1

XXI Bienal
de Música Brasileira
Contemporânea
10 A 19 DE OUTUBRO DE 2015
THEATRO MUNICIPAL DO RIO DE JANEIRO
SALA CECILIA MEIRELES
ESPAÇO GUIOMAR NOVAES

Patrocínio
Ministério da Cultura

Realização
Fundação Nacional de Artes / Funarte

Apoio
Academia Brasileira de Música
Rádio MEC/EBC
Equipe da Funarte
Centro da Música
concepção e realização
Flavio Silva
Maria José de Queiroz Ferreira
produção
Flavia Peralva Pinheiro
Tatiane de Santana Ribeiro Lins
assistentes de produção
Aline Mandriola
Elizabeth Lima da Silva Ursolino
Edyr José Rosa de Lima
Luiz Carlos da Silva
Vanderci Lins de Oliveira
Thais da Silva de Oliveira

Assessoria de Comunicação
Camilla Pereira
Marcelo Mavignier
Catia Lima
Luzia Amaral
Marcia Cotrim

Projeto gráfico
catálogo miolo
Gilvan Francisco
capa, cartaz e banners
Paula Nogueira

Portal Funarte
Cristiano Marinho
Maria Cristina Martins
Pedro Paulo Malta

Apoio externo
Prêmio Funarte de Composição Clássica 2014
Comissão de Seleção
Bryan Holmes
Erick Magalhães de Vasconcelos
Harry Crowl
Jamil Maluf
Liduino Pitombeira
Rodolfo Coelho de Souza

Colaboradores
Cristina Arruda
Daniel Serale
Eduardo Monteiro
Marcelo Carneiro de Lima / Paulo Dantas
Marinaldo Gomes
Ralyanny Guerra Belo
 A XXI Bienal de Música Brasileira Contemporânea

A Fundação Nacional de Artes tem, entre as suas principais atribuições, a consolidação de

políticas públicas que tenham um nível de continuidade e de excelência notáveis. É o caso das
Bienais de Música Brasileira Contemporânea. Iniciadas em 1975, as Bienais têm sido um dos
exemplos mais bem-sucedidos de políticas para as artes no Brasil. E o fato da Funarte ser a
responsável pelo projeto só vem comprovar a sua importância – da Funarte e da Bienal – para
a cultura e as artes no país.
Sempre atenta às novas formas de organização, expressão e criação de formas sonoras, a Bienal
tem contribuído para a formação de público e a atuação de artistas que primam pela inventividade
e pela depuração formal, assumindo os riscos da experimentação estética. Este ano, a Bienal vai
para a sua XXI edição! Muito disso se deve à atuação vigorosa, cuidadosa e vigilante de Flávio Silva,
o coordenador de música erudita do Centro da Música da Funarte, e de Maria José Queiroz, sua
parceira incansável na coordenação da música erudita do nosso centro da Música.
A XXI Bienal de Música Brasileira Contemporânea vai apresentar 66 obras selecionadas por
Edital e por um colegiado especializado, todas inéditas, com o intuito de apresentar a produção
da música “erudita” contemporânea, com a presença de orquestras, coros, intérpretes solos e
conjuntos variados de música eletroacústica. A abertura da Bienal ficará sob a responsabilida-
de da Orquestra Juvenil da Bahia (Neoijibá), reforçando nosso papel de instância de consagra-
ção cultural para jovens artistas.
Além dessas apresentações, a Bienal terá uma série de atividades especiais lembrando os 70
anos da morte de Mário de Andrade e os 100 anos de nascimento de Hans-Joachim Koellreutter.
Nestas atividades especiais teremos o relançamento do álbum “Mário 300-350”, originalmente
lançado em 1983, pela Funarte, com show ao vivo do Coletivo Chama; o relançamento da revista
de vanguarda Música Viva, dos anos 1940, que teve nomes como o próprio Koellreutter, além de
Claudio Santoro, Luiz Heitor, Guerra Peixe, entre outros; o seminário “Música e política”, com parti-
cipação dos professores Jorge Coli, Flavia Tony e Carlos Kater.
Como se não bastasse, Mário e Koellreuter se encontram ainda na exibição de Café – uma “tra-
gédia secular”, na denominação de Mário de Andrade −, com a criação musical de Koellreuter e a
encenação de Fernando Peixoto. Formalismo estético, espírito de invenção permanente, contempo-
raneidade, a complexidade da relação entre estética e política ecoando na fala desesperada de uma
das vozes coletivas: “Não agüento a fome/ não há mais perdão/ Deus dorme nos ares/ os chefes na
cama/ Acordo no chão/ eu quero meu pão!”; mas também no lema – que não deixa de ser também
um dilema − do próprio Koellreuter: “A arte é uma contribuição para o alargamento da consciência
do novo ou do desconhecido e para a modificação do homem e da sociedade”.
Estética e política se enovelam e sugerem formas que podem ser o esboço para a constituição
de novas maneiras de realização da vida em comum, da vida social, com a criação de redes de apoio
mútuo e solidariedade para democratizar radicalmente o acesso a bens materiais que permitam
a todos uma vida farta, forte e feliz, sem as intoleráveis e inaceitáveis distinções de classes; mas
também podem ser o esboço para a criação de novos mundos habitáveis pela arte, uma outra ins-
tância do Ser, que é também uma necessidade demasiado humana. Uma vida não só melhor, mas
especialmente maior para todos.

Marcos Lacerda
Diretor do Centro da Música da Funarte
Francisco Bosco
Presidente da Funarte

5
A Mario de Andrade – há setenta anos falecido

Aos compositores
Mario Ficarelli, que há pouco nos deixou
Luiz Cosme – cinquentenário de falecimento
Eunice Katunda e Hans Joachim Koellreutter – centenário de nascimento

homenagem, in memoriam
 Apresentação da XXI Bienal
Uma coincidência emblemática: 2015 assinala os 70 anos
de falecimento de Mário de Andrade e o centenário de
nascimento de Koellreutter. Comemorações variadas ce-
lebraram separadamente esses eventos em todo o país;
a XXI Bienal juntou-os numa programação extraordinária
detalhada às páginas 24 a 31 desse catálogo.
Koellreutter começou a atuar no Brasil em fins de
1937, no Rio de Janeiro, quando Mário já estava em
seu “exílio no Rio”, mas não há registro de encontro
entre ambos. Luiz Heitor, que conhecera o músico ale-
mão pouco após sua chegada, poderia ter feito a ponte
entre ambos, o que não ocorreu. Não parece haver re-
ferência explícita de Mário a Koellreutter ou ao Música
Viva, embora numa das últimas páginas d’O banquete
a afirmação do compositor Janjão possa ou deva ser
vista como uma rejeição explícita ao músico alemão:
“A música brasileira ainda não pode perder de vista o
folclore. Se perder, se estrangeirizará completamente.
Como sucede com os sistematizadores do atonalismo
integral, e os que baseiam a sua criação na chama-
da ‘invenção livre’”. Analogamente, só em 1947, dois
anos após sua morte, Mário passa a ser citado no bole-
tim Música Viva, e com muito destaque, em função de
seu pendant socialista, acentuado durante os anos de
guerra e levado a um paroxismo no prefácio à biografia
de Shostakovitch. É essa ligação que justifica o tema
da mesa redonda referida à pág. 27.
Outro aspecto dessa ligação é a “tragédia secular”
Café, escrita por Mário em 1942. Em artigo publicado
em 1968, Mignone escreveu: “Mário deixou-me um li-
breto de ópera denominado Café. Obra muito sofistica-
da que não tive coragem de musicar. Desisti cedendo
o libreto a Camargo Guarnieri, que nada fez. Soube, por
Luiz Heitor, que um tal de Koellreutter havia musicado
o libreto do Café. Ignoro se a ópera em questão existe.
E não comento.”
Em matéria de política, Guarnieri se considerava
uma “reverendíssima besta” (plágio meu) e em 1943
discordou frontalmente de Mário sobre a sinfonia Le-
ningrado, de Shostakovitch. Mignone, que compôs
uma Sinfonia do trabalho em 1939 e se candidataria
a vereador pelo ‘Partido’ em 1946, era a escolha na-
tural de Mário para pôr o Café em música, mas quem
assumiu essa tarefa foi Koellreutter: “Passei 20 anos
mergulhado no Café”, declarou ao Jornal do Brasil em
1975 (ver pág. 24 a 26).
O papel de Koellreutter numa mudança de rumos na
música brasileira foi fundamental. Não se deve creditar
ao acaso o fato de que alguns dos mais portentosos ta-
lentos musicais surgidos nos anos 1940 tenham estu-
dado sob sua orientação: Claudio Santoro, Guerra-Pei-
xe, Edino Krieger, Eunice Katunda. Também não pode
ser coincidência se, ainda naquela década, esses com-
positores já arrebanhassem prêmios em concursos na-
cionais e internacionais. O recital e a palestra referidos
às pág. 28/29 documentam amplamente a importância
do movimento Música Viva criado por Koellreutter.
O relevo dado pela XXI Bienal ao Música Viva é apro-
fundado com a edição virtual, que está sendo lançada,
dos 16 números do boletim editado por esse movimen-
to. Ficam assim acessíveis a todos os interessados, de
forma prática, os textos dos vários autores, brasileiros
e estrangeiros, que disseminaram ideias de variadas
orientações nesse periódico, cuja coleção completa
não é encontrada em nenhuma biblioteca brasileira, e
que pode ser acessada no site www.funarte.gov.br.
Voltamos a Mário de Andrade, com duas outras ini-
ciativas:
− a reedição em CD do álbum com dois LPs lan-
çados pela Funarte em 1983 em homenagem ao cen-
tenário de seu nascimento, por iniciativa de Hermínio
Bello de Carvalho, com a participação de Lenita Bruno,
Francisco Mignone, Camargo Guarnieri, Teca Calazans
e conjunto musical sob a direção de Maurício Carrilho;
− a apresentação do Coletivo Chama, que reinterpre-
ta ideias de Mário de Andrade num contexto diferente
dos por ele imaginados, e que aponta outros caminhos
possíveis de serem trilhados, a partir do multifacetado
pensamento mariano – Eu sou 300 – 350 –, tomando
como referência o álbum de dois LPs ora lançado em
CD (pág. 30 e 31).
Os dez concertos dessa XXI Bienal de Música
Brasileira Contemporânea (ver pág. 6 a 23) apre-
sentam em estreia mundial 66 obras musicais con-
cursadas e encomendadas. Ela mantém o padrão
definido em 2010 para as Bienais de 2011 e 2013: o
concurso e as encomendas são realizados nos anos
pares, e as apresentações nos anos ímpares, con-
tinuando uma tradição inaugurada em 1975, com o
primeiro evento do gênero. De 2010 a 2015, 208
obras − 124 concursadas, 84 encomendadas −, numa
média de 34,3 por ano, foram ou estão sendo estre-
adas nessas apresentações realizadas pela Funar-
te. É provável que poucas instituições estrangeiras,
por prestigiosas que sejam, atinjam essa média. As
obras que estreamos são pagas com valores dife-
renciados, de acordo com sua natureza – orques-
trais, camerísticas ou solistas, incluindo as corais
e as que se se servem de recursos eletroacústicos
ou informáticos. Não há nenhuma exigência de filia-
ção a essa ou a aquela corrente composicional, ou
estética, ou ideológica, o que faz das Bienais uma
grande e diversificada exposição das mais diferen-
tes tendências. Lembrando Villa-Lobos: “Minhas
obras são cartas escritas para a posteridade, sem
esperar resposta”. A peneira do tempo dirá o que
fica e o que soçobra; é vã a pretensão de definir
qual música representa o nosso tempo.
Flavio Silva
Coordenador de Música Erudita
Centro da Música / Funarte / MinC
7
 XXI BIENAL DE MÚSICA BRASILEIRA CONTEMPORÂNEA

Theatro Municipal do Rio de Janeiro

10 de outubro de 2015, sábado, 17h
I
Alexandre Espinheira E tornou-se fábula**
Alexandre Espinheira

Jorge Antunes Apoteose de Rousseau*

Lucas Duarte
Paulo Costa Lima Sete flechas: um batuque concertante*
I – O herói da nossa gente;
II – Devaneiro / Cadenza;
II – Finale
piano solo Aleyson Scopel

regente Eduardo Torres
Jorge Antunes

Eli-Eri Moura
II
Lucas Duarte 4 peças para orquestra**

I – Linhas e nuvens; II – Marcha
III – Canto; IV − Quedas

Eli-Eri Moura Apsis*

Liduino Pitombeira
Paulo Costa Lima

violino solo Vinícius Amaral

Liduino Pitombeira A máquina do mundo*

I – Ordem geométrica; II – Noturno
III – Presto; IV − Fremente

regente Ricardo Castro

Orquestra Juvenil da Bahia

(Neojibá)

obras em estreia mundial:

*encomendadas pela Funarte em 2014
**vencedoras do Prêmio Funarte de Composição Clássica 2014
8
Alexandre Espinheira (Salvador/ BA, 04/12/1972) estuda composição desde
1994 na Universidade Federal da Bahia. Sua música reflete a atuação como per-
cussionista popular. É membro da Oficina de Composição Agora/OCA e coorde-
nador do Música de Agora na Bahia/MAB.
E tornou-se fábula foi mostrada, ainda em gestação, a Érica, quase-esposa do
compositor, que foi-se deixando contaminar pelas historinhas por ela criadas ao
ouvir a música, como se fosse a trilha sonora de um filme. Esse processo, usual
para o compositor, tornou-se uma vã tentativa de guiar as fábulas de Érica, a
quem a peça é dedicada.
Eli-Eri Moura (Campina Grande/PB, 30/03/1963) foi aluno de José Alberto
Kaplan e de Mario Ficarelli e é doutor em composição pela McGIll Univer-
sity, Canadá, onde estudou com Alcides Lanza, John Rea e Brian CnHerney.
Leciona no Departamento de Música da Universidade Federal da Paraíba/
UFPB, onde liderou a implantação da área de composição e fundou o Labo-
ratório de Composição Musical/COMPOMUS. Lançou quatro CDs autorais.
Sua obra, que recebeu vários prêmios, abrange a música contemporânea de
concerto e a música incidental.
Apsis rreflete um caleidoscópio musical que envolve recorrentes paisagens
sonoras orquestrais e a metamorfose pelo violino de um material baseado
em um segmento de Mandei cortar capim, canto de trabalho de escravos
em casas de farinha do Nordeste. Entoado por um líder e respondido pelos
demais trabalhadores, esse canto servia para coordenar os movimentos
necessários à fabricação da farinha. O título é uma referência à maneira
como os eventos musicais se desdobram, como se estivessem em órbita,
colidindo, agrupando-se, fundindo-se, transformando-se.
Jorge Antunes (Rio de Janeiro/ RJ, 23/04/1942) começou seus estudos mu-
sicais em 1958 e em 1960 ingressou na Escola Nacional de Música da Uni-
versidade do Brasil, atual UFRJ, onde se formou em violino, composição e
regência. Em 1961 destacou-se como precursor, no Brasil, da música eletrô-
nica, ao mesmo tempo em que ingressava no curso de física da Faculdade
Nacional de Filosofia/FNFi.
Entre 1968-1974 realizou estudos pós-graduados em composição no exte-
rior, com Alberto Ginastera, Luis de Pablo, Umberto Eco, François Bayle,
Pierre Schaeffer e Gottfried Michael König, dentre outros. De 1973 a 2011
lecionou na Universidade de Brasília, à qual permanece vinculado como
orientador da pós-graduação e pesquisador sênior. Obteve vários prêmios
nacionais e internacionais e tem suas obras permanentemente programa-
das em concertos e festivais na Europa; tem vários livros e CDs publicados
e seu nome é verbete em importantes enciclopédias musicais. Obras suas
são publicadas por editoras internacionais, como Edizioni Suvini Zerboni,
Breitkof&Hartell, Salabert, Zimmerman, Sistrum e Billaudot. Em 2013 rece-
beu o Premio Ibermusicas, atuando durante dois meses como compositor-
residente em Morelia, México. Em 2014, o Estado brasileiro lhe concedeu
anistia política e indenização financeira pelas perseguições sofridas du-
rante a ditadura militar e que resultaram em seu exílio no exterior. Nesse
mesmo ano foi estreada sua ópera A cartomante, na programação do IV
Festival de Ópera de Brasília. No momento, compõe nova ópera − O espelho,
com libreto de Jorge Coli, encomendada pelo Theatro São Pedro, de São
Pulo, para estreia em 2016.
O poema sinfônico Apoteose de Rousseau homenageia o grande pensador
Jean-Jacques Rousseau. Por volta de 1749, Rousseau participou de uma
acalorada querela contra Rameau, que preconizava e defendia a Harmonia,
com sua teoria então revolucionária. Rousseau atacava Rameau, afirmando:
“A Harmonização é inimiga mortal da Melodia”. O poema sinfônico explora
essa contenda entre a Harmonia e a Melodia. Acordes, clusters, encade-
amentos, espectros bachianos, harmonias, se confrontam com a Melodia
que, pujante e expressiva, sai vitoriosa.
Liduino Pitombeira (Russas/CE, 06/10/1962) é professor de composição da Es-
cola de Música da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Recebeu o PhD em
composição e teoria pela Louisiana State University/EUA, onde estudou com
Dinos Constantinides. Suas obras têm sido executadas por conjuntos como
Quinteto de Sopros da Filarmônica de Berlim, Louisiana Sinfonietta, Red Stick
Saxophone Quartet, Duo Barrenechea e The Alexander-Soares Duo, e por or-
questras sinfônicas de vários países. Foi premiado em concursos de composi-
ção no Brasil e nos Estados Unidos, incluindo o 1º prêmio no Concurso Camargo
Guarnieri de 1998 e o prêmio 2003 MTNA-Shepherd Distinguished Composer
of the Year Award. Desenvolve pesquisas como membro do grupo MusMat da
UFRJ e publicou artigos sobre composição e teoria. Suas obras são editadas
pela Peters, Bella Musica, Criadores do Brasil (OSESP), Conners, Alry, RioArte
e Irmãos Vitale.
A máquina do mundo, op.196, é um concerto para orquestra livremente ins-
pirado no poema homônimo de Carlos Drummond de Andrade. Os títulos dos
movimentos remetem a palavras extraídas do poema e têm uma relação com o
caráter e a atmosfera musical da obra.
Lucas Duarte Neves (Sabará/ MG, 24/01/1990) Iniciou estudos musicais em 2003
na Sociedade Musical Santa Cecília de Sabará, onde é professor voluntário de
violino, coordenador técnico da Orquestra de Câmara e vice-presidente da en-
tidade. Cursou o bacharelado em composição musical na Universidade Federal
de Minas Gerais, com os professores Sérgio Freire, Gilberto Carvalho e Oiliam
Lanna. Sua obra Quatro movimentos para violino solo foi contemplada no Prêmio
Funarte de Composição Clássica 2012.
Quatro peças para orquestra é uma peça que explora tipos de texturas con-
jugadas à essência de cada um dos movimentos, cujo caráter é definido por
seu título. Assim, em Linhas e nuvens a textura musical é baseada em linhas
melódicas e nuvens sonoras; a Marcha alude à ritmica da marcha tradicional; no
Canto, a textura mais fluida está baseada numa linha melódica que conduz todo
o desenvolvimento da peça, como numa ária; em Quedas, acúmulos de energia
e sua dispersão rápida são caracterizados por breves movimentos melódicos,
como se fossem desinências melódicas.
Paulo Costa Lima (Salvador/BA, 26/09/1954). “Estudei composição na Bahia e em
Urbana com Herbert Brün nos anos 1970; milito em composição desde 1975; ensino
desde 1979, exerci funções na UFBA e fui gestor de cultura de Salvador. Sou mem-
bro da Academia Brasileira de Música e desde 1960 participo da festa do 2 de Ju-
lho (independência do Brasil, na Bahia) seguindo o carro do Caboclo e da Cabocla,
mitos fundantes de nossa terra e de nossa gente. Esse impulso me anima desde
meados dos 80, mas foi ficando mais forte ao longo de dezenas de Atotôs, Ubabás,
Saruês, Zaziês, Ibejis, Kabilas, Calcinhas Stücke, Aboios, Cabindas e Ziriguiduns.
Também dou passes na formação de compositores, escrevo sobre o assunto, e
alguns jovens xamãs andam por aí com minha benção. Xê Truá!!!”
Sete flechas: um batuque concertante. “Coisa importante no compor: a obra
faz o autor tanto quanto o autor faz a obra (mesmo sendo ficções pós-estrutura-
listas). O culto dos caboclos é mais antropofágico do que a teoria paulista, e lá
estava a melodia do Sete Flechas me esperando: ‘Ele atirou, ele atirou ninguém
viu, só Sete Flechas que sabe, aonde a flecha caiu...’ Surpresa: o caboclo sabe
teoria da música, planeja uma melodia que parece um vôo com impulso inicial,
flutuação e chegada ao alvo. Tem África, via Angola, mas também tem Europa,
há um centro tonal herdeiro de Rameau, embora alguns resquícios pentatôni-
cos permaneçam no pedaço. Seria, assim, uma aula de composição esperando
que a traduzisse em Concerto, batuque responsorial para piano e orquestra?
O ritual (religioso e performático), a lógica do compor, a narrativa histórica,
tudo platôs que produzem afetos de fricção, humor e encantamento. Quero ser
essa flecha, quero cantar algo que tresdiga a natureza do nosso lugar de fala,
ser-de-grupo, misérias e delícias de sermos nós e não eles — numa época su-
postamente pós-colonialista.”
9
 XXI BIENAL DE MÚSICA BRASILEIRA CONTEMPORÂNEA

