Livro - 7x Artistas

Alvaro Seixas
Daniel Lannes
Elvis Almeida
Felipe Fernandes
Gilson Rodrigues
Lívia Moura
Maria Fernanda Lucena
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ARTISTAS
ARTISTS
New brush
pinceladas
As novas
strokes
Alvaro Seixas
Daniel Lannes
Elvis Almeida
Felipe Fernandes
Gilson Rodrigues
Lívia Moura
organizador
Wilson Lazaro
textos
Marcelo Campos
Cesar Kiraly
Efrain Almeida
Em sintonia com o pensamento que a cultura é a expressão real de um
povo e buscando valorizar as mais variadas expressões da arte brasileira, o
Banco Bari apresenta o livro: 7x Artistas, as novas pinceladas.
7x Artistas traz para a superfície as expressivas criações de sete pinto-
res da atualidade da arte e pretende levar ao público os atelieres dos artis-
tas – as suas casas de experimentação e vivência – e suas poéticas criações
na pintura brasileira.
Com essa publicação, temos a intenção de promover um imaginário que
possa servir de ponto de partida para um amplo processo de reflexão sobre
a arte contemporânea, a partir dos movimentos artísticos desses pintores
brasileiros.
Como instituição, acreditamos que esse material pode ser referência
para artistas, pesquisadores e admiradores da pintura brasileira. A edição
bilíngue e a disponibilização do livro em audiodescrição, para pessoas com
Alvaro Seixas
deficiência visual, ampliam o alcance àqueles que querem conhecer o que
surge na arte hoje.
Esperamos, também, multiplicar o percurso desses sete novos pintores,
ampliando o potencial de reflexão e sua interação com as mais variadas
expressões da nossa pintura para conhecer, pesquisar e sonhar!
Com essa iniciativa, cumprimos com o que acreditamos ser nosso papel
cultural nesse imenso país da criação, entregando aos leitores um pouco
da arte brasileira que se constrói neste terceiro milênio da história.
O Banco Bari, banco de crédito inteligente, investe em relações de con-
fiança e evolução mútua. Somos gratos pela oportunidade de apoiar a cul-
tura brasileira através desta obra.
Esperamos que esta seja uma experiência engrandecedora para todos.
Rodrigo Pinheiro
Fundador e CEO
Banco Bari
Daniel Lannes
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PINTURA ALIMENTA A ARTE, É O LIVRO QUE ALIMENTA A ALMA...
Retomando projetos e pensamentos guardados na mente... foi no encontro

com uns admiradores de arte na cidade de Curitiba – e do desejo deles – que
iniciamos o nosso sonho.
A história de fazer livros é antiga na minha vida e no meio das artes.
Desta vez, bateu uma vontade de lançar uma nova pesquisa com textos,
imagens e as particularidades de 7 atuais pintores e as suas criações, em
ações e suas realizações em telas, pincéis e muitas cores de tintas... o resul-
tado vamos descobrir ao abrir esse baú de surpresas guardadas em seus
atelieres, com o olhar mágico no registro fotográfico da descoberta de um
talento em suas imagens – Carla Bordin!
Organizar essa missão só foi possível através da lei de incentivo fede-
Elvis Almeida
ral, com parceria do Banco Bari, que tem responsabilidade cultural com os
pensamentos artísticos no país. Com uma equipe de profissionais e ami-
gos para realização desse trabalho intenso! E com a confiança de Rodrigo
Pinheiro, que está presente em todas as páginas desta publicação.
O livro tornou-se um manancial particularmente rico de possibilidades
de interpretação e cruzamento dos sete pintores e seus movimentos artís-
ticos. Com o texto de Marcelo Campos e sua ousadia juvenil, que marca a
história da pintura e revela cada um dos artistas em suas características
singulares, vamos adorar essa leitura! O prefácio é do acadêmico Cesar
Kiraly, um descobridor de artistas na cena das artes brasileiras. Fundamen-
tal, ainda, a participação, no texto de apresentação, do professor e grande
artista Efrain Almeida – com as nossas conversas, fui descobrindo uma
pessoa inacreditável, intensa e amiga. E a presença de Bia Gross, parceira
para todos os momentos e todas as caminhadas e sonhos! E Felipe Taborda,
com seus traços de desenho, trazendo luz ao nosso livro! Obrigado, sempre.
Uma constelação de artistas geniais, como pede este livro. Nas palavras
de Goethe, a arte é como a vida: quando mais se avança por ela, mais ampla
ela se faz. Aqui, meu convite para experimentar essa viagem pictórica por
nosso livro e o universo artísticos dos pintores. Vamos lá descobrir, agora.
Boa leitura!
Felipe Fernandes
Wilson Lazaro
Rio de Janeiro, 8 de outubro de 2019
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A IMPUREZA DA PINTURA
1. O estatuto da pintura, em âmbito contemporâneo, no que diz res-

peito à representação e ao suporte, é talvez o mais complexo de todos.
Esta dificuldade se deve, dentre outras razões, ao modo como a pla-
naridade foi explorada pelos críticos modernos. Em suma, a título de
obtenção de coerência para a definição de arte pura, estabeleceu-se
ressentimento, movido pelo desejo de idealidade, à figura e à expres-
são, de modo a beneficiar certo tipo de abstração sobre tela. Como
os artistas continuariam pintando depois que se tinha encontrado o
mais que a pintura deveria ser? A escultura e a gravura foram deixa-
das mais quietas, por essa razão contaram com mais tolerância para
se tornarem outra coisa.
2. Ainda que sem responsabilidade estrita pela leitura que se fez
Gilson Rodrigues
de seu livro, Kant, com a sua Crítica da Faculdade do Juízo, parece ter
sido causador das desventuras iniciais vividas pela pintura contem-
porânea. É quase impossível dimensionar o número de artistas que
foram acusados por não compreenderem que a arte, a pintura como
sua realização mais depurada, era mais arte ao se mostrar enquanto
universal sem conceito. Noutras palavras, que a pintura seria mais
pintura ao não resistir que sua verdade era verdade para todos, e em
qualquer lugar, e que não afirmava nada sobre coisa alguma.
3. É uma pena que, nas décadas finais do séc. XX, os leitores do
filósofo escocês David Hume não tenham se preocupado em comen-
tar as impropriedades do modo como a arte, a pintura especialmente,
estava sendo maltratada, ainda mais a partir de argumentos que,
no fundo, não faziam tanto sentido. Bastava que se dissesse, como
podia ser lido no Tratado da Natureza Humana, que não se pode
derivar do fato de se encontrar uma coisa de um jeito que ela deva
ser assim. O modo mais enigmático de dizê-lo é que é errado deduzir
o dever ser do ser. No contexto, que a pintura ser praticada de certa
forma não quer dizer que ela deva ser assim ou que isso a defina. A
descoberta de Hume realiza imensos efeitos sobre a epistemologia,
mas poucos sobre a moralidade e sobre a historiografia, inclusive
sobre arte contemporânea. Uma gota desse ceticismo teria impe-
dido o constrangimento impingido aos pictorialistas de toda sorte.
Da mesma forma, boicotaria o sentimento da necessidade de anacro-
nismo na pintura, como se ela continuasse a ter uma incômoda exis-
Lívia Moura
tência no contemporâneo.
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4. A exceção ao vaticínio da pureza é encontrada no mais interessante limite no exercício da imaginação. A palavra estética serve para
teórico da arte do final do século passado, Nelson Goodman. Em dois dizer bem a consciência de tal complementaridade e o uso da sua
livros, Linguagens da Arte (1968) e Modos de Fazer Mundos (1978) extensão. As pessoas de modo geral e não só os artistas são quão
sugere uma nova entrada, ou uma via alternativa, no contemporâneo, mais interessantes na proporção mesma em que vivem de um ponto
uma que não exila os pintores, além de rever o modo como se estabe- ao outro desta linha.
leceu o critério moderno. Ele diz que a representação é o caso, mesmo
se diante do quadrado negro sobre fundo branco. Isso porque as par-
tes das quais foi composto são referências a experiências anteriores,
eventos pictoricamente vividos, ainda que não se os possa determi- Cesar Kiraly
nar. Se puxamos pela memória e aparecem objetos inteiros, com iden- Professor de Estética e Teoria Política na UFF.
tidade, supostamente, isso nada mais é do que um hábito de se pensar Desde 2015 é Curador da Galeria IBEU. Autor, dentre outros, de Fuga sobre o Branco [ ].
neles. Eles também são feitos de pequenos pedaços sem identidade ou
referência. O pigmento a ser utilizado é sempre um desconhecido a ser
encontrado na lida material, porém a imagem mental da qual deriva, se
é o caso de tê-la, esta pode ser uma porção de qualquer coisa. Assim,
diríamos, com ironia, quão maior a pureza do abstrato, mais impuro, na
verdade, ele é, porque se refere a um sem número de acontecimentos.
5. Hume diz algo semelhante ao comentar a geometria e a matemá-
tica. Elas dependem da imagem, mesmo que mínima. Esta ou é um
ponto, ou uma gota, ou um borrão de pigmento, formados a partir do
que se sentiu em algum momento, sem o que o objeto pensado seria
aniquilado. Donde, se levássemos suas conclusões à pintura, diríamos
que tudo nela é contemporâneo, porque impura. Se a pintura moderna
era pura ao se esquivar da experiência, ao se fazer imagem do objeto,
acreditado, exterior ao tempo e ao espaço, que nada representaria,
Hume nos ajudaria a concluir que nada escapa à contemporaneidade
da experiência. A impureza seria inevitável mesmo no ideal de pureza.
Ainda mais na pintura.
6. Isso nos leva ao centro do contemporâneo, à elegibilidade artís-
tica da existência como um todo, ainda que nem toda ela seja efeti-
vamente destacada, à evidência de que arte não é uma característica
intrínseca, extemporânea, a certos artefatos e acontecimentos, mas
um estado, uma modalidade, capaz de oscilar, dependendo do con-
texto, mas nunca uma finalidade e muito menos um meio. Daí é que a
pintura, que pode ser tudo, escolher ser alguma coisa, dentre tantas.
É por isso que ela pode tanto: compor-se, restar só ou desfazer-se,
como poucas práticas contemporâneas são capazes.
7. Se existe descompasso entre a experiência como um todo e a
experiência da arte é apenas por uma dificuldade de iniciativa e
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APRESENTAÇÃO
O livro 7 x Artistas, as novas pinceladas apresenta um recorte da nova

pintura brasileira contemporânea. Uma ótima oportunidade de dar visibi-
lidade a artistas que, como outros de sua geração, não tiveram ainda a pos-
sibilidade de terem publicações com reproduções generosas de suas obras,
bem como ensaios críticos a respeito delas, como aqui é realizado.
É significativo sublinhar a emergência da publicação de livros como este
em meio a crises moral, ética e identitárias, como as que vivemos atual-
mente no Brasil. É positivo marcar a relevância e riqueza da produção artís-
tica e cultural brasileira.

Certamente os artistas aqui apresentados devem ter se deparado, mui-
tas vezes, com questionamentos acerca da pertinência do ato de pintar.
Como continuar pintando hoje? Como produzir imagens relevantes em um
mundo saturado delas?
São 7 artistas que, apesar de terem linguagens e interesses diversos,
comungam a difícil tarefa de adensar suas pesquisas em torno do fazer
pictórico. Em suas formações, todos aqui passaram por escolas e ou univer-
sidades de Arte. Aprenderam o fazer técnico da pintura. Mergulharam na
história da arte e suas complexas especificidades. Mantendo sempre seus
posicionamentos críticos e questionadores em consonância com o papel do
artista como agente transformador do seu tempo.
Enquanto as lições do Modernismo tentavam afirmar a autonomia e pureza
como o lugar ideal da Arte, o que vemos agora é um notório direcionamento
no sentido oposto ao da então ideologia proposta pelo movimento Modernista.
Hibridizações e contaminações: a pintura, agora, não se limita mais ao seu lugar
anteriormente destinado. Ela ocupa lugares, espaços e campos cada vez mais
ampliados, conjugando experiências visuais advindas do cotidiano comum e
dos mais variados campos de saberes, das ciências, tecnologias, antropologia e
sociologia, para citar alguns. Podem se misturar à questão da política, gênero
e memória. Cada um à sua maneira, buscam cumprir a árdua tarefa diária de
enfrentar os seus abismos existenciais e vivências, tal qual a figura central na
pintura Wanderer above the sea of fog, de Caspar David Frederich.
Efrain Almeida
Alvaro Seixas
Rio de Janeiro, setembro de 2019
13 Fotos: p. 14 - Daniel Lannes (cima), Elvis Almeida (baixo) / p. 15 - Felipe Fernandes (cima), Gilson Rodrigues (baixo) 14
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PINTURA NO BRASIL, REVENDO MARCOS HISTÓRICOS
A imprensa anuncia que uma pintura de Beatriz Milhazes bateu recorde

de vendas no leilão da Sothebys, em 2008 – “O mágico”1. Em 2012, mais
um recorde – “Meu limão”, vendido por 2,1 milhões2. Em 2016, “no auge
da crise econômica”, um outro recorde de vendas, por 16 milhões3.
O que um recorde de vendas pode fazer com a história da pintura na
arte contemporânea brasileira ainda está para ser escrito. O alvoroço
do mercado, os modos como as galerias se reposicionam para espe-
rar uma nova promessa, a busca, quase como uma caça ao tesouro,
empenhada de Norte a Sul do país, pela possibilidade de internacio-
nalização do que produzimos na arte brasileira fazem parte dos refle-
xos deste reposicionamento.
Para além desses fatores, observamos outros modos de entender uma
Lívia Moura
produção artística como mudança de paradigmas da história da arte bra-
sileira. Uma artista como Beatriz Milhazes levou vinte anos de dedicação
para alcançar um status que, hoje, muitas vezes, se anuncia como um
sucesso de mercado. Milhazes resistiu aos influxos da crítica de arte, que
se sentia um tanto viúva das vanguardas construtivas e sempre valori-
zou o viés construtivo em detrimento de referências mais populares. E a
pintora utiliza-se, justamente, de referências advindas do carnaval, do
ornamento e do uso mais amplo de cores e formas, pouco afeita ao que o
sistema da arte havia valorizado, até então.
O fato a ser levado em consideração, aqui, é que estamos tratando de
pintura. Uma categoria que carrega o sentido de tradição e, segundo
Arasse, carrega problemas históricos de longa duração, entre a imita-
ção da natureza e a abstração4. Sim, a pintura que, frente ao mercado
da arte, sempre alcançou maior aceitação do que as outras categorias.
A pintura que coloca o desenho em uma condição inferiorizada, que
é desejada por designers e arquitetos por caber nas decorações de
salas de estar e escritórios. A reboque disso, foi a pintura que levou
a arte contemporânea no Brasil às grandes reportagens e a públicos
1 Beatriz bate próprio recorde em leilão de NY. Disponível em: https://www1.folha.uol.com.br/fsp/ilustrad/

fq1705200814.htm. Acesso em: 12 set 2019.
2 Beatriz bate novo recorde em leilão da Sothebys. Disponivel em: https://oglobo.globo.com/cultura/beatriz-

