor del término ‘de oscuro na-
cimiento’, encontrado en diferentes folios del Idartes y el programa distrital Crea desarrollan el
Archivo Histórico de Medellín, para referirse
a los negros y mulatos durante La Colonia.
Laboratorio Biónico-biológico, en el que jóvenes
que gustan del arte, la ciencia y la naturaleza
experimentan y crean con medios digitales.
L
os participantes del laboratorio, 30
jóvenes entre los 10 y 16 años, se re-
únen en el Parque Nacional (Bogotá),
donde desarrollan, principalmente,
tres actividades: recorren y registran lo que
encuentran en el parque; experimentan con
Cortesía del espacio
los medios digitales disponibles y, a partir
de conceptos científicos, crean propuestas
COTA artísticas que surgen de los conocimientos
Galería Estuario adquiridos en el laboratorio.
Exposición colectiva:
‘Adelante río Bogotá’ “La transición entre arte y ciencia, considero
Hasta diciembre 2 yo, se da a través de la imaginación y eso
Cerca de 150 obras, entre fotografías, escultu- permite que la ciencias y las artes tengan
ras y pinturas, resumen las acciones artísticas estructuras de creación. Por eso tenemos
que Jaime Ríos, Manuel Cortés y Sora- varios proyectos, sobre todo de laborato-
ya Cristo realizaron durante 26 años para rio. Nos interesa mucho este formato y lo
contribuir a la recuperación del río Bogotá. concebimos como un proyecto de creación
También participan Karina Torres, Camilo colectiva”, explica Andrés García La Rota,
Rodríguez, Jorge La Rotta, John Dave Ro- coordinador de la línea Arte, Ciencia y Tec-
jas, Andrés Cepeda, Sergio Alvear, Ricardo nología, de Idartes.
Forero, Alejandro Alvear Santamaría, Ma-
nuel Cortés Guzmán, Paula Kecan, Miguel Los jóvenes construyen un archivo de ani-
Ángel Poveda y Elizabeth Bulla. La muestra males y plantas que imaginan a partir de
se presenta en el Centro Comercial Terracota. los especímenes reales que encuentran en
el parque y, si bien los registros son ficticios,
se hacen con estándares científicos. Al punto
BOGOTÁ que los participantes del laboratorio han
Desborde Galería subido su archivo a omeka.org, una página
Exposición colectiva: web para publicar colecciones digitales, la
‘De-colón-bianidad’ cual, según explica García La Rota, tiene
Hasta enero 31 unos protocolos internacionales, llamados
Dublin Core: “Los niños están haciendo una
En el marco de la archivística imaginaria y fantástica, pero
tercera edición del dentro de una página profesional que es
Festival Arte y Deco- visitada por la Biblioteca Central de París,
lonialidad en Bogotá, entre otros”, añade García La Rota.
esta galería y El Kruce
Proyectos invitaron En las sesiones del laboratorio, los partici-
a Nadia Granados, Cortesía del espacio
pantes han realizado experimentos como
Edinson Quiñones, y de El Kruce Proyectos fabricar sondas aéreas con globos de helio
Alexander Ríos, Carol Sabbadini, Emilio Tara- amarrados a un hilo y micrófonos parabóli-
zona, Andrés Felipe Uribe Cárdenas, Fernan- cos para hacer paisajes sonoros del parque,
do Arias, entre otros, a explorar el concepto de desde distintas alturas, junto al artista de
decolonialidad a través de sus obras. México Arcángelo Constantini. También,
Noviembre 2019 - Febrero 2020
21
Cortesía de la Línea de Arte, Ciencia y Tecnología del Idartes
microscopios a partir de dispositivos mó-
viles y lentes, y han modificado las cámaras
que vienen integradas a los computadores
portátiles para tomar fotografías y grabar
sonidos en el Parque Nacional.
“El programa tiene una fase de levanta-
miento de información, otra de clasificación
y otra de creación. Las fases se concatenan
entre sí de manera no cronológica. Uno pue-
de tenerlas en cualquier orden o retomarlas
en cualquier momento. Iniciamos con la
fase del reconocimiento del parque, donde
nos acompañaron unos mamos de la Sierra
Nevada de Santa Marta y unos dibujantes
botánicos, para dibujar con los niños y fina-
lizaremos con la exposición de resultados”,
explica García La Rota.
Como clausura del laboratorio se realizará
una actividad de fabricación de objetos digi-
tales o físicos, como videojuegos, impresión
3D y realidad aumentada/mixta. El labora-
torio tiene 15 sesiones en total y los resul-
tados se exhibirán el 30 de noviembre, en
el Teatro Al Parque, en el Parque Nacional,
en medio de experiencias tipo feria de arte y
ciencia, con carpas, escenario y música.