Sala Cecilia Meireles

11 de outubro de 2015, domingo, 19h
I
Silvio Ferraz Kairos II resposta a Chronos IX*
Grupo UdiCello
violoncelos Isaac Andrade, Bruno Thayer
Gabriel Gonçalves, Thiago Wolf
Eder Belchior e Ezequiel Urbano
percussão Lúcio Pereira e Manoel Moura

Raul do Valle
Silvio Ferraz

diretor artístico e regente Kayami Satomi

José Augusto Mannis A moça e o velho relógio**

violoncelo Paulo Santoro, piano Josiane Kevorkian

Sam Cavalcanti Estudo para dois violinos**

violinos Vinícius Amaral e Flávia de Castro
José Augusto Mannis

Alexandre Ficagna Escondido num ponto**

Abstrai Ensemble:

Luiz Cosme
flauta Pauxi Gentil-Nunes
violoncelo Marcus Ribeiro
sax Pedro Bittencourt, piano Marina Spoladore

II
Raul do Valle Improviso para duo de violoncelos*
Duo Santoro:
Sam Cavalcanti

violoncelos Paulo e Ricardo Santoro

Mario Ferraro
Luiz Cosme Canção do tio Barnabé
(in memoriam) piano solo Patrícia Bretas

Mario Ferraro Sambaquis**

Duo Bretas/ Kevorkian
piano Patrícia Bretas eJosiane Kevorkian
Alexandre Ficagna

Aylton Escobar En el hondo silencio de la noche (Escena)*

Aylton Escobar
(texto do compositor) clarineta Cristiano Alves, violoncelo David Chew
piano Midori Maeshiro
Coro Brasil Ensemble / Escola de Música
da Universidade Federal do Rio de Janeiro
regente Maria José Chevitarese

Cadu Verdan O peso do Eco**

(texto do compositor) piano Patrícia Bretas e Josiane Kevorkian,
percussão Leo Souza, Rodrigo Foti e
Fernanda Kremer
Coro Brasil Ensemble / Escola de Música
Cadu Verdan

da Universidade Federal do Rio de Janeiro

regente Maria José Chevitarese

obras em estreia mundial:

*encomendadas pela Funarte em 2014
**vencedoras do Prêmio Funarte de Composição Clássica 2014
10
Silvio Ferraz (São Paulo/SP, 25/10/1959) começou seus estudos de composição
com Willy Correa de Oliveira, Gilberto Mendes e Olivier Toni e posteriormen-
te seguiu cursos livres com Brian Ferneyhough, James Dillon, Gérard Grisey e
Jonathan Harvey. Esses encontros definiram sua escrita musical instrumental,
sempre densa, um pouco virtuosística e polifônica. Também contribuíram para
o desenvolvimento de sua escrita as experiências com grupos especializados
em música nova, como Nash Ensemble, The Smith Quartet, Ensemble Contre-
champs, Duo Diálogos, Grupo Novo Horizonte, Arditti String Quartet, e com músi-
cos como Félix Renggli, Fábio Presgrave, Lidia Bazarian, Cassia Carrascoza, Luiz
Montanha. Atou como professor de composição na Faculdade Santa Marcelina,
na Unicamp, função que hoje exerce na Universidade de São Paulo.
Kairos II é uma resposta ao tempo incrível, hiper subdividido, infinito e violenta-
mente pulsante, das obras de Roberto Victório. Em peças como Chronos IX, Ro-
berto tenta desfazer o tempo. Em muitas peças, Silvio Ferraz persegue a mesma
coisa: desfazer o tempo, deixar o ouvinte meio perdido, fazer com a que a música
seja um passeio sem retorno, sem volta, de transformações sem fim mas que
aparentam estarem paradas. Kairos II é isto, mas com um elemento a mais, Kai-
ros, a interrupção, o corte. Não o Kairos bem comportado do bom momento, mas
o que corta o fluxo dos momentos e que faz com que o tempo seja não uma linha
sem fim, mas um buraco desdobrado ao infinito, uma subdivisão sem fim. Segun-
do o compositor: “Tentei isto nesta composição, o que não significa que tenha
conseguido. Mas a peça é esta ideia de um lugar desdobrado, ora hiperpovoado
ora apenas povoado de sons.”
José Augusto Mannis (São Paulo/SP, 23/6/1958) é compositor, performer ele-
troacústico, sound designer, professor universitário, pesquisador. Suas compo-
sições vão da música instrumental à eletroacústica, às trilhas sonoras, criações
radiofônicas e instalações multimeios. Estudou na Faculdade de Engenharia
Industrial em São Bernardo do Campo/SP, no Instituto de Artes da Unesp e no
Conservatório Nacional Superior de Música de Paris; fez mestrado na Universi-
dade de Paris VIII e doutorado na Unicamp, onde ensina composição, contra-
ponto, áudio e acústica. Desenvolve pesquisas no campo da música, acústica,
engenharia de áudio e ciência e tecnologia aplicadas à música, à catalogação
de documentos musicais e à acústica de salas. É membro da Academia Campi-
neira de Música, da Sociedade Brasileira de Engenharia de Áudio AES/Brasil,
da Sociedade Brasileira de Acústica, da Associação Nacional de Pesquisa e
Pós-Graduação em Música e da Aliança Francesa de Campinas.
A moça e o velho relógio − sentada ao lado do grande relógio, a moça se dei-
xa embalar pelo badalar do pendulo, o toque das horas, a imprecisão do velho
mecanismo e seu pensamento vagueia por recordações e cenas passadas revi-
sitadas, trazendo de volta emoções vividas. Tudo se passa de maneira volátil e
descontínua como se um sonho estivesse tomando seu pensamento. À Janete,
com amor e carinho.
Sam Cavalcanti (Campina Grande/PB, 29/07/1982), de pensamento irrequieto, é
co-partícipe da trilha do monólogo Diário de um louco, com texto de Nicolay
Gogol, premiada em festivais de teatro pelo país. Mestre em Música sob a orien-
tação de Ilza Nogueira, compôs a obra Católicos Limiares para grupo camerísti-
co (ainda não estreada) como fruto de seus esforços acadêmicos. Tem atuado
em jornais nacionais e lusitanos como crítico, exerce docência e dirige grupos
vocais eclesiásticos. Suas obras tem sido interpretadas em países hispano-
americanos e nos Estados Unidos.
Como uma espécie de desafio, o Estudo para dois violinos perfaz um estudo
não da escrita propriamente dita, mas das possibilidades expressivas e afetivas
oferecidas pelo instrumento e por suas variantes de timbre. Os dois instrumen-
tos são como que fundidos num único som que, pela interpretação, invoca a
transcendência dos próprios limites individuais, além das evocações musicais
do passado que se fazem presentes como “ícones-fantasmas violinistas”…
Alexandre Ficagna (Realeza/PR, 17/09/1983), graduado em música pela Uni-
versidade Estadual de Londrina/UEL, fez mestrado e doutorado em processos
criativos, na Unicamp. Leciona disciplinas ligadas à área de Linguagem e Estru-
turação Musical no curso de música da UEL, além de atuar como colaborar em
projetos envolvendo temas como livre improvisação e a influência da análise na
composição musical. É membro da comissão organizadora do Encontro Nacional
de Composição de Londrina/EnCom. Em 2010 recebeu o Prêmio Funarte de Com-
posição Clássica com o trio Vento na Janela, estreada na XIX Bienal de Música
Contemporânea Brasileira.
O processo criativo de Escondido num ponto envolveu a utilização de desenhos
alternando com a partitura, de modo que a peça é estruturada a partir de ele-
mentos visuais. No início, um ponto sonoro sofre forças de deformação até que
linhas começam a emergir. Na seção seguinte, uma linha no violoncelo “sai a
passeio” (como diria Paul Klee); ao final dessa seção, linhas saindo de outras
linhas estabelecem um plano sonoro movente, o que caracteriza a terceira se-
ção. Quando esse plano movente começa a se estabilizar, há o retorno da linha
do violoncelo, mas transformada. Por fim, o ponto retorna e fecha o arco formal,
mas como as coisas nunca retornam do mesmo jeito e agora já sabemos que
um ponto não é apenas um ponto ele sai para um passeio diferente. A peça é
dedicada ao ABSTRAI Ensemble.
Raul do Valle (Leme/SP, 27/3/1936) é, segundo Aylton Escobar, “incansável
investigador, indiscreto. A música para Raul do Valle é um jogo. A beleza e a
poesia encontram-se na sutil movimentação do som insuspeitável. Este é o vale
do Raul”.
O Improviso traduz-se em três miniaturas sonoras para duo de violoncelos.
Luiz Cosme (Porto Alegre/RS, 9/3/1908 – Rio de Janeiro/RJ 17/5/1965) foi uma
estrela solitária na música brasileira da primeira metade do século passado. Seu
catálogo de obras não chega aos 30 títulos, a metade dos quais inclui sobretudo
peças breves e dois quartetos compostos entre 1930 e 1933. Duas obras mestras
para orquestra sinfônica surgem em 1937: os bailados Salamanca do Jarau, es-
treado por Villa-Lobos, e Lambe-lambe, que, levado a Zurich por Koellreutter, foi
regido por Hermann Scherchen cerca de dez anos depois – a aceitação dessa
obra pelo exigentíssimo maestro alemão é um atestado da qualidade do compo-
sitor. Apesar de seu forte vínculo com o populário gaúcho, Luiz Cosme não se-
guiu o credo do nacionalismo musical, dominante na época; curiosamente, sua
canção Gauchinha, de 1932, chegou a ser recolhida como se fosse folclórica.
Admirador de Stravinsky, serviu-se de procedimentos atonais em sua Novena
à Senhora da Graça, no início dos anos 1940. Uma insidiosa doença foi-lhe mi-
nando aos poucos os movimentos; em seus últimos anos de vida, ocupou-se so-
bretudo de redigir programas para a Rádio MEC, e deixou coletâneas de artigos
além de uma Introdução à música e um Dicionário musical.
O tema da Canção do tio Barnabé, de 1931, foi um dos que o compositor se
serviu em seu bailado Lambe-lambe.
Mario Ferraro (Franca/SP, 6/12/1965) participou de 5 edições da Bienal de Mú-
sica Brasileira Contemporânea e sua música já foi tocada em vários países do
mundo. Sua carreira internacional firmou-se durante uma estadia em Londres,
de 2007 a 2012, onde cursou o doutorado em composição na City University re-
alizando pesquisa sobre ópera contemporânea. Muitas das suas obras foram
estreadas naquela capital, inclusive as óperas de câmara The moonflower (A
Flor da Lua - 2011), e Ahaiyuta and the cloud eater (Ahaiyuta e o Comedor de
Nuvens), que teve também sua estreia brasileira, no Rio de Janeiro, durante
o 11o. Festival Internacional Intercâmbio de Linguagens (FIL), em setembro de
2013. Em 2005, o compositor ganhou o Primeiro Prêmio no Concurso Nacional de
Composição Camargo Guarnieri, com a Abertura Sinfônica Brasília. O Prêmio da
Secretaria de Cultura do Estado do Rio de Janeiro foi-lhe atribuído em 2012 pelo
projeto multimídia Guanabara − Quadros para orquestra, inspirado nos diversos
ecossistemas da Baía de Guanabara. Mario Ferraro é professor de música do
Colégio de Aplicação da UFRJ desde 2003. O Prêmio Funarte de Composição
Clássica 2014 selecionou duas obras suas para apresentação nesta XXI Bienal.
Sambaquis, em língua tupi, são os “amontoados de conchas” erguidos pelos
povos pré-históricos ao longo de todo o litoral brasileiro e que teriam servido
como cemitérios ou monumentos aos ancestrais. Nessas elevações, algumas
com cerca de 40 metros de altura e 6.500 anos de idade, são encontrados, além
de cascas de moluscos, ossos de mamíferos, vestígios de alimentos e, por vezes,
milhares de esqueletos humanos. O título sugeriu, de maneira bastante subjetiva
e intuitiva, alguns elementos desta peça, como por exemplo: as curvas e os ar-
cos melódicos expandidos que ora se concentram nas regiões médias e graves
do teclado, ora nas mais agudas; a sobreposição sistemática de camadas rítmi-
cas e melódicas, num diálogo persistente entre os dois pianos; a alternância de
texturas predominantemente contrastantes e contrapontísticas.
Aylton Escobar (São Paulo/ SP, 14/10/1943P) é compositor destacado e regente
laureado por criações dedicadas ao teatro e ao cinema. Prêmio Governador do
Estado de São Paulo, foi muitas vezes distinguido pela Associação Paulista dos
Críticos de Arte, que lhe concedeu o Grande Prêmio da Crítica em 2013. Seu
nome figura em várias enciclopédias e tem obras editadas e gravadas também
no exterior. Entre seus mestres destacam-se Camargo Guarnieri e Magda Ta-
gliaferro; na Universidade de Columbia (EUA), Vladimir Ussachevsky e Mario
Davidovsky. Foi regente titular e diretor artístico de várias orquestras brasilei-
ras. Em 2008 estreou pela Osesp os Salmos Elegíacos para Miguel de Unamuno,
obra elogiada pela imprensa e pela comoção popular. Em 2015 o sucesso se
repetiu com A rua dos douradores, comissionada pela Osesp em parceria com a
Fundação Gulbenkian, de Lisboa. Foi diretor artístico dos Festivais de Inverno em
Campos do Jordão por quatro anos seguidos; é doutor pela Universidade de São
Paulo e membro da Academia Brasileira de Música.
En el hondo silencio de la noche, extraído de uma série de pequenos poemas
escritos em espanhol pelo compositor, foi transformado numa cena dramática
na qual a personagem se expressa por meio da multiplicação da própria voz, sua
comoção caminhando por entre os instrumentos. O cenário e a luz são noturnais;
o lirismo, inquieto. Alguns instantes relembram Messiaen, sem citá-lo.O solo ini-
cial do violoncelo revive, com alterações pontuais, uma peça dedicada em 2011
à memória de Almeida Prado.
Cadu Verdan (Duque de Caxias/RJ, 30/10/1989), iniciou seus estudos de piano,
em 2008, no Conservatório Brasileiro de Música e ingressou no bacharelado em
Composição na UFRJ em 2011. Participou de masterclasses de compositores
brasileiros como Roberto Victorio, Marcos Lucas, Marcos Balter e Ricardo Ta-
cuchian. Atuou no do XXII Panorama da Música Brasileira Atual (2014), com o
quinteto de sopros Pavor e foi finalista do Festival Tinta Fresca 2015, com a obra
Alucinações cadavéricas executada pela Filarmônica de Minas Gerais.
O peso do Eco exibe uma mente assolada pela depressão, receosa diante de
uma oportunidade de se libertar de suas trevas. Confuso pelo isolamento e pela
apatia mórbida, esta mente volta a mergulhar em suas lembranças obscuras,
delirando, desesperando-se, e cada vez mais duvidando de sua salvação, esma-
gada pelo medo. É no entanto, através da amizade, da confiança no outro, que
este indivíduo resiste e se liberta de todo o horror passado.
11
 XXI BIENAL DE MÚSICA BRASILEIRA CONTEMPORÂNEA

Sala Cecilia Meireles

12 de outubro de 2015, segunda-feira, 19h

I

Gilson Beck Ecos na catedral**
piano solo Sara Cohen

Wellington Gomes
Caio Pierangeli Ultimum spiritum**
Gilson Beck

Harry Crowl Elogio da sombra*

clarone solo Thiago Tavares

II

José Orlando Alves

Wellington Gomes Variações poéticas sobre
Caio Pierangeli

um sertão esquecido*
violino solo Daniel Guedes

J. Orlando Alves Concerto Grosso**

Quarteto Radamés Gnattali
violinos Carla Rincón e Andréia Carizzi
viola Estevan Reis, violoncelo Lars Hoefs

Marlos Nobre Furioso*

Marlos Nobre

Harry Crowl

foto Maria Luiza Nobre

Orquestra Sinfônica da Universidade Federal do Rio de Janeiro

(naipe de cordas)

regente Luís Gustavo Petri

obras em estreia mundial:

*encomendadas pela Funarte em 2014
**vencedoras do Prêmio Funarte de Composição Clássica 2014
12
Caio Pierangeli (São Bernardo do Campo/SP, 24/8/1987) iniciou suas atividades
musicais inspirado por seu pai. Na pré-adolescência mudou-se para o Japão
onde aprofundou seus conhecimentos no universo da música Foi percussionista
da Orquestra Yahagui por durante três anos e teve suas primeiras aulas de com-
posição e regência com a regente Yassuko Yamamoto no conservatório da cida-
de de Okazaki. Após seu retorno ao Brasil, ingressou como aluno de composição
na Universidade Estadual de Maringá e desde 2009 é membro e pesquisador nas
áreas de live electronics, música eletroacústica e cognição musical do Labo-
ratório de Pesquisa e Produção Sonora/LAPPSO, no qual é coordenado pelos
compositores Marcus Alessi Bittencourt e Rael Bertarelli Gimenes Toffolo. Em
paralelo à música, também atua com a linguagem audiovisual. Na Unicesumar,
é docente de disciplinas que abordam a produção audiovisual para TV e cinema
no curso de Publicidade e Propaganda, além de lecionar matérias teóricas no
curso de música.
Ultimatum spiritum foi composta como homenagem à memória do padrinho do
compositor. Suas estruturas simples contrastam momentos de suspensão com
momentos gestuais que negam a tal estrutura. A teoria de Costère e as redes
harmônicas de Henri Pousseur fundamentam as estruturas harmônicas da obra,
que procura não se ater apenas ao aspecto estrutural, mas tenta explorar e apa-
gar, de alguma forma, a fixação da determinação da frequência das notas que a
teoria Costère carrega, estruturando a peça no aspecto morfológico. Portanto,
todas as estruturas, cordas e orquestração, são cuidadosamente pensadas para
que tais intenções possam emergir.
Gilson Beck (Cruz Alta/RS, 13/12/1982) estudou composição musical na Unicamp
na Universidade de Évora, e recebeu aulas do compositor Almeida Prado. Pes-
quisa psicanálise, música e educação com a Antena do Campo Freudiano/Lisboa;
sustenta e desenvolve um pensamento composicional e estético apoiado no Nó
Borromeano e na Psicanálise de Orientação Lacaniana, a «Música Borromeana».
Recebeu o Prêmio Funarte de Composição Clássica em 2010 e 2012 e o Prêmio
Jovens Compositores Carlos Gomes em 2006. Foi professor de análise e técnicas
de composição em conservatórios e escolas técnicas de Portugal e é artista resi-
dente da Kasa, em Porto Alegre (http://kasadesaberes.wix.com/kasa).
Ecos na Catedral: uma catedral, ecos e reverberação. A transformação e de-
formação sonora ao cúmulo do acúmulo: o ruído. A obra está baseada em três
materiais sonoros distintos: um som-nota em metamorfose; um acorde espectro
harmônico; aglomerados sonoros de ruído. São sons em transformação que mis-
turam-se como ecos dentro de uma catedral. No início, há uma nota contínua.
Pequenos sinos (notas do piano) vão se misturando e se transformando até o
ruído, um enxame de ressonâncias no interior da Catedral. A segunda seção é
constituída por uma nota grave que desprende uma ressonância-espectro. Esta
nota é tocada cada vez mais rápida, em aceleração vertiginosa. A terceira parte
é o clímax: uma seção de ruídos, uma vertigem de barulhos, a fusão de todos os
sons dentro da Catedral numa homenagem ao compositor Almeida Prado e suas
Cartas Celestes. Para terminar, retoma-se a nota em transformação, os sons se
dissipam. Sobra um som limpo e contínuo que se desfaz.
Harry Crowl (Belo Horizonte, 6/10/1958) tem mais de 150 obras em seu catálogo,
e que abrangem todos os gêneros instrumentais e vocais, além de música para
cinema e teatro. Suas obras tem sido executadas em público e transmitidas em
programas de rádio no Brasil e em todos os continentes; algumas foram enco-
mendadas e executadas por grupos internacionais. Recebeu os prêmios “Enco-
menda de Obra” 2012 e 2014, da FUNARTE, para o qual escreveu o Quinteto para
Piano e Quarteto de Cordas “Mirabilis Jalapa”, estreado na XX Bienal de Música
Brasileira Contemporânea. É professor da Escola de Música e Belas Artes do
Paraná/UNESPAR e Diretor Artístico da Orquestra Filarmônica da UFPR. Produz
e apresenta os programas “Sacro e Profano”, “Clássicos da Atualidade” e “No-
vos Sons – Brasil”, para a Rádio E-Paraná FM.
Elogio da sombra é uma alegoria baseada no poema em espanhol Laberinto, de
Jorge Luis Borges, parte de coletânea que leva o título dado à obra musical. Nesse
poema, há uma metáfora na qual a figura do minotauro aprisionado no labirinto
busca inutilmente uma saída. Escrito numa estrutura de versos shakespearianos,
o poema apresenta uma sequência formal “a, b, b, a, c, a, a, c, d, e, e, d, f, f”.
Essa estrutura foi utilizada para a elaboração da peça musical, assim como as
letras que representam as notas na nomenclatura germânica foram usadas para
a formação de uma série que aparece ao longo da composição. O clarone figura
metaforicamente como o minotauro e a orquestra de cordas como o seu labirinto.
Diferentemente de um concerto solista, a interação com a orquestra é constante e
não há espaço para passagens a solo apesar da complexidade da escrita. O timbre
do clarone modifica constantemente a sonoridade do conjunto.
Wellington Gomes (Feira de Santana/BA, 2/8/1960), doutor em composição pela
Universidade Federal da Bahia, é professor de composição, literatura e estru-
turação musical na Graduação e no Programa de Pós-graduação da Escola de
Música daquela universidade, onde também ocupou o cargo de Vice-Diretor.
Como compositor, participa de eventos e concertos dedicados à música con-
temporânea brasileira. Suas obras são executadas por diversas orquestras e
conjuntos no Brasil, Alemanha, Polônia, Noruega, Dinamarca, França, Espanha,
Itália, Suiça, Costa Rica e Estados Unidos. Recebeu o “Prêmio Público” na XVIII
Apresentação de Compositores da Bahia, o 3º Prêmio no III Concurso Nacional
de Composição Heitor Villa-Lobos/Brasília, o 2º Prêmio no V Concurso Nacional
de Composição/Salvador e o 1º Prêmio na XIV Apresentação de Compositores
da Bahia, no I Concurso Nordestino de Composições Camerísticas e no IV Con-
curso Nacional de Composição/Salvador, além do Prêmio Copene de Cultura e
Arte/Salvador e do Prêmio Internacional de Composição “Klang der Welt – Drei
lateinamerikanische Länder“/Berlim. Sua lista de obras inclui trabalhos para
instrumento solo, música vocal, música de câmara para diversas formações
orquestrais e corais.
Variações poéticas sobre um sertão esquecido − com poucas exceções, te-
máticas sobre o sertão nordestino desenvolvidas por compositores brasileiros
parecem não estar na moda há algum tempo. Voltar a trabalhar com este conte-
údo musical parece um desafio, na medida em que a dificuldade de apresentar
algo genuíno e com uma perspectiva atual pode tornar-se um impasse. Pensada
nessa perspectiva, essa obra foi composta com base num tema com variações
onde o solista expõe frases de maneira mais direta e a orquestra de cordas pas-
seia numa poética musical ora de estranhezas harmônicas, caso relacionadas a
conteúdos harmônicos conservadores, ora de diálogo com violino solo. O conte-
údo tem origem num campo conservador mas a tentativa em usá-lo atualmente
é desafiadora para o compositor!
José Orlando Alves (Lavras/ MG, 13/3/1970), bacharel e mestre em composi-
ção musical pela Universidade Federal do Rio de Janeiro e doutor em música
pela Universidade de Campinas, é professor associado de composição musical
da Universidade Federal da Paraíba e integrea o grupo Prelúdio 21. Tem artigos
sobre música publicados em diversas revistas e em anais de congressos. Parti-
cipou de diversos Panoramas e Bienais de Música Brasileira. Recebeu Menção
Honrosa no Concurso Nacional de Composição Camargo Guarnieri/Universidade
de São Paulo e o primeiro lugar no VII Concurso Nacional de Composição Mu-
sical do Instituto Brasil-Estados Unidos. Da Funarte, recebeu prêmios que vão
da Bolsa Funarte de Estímulo à Criação Artística a encomenda de obras para as
bienais de música organizadas por essa instituição.
A característica principal do Concerto Grosso é o diálogo entre os solistas (con-
certino), formado por dois violinos, viola e violoncelo, e a orquestra (tutti ou ri-
pieno). Esse gênero foi estabelecido durante o período barroco e adaptado pelo
compositor para o contexto atonal, com ênfase no desenvolvimento motívico. As
três seções principais da obra − scherzando, lento expressivo e rápido/determi-
nado) se alternam e são constantemente. Agregados sonoros sustentados ou
articulados em trinados pontuam diversas passagens da peça, em oposição à
exploração de diferentes timbres nas partes solistas. A organização das alturas
está baseada na utilização sistemática de dois intervalos, o trítono e o semitom,
principalmente na elaboração motívica e harmônica.
Marlos Nobre (Recife/PE, 18/2/1939) venceu em 1960 o 1ª Prêmio do Concurso
Música e Músicos do Brasil/Rio de Janeiro om seu Trio para piano, violino e
cello, que o lançou nacionalmente. Em 1963/64, como bolsista da Fundação Ro-
ckefeller, estudou com Ginastera, Messiaen, Dallapiccola e Malipiero no Institu-
to Torcuato Di Tella em Buenos Aires, quando escreveu suas Variações rítmicas,
Divertimento e Ukrinmakrinkrin, obras vencedoras na Tribuna Internacional de
Compositores da Unesco em Paris, em 1966, 1968 e 1970, que o projetaram in-
ternacionalmente. Recebeu o Prêmio Unesco pela sua obra In memoriam para
orquestra em 1972. Em 1977 a Deutsche Grammophon lançou o disco “Marlos
Nobre Piano Works” com o pianista Roberto Szidon e em 1994 a Lemán Suiça
lançou CD duplo com suas obras orquestrais,vocais e camerísticas, elogiado
pela imprensa especializada na Europa e nos Estados Unidos. Foi o primeiro di-
retor do Instituto Nacional de Música da Funarte. Em Dresden, foi eleito por acla-
mação Presidente do Conselho Internacional de Música da UNESCO. Recebeu
25 primeiros prêmios nacionais e internacionais sendo o mais recente o cobiça-
do prêmio “Tomás Luís de Victoria” na Espanha, em 2004, quando foi lançado o
livro de Tomás Marco sobre sua obra, estilo e técnicas, no qual o autor afirma
ser Nobre o mais importante compositor de todo o continente ibero-americano. É
Officier des Arts et Lettres pela França, Doutor Honoris Causa pela Universidade
de Pernambuco e nos Estados Unidos é professor visitante da Juilliard School of
Music e das Universidades de Yale e Indiana. Seu catálogo abrange 240 obras
em quase todos os gêneros musicais, gravadas no Brasil e no exterior em cerca
de 150 CDs e editadas pela Max Eschig, Henri Lemoine, Boosey & Hawkes e
Marlos Nobre Edition,. É regente titular e diretor artístico da Orquestra Sinfônica
do Recife
Furioso, opus 121, escrito para orquestra de cordas em dois grupos indepen-
dentes, continua a desenvolver o processo atual do compositor, de trabalhar
com o total cromático sem estabelecer séries ou outro qualquer tipo de organi-
zação ou sistematização prévia do material. Núcleos independentes de motivos
cromáticos são “ouvidos” internamente, de acordo com a convicção de que
ainda há muito o que explorar no tratamento do total cromático. O compositor
também destaca, neste caso, o processo que desenvolve, de criação instan-
tânea, imediata, obedecendo apenas à sensação auditiva de todo o material
utilizado, numa “intuição organizada”, ou seja: há um processo subjacente de
organização formal na sua mente que independe de formas ou fórmulas pré-
estabelecidas. “Assim, vou compondo por ‘impulsos’ mas submetendo-os cons-
tantemente a uma análise crítica permanente. O que importa é a ‘minha’ lógica
do discurso sonoro a partir de uma improvisação mental constante. Quando o
fluxo da ideia termina, inicia-se imediatamente outra seção com novos impulsos
estabelecendo nesta peça um total de sete grandes blocos independentes mas
absolutamente conectados entre si. O caráter virtuosístico da escritura é tam-
bém, ao mesmo tempo, um fator constante em toda a peça.”
13
 XXI BIENAL DE MÚSICA BRASILEIRA CONTEMPORÂNEA

Sala Cecilia Meireles

13 de outubro de 2015, terça-feira, 19h
I
Tauan Gonzalez Sposito Se as árvores nascessem das nuvens**
Quarteto Brasiliana
violinos Roberto Faria e William Isaac
viola Samuel Passos, violoncelo Paulo Santoro
Tauan Gonzalez Spo-

Alexandre Lunsqui Guturduo*

Gustavo Penha

flautas Eduardo Monteiro e Lucas Robatto

Daniel Vargas O Catraz II – Engenhoca para viola solo**

viola solo Martinêz Nunes
sito

H. J. Koellreutter Improviso para flauta solo

(in memoriam) flauta Tahyná Oliveira

Ricardo Tacuchian
Alexandre Lunsqui

Vitor Ramirez Signo Austral**

Camerata Profana
flautas Tahyná Oliveira e Carolina Chaves
clarineta Bruno Avoglia, trombone Gabriel Trettel
tuba Raphael Caserta, violoncelo Amanda Ferraresi
piano Mariana Carvalho
regente Enrico Ruggieri

II
Daniel Vargas

Edino Krieger
Gustavo Penha Vento sob os dedos**
flauta solo Eduardo Monteiro

Ricardo Tacuchian Pimenta malagueta*

violino solo Carla Rincón

Edino Krieger Entrada harmônica e frevo canônico*

Maurício Dottori Et facta est procella magna venti **

H. J. Koellreutter

Maurício Dottori

Caio Márcio dos Santos Variações livres para quinteto de sopros**

Quinteto Villa-Lobos
flauta Rubem Schuenck, clarineta Paulo Sérgio Santos
oboé Luis Carlos Justi, fagote Aloysio Fagerlande
trompa Phillip Doyle
Caio Márcio dos Santos
Vitor Ramirez

obras em estreia mundial:

*encomendadas pela Funarte em 2014
**vencedoras do Prêmio Funarte de Composição Clássica 2014
14
Tauan Gonzalez Sposito (Maringá/PR, 9/4/1991), bacharel em violino e gradu-
ando em composição pela Universidade Estadual de Maringá/UEM, é aluno dos
professores Marcus Bittencourt e Rael Gimenes. Como instrumentista, integra
a Orquestra de Cordas da UEM e o grupo de câmara Ad Libitum. Teve algumas
de suas obras interpretadas por grupos maringaenses, dentre as quais Semper
Simplice, opus 4 (2011), pela Orquestra de Câmara da UEM e Nostalgia (2012),
para violino e piano, por Tauan Sposito e Ticiano Biancolino. Participou de cur-
sos e oficinas com vários professores, dentre os quais Paulo Bosisio e Rodolfo
Caesar. Atua como orientador de violino e viola pelo SESC Maringá.
A obra Se as árvores nascessem das nuvens surgiu de um pensamento que
acompanha o compositor desde sua infância: como seria o mundo se as ár-
vores, em vez de nascerem da terra crescendo em direção ao céu, cresces-
sem em direção ao solo, com as raízes nas nuvens? A peça para quarteto de
cordas busca representar musicalmente esse virar de “ponta cabeça”, utili-
zando elementos musicais como glissandi deslocados no tempo e em direções
contrárias, e orquestração que explora o cruzamento das vozes. Em determi-
nados momentos, os conceitos de consonância e de dissonância, envolvendo
sensações auditivas opostas, foi explorado de maneira a criar uma espécie de
homogeneidade entre ambos.
Alexandre Lunsqui (São Paulo/SP, 1969) estudou nas universidades de Cam-
pinas, Iowa, Columbia e no Institute de Recherche et Coordination Acoustique/
Musique (IRCAM). Seus principais professores foram Tristan Murail e José Au-
gusto Mannis e tem obras apresentadas em mais de 20 países por grupos como
o Ensemble Aleph, Arditti String Quartet, Argento Chamber Ensemble, Ensemble
L’Arsenale, Camerata Aberta, Nieuw Ensemble, Talea Ensemble, International
Contemporary Ensemble, New York New Music Ensemble. Em 2010, foi premiado
pela Fromm Foundation da Harvard University. Em 2011, compôs Fibers, Yarn and
Wire, obra encomendada e executada pela New York Philharmonic.  Destacam-
se ainda colaborações com o Ensemble Reconsil de Viena, Access Contempo-
rary Music de Chicago, Ensemble Protobern da Suiça, além de encomendas da
OSESP e Filarmônica Bachiana. Em 2014, Lunsqui foi compositor em residência
do Chelsea Music Festival de Nova Iorque e artista em residência do Civitella
Ranieri Foundation, na Itália. Atualmente é professor de composição na Univer-
sidade Estadual Paulista (UNESP). www.lunsqui.com.
Gutturduo, para duas flautas, tem como elemento principal uma simples célula
rítmica, transformada continuamente no decorrer da peça. Um segundo elemen-
to, também importante, é a ocorrência de um eco obtido através de notas repeti-
das e que navegam entre as duas flautas. Há ainda um jogo de espelhos entre os
instrumentos, criando um caleidoscópio de formas e cores diversas.
Daniel Vargas (Belo Horizonte/MG, 3/4/1985) estudou guitarra elétrica com
Clécio Eduardo e violão com Fábio Adour e graduou-se pela Unespar em 2014.
Como performer se dedica à música popular e à música contemporânea. Seu
repertório inclui obras Baden Powell, Luciano Berio, Brian Ferneyhough e Ar-
thur Kampela. Ao lado deste compositor, se apresentou no Festival Internacional
de Violão de Belo Horizonte. Foi bolsista de iniciação científica da Fundação
FAPEMIG e da Fundação Araucária pesquisando técnicas estendidas e ritmos
complexos; recebeu prêmio do Ministério da Educação Holandês com a Holland
Scholarship. Publicou o artigo “A complexidade rítmica no Estudo Percussivo nº
2, de Arthur Kampela”, na revista acadêmica da UFMG. Em 2014 se graduou pela
UNESPAR. Em 2012, foi premiado pela Funarte com a obra O Catraz I; em 2014, foi
duplamente premiado com as obras Catraz II e Catraz III.
O Catraz II − Engenhoca para viola solo, baseada no conto “O Recado do Mor-
ro” de Guimarães Rosa, lembra o lunático personagem Catraz, uma espécie de
cientista do sertão que inventava engenhocas. Sua maior criação foi uma es-
pécie de avião, o Carroço: “Era para ele se sentar nesse, na boléia: carecia de
pegar duas dúzias de urubus, prendia as juntas deles adiante; então, levantava
um pedaço de carniça, na ponta duma vara desgraçada de comprida: os urubus
voavam sempre atrás, em tal guisa, o trem subia viajando no ar”. A ideia central
da peça é experimentar sons e técnicas na viola, tentando, a todo o momento:
“trans-gredir amedida as sigilosas siglas do não” (Haroldo de Campos). Esta ex-
periência sempre dialoga com a trajetória gestual do instrumento.
Hans-Joachim Koellreutter (Freiburg/Alemanha, 2/9/2015 – São Paulo/SP,
13/9/2005) aos 20 anos, fundou em Berlim o Círculo de Música Nova e no ano
seguinte participou da criação de instituição análoga em Genebra, onde estudou
com H. Scherchen. Apresentou-se em várias cidades europeias e a 16/11/1937
desembarcou no Rio de Janeiro. Em seus primeiros anos no Brasil, relacionou-
se com elementos de proa da vida musical, apresentou-se como flautista em
vários Estados, passou a lecionar composição e criou o movimento Música Viva
(1939). Em 1940, começou a dar aulas de composição para Claudio Santoro, e
pouco depois para Guerra-Peixe, Edino Krieger e Eunice Katunda. Em 1948 atuou
como assistente de Hermann Scherchen em Veneza, para onde viajou com vá-
rios alunos seus. Em 1950, dirigiu o primeiro Curso Internacional de Férias Pró-
Arte, em Teresópolis ; as ideias que defendia foram alvo de crítica contundente
de Camargo Guarnieri. Fundou em 1954 os Seminários Internacionais de Música,
em Salvador, mais tarde convertidos em Escola de Música e Artes Cênicas da
Universidade Federal da Bahia. Em 1963, em Munique, passou a dirigir a progra-
mação internacional do Instituto Goethe e dois anos depois assumiu a direção
de instituição cultural alemã na India, mudando-se para o Japão em 1970. Re-
tornou ao Brasil em 1975, alternando intensa atividade musical e cultural com
apresentações musicais e viagens ao exterior.
O Improviso para flauta solo foi composto em Manaus, em 1938/39, é a primeira
obra do gênero criada no Brasil. Influenciado por essa obra, Guarnieri escreveu
seu primeiro improviso para flauta solo, dedicado a Koellreutter e por ele estre-
ado a 29/11/1941 em concerto no Teatro Municipal de São Paulo. Esse concerto,
com o compositor paulista ao piano, foi por ele organizado em benefício de seu
então amigo Koellreutter. Após o rompimento, Guarnieri mudou a dedicatória e
transferiu-a para Alfério Mignone, pai do compositor.
Vitor Ramirez (Divinópolis/MG, 9/7/1993 cursa música na USP e estuda composi-
ção com Maurício de Bonis, tendo como mentor Willy Corrêa de Oliveira.
Signo austral parte do um ciclo de melodias Tierkreis (Zodíaco), composto por
Stockhausen, para serem livremente orquestradas. A estrutura interna de uma
destas, a do signo de Gêmeos, foi utilizada como princípio unificador de ideias
musicais as mais discrepantes. Signo Austral são digressões musicais sobre al-
guém que já voltou para Sirius.
Gustavo Penha (São Paulo/SP, 25/07/1983) é graduado pela FASM, onde estu-
dou com Sergio Kafejian e Paulo Zuben. Concluiu mestrado na UNICAMP, onde
cursa o doutorado. Faz pesquisas sob orientação de Silvio Ferraz e com bolsa
da FAPESP. Foi bolsista do Festival de Campos do Jordão, onde estudou com
Stefano Gervasoni, Claude Ledoux, Roberto Victório e participou de masterclass
com o Arditti Quartet. Atuou em importantes eventos de música contemporânea
no Brasil, como o Festival Música Nova e a Bienal de Música Brasileira Contem-
porânea, do RJ. Atuou como produtor e compositor nos CDs Ressonâncias do
grupo Sonâncias, e Imaginário, da pianista Lidia Bazarian, ambos dedicados à
música contemporânea brasileira. Em 2012 participou de festival em Pavia, Italia,
onde teve uma peça executada pelo Quartetto Maurice e estudou com Amy Beth
Kirsten e Mario Garuti. Em 2013, obra sua foi interpretada pelo The Riot Ensem-
ble em Londres. Realizou um estágio de pesquisa na Universidade Paris VIII, em
2013-2014, sob orientação dos compositores José Manuel Lopez Lopez, Anne
Sédès e Alain Bonardi, quando teve obra para percussão e eletrônica executada
pelo grupo Les Percussions de Strasbourg.
Vento sob os dedos: na primeira parte da peça há um jogo de movimentação
mecânica dos dedos sobre as chaves e furos da flauta, contraposto aos sopros
produtores de fluxo de ar dentro do tubo. Já na segunda parte, o jogo dos dedos
é perturbado por cantos fragmentados de pássaros, modulados uns pelos outros.
Ricardo Tacuchian (Rio de Janeiro/RJ, 18/11/1939, regente e compositor, tem
mais de 250 títulos em seu catálogo de obras, grande parte rdos quais egistrados
em cerca de 50 CDs, além das gravações em LP, num total de mais de 100 regis-
tros sonoros. Sua obra já foi executada ao vivo em 130 cidades estrangeiras de
cerca de 35 países. É membro da Academia Brasileira de Música.
Pimenta malagueta, para violino solo, integra a Série especiarias, constituída
por peças para todos os instrumentos musicais. Elas se caracterizam por serem
para instrumento solo, estruturadas sobre o “Sistema-T”, de duração limitada e
dificuldade mediana. São dedicadas a amigos do compositor, e cada uma leva o
nome de um determinado tempero. Pimenta malagueta é dedicada à violonista
Carla Rincon.
Edino Krieger (Brusque/SC, 17/3/1928) estudou violino com seu pai e composi-
ção com Koellreuter, Aaron Copland, Peter Mennin, Lennox Berkeley e Ernst
Krenek. Exerceu diversos cargos de direção em instituições públicas e privadas,
Organizou e dirigiu os Festivais de Música da Guanabara em 1969 e 1970, dos
quais se originaram as Bienais de Música Brasileira Contemporânea em 1975.
Entrada harmônica e frevo canônico foi composta em 2014 para a XXI Bienal
de Música Brasileira Contemporânea da Funarte e dedicada a Guerra-Peixe, in
memoriam, no ano de seu centenário de nascimento. A composição, para quar-
teto de madeiras, inicia-se com uma sucessão de estruturas harmônicas puras,
sem componentes rítmicos ou melódicos, partindo de um uníssono em pianíssi-
mo numa progressão crescente de alargamento e intensidade. O frevo que se
segue, sem interrupção, em contrapartida, apoia-se em estruturas rítmicas e
melódicas características da dança nordestina, que Guerra-Peixe pesquisou em
sua permanência em Pernambuco. A estrutura polifônica deriva do tratamento
canônico, imitativo, dos elementos temáticos.
Maurício Dottori (Rio de Janeiro/RJ 01/08/1960, nascido no Rio de Janeiro em
1960 compõe e, nas horas de lazer, é musicólogo. Foi aluno de clarinete de José
Botelho, na Escola de Música Villa-Lobos, onde também estudou com Emília
Cataldi (harmonia e contraponto). Compositor autodidata, aperfeiçoou-se na
Scuola di Musica di Fiesole, com Sylvano Bussotti e Mauro Castellano. É Mestre
em Artes pela USP e Doutor em Música pela Universidade do País-de-Gales,
Cardiff. Ensina Composição e Contraponto na Universidade Federal do Paraná,
em Curitiba. “É possível uma música que defina um novo território (musical) que
seja aberto, por não ser perspectivamente plano, a diversos caminhos que o
percorram? Venho há alguns anos escrevendo música que se concentra no “cli-
ma” — na meteorologia — destes territórios.
No quinteto de sopros Et facta est procella magna venti (Marcos 4:37), o ar se
faz tempestade e move-se — às vezes com fúria, em sucessivas rajadas sobre
águas imaginárias, em diferentes planos musicais — às vezes quase sereno.”
Caio Márcio dos Santos (Rio de Janeiro/RJ, 1/10/1981) é bacharel em violão
clássico sob a orientação de Paulo Pedrassoli e em composição erudita, pelo
Conservatório Brasileiro de Música, sob orientação de Luis Carlos Cseko, Ar-
mando Lobo e Bryan Holmes. Participou de cursos complementares ligados à
improvisação com Hélio Delmiro, Lula Galvão, Genil Castro e Nelson Faria e à
composição com Antonio Guerreiro de Faria, Tim Rescala, Alexandre de Faria,
David Tygel, Alexandre Negreiros e Pauxy Gentil-Nunes.
As Variações livres para quinteto de sopros apresentam a estrutura conven-
cional tema-variações. A primeira seção é melódica e seu caráter monódico de-
limita o tema, construído de maneira livre, intuitiva. No decorrer das variações,
não são mantidas na superfície as estruturas melódico-temáticas, revelando um
discurso que, apesar de fragmentado, possui um fluxo delineado. O que se busca
é a justaposição de seções contrastantes que de alguma forma derivam do tema,
e as impressões que tais características despertam. Este contraste será resul-
tante da articulação de texturas, carateres, dinâmicas e linguagens harmônico-
estruturais distintas. O contraponto livre em III, a condução de poliacordes em
VII e as técnicas expandidas como efeitos expressivos em VIII servem como
ilustração da heterogeneidade técnica.
15
 XXI BIENAL DE MÚSICA BRASILEIRA CONTEMPORÂNEA