milhazes-bate-novo-recorde-em-leilao-da-sothebys-6737005. Acesso em: 12 set 2019.
3 Tela de Beatriz Milhazes é vendida por R$ 16 milhões na abertura da SP-Arte. Disponível em: https://www1.folha.
uol.com.br/ilustrada/2016/04/1758353-tela-de-beatriz-milhazes-e-vendida-por-r-16 milhoes-na-abertura-da-sp-
-arte.shtml. Acesso em: 12 set 2019.
4 Arasse, Daniel. A pintura como pensamento não verbal. In: ______. Histórias de pinturas. Lisboa: KKYM, 2016, p.50.
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que expandiam suas partições de classe e classificações etárias em velmente, recorreremos às obras desse artista. Porém, ainda que suas
museus, como aconteceu, recentemente, na retrospectiva de Tarsila do pinturas tenham todo este viés histórico e étnico, jamais foi considerado
Amaral (1886-1973) no MASP. por parte da história da arte brasileira. Heitor dos Prazeres foi o terceiro
Pintura e paixão sempre configuraram um poderoso binômio, como premiado na 1a Bienal Internacional de São Paulo e a historiografia só
nos alertaram Charles Le Brun e Nicolas Poussin em conferências do valorizou o suíço Max Bill (1908-1994) e Ivan Serpa (1923-1973), confe-
século XVII5. Presciliano Silva (1883-1965), pintor baiano, acumulava rindo a estes a responsabilidade pela implantação da abstração geomé-
filas de apaixonados em suas exposições. Ganhou prêmio de viagem com trica no país.
bolsa de estudos e foi para a França, custeado pelo estado da Bahia, em Ainda tratando de abstração, Ivan Serpa e Samson Flexor (1907-
1905. Ao retornar, faz sua primeira individual em 1908 e, a partir daí, 1971) são historiografados como dois representantes do ensino da
se oficializa com obras apoiadas por igrejas e edifícios públicos. Um pin- arte abstrata. Flexor no Ateliê Abstração, em São Paulo, Serpa nas
tor popular, rótulo muitas vezes proibido para quem busca relações mais aulas do MAM e em seu ateliê no Méier, Rio de Janeiro, tendo entre
conceituais nos trabalhos de arte. seus alunos, Elisa Martins da Silveira (1912-2001), piauiense a quem
Também temos, na biografia de Portinari (1903-1962), outra trajetória a crítica dedicou o silêncio. Antes disso, uma mulher, nascida na Polô-
de sucesso. Em 1928, ganha o prêmio de viagem ao exterior, permane- nia, ensinava arte com diversos exercícios sobre abstração a artis-
cendo por dois anos em Paris, e ampliando sua carreira com prêmios por tas como Anna Bella Geiger e Lygia Pape, como nos revelou Geiger.
outros países do mundo. Relevante e necessário dizer que, mais uma vez uma mulher, Fayga
Contudo, nem sempre as histórias envolvendo pintores e artistas Ostrower (1920-2001), ficou de fora da história, mesmo sendo uma
logram êxito, apenas. Tornou-se emblemática a recusa de Monteiro das primeiras a promover uma experiência social coletiva de arte
Lobato (1882-1942) a uma exposição de pinturas de Anita Malfatti junto a operários de uma fábrica.
(1889-1964), acusando-a de paranoia ou mistificação. Ou seja, a hori- São muitas as disputas que a pintura coloca em questão na história da
zontalidade entre homens e mulheres no sistema de arte nunca existiu. arte. Enquanto Guignard (1896-1962) se dedicava a escalas pequenas,
E mais, Anita, ao pintar a partir de referenciais um tanto mais expressio- adensando seus interesses por referências orientais, Portinari alcan-
nistas, assustou aquele que se dedicou a pensar um Brasil por seus mitos çava as grandes escalas, os murais, os temas épicos. Nesse tempo, Guig-
e representações figuradas. nard necessitava pintar retratos de famílias abastadas, e repetir Cristo
Djanira (1914-1979) também foi personagem de certa periferização em martírio.
dos discursos normativos. Considerada naïfy, em seu tempo, se inicia A geometria se configurou, no Brasil, como a esperança de se che-
nas artes ladeando figuras notáveis, como Milton Dacosta (1915-1988) gar a uma vanguarda internacional por parte de artistas e críti-
e Carlos Scliar (1920-2001). Ainda assim, consegue certa projeção capi- cos, acompanhando a segunda revolução da pintura, nos termos de
taneada por assuntos populares, como o candomblé, o trabalho, a rura- Arasse, em que a suposição da perspectiva que pressupunha um olho
lidade. Mas nada justifica sua lateralidade aos discursos mais doutos, de imóvel é quebrada6 pela abstração. Aqui, artistas como Volpi (1896-
então, pois tem vigorosa escolha nos traços e cores que a fazem singular, 1988) e Rubem Valentim (1922-1991) disputavam o lugar contradi-
ainda hoje. tório entre a herança construtiva e os signos da cultura popular. Há,
O pintor Heitor dos Prazeres (1898-1966) foi, em sua época, um grande como disputa, certo descaso com Valentim e a tentativa de aproximar
representante de seu próprio “lugar de fala”, termo recorrente na socie- Volpi da inteligência categórica e normativa dos concretistas. Com
dade contemporânea. Pintou o lugar em que morava. Observou o grupo isso, parte da crítica de arte tenderá a conferir a Volpi qualidades
ao qual pertencia. Se pensarmos na história da urbanização do Rio de que desconhecem em Valentim, que se tornava presente em posicio-
Janeiro e nos modos como as rodas de samba se estabeleciam, inevita- namentos do movimento negro, participando de eventos e acompa-
5 Lichtenstein, Jacqueline (org). A pintura. V.6: A figura humana. São Paulo: Editora 34, p.69-88. 6 Arasse, A pintura como pensamento não verbal, p.53.
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nhando discussões de outro artista, outro pintor, também lateralizado em Victor Arruda. Sem dúvida, a própria presença do rock nacional como
pela história da arte, que usava signos geométricos e figurativos do atitude estética virá ao encontro de criadores que incorporavam referên-
candomblé e levava às últimas consequências a participação no dis- cias estrangeiras no pensamento da juventude de então.
curso político: Abdias do Nascimento (1914-2011). Artistas como Luiz Zerbini, Leda Catunda, Paulo Paes, Nuno Ramos,
São muitas as querelas que configuraram a oficialidade e a lateralidade Daniel Senise e Angelo Venosa engrossavam o coro de uma parte da
de artistas frente aos interesses estéticos e mercadológicos de um sis- produção pictórica no Brasil, que acabava por gerar atitudes mais livres
tema de arte. Assim como Milhazes, Adriana Varejão também alcançara e bem-humoradas do que, propriamente, uma reflexão estético-po-
preços altos no ramo dos leilões. A tela “Parede com incisões à la Fon- lítica como acontecera com a geração Clark-Oiticica. O culto a atelier,
tana”, de 2001, bateu recorde, alcançado o valor de 3 milhões de reais, telas, objetos encontrados, pintura em muros, uso de matérias diver-
em 20117. Varejão, diferente de Milhazes, faz pesquisas junto a histórias sas se tornou recorrente no diálogo aberto pelos jovens artistas. Pela
coloniais, azulejos, decorações de igrejas, conseguindo uma técnica de primeira vez, atitude e juventude estavam coadunadas em grupos de
carnação em relevos e certa ilusão de realismo. artistas, no Brasil, que entendiam o campo da arte como local de cele-
bração da liberdade.
Ricardo Basbaum, em texto emblemático, defende uma outra parte
PINTURA NOS ANOS 1980 também conflituosa sobre o mesmo grupo. Ou melhor, inclui, na época,
reflexão sobre as imagens geradas pelos veículos de massa e o saber tra-
dicional da pintura8, conferindo singularidade aos interesses da época.
Ao tratarmos de pintura brasileira, percebemos que, assim como nos Sabemos, de antemão, como o ele próprio, além de Márcia X e Alex Ham-
anos 1950, a década de 1980 marca intensos interesses na história da burger vibrarão, na mesma década, em outra sintonia, mais próxima da
pintura. Por um lado, vemos artistas muito jovens mergulhados na ideia performance, por exemplo. Mesmo se pensarmos na exposição do Par-
de criação quase como uma atitude vital. Ou seja, para além de qualquer que Lage, curada por Marcus Lontra, Sandra Magger e Paulo Roberto
manifestação de ordem panfletaria, lidar com arte era, também, apontar Leal (1946-1991), artistas como Cristina Salgado, Ana Miguel e Inês
um modo de agir frente a um Brasil que vivia sob o regime ditatorial, já de Araujo ampliam a sensação do chamado retorno à pintura, tão pro-
apresentando parcos sinais de abertura. Pintura e atitude configurariam clamado na época. E em uma exposição com mais de 120 nomes, outros
um binômio difícil de comparar aos anos 1970, em que a desmaterializa- caminhos, inevitavelmente, foram abertos por linguagens que a história
ção da arte foi exigida. não assimilou ou demorou a incorporar.
Das motivações múltiplas que apareceram em gestos expressivos vigo-
rosos, o diálogo com a história da arte se deu, à época, em recuos lon-
gínquos. É comum atribuir à coleção Gênios da pintura, distribuída nas PINTURA NOS ANOS 2000
bancas em fascículos, com nomes que raramente chegavam à metade do
século XX, o conhecimento sobre arte que influenciou os artistas da pin-
tura dos anos 1980. Adriana Varejão, por exemplo, atribuiu seus conhe- Os anos 2000 tiveram características distintas nas artes. Por um lado,
cimentos iniciais de arte a essa coleção. temos a projeção e a notoriedade de Lygia Clark (1920-1988) e Hélio
Portanto, os anos 1980 ativaram citações de obras e imagens muito Oiticica (1937-1980), catapultados, ao final dos anos 1990, a ícones
mais clássicas do que o diálogo com o cotidiano da época, como aconte- inescapáveis da arte brasileira. Por outro, a influência de uma geração
ceu na década de 1970 nas obras de Guerchman, Antonio Dias e, mesmo, mais próxima dos anos 1990 que abriu inúmeras possibilidades no uso
7 Adriana Varejão bate recorde de obra mais cara de brasileiro vivo. Disponível em: https://ultimosegundo.ig.com.
br/cultura/adriana-varejao-bate-recorde-de-obra-mais-cara-de-brasileiro-vivo/n1238030892760.html. Acesso em: 8 Basbaum, R. Pintura dos anos 80: algumas observações críticas. In: ______. (org) Arte contemporânea brasileira:
12 set 2019. texturas, ficções, estratégias. Rio de Janeiro: Rios ambiciosos, 2001, p.299.
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de materiais e na busca por narrativas mais fabulares, autoficcionais. abstração dos anos 1950, o abuso da liberdade expressiva dos anos
Também precisamos destacar uma produção que advinha dos progra- 1980, a internacionalização da arte nos anos 2000. Pinturas com
mas de pós-graduação em artes nas universidades. Ou seja, havia um citações históricas, quadros diagramados nas paredes, a sátira, o uso
legado a ser levado adiante, pautado numa arte com interesses sociocul- de objetos “instalativos” e o interesse performativo são algumas das
turais, estimulando a participação do espectador e a produção de obje- características que perceberemos em Daniel Lannes, Maria Fernanda
tos relacionais. Assim, alguns coletivos de arte surgem, de costas para o Lucena, Lívia Moura, Gilson Rodrigues, Elvis Almeida, Alvaro Seixas e
mercado e completamente interessado nas intervenções urbanas, como Felipe Fernandes.
o Atrocidades Maravilhosas, no Rio de Janeiro. Um outro grupo, em São
Paulo, reticente ao sentido memorialista dos anos 1990, procurou lidar
com mecanismos “instalativos” para alteração dos espaços, juntando
artistas como Renata Lucas e Wagner Malta, que ocuparam uma galeria Marcelo Campos
independente de 10,20m x 3,60m.
Porém, dos mesmos coletivos de arte, algumas vezes, surgiam artis-
tas com produções individuais que, em alguns casos, incluíam pin-
tura, como Ronald Duarte, Geraldo Marcolini, Alexandre Vogler, Guga
Ferraz, Felipe Barbosa e Rosa Ricalde. Vemos, então, pinturas que
atravessam os anos 2000, de Gustavo Speridião a Arjan, por exem-
plo, que já vinha produzindo desde fins dos anos 1990, assim como
Gabriela Machado.
A década avança e vemos surgir, de outros lugares do Brasil, para além
do eixo Rio-São Paulo, vozes como as de Thiago Martins de Melo, Gui-
lherme Dable, Lilian Maus, Fábio Baroli e Camila Soato, que processaram
o caráter histórico de outro modo. Ali, nos trabalhos desses artistas, a
televisão, os games, a incorporação de elementos banais, do consumo
juvenil se misturam a gestos mais alegóricos e abstratos, até.
Lucia Laguna se situa, aqui, como uma pedra de rumo, mudando os
métodos e usos de materiais desde fins dos anos 1990, assim como
abrindo possibilidades para inserção da mulher, negra, moradora da peri-
feria e com idade mais avançada. Laguna elabora pesquisas em torno
do atelier e suas vizinhanças, com a colaboração de assistentes para os
primeiros traços e figuras. Faz da pintura um gesto crítico de anulação e
reelaboração dialética entre sobreposições e veladuras.
O que poderíamos compreender como ethos desse grupo já elabora
informações advindas das escolas de arte, assim como de referências
mais internacionais.
O retorno a tais fatos históricos se fez necessário, pois apresentare-
mos artistas que, de certo modo, se influenciaram por caminhos aber-
tos pelos movimentos em torno da pintura brasileira. A busca pela
23 24
Alvaro
Seixas
CRÔNICA E CRÍTICA REIFICADAS
Alvaro Seixas produz pinturas como se houvesse ampliado o desejo em

pertencer e comentar diversos estilos históricos. Ora temos expressões
em torno da abstração, informal e geométrica, ora vemos o caráter cons-
trutivo e pop em imagens, cores e formatos. Seixas lida com a arte com e
como crítica. A arte, meio e mensagem que se apresenta sob as ansiedades
do sistema que a cada dia inventa revelações, anseia por um novo nome,
ocupa, decora, “instagrama” coquetéis de abertura, premiações, residên-
cias. Assim, vemos a arte participar de uma espécie de catálogo (artsy),
revista, em que atitudes passam a elaborar um campo, um sistema, que
promete profundidade, mas que se elabora do mesmo modo, qual uma lista
telefônica. O curioso, neste sentido, é perceber como se comporta o pintor
Alvaro Seixas em torno daquilo a que se pode conferir fé. Ou seja, em qual
das expressões pictóricas encontramos, de fato, o interesse de Seixas?
Aqui nos confrontamos com a contradição a qual toda a arte se compraz.
No mesmo lugar em que depositamos crítica, também produzimos a siste-
matização de um campo e a estetização de uma prática.
Nos desenhos de Alvaro Seixas, há singularidades que o aproximam, por
exemplo, dos interesses de Richard Prince. Com isso, percebemos certa
semelhança com a charge, os memes, onde o descompromisso e a agilidade
nos traços geram, de fato, o atravessamento crítico que o campo da arte
contemporânea necessita.
Ronaldo Brito escrevera que a pop art, frente à arte moderna, havia tro-
cado o heroico pelo cínico1. Aqui, observando os trabalhos de Alvaro Sei-
xas, percebemos que para além da observação de Brito, muitas décadas
1 Brito, Ronaldo. Voltas de pintura. In: Basbaum, Arte contemporânea brasileira: texturas, ficções, estratégias. p.137.
25 26
de cinismo se seguiram. E, hoje, há uma incerteza frequente entre o que
vemos e o que foi observado pelos outros, sistematizado, incorporado. Se
a crítica e a crônica fazem parte do método de Seixas, o modo como suas
pinturas se apresentam, geralmente, se relaciona à ideia de diagramação.
Como em um livro, uma página, a grade modernista retorna, mas, agora,
na possibilidade cênica, teatral, que o minimalismo havia liberado como
inserção das obras em lugares específicos. Há certo interesse nas imagens
que vemos de exposições de Seixas em lidar com o encenado. Talvez, aqui,
a cena coloque o espectador num certo avesso do olhar. Não mais a visua-
lidade diante da perspectiva, mas num percurso de coxia, bastidor, ate-
lier, em que a exposição parece, sempre, um ir adiante, e Seixas nos deixa
entrever seus interesses. Fatos que fazem a produção de Seixas lutar “con-
tra aquilo que” encarna2.
MC
Pintura sem título (Paisagem com Figura), 2019

Óleo e esmalte sobre linho
160 x 115cm
Coleção do artista comodato dotART galeria
2 Bois, Yves Alain. A pintura como modelo.
27 28
Pintura sem título (Rocaille), 2019 Pintura sem título Pintura sem título (Reino tipo Musgo), 2016
Acrílica e spray sobre tela (Paisagem Romântica), 2019 Esmalte, óleo, spray e acrílica sobre tela
32 x 20cm Óleo, esmalte e acrílica sobre tela 123 x 82 cm
Coleção do artista 30x20cm Coleção particular
Coleção do artista
29 30
Sem título (Byron em Ravenna – Neon Version), 2017 Pintura sem título (Reino Neon), 2016
Esmalte sintético, zarcão, óleo e spray sobre linho Esmalte, óleo, spray e acrílica sobre linho
130 x 180 cm 150 x 100 cm
Coleção do artista comodato dotART galeria Coleção Mariana e José Eduardo Nahas Filho
31 32
Pintura sem título (Spray neon), 2019 Pintura sem título (Reino Empastado), 2016 Sem título (Paisagem Romântica – Neon), 2018
Acrílica e spray sobre linho Óleo, spray e acrílica sobre linho Óleo, spray e esmalte sintético sobre linho
30 x 20cm 30 x 30 x 10 cm 180 x 120 cm
Coleção do artista Coleção Bruno Assumpção Coleção do artista comodato dotART galeria
33 34
PERGUNTAS E RESPOSTAS
Wilson Lazaro Percebo claramente que em seu trabalho existe um fio

condutor que está presente em seu gesto de fazer e exercitar... parece usar
os desenhos para refrescar a mente, é isso? Em que sentido você acredita
que “deve” mudar hoje a maneira de pensar e realizar o fazer artístico?
Alvaro Seixas Atualmente, a palavra “mudança” é fundamental na
minha maneira de viver e, de certa maneira, fazer/pensar arte. O fio
condutor da minha produção se chama “Alvaro Seixas” e essa figura
admite várias mutações, fantasias, ficções, narrativas, alteregos, per-
sonas. Sempre gostei do pensamento budista, em particular do Zen,
apesar de nunca ter feito meditação. Mas pensadores como Allan Watts,
hoje, me ensinam a viver a vida admitindo mudanças, sejam sutis ou
marcantes. Há uns cinco anos era um “jovem pintor abstrato” e corria
o risco de viver eternamente nesse clichê imposto por mim mesmo à
minha própria pessoa (pensava que assim agradaria a críticos, curado-
res e alguns amigos artistas); hoje em minha “produção” estão presen-
tes pinturas que continuam a remeter a certos aspectos da abstração
histórica, mas também a paisagistas como Turner e Monet. Essas abs-
trações, paisagens e/ou densas matérias pictóricas contrastam positi-
vamente com a minha recente produção de desenhos. Os desenhos que
comecei a fazer foram fundamentais para repensar a minha persona
de pintor. Não são estudos visuais para pinturas, mas servem para criar
embates poéticos e conceituais com a minha atividade pictórica e, mui-
tas vezes, com o sistema artístico.
WL Você acredita que, hoje, existe um modelo de conceito na hora de

criar? Um modismo no produzir arte? Você segue isso? Como coloca sua
obra nesse sentido?
AS Modismos, não sei. Há sem dúvida uma prática em voga no Brasil,
apontada por artistas como Cildo Meireles: o “curadorismo”. Não acho a
figura do curador dispensável, pois vi grandes e marcantes exposições
organizadas por curadores. Fui curador assistente do grande Marcus de
Lontra Costa durante anos e ele me ensinou muito sobre arte e vida. Já
Pintura sem título (Sade Escapa da Bastilha), 2017 fui essa peça do mundo das artes. Justamente por isso sou sensível ao
Esmalte, óleo e spray sobre tela
200 x 200 cm
fato de que a figura do curador pode tanto ajudar a edificar ou repensar
Coleção do artista comodato dotART galeria a maneira de ver a arte e o mundo, como também pode atuar como um
agente castrador e burocrático. Há curadores que não visitam o ateliê dos
35 36
artistas e, a partir de imagens enviadas por e-mail, escrevem lindos tex- de mutabilidade, transitoriedade. A “carne” da minha pintura, cuida-
tos sobre a “materialidade” ou “presença” da obra de determinado artista, dosa ou agitadamente elaborada no meu atelier, traz consigo as marcas
obras que nunca viram ao vivo. Seria o curador um “fingidor capaz de do meu pensamento nômade ou desbravador... prefiro me pensar como
fingir que é dor a dor que deveras sente?”. Alguns curadores parecem um artista fantasiando mundos – um estranho, niilista e positivo poeta
assumir a persona de poeta, outros de faraó, messias e/ou lobo de Wall romântico... capaz de percorrer e conciliar vários reinos visuais e concei-
Street. Todas elas dão ótimas ideias para cartoons, feitos por mim, o tuais: o Zen Budismo; filmes/livros como O Homem que queria ser rei; a
artista. Há ainda o mercado de arte, as brigas entre os egos das figuras pintura impressionista; as egotrips artísticas; as feiras de arte. A vida e
do meio de arte (inclusive entre artistas, é claro... essas brigas costuma- a arte devem ser desbravadas com doses de desconfiança, admiração e,
vam me irritar muito... hoje me divirto ao narrar essas histórias – elas acima de tudo, otimismo.
podem se materializar sob a forma de desenhos, pinturas, instalações,
perfis de instagram ou livros de artista. Essas narrativas podem convi-
ver com as minhas pinturas. Aliás, quem terá a audácia de me dizer que
não? Que essa pessoa venha me dizer que não posso fazer determinada
obra... que minha obra não representa o meu verdadeiro eu. Adoro curtir
minhas egotrips artísticas... achar que minhas obras são reinos... que eu
sou um rei delirante com pincéis e tintas nas mãos. Fiz um desenho que
diz: “Monet, De Kooning e Richter profetizaram a vinda da minha pin-
tura”. Nós, artistas, como bons seres humanos, achamos, por vezes (ou
muitas vezes), que estamos no centro do universo. Prefiro pensar que
meus reinos são pictóricos, virtuais, cheios de cores e nuances, ao invés
de promover a egolatria no mundo real.
WL Qual o diálogo com a atualidade, com a sociedade e com o seu processo
de criar – seu suporte acadêmico, algumas vezes arcaico – é apresentado na
criação da sua obra? E como você percebe esse trabalho que se apresenta
de forma orgânica e atinge o visceral?
AS A academia foi muito positiva para meu percurso artístico. Fui aluno
de grandes artistas como Milton Machado e pensadores como Tadeu
Capistrano. Fui orientado no mestrado e no doutorado pelo grande Paulo
Venâncio Filho. Hoje dou aula de desenho na mesma faculdade onde
me graduei, fiz mestrado e doutorado. Todos os meus professores me
deram lições sobre arte, cada um do seu jeito. O Milton, em particular,
foi um grande agente provocador. Com ele aprendi a sempre descon-
fiar das minhas próprias certezas. Considero o Milton um niilista posi-
tivo. Aprendi com ele a puxar o meu próprio tapete de certezas... isso se
conecta à sua primeira pergunta – sobre a mudança. Há uma frase da
dupla de artistas Fischli & Weiss que ficou na minha mente: “admita a
mudança como algo inevitável”. Nada mais zen do que isso. A organici-
dade e a visceralidade que você sugere na pergunta se conectam à ideia
37 38
Daniel
Lannes
IMAGEM SOBRE IMAGEM
Daniel Lannes faz da pintura histórica um ponto de citação e anula-

ção. Observa cenas que já adquiriram muita popularidade, em museus,
livros didáticos, filmes. A partir daí, revê um Brasil marcado por heróis
e anti-heróis, D. Pedro, Macunaíma, baile funk aparecem como posi-
cionamento político, em que os mesmos signos são reverenciados e
ganham sentidos críticos. Lannes faz do gesto pictórico um ethos,
uma certa identidade que aparece em quase toda sua produção. Assim,
testa e ousa na expressividade de tintas escorridas, fluidas, aguadas.
O resultado são personagens históricos e populares, em dias de coroa-
ção, balcões nobres ou em piscinas dos quintais suburbanos, ganha-
rem outros ângulos. Assim, a atualização da visualidade faz com que
percebamos imagens sobre imagens, tal qual no ambiente infográfico.
Lannes utiliza-se, quase sempre, do já visto e, em alguns momentos,
recua a observação incluindo os ambientes museais onde as pinturas
se inserem. Neste gesto, pode, inclusive, se colocar em cena, como se
estivéssemos diante de um selfie.
Assim como artistas que já haviam usado o recurso da citação ou
das imagens de “segunda geração”, nos termos de Tadeu Chiarelli
sobre a já comentada geração 801, Daniel Lannes nos faz desprendi-
dos do fetiche sobre a originalidade, mas ativa outras fetichizações,
tanto em torno da relíquia (pinturas históricas), quanto do corpo
separado em pedaços, como se bonecos de sex shop. O tempo, a época
e a origem ganham múltiplas camadas de ambiguidade. Sem saber de
1 Chiarelli, Tadeu. Considerações sobre o uso de imagens de segunda geração na arte contemporânea. In: Basbaum,
Arte contemporânea brasileira: texturas, ficções, estratégias. p.257-270.
39 40
onde conhecemos as referências que já estão em desfazimento, per-
cebemos que o sentido da anulação – tal qual em “Erased De Kooning”,
em que Rauschenberg apaga o desenho do outro artista – entroniza
e aproxima. Em sentido análogo, mas em contraposição, a elegia de
Daniel Lannes, do mesmo modo, picha, destrói, desqualifica aquilo
que representa.
MC
Família de Fuzileiros, 2014

Óleo sobre linho
155 x 205 cm
Coleção Bruno Assumpção
41 42
17 homens e um segredo ou Os Modernistas, 2017
Acrílica e óleo sobre linho
200 x 300cm
Coleção FAMA ( Fabrica de Arte Marcos Amaro)
43 44
O Turista, 2015 Bagunça, 2015
Acrílica e óleo sobre linho Acrílica e óleo sobre linho
220 x 160cm 200 x 300cm
Coleção do artista Coleção do artista
45 46
Aleijadinho, 2016 La Luz Del Fuego, 2018
Óleo sobre linho Acrílica e óleo sobre linho
175 x 135 cm 160 x 150cm
Coleção particular Coleção do artista
47 48
Guignard x Max Bill, 2015 Cúpula, 2016
Óleo sobre linho Óleo e acrílica sobre lona
185 x 140 cm 190x250cm
Coleção dotART galeria Coleção do artista
49 50
PERGUNTAS E RESPOSTAS DL Acredito que ser pintor hoje seja, por excelência, uma atividade român-
tica. Num mundo tecnocrático, capitalista e ansioso em que vivemos, a
experiência da pintura nos joga para uma outra dinâmica temporal. Há
Wilson Lazaro O que exatamente você tem em seu pensamento com as uma espera: o tempo do olhar; da secagem da tinta; do embate com a tela.
cenas criadas nas suas pinturas, em que seus personagens parecem des- A pintura, no fim, é quem vence. Nós nunca terminamos uma pintura: nós
pregar das telas e seguir viagem? Acredito que você é um grande contador a deixamos.
de histórias – ou seria um pintor viajante? Isso faz sentido? Qual é o cenário
ideal para essa viagem em seu processo de criação? WL Como acontece o diálogo entre você e seus personagens para estru-
Daniel Lannes Acho que faz sentido sim. Na verdade, creio que os pintores turar sua pintura, já que nela há um equilíbrio que desequilibra o olhar na
viajantes que aqui (Brasil) estiveram também eram grandes contadores de experiência íntima? Lembro muito de viajar nas suas pinturas e sair com
histórias. Se pensarmos em Albert Eckhout, que esteve aqui com Maurício de uma poesia em minhas lembranças... só acredito em obra que emociona, e
Nassau, podemos vê-lo como um grande contador de histórias. Seus retratos isso sinto diante da sua obra. O que você tem a dizer sobre isso?
e naturezas mortas tinham, inicialmente, um papel científico e documenta- DL Acredito que minha relação com meus personagens acontece de forma
rista – retratar os nativos, a fauna e a flora tropical – mas também davam arrebatadora: eu preciso me apaixonar por uma imagem. Ter tesão e desejo
margem à idealização. Nos retratos, por exemplo, nota-se uma idealização por ela. A partir daí acontece um processo de desapego: uma vez que decido
do retratado. O índio pintado aos moldes europeus, em poses arranjadas aos pintá-la, preciso encontrar no embate com a tela uma forma de me des-
moldes tradicionais do retrato clássico. Há uma mistura de observação ana- vencilhar da imagem inicial. Transformar, através da tinta, essa imagem
lítica e idealização pré-concebida. Isso por si só já o torna um contador de em algo outro. É justamente nessa transposição que ocorre o coeficiente
histórias. Ele punha algo de fantasioso em sua tarefa documental. artístico. Nesse processo de paixão e desapego. A imagem que me seduziu
Se pensarmos em Debret, vemos, então, um narrador ainda mais pro- inicialmente nunca estará de fato na minha pintura. Ela foi apenas o sopro
fundo. Seu legado é uma grande compilação de histórias. Toda uma cul- inicial que fez gerar algo que eu nem poderia prever de antemão. E é essa
tura, um modo de viver, de se vestir, de se relacionar: tudo isto se encontra transformação que acredito ser minha experiência íntima com a pintura.
em suas pinturas e aquarelas.
No meu caso, acredito que busco nas cenas que escolho pintar algo que
instigue esse “olhar viajante”. Algo precisa me atrair de alguma forma: seja
formalmente ou no conteúdo, ou ainda nos dois. Procuro enxergar as cenas
que retrato com esse olhar ainda curioso de quem pisa em uma terra pela pri-
meira vez; com um olhar aberto ao novo. A partir dessa abordagem, a história
é contada. Às vezes, acho mais interessante contar essa história com um dis-
tanciamento poético, quero dizer, sem uma pretensão realista, de quem está
a julgar ou comentar uma situação passada pelos olhos da história conhe-
cida, mas, sim, pela fantasia, pela idealização e pelo delírio. Acredito que seja
essencial delirar. A descrição pura e simples não me interessa. Busco o ponto
em que minha idealização tangencia o absurdo. Acho esse o cenário ideal para
a minha viagem: a reinvenção de arquétipos e estereótipos dados a priori.
WL O que é ser um pintor hoje, a partir de uma expectativa romântica?