La línea de Arte, Ciencia y Tecnología del
Idartes existe desde el 2016, creada en esa
administración distrital, pero sus orígenes
se remontan al 2005, con una experiencia
privada que se llamó Experimenta Colom-
bia. “Después logramos que esa experiencia
pasara a lo público, con un laboratorio que
tenemos en comodato con el Banco de la
República, que se llama Plataforma Bogotá.
En esta alcaldía logramos captar recursos
para fortalecer Plataforma Bogotá y generar
política pública sobre arte, ciencia y tecnolo-
gía. Tanto así que ya tenemos la emisora CK
Web, la cual concebimos como un espacio
de laboratorio para experiencias visuales y
sonoras en la red”, añade García La Rota.
 ARTERIA Ed. 71 Noviembre 2019 - Febrero 2020
22
Trece ‘guerreros’ unidos para los 30
años de la Academia de Artes Guerrero
Una exposición reúne artistas con distintas edades y diferentes perspectivas,
con la curaduría de Franklin Aguirre, en LGM Galería, de Bogotá.
T
res meses de tutorías y de mesas de
trabajo fueron necesarias para que
el artista plástico, tutor y curador
Franklin Aguirre pudiera crear una
exposición que incluyera las diversas pers-
pectivas de trece artistas que participan en
la muestra ’13 guerreros’, que celebra los más
de 30 años de la Academia de Artes Guerrero
(en Bogotá).
Ante la dificultad de trazar una línea cura-
torial que integrara las distintas propuestas,
entre otras cosas por la brecha generacional
de los participantes, Aguirre decidió trabajar
con cada uno de ellos sobre el proyecto.
El título de la exposición, parte de un juego
de palabras ideado por Aguirre que hace re-
ferencia no solo al nombre del fundador de
la academia, Carlos Guerrero, sino también
a la fuerza y a la determinación que debe
tener un artista.
“Este grupo de artistas permite leer en los
subtextos de sus narrativas y sus soluciones
formales el interés de la academia por resca-
tar los oficios clásicos de las artes visuales, la
necesidad de plantear un discurso coherente
y vigente, la interdisciplinariedad vivida en
los corredores donde los estudiantes dialo-
gan con creadores de otras artes y la llegada
inminente de los nuevos medios a las artes
plásticas y visuales de hoy”, explica Aguirre
sobre las obras que se verán en la muestra y
que dan cuenta de los procesos de la Acade-
mia de Artes Guerrero.
Carlos Guerrero dio vía libre a Aguirre para
que decidiera como curador quiénes eran
los estudiantes adecuados para la muestra.
Jean Barbato, Mauricio Combariza, Carlos
Conde, Emmanuel Laverde, Jorge Magya-
roff, Esteban Mantilla, Iván Mora, Jairo
Palchucán, Paula Romero, Valentina Ruiz,
Pedro Uribe, Nataly Yopasá y Laura Zossi
son los artistas que participan en la exposi-
ción. La muestra se presenta desde el 23 de
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Carlos Alarcón
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Manteles y Platos Calle 127 con 9, Bogotá D.C.
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ochoinfinitomobiliariario
‘A la mar’ es una escultura hecha por Laura Zossi, inspirada en el agua como símbolo de la vida y el riesgo.
noviembre, en LGM Galería, ubicada en el
barrio San Felipe de Bogotá. Estos artistas
fueron preseleccionados por la academia a
partir de una base de datos de los egresados.
“Hablamos sobre las temáticas que abor-
daban, y establecíamos si eran pertinentes
o no. Si ya ha pasado el tiempo y se habían
dado respuestas frente a esos contenidos y
a partir de esto se establecieron prioridades,
se ratificaron algunas de las problemáticas o
se revisaron para ser actualizadas”, explica
el curador.
Y agrega: “Luego, después de entender cuá-
les problemáticas son las adecuadas para
abordar, se buscan lenguajes adecuados
para poner en el espacio esas problemáticas,
basados en el trabajo que los ha hecho visi-
bles o que les dio esa categoría de artistas
destacados en la selección”.
Aguirre sostiene que las artes en Colom-
Lanzamiento en
Feria Buró
12 al 19 Dic. 2019
ochoinfinito_
/Cortesía de la artista
bia y la pedagogía artística están en crisis,
debido a que los procesos neoliberales del
mercado han hecho que los artistas sean
considerados más un cliente que una perso-
na en formación. “Entonces se debilitan y se
flexibilizan en exceso estas concesiones para
que los artistas se mantengan pagando una
matrícula. Por lo tanto, las exigencias no son
las mismas y el artista suele ser domésticado
y sus temáticas dan cuenta no solo del perfil
de la universidad en la que estudió, sino el
deber ser y lo políticamente correcto”, añade
el curador.