Sala Cecilia Meireles

14 de outubro de 2015, quarta-feira, 19h
I
Matheus Bitondi Jogo dos espelhos mutantes**

Roseane Yampolschi
fagote solo Fábio Cury
Matheus Bitondi

Sérgio Kafejian Soproinverso**

clarineta solo Luís Afonso Montanha

Ronaldo Miranda Réplicas*

I − Incisivo; II − Lúdico; III – Lírico
clarineta Luís Afonso Montanha
fagote Fábio Cury

Danniel Ferraz Toada para flauta solo**

Paulo Rios Filho

Sérgio Kafejian

flauta solo Maria Carolina Cavalcanti

Henderson Rodrigues Proto movimento**

Quarteto Uirapuru
violinos Fernando Pereira e Márcio Sanches
viola Dhyan Toffolo, violoncelo Claudia Grosso
Orquestra Solistas do Rio
violinos Fábio Peixoto e Leonardo Fantini

Paulo Henrique Raposo

viola Bernardo Fantini, violoncelo Thaís Ferreira
Ronaldo Miranda

contrabaixos Cláudio Alves e Tony Botelho

regente Rafael de Barros

II

Roseane Yampolschi Zikhronot**
Quarteto Uirapuru
violinos Fernando Pereira e Márcio Sanches
viola Dhyan Toffolo, violoncelo Claudia Grosso

Marcílio Onofre
Danniel Ferraz

Paulo Rios Filho A vinte dias do fim*

flauta Andrea Ernest, clarineta Batista Jr.

Paulo Henrique Raposo Mixture**

Marcílio Onofre (Im)pulsos de taipa*

rupo CRON
G
Henderson Rodrigues

flautas Afonso Oliveira e Felipe Marateo,

clarinete Marcos Passos, oboé Thiago Neves
fagote Jeferson Souza, trompete Matheus Moraes
trombone João Luiz Areias, violino Taís Soares
viola Rúbia Siqueira, violoncelo Janaína Salles,
contrabaixo Cláudio Alves, piano Tatiana Dumas
regente Marcos Nogueira

obras em estreia mundial:

*encomendadas pela Funarte em 2014
**vencedoras do Prêmio Funarte de Composição Clássica 2014
16
Matheus Bitondi (Ribeirão Preto/SP, 16/2/1979) é formado e mestre em música
pelo Instituto de Artes da Unesp. Atua como professor na Faculdade Santa Mar-
celina, na Faculdade Cantareira e na Escola Municipal de Música de São Paulo.
Teve obras executadas no Auditório Ibirapuera, na Sala São Paulo, na Sala Ce-
cília Meireles) e no Teatro Oi Futuro Klauss Vianna, de Belo Horizonte, por gru-
pos como a Orquestra Sinfônica de Minas Gerais, a Banda Sinfônica do Estado
de São Paulo e Orquestra Bachiana; algumas foram gravadas por grupos como
o Percorso Ensemble e o Grupo de Percussão do Instituto de Artes da Unesp/
PIAP. Foi laureado no Concurso Nacional de Composição “Camargo Guarnieri”
realizado pela Orquestra Sinfônica da USP em 2005; no String Quintet Contest for
Brazilian Composers, da Kean University, EUA, em 2006) e nos Prêmios Funarte
de Composição Clássica 2012 e 2014.
Jogo dos espelhos mutantes (2010) – “Parado diante daqueles espelhos, via
suas imagens refletidas aos poucos se transformarem. Algumas o seduziam, ou-
tras começavam a horrorizá-lo. Os espelhos jogavam com sua percepção. Com o
tempo, já não se reconhecia mais naqueles reflexos. Eles já não correspondiam
às suas feições e aos seus movimentos. Tinham vida própria. Já não eram ima-
gens, mas sensações... e sons.”
Sergio Kafejian (São Paulo/SP, 14/3/1967) alia em suas composições análises
e manipulações espectrais com técnicas estendidas instrumentais e manipula-
ções eletrônica e digitais. Suas atividades envolvem instalações eletroacústi-
cas, improvisação com eletrônica em tempo real, composição instrumental além
de projetos artístico-pedagógicos de educação musical voltados para a música
dos séculos XX e XXI. Entre suas premiações destacam-se: Festival Internacio-
nal de Música Eletroacústica de Bourges (França, 1998 e 2008); Gilberto Mendes
de Composição Orquestral (São Paulo, 2008), Bolsa Criação (Funarte, 2009) e In-
terações Estéticas (Funarte, 2009). Obteve o bacharelado em composição pela
FASM, mestrado pela Brunel University/Londres e doutorado pela Unesp.
A poética central de Soproinverso consiste em encontrar o equilíbrio entre os
diversos graus de intensidade que habitam seus diversos objetos musicais. São
intensidades físicas, sonoras e gestuais cujas inter-relações propõem os ca-
minhos a serem seguidos, mas que a cada momento se transformam, seja em
função dos intercâmbios de suas ações e energias, seja em função das atrações
e não atrações de suas matérias sônicas: velocidade, não velocidade; intensida-
de, não intensidade; atividade / não atividade.
Ronaldo Miranda (Rio de Janeiro/RJ, 26/4/1948) estudou composição com Hen-
rique Morelenbaum e piano com Dulce de Saules, na Escola de Música da UFRJ.
Começou sua carreira como crítico de música do Jornal do Brasil e intensificou
seu trabalho como compositor a partir de 1977, quando obteve o 1º Prêmio no
Concurso de Composição para a II Bienal de Música Brasileira Contemporânea,
na categoria de música de câmera. Recebeu vários prêmios em concursos bra-
sileiros de composição, bem como o Troféu Golfinho de Ouro, o Troféu Carlos
Gomes e, em três ocasiões, o Prêmio da Associação Paulista de Críticos de Arte.
Laureado no Concurso Internacional de Composição de Budapeste, em 1986, foi
condecorado com a Ordem das Artes e das Letras pelo governo francês em 1984.
Participou de inúmeros festivais internacionais e tem obras gravadas no Brasil
e no exterior. Foi professor de composição da Universidade Federal do Rio de
Janeiro, vice-diretor do Instituto Nacional de Música da Funarte e diretor da
Sala Cecília Meireles. Atualmente, é professor do Departamento de Música da
Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo.
Os três movimentos de Réplicas – Incisivo, Lúdico e Lírico −, exploram texturas,
dinâmicas e ritmos diversos, com os recursos tímbricos dos dois instrumentos
de madeiras. O discurso sonoro flutua do mais exacerbado virtuosismo à mais
plana contemplação.
Danniel Ferraz (Vitória da Conquista/BA, 3/11/1989) é bacharel em composição
e regência pela Universidade Federal da Bahia, orientado pelos professores
Paulo Costa Lima, Wellington Gomes e Agnaldo Ribeiro. Participou de master-
classes e cursos com Jon Appleton, Felipe Lara, Helmuth Flammer, Jaime Reis,
Paul C. Chagas e Chaya Czernowin. Como bolsista, integrou projetos voltados
para o ensino de composição musical na Bahia e sobre difusão de música de
concerto contemporânea baiana. É membro atuante da Oficina de Composição
Agora, associação civil que produz, registra e divulga música contemporânea.
Neste ano de 2015, foi aceito no mestrado da Schulich School of Music da Mcgill
University em Montreal no Canadá e selecionado como bolsista do 46° Festival
Internacional de Campos do Jordão.
Toada pertence a um conjunto de peças escritas sob a influência circundante
do sertão nordestino. A peça remete aos versos ritmados e constantes de uma
toada de vaqueiro. Aboios são tocados para finalizar os versos da toada de um
toador solitário, neste caso a flauta. Dois momentos distintos são apresentados
pelo instrumento, como dois vaqueiros presos numa mesma voz buscando liber-
dade um do outro.
Henderson Rodrigues (Fortaleza/CE, 14/8/1976) graduou-se em música pela Uni-
versidade do Estado do Ceará, com trabalho final versando sobre a composição
da música eletroacústica, orientado pelo professor Alfredo Barros. Concluiu o
mestrado em musicologia sob aorientação do professor Didier Guigue na Univer-
sidade Federal da Paraíba, e atualmente é doutorando em composição musical
pela Universidade de Aveiro, em Portugal sob orientação do professor João Pe-
dro Oliveira. Teve algumas de suas obras realizadas em rádios pela internet, no
Teatro José de Alencar em Fortaleza e na Universidade Federal da Paraíba. Sua
investigação abrange a espacialidade sonora em música.
A descrição de um Proto movimento sonoro/timbrístico parte da constatação
de que o timbre tem sido um dos principais elementos da construção musical do
último século. Sua constituição evidencia o movimento dos parciais interiores do
som, que abrangem mudanças de alturas, cores distintas e mudanças espaciais.
A obra traduz o desenvolvimento temporal de alguns timbres ao longo de uma or-
questração. A harmonia espectral não é única utilizada nesta peça, que passeia
por várias cores harmônicas.
Roseane Yampolschi (Rio de Janeiro/RJ, 18/07/1956) fez doutorado em compo-
sição com William Brooks na University of Illinois e pós-doutorado com Silvina
Milstein no King’s College. Desde 2004, é professora de música da UFPR. Em seu
percurso como compositora, destacam-se prêmios/distinções da International
Society for Contemporary Music – Festival World Music Days (1999, 1990), The
Chamber Players of the League (Estados Unidos, 1997), The University of Illinois
Performing and Creative Fellowhip (1993). Seu repertório abarca trabalhos musi-
cais em várias modalidades instrumentais, alguns registrados nos CDs “Orques-
tra Filarmônica da Universidade Federal do Paraná” e “Sonorizador”.
Zikhronot apresenta duas partes principais, entre as quais há duas passagens
distintas quanto ao caráter e à construção formal que, ao mesmo tempo, ge-
ram contraste e medeiam essas partes. O trabalho tem um sentido orgânico que
aparece como fruto de uma série de estruturas que funcionam, por vezes, como
pequenas unidades melódicas e/ou como configurações de timbre e dinâmica.
O uso de técnicas estendidas gera efeitos de natureza construtiva por meio da
criação de inflexões sonoras, configurações variadas e texturas distintas.
Paulo Rios Filho (Salvador/BA, 12/4/1985) tem trabalhado em colaboração om
um punhado de grupos de música contemporânea ao redor do país e também no
exterior, como Orpheu Ensemble (EUA), GNU (Rio de Janeiro), Camerata Aberta
(São Paulo), CRON (Brasil), Quinteto Avent-Garde (Portugal) e Nieuw Ensemble
(Holanda). Sua música tem sido tocada em mais de dez estados brasileiros, e
também na Venezuela, Argentina, Portugal, Holanda, Rússia, Suíça, Alemanha
e Estados Unidos. Desenvolve uma série de trabalhos na área de criação no
estado da Bahia, onde se deu toda a sua formação na Escola de Música da Uni-
versidade Federal da Bahia. É membro-fundador da Oficina de Composição Ago-
ra/ OCA e consultor artístico do Camará Ensemble. Desde 2013, é professor da
Universidade Federal do Maranhão (Campus São Bernardo) e vive em Parnaíba,
no litoral do estado do Piauí.
Sobre a obra A vinte dias do fim...: “Eu nunca prometi nada. E ainda assim me es-
colheram. O que vem antes: a política ou a criação? A frustração pode fazer par-
te desse pacote de substantivos-questões: a política, a criação ou o desaponto?
Não há escapatória, pois mesmo para fazer a simples pergunta, há de haver uma
ordem, uma sequência. O que vem primeiro, neste caso, é a política, seguida
da criação e do falhanço. Afinal, se parassem de pensar no relógio das coisas,
estariam deparados com os atos de uma democracia esquizofrênica: escolher
um processo de desencantamento, malograr uma criação de escolhas, ou, ain-
da, criar escolhas fracassadas. Tudo ao mesmo tempo. Desejam, assim, apostar
na promessa, mesmo frente aos gestos; escolher o incriado e esperar o revés.
Deveriam, no entanto, escolher os gestos. Estes... se reuniriam por fim em festas,
pipocando por aí, nos maiores e mais fugazes interstícios do contentamento.”
Paulo Henrique Raposo (Taubaté/SP, 11/7/1983) fez mestrado em compo-
sição na Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro/UNIRIO) com
especialização na Faculdade de Música Carlos Gomes/ FMCG e bacharela-
do em guitarra na Faculdade Santa Cecília/FASC em Pindamonhangaba/SP.
Dedica-se à docência no ensino superior na cidade de São Paulo.
A peça Mixture foi concebida como uma sobreposição de estruturas dis-
tintas construídas a partir de elementos harmônicos contrastantes. É jus-
tamente a partir da mistura desses elementos que surge a sonoridade da
peça, dividida em quatro camadas, a primeira executada pela flauta, a se-
gunda por um trio de sopros (flauta, oboé e clarineta), a terceira pelo piano
e a última pelo quarteto de cordas. A disposição dos instrumentos no palco
tem como objetivo explicitar essas camadas, para que o ouvinte perceba a
interação entre elas.
Marcílio Onofre (João Pessoa/PB, 7/2/1982) é bacharel em música e mestre
em composição pela Universidade Federal da Paraíba/UFPB, sob a orientação
do compositor Eli-Eri Moura. Como bolsista do Mozarteum Brasileiro, recebeu
o Artist Diploma em composição pela Akademia Muzyczna w Krakowie, sob a
orientação de Krzysztof Penderecki. É professor do Departamento de Música
da Universidade Federal da Paraíba e membro de seu Laboratório de Composi-
ção Musical/Compomus. Suas obras tem sido apresentadas em festivais como a
Bienal de Música Brasileira Contemporânea, a Bienal de Música Brasileira Con-
temporânea de Mato Grosso, Cortona Sessions for New Music, Festival Interna-
cional de Inverno de Campos do Jordão, Académie Internationale de Musique et
de Danse du Domaine Forget. Dentre os prêmios que recebeu em concursos de
composição, destacam-se 2010 DuoSolo Emerging Composer Competition, 6th
SCCM New Composition, Concurso Nacional de Composição Camargo Guarnie-
ri, Prêmio Música Clássica da Fundação Nacional de Artes/Funarte e Prêmio
Latino-Americano de Composição Piero Bastianelli.
(Im)pulsos de taipa teve como metáfora construtiva uma casa de taipa, tipo de
habitação muito comum no interior do Nordeste. Nesse tipo de construção o bar-
ro é utilizado para preencher um esqueleto construído a partir de madeira tran-
çada. Esse processo de preenchimento é feito normalmente com a mão batendo
porções de barro na estrutura de madeira. Musicalmente, a intenção foi criar
uma estrutura fixa e preenchida, no decorrer da obra, de diferentes maneiras,
resultando em distintas texturas. O trabalho decorrente do “entrelaçamento” de
uma polifonia localizada, entre pequenos componentes musicais, e projetada em
um nível mais amplo, gera as grandes “porções estruturais” da obra.
17
 XXI BIENAL DE MÚSICA BRASILEIRA CONTEMPORÂNEA

Sala Cecilia Meireles

15 de outubro de 2015, quinta-feira, 19h

I
Fred Carrilho EVENTVM V – Vórtices**
percussão Pedro Sá e Janaina Sá

Alfredo Barros
Fred Carrilho

Ticiano Rocha Digressão de força**

percussão Tiago Calderano, Pedro Moita
e Lourenço Dias de Vasconcellos

Mario Ficarelli Quinteto para trompa e quarteto de cordas

(in memoriam) trompa Antônio Augusto,
violinos Ana de Oliveira e Marco Catto,
viola Dhyan Toffolo, violoncelo Marcus Ribeiro