Como se dá a sua pesquisa? Percebo sempre um novo olhar nas suas telas.
Isso é ser artista hoje?
51 52
Elvis
Almeida
O INCONSCIENTE BANAL
Elvis Almeida elabora variadas interpretações pictóricas de padronagens que

trazem intensa relação com o desenho. Vemos um certo repertório de geo-
metrias, ora atravessadas por situações mais figurativas, ora configurando
tramas, listras, redes. A paleta ativada pelo trabalho do artista aceita cores
vibrantes, quase fluorescentes, e observa jogos de contraste que se tornam
quase cinéticos. Efeitos de intensidade geram certas estridências, como se
tomassem reações inesperadas, pouco usuais, ou como se a experiência de
mistura das tintas tivesse chegado ao limite da saturação. Parte da singula-
ridade do trabalho de Elvis Almeida reside no interesse do artista por gestos
simplificados, como os que foram classificados de primitivos, o que chama-
ríamos, em outros tempos, de Naïfy, palavra sem sentido na atualidade.
A soma de traços e o encontro de tramas de Elvis Almeida geram, algumas
vezes, figuras curiosas, como ornamentos kitsch, corroborados por tons empas-
telados e pinceladas insistentes e diminutas. A observação sobre tais ornamen-
tos, quando eles se tornam figuras centrais da representação, liga-se à ideia de
natureza-morta. Há, em outra direção, uma certa separação, no plano da pin-
tura, de elementos que compõem a base e o topo. Com isso, intuímos um hori-
zonte invisível, o que nos aproxima da ideia de paisagem. Portanto, inevitavel-
mente, os gêneros pictóricos se tornam presentes nas obras de Elvis Almeida.
Frente a esse abismo que se coloca no lugar do horizonte, a pintura segue aquilo
que foi denominada “arte do inconsciente”. É curioso pensar em Elvis Almeida
na aproximação com Lorenzato, por exemplo, e com Emygdio de Barros.
MC
53 54
Sem título, 2018 Sem título, 2018
Acrílica sobre tela Acrílica e tinta automotiva sobre tela
151 x 163 cm 164 x 158 cm
Coleção particular Coleção particular
55 56
Óleo sobre madeira Acrílica sobre tela
25 x 19 x 5 cm 100 x 90 cm
Mercedes Viegas Arte Contemporânea Coleção Patricia e Maurício Freitas
57 58
Acrílica e tinta automotiva sobre tela Óleo sobre papel Hannemuller
163 x 145 cm 53 x 39 cm
Coleção particular Pinacoteca do Estado de São Paulo
59 60
Acrílica sobre tela Acrílica sobre tela
100 x 90 cm 164 x 151 cm
61 62
163 x 149 cm 151 x 163 cm
63 64
PERGUNTAS E RESPOSTAS desse pensamento europeu. Não importa se você tem ou não como refe-
rência o pensamento europeu, mas sim de que maneira você usa esse pen-
samento europeu. Acho que toda essa obsessão por um modo de pensar
Wilson Lazaro A repercussão da sua pintura está por todos os lados. O europeu na arte feita aqui no Brasil tem a ver com a História da Arte oficial
mundo começou a perceber a vitalidade da nossa produção atrasado. Con- mostrada na escola e a dificuldade em acessar informações sobre arte de
siderando a qualidade da arte atual brasileira, tudo está por acontecer. outros lugares. Durante toda a graduação na Escola de Belas Artes na UFRJ,
Como você atua nesse campo, com sua pintura? nunca foi apresentado, em sala de aula, conteúdo (fora de um contexto
Elvis Almeida Pintando! Me esforçando numa tentativa de ser fiel em tra- pré-História) sobre a produção da Ásia, da África, da Oceania e mesmo da
duzir poeticamente as dúvidas que vão surgindo em meu próprio caminho, no América Latina.
percurso entre vida e fazer artístico, deixando em segundo plano questões Porém, são muitos os motivos pelos quais nos mantemos indiferentes a
como a repercussão ou visibilidade que minha pintura possa ter, ou não ter. nossa própria cultura ou a diferentes formas de expressão artísticas que
não sejam a europeia – ou a que a “crítica” europeia aponta como sendo A
WL Gosto muito de sua construção nas suas obras, é uma pintura alegre arte importante.
que, apesar das formas geométricas, como o círculo, não traz uma resolu- Aqui no Brasil, esse encantamento pelo tipo de arte produzida nos paí-
ção a priori. Você não se preocupa em fazer referência, em seus trabalhos, ses “desenvolvidos”, e a tentativa de emular suas características, sempre
a nenhum artista ou correntes artísticas. Aparenta não querer se filiar a aconteceu na música, na dança ou na arquitetura. Não costumo acompa-
nada ou ninguém, você explode nas pinturas! Isso emociona quando olha- nhar artistas de São Paulo ou do Rio que sigam qualquer tipo de modismo
mos seu trabalho, traz uma forte sensação de vitalidade, já que estamos (seja ele europeu ou do leste asiático) independente do lugar que a obra
vivendo momentos bem chatos na arte hoje. Acredito que sua pintura tem desse artista ocupe.
um apelo sensorial! Você concorda?
EA Talvez esse apelo exista, mas não tento ter controle sobre o tipo de WL Fico bem feliz em ver tanta gente extremamente jovem e plural (peri-
sensações que minha pintura pode provocar, mesmo que eu tenha uma férica, negra, feminista, libertária, não binária) interessada por arte e por
intenção enquanto eu esteja fazendo essa pintura. Me diverte a leitura de fazer arte, é algo muito animador.
cada um, algumas pessoas já relataram sentimentos como nojo, pêsames EA Estou no momento de ouvir conselhos (inclusive de quem está come-
ou solenidade ao visitarem minha exposição. çando), mas “Pinte o que quiser e morra feliz”, do artista Paulo Whitaker,
Não acredito que a arte necessariamente tenha de ser um antídoto con- continua sendo o mais valioso conselho de todos.
tra o tédio ou a chatice. Também sou fã de toda a produção que a História
da Arte oficial e não oficial nos conta, mas no momento tenho dado menos WL Existe algum tipo de projeto ou pintura que você não fez até agora e
importância em explorar (se é que existe) uma escola ou herança da pin- ainda gostaria de realizar? Já que sua pintura faz sonhar… nos conte!
tura. Mas meu trabalho é repleto de referências e filiações, talvez mais ínti- EA Existem muitas cascas na pintura esperando para serem quebradas,
mas, mas elas existem. tenho pressa, mas preciso tomar cuidado para não acelerar. Fora da pin-
tura ainda existe um campo enorme para ser explorado! A diversão está
WL Há um pensamento muito europeu na pintura aqui no Brasil, princi- apenas começando!
palmente em São Paulo. Como você vê a escola desses pintores novos, que
estão seguindo esse modismo, já que você está criando uma pintura bem
estruturada e com personalidade própria? E como você analisa o surgi-
mento de tantos novos artistas?
EA Em suas devidas proporções, também posso ser incluído nessa crítica,
pois o processo de decolonização exige tempo, depois que você se dá conta
65 66
Felipe
Fernandes
ABSTRAÇÃO E PROFUNDIDADE DE CAMPO
Felipe Fernandes lida com a pintura a partir de gestos ampliados. Com

alta densidade de superposição de camadas, a planaridade se constrói em
fundos opacos, empastelados e com a presença de tons escuros. Com agu-
çada atenção às bordas, onde são promovidos encontros entre primeiro e
segundo planos, Fernandes parece ressaltar linhas que trazem cores sur-
preendentes, abrindo a opacidade em inusitada contraluz. Tal opacidade
se aproxima de pinturas como as de Cristina Canale. Distanciando-se da
possibilidade de uma interpretação figurativa, quase não vemos títulos
remissivos a outras imagens. Torna-se, então, talvez, temerário atribuir
relações entre o que se está apresentando e possíveis imagens de referên-
cia. Mesmo que haja figuras, Felipe Fernandes trata de anular o jogo entre
figuração e abstração, aprofundando o campo de ação da tela em exercí-
cios tautológicos, circunscritos.
Em alguns momentos, a linha toma certa independência, e, assim, age
em desenhos que se multiplicam, conferindo certo ritmo para a pintura. A
repetição de gestos e a aparição de elementos únicos retiram a pintura de
Fernandes do jogo cinético e da possibilidade de construção de padrões.
MC
67 68
150 x 150 cm 150 x 150 cm
Coleção particular Coleção do artista comodato dotART galeria
69 70
Sem título, 2018
Acrílica, cola branca, papel celofane, papel sulfite, caneta
hidrocor sobre tela
20 x 20 cm

Acrílica, cola branca, papel celofane, papel sulfite, caneta Acrílica sobre tela
hidrocor, caneta esferográfica sobre tela 150 x 150 cm
16 x 22 cm Coleção do artista comodato dotART galeria
71 72
100 x 100 cm 110 x 100 cm
Coleção Ana e Guilherme Coleção particular
73 74
Acrílica, cola branca, papel de revista, caneta Acrílica sobre tela
hidrocor, caneta esferográfica sobre tela 135 x 135 cm
25 x 20 cm Coleção dotART galeria
75 76
Cúpula, 2015 Sem título, 2016
120 x 100 cm 140 x 100 cm
Coleção Vitória Nolli Coleção do artista comodato dotART galeria
77 78
PERGUNTAS E RESPOSTAS WL Dentro das escolas e dos movimentos atuais da arte, como você vê e
sente sua pintura. Qual sentido que você gostaria de traçar na sua obra?
Estamos vivendo momentos de mudanças sempre, a arte faz o caminho da
Wilson Lazaro Olhando sua pintura, tive uma boa sensação, meus olhos metamorfose. Isso acontece com você?
brilharam ... Que tipo de narrativa você costuma estruturar para uma tela FF É difícil pra mim, e acredito que também para muitos artistas, encai-
em branco? Qual o seu desejo inicial na hora de criar? Você consegue che- xar meu trabalho em algum movimento agora, porque acho que é neces-
gar onde quer em sua criação? Qual é o resultado final na sua criação? Sinto sário um distanciamento histórico pra isso. Eu sempre gostei de uma ideia
uma pintura renovada e intensa e cheia de sentimento, estou certo? romântica de movimento artístico em que um grupo de artistas define um
Felipe Fernandes Como não uso estudo ou referência fotográfica pra discurso e um parâmetro para produção de todos que fazem parte dele.
começar um quadro, eu acabo não estruturando muito meus trabalhos. Ter um limite externo ao que você mesmo impõe ao seu trabalho sempre
Geralmente inicio uma tela fazendo formas ou manchas simples que vão me me pareceu algo libertador. Acho que isso acaba preenchendo uma lacuna
sugerindo caminhos a seguir. Muitas dessas formas acredito que venham ideológica que não se consegue alcançar trabalhando sozinho e compro-
de desenhos que costumo fazer nos meus cadernos. metido exclusivamente com questões pessoais e internas.
Sempre procuro por uma pintura em que eu consiga tomar decisões que Não consigo ver de forma clara que curso meu trabalho vai seguir, mas
não me façam pensar muito e que, ao mesmo tempo, consiga se comuni- procuro me associar a outros artistas que também pensem de forma mais
car de uma forma rápida e direta com quem a está vendo. Procuro não ser intuitiva e menos projetual.
muito consciente sobre o meu próprio trabalho, acho que acabo preferindo
me apoiar em algum tipo de sensibilidade ou intuição. WL Acredito que o universo da arte ainda é bem machista, principalmente
Houve um período em que eu achava que tudo que eu vinha pintando na pintura, considerando que na academia há várias mulheres, porém no
lembrava uma tela do pintor inglês Wiliam Turner. Na verdade, eu nunca mercado são os homens que regem essa partitura. Qual seu posiciona-
tentei me aprofundar na obra dele, tudo que tenho é uma imagem mental mento frente a essa questão?
formada por meia dúzia de reproduções de quadros de naufrágio que eu vi FF Acho que o mercado de arte reflete a mesma estrutura de qualquer
em livros. Pra mim, suas pinturas tem uma carga de drama infinita. outro mercado em que há uma maioria de homens. Não existe outra posição
que não seja ser a favor da igualdade e da representatividade. O machismo
WL Você é assistente de um pintor bastante conhecido, Luiz Zerbini. Achei é algo tão naturalizado que muitas vezes passa despercebido por mim, tal-
muito interessante que, na sua pintura, você consegue fugir da escola “zer- vez pelo fato de ser homem. Acredito que esse desequilíbrio está se tor-
biniana”, já que ele está influenciando muitos artistas atualmente... Isso me nando cada vez mais evidente e curadores e organizadores estão atentos
despertou curiosidade, vejo que você segue majestosamente o seu cami- a isso no momento de compor coletivas e afins, algo que vejo acontecer
nho. Como é conviver entre essas duas criações presentes no seu percurso? gradualmente.
FF Eu provavelmente fui muito influenciado pelo trabalho dele, por ter Quando comecei a estudar pintura no Parque Lage fui muito influenciado
acompanhado o seu processo de criação tão de perto, apesar de ser difícil por uma artista chamada Carla Einloft. Ela possuía uma espontaneidade e
pra mim dizer o quanto ou onde está essa influência de forma clara. Acho uma intuição que eu admirava muito e rapidamente quis tomar pra mim,
que o que mais aprendi no seu atelier foi como lidar com questões e proble- por algum motivo associava essas características ao feminino. Tenho uma
mas que são inerentes ao processo de qualquer pintura, por mais diferentes boa lembrança dessa época, pois eu vinha seguindo um caminho muito
que elas sejam visualmente. Acho que nunca mais vou ter essa experiência baseado no rigor e na técnica.
de familiaridade tão grande com o pensamento e o processo de outro artista. Gosto de acreditar que o mercado eventualmente abre espaço para o que
Admito que algumas raras vezes, enquanto pintava no meu atelier, me é verdadeiro e comprometido.
vinha o pensamento “isso parece uma pintura do Zerbini?”. Pensamento
que eu procurava matar na hora.
79 80
Gilson
Rodrigues
QUIMERAS, TOTENS E RUÍNAS
Gilson Rodrigues amplia a pintura em situações “instalativas” e tri-

dimensionais. Com isso, pensa a pintura “por trás das formas”, como
no título de um de seus trabalhos. Rodrigues observa ornamentos em
porcelanas e reconstrói objetos com pedaços e vestígios das louças
que apresentam variadas conformações e materiais. Vemos, então,
situações híbridas, quiméricas, em que o centro da cena se constitui de
um certo aglomerado de planos, como nos bichos de Lygia Clark e nas
esculturas de Barrão. Há, de outro modo, a construção de instalações
emulando jardins, em que plantas e terras dialogam em sites específi-
cos ativando o sentido da memória, levando-nos a casas antigas que,
aos pedaços, se afiguram a ruínas. Gilson Rodrigues produz aquarelas
que configuram certo imaginário aproximativo do caráter popular dos
objetos, dada a pletora de cores e as variadas formas tortas, amassa-
das, irregulares, o que se aproxima, em certo sentido, das pesquisas de
Emmanuel Nassar.
O artista ao se encaminhar para a produção pictórica, aciona aquilo que
Yves Alain Bois denominou “arquidesenho”1, ao tratar de Matisse, reco-
nhecendo que há interesses totêmicos, talvez juntando elementos que
pertençam a situações distintas entre arte e artesania, gestos decorati-
vos e maquinações contemporâneas. As quimeras resultantes da produ-
ção de Gilson Rodrigues pertencem a âmbitos quase contraditórios, como
se juntássemos, nos termos de Greenberg, um poema de Elliot a uma can-
ção de cabaré.
Se uma das tarefas da pintura, como quer Yves Alain Bois, é a “arqueo-
logia”, presente, por exemplo, em obras de Joseph Beuys e Anselm Kiefer,
1 Bois, Yves Alain. A pintura como modelo. São Paulo: Martins Fontes, 2009, p.4.
81 82
a produção de Gilson Rodrigues situa-se em uma pesquisa que a histó-
ria da arte elabora há algum tempo. Trazer objetos, juntar cacos, elabo-
rar jardins dotam a produção de Rodrigues de certa atração pelo tempo
ainda em sintonia com o presente. Porém, nada ali se faz sem a rememo-
ração, os achados, o recuo no passado.
MC
Paisagem de arrependimentos, 2017

Acrílica e óleo sobre tela
147 x 170 cm
83 84
Passeio, 2016 Xícara II da série Remembramento, 2019
Acrílica e óleo sobre lona Óleo sobre tela
150 x 140 cm 10 x 15 cm, 10 x 15 cm, 10 x 15 cm, 10 x 10 cm
85 86
Estrutura sensível 3, 2017 Sobre um casal, 2017
Série Trauma Acrílica e óleo sobre tela
Acrílica e óleo sobre tela 165 x 140 cm
100 x 100 cm Coleção do artista
87 88
Estrutura sensível 4, 2017
Série Trauma
60 x 40 cm