Entonces Aguirre invitó a los artistas a que
consideraran que no estaban haciendo parte
de una muestra que debía ser controlada a
partir de parámetros políticamente correc-
tos, sino que tenían que liberarse de esas
cargas y pensar que estaban exponiendo en
una galería de muy alto nivel.
Así, Carlos Conde muestra la instalación
/Cortesía de la artista
La obra ‘Dioses caídos’, de la artista Paula Romero,
genera el efecto de una animación.
titulada Inmigrante, compuesta por 234 pén-
dulos de vidrio de diferentes tamaños colga-
dos del techo, que forman un estrecho co-
rredor por donde el espectador debe pasar.
Esto hace que, a veces, el que camina toque
los péndulos, que tienen puntas agudas en
su parte inferior. Esta obra busca plantear
metáforas para la condición de un migrante
en un territorio extraño.
Jorge Magyaroff presenta un juego de mesa
titulado The Ultimate Collector, a través del
cual hace analogías con dinámicas del mer-
cado del arte. Esteban Mantilla muestra una
instalación creada a partir de pinturas en las
que exalta la creación y tiende conexiones
entre medios tradicionales y nuevos a través
de íconos religiosos y populares.
Paula Romero exhibe una serie de dibujos
que hacen parte de un objeto escultórico que
es accionado por el espectador. Al activarse,
los dibujos se mueven sobre un eje, lo que
genera el efecto visual de una animación, en la
cual se ven animales y plantas, los cuales son
destruidos con el avance de la civilización. Esta
obra denuncia la desaparición de ecosistemas
y especies por la codicia humana.
Al hablar de cómo en tan corto tiempo pue-
de generar respuestas de los participantes,
el curador explica: “Yo siempre llevo a los
artistas en mis procesos pedagógicos hacia
la detección de afecciones y afectaciones.
Afecciones en términos negativos y afecta-
ciones en términos positivos.
“Fenómenos de la vida o estímulos que ge-
neren en ellos un fenómeno comportamen-
tal o el descubrimiento de una situación
que de otra forma no habrían descubierto”,
concluye Aguirre sobre su proceso curato-
rial”, culmina.
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Hasta enero 25 de 2020
‘Maestros’: Fernando Botero, Carlos
Rojas, Débora Arango, Eduardo
Ramírez Villamizar, Luis Caballero,
Enrique Grau, Beatriz González,
Alejandro Obregón y Bernardo
Salcedo, entre otros.
‘Dibujos sobre tela’: Fernando Botero.
‘Óleos y acuarelas’: Guillermo
Wiedemann.
Desde febrero primero de 2020
‘Lenguajes en papel’: Exposición
colectiva.
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23
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Margarita Besosa, Julián Burgos, www.otrazonagaleria.com Tel: (5) 4331021 / 4332994
Rodrigo Callejas, Bilal Chahal, Hasta enero de 2020 www.museobolivariano.org.co
Miguel Cárdenas, Priscilla González, ‘Territorio QR’: Alejandro Cardona. Hasta enero 28 de 2020.
Ramón Laserna, Nicola Lo Calzo, Desde enero de 2020 ‘Introspectum: Edwin Jimeno’.
Jorge Marín, Radenko Milak, Pablo ‘¡Hijueputa, la aguapanela!’:
Mora, Juan Osorno, Diana Restrepo, Exposición colectiva.
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Tel: (1) 3816464 Elle www.museopereira.org
www.bibliotecanacional.gov.co Tel: (4) 2996999 Hasta febrero 29 de 2020.
Hasta febrero de 2020 www.lokkus.com ‘El lugar del espejismo’: Fredy Clavijo.
‘Nadín Ospina y la pervivencia de Hasta enero 17 de 2020 ‘La ideología y el paisaje’: Léster
lo indígena’ y ‘Leo Matiz: Motivos ‘Grabado’: José Antonio Suárez Rodríguez.
tropicales’. Londoño. ‘Set’: Juan David Laserna
Hasta enero de 2020 ‘Cíber era’: Exposición colectiva
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Salineros. Besosa, Matt Jacob, Nicola Lo Calzo ‘Nueve pintores contemporáneos
y Ramón Laserna. cubanos’, ‘Javier Caraballo’, ‘Humor
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www.museocolonial.gov.co Hoyos, Lydia Azout, Antonio Caro,
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