Mario Ferraro
Ticiano Rocha

II
Alfredo Barros Antídoto*
(texto do compositor) I – Antídoto; II – Noites e rosas; III – Distância
tenor Alberto Pacheco, fagote Débora Nascimento
piano Tamara Ujakova, violoncelo Luciano Corrêa
percussão Paraguassú Abrahão

Daniel Vargas
Mario Ferraro Trapézio**
Mario Ficarelli

clarinetas Marcos Passos, Marcelo Ferreira
e Batista Jr., piano Katia Baloussier,
percussão Janaina Sá, harpa Marco Monteiro
regente Jésus Figueiredo

Daniel Vargas O Catraz III – Engenhoca para

catrumaninstrumentos**
ABSTRAI Ensemble

Edson Zampronha
flauta Pauxy Gentil-Nunes, violino Mariana Salles
violão Fabio Adour, percussão Daniel Serale

Edson Zampronha Sonora*

ABSTRAI Ensemble
flauta Pauxy Gentil-Nunes, clarineta Batista Jr.
sax Pedro Bittencourt, violoncelo Marcus Ribeiro
contrabaixo Alexandre Brasil
piano Marina Spoladore
percussão Daniel Serale
regente Tobias Volkmann

coordenador Daniel Serale

obras em estreia mundial:

*encomendadas pela Funarte em 2014
**vencedoras do Prêmio Funarte de Composição Clássica 2014
18
Fred Carrilho (Penápolis/ SP, 7/4/1971), graduado em violão sob a orientação
de Henrique Pinto, estudou composição musical e fez mestrado em música na
Unicamp. Participou do Gaudeamus Musik Week, na Holanda; do Iannis Xenakis
International Symposium com o artigo “Interactive Musical Composition to Ge-
neralized Distribution based on Stochastic Process”; do Projeto Violão no Museu
de Artes Assis Chateaubriand/MASP; do Oregon Bach Festival/EUA; do JazzFest
Brandemburgo/Alemanha; do Girona Guitar Festival/Espanha; do Hong Kong Gui-
tar Concert Project; de Bienais da Música Brasileira Contemporânea. Teve obras
premiadas na Holanda e no Brasil e gravadas em CDs.
EVENTVM V teve sua composição iniciada na Catalunha e concluída em Indaia-
tuba/SP. A peça se trata da exploração conceitual da estética do movimento
cíclico sonoro e gestual. A elaboração rítmica, dinâmica e timbrística, através do
contraponto instrumental e, sobretudo, estrutural, é profundamente sublimada
pela concepção musical do compositor.
Ticiano Rocha (João Pessoa/PB, 14/4/1982) recebeu aulas de composição de
Eli-Eri Moura (Brasil) e Virgílio Melo (Portugal) e assistiu masterclasses com o
compositor espanhol Manuel Hidalgo e o compositor austríaco Beat Furrer. É
membro do Grupo de Pesquisa em Musicologia, Sonologia e Computação/Mus³,
do Núcleo de Estudos do Contemporâneo da UFMT e do Laboratório de Compo-
sição Musical da UFPB/Compomus. Professor da Universidade Federal de Mato
Grosso, atualmente conclui seu doutorado em composição pela Universidade
de Aveiro (Portugal). Suas obras gravadas incluem Daedalus, registrada no CD
Brassil interpreta compositores da Paraíba; Segunda dança, registrada no CD
Obras para violão de Teresinha Prada; Vibrações do ar, no CD Sopros da cidade,
produzido pelo COMPOMUS.
Digressão de Força trata do conflito de duas ideias de sonoridade que são pos-
tas em conflito. Tenta-se instituir energias contrárias que atuem contra a evolu-
ção temporal da peça e, por um outro lado, simultaneamente ajudem a realçar
essa mesma evolução.
Mario Ficarelli (São Paulo/SP, 4/7/1937 – São Paulo/SP 2/5/2014) iniciou estudos
de música aos 17 anos e aos 29 dedicou-se à composição, orientado por Olivier
Toni. Conquistou diversos prêmios e tem obras tocadas, editadas e gravadas
no Brasil e no exterior. Atuou como professor no Departamento de Música da
ECAUSP durante 30 anos, tendo sido eleito diretor por três mandatos. Seu ca-
tálogo de obras conta com mais de 160 composições para diversas formações:
solos, câmara, sinfônica e uma ópera. Sua última obra, Parasinfonia, recebeu
estreia mundial na XX Bienal, em 2013.
O Quinteto para trompa e quarteto de cordas foi composto para o Projeto Bolsa
Vitae de Artes e estreado em 2003.
Alfredo Barros (Teresinha/PE, 11/4/1966) é doutor em composição pela Univer-
sidade do Texas, em Austin/EUA. Rege a Orquestra Sinfônica da Universidade
Estadual do Ceará, onde leciona matérias teóricas e composição no Curso de
Música que coordena. Compôs obras para vários conjuntos e música eletroa-
cústica, além de trabalhos para dança e vídeo. Obteve 1º e 2º lugares, respecti-
vamente, na XIX em a XX Apresentação de Compositores da Bahia; o 1º lugar no
II Concurso Psychopharmacon de Obras Corais e o 2º lugar no Concurso Tinta
Fresca, da Orquestra Filarmônica de Minas Gerais. Sua monografia sobre o com-
positor Lindembergue Cardoso mereceu o 2º lugar em concurso promovido pela
Academia Brasileira de Música.
O ciclo Antídoto compreende três canções com textos do compositor: Antídoto,
Noites e rosas e Distância.
Mario Ferraro (Franca/SP, 6/12/1965) participou de 5 edições da Bienal de Mú-
sica Brasileira Contemporânea e sua música já foi tocada em vários países do
mundo. Sua carreira internacional firmou-se durante uma estadia em Londres,
de 2007 a 2012, onde cursou o doutorado em composição na City University re-
alizando pesquisa sobre ópera contemporânea. Muitas das suas obras foram
estreadas naquela capital, inclusive as óperas de câmara The moonflower (A
Flor da Lua - 2011), e Ahaiyuta and the cloud eater (Ahaiyuta e o Comedor de
Nuvens), que teve também sua estreia brasileira, no Rio de Janeiro, durante o
11º Festival Internacional Intercâmbio de Linguagens, em setembro de 2013. Em
2005, o compositor ganhou o Primeiro Prêmio no Concurso Nacional de Compo-
sição Camargo Guarnieri, com a Abertura Sinfônica Brasília. O Prêmio da Se-
cretaria de Cultura do Estado do Rio de Janeiro foi-lhe atribuído em 2012 pelo
projeto multimídia Guanabara − Quadros para Orquestra, inspirado nos diversos
ecossistemas da Baía de Guanabara. Mario Ferraro é professor de música do
Colégio de Aplicação da UFRJ desde 2003. O Prêmio Funarte de Composição
Clássica 2014 selecionou duas obras suas para apresentação nesta XXI Bienal.
Em linhas gerais, Trapézio (2009/2014) apresenta uma alternância entre um tema
rítmico cada vez mais agitado e outro suave, quase lírico. Três figurações prin-
cipais estão entrelaçadas para formar a estrutura da obra. A primeira é criada
por padrões de sons agudos repetidos na seção de percussão e ligeiramente
variada a cada vez; esse material poderia aludir à tensão nas cordas de um tra-
pézio circense, no alto do picadeiro. Na segunda, os clarinetes tocam padrões
melódicos em fluxo constante, como que a sugerir as evoluções acrobáticas
no ar. Algumas melodias relativamente autônomas constituem a terceira, talvez
como fragmentos de uma trilha sonora para a performance. No entanto, uma vez
que esta obra não foi concebida como música descritiva, tais imagens serviram
simplesmente como estímulos para a composição.
Daniel Vargas (Belo Horizonte/MG, 3/4/1985) estudou guitarra elétrica com
Clécio Eduardo e violão com Fábio Adour e graduou-se pela Unespar em 2014.
Como performer se dedica à música popular e à música contemporânea. Seu
repertório inclui obras Baden Powell, Luciano Berio, Brian Ferneyhough e Ar-
thur Kampela. Ao lado deste compositor, se apresentou no Festival Internacional
de Violão de Belo Horizonte. Foi bolsista de iniciação científica da Fundação
FAPEMIG e da Fundação Araucária pesquisando técnicas estendidas e ritmos
complexos; recebeu prêmio do Ministério da Educação Holandês com a Holland
Scholarship. Publicou o artigo A complexidade rítmica no Estudo Percussivo nº
2, de Arthur Kampela, na revista acadêmica da UFMG. Em 2014 se graduou pela
UNESPAR. Em 2012, foi premiado pela Funarte com a obra O Catraz I; em 2014, foi
duplamente premiado com as obras Catraz II e Catraz III.
O Catraz III  − Engenhoca pra catrumaninstrumentos é baseada no conto “O
Recado do Morro” de Guimarães Rosa, especificamente na fala-profética do
irmão do multiengenhoso Catraz. A expedição Orosiana, guiada pelo divino bela-
nuca-esculpida, Pedro, transtravessiava o alto do empoeirento metafísico Ser-
tão Rosiano e, após cruzar a estrada de S bem formoso, se depararam com uma
figura que, na vista, quase transgredia as barreiras do “inumano”. Real nome,
Malaquias, profeta sertanejo. O surdorgulho jurava ter ouvido ultrasônicalém
mensagem profenda do morro da garça e aos desbraços, desbraçava em berros,
“zangadiço”, no meio do nada, apontava para o morro e se perguntava:“alguém
também algo ouvira? Ô, demo! Má hora, esse Morro, as ásparo, só se é de sata-
nás!” A ideia central da obra é explorar a capacidade timbrística dos instrumen-
tos e em determinado momento, a voz do flautista se estende até a do violonista
e da violista, resultando num “quinto indivíduo”.
Edson Zampronha (Rio de Janeiro/RJ, 2/6/1963) recebeu dois prêmios da Asso-
ciação Paulista de Críticos de Arte, de São Paulo, e foi vencedor do 6º Prêmio
Sergio Motta pela instalação sonora Atrator Poético, realizada com o Grupo
SCIArts. Recebeu encomendas de diversos grupos e instituições, como o Mu-
seum für Angewandte Kunst/Colônia, a Fundação OSESP, a Banda Sinfônica do
Estado de São Paulo para o seu 25º Aniversário, e Bienal de Música Brasileira
Contemporânea da Funarte. Suas obras tem sido apresentadas em destacadas
salas de concerto, como o Auditório 400 do Museu Reina Sofia em Madri, o CBSO
Centre/Birmingham, a Sala São Paulo. É autor de mais de 100 composições para
orquestra, banda sinfônica, coro, balé, teatro, instalações sonoras, música ele-
troacústica, música de câmara e cinema. Suas composições estão incluídas em
três CDs totalmente dedicados às suas obras − Sensibile, Modelagens e S’Io
Esca Vivo − e em outros quinze CDs lançados por diferentes selos e instituições.
É doutor em Comunicação e Semiótica/ Artes pela Pontifícia Universidade Cató-
lica de São Paulo e autor do livro Notação, Representação e Composição.
Em Sonora (2014), o saxofone está em primeiro plano, e sua forte energia ex-
pressiva reverbera de forma intensa nos outros seis instrumentos que o acom-
panham. Juntos, criam um cenário sonoro muito especial, intenso e exuberante,
no qual um lirismo potente seduz nossa escuta. O saxofone emprega diversas
técnicas que expandem sua sonoridade tradicional. Estas sonoridades são ex-
pressividades concentradas portadoras de uma significação musical muito co-
municativa. Mas Sonora vai além da experimentação com novos timbres: uma
clara direcionalidade guia todos os eventos, construindo uma linha que conec-
ta a obra do início ao final, com uma coerência que tanto surpreende quando
é profundamente envolvente. Sonora é uma obra cheia de surpresas. Cria um
universo próprio que constantemente revela novos sentidos e novos cenários,
tornando sua audição uma experiência marcante.
19
 XXI BIENAL DE MÚSICA BRASILEIRA CONTEMPORÂNEA

Sala Cecilia Meireles

16 de outubro de 2015, sexta-feira, 19h
(ver programação extraordinária às págs 24-26)

I
Felipe Lara Ventos uivantes**
Grupo CRON
flauta Felipe Marateo, clarinete Marcos Passos
fagote Jeferson Souza, violino Taís Soares
viola Rúbia Siqueira, violoncelo Janaína Salles

Marcos Lucas
regente Marcos Nogueira
Felipe Lara

Clayton Ribeiro Fragmentos**

trombone solo João Luiz Areias

Antônio Borges-Cunha Tempo e memória*

piano Ney Fialkow,
acordeão Antônio Borges-Cunha
violino Vagner Cunha, percussão Diego Silveira

Marcus Siqueira
bombo legüero Ernesto Fagundes
Clayton Ribeiro

Rubens Tubenchlak Cercado de neblina

com estilhaços no olhar**
flauta Andrea Ernest, clarineta/clarone Igor Carvalho
fagote Ariane Petri, violino Ana de Oliveira
viola Dhyan Toffolo, violoncelo Nora Fortunato,
vibrafone Leo Souza, violão Alexandre Gismonti
regente Alexandre Schubert
Antônio Borges-Cunha

Ivan Eiji Simurra

II
Marcos Lucas Três poemas de Alberto Caeiro*
(texto Fernando Pessoa) I − Passou a diligência pela estrada
II − Para além da curva da estrada
III − Leve, leve, muito leve
GNU
soprano Diana Maron, flauta Carolina Chaves
clarineta Batista Jr., violino Ayran Nicodemo,

Pauxy Gentil-Nunes
Rubens Tubenchlak

viola João Senna, violão Gabriel Lucena,

violoncelo Pablo de Sá
percussão Ana Letícia Barros
regente Marcos Lucas

Marcus Siqueira Signo sopro VI*

Ivan Eiji Simurra Shapiro Peer XI**

Pauxy Gentil-Nunes Noneto*

ABSTRAI Ensemble
flauta Pauxy Gentil-Nunes, clarineta Batista Jr.
sax Pedro Bittencourt, fagote Ariane Petri
trompa Waleska Beltrami, violino Mariana Salles
viola DhyanToffolo, violoncelo Marcus Ribeiro
contrabaixo Alexandre Brasil, piano Marina Spoladore
vibrafone Daniel Serale, celesta Katia Baloussier
percussão Daniel Serale
regente Roberto Victorio

coordenador Daniel Serale

obras em estreia mundial:

*encomendadas pela Funarte em 2014
**vencedoras do Prêmio Funarte de Composição Clássica 2014
20
Felipe Lara (Sorocaba/SP, 1979) iniciou estudos musicais como violinist e gui-
tarrsita de roc k, MPB e jazz e estudou composição e trlha sonora no Berklee
College of Music, Boston, cidade onde fez mestrado na Tufts University. Vive
em Nova York e é doutor pela universidade local. Dentre seus professores,
estão Mario Davidovsky, Tristan Murail, Brian Ferneyhough, Michael Jarrel e
outros mais. Sua música, classificada como “brilhante” pelo New York Times,
é apresentada em vários países pelos mais diversos conjuntos musicais e re-
cebeu diversas gravações em CD e em outros meios. Com o quarteto de cordas
Tran(slate), vendeu o Staubach Preis em Darmstadt, Alemanha. . Em 2011, rece-
beu encomenda da Fromm Foundation, da Harvard University, e em 2013 foi um
dos compositores em residência do Festival de Primavera de Heidelberg, Ale-
manha, quando criou obras para alguns conjuntos musicais. Em 2016 obras suas
receberão estreia mundial pela Orquestra Sinfonica do Estado de São Paulo e
pelo Ensemble InterContemporain, em Parisa. Felipe Lara leciona composição
no Departamento de Música da Universidade de Nova York.
Ventos uivantes é um estudo sobre espacialização, elasticidade e uso da voz
na música instrumental. Ela se desenvolve gradualmente, evitando interrup-
ções abruptas e contrastes, implementando objetos sonoros e motivos que são
projetados na sala pelos grupos instrumentais. Ventos uivantes favorece uma
experiência sonora que está sempre em fluxo. O título refere os sons eólios apre-
sentados pelas madeiras, que os articulam em diferentes proporções temporais.
Clayton Ribeiro (São Paulo/SP, 6/11/1975) estudou música através do violão eru-
dito e da guitarra, instrumento no qual fez curso intensivo de improvisação harmô-
nica e melódica com Mozart Mello na Universidade Livre de Música Tom Jobim.
Posteriormente realizou estudos em piano erudito, em harmonia tradicional e con-
traponto com maestro José Cândido da Silva, em composição com Arrigo Barnabé
na Universidade Livre de Música Tom Jobim/ULM, em arranjo com Ricardo Simões
na Escola Municipal de Música de São Paulo. Em Brasília, participou de cursos in-
tensivos orientados por Jorge Antunes e Christopher Bochmmann, e de harmonia
e arranjo orientados por Ian Guest e Vittor Santos. Na ULM, atuou em arranjos,
gravações e como violonista de sua camerata de violões. Desenvolveu trabalhos
pedagógicos em escolas de música e de ensino infantil/fundamental/médio, em
Ongs, em projetos públicos e sociais e em Casas de Cultura. Atualmente estuda
composição na EMESP Tom Jobim, dedica-se ao estudo do violão e da guitarra,
leciona em escolas de música e coordena a Orquestra de Cordas Dedilhadas Ipê
no Centro de Convivência Clarisse Ferraz Wey, onde desenvolve pesquisas em
música contemporânea para formações instrumentais variadas. Tem obras exe-
cutadas no Encontro Nacional de Compositores Universitários/ENCUN, da Univer-
sidade Federal de Goiás; no Panorama da Música Brasileira da Música Atual, da
UFRJ; no Curto-Circuito Internacional de Saxofone Brasil/Canadá.
A obra Fragmentos pode ser descrita com a palavra “abstração”. Ela se de-
senvolve através de pequenos elementos compostos de fragmentos rítmicos
(células) de poucas alturas, que se apresentam de forma gradativa, ordenada
e adornadas pelo material rítmico, essencial para promover a variedade de nu-
anças e da varredura dos registros possíveis do trombone. O elemento voz do
instrumentista também é utilizado com a emissão da alturas, promovendo ainda
mais a variedade dos materiais selecionados.
Antônio Borges-Cunha  (Bom Jesus/ RS, 21/10/1952) é orientador do Programa
de Pós-Graduação em Música da UFRGS e diretor artístico e regente titular da
Orquestra de Câmara Theatro São Pedro de Porto Alegre.  Esteve na Alemanha,
Estados Unidos, Canadá e Uruguai para apresentações de suas composições.
Seu Concerto para Viola e Orquestra foi o objeto de pesquisa da tese de doutorado
defendida por Ricardo Kubala na UNICAMP. Como regente, tem contribuído para
a atualização  do repertório e renovação do interesse do público pela música or-
questral. Sua programação de concertos fundamenta-se na inclusão, conciliando
o repertório histórico com diferentes tendências da música atual, incluindo enco-
mendas e estreia de obras. A superação de fronteiras entre a música erudita e
a popular tem sido outra característica de sua atuação como regente.
Tempo e memória comunica um dos interesses do compositor no momento atu-
al: a expressão do desejo de paz e de tranquilidade, contrapondo com a rea-
lidade do mundo que vivenciamos. O entrelaçamento de sonoridades, em um
ambiente de colaboração e complementaridade, expressa a busca pela beleza
serena, valorizando a simplicidade e o diálogo do presente com o passado.
Rubens Tubenchlak (Rio Branco/AC, 14/5/1968), compositor e violonista, dedica-
se à música contemporânea e ao estudo de novas linguagens musicais que con-
virjam com outros meios de expressão artística, como as artes visuais, o cinema,
o teatro ou ainda as novas mídias eletrônicas. Dentre suas obras, destacam-se a
peça teatral Cantos malditos de Maldoror (2001), a ópera Lilith e o sonho de Laio
(2007), o musical A deusa, o herói, o centauro e a justa medida (Bolsa Funarte de
Circulação Literária, 2010); a trilha sonora da Mostra de Arte Contemporânea em
Literatura Infantil (2013).
Cercado de neblina com estilhaços nos olhos foi concebida a partir do poema
Dragão de Origami, da escritora e ativista social norte-coreana Xiao Chen. O po-
ema, de inspiração surrealista, sugere variadas imagens e sensações. Perplexi-
dade, dor e fragilidade, mas também graça e alegria, são algumas das emoções
presentes no texto que o compositor buscou transferir para sua composição.
Marcos Lucas (Rio de Janeiro/RJ, 3/9/1964) formou-se em composição e
educação musical pela Universidade do Rio de Janeiro/UNIRIO e defen-
deu em 1994 a tese de mestrado “Textura na música do século XX” na
Universidade Federal do Rio de Janeiro/UFRJ. Entre 1995 e 1999 realizou,
como bolsista da Capes, doutorado em composição musical na University
of Manchester/Inglaterra, e proferiu inúmeros seminários, masterclasses
e palestras sobre composição musical e música brasileira em universida-
des britânicas. Representou o Brasil em festivais como ISCM World Music
Days/Ljubliana, State of the Nation/Londres, VI Festival de Música Contem-
porânea Tres Cantos/Madrid, Festival Spazio 900/Cremona, e foi compositor
convidado na Wesleyan University/Illinois em 2012, onde desenvolveu ativi-
dade pedagógica e dirigiu diversas obras suas. Entre os prêmios recebidos
estão o 2º lugar no Procter Gregg Award/Inglaterra, 1997 e o 1º Prêmio no VI
Concurso Nacional Funarte de Composição Musical na categoria “Orques-
tra Sinfônica”. Duas óperas suas estrearam na Inglaterra: Inferno verde e
Stefan and Lotte in paradise; outra ópera − O pescador e sua alma − teve 35
récitas em Brasília e no Rio de Janeiro. É professor associado de composi-
ção, harmonia, análise e música de câmara na UNIRIO, onde dirige desde
2003 o grupo de música contemporânea GNU. Tamabém é membro do grupo
de compositores Prelúdio 21.
Três poemas de Alberto Caeiro – esse heterônimo foi talvez o mais pragmá-
tico, imediatista e anti-metafísico dos que Fernando Pessoa criou, numa con-
trapartida inocente, talvez um pouco ingênua, aos heterônimos Ricardo Reis e
Álvaro de Campos. A obra celebra os cem anos da “morte” deste poeta imagi-
nário. O primeiro movimento, Passou a diligência pela estrada, trata da inócua
ação humana sobre a natureza. No segundo, o poeta revela sua atitude cética,
importando-se somente com aquilo que está à sua frente, não vendo sentido
algum em imaginar o que está Para além da curva da estrada. No terceiro po-
ema, Leve, leve, muito leve, o poeta revela sua preocupação com o presente,
onde o pensamento vagueia sem destino como uma brisa.
Marcus Siqueira (Caratinga/ MG, 5/1/1974) estudou composição com Willy
Corrêa de Oliveira na Escola de Comunicação e Artes da Universidade de
São Paulo e em aulas particulares. Obras suas foram executadas na Amé-
rica do Sul, Europa e Estados Unidos. As orquestras OSESP, OSN, OSUSP,
OSUFRJ, OSU, OSRC e OFMG executaram algumas de suas obras para esta
formação. Tem CDs gravados pelo selo Água-Forte, Paulus, SESC, entre
outros, contendo grande parte de sua produção camerística, orquestral e
para solos. Atualmente reside na Itália onde atua como professor em cursos
livres de música, no Conservatório Bruno Maderna/Cesena. É professor de
educação musical na Faculdade Cantareira/SP.
Signo sopro VI integra o ciclo intitulado Signo Sopro. Trata-se de uma obra
aberta com diferentes propostas instrumentais camerísticas e orquestrais.
Este conjunto obras busca dialogar com diferentes materiais que se mes-
clam em diferentes modos de jogos propiciando aos ouvintes um música
que versa sobre o lírico, o abstrato, composição de cores e matizes sonoras
pouco usuais.
Ivan Simurra (São Paulo/SP, 9/1/1984), compositor e pesquisador, bacharel
em composição musical e mestre em processos criativos no Instituto de Artes/
UNICAMP, desenvolve atualmente nessa universidade sua pesquisa de dou-
torado em processos criativos sob a supervisão do Prof. Dr. Jônatas Manzolli
e com o financiamento da FAPESP. É professor de harmonia, teoria e com-
posição musical. Participou de vários festivais, masterclasses e workshops.
Suas obras são executadas no Brasil, Argentina, Chile, Estados Unidos, Israel,
Portugal, Irlanda, Grécia e Rússia.
O título da obra Shapiro Peer XI é um anagrama da palavra “Hiperprosexia”,
a qual significa um estado anormal na qual uma pessoa concentra-se em uma
coisa com a exclusão de todo o resto. A peça tenta desenvolver um sistema a
partir de uma teoria da administração de empresas chamada O Diagrama de
Espinha de Peixe. Shapiro Peer XI é relacionada, ainda, com o “efeito borbo-
leta”, quando mínimas mudanças podem ser capazes de transfigurar toda a
peça musical.
Pauxy Gentil-Nunes (Rio de Janeiro/RJ, 3/7/1963) é compositor e flautista.
Mestre em composição e doutor em linguagem e estruturação musical, é
também professor de harmonia, análise e composição na Escola de Música
da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Tem atividade criativa contínua e
diversas obras executadas e gravadas no Brasil e no exterior. Foi contemplado
duas vezes com encomenda de composição para as Bienais de Música Brasi-
leira Contemporânea de 2013 e 2015, pela Fundação Nacional de Artes – Funar-
te. Integra o ABSTRAI Ensemble como instrumentista e compositor e integra o
grupo de pesquisas MusMat, focado em aplicações de modelos matemáticos
em composição.
Noneto é um estudo singelo de texturas e desenvolvimento motívico relati-
vamente tradicionais, com uma referência ao repertório camerístico da fase
moderna da música de concerto brasileira, e especialmente às obras anto-
lógicas e homônimas de Villa-Lobos e Guerra-Peixe, às quais a peça presta
homenagem e aponta retrospectivamente.
21
 XXI BIENAL DE MÚSICA BRASILEIRA CONTEMPORÂNEA