Série Trauma
Série Trauma
40 x 60 cm
100 x 100 cm
Coleção dotART galeria
89 90
Interior, 2016 Cena Galante II, 2017
Acrílica e óleo sobre tela Acrílica e óleo sobre tela
144 x 142 cm, 40 x 40 cm 22 x 33 cm
Coleção do artista comodato dotART galeria Coleção do artista comodato dotART galeria
91 92
PERGUNTAS E RESPOSTAS produção artística hoje, isso sim é algo relevante. Para nós, artistas, é de
extrema importância entender todas as esferas que envolvem a lógica de
construção, exibição e manutenção de uma obra.
Wilson Lazaro Como um bom pintor, você consegue expressar tudo na Meu processo é bem livre. No entanto, algumas referências e operações
sua tela de forma estruturada (o espectador percebe essa totalidade rapi- são cíclicas e vez ou outra ressurgem nos trabalhos. Geralmente procuro
damente), nela vê-se referências de uma pintura acadêmica europeia, fazer um esboço, uso muito registros que produzo no atelier e também o
constituída. Como justifica essas suas referências? São necessárias? No photoshop. Ao longo do processo vou incorporando os “erros” e acidentes
meu ponto de vista, você tem um caminho próprio na pintura, precisa des- intrínsecos ao ato de pintar. Um trabalho pode demorar um dia ou mais de
sas referências? um mês para ficar pronto.
Gilson Rodrigues Muito se fala de uma metabolização da pintura por Sinto que uma obra está acabada quando percebo um equilíbrio ou
parte dos artistas que trabalham hoje com esta linguagem. Durante muito mesmo uma potência suscitada pela imagem.
tempo me opus a este pensamento, mas agora percebo que é impossível
desassociar o que se produz hoje de tudo o que foi realizado em pintura, e
isso inclui a pintura europeia. No entanto, as referências à pintura acadê-
mica (não só europeia) que emergem em alguns dos meus trabalhos estão
muito mais ligadas às estampas presentes em uma infinidade de obje-
tos que decoram os ambientes domésticos. É muito comum, por exemplo,
encontrar em jogos de chá cenas galantes do francês Jean Honoré Frago-
nard (1732-1806). Me interessa pesquisar e repensar tais estampas e suas
possíveis leituras desassociadas do ambiente artístico.
WL Gilson, o que você vê hoje e vislumbra no futuro que, de alguma forma,
impressiona e inspira sua pintura?
GR Me interesso bastante pelo fazer pictórico. Pesquisar as diversas
maneiras de construir imagens em pintura sempre me despertou curiosi-
dade. Gosto de artistas que criam seus próprios universos e cujo trabalho
está ligado a uma “banalidade”, como Morandi, Lorenzato, Euan Uglow,
entre tantos outros. Procuro ser bastante sincero com meu trabalho, não
busco motivações externas para realizar minhas pesquisas. Também
não sou romântico a ponto de fechar os olhos para tudo que me cerca. No
entanto, prefiro falar de coisas simples, que chamam minha atenção.
WL Quais foram os momentos mais importantes de sua formação? Quanto

tempo você se dedica a cada obra? E quando tem certeza que cada uma está
totalmente pronta?
GR Sou bastante grato a todos os professores/artistas que encontrei ao
longo de minha formação. Muito do que sei hoje foi construído no ambiente
acadêmico que me deu ferramentas para estruturar minha poética. Porém,
acredito ser mais interessante falar em lucidez diante de tudo que cerca a
93 94
Lívia
Moura
MERGULHO E PERFORMANCE
Lívia Moura lida com pintura em período mais recente. Com isso, inevitá-
vel associarmos as produções anteriores em performance da artista ao
que, hoje, vemos de modo pictórico. Lívia se interessa por ações distin-
tas em torno de instalações e ocupações multimídias. Com isso, linhas,
tramas, tecidos e embalagens já foram utilizados como materiais na pro-
dução, ocupando espaços sempre com certa vontade de criar imersões,
mergulhos. A duplicação e o espelhamento colocam a artista na obser-
vação de interiores distintos. O orgânico da imagem talvez seja o que
Lívia Moura mais se dedique a observar. Com isso, surgem ampliações,
extensões, continuidades pautadas na desconstrução de tramas, onde,
em fotografia, a própria artista aparece laborando. A presença da camada
que será descascada, rasgada, retirada se mantém ao olharmos as pintu-
ras a partir de 2017. E conceitos são costurados em torno de assuntos,
como o erotismo, a intimidade. Lívia Moura se utiliza, também, de ter-
mos fabulares para os trabalhos – Eva, por exemplo. Com isso, inevita-
velmente, associamos os interesses da artista ao transistórico conceito
inventado de feminino.
As pinturas que talvez tenham se iniciado com a instalação também são
pensadas em pedaços. E, assim, mundos diversos estão incluídos, desde a
fotografia em polípticos, ladeando as pinturas, às performances que mos-
tram a artista em mergulhos e resgates de peças do fundo do mar. Perce-
bemos que Lívia sempre indicia outros interesses, para além de um único
gênero de pintura.
Se o corpo e a performance se apresentam nos trabalhos de Moura,
há sensações que nos aproximam de mundos líquidos, inventados,
fabulares. Há, então, certa proximidade desta produção ao que Janaina
95 96
Tschäpe se dedica. Em Lívia, o corpo da mulher, agora, está posicio-
nado, em atitude que amplia as tensões do campo pictórico em gestos
repetitivos, ansiosos. Um interesse pela desordem impregnada em
imagens mais viscerais traz um corpo em comportamentos históricos,
conscientes e mitificados.
MC
QFS - Sistema Quântico Financeiro, 2019

Pigmentos naturais, argila, acrílica e sacos plásticos costurados
160cm diâmetro
97 98
Abrindo a Caixa nº 16, 2017 Nenhum escudo ou armadura pode deter uma flecha que vem do arco de Deus, 2019
Pigmentos naturais, argila, tinta acrílica, spray a base de óleo sobre tela Acrílica, argila, pigmentos naturais, collorjet e up cycling sobre tela
180 x 180 cm 180cm x 80cm
99 100
Abrindo a Caixa nº 15,
2017
Pigmentos naturais,
argila, tinta acrílica,
spray a base de óleo
sobre tela
200 x 260 cm
Coleção Regina Mendes
101 102
Kundalini interna (subida dos infernos), 2018 Abrindo a Caixa nº 10, 2017
Argila, pigmentos naturais, acrílica e collorjet Pigmentos naturais, argila, tinta acrílica,
160 cm diâmetro spray a base de óleo sobre tela
Coleção do artista comodato dotART galeria 100 x 260 cm
Coleção Silvana Moraes Nolli
103 104
Akers, os guardiões do horizonte, 2018 Abrindo a caixa nº 11, 2017
Argila, pigmentos naturais, acrílica e collorjet Pigmentos naturais, argila, tinta acrílica, spray a base de óleo sobre tela
200 x 200 cm 100 x 130 cm
Coleção do artista comodato dotART galeria Coleção Patricia e Maurício Freitas
105 106
WL Com esse movimento atual do “feminismo” na arte, como você se
Wilson Lazaro Acompanho, faz tempo, sua trajetória na arte, lembro coloca dentro dessas questões, já que universo da arte ainda continua
quando estive frente à sua obra pela primeira vez, num pequeno lugar do machista e em poder do homem, principalmente no mercado de arte? Você
bairro de Santa Teresa no Rio de Janeiro, e só cresceu minha vontade de é um exemplo desse novo feminismo na arte, é feminina, é mãe, é artista.
entrar no seu universo. Nosso encontro é antigo, porém estamos agora Porém não é frágil e nem tem uma obra leve. Como fica sua criação com
novamente juntos! Com esse percurso todo, o que mudou na sua criação? esse movimento?
Lívia Moura Wilson, sinceramente, acho que nada mudou no meu tra- LM O meu lugar como mulher atua de forma central tanto no conteúdo
balho desde então. O que aconteceu é que ele se tornou mais profundo e quanto na forma dos meus trabalhos. O resgate da terra como elemento,
complexo. Você sabe, eu não tenho uma linguagem predominante, mas o como planeta, como princípio feminino perpassa toda a minha obra. Sabe-
movimento é sempre o mesmo, seja pintando ou redesenhando a paisagem mos que existem muitos obstáculos reais para as mulheres se inserirem
das relações cotidianas. no mercado de trabalho, assim como para todas as outras “minorias”.
E, por conta disso, a gente tem também que lutar contra um “carcereiro
WL Você concluiu seu mestrado, isso teve alguma influência em sua obra? interno”, aquele que destrói nossa estima, que não deixa a gente se colocar
No meu ponto de vista, acredito que sua obra sempre foi investigadora e de forma segura naquilo que realmente acreditamos. É um desafio muito
pulsante nas pesquisas feitas por você, mesmo antes desta última expe- grande para todas as mulheres ter sucesso profissional sem ter que copiar
riência acadêmica. Explica como é esse resultado nessas pinturas... já que o padrão machista de ser. Não quero abdicar de cuidar e educar meus filhos,
você concluiu que essa pintura foi uma válvula para colocar a academia ser mulher e ser sincera comigo mesma.
para fora!
LM Sem dúvida. Comecei a expor muito cedo, aos 15 anos, e saí do uni- WL Uma boa obra de arte sempre tem que ter poesia, ritmo. Isso você con-
verso da arte entre 2009 e 2012. Neste período, fiz estudos não acadêmi- segue muito bem! Finaliza como você vai conduzir e criar um conjunto de
cos, que agora estão explodindo no meu trabalho. O mestrado na UFF está obras, onde passeia pela pintura, desenho, vídeo, fotografia, instalação e
me ajudando a organizar e sobretudo simplificar “meus delírios barrocos” e performance no futuro, já que sinto que você sempre está falando de uma
minhas estratégias de atuação também. memória do futuro, onde tudo só faz sentido quando passa pelo seu olhar
Mas a pintura está me salvando! O que aconteceu é que eu estava lendo ou sua caixa de pandora! Isso é bem estruturado?
demais para o mestrado, minha cabeça já estava doendo. Eu precisava de LM Venho recolhendo há um bom tempo argilas de diversas cores – ocre,
algo fluido e intuitivo, que pudesse servir como uma válvula de escape. E vermelha, rosa, branca, azul – e agora as estou usando nas minhas pintu-
por outro lado eu estava morando sozinha, cuidando dos meus dois filhos ras. Venho utilizando a terra em diversas linguagens, como performances,
de 1 e 3 anos. Não tinha muita alternativa, resolvi liberar uma parede da rituais e cerâmicas. Sempre num resgate primário, de retorno a esse chão
casa para eles pintarem. Eles, né? A partir de então, eu comecei a pintar que nos sustenta e constitui. O mestrado teve tudo a ver com isso, tem
também, era uma ótima oportunidade para eu me divertir. No fundo, eu muita coisa por vir na minha obra e as pinturas fazem parte desses meus
sentia muita necessidade de me jogar nesse ato “primitivo” como as crian- rituais de resgates da Terra.
ças se jogam, “sem pensar”, como diz Manoel de Barros. E, então, também Como você sabe, meu trabalho é um organismo camaleônico, que cria
comprei uma telinha para eles pintarem e achei incrível a maneira sem uma costura entre o corpo, a família, o meio ambiente e a sociedade. Estou
medo com que eles misturavam as cores e criavam formas que conversa- interessada em criar rituais para abrirmos nossas caixas, para deixar que
vam com o percurso natural das tintas e dos pigmentos sendo jogados na Pandora, a mulher biosfera, se alastre de modo corrosivo e criador.
tela por eles. Foi um turning point pintar com eles! Os primeiros quadros
fizemos em coautoria, mas agora que já aprendi bastante com eles e estou
usando tintas mais agressivas, estou pintando sozinha.
107 108
Maria
Fernanda
Lucena
OBJETOS ENCONTRADOS NA LEMBRANÇA
Maria Fernanda Lucena traz, para a pintura, a reflexão sobre a ima-

gem e seus possíveis mecanismos de lembrança. Lucena parte, mui-
tas vezes, de elementos encontrados, objetos apropriados aos quais
poderíamos denominar, utilizando um termo histórico, objet trouvé.
A apropriação nos inclina a outro gesto fundamental, a colagem. Com
isso, a artista se interessa de modo ampliado pelos modos como o
tempo dota certos vestígios de relevância. Vemos desde fitas cas-
sete antigas a TVs de tubo, jogos analógicos, retratos, slides e muitos
outros elementos. De outro modo, a artista observa com acuidade os
limites da materialidade das pinturas, chegando a prever e estimu-
lar certo desgaste. Há certa inadequação conceitual e de materiais
nas tentativas de fazer dos suportes incomuns, como a carcaça de
computadores fora de linha, suportes para pintura. Ou seja, o que
se encontra como suporte parecerá inadequado para acolher o gesto
pictórico. E isso caracteriza uma absoluta singularidade nos traba-
lhos da artista.
Acontece, em sentido recorrente, nos interesses de Maria Fer-
nanda Lucena, uma vontade de se aproximar das histórias de outras
pessoas. Num jogo protoantropológico, a artista se coloca a observar
ocorrências, acontecimentos, relances e acaba por trazer das pes-
109 110
quisas as decisões narrativas para a pintura. Nos títulos, algumas
pistas nos colocam a imaginar histórias pessoais, lugares da infân-
cia, hábitos da juventude: “Tertulina”, “Copacabana”, “Gavetas”, pai-
sagens emocionais.
MC
Série Janelas, 2019

Óleo sobre madeira e objetos
100 x 100 cm
111 112
Série: Intermédios, 2019 Série: Sonatina em linha curva, 2019
Óleo sobre madeira e objetos Óleo sobre organza e objetos
130 x 120 cm 120 x 179
Coleção particular Coleção do artista
113 114
Série: Intermédios, 2019
185 x 120cm ( total)
Coleção particular
115 116
Série: Sonatina em linha curva, 2019
Óleo sobre organza e objetos
100 x 150 cm
Série: Sonatina em linha curva, 2019 Série: Sonatina em linha curva, 2019
Óleo sobre organza e objetos Óleo sobre organza e objetos
100 x 150 cm 37 x 50 cm
Coleção particular Coleção Rosanne Moraes Rego
117 118
Wilson Lazaro Fernanda, com uma pintura repleta de cor seca e movi-
mento, seus trabalhos apresentam-se, no meio da narrativa, transpirando
um dinamismo que desafia a natureza da pintura atual. Como você se coloca
nesse universo da arte? Eu olho, e admiro, sua pintura como uma luta entre
a memória passada e a memória do futuro. Na relação entre estas forças
opostas, porém entrelaçadas nas suas pinceladas, tudo se mistura no final,
como isso acontece?
Maria Fernanda Lucena Acredito que todo artista dialoga o tempo todo
com o universo da Arte Contemporânea, tentando entender onde seu tra-
balho está inserido. No meu caso, pelo fato de ter trabalhado nas áreas de
Design de Moda e Figurino, antes de me dedicar, exclusivamente, às Artes
Visuais, a minha chegada neste universo foi lenta e gradual. Percebo, hoje,
meu trabalho aberto a todo tipo de material e técnica que venha a contri-
buir na elaboração de minha narrativa.
Em alguns trabalhos criei cenas domésticas a partir de referências foto-
gráficas de pessoas em épocas e lugares distintos. Além das pinturas, uti-
lizo normalmente, nos trabalhos, objetos variados do cotidiano, tecidos de
sofás que recolho em estofarias, fotos Polaroid, dentre outras coisas. Com
isso, desejo criar um ambiente atemporal, promovendo encontros aparen-
temente impossíveis.
WL Vejo, na sua pintura, que você explora as terras distantes, as pessoas,
as arquiteturas, as naturezas, há um mover-se ao ritmo das imagens desco-
nhecidas e conhecidas, das viagens reais e imaginárias. Deleitar-se vidas
de outros e, por fim, regressar para cada “tela”, sempre diferente. Como é
sua viagem ao fazer essa pintura com acordes clássicos da pintura, porém
trazendo e traduzindo para uma pintura bem atual?
MFL Penso que minha pintura reflete as demandas do meu trabalho.
Na quantidade de camadas, desejo lembrar a passagem de tempo. Nas
extremidades inacabadas, a sensação de desaparecimento. Nas cores,
levar ao lugar do sonho ou da lembrança. Gosto também de preparar
pequenos obstáculos, objetos que costuro ou colo nos suportes onde a
Coisas de criança, 2018 pintura ultrapassa, sem a menor cerimônia. No mais, tudo para mim é
46 x 35 cm
muito intuitivo. Acho difícil uma pintura sair exatamente como você pla-
Coleção Tiago Gualberto nejou. Muitos imprevistos acontecem durante o processo e você, fatal-
mente, terá que alterar seus planos iniciais. Por isso, gosto de deixar
119 120
sempre as pontas desatadas quando inicio um trabalho. O inesperado é MFL Meu trabalho vem da mistura de diversas referencias e áreas. Na uti-
sempre bem-vindo. lização de materiais variados, para mim, a pintura, é a única técnica que
está presente em todos os momentos. Atualmente, minha pesquisa segue
WL Eu acredito que você se apropria de boas narrativas estabelecidas cada vez mais na procura de suportes e matérias que venham a contribuir
para revelar os seus avessos, seus sonhos, seus delírios pictóricos. Comete na elaboração de minhas narrativas. Sigo, também, na procura de histórias
isso na sua construção de pintura. Vejo você como uma nova e boa aposta que, além de me interessarem, tenham relevância para as outras pessoas.
da cena da pintura atual. Como você cria esse pensamento? Na minha opinião, o universo da arte hoje é absolutamente plural.
MFL Sou uma frequentadora assídua de feiras de antiguidades. Nelas, Com isso, minha intenção é que meu trabalho seja visto como algo pes-
me abasteço com diversos objetos e imagens. Vivo em constante estado soal e verdadeiro.
de alerta em qualquer lugar em que eu esteja. Quando conheço alguma
pessoa que tenha uma boa história familiar para me contar, ouço seus
depoimentos, algumas vezes a fotografo ou, se tenho sorte, consigo
uma foto antiga de seu álbum de família. Gosto quando consigo juntar na
mesma pintura duas ou mais histórias de procedências distintas. Como
se estas pessoas estivessem se encontrando em um ambiente doméstico,
atemporal que eu imaginei. Tudo isso serve como material para a criação
dos meus trabalhos.
WL Quando olho para sua pintura, parece que estamos diante de um

sonho, um sonho real entre as imagens em tempos diferentes, cidades
diferentes. Como você faz essa ligação do tempo na tela? Acredito que isso
que você está trabalhando é um novo surrealismo, será? Como o surrea-
lismo é um movimento ainda aberto, acho que você o está trazendo nova-
mente para superfície. Como você entende isso?
MFL Minha pintura segue a lógica da colagem. No entanto, sempre com
o desejo de que haja uma unidade entre as partes para que formem uma
imagem única. Persigo sempre a sensação de sonho ou realidade para-
lela. Utilizando apagamentos, sobreposições de camadas, uma cena inva-
dindo a outra, dentre outras coisas, para tentar fazer a ligação do tempo
nos trabalhos.
O Surrealismo trouxe para a arte, em determinado momento da história,
a possibilidade da imaginação poder se manifestar de maneira livre a par-
tir de obras repletas de sonhos, utopias e informações contrarias à lógica.
Ao pensar neste sentido que você falou, adoraria poder representar, em
meus trabalhos, cada vez mais encontros surreais entre pessoas, épocas e
lugares distintos.
WL De onde vem e para onde vai caminhar sua produção? Como você vê
sua obra no universo das artes?
121 122
ALVARO SEIXAS
Nasceu em 1982, no Rio de Janeiro onde vive e trabalha.

É doutor em Linguagens Visuais pela Escola de Belas Artes da UFRJ,
2015, e graduado em Pintura pela UFRJ, Rio de Janeiro, 2006.
Em 2008, recebeu os prêmios Rumos Itaú Cultural 2008-2009 e SIM Artes
Visuais, em Belém, com a exposição Janelas para o Mundo, na Casa das Onze
Janelas. Em 2011, publicou o livro Sobre o Vago e, em 2012, foi contemplado,
juntamente com os artistas Rafael Alonso e Hugo Houayek, com o Prêmio
Projéteis Funarte de Arte Contemporânea, que resultou na exposição cole-
tiva Palácio, realizada no Palácio Gustavo Capanema, Rio de Janeiro.
Suas principais exposições: participação nas coletivas Mirantes – Rumos
Itaú Cultural, Galeria Juvenal Antunes – Rio Branco, em 2009, e Trilhas do
Desejo – Rumos Itaú Cultural – Instituto Itaú Cultural, São Paulo e Paço
Imperial, Rio de Janeiro, 2008-2009; em 2015, X Bienal do Mercosul –
Porto Alegre, Prêmio Marcantonio Vilaça para as Artes Plásticas – São
Paulo, e Paintbrush – Rio de Janeiro. Muito Romântico Tour, na Cavalo – Rio
de Janeiro, e A Luz que vela a corpo é a mesma que revela a tela, Caixa Cul-
tural / coletiva – Rio de Janeiro, ambas em 2017;
Pintura sem título (Empasto Negro e Neon), 2016

Esmalte, óleo, spray e acrílica sobre tela
60 x 35 x 10 cm
Coleção Luciana Junqueira
123 124
DANIEL LANNES
Nasceu em Niterói, em 1981. Vive e trabalha no Rio de Janeiro.

É mestre em Linguagens Visuais pela Universidade Federal do Rio de
Janeiro, 2012, e bacharel em Comunicação Social pela PUC-Rio, 2006.
Exposições individuais: Midnight Paintings, no Centro Cultural, e SALE,
na galeria Choque Cultural, ambas em São Paulo, em 2007. Em 2011, Repú-
blica, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, e Só Lazer, na Galeria de
Arte IBEU, no Rio de Janeiro. Em 2012, Dilúvio, na Galeria Luciana Caravello
Arte Contemporânea – Rio de Janeiro. Dentre as exposições coletivas: Pain-
ting’s Edge, RiverSide Museum of Art, Califórnia, 2008, Arquivo Geral, Cen-
tro Cultural da Justiça Federal – Rio de Janeiro, 2009, Gramática Urbana,
Centro de Arte Hélio Oiticica – Rio de Janeiro, 2012, e Crer em Fantasmas,
Caixa Cultural – Brasília, 2013.
Em 2004, recebeu bolsa de estudos na State University of New York /
Fine Arts Department e, em 2008, fez residência artística no The Idyllwild
Arts Program Painting’s Edge, California, EUA. Foi o ganhador do Prêmio
Novíssimos do Salão de Arte IBEU, Rio de Janeiro, em 2010, e indicado ao
Prêmio PIPA em 2011 e 2012, ano em que foi contemplado com o prêmio
Funarte Arte Contemporânea. Em 2013, foi indicado à 10ª edição do Pro-
grama de Prêmios e Comissões da Cisneros-Fontanals Art Foundation
(CIFO) e selecionado para a Short List do livro 100 Painters of Tomorrow,
editora Thames & Hudson.
Suas obras estão em coleções públicas: MAR (Museu de Arte do Rio
de Janeiro), Instituto Figuereido Ferraz – Ribeirão Preto, Brasil e MAM RJ
(Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; e em coleções privadas: Cleusa
Garfinkel – São Paulo, Marcia e Luiz Chrysóstomo – Rio de Janeiro, Maria
Cristina Burlamarqui – Rio de Janeiro, Vik Muniz – Rio de Janeiro, Mariano
Marcondes Ferraz – Rio de Janeiro, Zeca Camargo – Rio de Janeiro, e Roberto
Muylaert – São Paulo.
Still life, 2016

Óleo sobre linho
104 x 140 cm
Coleção dotART galeria
125 126
ELVIS ALMEIDA
Nasceu em 1985 no Rio de Janeiro, onde vive e trabalha.

É graduado em Gravura na UFRJ, 2013, e frequentou cursos de Serigrafia
na EAV Parque Lage e de História da Arte nas Redes da Maré, todos no Rio
de Janeiro.
Suas exposições individuais: Uma cidade de xapisco dividida por um
muro de cau, Amarelonegro Arte Contemporânea – Rio de Janeiro, 2010,
Certezas para dobrar, Mercedes Viegas Arte Contemporânea – Rio de
Janeiro, 2016, O cotidiano das estruturas familiares, Projeto Tech_Nô, Oi
Futuro Flamengo – Rio de Janeiro, 2017, e Ponta Seca Torta / Faca Cega,
Galpão Fortes D’Loia & Gabriel – São Paulo, 2017. Revelação durante o nas-
cimento de uma gota – Galeria Dotart, Belo Horizonte, e no Paço Imperial,
Rio de Janeiro, 2018. Em 2019, Estrada nebulosa sem olhos de gato, Galeria
Mercedes Viegas – Rio de Janeiro.
As principais coletivas: VI Bienal Internacional de Arte SIART – La Paz,
2009; Reality Reimagined, Modified Arts – Phoenix, e Abre Alas 6, A Gen-
til Carioca – Rio de Janeiro, ambas em 2010; Arte Pará, Fundação Romulo
Maiorana – Belém, 2011, e Gramática Urbana, Centro de Arte Hélio Oiticica
– Rio de Janeiro, 2012; em 2016, Um Desassossego, Galeria Estação – São
Paulo, e Oito artistas, Mendes Wood DM – São Paulo; e em 2017, 20º Festi-
val de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil, Sesc Pompeia – São Paulo, e
Pintura, Caixa Cultural – Rio de Janeiro.
Sem título, 2019

Acrílica sobre tela
100 x 76 cm
127 128
FELIPE FERNANDES
Tem formação em Desenho Industrial pela PUC-Rio e iniciou sua investiga-

ção em pintura no Parque Lage com João Magalhães.
Já participou de exposições em galerias como A Gentil Carioca – Rio de
Janeiro, e Oscar Cruz – São Paulo, além dos salões de arte Novíssimos, na
Galeria de Arte IBEU – Rio de Janeiro, e 37º Salão de Arte Contemporânea de
Santo André – São Paulo. Em 2015, fez sua primeira exposição individual,
Primário, na galeria MUV – Rio de Janeiro, e em 2017 apresentou a exposi-
ção Barulho na Galeria DotArt – Belo Horizonte. Em 2018, Âmbar, Galeria
Ibeu – Rio de Janeiro.
Possui duas obras no acervo de Gilberto Chateaubriand e atua como
assistente do artista plástico Luiz Zerbini.
Sem título, 2015

Acrílica sobre tela
120 x 120 cm
129 130
GILSON RODRIGUES
Nasceu em Contagem, Minas Gerais, em 1987, e vive e trabalha em São

Paulo.
É Bacharel em Artes Visuais pela UFMG, 2014, e licenciado pela UEMG,
2013.
Suas exposições individuais: Em 2015, Orgânico/Artificial, Galeria SESI-
-Mariana, Minas Gerais, e Paisagem - Edital Galeria de Arte Copasa – Belo
Horizonte. Quase paisagem, Fundação Cultural Badesc – Santa Catarina,
Jardins Suspensos, BDMG Cultural – Minas Gerais, em 2016. Por trás das
formas, Memorial Minas Vale – Minas Gerais, em 2017, e Trauma, na Gale-
ria dotART – Belo Horizonte, 2019.
Das coletivas, se destacam: Novíssimos, Galeria Ibeu – Rio de Janeiro,
em 2016; em 2017, Arte Londrina 6, das estruturas mínimas às não cores,
Casa de Cultura / Universidade Estadual de Londrina – Paraná, e 66º Salão
Paranaense, MAC – Paraná. Scapeland: território de trânsito livre, Memo-
rial da América Latina – São Paulo, 2018.
O artista foi premiado no VIII Salão de Itabirito, em 2017, e na 26ª Mostra
de arte da juventude, em 2016 no SESC de Ribeirão Preto – São Paulo. Em
2014, fez a curadoria da exposição Casa de Cacos: objetos, no Museu Casa
de Cultura Nair Mendes Moreira – Contagem, Minas Gerais.
Gilson é assistente da artista Sonia Gomes.
Estrutura sensível 2, série Trauma, 2017

110 x 170 cm
coleção dotART galeria
131 132
LÍVIA MOURA
Nasceu no Rio de Janeiro em 1986.

É mestre pelo Programa de Pós-graduação em Processos Artísticos Con-
temporâneos da Universidade Federal Fluminense – UFF e bacharel em
Artes Plásticas pelo Instituto de Artes da Universidade do Estado do Rio
de Janeiro – UERJ, 2009. Frequentou cursos de história e crítica de arte na
Galerie Nationale du Jeu de Paume, em Paris, e na Escola de Artes Visuais
do Parque Lage.
Atividades de que já participou: workshop na Casa DAROS-Latinoame-
ricana para formação de artistas-educadores – 2007, residência de artista
em La Curtidurìa – Oaxaca, México, 2008, programa educativo Reggio Emi-
lia Re Mida – Nápoles, Itália, 2009, e residência no mosteiro Zen Samboji
– Bercheto, Itália, 2011.
Realizou as exposições: site-especific/instalação na coletiva Paixão, no
Museu Bispo do Rosário, Rio de Janeiro, e uma instalação na exposição O
que é normal no ECCO – Brasília, ambas em 2006; em 2007, instalação/per-
formance no evento coletivo MAC Vazio, Museu de Arte Contemporânea –
Niterói, e performance-interativa no Riocenacontemporânea; participou
da coletiva: Nova Arte Nova, no Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de
Janeiro e São Paulo – 2009; e realizou as individuais Abrindo a caixa, na
Galeria dotART– Belo Horizonte, 2017, e na Galeria Inox – Rio de Janeiro,
2013 e 2015.
Fora do país, a artista já expôs em Oaxaca, no México, Nápoles, Maiori,
Pellezzano, Pésaro, Salerno e Siena, na Itália, e Bangkok, na Tailândia.
Energia vital, 2018

Argila, pigmentos naturais, acrílica e collorjet
80cm diâmetro
133 134
MARIA FERNANDA LUCENA
Nasceu, vive e trabalha no Rio de Janeiro.