Sala Cecilia Meireles

17 de outubro de 2015, sábado,19h
(ver Programação extraordinária à pág 27)

I
Thiago Diniz Coriolis**
difusão Thiago Diniz

Aquiles Guimarães
Julian Maple Tuning**
sopranos Gabriela Geluda e Doriana Mendes
Thiago Diniz

flauta Sérgio Barrenechea

contrabaixo Antônio Arzola
difusão Julian Maple

Fliblio Ferreira Prayá (Ritual)**

flauta Sérgio Barrenechea
difusão Fliblio Ferreira

Rodolfo Coelho de Souza

João Pedro Oliveira Chroma*
piano Érica Ribeiro,
Julian Maple

percussão Ana Letícia Barros

difusão João Pedro Oliveira

II

Valério Fiel da Costa

Aquiles Guimarães Pataphysica**
Fliblio Ferreira

difusão Aquiles Guimarães

Rodolfo Coelho de Souza Bestiário I*

piano Marina Spoladore
difusão Rodolfo Coelho de Souza

Valério Fiel da Costa Funerais 3? *

difusão Valério Fiel da Costa
João Pedro Oliveira

Jocy de Oliveira Mobius II*

Jocy de Oliveira
(texto da compositora) soprano Gabriela Geluda
violoncelo Luciano Correa
percussão Siri, guitarra elétrica Aloysio Neves
viola João Senna
difusão Marcelo Carneiro de Lima

coordenadores Marcelo Carneiro de Lima e Paulo Dantas

obras em estreia mundial:

*encomendadas pela Funarte em 2014
**vencedoras do Prêmio Funarte de Composição Clássica 2014
22
Thiago Diniz (Belo Horizonte/MG, 16/8/1988) faz graduação em composição na Escola
de Música da Universidade Federal de Minas Gerais, na classe dos professores João
Pedro Oliveira e Rogério Vasconcelos Barbosa. Iniciou seus estudos musicais violão
clássico na Fundação Artístico-Cultural de Betim. Em 2008 ingressou no Centro de
Formação Artística da Fundação Clóvis Salgado/Palácio das Artes, em Belo Horizon-
te, onde se formou em violão e em violoncelo. Em maio de 2015, foi um dos repre-
sentantes da classe de João Pedro Oliveira nos Encontros Internacionais de Música
Eletroacústica “Monaco Electroacoustique”, onde estreou a obra acusmática Ímã.
Usando exclusivamente sons gravados como material sonoro, Coriolis simula a in-
teração de objetos que se movimentam sobre uma superfície em rotação. À medida
que sons caminham em uma determinada direção, outros sons caminham no sentido
oposto e, quando se encontram, geram como consequência mais uma variedade de
sons, que passam também a se movimentar por esse ambiente girando cada vez mais
rápido.
Julian Maple (São Paulo/SP, 16/6/1993) iniciou seus estudos formais de música em
2008 com aulas de piano complementadas com aulas de teoria musical, ambas com
professores particulares. Em 2011 ingressou no curso de bacharelado em composi-
ção ou regência da Universidade Estadual Paulista “Júlio de Mesquita Filho” (Unesp),
estudando composição com os professores Achille Picchi e Alexandre Lunsqui, além
de composição com ênfase em eletroacústica com o professor Flo Menezes. Atual-
mente cursa o quinto ano da graduação.
Tuning é, antes de tudo, uma obra de música eletrônica que explora a beleza dos sons
harmônicos. O título em inglês foi pensado como alusão tanto à tradução da palavra
no nominativo, isto é, afinação, como em relação ao substantivo “tune”, cantiga/me-
lodia. Tuning, nesse caso, e com licença poética, seria algo como “melodizando”. O
conceito de afinação serviu de inspiração sonora na concepção da obra que, com
seus sons iniciais busca, mimetizar o ritual da afinação de uma orquestra. O papel da
melodia é exercido principalmente pelas cantoras.
Fliblio Ferreira (Curitibanos/SC, 18/3/1978), duas vezes bolsista do Festival Interna-
cional de Inverno de Campos do Jordão (2006 e 2008), vencedor do Primeiro Concurso
Nacional de Composição Música Hoje (2010) e do Prêmio Catarinense de Música
(2014), é mestrando em composição musical pela Universidade Estadual de São Pau-
lo/Unesp. Especialista em Análise Musical, fez licenciatura em música e graduou-se
em composição e regência na Escola de Música e Belas Artes do Paraná/EMBAP. É
também graduado em letras pela Universidade Federal do Paraná/UFPR, e atualmen-
te dedica-se à composição de música de concerto e de música para o audiovisual.
Prayá (Ritual), concebida para flauta solo e eletroacústica, foi inspirada num hipoté-
tico ritual indígena em que os nativos da terra invocam seus deuses para combater
o homem branco que tomou suas terras. O texto é apresentado em língua indígena
proveniente dos índios Xucurus, do nordeste do Brasil, e o flautista é o encarregado
de recitar o texto em conjunto com sua performance musical. Os sons produzidos pelo
flautista através de sua flauta e de sua fala são então captados e eletronicamente e
processados em tempo real para a constituição deste ritual.
João Pedro Oliveira (Lisboa/Portugal, 27/12/1959) estudou órgão, composição e ar-
quitetura em Lisboa. Doutorou-se em composição na Universidade de New York em
Stony Brook.
Suas obras incluem uma ópera de câmara, um Requiem, várias obras or-
questrais, três quartetos de cordas, música de câmara, música para instrumento solo,
música eletroacústica e vídeo experimental. Dentre os prêmios internacionais que
recebeu, destacam-se os três no Concurso de Música Electroacústica de Bourges,
bem como o prestigiado Magisterium no mesmo concurso; o Prémio Giga-Hertz; o 1º
premio no concurso de música electroacústica Metamorphoses e no Musica Nova
Competition. É professor titular na Universidade Federal de Minas Gerais. Publicou
diversos artigos em revistas nacionais e internacionais, e escreveu um livro sobre
teoria analítica da música do século XX. Contato: jppo@ua.pt, www.jpoliveira.com.
Chroma (2014) é uma palavra grega que se refere à pureza de uma cor, o quanto está
livre de interferências do branco ou do cinza. No caso da música o atributo “cromá-
tico” refere-se à relação existente entre as 12 notas que constituem a divisão igual
de uma oitava. Cada nota tem uma “côr” específica, que a identifica em relação às
outras. Assim, Chroma explora essas relações entre as 12 notas da escala cromática, pas-
sando por cada uma delas e polarizando-a momentaneamente durante o decorrer da obra.
Aquiles Guimarães (Itapetininga/ SP, 28/1/1976) vive e trabalha em São Paulo. Atua
na cena da música experimental participando de concertos, exposições e festivais.
Interessa-se por plataformas de programação multimídia, interatividade e constru-
ção de instrumentos eletrônicos. Trabalha como engenheiro de áudio e sonoplasta,
fazendo masterizações, compondo trilhas sonoras e programando interfaces de con-
trole de áudio para espetáculos. Sua produção artística engloba variadas formas de
expressão, passando pela composição eletroacústica, música de câmara, vídeo-arte,
instalação, fotografia e assemblagem. Teve obras apresentadas no FILE, EIMAS e
BIMESP. Estudou composição eletroacústica com Flo Menezes e foi compositor re-
sidente do Studio PANaroma/Instituto de Artes/Unesp.  Atualmente trabalha na pla-
taforma pessoal RKZ Studio, estúdio de gravação/criação sonora e ateliê fotográfico.
O termo Pataphysica foi criado por Alfred Jarry, poeta e dramaturgo francês, que a
definia como a ciência das soluções imaginárias e é considerado um dos precursores
da poética do absurdo. Seu personagem mais famoso é o Pai Ubu, protagonista da
peça de teatro Ubu Rei. Sob este apanhado de inspirações a obra se estrutura em
três episódios distintos. O primeiro, de caráter introdutório, inicia com um fragmento
rítmico que desencadeia uma sequência de camadas sonoras. O segundo episódio,
imaginário, apresenta densas camadas metálicas, formando harmonias, e processa-
mento de sons de bicicleta. A bicicleta era um dos símbolos de Jarry, junto ao revólver
que sempre carregava e o absinto. A última seção, absurda, apresenta uma atmos-
fera de vozes humanas, infantis, grotescas, sarcásticas, extraidas de sonoplastias
cinematográficas.
Rodolfo Coelho de Souza (São Paulo/SP, 8/8/1952) é professor de teoria e composi-
ção musical do Departamento de Música da Universidade de São Paulo em Ribeirão
Preto. Anteriormente, de 2000 a 2005, foi professor do Departamento de Artes da Uni-
versidade Federal do Paraná. Fez mestrado em musicologia na Escola de Comuni-
cação e Artes/USP e doutorado em composição musical na University of Texas at
Austin, onde desenvolveu pesquisas de pós-doutourado na área de análise de música
pós-tonal. Foi coordenador do Laboratório de Computação Musical da UFPR/Laco-
mus e atualmente coordena o Laboratório de Teoria e Análise Musical/Lateam na
USP em Ribeirão Preto. Entre 1984 e 1996 foi diretor assistente do Festival Música
Nova de Santos e São Paulo. Parte substancial de sua produção musical, tal como
na peça deste concerto, é dedicada à questão da interação entre sons de instrumen-
tos ao vivo e sons sintetizados ou transformados eletronicamente. Em 2006 o Centro
Cultural São Paulo lançou um volume dedicado à sua produção que contém partitu-
ras, catálogo de obras, análises e gravações de suas obras. Entre suas composições
destacam-se O livro dos sons, para orquestra e sons eletrônicos, encomendada pela
OSESP; Quatro cantigas del rey D. Dinis para soprano e orquestra, apresentadas na
XVI Bienal de Música Brasileira Contemporânea, Concerto para Computador e Or-
questra e Tristes Trópicos.
Bestiário I − os viajantes europeus que aportavam no Novo Mundo durante o período
colonial encantavam-se com a exuberante natureza dos lugares que visitavam. De
volta à terra natal relataram suas experiências misturando-as com o imaginário da
tradição do bestiário medieval que descrevia animais fantásticos, como unicórnios
e dragões. Entre os animais do Novo Mundo os viajantes relataram encontros com
o Hay, um animal do tamanho de um cão, com cara simiesca, o ventre com enormes
mamas pendentes, cauda e unhas longas. O mais impressionante é que ninguém ja-
mais o vira comer nem beber, pois vivia de ar. A série de Bestiários para instrumentos
diversos e sons eletrônicos, que principia com esta peça para piano e sons eletrôni-
cos, procura recriar por meios sonoros o imaginário dos animais fantásticos descritos
pelos viajantes coloniais. E possível que os sons eletroacústicos, talvez devido ao seu
emprego na linguagem cinematográfica, de fato se prestam a desenvolver no ouvinte
conotações associadas ao fantástico e ao monstruoso. A obra explora essa verten-
te, mas também buscou uma estruturação pós-tonal rigorosa que homenageia os 75
anos do compositor Ricardo Tacuchian, tomando de empréstimo a chamada “célula
T” que gerou seu sistema composicional.
Valério Fiel da Costa (Belterra/PA, 16/9/1973) fez estudos formais de composição
com Hans-Joachin Koellreutter, José Augusto Mannis, Almeida Prado e Denise
Garcia. É compositor, pesquisador e performer, professor de composição e matérias
teóricas no Departamento de Música da Universidade Federal da Paraíba/UFPB e
membro do Laboratório de Composição Musical/Compomus e do Log3 (Grupo de mú-
sica eletroacústica e performance de música experimental), ambos da UFPB. Doutor
em processos criativos pela UNICAMP, dedica-se ao estudo da indeterminação e do
acaso aplicados em música e ao desenvolvimento de um estudo de morfologia musi-
cal voltada para a obra aberta.
Funerais 3? retrata o alucinado processo de brainstorm da composição de uma
peça acusmática a ser chamada Funerais 3. A primeira Funerais foi escrita para
piano preparado, tocado com acessórios a 12 mãos, e foi estreada na Bienal de
2005. A narrativa desvela uma série de recursos e clichês de escritura, explíci-
tas operações de acaso envolvendo I-Ching, sorteio de moedas, dados e roleta
russa e o processo é descrito desde a escolha por materiais sonoros, passando
pela escolha de um texto referência – Música com sombras, do autor paraense
Vicente F. Cecim – de critérios de organização paramétrica, testes preliminares
mais ou menos definitivos, a busca pela melhor forma de representar, em música,
o tema do Funeral... mas será que este título seria mesmo o mais apropriado? A voz
do autor, na sua busca por uma forma adequada é onipresente. Sua entonação é
natural, denota informalidade e a acústica remete ao ambiente de trabalho de um
pequeno e íntimo atelier.
Jocy de Oliveira (Curitiba/PR, 11/4/1936) é pioneira no desenvolvimento de um tra-
balho multimídia no Brasil envolvendo música, teatro, instalações, textos e vídeo sua
música em geral. Suas oito óperas tem sido apresentadas em diferentes países na
Europa e nos USA, China, Mexico, Argentina e Brasil, em teatros e em festivais. Em
2008 o Instituto Oi Futuro, no Rio de Janeiro, promoveu durante dois meses uma re-
trospectiva de sua obra − “Imersão” − em forma de instalação, exposições, concertos
e ópera, visitada por cerca de 20 mil pessoas. Foi solista sob a regência de Stravinsky
e apresentou várias primeiras audições de compositores que a ela dedicaram obras,
como: Xenakis, Berio, Santoro, Cage. Como pianista e compositora gravou 22 discos
no Brasil, Inglaterra, EUA, Alemanha e no México; gravou nos EUA e no Brasil a obra
pianística de Olivier Messiaen distribuída on line e streaming pela Naxos, que também
assegura a distribuição dos DVDs que compilam sete óperas suas. Fez mestrado em
Artes pela Washington University, St Louis/USA, é Doutor Honoris Causa pela Univer-
sidade Federal do Rio de Janeiro e membro da Academia Brasileira de Música. Rece-
beu vários prêmios, como os da Guggenheim Foundation e da Rockefeller Foundation.
É autora de cinco livros publicados no Brasil, nos USA e França. Em 2014 e 2015 seu
livro Diálogo com cartas foi publicado pela Edições SESI/SP, e sua versão francesa
Dialogue avec mes lettres pela Editions Honoré Champion, Paris.
Mobius II: O anel de Mobius é um símbolo conceitual matemático que revela duas
faces e sugere eterna continuidade. Este símbolo me leva de volta aos meus anos
70/80 no que se refere a atmosfera meditativa e no explorar de uma polifonia microto-
nal gerada pela fusão de camadas sonoras. “Este é meu segundo Mobius que pode
também se estender por tempo indeterminado.
Uma continua parte eletroacústica lidera de forma delicada e sutil os intérpretes que
se sobrepõem , pincelando e dando relevo às transparências. A parte cantada/falada
se integra ao envoltório sonoro plano e meditativo da música. Meu texto A mulher
árabe é apenas um desejo de conhecer e reconhecer sua cultura e seu direito de
ser diferente”.
23
 XXI BIENAL DE MÚSICA BRASILEIRA CONTEMPORÂNEA