É formada em Indumentária e Design de Moda, 1999, e estudou na EAV
do Parque Lage.
Exposições individuais: em 2016, Paisagens emocionais, C. Galeria – Rio
de Janeiro; em 2017, A Intimidade é uma escolha, Galeria do IBEU – Rio de
Janeiro. Melancolia da Paisagem, Galeria Sem Título – Fortaleza, Intermé-
dios, Galeria DOTART – Belo Horizonte, e Sonatina em Linha Curva, C.gale-
ria – Rio de Janeiro, em 2019.
As exposições coletivas e salões que participou: 19º Salão de Artes Plás-
ticas de Praia Grande, Palácio das Artes – São Paulo, e II Salão dos Analfa-
betos, Universidade Federal de Santa Maria – Rio Grande do Sul, em 2012;
12º Salão Nacional de Arte de Jataí, Museu de Arte Contemporânea de Jataí
– Goiânia, XXXI Salão de Artes Plásticas de Rio Claro – São Paulo / Prêmio
de Menção Honrosa, em 2013; Visão de Emergência, Galeria Colecionador
– Rio de Janeiro, e À Primeira Vista, Galeria Artur Fidalgo – Rio de Janeiro,
em 2014; Somos todos Clarice, no Museu da República, e Limiares, Paço
Imperial – Rio de Janeiro, em 2017. Em2019, Melancolica da paisagem, Sem
Título – Fortaleza.
Telefonema, 2019
Óleo sobre madeira com objetos
170 x 110 cm
135 136
ing lines, bringing light to our book! Thank PREFACE
ENGLISH VERSION you, always!
A constellation of great artists, exactly PAINTING IMPURITY
what this book needs. In Goethe’s words, art
Aligned with the thought that culture is PAINTING FEEDS ART; IT IS THE is like life: the more we move into it, the wider 1. The statute of painting, in the contem-
the real expression of the people and aiming BOOK THAT FEEDS A SOUL... it becomes. Here is my invitation to experi- porary context, in relation to representation
at enhancing the most diverse expression of ence this pictorial journey through our book and support, is perhaps the most complex of
Brazilian art, Banco Bari presents the book Reclaiming projects and thoughts kept in and the artistic universe of painters. Let us all. This difficulty lies, among other reasons,
7x artists, the new strokes. the mind… it happened when we met some discover it, now. on the way planarity was explored by mod-
7x artists brings to light the expressive art admirers in the city of Curitiba – and Enjoy your reading! ern critics. In short, in order to obtain some
creations of seven contemporary painters because they wanted it –we started our type of coherence in a definition of pure art,
and intends to take the public to the artists’ dream. Wilson Lazaro critics established feelings of resentment
studios – their houses of experimentation Making books is an old story in my life and Rio de Janeiro, October 8, 2019 towards figure and expression moved by the
and life – and their poetic creations in the in the field of arts. This time, I felt a strong desire of ideality, in order to benefit a certain
Brazilian painting scenario. wish to launch a new research project with type of abstraction on canvas. How would
With the release of this book, we intend texts, images and the particularities of 7 cur- artists go on painting after the discovery
to promote an Imaginary that can serve as rent painters and their creations, in actions of what painting should be? Sculpture and
starting point for a vast process of reflection and their achievements on canvas, brushes engraving were set aside, and for that rea-
about contemporary art, based on the art and much color paints… The result we are son, they managed to be something else
movements of these Brazilian painters. going to discover when we open this chest 2. Although not responsible for the way
As an institution, we believe that this of surprises kept in their studios, with the people read his book, Kant, with his Critique
material can be a reference to other art- magic eye in the photographic register of the of Judgement, seems to have been respon-
ists, researchers and admirers of Brazilian discovery of a talent in her images – Carla sible for the initial misfortunes experienced
painting. The bilingual edition and the audio Bordin! by contemporary painting. It is almost impos-
description made available for the blind guar- We were able to organize this mis- sible to measure the number of artists who
antee that the book will reach more people sion due to the Federal Incentive Law, in were accused of not understanding that art,
interested in what is being produced in art partnership with Banco Bari, which has and painting as its most accurate realization,
today. a cultural responsibility with the artistic was more art when it presented itself as uni-
We also hope to multiply the seven new thinking in the country. With the help of versal, without any concept. In other words,
painters’ journey, amplifying their reflec- a team of professionals and friends we painting would be more painting when it
tion power and their interaction with every were able accomplish this intense work! did not resist the fact that its truth was the
expression of our painting in order to dis- And with the trust of Rodrigo Pinheiro, truth to everybody, in any place, and that it
cover, research and dream! which is present on every single page of did not say anything about anything.
With this initiative, we fulfill what we this publication. 3. It is a shame that, in the last decades of
believe is our cultural role in this immense The book became a particularly rich the 20th century, readers of Scottish Philoso-
country of creation, and give the readers source of interpretation possibilities and pher David Hume did not bother to question
some of the Brazilian art that is being built in interaction of the seven painters and their the improprieties of the way art was being
the 3rd millennium of contemporary History. art movements. With Marcelo Campos’ text treated, specially painting, based on argu-
Bank Bari, the bank of intelligent credit, and his youth boldness, marks the history ments that, deep down, made no sense. It
invests in relationships of trust and mutual of painting and reveals each one of the art- would have been enough for them to say,
evolution. We are grateful to the opportunity ists in their singular characteristics, we are quoting from the Treatise of Human Nature,
we have to support Brazilian culture through going to love this reading! The academic that we cannot derive from the fact that we
this work. Cesar Kiraly, a discoverer of artists in the have found something in a certain way that
We wish it will be an empowering experi- Brazilian art scene, wrote the preface. The it should be like this. In a more enigmatic
ence to everybody. participation of the teacher and great art- form, we can say that it is wrong to deduce
ist Efrain Almeida in the presentation text what should be from what it is. In our con-
Rodrigo Pinheiro was fundamental – with our conversations, text, the fact that painting is produced in a
Founder and CEO I had a chance to discover an unbeliev- certain way does not mean that it should be
Banco Bari able, intense and friendly person. And the like this or that it should define it. Hume’s dis-
presence of Bia Gross, my partner in every covery brings many effects to epistemology,
single moment and in all my journeys and but very few to morality and historiography,
dreams! And Felipe Taborda, with his draw- including about contemporary art. A drop
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of this skepticism would have prevented 6. This takes us to the core of contempora- FOREWORD PAINTING IN BRAZIL, REVISITING
the embarrassment impinged on all sorts of neity, to the artistic eligibility of existence as HISTORICAL LANDMARKS
pictorialists. Similarly, it would have boycot- a whole, regardless of the fact that not all of The book 7x artists, the new brushes pres-
ted the feeling of necessary anachronism it will be effectively highlighted, to the evi- ents a thematic approach of the new current The press announces that a painting by
in painting, as if it had to go on leading an dence that art is not an intrinsic characteris- Brazilian painting. It is an excellent opportu- Beatriz Milhazes has broken the sales record
uncomfortable existence in contemporary tic, extemporaneous, to certain artifacts and nity to give visibility to artists who, like others at a Sotheby’s’ auction in 2008 – “The magic”1.
world. happenings, but a state, a modality, capable in their generation, have not had the chance In 2012, another record, “My lemon” was sold
4. The exception to the purity prediction of swinging, depending on the context, but to have their work generously reproduced in for 2.1 million2. In 2016, at the height of the
is found in the most interesting art theo- never objective and even less an instrument. a book accompanied by critical essays about economic crisis, another sales record, for 16
rist from the end of last century, Nelson Then, painting, which can be anything, them. That is exactly what we do here. million3.
Goodman. In two books, Linguagem da Arte chooses to be something among so many It is meaningful to stress the urgency to What a sales record can do to the history of
(1968) and Modos de Fazer Mundos (1978) things. That is why painting can be so much: publish books like this amidst the moral, ethi- painting in Brazilian contemporary art has not
he suggests a new route, or an alternative compose itself, remain alone or unravel, just cal and Identity crises, like the one we are cur- been written yet. The market uproar, the way
path, in the contemporary world, one that like only a few good contemporary practices. rently living in Brazil. It is positive to mark the the galleries reposition themselves to wait for
does not exile painters, besides reviewing 7. If there is a mismatch between experi- relevance and richness of Brazilian art and a new promise, the search, almost as a treasure
the way modern criterion was established. ence as a whole and art experience, it is due cultural production. hunt, committed from North to South of the
He says that representation is the key point, to the difficulty of stablishing initiative and Certainly, the artists who are presented country, for the opportunity of international-
even if we stand in front of black square on limit in the exercise of imagination. The word here must have asked themselves many ization of what we produce in Brazilian art are
a white background. That is because the aesthetic serves to help us understand the times about the relevance of the act of paint- part of the consequences of this repositioning.
parts of which it was composed are refer- consciousness of such complementarity and ing. How can we go on painting today? How Beyond these factors, we can observe other
ences to previous experiences, pictorially the use of its extension. People in general can we produce images that are relevant in an ways of understanding an artistic production
experienced events, even when we cannot and not only artists become more interest- image-saturated world? as a paradigm switch in Brazilian art history.
determine them. If we use our memory and ing as they move along from one point to the These 7 artists, although they have diverse It took an artist like Beatriz Milhazes twenty
complete objects appear, with identity, sup- other on this line. languages and interests, share the difficult years of dedication to reach a status that now,
posedly, this is nothing more but the habit of task of intensifying their research on the pic- many times, is announced as a market success.
thinking about them. They are also made of Cesar Kiraly torial act. In their academic education, all of Milhazes resisted the influxes of art criticism,
little pieces with no identity or reference. The (Professor of Aesthetic and Political them attended Art schools or universities. which felt widow of the constructive van-
pigment to be used is always the unknown Theory at UFF. Since 2015 is the Curator at They learned the technical aspects of paint- guards and had always valued the constructive
element to be found in the material work, but IBEU Gallery. Author, besides other titles, of ing. They dove into Art History and its complex bias in detriment of more popular references. In
the mental image from which it emerges, if Fuga sobre o Branco.) specificities. They kept their critical and ques- addition, the painter uses, exactly, references
it is the case to have one, this can be a por- tioning attitude in consonance with the art- from Carnival, from ornament and from a wider
tion of anything. Then, we could say, ironi- ist’s role as an agent of change in his/her time. use of colors and shapes, not accustomed to
cally, the more pure abstraction is, the more While the lessons of Modernism tried to reaf- what the art system valued up to that moment.
impure it really becomes, because it refers to firm autonomy and purity as the ideal place for The fact to be taken into consideration here
an infinite number of events. Art, what we see now is a well-known focus on is that we are dealing with painting. A category
5. Hume says something similar to this the opposite direction to the ideology proposed that carries the sense of tradition and, according
when he comments Geometry and Mathe- by the Modernist movement. Hybridization and to Arasse, carries long-term historical problems,
matics. They depend on the image, even when contamination: painting, now, is not limited between nature imitation and abstraction4. Yes,
reduced to its minimum. It can be a point, or to its previously assigned position. It occupies
a drop, or a pigment blot, formed from what increasingly expanded places, spaces and fields,
1 Beatriz breaks her own auction record in NY. Avai-
we felt at a certain moment, without which combining visual experiences arising from
lable in: https://www1.folha.uol.com.br/fsp/ilustrad/
the object of thought would be annihilated. everyday life as well as from the most varied fq1705200814.htm. Accessed on: Sep. 12, 2019.
Then, if we take his conclusions to painting, fields of knowledge, for instance, from sciences, 2 Beatriz breaks new auction record at Sotheby’s.
we would say that everything in it is contem- technology, anthropology, and sociology, just to Available in: https://oglobo.globo.com/cultura/beatri-
porary, because impure. If modern painting is mention a few. They can mingle with political, z-milhazes-bate-novo-recorde-em-leilao-da-sothe-
bys-6337005. Accessed on: Sep.12, 2019.
pure by dodging from experience, by making gender and memory issues. All of them, on their
3 Beatriz Milhazes’ painting is sold for R$ 16 million
itself object of the image, accredited, exte- own way, try to fulfill the arduous daily task of at the opening of SP-Arte. Available at: https://www1.
rior to time and space, that represents noth- facing their existential abysms and experiences, folha.uol.com.br/ilustrada/2016/04/1758353-tela-de-
ing, Hume would help us realize that nothing just like the central figure on Wanderer Above -beatriz-milhazes-e-vendida-por-r-16milhoes-na-aber-
escapes from contemporaneity of experience. the Sea of Fog by Caspar David Frederich. tura-da-sp-arte.shtml. Accessed on: Sep. 12, 2019.
4 Arasse, Daniel. A pintura como pensamento não ver-
Impurity would be inevitable even in the ideal
bal. In: _________. Histórias de pinturas. Lisbon: KKYM,
of purity. Even more so in painting. Efrain Almeida 2016, p.50.
139 140
painting that, before the art market, always suc- lar subjects like candomblé, work scenes, and reached the great scales, the murals, the epic artists deep into the idea of creation almost as a
ceeded better than other categories. Painting rurality, but nothing can justify her dismissal themes. Meanwhile, Guignard felt compelled vital attitude. In other words, beyond any form
that pulls drawing to an inferior position, which from the intellectual discourse of her time to paint pictures of well-to-do families, and of pamphletary manifestation, dealing with art
is desired by designers and architects because because her vigorous choice of strokes and repeat Christ in martyrdom. also meant shedding some light on a lifestyle
they fit interior designing of living rooms and colors that make her singular, even today. Geometry was seen as the hope to reach against a Brazil that was under a dictatorship,
offices. In its wake, it was painting that took The painter Heitor dos Prazeres (1898- international vanguard by arts and critics. It but that was beginning to show meager politi-
contemporary art in Brazil to great reports and 1966) was, in his time, a great representative followed the second revolution in painting, cal opening signs. Painting and attitude made a
to public that expanded their partitions of class of his “lugar de fala6”, a recurring theme in in Arasse’s terms7, in which supposition of binomial difficult to compare with the 1970s, in
and age group in museums, like what recently contemporary society. He painted the place perspective that presupposed a still eye is which dematerialization of art was demanded.
happened at Tarsila do Amaral’s (1886-1973) where he lived. He observed the group he broken by abstraction. Here, artists like Volpi From the multiple motivation that appeared
retrospective at MASP. belonged to. If we think about urban devel- (1896-1988) and Rubem Valentim (1922- in vigorous expressive gestures, the dialog
Painting and passion have always con- opment in Rio de Janeiro and in the way 1991) fought over the contradictory place with Art history happened, then, in distant
stituted a powerful binomial, as suggested the “rodas de samba” (samba rings) were between constructive inheritance and pop backlashes. It is quite common to attribute to
by Charles Le Brun and Nicolas Poussin in formed, inevitably, we will have to mention culture symbols. There is, as a matter of dis- the collection Gênios da Pintura (Geniuses of
conferences in the 17th century5. Presciliano this artist’s works. However, even though pute, a certain disdain for Valentim, and an Painting), sold in issues at newspaper stands,
Silva (1883-1965), a painter from Bahia, his paintings have this historical and ethnic attempt to draw Volpi closer to concrete art- with names that seldom belonged to the 20th
gathered crowds of fans in his exhibitions. background, he was never consider as part ists’ categorical and normative intelligentsia. century, the knowledge about art that influ-
He won a scholarship prize in France, with of Brazilian art history. Heitor dos Prazeres Then, some critics will grant Volpi qualities enced the painters from the 1980s. Adriana
all expenses paid by the state of Bahia, back received the third prize at the 1st São Paulo denied Valentim, who stood side by side with Varejão, for instance, gives credit to this collec-
in 1905. When he returned, he had his first International Biennial but historiography ideas defended by the Black Movement, par- tion for the first information she got about art.
solo exhibition in 1908 and, from then on, he only pays tribute to the Swiss Max Bill (1908- ticipating in events and following discussions Then, the 1980s activated references to
becomes recognized as an artist with work 1994) and Ivan Serpa (1923-1973) bestowing of another artist, another painter, also out- work and images more classic than the dialog
supported by churches and public buildings. on them the responsibility for implanting casted by Art history, who used geometric with daily events of the time, as it happened
A popular painter, a label that is many times geometrical abstraction in the country. and figurative symbols from candomblé and with Guerchman, Antonio Dias and even Vic-
forbidden for those who search for more con- Still talking about abstraction, Ivan Serpa radicalized the participation in the political tor Arruda in the 1970s. No doubt, the actual
ceptual relationships in their work of art. and Samson Flexor (1907-1971) are consid- discourse: Abdias Nascimento (1914-2011). presence of the national rock movement as an
In Portinari’s biography, we can also find ered by Art historians as two representatives Many disputes define whether an artist is aesthetic attitude met the needs of creators
another trajectory of success. In 1928, he of the teaching of abstract art. Flexor in the recognized or set apart in view of aesthetic that incorporated foreign references present
receives a trip abroad as an award, stays in Abstraction Studio (Ateliê de Abstração), in and market interests of the Art system. Just in young people’s thought at the time.
Paris for two years, and opens up his career São Paulo, Serpa in his classes at MAM and like Milhazes, Adriana Varejão also attained Artists like Luiz Zerbine, Leda Catunda, Paulo
with prizes in other countries in the world. his studio in Meiér, Rio de Janeiro. Elisa Mar- high prices in the auction world. The painting Paes, Nuno Ramos, Daniel Senise and Angelo
However, not all painters and artists suc- tins da Silveira (1912-2001), from Piauí, was “Parede com incisões à la Fontana” (Wall with Venosa joined the numbers of part of Brazilian
ceed in tracing success careers. It is emblem- one of his students, but the critics never incision a la Fontana), from 2001, broke records, pictorial production, which ended up generat-
atic Monteiro Lobato’s dismissal of Anita Mal- mentioned her. Before that, a woman, born reaching the value of 3 million reais in 20118. ing attitudes that were freer and more humor-
fatti’s (1889-1964) exhibition, accusing her in Poland, taught art through several exer- Varejão, unlike Milhazes, carries out research ous than aesthetic-political attitudes common
of paranoid or mystifying. In other words, cises about abstraction to artists like Anna on colonial history, ceramic tiles, church dec- to the Clark-Oiticica generation. The cult to the
the horizontality between men and women Bella Geiger and Lygia Pape, as Geiger told us. oration, managing a technique of embossed studio, canvases, picked-up objects, murals,
has never existed. Moreover, the fact that It is relevant and necessary to mention that, carnation and a certain illusion of realism. and the use of diverse materials became recur-
Anita based her work on more expression- once again, a woman, Fayga Ostrower (1920- rent in the dialog open by the young artists. For
ist references scared Lobato, the writer who 2001) was treated as an outsider in Art his- PAINTING IN THE 1980S the first time, attitude and youth were united
dedicated his life to think about the country tory, regardless of the fact that she was one in groups of artists, in Brazil, who understand
through its myths and figure representations. of the first artists to promote art social col- When we discuss Brazilian painting, we soon art field as the locus for celebration of freedom.
To a certain extent, Djanira (1914-1979) lective experience with factory workers. realize that, just like in the 1950s, the 1980 Ricardo Basbaum, in an emblematic text,
was also put aside by normative discourse. Many disputes are questioned in Art his- decade is marked by intense interest in painting defends another conflicting aspect of this
Considered naïf, in her time, she starts her tory. While Guignard (1896-1962) was com- history. On the one hand, we see very young same group. Or rather, he includes, at the time, a
career side by side with well-known artists mitted to small-scale paintings, intensifying reflection about the images produced by mass
like Milton Dacosta (1915-1988) and Car- his interest in oriental references, Portinari 7 Arasse, A pintura como pensamento não verbal, vehicles and traditional painting knowledge9,
los Scliar (1920-2001). Nevertheless, she p.53.
achieves some recognition by painting popu- 8 Adriana Varejão breaks the record of the most ex-
6 Translator’s note: this concept represents the end of pensive work of a Brazilian artist alive. Available in: 9 Basbaum, R. Pintura dos anos 80: algumas observa-
mediation: the person who is discriminated against has https://ultimosegundo.ig.com.br/cultura/adriana-vare- ções críticas. In: ___________________. (org.) Arte con-
5 Lichtenstein, Jacqueline (org.). A pintura. V.6: A figura the legitimacy to speak by herself/himself, as a protago- jao-bate-recorde-de-obra-mais-cara-de-brasileiro-vivo/ temporânea brasileira: texturas, ficções, estratégias. Rio
humana. São Paulo: Editora 34, p.69-88. nista of her own fight and movement. n1238030892760.html. Acessed on: Sept. 12, 2019. de Janeiro: Rios ambiciosos, 2001, p.299.
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granting singularity to the interests of the ings that go through the entire century, from ALVARO SEIXAS: NARRATIVES ings are presented, usually, relate to the idea
time. We know, beforehand, how the author Gustavo Speridião to Arjan, for instance, who (STORIES) AND CRITIQUE REIFIED of diagramming. Just as in a book, a page, the
himself, together with Marcia X and Alex had started producing back in the 1990s, just modernist grid returns, but, now, in the sce-
Hamburger will resonate, in the same decade, like Gabriela Machado. Alvaro Seixas produces paintings as if he nic, theatrical, possibility that minimalism had
in another tune, closer to performance, for A decade advances and we see emerge, had expanded his desire to belong to and liberated as the insertion of the work in spe-
instance. Even if we think about the exhibi- from other places in Brazil, beyond the Rio- comment on diverse historical styles. We cific places. Based on the images from Seixas’
tion in Parque Lage, curated by Marcus Lontra, São Paulo circuit, voices like the ones of may find expressions around abstraction, exhibitions, we can say that he is interested in
Sandra Magger and Paulo Roberto Leal (1946- Thiago Martins de Melo, Guilherme Dable, informal and geometric, or we may see the dealing with what is staged. Maybe, here, the
1991), artists like Cristina Salgado, Ana Miguel Lilian Maus, Fábio Baroli and Camila Soato, constructive and pop character in images, scene places the spectator looking inside out.
and Inês de Araújo amplify the feeling of the who processed the historical character in a colors and shapes. Seixas deals with art We are not talking of visuality compared to
so-called return to painting, highly praised at different way. In the work of these artists, with and as critique. The art, means and perspective, but in a backstage route, in which
the time. In one exhibition with more than 120 even television, games, trivial elements from message, which presents itself under the the exhibition seems to be always moving for-
names, other paths, inevitably, were open by youth consumption are mixed up with more anxieties of the system that every day ward, and Seixas let us share a glimpse of his
languages that history did not assimilate or allegoric and abstract gestures. makes up revelations, longs for a new name, interests. Facts that make Seixas’ production
took a long time to incorporate. Lucia Laguna established herself as a occupies, decorates, “Instagram”opening fight “against what” it embodies11.
reference, switching the methods and use cocktails, award presentations, residen-
PAINTING IN THE YEARS 2000S of materials since the end of the 1990s, as cies. Then, we see art participate in a type MC
well as opening possibilities for the inser- of catalogue (artsy), a magazine, in which
The 2000s had distinct characteristics in tion of an artist who was a woman, black, attitudes begin to elaborate a field, a sys- QUESTIONS AND ANSWERS
the arts. On the one hand, we can mention from the outskirts of the city, and elderly. tem, which promises depth, but elaborates
the prominence and notoriety of Lygia Clark Laguna designs research projects around the itself just like a telephone book. The curious WILSON LAZARO AND
(1920-1988) and Helio Oiticica (1937-1980) studio and the neighborhood, with the help aspect, in this sense, is realizing how painter ALVARO SEIXAS
catapulted, by the end of the 1990s, in to a of assistants for the first drawings and fig- Alvaro Seixas behaves around whatever
state of inescapable icons of Brazilian art. On ures. She transforms painting into a critical we can grant full faith. Or, in other words, in WL I can see that, in your work, there is a
the other hand, we can remember the influ- act of annulment and elaboration dialectic which of form of pictorial expression does common thread that is present in your ges-
ence of a generation closer to the 1990s that between juxtapositions and glazes. really lie Seixas’ interest? Here we are con- ture of doing and exercising… you seem to
opened a great number of possibilities in the What we can consider as the ethos of this fronted with the contradiction from which use the drawings to refresh your mind, am
use of materials and in the search for more group brings with it an elaboration of infor- art takes pleasure. In the same place where I right? To what extent do you believe that
fables, self-fictional narratives. We also have mation from art schools, as well as from we place criticism, we also produce the sys- you “should” change the way you think and
to highlight the type of production that origi- more international. tematization of a field and the anesthetiza- exercise your artwork?
nated from graduate programs at the universi- Revisiting these historical facts seemed tion of a practice. AS Today, the word “change” is fundamen-
ties. In other words, a legacy had to be carried necessary because we are going to intro- In Alvaro Seixas’ drawings, there are sin- tal in the way I live and, to a certain extent,
on, based on art with sociocultural interests duce artists, who, to a certain extent, were gularities that bring him closer to Richard do/think art. The common thread of my
that stimulated the spectator’s participation influenced by the routes opened by the Prince’s interests. With that, we see some production is called “Alvaro Seixas” and this
and the production of relational objects. Then, movements that evolved around Brazilian similarity with a charge, the memes, where character accepts many mutations, fantasies,
some art collectives emerged, turning their painting. The search for abstraction back the casual and quick lines actually provide fictions, narratives, alter egos, personas. I’ve
backs to the market and totally involved in in 1950s, the abuse of expressive freedom the critical crossing that contemporary art always liked Buddhist thinking, particularly
urban interventions, as, for instance, Atro- from the 1980s, the internationalization of needs. Zen, despite the fact that I’ve never medi-
cidades Maravilhosas (Wonderful Atrocities) art in the 2000s. Paintings with historical, Ronaldo Brito wrote that pop art, compared tated in my life. However, scholars like Allan
Rio de Janeiro. Another group, in São Paulo, diagrammed pictures on the walls, satire, to modern art, had switched from the heroic Watts, today, teach me to live life accepting
skeptical about the memorialist feeling of the the use “instalative” objects and the per- to the cynic10. Here, observing Alvaro Seixas’ changes, subtle or striking. Five years ago,
1990s, tried to deal with installation mecha- formative interest are some of the char- work, we realize that, going beyond Brito’s I was a “young abstract painter” and I ran
nisms to change spaces, joining forces with acteristics that we can perceive in Daniel observation, many decades of cynicism have the risk of living out eternally this cliché
other artists, like, for instance, Renata Luxas Lannes, Maria Fernanda Lucena, Livia followed. And, now, there is a frequent uncer- imposed by myself on myself (I thought that I
and Wagner Malta, who occupied an indepen- Moura, Gilson Rodrigues, Alvaro Seixas tainty between what we see and what has would please critics, curators and some artist
dent gallery of 10.20m x 3.60m. and Felipe Fernandes. been observed, systematized and incorpo- friends). Today in my “production” there are
However, from the same art collectives, rated by the others. If critique and narrative paintings that still refer to certain aspects
sometimes, artists with individual produc- are part of Seixas’ method, the way his paint- of historical abstraction, but also to land-
tions emerged. Some of them were painters scape painters like Turner and Monet. These
like Ronald Duarte, Geraldo Marcolini, Alex- Marcelo Campos abstractions, landscapes and/or dense pic-
10 Brito, Ronaldo. Voltas de pintura. In: Basbaum, Arte
andre Vogler, Guga Ferraz. Felipe Barbosa
contemporânea brasileira: texturas, ficções, estratégias.
and Ricardo Ricalde. Then, we can see paint- p.137. 11 Bois, Yves Alain. A pintura como modelo, p.XXX.
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torial matters contrast positively with my doesn’t represent the real “me”. I love to enjoy DANIEL LANNES: IMAGE OVER IMAGE vandalizes, destroys, and disqualifies what-
recent drawing production. The drawings my artistic ego trips… to think my work is a ever it represents.
that I have started producing were funda- kingdom… that I am a delirious king with Daniel Lannes makes historical paint-
mental in my effort to rethink my persona as paintbrushes and paint in my hands. I made ing a point of citation and annulment. MC
a painter. They are not visual studies for my a drawing that says, “Monet, De Kooning and He observes scenes that have already
paintings, but they serve to create poetic and Richter prophesied the coming of my paint- acquired some personality in museums, QUESTIONS AND ANSWERS
conceptual clashes with my pictorial activity ing”. We, the artists, as good human beings, textbooks, films. From that point on, he
and, many times, with the artistic system. think, sometimes (or many times) that we revisits a Brazil marked by heroes and WILSON LAZARO AND
WL Do you believe that today there is a are in the center of the universe. I’d rather anti-heroes - D. Pedro, Macunaima, funk DANIEL LANNES
concept model at the moment of creation? A think that my kingdoms are pictorial, virtual, balls appear as political positioning, in
fad in art production? Do you follow this? How and full of color and nuances, instead of pro- which the same symbols are revered and WL What do you have in mind with the
do you place your work in relation to this? moting self-worship in the real world. gain critical meaning. Lannes transforms scenes you create for your pictures, in which
Fads, I don’t know. No doubt, there is a WL Which dialog with the present, with the pictorial gesture in an ethos, a certain the characters seem to detach themselves from
popular practice in Brazil nowadays, pointed society and with your creation process – your identity that appears in almost all of his the canvas and hit the road? I believe you are a
out by artists like Clido Meirelles: the “cura- academic support, sometimes archaic – is productions. This way, he tests and dares great storyteller – or would you be a traveling
torism”. I don’t think the curator as a figure presented in the creation of your work? And in the expressivity of drip painting, fluid painter? Does it make sense? What is the ideal
is expendable, because I’ve seen great and how do you perceive the work that intro- and watery paint. The result are histori- scenery for this trip in your creation process?
striking exhibitions organized by curators. I duces itself in an organic form and reaches cal and popular characters, on coronation DL I think it does make sense. Actually, I
was assistant curator to the great Marcus de the visceral? days, noble balconies or swimming pools think traveling painters who have been here
Lontra Costa for years and he taught me a lot AS The academy was very positive for my in suburban backyards, seen from a differ- (Brazil) were also great storytellers. If we
about art and life. I have been this piece in artistic route. I worked great teachers like Mil- ent angle. Then, visuality update makes think about Albert Eckhout, who was here
the world of arts. That’s why I feel the cura- ton Machado and great thinkers like Tadeu us realize images over images, just like with Mauricio de Nassau, we can see him
tor can both help to build or rethink the way Capistrano. My master’s and doctorate super- in an infographic environment. Lannes as a great storyteller. His portraits and still
to see art and the world as he can act as a visor was the great Paulo Venâncio Filho. uses, usually, what has already been seen, lifes had, initially, a scientific and documen-
castrating and bureaucratic agent. There are Today I teach drawing in the same Univer- and, in some moments, he moves back his tarist role – to depict the natives, fauna and
curators who never visit the artists’ studios sity where I graduated, did my master’s and observation to include museum surround- tropical flora – but they also leave space for
and, from images sent by e-mail, write beau- doctorate. All my teachers taught me about ings where the paints are inserted. By idealization. In the portraits, for instance, we
tiful texts about the “materiality” or “pres- art, each in his/her own way. Milton, specif- doing this, he can even place himself in can notice an idealization of the subject. The
ence” of the work of a certain artist, work he ically, was a great provocateur. With him, I the scene, as if it were in the foreground Indian painted according to a European mold,
has never seen live. Can we say that the cura- learned how to question my own certainties. of a selfie. in poses arranged in the traditional way of
tor is “a faker who’s so good at his act that I consider Milton a positive nihilist. With him, Just like other artists who have already classic portraits. There is a mixture of ana-
he can even fake the pain of pain he feels in I learned how to pull my own rug of certain- applied the feature of citation or of images lytical observation and pre-conceived ideal-
fact12?” (um fingidor capaz de fingir que é dor ties… This connects with your first question of “second generation”, in Tadeu Chiarelli’s ization. This fact by itself should be enough
a dor que deveras sente). Some curators seem – about changes. There is a sentence of the words about the already mentioned 80 gen- to make him a storyteller. He added some
to take over the persona of the poet, oth- artists Fischli & Weiss that got stuck in my eration13, Daniel Lannes makes us let it go fantasy to his documental task.
ers of pharaoh, others of the Messiah, and/ mind, “accept change as something inevita- of the fetish over originality, but activates If we think about Debret, we see an even
or Wall Street Wolf. They all give great ideas ble”. Nothing can be more Zen than this. The other fetishes, both over relic (historical more profound narrator. His legacy is a great
for cartoons, done by me, the artist. There is organicity and viscerality that you suggest paintings) and over a body split in pieces, story compilation. Everything about culture,
still the market of art, the fights between the in your question are connected to the idea just like dolls in a sex shop. Time, period, and a way of living, dressing, how people relate
egos of figures in the world of arts (includ- of mutability, transience. The “meat” in my origin receive multiple layers of ambiguity. to each other, can be found in his paintings
ing artists, of course…) these fights used to painting, carefully or wildly elaborated in Ignorant of where we know the references and watercolors.
bother me a lot… today I enjoy myself tell- my studio, brings with it the marks of my that are already in the process of being writ- In my case, I believe that I look for some-
ing these stories – they can be materialized nomad or pioneer thought… I’d rather think ten-off, we realize that sense - just like in thing that instigates this “travelling eye” in
in the form of drawings, paintings, instal- of myself as an artist fantasizing worlds – a “Erased De Kooning”, where Rauschenberg the scenes that I chose to paint. Something
lations, Instagram profiles or artist books. weird, nihilist and positive romantic poet… erases another artist’s drawing – enthrones has to attract me: it can be in form or in con-
These narratives can coexist with my paint- capable of going through and conciliate and approximates. Analogously, but in content, or both. I try to see the scenes that I
ings. By the way, who would dare tell me not many virtual and conceptual kingdoms: Zen trast, Daniel Lannes’ elegy, at the same time, portrait with this curious look of a person
to do it? I dare this person tell me that I can- Buddhism; films and books like The man who who is setting foot on a place for the first
not do a certain type of work… that my work would be king; the impressionist painting; time, with an open eye to whatever is new.
the artistic ego trips; the art fairs. Life and 13 Chiarelli, Tadeu. Considerações sobre o uso de ima- Based on this approach, the story is told.
gens de segunda geração na arte contemporânea. In:
art must be braved with doses of distrust, Sometimes, I think it is more interesting to
12 Translator’s note: Zenith, R. A Little Larger than the Basbaum, Arte contemporânea brasileira: texturas, fic-
Entire Universe: Selected Poems, Penguin, 2006. admiration and, above all, optimism. ções, estratégias. P.257-270. tell this story with a poetic distance, in other
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words, without a realistic concern, of a per- ELVIS ALMEIDA: THE BANAL art, anything can help. How do you act in this the European way of thinking, but how you
son who intends to judge or comment on a UNCONSCIOUS field, with your painting? deal with it. I think that this entire obsession
past event through the eyes of well-known EA Painting! Doing my best in the attempt with the European way of thinking in art here
history, but through fantasy, through ide- Elvis Almeida elaborates many pictorial to be faithful in translating poetically the in Brazil has to do with the official Art History
alization and delirium. I believe that feeling interpretations of patterns closely related doubts that emerge along my own journey, presented in schools and with the difficulty
delirious is essential. The pure and simple to drawing. We can see a certain repertoire on the path from life to art production, push- to access the type of art produced in other
description does not interest me. I search for of geometry, either crossed by figurative ing to second stage questions like the reper- places. During my undergraduate years at the
the stage where my idealization reaches the situations, or shaping weft, stripes, webs. cussion or visibility that my painting may or Escola de Belas Artes, UFRJ, (Fine Arts School
absurd. I believe this is the ideal scenery for The palette activated by the artist’s work may not have. of the Federal University of Rio de Janeiro), in
my journey: the reinvention of archetypes accepts vibrant colors, almost fluorescent, WL I like the way you construct your the classroom, I was never introduced to con-
and stereotypes given a priori. and observes games of contrast that become work, it is a happy painting that, regardless tent (outside a pre-historian context) from the
WL What does it mean to be a painter now- almost kinetic. Intensity effects generate cer- of geometric shapes, like the circle, does not art production in Asia, Africa, Oceania, and not
adays, from a romantic perspective? How do tain stridency as if it would take unexpected present a priori resolution. You don’t seem to even Latin America.
you carry out your research? I always sense a reactions, unusual ones, or as if the experi- worry about establishing any reference in However, there are many reasons why we
new look in your paintings. Does this explain ence with the mixing up of colors had reached your work, to any artist or artistic group. You keep indifferent to our own culture or to dif-
what it means to be an artist today? its saturation point. Part of the singularity of don’t show any sign towards affiliating your- ferent forms of artistic expressions distinct
DL I believe that being a painter today is, Elvis Almeida’s work rests on his interest in self to anything or to anybody, you explode from the European – or the one the European
par excellence, a romantic activity. In the simplified gestures, like the ones that were in your paintings! This moves us when we critics consider important art.
technocratic, capitalist and anxious world classified as primitive, in the past, called Naïf, look at your work. It brings a strong feeling of Here in Brazil, the enchantment with
that we live in, the painting experience takes a word that does not mean anything today. vitality since we are experiencing very bor- the type of art produced in the “developed”
us to another temporal dynamics. There is Elvis Almeida’s sum of lines and the inter- ing moments in art today. I believe your work countries and the attempt to emulate their
waiting time: for observation, for the paint- twining of wefts produce, sometimes, odd has a sensorial appeal. Do you agree? characteristics have always been present in
ing to dry out, for the battle with the canvas. figures, just like kitsch ornaments, corrobo- EA Maybe this kind of appeal exists, but music, dance, and architecture. I’m not usu-
Painting wins at the end. We never finish a rated by pastel shades and insistent and tiny I don’t try to have control over the types of ally interested in artists from São Paulo or
painting: we leave it. paintbrushes. The observation of such orna- sensations that my painting can cause, even Rio that follow any type of fad (regardless if
WL How does the dialog between and your ments, when they become central figures in if I have an intention while I am painting the is European or from East Asia) independent
characters happen in order to structure your the representation, leads us to the idea of work. I enjoy learning what people read in of the status their work holds.
painting, since, in it, there is a balance that still-life art. There is, in another direction, a each painting. Some people have reported WL I feel very happy to see so many
unbalances the eyesight in an intimate expe- certain separation, when we focus on paint- sentiments like disgust, condolence, or extremely young and plural people (from the
rience? I remember traveling in your painting itself, in the elements that compose the solemnity when they visit my exhibition. periphery, black, feminist, libertarian, and
ings and leaving with a poem in my memory… basis and the top. Because of this, we per- I don’t believe that art necessarily has to non-binary) interested in art and in produc-
I only believe in artwork that moves me, and I ceive an invisible horizon, which brings us be an antidote to boredom and annoyance. ing art. It is something very encouraging.
feel like this when facing your work. What do closer to the idea of landscape. Then, inev- I am also a fan of every single production EA At the moment, I feel like listening to
you have to say about this? itably, pictorial genres are made present in about which the official and non-official advice (even from beginners), but this sen-
DL I believe that my relationship with my Elvis Almeida’s work. Facing the abyss that Art History tell us, but, right now, I am less tence from painter Paulo Whitaker remains
characters happen in an overwhelming fash- appears in lieu of the horizon, the paint- interested in exploring (in case there is one) the most valuable of all pieces of advice,
ion: I need to fall in love with an image. It has to ing subscribes to what is known as the “art a painting school or inheritance. However, “Paint whatever you want and die happy.”
turn me on and I have to long for it. From that of the unconscious”. It is strange to think my work is full of references and affiliations, WL Is there any type of project or paint-
moment on, a process of detachment happens: of Elvis Almeida closer to Lorenzato, for maybe more intimate ones, but they do exist. ing that you haven’t done yet and would like
the moment I decide to paint it, I need to find, instance, and to Emygdio de Barros. WL There is a very strong European to accomplish? Since your painting makes us
while in the process of fighting with the can- thought about painting here, mainly in São dream… tell us!
vas, a way to disengage myself from the orig- MC Paulo. How do you react to this school of new EA There are many crusts in painting
inal image. I need to transform, through paint, painters that are following this fad, since you waiting to be broken, I am in a hurry, but I
that image into something else. It is exactly in QUESTIONS AND ANSWERS are creating a kind of well-structured paint- have to be careful not to accelerate. Outside
this transposition process that the artistic coef- ing and with its own personality? And how painting, there is still an enormous field to be
ficient happens. In this process of passion and WILSON LAZARO AND do you analyze the emersion of so many explored! The fun is just beginning!
detachment. The image that seduced me in the ELVIS ALMEIDA new artists?
first place will never actually be in my painting. EA Keeping things in proportion, I can also
It was just an initial blow that gave life to some- WL The repercussion of your painting is be included in this critique because the process
thing that nobody could foresee. I believe this everywhere. The world has finally started of decolonization takes time, after you become
transformation explains my intimate experi- to appreciate the vitality of our production. aware of this European thought. I doesn’t mat-
ence with painting. Considering the quality of current Brazilian ter if you have or if you don’t have as reference
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FELIPE FERNANDES: ABSTRACTION end up by not structuring much my work. metamorphosis. Does it happen to you? GILSON RODRIGUES: CHIMERAS,
AND DEPTH OF FIELD Usually I begin a painting by making shapes FF It is difficult for me, and I believe for TOTEMS AND RUINS
and simple stains that little by little suggest many other artists, to place my work in any
Felipe Fernandes deals with painting me ways to proceed. I believe that many of movement now because I think we need Gilson Rodrigues expands paintings
based on expanded gestures. With a high these forms emerge from drawings that I some historical distance to able to do this. I in “instalative” and tridimensional situa-
density of superposition of levels, planar- usually do in my notebooks. always liked a romantic idea of an artistic tions. Then, he is able to think the painting
ity is built on an opaque background, with I always aim at the kind of painting in movement in which a group of artists would “behind the forms”, just like in the title of
extensive use of impasto technique, and which I can make decisions that will not define a discourse and a parameter for the one of his works. Rodrigues observes por-
the presence of dark shades of colors. With demand a lot of thinking from me, but which production of everybody who belonged to celain ornaments and reconstructs objects
keen attention to the borders, where the first communicates in a quick and direct way with the group. To have an external limit imposed with pieces and traces who have differ-
and second plans meet, Fernandes seems to those who are watching it. I try not to be by yourself to your work always seemed lib- ent conformations and materials. We can
highlight lines that bring out amazing colors, very conscious about my own work. I think I erating to me. I think this sort of thing ends see, then, hybrid, chimeric situations, in
opening the opacity into unusual backlight- prefer to look for support from some kind of up by filling in an ideological gap. We will which the core of the scene is formed by
ing. Such opacity brings his work closer to sensibility or intuition. never accomplish this if we work alone, com- a certain agglomeration of plans, the way
that of Cristina Canale. The possibility of a There was a period when I thought every- mitted only to personal and internal issues. we can see in Lygia Clark’s animals and in
figurative interpretation is kept distant, and it thing I had been painting reminded me of I can’t see clearly the course my work will Barrão’s sculptures. Otherwise, there is
is almost impossible to see remissive titles to a painting by the English painter Willian take, but I try to connect to other artists that the construction of installations emulating
other images. Then, it seems almost reckless Turner. Actually, I never tried to go deeper also think in a more intuitive and less proj- gardens, in which plants and earth dia-
relate what is being presented to possible into his work, everything I have is a mental ect-oriented path. logue in specific sights activating the mem-
reference images. Even if there are figures, image formed by half a dozen reproductions WL I believe that the universe of art is ory sense, taking us to old houses that, in
Felipe Fernandes makes a point of cancel- of shipwreck paintings that I saw in books. still very sexist, mainly in relation to paint- pieces, appear to be ruins. Gilson Rodrigues
ling out the game between figuration and To me, his paintings carry a load of infinite ing, considering that in the academy there produces watercolors that configure certain
abstraction, deepening the field of action of drama. are many women, but in the market the con- approaching imaginary of the popular char-
the canvas in tautological and circumscribed WL You work as an assistant to a well- ductors are the men. What is your position in acter of objects, given the plethora of colors
exercises. known painter, Luiz Zerbini. I think it is very relation to this issue? and varied bent shapes, dented, irregular,
At some moments, the line takes a certain interesting that, in your painting, you man- FF I think that the art market reflects the which approximates, to a certain extent, to
independent stand, and, acts in drawings age to escape from the “Zerbinian” school, same structure of any other market in which Emmanuel Nassar’s research.
that multiply themselves, providing some which has been influencing many artists there is a majority of men. The only possible The artist by gearing towards a pictorial
rhythm to the painting. The repetition of nowadays… It makes me wonder, I see you position is to be in favor of equality and rep- production triggers what Yves Alain Bois
gestures and the appearance of unique ele- keep on your route majestically. How do you resentation. Machismo is so naturalized that called “arch drawing”14. When referring to
ments remove Fernandes’ painting from the cope with these two creation processes pres- many times go past me unnoticed, maybe Matisse, recognizing that there are totemic
kinetic game and from the possibility of pat- ent in your journey? because I am a man. I believe that this lack of interests, maybe putting together elements
tern construction. FF I was probably much influenced by his balance is becoming more and more evident that belong to distinct situations between
work, for having witnessed his creation pro- and curators and organizers are aware of this art and handcraft, decorative gestures and
MC cess from so close, although it is difficult for the moment they compose collective and contemporary machinations. The result-
me to say how much or where this influence other related events. We can see this happen ing chimeras from Gilson Rodrigues’ work
QUESTIONS AND ANSWERS clearly lies. I think the most important lesson I gradually. belong to almost contradictory domains, as
got from his studio was how to deal with ques- When I started studying painting at if we put together, in Greenberg’s terms, an
WILSON LAZARO AND tions and problems that are inherent to any Parque Lage I was much influenced by an Elliot’s poem and a cabaret song.
FELIPE FERNANDES painting process, regardless of how different artist named Carla Einloft. I admired her If one of painting’s task, according to Yves
they are visually speaking. I think I will never spontaneity and intuition and I immediately Alain Bois, is the “archaeology” present, for
WL Looking at your painting, I had a nice have this strong experience of familiarity wanted to make them mine, for some reason instance, in Joseph Beuys’ and Anselm Kief-
feeling, my eyes shone… What type of nar- with any other artist’s thought and process. I associated these characteristics to being er’s work, Gilson Rodrigues’ production is
rative do you usually structure in front of a I reckon that a few times, while I was at female. I have a good memory of that period placed within a type of research that has
white canvas? What is your initial desire at my studio, a thought would come to my mind, because up to then I had been tracing a route been carried out by art history for some time
the moment of creation? Do you succeed in “This looks like a Zerbini’s painting.” The kind based on accuracy and technique. now. To bring objects, to pick up the pieces of
reaching the place you aim at in your cre- of thought that I managed to kill immediately. I like to believe that the market will even- things, design gardens, provide Rodrigues’
ation? What is the final result in your creation WL Within the current art schools and tually open its doors to what is true and of a certain attraction for time but yet in
process? I feel that it is a renewed and intense movements, how do you see and feel your committed. tune with the present. However, nothing
painting and full of sentiment, am I right? painting? Which direction would you like to
FF Since I don’t use studies or photo- give to your work? We are always experienc-
14 Bois, Yves Alain. A pintura como modelo. São Paulo:
graphic references to start a painting, and ing moments of change; art takes the path of Martins Fontes, 2009, p.4.
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is accomplished there without reference to around me. However, I would rather talk LÍVIA MOURA: DIVING AND QUESTIONS AND ANSWERS
remembrance, to what is found, a step back- about simple things that call my attention. PERFORMANCE
wards into the past. WL Which were the most important WILSON LAZARO AND LÍVIA MOURA
moments in your education? How much time Lívia Moura became interested in paint-
MC do you dedicate to each work? And, when do ing quite recently. Then, it is inevitable that WL I’ve following your journey as an artist
you know that each painting is absolutely we associate her previous performance pro- for a long time. I remember when I saw your
QUESTIONS AND ANSWERS ready? ductions to what she does now in a pictorial work for the first time, in a small place in
GR I am very grateful to each teacher/ form. Lívia is interested in distinct actions Santa Teresa, in Rio de Janeiro, and my desire
WILSON LAZARO AND artist I found along the way in my education around installations and multimedia occu- to enter your universe has only increased.
GILSON RODRIGUES years. Much of what I know today was con- pations. With that, threads, wefts, fabrics Our first meeting is ancient history, but we
structed in the academic environment that and packages have been used as materials in are together again! After this long journey,
WL As a good painter, you succeed in gave me the tools to structure my poetics. her art production, occupying spaces always what happened to your creation process?
expressing everything on your canvas in However, I believe it is more interesting if we with a desire to create immersions, dives. LM Wilson, quite frankly, I think nothing
a structured way (the spectator sees this talk about awareness of everything that sur- Duplication and mirroring places the artist has changed in my work since then. It just
totality quickly). There we can see references rounds artistic production nowadays, this is in the observation of distinct interiors. Lívia became more profound and complex. You
to the European academic painting, consti- really relevant. For us, artists, it is extremely Moura main interest in her observations know, I don’t have a predominant language,
tuted. How do you justify those references? important to understand all the spheres that seems to be image organic shape. Because of but the movement is always the same, no
Are they necessary? In my point of view, you evolve the logic of construction, exhibition that, amplifications, extensions, continuities matter if I am painting or redesigning the
have established your own path in painting, and maintenance of an artwork. based on deconstruction of weaves, where, landscape of human relations.
do you need these references? My process is quite free. However, some in photographs, the artist herself appear WL You have a Master’s degree, to what
GR A lot has been said about the metab- references and operations are cyclical and working. The presence of the layer that will extent did it influence your work? From my
olization of painting by artists who work occasionally reemerge in the work. Usually, be peeled off, torn, removed, remains there if point of view, I believe your work has always
today with this type of discourse. For a I try to draw a sketch. I use many registers we look at her paintings since 2017. And con- been investigative and pulsating in the
long time, I was against this idea, but now I that I produce in the studio and Photoshop. cepts are built around topics, like eroticism, research you have carried out even before
have realized that it is impossible to disso- As the process is developed, I keep incorpo- intimacy. Lívia Moura also uses fable terms in this last academic experience. Explain how it
ciate what is produced today to everything rating the “errors” and intrinsic accidents to her work – Eve, for instance. Then, inevitably, reflects on your paintings… since you got to
that was done in painting, including Euro- the act of painting. A work can take one day we associate the artists’ interests to female the conclusion that this painting was a valve
pean painting. However, the references to or more than a month to be ready. issues, transhistorical invented concept. to put the Academy out of your system!
academic painting (not only European) that I feel that a work is done when I realize a The paintings that may have started LM No doubt. I started participating in
emerge in some of my work is much more balance or a power that emerges from the with the installation are also thought off exhibitions very early in my life, when I was
related to prints present in a great number image. piece by piece. And, then, diverse worlds are 15 years old, and retired from the universe
of objects that decorate the domestic envi- included, from photographs in polyptychs, of art from 2009 to 2012. During this period,
ronment. It is very common, for instance, to flanking the paintings, to the performances I got involved with non-academic studies,
find on tea sets gallant scenes by the French that show the artist diving to rescue pieces which are now exploding in my work. The
painter Jean Honoré Fragonard (1732-1806). from the bottom of the sea. It is easy to real- Master’s degree is helping me organize and,
I am interested in doing research and rethink ize that Lívia always points to other inter- most of all, simplify “my baroque deliriums”
these prints and their possible readings dis- ests, beyond one single genre of painting. and my acting strategies as well.
associated from the artistic environment. If we the body and performances are However, painting is saving me! It so hap-
WL Gilson, what do you see today and present in Moura’s work, there are senses pened that I was reading a lot for the Master’s
envision in the future that, in some way, that bring us closer to liquid, invented, degree, my head was aching. I needed some-
impresses and inspires your painting? fable worlds. Then, there is a certain prox- thing fluid and intuitive, which could act as
GR I am very interested in the pictorial imity between her production and Janaína an escape valve. On the other hand, I was liv-
act. The possibility of doing research on the Tschäpe’s work. In Livia’s art, the woman’s ing alone, taking care of my 1 and 3-year-old-
distinct ways to build images in painting has body, now, is positioned, in an attitude that children. I had no alternative; I had to clear
always caught my attention. I like artists that expands the tensions of the pictorial field a wall in the house for them to paint. From
create their own universes and whose work in repetitive anxious gestures. An inter- that point on, I also started to paint. It was a
is connected to a “banality”, like Morandi, est in the disorder impregnated in more great opportunity for me to have fun. Deep
Lorenzato, Euan Uglow, among many oth- visceral images brings a body in historical, down, I needed to throw myself into this
ers. I try to be very sincere with my work; I conscious and mythicized behavior. “primitive” act just like children do, “without
don’t look for external motivation to carry thinking” in Manoel de Barros’ words. And,
out my research. In addition, I’m not romantic MC then, I also bought a small canvas for them
to the point of closing my eyes to everything to paint on and I was amazed with the fear-
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less way they mixed the colors and created constitutes us. The master’s degree had a lot MARIA FERNANDA LUCENA: OBJECTS past and memories of the future. In the rela-
shapes that talked to the natural path of the to do with this, there is a lot to come from my FOUND IN ONE’S MEMORY tionship of these opposing forces, but inter-
paints and of the pigments being thrown on work and my paintings are part of my rituals twined in brushstrokes, everything blends in
the canvas by them. It was a “turning point”, to rescue the Earth. Maria Fernanda Lucena brings to paint- the end. How does it happen?
painting with them! The first paintings we As you know, my work is a chameleonic ing a reflection about image and its possi- MFL I believe that every single artist
did as co-authors but now that I have learned organism, which sews together body, family, ble memory mechanisms. Lucena starts her dialogs the whole time with the universe
a lot from them and I am using more aggres- environment and society. I am interested in work, many times, with elements found, of Contemporary Art, trying to understand
sive paint, I am painting alone. creating rituals to open our boxes, to let Pan- appropriated objects that we could call, by where her/his work is inserted. In my case,
WL With this current “feminism” move- dora out, the biosphere woman, to expand using a historical term, objet trouvé. The because I used to work with Fashion and
ment in art, how do you place yourself in itself in a corrosive and creative way. appropriation leads us to another fundamen- Costume Design, before I decided to dedicate
relation to these issues, since the universe tal gesture, a collage. With that, the artist myself exclusively to Visual Arts, my arrival
of art remains chauvinist and in the hands becomes interested in an expanded form in at this universe was slow and gradual. Today
of men, mainly in the art market? You are the way time provides relevance to certain I realize my work is open to any type of
an example of this new kind of feminism in traces. We can see from old cassette tapes material and technique that may contribute
art, you are female, mother, artist. However, to TV tubes, analog games, photographs, to the elaboration of my narrative.
you are not frail and your work definitely is slides and many other elements. Otherwise, In some pieces of my work, I created
not light. Where does your creation process the artist observes carefully the limits of domestic scenes from photographic refer-
stand in relation to this movement? painting materiality, predicting and stim- ences of people in distinct times and places.
LM My position as a woman plays a central ulating certain wearing off. There is some Besides the painting, usually, in the work
role both in the content and in the form of conceptual and material inadequacy in the itself, I make use of different objects from
my work. Rescuing the Earth as an element, use of uncommon supports, like the carcass everyday life, for instance, sofa fabrics that
as a planet, as a feminine principle perme- of obsolete computers used as a painting I collect at upholstery shops, Polaroid pho-
ates all my work. We know there are many support. In other words, what is chosen as a tos, among other things. With this, I intend
real obstacles that women have to overcome support will seem inadequate to embrace the to create a timeless environment, promoting
to take part in the work market, just like pictorial act. This characterize the absolute apparently impossible encounters.
any other “minority”. In addition, because of singularity of the artist’s work. WL I see, in your painting, that you
that, we have to fight against an “internal Maria Fernand Lucena recurrently demon- explore distant lands, people, architectures,
jail keeper”, who destroys our self-esteem, strates a great interest in getting closer to and natures; there is a movement in the
who does not let us stand by the things we other people’s stories. In a proto-anthropo- rhythm of known and unknown images,
really believe in. It is a very heavy challenge logical game, the artist observes happen- of real and imaginary journeys. To revel in
for all women to be professionally successful ings, events, glimpses, and ends up collecting other people’s lives and, at the end, return to
without having to repeat the macho pattern. from her research the narrative decisions for each “canvas”, always different. How can you
I don’t want to give up taking care and edu- her paintings. Her titles give us some hints explain the trip you take when you produce
cating my children, being a woman and being and make us think about personal stories, this kind of painting with classic painting
sincere with myself. childhood places, and youth habits: “Ter- chords, but always bringing and translating
WL A good work of art always has poetry, tulina”, “Copacabana”, “Gavetas”, emotional them into a very current painting?
rhythm. You are very successful in doing landscapes. MFL I think my painting reflects the
this! As a conclusion, how do you intend to demands of my work. In the amount of lay-
lead and create a set of work, in which you MC ers, I want to recall time going by. In the
intertwine painting, drawing, video, photog- unfinished ends, the feeling of disappear-
raphy, installation and performance in the QUESTIONS AND ANSWERS ance. In the colors, I want to lead to the realm
future, since I feel that you are always talking of dreams and memories. I also like to prepare
about memory of the future, in which things WILSON LAZARO AND small obstacles, object that I sew or glue on
make sense only through your eyes or your MARIA FERNANDA LUCENA the supports where the painting outgrows
Pandora Box? Is this well-structured? without ceremony. Besides, to me everything
LM For a long time, I have been collect- WL Fernanda, your painting is filled with is very intuitive. I think it is very difficult for
ing clay of different colors – ochre, red, pink, dry color and movement, and, then, your works a painting to come out exactly the way you
white, blue – and now I am using them in my present themselves, in the middle of the narra- planned. Many unforeseen things happen
paintings. I have been using earth in differ- tive, exuding a dynamism that defies the nature during the process and, you will likely have
ent languages, like performances, rituals of current painting. How do you place yourself to change your initial plans. That’s why I like
and ceramics. Always as a primary rescue, in this universe of art? I see, and admire, your to leave the tips untied when I start a project.
of returning to this ground that sustains and painting as a battle between memories of the The unexpected is always welcome!
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WL I believe that you take over good work. Now, my research is geared towards BIOGRAPHIES Arquivo Geral, at the Federal Court Cultural
established narratives to reveal their reverse the search for supports and materials that Center – Rio de Janeiro, 2009, Gramática
side, their dreams, and their pictorial delir- will contribute to the elaboration of my nar- ALVARO SEIXAS Urbana, at the Hélio Oiticica Art Center – Rio
iums. Commit it in the construction of your ratives. I also keep on looking for stories that, de Janeiro, 2012, and Crer em Fantasmas,
painting. I see you as a new and good bet in besides getting my attention, have relevance He was born in 1982, in Rio de Janeiro, Caixa Cultural – Brasília, 2013.
the current art scene. How do you create this to other people. where he lives and works. In 2004, he was granted a scholarship at
way of thinking? In my opinion, the universe of Arts nowa- He holds a PhD in Visual Languages by the the State University of New York/ Fine Arts
MFL I am a frequent visitor of antique days is absolutely plural. With this, my inten- Fine Arts School of the Federal University of Department and, in 2008, he was an artist
fairs. In them, I get my supplies of different tion is that my work is seen as something Rio de Janeiro, 2015, and he has an under- in residence at The Idyllwild Arts Program
objects and images. I am in a constant state special and true. graduate degree in Painting from the Federal Painting’s Edge, California, EUA. He won
of alert no matter where I am. When I meet University of Rio de Janeiro, 2006. the IBEU Art Salon’s Novíssimos Prize, Rio
someone that has a good family story to tell In 2008, he received the prizes Rumos Itaú de Janeiro, in 2010, and he was nominated
me, I listen to the testimonials, sometimes Cultural 2008-2009 and SIM Artes Visuais, for the PIPA Prize in 2011 and 2012, when
I take pictures or, if I am lucky, I get an old in Belém, with the exhibition Janelas para o he received the Funarte Contemporary Art
photo from the family album. I like when I Mundo, at the Casa das Onze Janelas. In 2011, Prize. In 2013, he was nominated for the
can put together in the same painting two or he published the book Sobre o Vago and, in 10th edition of the Cisneros-Fontanals Art
more stories of distinct sources. As if these 2012, he shared with artists Rafael Alonso Foundation Prizes and Commissions Pro-
people had met in a timeless domestic envi- and Hugo Houayek the prize Projéteis gram (CIFO) and picked up for the short list of
ronment that I imagined. All this works as Funarte de Arte Contemporânea, which the book 100 Painters of Tomorrow, Thames
material for the creation of my work. resulted in a group exhibition at the Gustavo & Hudson editors.
WL When I look at your painting, I have Capanema Palace, Rio de Janeiro. His works are included in public collec-
the impression that we are facing a dream, His main exhibitions: participation in the tions: Rio de Janeiro Museum of Art - MAR,
a real dream within images in different time group show Mirantes – Rumos Itaú Cultural, the Figuereido Ferraz Institute – Ribeirão
spans, different cities. How do you establish Juvenal Antunes Gallery – Rio Branco, in Preto, Brazil and the Rio de Janeiro Museum
this time connection on the canvas? I believe 2009 and Trilhas do Desejo – Rumos Itaú Cul- of Modern Art - MAM; in private collections:
that what you do is a new form of surreal- tural – Instituto Itaú Cultural, São Paulo and Cleusa Garfinkel – São Paulo, Marcia e Luiz
ism, isn’t it? Since surrealism is still an open Paço Imperial, Rio de Janeiro, 2008-2009; in Chrysóstomo – Rio de Janeiro, Maria Cristina
movement, I think you have brought it back 2015m X Mercosur Biennial – Porto Alegre, Burlamarqui – Rio de Janeiro, Vik Muniz – Rio
to the surface. What do you think about this? the Marcoantonio Villaça Plastic Arts Prize de Janeiro, Mariano Marcondes Ferraz – Rio
MFL My painting follows the collage logic. – São Paulo and Paintbrush – Rio de Janeiro. de Janeiro, Zeca Camargo – Rio de Janeiro, and
However, always with the desire to find a A Very Romantic Tour, at the Cavalo – Rio de Roberto Muylaert – São Paulo.
unit between the parts so that they form a Janeiro e a Luz que vela o corpo é a mesma
single image. I always chase the feeling of a que revela a tela, Caixa Cutural / collective – ELVIS ALMEIDA
dream or parallel reality. I make use of effac- Rio de Janeiro, both in 2017;
ing, superposition of layers, a scene invading He was born in 1985 in Rio de Janeiro,
the other, besides other things, in order to DANIEL LANNES where he lives and works.
try to make the time connection in my work. He has an undergraduate degree in Print-
Surrealism brought to art, at a certain He was born in Niterói, in 1981. He lives making from the Federal University of Rio de
moment in History, the possibility of imagi- and works in Rio de Janeiro. Janeiro (UFRJ), 2013. He studied Screen-print-
nation manifesting itself totally free based He holds a Master’s degree in Visual Lan- ing at the School of Visual Arts of Parque
on work filled with dreams, utopias and guages from the Federal University of Rio de Lage (EAV) and Art History at Redes da Maré
information that run against logic. If I think Janeiro, 2012 (both in Rio de Janeiro).
the way you did, I would love to represent in His solo shows include: Midnight Paintings, His solo exhibitions include: Uma cidade
my work more and more surreal encounters at the São Paulo Cultural Center, and SALE, at de Xapisco dividida por um muro de cau, at
between people, times and distinct places. the Cultural Shock Gallery, both in São Paulo, Amarelonegro Contemporary Art Gallery in
WL From where does your production in 2007. In 2011, República, at the Rio de Rio de Janeiro, in 2010; Certezas para dobrar,
come and where does it head itself? How do Janeiro Museum Of Modern Art, and Só Lazer at the Mercedes Viegas Contemporary Art
you see your work in the universe of Art? at the IBEU Art Gallery, in Rio de Janeiro. In Gallery in Rio de Janeiro, in 2016; O cotidiano
MFL My work emerges from the blend of 2012, Dilúvio at the Luciana Caravello Con- das estruturas familiares, Projeto Tech_Nô,
different references and areas. Since I use temporary Art Gallery – Rio de Janeiro. at the Oi Futuro Flamengo – Rio de Janeiro,
various materials, painting, then, is the only His group shows include: Painting’s Edge, in 2017, and Ponta Seca Torta / Faca Cega,
technique that is present throughout the RiverSide Museum of Art, California, 2008, at the Galpão Fortes D’Loia & Gabriel in São
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Paulo, in 2017. Revelação durante o nasci- from the State University of Minas Gerais the Bispo do Rosário Museum, Rio de Janeiro, Organizer: Wilson Lazaro
mento de uma gota –dotArt Gallery in Belo (UEMG), 2013. and an installation at the exhibition O que é Texts: Marcelo Campos, Cesar Kiraly,
Horizonte, and at the Paço Imperial in Rio de His solo exhibitions include: in 2015, normal at the ECCO – Brasília, both in 2006; in Efrain Almeida, Wilson Lazaro
Janeiro, in 2018. In 2019, Estrada nebulosa Orgânico/Artificial, at the SESI-Mariana Gal- 2007, installation/performance at the group Artists: Alvaro Seixas, Daniel Lannes, Elvis
sem olhos de gato, at the Mercedes Viegas lery, Minas Gerais, and Paisagem - Art Gallery event MAC Vazio, at the Contemporary Art Almeida, Felipe Fernandes, Gilson Rodrigues,
Contemporary Art Gallery in Rio de Janeiro. Copasa – Belo Horizonte. Quase paisagem, Museum– Niteroi, Rio de Janeiro, and inter- Lívia Moura e Maria Fernanda Lucena
His main group exhibitions: VI Interna- Badesc Cultural Foundation – Santa Catarina, active-performance at the Riocenacontem- Executive Coordinator: Bia Gross
tional Art Biennial SIART in La Paz, Bolivia, Jardins Suspensos, BDMG Cultural – Minas porânea; participated in the group exhibition: Financial Coordinator: Rafael Bezerra
in 2009; Reality Reimagined at Modified Arts Gerais, in 2016. Por trás das formas, Memo- Nova Arte Nova, at the Banco do Brazil Cul- Art Direction: Felipe Taborda
, Phoenix, USA, and Abre Alas 6, at A Gentil rial Minas Vale – Minas Gerais, in 2017, and tural Center in Rio de Janeiro and São Paulo Design: Augusto Erthal
Carioca , Rio de Janeiro, both in 2010; Arte Trauma, at the dotART Gallery – Belo Hori- – 2009; and her solo exhibitions include Studio Photographic Register: Carla
Pará, at the Romulo Maiorana Foundation, in zonte, 2019. Abrindo a caixa, at the dotART Gallery– Belo Bordin
Belem, 2011, and Gramática Urbana, at the Among the group exhibitions he partic- Horizonte, 2017, and at the Inox Gallery – Rio Photos of the Project: Rafael Adorján,
Hélio Oiticica Art Center, in Rio de Janeiro, ipated: Novíssimos, at the Ibeu Art Gallery de Janeiro, 2013 e 2015. except: 83, 86, 89, 88, 130 - Daniel Pinho /
2012; in 2016, Um Desassossego, at the – Rio de Janeiro, in 2016; in 2017, Arte Lon- Overseas, the artist participated in exhi- 29, 31, 32.2 - Mario Grisolli / 27, 30, 33, 34, 68,
Estação Gallery in São Paulo, and Oito artis- drina 6, das estruturas mínimas às não cores, bitions in Oaxaca, in Mexico, Naples, Maiori, 97, 99, 100 e 100, 103, 102 - dotART galeria /
tas, at the Mendes Wood DM, in São Paulo; Casa de Cultura / State University of Londri- Pellezzano, Pesaro, Salerno e Siena, in Italy, 44, 46, 48, 49, 124 - Tahian Bhering / 72, 73,
and in 2017, 20th Festival of Contemporary na-Londrina – Paraná, and the 66th Salão and Bangkok, in Thailand. 75, 77, 76, 128 - Bel Corção / 111, 112, 114,
Art, Sesc_Videobrasil, at the Sesc Pompeia – Paranaense, MAC – Paraná. Scapeland: ter- 118, 134 - Piti Tomé / 98, 105 - Mauro Figa
São Paulo, and Pintura, at the Caixa Cultural ritório de trânsito livre, at the Latin America MARIA FERNANDA LUCENA Revision: A Portuguesa
– Rio de Janeiro. Memorial – São Paulo, 2018. Translation: Alice Freire
The artist was awarded a prize at the VIII She was born in Rio de Janeiro, where she Production assistant: Luciano Augusto
FELIPE FERNANDES Itabirito Salon, in 2017, e at the 26th Youth lives and works. Press Relations: Flávia Tenório
Art Show, in 2016, at SESC in Ribeirão Preto – She has an undergraduate degree in Fash- CTP and Printing: Walprint Gráfica e
He holds an undergraduate degree in Indus- São Paulo. In 2014, he was the curator of the ion and Costume Design, 1999, and studied Editora
trial Design from the Catholic University of exhibition Casa de Cacos: objetos, at the Casa at the Visual Art School (EAV) at Parquet Acknowledgments: Claudia Saldanha,
Rio de Janeiro (PUC-Rio); he started his inves- de Cultura Nair Mendes Moreira Museum – Lage, Rio de Janeiro. Juliana Vellozo Almeida Vosnika, Maria Helena
tigation about painting at the School of Visual Contagem, Minas Gerais. Solo exhibitions: in 2016, Paisagens emo- Bahmed, Leila Gontijo, Marcio Felipe, Isaque
Arts of Parque Lage with João Magalhães. Gilson is an assistant to the artist Sonia cionais, C. Gallery – Rio de Janeiro; in 2017, A Furtunato, Ricardo Kugelmas, Fátima Lazaro,
He has participated in exhibitions in gal- Gomes. Intimidade é uma escolha, IBEU Gallery – Rio Pedro Saturnino Braga e Waldéres Gross
leries like A Gentil Carioca – Rio de Janeiro, de Janeiro. Melancolia da Paisagem, Untitled Special acknowledgments: Carla Bor-
and Oscar Cruz – São Paulo, in addition to LÍVIA MOURA Gallery – Fortaleza; Intermédios, dOTART Gal- din e Rodrigo Pinheiro
the Art Salon Novíssimos, at the IBEU Art lery – Belo Horizonte, and Sonatina em Linha Institutional Partners: Paço Imperial
Gallery – Rio de Janeiro, and the 37th Con- She was born in Rio de Janeiro in 1986. Curva, C Gallery – Rio de Janeiro, in 2019. (Rio de Janeiro) and Museum Oscar Niemeyer
temporary Art Salon of Santo André – São She holds a Master’s degree in Contem- Group exhibitions and art salons:: 19th (Curitiba)
Paulo. In 2015, he participated in his first solo porary Artistic Processes from Fluminense Praia Grande Visual Art Salon, Art Palace Partners: dotART Galeria (Belo Hori-
exhibition, Primário, at the gallery MUV – Rio Federal University (UFF) in Rio de Janeiro – São Paulo, and II Illiterate Salon, Federal zonte) and Auroras (São Paulo)
de Janeiro, and in 2017, he participated in the and an Undergraduate degree in Visual Arts University of Santa Maria Maria – Rio Grande Sponsorship: Banco Bari
exhibition Barulho at the DotArt Gallery – from the Art Institute at the State University do Sul, in 2012; 12th Jataí National Art Salon,
Belo Horizonte. In 2018, Âmbar, at the IBEU of Rio de Janeiro (UERJ), 2009. She studied Jataí Contemporary Art Museum – Goiânia,
Art Gallery– Rio de Janeiro. History and art Criticism at the Jeu de Paume XXXI Rio Claro Visual Art Salon – São Paulo
He has two paintings included in Gilberto National Gallery, in Paris, and at the Visual / Special Mention Award, in 2013; Visão de
Chateaubriand’s private collection and he is Arts School at Parque Lage, in Rio de Janeiro. Emergência, Colecionador Gallery – Rio de
an assistant to plastic artist Luiz Zerbini. Participation in activities: workshop at Janeiro, e À Primeira Vista, Artur Fidalgo –
Casa DAROS-Latin-American (training of Rio de Janeiro, in 2014; Somos todos Clarice,
GILSON RODRIGUES artist educators, 2007; artist in residence at at the Republic Museum, Rio de Janeiro, and
La Curtidurìa – Oaxaca, México, 2008, edu- Limiares, Paço Imperial – Rio de Janeiro, in
He was born in Contagem, Minas Gerais, in cation program at Reggio Emilia Re Mida – 2017 Gallery. In 2019, Melancolica da pais-
1987, and he works and lives in São Paulo. Naples, Italy, 2009, and residence at the Zen agem, Untitled – Fortaleza.
He has an undergraduate degree in Visual Samboji Monastery – Bercheto, Italy, 2011.
Arts from Federal University of Minas Gerais Participation in exhibitions: site-specific/
(UFMG), 2014, and has a teaching degree installation at the group exhibition Paixão, at
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PRODUÇÃO
A AUDIODESCRIÇÃO DESTE LIVRO SE ENCONTRA NOS LINKS:
bit.ly/2qDl5Yb
dropbox.com/sh/ab9xr0wamvqfjro/AACqXGwuOXFybl75-byRn85Qa?dl=0
159 160
Organizador Assessoria de imprensa
Wilson Lazaro Flávia Tenório
Textos CTP e Impressão
Marcelo Campos, Cesar Kiraly, Efrain Almeida, Wilson Lazaro Walprint Gráfica e Editora
Artistas Agradecimentos
Alvaro Seixas, Daniel Lannes, Elvis Almeida, Claudia Saldanha, Francisco Santos,
Felipe Fernandes, Gilson Rodrigues, Juliana Vellozo Almeida Vosnika,
Lívia Moura e Maria Fernanda Lucena Maria Helena Bahmed, Leila Gontijo, Marcio Felipe,
Isaque Furtunato, Ricardo Kugelmas, Fátima Lazaro,
Coordenadora executiva
Pedro Saturnino Braga e Waldéres Gross
Bia Gross
Agradecimentos especiais
Coordenador financeiro
Carla Bordin e Rodrigo Pinheiro
Rafael Bezerra
Direção de arte
Felipe Taborda Dados Internacionais de Catalogação na Publicação (CIP)
(Câmara Brasileira do Livro, SP, Brasil)
Design
Augusto Erthal
Registro fotográfico de atelier Catalogação elaborada por Regina Simão Paulino – CRB 6/1154
7 x Artistas : as novas pinceladas / organizador Wilson Lazaro ; textos Marcelo Campos ; artistas Alvaro
Carla Bordin Seixas...[et al.]. ; tradução Alice Freire. -- Rio de Janeiro : Walprint Editora, 2019.
Fotos das obras
Rafael Adorján, exceto: Demais artistas: Daniel Lannes, Elvis Almeida, Felipe Fernandes, Gilson Rodrigues, Lívia Moura e Maria
Fernanda Lucena.
83, 86, 89, 88, 130 - Daniel Pinho / 29, 31, 32.2 - Vários colaboradores.
Mario Grisolli / 27, 30, 33, 34, 68, 97, 99, 100 Edição bilíngue: português/inglês.
e 100, 103, 102 - Registro fotográfico dotART ISBN 978-85-62109-34-8
galeria / 44, 46, 48, 49, 124 - Tahian Bhering /
72, 73, 75, 77, 76, 128 - Bel Corção / 111, 112, 114, 1. Arte contemporânea brasileira - Século 21 2. Artistas plásticos - Brasil 3. Artistas plásticos - Depoimentos
4. Pintura - Brasil I. Lazaro, Wilson. II. Campos, Marcelo. III. Seixas, Alvaro. IV. Lannes, Daniel. V. Almeida,
118, 134 - Piti Tomé / 98, 105 - Mauro Figa
Elvis. VI. Fernandes, Felipe. VII. Rodrigues, Gilson. VIII. Moura, Lívia. IX. Lucena, Maria Fernanda.
Revisão
A Portuguesa 19-30987CDD-759.981
Tradução
Alice Freire Índices para catálogo sistemático:
1. Pintores brasileiros : Arte contemporânea 759.981
Assistente de produção
Luciano Augusto Maria Paula C. Riyuzo - Bibliotecária - CRB-8/7639
Apoio Institucional Apoio
Parceiros Patrocínio
Realização