Sala Cecilia Meireles

18 de outubro de 2015, domingo, 19h
(ver programação extraordinária às pág 28-29)

I
Nikolai Brucher Who can turn skies back? **

Roberto Victorio Tetragrammaton XV b*

violão solo Gilson Antunes

Marisa Rezende
Nikolai Brucher

Alexandre Schubert Cenas da Paixão segundo Aleijadinho**

I – Introdução; II – A ceia; III – O horto;
IV – A prisão; V – Eis o homem;
VI – A cruz às costas ; VII – A crucificação
barítono solo Marcelo Coutinho

Emanuel Cordeiro
II
Roberto Victorio

Marisa Rezende Fragmentos*

Emanuel Cordeiro Transformações uirapurinas**

Flo Menezes PostScriptio*

violino solo Claudio Cruz
Alexandre Schubert

Flo Menezes

Orquestra Sinfônica Nacional / UFF

regentes Simone Menezes e Claudio Cruz

obras em estreia mundial:

*encomendadas pela Funarte em 2014
**vencedoras do Prêmio Funarte de Composição Clássica 2014
24
Nikolai Brucher (Rio de Janeiro, 13/1/1979) é bacharel e mestre em composição
pela Universidade do Rio de Janeiro/Unirio e pós-graduado pela Escola Superior
de Música de Munique, na Alemanha. Suas obras orquestrais e de câmara foram
premiadas em diversos concursos e têm sido tocadas nas Américas, na Euro-
pa e na Ásia. Analogamente às suas raízes teuto-brasileiras, sua música revela
frequentemente uma combinação de elementos da tradição musical europeia
e da música contemporânea com aspectos das tradições musicais do Brasil,
sendo que, para ele, o ideal artístico e a perfeição técnico-composicional são
tão importantes quanto o estabelecimento de uma conexão com os intérpretes
e o público. Além da composição, Nikolai Brucher atua como produtor musical
no Brasil e na Europa, tendo trabalhado com o Rio International Cello Encounter,
o Festival de Berlim, o Festival Young Euro Classic (Berlim) e a Philharmonia of
Nations (Hamburgo). Reside atualmente em Hamburgo, onde trabalha com a
orquestra sinfônica local. (nikolaibrucher@yahoo.com.br)
Who can turn skies back, para orquestra de câmara, foi composta em 2013 por
ocasião do centenário de nascimento do compositor Benjamin Britten. Grande
parte do material harmônico e melódico da obra é, portanto, derivado de alguns
temas retirados de obras do compositor inglês, sobretudo das óperas Peter Gri-
mes e Gloriana, assim como do Concerto para piano e orquestra e de outras
obras. O título deriva de uma das árias cantadas pelo pescador Peter Grimes.
Roberto Victorio (Rio de Janeiro/RJ, 19/12/1959) bcharel em violão e re-
gência, é mestre em composição e doutor em etnomusicologia. Como pes-
quisador tem o trabalho voltado para a música ritual da etnia Bororo de
Mato Grosso. Como compositor tem em seu catálogo mais de duas cente-
nas de obras gravadas e executadas nos principais eventos no Brasil e no
exterior, recebendo inúmeros prêmios no exterior, como Latino Americano
para orquestra (Uruguai), Contrechamps (Suiça), Festival Internacional de
Composição (Hungria), Sociedade Internacional de Música Contemporânea
(Romênia), Tribuna Internacional da Unesco/Paris(1995/97/99), Oldenburg
Festival (Alemanha), BAM Dialogue (Holanda). No Brasil, foi premiado pelo
Projeto Rio Arte Contemporânea, Bahia Ensemble, 500 Anos das Américas,
Instituto Brasil-EUA, Funarte e Fundação Vitae. Como regente atuou com a
Orquestra de Câmara do Rio de Janeiro, a orquestra Sinfônica da Universi-
dade Federal de Mato Grosso em repertório exclusivamente voltado para
a produção contemporânea, a Orquestra Sinfônica Nacional/UFF, Grupo
Música Nova da Universidade Federal do Rio de Janeiro e com os grupos
de câmara formados nas Bienais de Música Brasileira Contemporânea e
no Festival Internacional de Campos do Jordão. É regente, diretor musical
e instrumentista do SEXTANTE, grupo de câmara que fundou em 1986 no
Rio de Janeiro e que até hoje, em Mato Grosso, trabalha exclusivamente
com a produção musical brasileira contemporânea, tendo realizado mais
de uma centena de primeiras audições de obras brasileiras de concerto.
É professor de composição, etnomusicologia e estética da música na gra-
duação e na pós-graduação em música na Universidade Federal de Mato
Grosso e idealizador das Bienais de Música Brasileira Contemporânea de
Mato Grosso.
TETRAGRAMMATON XV b integra um ciclo de 16 obras escritas para as mais di-
versas formações, desde obras solo às obras sinfônicas. O ciclo está alicerçado
sobre os textos e preceitos do filósofo e alquimista do século XVI Jakob Boehme
no que se refere à estrutura interna invisível da obra, suas relações numerológi-
cas e arcos genéticos, em consonância com a palavra mater Tetragrammaton:
o nome indizível de Deus.
Alexandre Schubert (Manhumirim/MG, 23/2/1970) fez mestrado e bacharelado
em composição pela Universidade Federal do Rio de Janeiro, onde é professor
do Departamento de Composição. Autor de mais de 140 obras frequentemente
tocadas no Brasil e no exterior, recebeu 16 prêmios em concursos nacionais e
internacionais de composição, incluindo os primeiros lugares no Concurso de
Composição para Percussão – PAS Brazil Chapter e no Concurso Nacional de
Composição Lindembergue Cardoso, além de prêmios em concursos realizados
pela Funarte e de menção honrosa no Concurso Internacional de Composição
Fernando Lopes-Graça, em Portugal. Apresentou obras na série Composer’s Voi-
ce, em Nova Iorque. Réquiem integrou a turnê Sonora Brasil e foi ouvido nas co-
memorações do Ano do Brasil em Portugal; De lumine foi apresentada em Dres-
den por membros da Filarmônica dessa cidade; compôs as Antífonas marianas
para a turnê europeia dos Canarinhos de Petrópolis. Participou do World Music
Day (Suíça), da Copa Cultural (Berlim) e do III Festival Ibero-americano, em São
Pestersburgo, com a Sinfonia Festiva. Tem obras encomendadas e gravadas
em diversos CDs por intérpretes renomados e é membro do grupo Prelúdio 21.
Cenas da Paixão segundo Aleijadinho divide-se em seis movimentos que re-
presentam as cenas retratadas por Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho, nas
Capelas dos Passos da Paixão de Congonhas do Campo.
Marisa Rezende (Rio de Janeiro, 8/8/1944), compositora e pianista, obteve mes-
trado e doutorado na Universidade da Califórnia em Santa Barbara e pós douto-
rado na Universidade de Keele, Inglaterra. Foi professora titular de composição
da Escola de Música da Universidade Federal do Rio de Janeiro entre 1989 e
2002, onde fundou o Grupo Música Nova, responsável por inúmeras estreias do
repertório contemporâneo brasileiro. Participa ativamente da cena musical con-
temporânea, tendo tido várias obras orquestrais encomendadas recentemente
pela Sala Cecília Meireles, OSESP e pelas Bienais de Música Brasileira Contem-
porânea da Funarte.
Fragmentos explora a oposição entre o indivíduo, em seu anseio por voz e li-
berdade, e o grupo, tanto acolhedor quanto coercitivo. Os pequenos trechos da
peça em um único movimento são marcados por campos harmônicos distintos e
submetem-se a outra oposição, a dos processos de expansão e retração, quem
sabe à procura de um ponto de equilíbrio, um apaziguamento talvez.
Emanuel Cordeiro (Belém/PA, 15/10/1983) é bacharel em composição e arranjo
pela Universidade do Estado do Pará, especialista em Fundamentos da Criação
em Música pela Universidade Federal do Pará e mestre em composição pela
Universidade Federal da Bahia. Teve composições premiadas no 3º Festival Cul-
tura de Música e no 3º Festival da Associação de Rádios Públicas do Brasil (AR-
PUB). Já teve obras tocadas pela Orquestra Sinfônica da Universidade Federal
da Bahia, pelo Coro Carlos Gomes e por vários grupos camerísticos. Atualmente
é professor do Curso de Licenciatura em Música da Universidade do Estado do
Amapá.
Transformações uirapurinas é baseada em um canto do uirapuru, pássaro en-
volvido por várias lendas e considerado bastante musical. Para a construção
da obra, foi transcrito um canto do uirapuru-verdadeiro (ciphorhinus arada) e
a partir desta notação foram criadas séries de altura e ritmo manipuladas por
técnicas seriais de transformação. Apesar da complexidade de elaboração e
da inspiração da obra na floresta amazônica, a intenção não foi a de imitar o
canto do pássaro, mas utilizar sonoridades buscando recriar sons de diversos
pássaros, diferentes ambientações e ruídos da floresta e mesmo a descrição da
derrubada de árvores, fogo na floresta, animais aflitos e em fuga. No final, um
grande coro da natureza é ouvido através dos instrumentos que representam a
sua vitória após a luta contra a destruição.
Flo Menezes (São Paulo/SP, 18/4/1962) estudou composição na Universidade de
São Paulo com Willy Corrêa de Oliveira, música eletroacústica com Hans Hum-
pert no Studio für Elektronische Musik de Colônia, Alemanha, especializou-se
junto ao Centro di Sonologia Computazionale de Pádua, Itália, e doutorou-se em
1992 na Bélgica com tese premiada sobre Luciano Berio, orientada por Henri
Pousseur. Foi também aluno de Pierre Boulez, Luciano Berio, Brian Ferneyhough
e Karlheinz Stockhausen, de quem tornou-se assistente pedagógico em 1999 e
2001. Atuou junto à Fundação Paul Sacher na Basiléia, na Suíça, e ao IRCAM, em
Paris, no mesmo ano de 1997 em que se tornou o primeiro livre-docente no Brasil
em composição eletroacústica. Obteve alguns dos mais importantes prêmios in-
ternacionais e nacionais de composição: Unesco, Paris (1991); Trimalca, Argen-
tina (1993); Prix Ars Electronica, Áustria (1995); Giga-Hertz-Preis de Karlsruhe/
Freiburg, Alemanha (2007); Concorso Luigi Russolo, Itália (1996); Prêmio Cultural
Sergio Motta, São Paulo (2002); Bolsa Vitae de Artes (2003). Autor de mais de 80
obras, é professor titular da Unesp, fundador e Diretor do Studio PANaroma de
Música Eletroacústica.
PostScriptio insere-se num ciclo de obras em torno do violino: Scriptio (2013)
para violino solo, TransScriptio (2013) para violino e eletrônica em tempo real,
PostScriptio, e finalmente a peça acusmática MetaScriptio (2015). Sua escritu-
ra, por um lado, baseia-se fundamentalmente em Scriptio, adaptando esta obra,
através de pequenas alterações, à coordenação de conjunto entre solista e or-
questra, mas, por outro lado, também desenvolve, no âmbito puramente instru-
mental, procedimentos da eletrônica em tempo real de TransScriptio, os quais
são aqui “transcritos” ao universo da escritura instrumental, tais como o com-
portamento espacial dos sons, os fatores de multiplicação aplicados a certos
agregados intervalares, o congelamento de determinadas alturas, os rebatimen-
tos (delays) e as antecipações de certas figuras. Como em várias obras do com-
positor, PostScriptio não abre mão do espaço total do teatro para a veiculação
de seus sons e para a atuação de seus músicos.
25
 programação extraordinária

Espaço Guiomar Novaes

16 de outubro de 2015, sexta-feira, 15h30

Café
tragédia secular
(estreia a 13 de setembro de 1996, em comemoração aos 450 anos da fundação de Santos)

texto Mário de Andrade

música H. J. Koellreutter
soprano Margarita Schack baixo José Gallisa narrador Serafim Gonzales
Coral Municipal Zanzala, Coral do Colégio Universitas, Grupo Vocal Faz de Canto, Coral Municipal de Santos
(os coros representam o povo)

duas orquestras de câmara – direção H. J. Koellreutter

maestros auxiliares Maria Fernanda dos Santos Tavares Marques, Geraldo Magela Marques e Roberto Martins

Orquestra Sinfônica Municipal de Santos − direção musical e regência Luis Gustavo Petri

encenação e roteiro Fernando Peixoto cenografia Gianni Ratto cenotécnico Mario Marcio
figurinos Maria do Carmo Brandini 2 atores 5 cantores convidados 30 figurantes

produção do vídeo
Maria Célia Sacramento, Antonio Ferrer, Rita Okamura, Carlos Kober, Luiz Eduardo Crescente, Patrícia Barros

co-produção Secretaria de Cultura de Santos

prefeito David Capistrano Filho secretário de cultura Marco Antônio Rodrigues

A exibição do vídeo com a filmagem dessa “tragédia secular” foi possível graças à colaboração da
Fundação Padre Anchieta/TV Cultura, na pessoa de seu presidente Marcos Mendonça
e do chefe de seu Centro de Documentação José Maria Pereira Lopes.

Margarita Schack Luís Gustavo Petri Gianni Ratto Fernando Peixoto

A música contemporânea não visa, nem pode deleitar (no sentido de “distrair”).
Senti na pele o problema como compositor, querendo musicar a obra Café, de
Mario de Andrade. Comecei a fazê-lo há 20 anos. Escrevi o princípio e o fim,
embatuquei no restante. Não tive técnica para compor esta obra de linguagem
muito pessoal, muito forte, mas muito complicada para um compositor moder-
no. Deixei de lado, mas ela me puxou. Sabe, trago sempre comigo três livros: a
Bíblia, o Fausto de Goethe e a terceira partitura da Arte da Fuga, de Bach. Pois
nesses 20 anos andei também com a peça de Mario de Andrade, para mim a obra
teatral brasileira que contém toda a tragédia humana brasileira.
No ano passado, decorrido tanto tempo, vi que já tinha condições de
escrevê-la e em seis meses a terminei. O problema foi encontrar uma lingua-
gem musical que complementasse o texto, que fosse inteligível para o público,
porque a obra é toda um manifesto. Por outro lado, não podia escrever música
como se fosse Ari Barroso. Eu não sou Ari Barroso. Ser o mesmo Koellreutter
26 mas fazendo algo compreensível a todos, este o X da questão. Se consegui,
não sei, isto vocês vão dizer quando a ouvirem.
Escrevi duas versões. Uma, para teatro, com cena e grande orquestra,
composta de instrumentos de madeira e trompetes, além de violas, quatro pia-
nos e muita percussão. Na versão em forma de oratório, basta o acompanha-
mento de quatro pianos e percussão. É claro que as duas versões não dispen-
sam um coral.
De resto, trabalho, muito trabalho. Interesso-me pela relação música/ho-
mem, cultura em geral. Passei 10 anos mergulhado no Café. Agora, é abrir os
olhos e mergulhar em outras coisas.
H. J. Koellreutter
(entrevista a Danúsia Bárbara,
Jornal do Brasil, 1/11/1975
 Café − Tragédia secular
A gênese dessa “tragédia secular” tem relação com a queda da bolsa de Nova
York em 1929 e a consequente crise no porto de Santos, com a retração na ex-
portação do café e o desemprego dos portuários e plantadores.
Alguns textos de Mário de Andrade abordam essa gênese:
Não havia necessidade nenhuma de “reformar” a ópera mais uma vez [...]. Era
preciso apenas observar as fontes mesmas do teatro cantado universal e bus-
car assuntos contemporâneos que tivessem para nós o mesmo interesse e a
mesma possibilidade de coletivização e ensinamento. O Café! A imagem pulou.
Não seria possível acaso tentar uma ópera de interesse coletivo, tendo como
base de assunto o café?... [...] (“Do teatro cantado”, Folha da Manhã, São Paulo,
4/11/1943; in Jorge Coli: Música final. Campinas: Unicamp, 1998, p.103)
Não se tratava apenas de fazer um libreto que pudesse interessar coletivamen-
te uma sociedade, mas que tivesse uma forma, uma solução técnica derivada do
conceito mesmo de coletividade. Uma ópera coral, concluí. Um melodrama que em
vez de lidar com indivíduos, lidasse com massas [...]: em vez de personagens so-
listas, personagens corais. (“Psicologia da criação”, Folha da Manhã, São Paulo,
11/11/1943 ; in Jorge Coli: Música final. Campinas: Unicamp, 1998, p.103/105)
Eu me sinto recompensado por ter feito essa épica. Dei tudo o que pude dar a
ela, pra torná-la eficaz no que pretende dizer; lhe dei mesmo com paciência os
mil cuidados de técnica, pra convencer também pelo encantamento da beleza.
Mas duma beleza que nunca perde o senso, a intenção de que devia ser bruta,
cheia de imperfeições épicas. Nada de bilros nem de buril. Pelo contrário, muitas
vezes a perversidade impiedosa da ideia definidora por exagero, fiz acompanhar
da perversidade tosca da voluntária imperfeição estética.
Me sinto “recompensado” eu falei, não tive a menor intenção nem sombra
disso! De me dar por feliz. Como eu tenho uma saudade incessante dessa paz,
dessa “PAZ” que os vitoriosos invocaram para um futuro mais completado em
sua humanidade. Eu tenho desejo de uma arte que, social sempre, tenha uma
liberdade mais estética em que o homem possa criar a sua forma de beleza mais
convertido aos seus sentimentos e justiças do tempo da paz. A arte é filha da dor,
é filha sempre de algum impedimento vital. Mas o bom, o grande, o livre, o ver-
dadeiro será cantar as dores fatais, as dores profundas, nascidas exatamente
desta grandeza de ser e de viver.
Há de ser sempre amargo o artista verdadeiro, não sei si artista bom, mas
verdadeiro, sentir que se esperdiça deste jeito em problemas transitórios, cria-
dos pela estupidez da ambição desmedida. Um dia o grão pequenino do café
nunca mais apodrecerá largado no galho. Nunca mais os portos de todos hão de
se esvaziar dos navios portadores de todos os benefícios da terra. Nunca mais
os menos favorecidos de forças intelectuais estarão nos seus lugares, porque
não tiveram ocasião de se expandir em suas realidades. Não terão mais de par-
tir, na busca lotérica do pão. Então estarão bem definidas e nítidas pra todos as
grandes palavras do verbo. Terá fraternidade verdadeira. Existirá o sentido da
igualdade verdadeira. E o poeta será mais verdadeiro.
Então o poeta não “quererá” ser, se deixará ser livremente. E há de cantar
mandado pelos sofrimentos verdadeiros, não criados pelos homens, mas deri-
vados naturalmente da própria circunstância de viver. Me sinto recompensa-
do por ter escrito esta épica. Mas lavro o meu protesto contra os crimes que
me deixaram assim imperfeito. Não das minhas imperfeições naturais. Mas de
imperfeições voluntárias, conscientes, lúcidas, que mentem no que verdadeira-
mente eu sou.
São Paulo. 15 de dezembro de 1942
(texto no final do resumo do terceiro ato do Café)

Textos e encenação
Os textos impressos em redondo e falados pelo narrador são de Mário de Andrade.
Os textos impressos em itálico são do roteiro do encenador Fernando Peixoto, onde os textos em caixa alta – como
CORAL DO QUEIXUME – remetem a textos de Mário de Andrade cantados pelos coros ou por solistas.