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Alvaro Seixas

Retomando projetos e pensamentos guardados na mente... foi no encontro

1. O estatuto da pintura, em âmbito contemporâneo, no que diz res-

O livro 7 x Artistas, as novas pinceladas apresenta um recorte da nova

Maria Fernanda Lucena

Rio de Janeiro, setembro de 2019

A imprensa anuncia que uma pintura de Beatriz Milhazes bateu recorde

1 Beatriz bate próprio recorde em leilão de NY. Disponível em: https://www1.folha.uol.com.br/fsp/ilustrad/

2 Beatriz bate novo recorde em leilão da Sothebys. Disponivel em: https://oglobo.globo.com/cultura/beatriz-

Alvaro Seixas produz pinturas como se houvesse ampliado o desejo em

Pintura sem título (Paisagem com Figura), 2019

Wilson Lazaro Percebo claramente que em seu trabalho existe um fio

WL Você acredita que, hoje, existe um modelo de conceito na hora de

Daniel Lannes faz da pintura histórica um ponto de citação e anula-

Família de Fuzileiros, 2014

WL O que é ser um pintor hoje, a partir de uma expectativa romântica?

Elvis Almeida elabora variadas interpretações pictóricas de padronagens que

Felipe Fernandes lida com a pintura a partir de gestos ampliados. Com

Sem título, 2018 Sem título, 2018

Gilson Rodrigues amplia a pintura em situações “instalativas” e tri-

Paisagem de arrependimentos, 2017

Estrutura sensível 5, 2017

WL Quais foram os momentos mais importantes de sua formação? Quanto

QFS - Sistema Quântico Financeiro, 2019

Maria Fernanda Lucena traz, para a pintura, a reflexão sobre a ima-

Série Janelas, 2019

WL Quando olho para sua pintura, parece que estamos diante de um

Nasceu em 1982, no Rio de Janeiro onde vive e trabalha.

Pintura sem título (Empasto Negro e Neon), 2016

Nasceu em Niterói, em 1981. Vive e trabalha no Rio de Janeiro.

Still life, 2016

Nasceu em 1985 no Rio de Janeiro, onde vive e trabalha.

Sem título, 2019

Tem formação em Desenho Industrial pela PUC-Rio e iniciou sua investiga-

Sem título, 2015

Nasceu em Contagem, Minas Gerais, em 1987, e vive e trabalha em São

Estrutura sensível 2, série Trauma, 2017

Nasceu no Rio de Janeiro em 1986.

Energia vital, 2018

Nasceu, vive e trabalha no Rio de Janeiro.

A AUDIODESCRIÇÃO DESTE LIVRO SE ENCONTRA NOS LINKS:

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