Primeiro ato
Cena 1 – Porto parado (cais)
NARRADOR: Desde muito que os donos da vida andavam perturbando a marcha natural do comércio de café. Os resultados
foram fatais. Os armazéns se entulharam de milhões de sacas de café indestinado. E foi um crime nojento. Mandaram quei-
mar o café nos subúrbios escusos da cidade, nos mangues desertos. A exportação decresceu tanto que o porto quase parou.
Os donos viviam no ter e se agüentavam bem com as sobras do dinheiro juntado, mas e os trabalhadores, e os operários, e
os colonos?
A fome batera na terra tão farta e boa. Os jornais aconselhavam paciência ao povo, anunciavam medidas a tomar. Fu-
turamente. A inquietação era brava e nos peitos dos estivadores mais sabidos do porto parado, numa hesitação desgraçada,
entre desânimos, a cólera surda esbravejava, se assanhavam os desejos de arrebentar.
Sacas de café amontoadas. É a crise do café na década de vinte em Santos. Os estivadores estão quase imóveis junto
aos sacos de café, sentados neles, deitados. Armazém sombrio. Um grupo pequeno joga truco. Entra um homem com
um jornal na mão, arrasta o jornal. Alguns olham para ele, mas ele atira o jornal no chão. CORAL DO QUEIXUME. Em
seguida MADRIGAL DO TRUCO. Ao fundo surgem mulheres, avançam em direção aos estivadores. Estão com fome,
não suportam mais a crise. CORAL DAS FAMINTAS.
NARRADOR: Quem pode dar pão?... O café pode dar pão. Sempre dera o pão, a roupa e a paz relativa dos pobres. Mas agora
aquele companheiro generoso de outros tempos, jaz ali, inútil, vazio de força, como o porto: vazio.
(Todos em silêncio, olhando as sacas de café amontoadas)
NARRADOR: Eles amam, sempre amaram aquele café paterno, que agora parece falhar. Mas ainda há de estar nele à sal-
vação de todos. As mulheres se aproximam das sacas, se abraçam com elas, contando os seus segredos de miséria, acari-
nham o grão pequenino que não falhará. E o grão pequenino lhes segreda o segredo que eles não se animavam a se revelar
Aquela fome que eles sentiam não era apenas uma fome de alimento, mas outra maior, a fome milenar dos subjugados,
fome de outra justiça na terra, de outra igualdade de direitos para lutar e vencer.
(Alguns abraçam as sacas. IMPLORAÇÂO DA FOME)

Cena 2: A Companhia Cafeeira S. A. (CAFEZAL)

NARRADOR: Também noutras partes daquelas terras a fome e a angústia vai feroz.

São mais ou menos 10h da manhã, no cafezal. Uma laranjeira carregada de frutas. Um garoto rouba uma laranja, vai
chupar, fura com o dedo, o gosto é horrível, ele joga a laranja fora. Velhos e velhas vêm o que se passa. (CORAL DO
PROVÉRBIO). Um dos velhos está revoltado. De repente chuta uma árvore. Neste mesmo instante entram os donos
e comissários. A DISCUSSÃO. São as mulheres dos colonos que reagem e enfrentam os patrões. Colonos e colonas
27
 avançam coléricos em suas reivindicações. Os patrões sacam revólveres e apontam para os colonos. Silêncio. Os co-
lonos decidem abandonar o trabalho, a fazenda. É o desemprego, o caminhar no vazio, bater de porta em porta. Teriam
sido precipitados? Dois atiram os frutos ao longe com raiva. CORAL DO ABANDONO. Há um silêncio. As mulheres,
as velhas, depois também as casadas, começam a sair.

Segundo ato
Cena 1: Câmara de Deputados
Deputados, secretários, jornalistas, o presidente da Câmara, operários nas galerias. Fala o DEPUTADO DO SOM SÓ.
Alguns jornalistas anotam algumas coisas. Um policial interrompe o deputado e assume a palavra um jovem, o DE-
PUTADO DA FERRUGEM, que fala a EMBOLADA DA FERRUGEM. A galeria protesta: “pra que falar em ferrugem se
não há comida etc...” Ao terminar a fala, está entrando no barulho dos protestos da galeria o DEPUTADO CINZA, que
traz consigo a MÃE. O Deputado Cinza fez ela decorar um discurso de elogio ao poder político e econômico, mas ela
está nervosa. E na hora de falar esquece tudo e improvisa um discurso violento contra o poder. Alguns protestam,
jornalistas se agitam, o presidente toca o sino várias vezes, o Deputado Cinza lava as mãos... Entram vários policiais.
O povo foge e os policiais prendem a mãe.

Cena 2: Êxodo (Estação de trem)

NARRADOR: Estamos numa dessas estaçõezinhas de trem de ferro, postadas nos vilarejos de três, quatro casas, pra serviço
de embarque da grande indústria do café. Até lhe puseram o nome “ESTAÇÃO PROGRESSO”. É a tardinha. Pra cá da platafor-
ma e do edifício passa a linha do trem. No lusco-fusco rosado os trilhos ainda colhem um resto mais fraco de luz. A paisagem
do fundo ainda se percebe cafezal infindável, no ondular manso dos morros. Nada mais.
Estão entrando moços e solteiros, homens e mulheres. CORAL PURÍSSIMO. Eles brincam, namoram. Esperam um
trem. Estão mudos e pensativos. Todos esperam. Já não brincam mais. CORAL DA VIDA. Vai anoitecendo aos pou-
cos. Ouvem-se lamentos humanos, choro. CORAL DO ÊXODO. Entra o chefe da estação com um cartaz onde está
escrito que não haverá mais trem de segunda classe. Todos vão saindo pouco a pouco, lentos, abatidos.

Terceiro ato
Cena: Dia novo (Cortiço)
Dia Novo é o dia da vitória da Revolução. É noite. Palco vazio. O local é um cortiço com um muro ao fundo. Janelas de
casas de operários, interior de casa. Acende-se lentamente um lampião na rua. Uma operária ligou a luz. Numa casinha
cuja janela dá para o pátio do cortiço, uma mulher inquieta, sem saber o que fazer, aproxima-se da janela. Outras em
outras janelas. Nesta primeira casinha há duas ou três crianças dormindo e uma menina acordada que se dirige para
um pequeno rádio. Mexe nos botões, liga o rádio. O PARLATO DO RÁDIO. Ouve-se a voz do locutor afirmando que
a Revolução está quase vitoriosa, já foram tomadas as estações de rádio, correios e telégrafos. Uma valsa. A mulher
fecha o rádio irritada. Sai correndo um garoto de pouca idade. A mãe sai atrás dele e consegue segurá-lo, apertando-o
contra o peito num forte abraço, como para protegê-lo de um tiro. Outras mulheres surgem, outras crianças também.
Ouve-se a luta por trás dos muros. CÂNONE DAS ASSUSTADAS. Um grito de alarme rasga a cena. Um homem foge
por trás do muro. Armas, tiros, soluços. A garota liga o rádio novamente. Ouve-se uma valsa. A mulher fecha o rádio.
Continua a luta por trás do muro. ESTÂNCIA DE COMBATE. Entram dois operários trazendo um chefe revolucionário
bastante ferido. As mulheres começam a cuidar dele. Um dos operários volta para a luta. O outro, bem mais jovem,
fica olhando o chefe, de pé, chorando um pouco. O moribundo vê o jovem operário parado, olhando-o, e consegue
fazer um gesto dando ordem para que ele volte à luta. O rapaz hesita, aproxima-se, beija a testa do ferido e parte. O
chefe ergue um pouco o torso, sorri. Morre em seguida. As mulheres choram.
NARRADOR: As coisas se precipitam. A luta está completamente generalizada por detrás do muro. As mulheres, dignifica-
das pela morte do chefe, reagem, se entranhando na sanha da luta. Só a menina, completamente de alma azul, está mexendo
no rádio outra vez. Por vezes, em cima do muro há um reflexo de baioneta. O portão às vezes é violentamente sacudido.

ESTÂNCIA DA REVOLTA – invisíveis). Gritos de soldados, ruídos da luta. FUGATO CORAL. Clarão de incêndio ao longe.
Um soldado fugitivo aparece no alto do moro. As mulheres estão diante deles, prontas para a luta, decididas. O solda-
do pula para dentro do pátio. Um estudante revolucionário persegue-o. O soldado joga o fuzil para longe e se ajoelha
diante das mulheres pedindo perdão. Elas o estraçalham. O rapaz pega o fuzil, abre o portão e entra na luta armada. A
menina liga novamente o rádio: SEGUNDO PARLATO DO RÁDIO. Novas notícias da vitória revolucionária, inclusive a
de que o Presidente fugiu do Palácio. Luta geral. Todos os coros em cena. GRANDE CORAL DE LUTA.

NARRADOR: Os clarões dos incêndios agora clareiam toda a cidade longínqua, lambendo as paredes dos ilustres arranha-
céus, as pombas enlouquecidas se agarram nas marquesas dos arranha-céus. Piedade! Piedade! Berram os soldados jogan-
do longe as armas de aluguel. Perdão! Perdão! Perdão! Mas os revoltosos, cego, impiedosos, que piedade nada! Café! Café!
Café! Gritam desvairados, café! Café! Café vitória! Vitória!

Novamente ouve-se o rádio, agora anunciando a vitória. O Presidente suicidou-se. A menina desliga o rádio e vai
dormir. Entra a Mãe com uma bandeira vermelha na mão. Incêndios ao longe. A Mãe sobe um plano mais alto, perto
dela está o corpo do revolucionário que morreu. Ao seu lado estão todos, homens e mulheres revolucionários. Um
quadro estático final de vitória: HUNO DA FONTE DE VIDA. Junto com a platéia, as palavras finais: “FORCA! AMOR!
28 TRABALHO! PAZ!”
 programação extraordinária

Espaço Guiomar Novaes

17 de outubro de 2015, sábado, 15h30

mesa-redonda

Música e política – entre Mário de Andrade e Koellreutter

debatedores Carlos Kater
Flavia Toni
Jorge Coli

mediador Flavio Silva

Carlos Kater é educador, musicólogo e compositor, doutor pela Uni-

versidade de Paris IV – Sorbonne, professor titular pela Escola de
Música da UFMG e autor de artigos e livros, como Música Viva e
H.J.Koellreutter: movimentos em direção à modernidade, Eunice Ka-
tunda − musicista brasileira, Musicalização através da canção popu-
lar brasileira, Musicantes e o boi brasileiro. Editou a revista Cadernos
de Estudo: Educação Musical, referência na vida acadêmica brasilei-
ra. Seu trabalho de criação musical inclui composições, arranjos e
atividades lúdicas. Criou e dirigiu vários grupos musicais, entre eles
o Grupo de Musicantes, com apresentações e oficinas em espaços
públicos, educativos, de saúde, de lazer e de reclusão. Realiza cursos
e projetos de formação criativa com música junto a professores, edu-
cadores, agentes sociais, bem como jovens e adultos de diferentes
condições sócio-econômicas. Idealizou e realizou Projetos “Música
na escola”, entre eles “A música da gente”, promovendo composição
coletiva com 340 crianças em escola pública, com CD gravado e di-
versas apresentações em São Bernardo do Campo/SP. É curador da
Fundação Koellreutter, da Universidade Federal de São João del Rei
e professor colaborador do Curso de Pós-Graduação em Música da
Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo/ECA/
USP. Atua como conferencista, consultor e professor, ministrando
regularmente cursos e oficinas.

No Instituto de Estudos Brasileiros/IEB-USP, Flávia Toni é professora

titular, musicóloga, membro da Equipe Mário de Andrade e orienta-
dora nos programas de pós-graduação, função que também exerce
nos Departamento de Música da Escola de Comunicações e Artes da
USP. Foi bolsista de produtividade do CNPq. Suas áreas de interesse
em torno da obra de Mário de Andrade compreendem as pesquisas do
intelectual sobre música brasileira, gestão cultural e patrimônio ima-
terial. Publicou Mário de Andrade e Villa-Lobos (Centro Cultural São
Paulo, 1987), A música popular brasileira na vitrola de Mário de An-
drade (SESC, 2004) e a correspondência ativa/passiva entre Camargo
Guarnieri e Mário de Andrade no livro Camargo Guarnieri – O tempo
e a música (Funarte/Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, 2001),
além de dezenas de artigos em revistas especializadas. Preparou, en-
tre outras edições anotadas, a Introdução à estética musical de Mário
de Andrade (Edusp/Hucitec, 1995) e a Enciclopédia brasileira (Edusp/
Giordano/Loyola, 1993).

Jorge Coli é professor titular em História da Arte e da Cultura e dire-

tor do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas na Unicamp. Sua tese
de doutorado em estética, aprovada pela Universidade de São Paulo,
versa sobre o mundo musical de Mário de Andrade e foi publicada
pela Editora da Unicamp sob o título de Musica final. Publicou ainda
A paixão segundo a ópera (Perspectiva), O corpo da liberdade (Cosac
Naify), L’atelier de Courbet (Hazan), entre outros obras, além de inú-
meros artigos sobre questões envolvendo arte e cultura. Foi titular da
Chaire des Amériques na Universidade de Paris I/Panthéon-Sorbonne,
professor convidado nas Universidades de Osaka (Japão) e de Prince-
ton (USA) e assina uma coluna na revista Concerto.

Flavio Silva estudou piano com Hans Graff, Alda Caminha e Homero
Magalhães, e cursou musicologia e etnomusicologia em Paris com
Jacques Chailley, Tran Van Khê, Simha Arom e Claudie Marcel-Du-
bois, que orientou sua dissertação de mestrado Origines de la samba
urbaine à Rio de Janeiro. É autor de artigos sobre música em perió-
dicos brasileiros e servidor da Funarte desde 1976, onde atua como
foto Neném Krieger

Coordenador de Música Erudita no Centro da Música. Organizou a

edição do livro Camargo Guarnieri – O tempo e a música, para o qual
foto IEB/USP

também redigiu textos. Com Maria José de Queiroz Ferreira, realizou

as sete últimas Bienais de Musica Brasileira Contemporânea, assim
como a atual.
29
 programação extraordinária

Espaço Guiomar Novaes

18 de outubro de 2015, domingo, 15h30

recital

Revivendo o Grupo Música Viva

Edino Krieger Três sonetos de Drummond

(textos de Carlos Drummond de Andrade) I – Os poderes infernais; II – Carta; III – Legado (canto e piano)

Eunice Katunda Dois estudos folclóricos
I – Canto praiano; II – Canto de Reis (piano solo)

César Guerra-Peixe Trovas capixabas

(textos folclóricos) I – Abaixai ó limoeiro; II – Ó lua que estás tão clara;
III – Tanto verso que eu sabia; IV – Ainda que o fogo apague;
V – Vou-me embora vou-me embora (canto e piano)

Eunice Katunda La dame et la licorne

I – La dame et sa suivante; II – Les lièvres; III – La licorne;
IV – Les étendards lunaires; V – Les joyaux et les fruits;
VI – Le lion (piano solo)

H.-J. Koellreutter Noturnos 1 e 2

(textos de Oneyda Alvarenga) (canto e piano)

Claudio Santoro A menina boba
I – Menina exausta XII; II – Asa ferida;
III – Menina exausta III; IV – Menina exausta I;
V – Menina exausta II (canto e piano)

Duo Ouvir Estrelas

canto Clarissa Cabral
piano Eliana Monteiro da Silva

palestra

O Grupo Música Viva e sua trajetória

por Carlos Kater

Edino Krieger César Guerra-Peixe Duo Ouvir Estrelas: Clarissa Cabral Carlos Kater Eunice Katunda Cláudio Santoro Hans Joachim Koellreutter
e Eliana Monteiro da Silva foto Julia Kater
30
Edino Kriger – dados biográficos à pagina 13.
Os Três sonetos de Drummond, baseiam-se em poemas recolhidos de coletâne-
as diversas: Poderes Infernais em A vida passada a limpo, Carta em Antologia
poética, Legado em Claro Enigma. A forma tradicional do soneto (dois quartetos
e dois tercetos) é adaptada por Krieger, com certa subjetividade, à fraseologia
de suas canções. Em Os poderes infernais, o período que abarca os dois quar-
tetos é seguido por uma seção contrastante pelo uso de um período irregular e
pela métrica (4/4 em lugar de 5/4 da seção inicial). Arpejos quartais e uma melo-
dia modal tecem a parte do piano na seção “A” e dão lugar a acordes formados
por trítonos na seção “B”, enriquecida com os 12 sons da escala cromática.
Restrita a uma única sentença, a seção final “A’” retoma o esquema inicial. As
outras duas canções mantém a forma ABA’, mas adotam a harmonia tonal e to-
mam mais liberdades em relação ao tratamento das estrofes. A Carta tem cará-
ter lânguido e esbanja lirismo, enquanto Legado é rítmico e pulsante. Elementos
de coerência entre as três peças são as notas repetidas nas partes do canto e o
intervalo de quarta nas partes do piano.
Eunice Katunda (Rio de Janeiro/RJ, 14/3/1915 – São José dos Campos/SP,
3/8/1990), foi pianista, cravista, organista, compositora, professora e regente
de coro e orquestra. Estudou piano com Mimma Oswald, Branca Bilhar, Oscar
Guanabarino e Marietta Lion; contraponto, harmonia e análise musical com Furio
Franceschini; composição com Camargo Guarnieri e Koellreutter; orquestração
com Guerra-Peixe. Na Europa, entre 1948 e 1949, fez curso de regência com
Hermann Scherchen e de técnica serial com Bruno Maderna. Recebeu vários
prêmios e apresentou obras de Villa-Lobos, Hindemith, Stravinsky, Bela Bartók,
Alban Berg e Schoenberg no Brasil e no exterior, algumas delas em estreia
mundial ou nacional. Sua ligação com o grupo Música Viva sofreu interrupção
quando Guarnieri divulgou a “Carta aberta aos músicos e críticos do Brasil”, que
considerou “serena, sincera e clara. Tudo o que você diz nela é verdade.” Como
Guerra-Peixe, seguiu a lição de Mário de Andrade e dedicou-se a pesquisas fol-
clóricas, mas ao contrário daquele compositor, voltou, anos depois, ao convívio
de Koellreutter. Dentre suas obras, destacam-se a cantata O Negrinho do Pasto-
reio, a Cantata do soldado morto, os Quatro momentos de Rilke e a Sonatina 1965,
além de artigos em periódicos.
Os Dois estudos folclóricos: datados de 1952 e estreados pela autora, são da
fase nacionalista. Canto Praiano inspira-se em materiais recolhidos no litoral
paulista; o movimento ininterrupto e assimétrico das ondas é sugerido mediante
sobreposição de linhas melódicas com métricas distintas e um polimodalismo
sem ligação com técnicas de vanguarda. Canto de Reis, baseado na Folia de Reis
de Ribeirão Preto, tem melodia acompanhada por baixo ostinato com acordes
sincopados; sua seção central é precedida por transição atonal livre.
La dame et la licorne, suite composta em 1982, inspira-se nas maravilhosas ta-
peçarias medievais conservadas no Museu de Cluny, em Paris, e serve-se de
procedimentos de compositores franceses impressionistas e/ou simbolistas que
utilizavam escrita modal em suas composições, como Eric Satie em suas Gym-
nopédies. La dame et sa suivante é polimodal e a mudança de modo determina
o início e fim de suas três seções. Les lièvres apresenta textura em cânone e
utiliza os 12 sons da escala cromática; o movimento das duas linhas melódicas
principais ilustra a atividade leve e ligeira de lebres brincando. La licorne traz
um contraponto de duas vozes em oitavas, como dois seres que caminham em
paralelo: o unicórnio e a dama. Les étendards lunaires tem textura homofônica,
como num coral, o que dá à peça um caráter majestoso, quase sacro; as vozes
se movimentam formando acordes maiores sem relação tonal entre eles. Les
joyaux et les fruits é polimodal, com trinados e arpejos rápidos na região agu-
da do piano, simulando o brilho de joias numa pintura de natureza morta, com
uso de modos simétricos, como o pentatônico e o octatônico, característicos
do impressionismo francês. Le lion alterna trechos homofônicos, em acordes,
a outros com textura de melodia acompanhada; a peça também é polimodal,
mas apresenta trechos cadenciais para centros tonais. Tem caráter misterioso
e termina em suspensão.
César Guerra-Peixe (Petrópolis/RJ 18/3/1914 – Rio de Janeiro/RJ 26/11/1993)
realizou estudos de violino com Paulina d’Ambrosio e foi o primeiro aluno a com-
pletar o curso de composição no Conservatório Brasileiro de Música. A partir
de 1944, começou a estudar com Koellreutter enquanto atuava em rádios ca-
riocas fazendo orquestrações. Sua Sinfonia no 1, dodecafônica, foi estreada na
BBC londrina em 1946 e três anos depois Hermann Scherchen convidou-o para
estudar regência em Zurich por dois anos. Já adepto das ideias de Mario de
Andrade, preferiu viajar para Recife e estudar a música popular e folclórica nor-
destina. Afastou-se gradualmente da pregação de Koellreutter, sem o radicalis-
mo das atitudes de Santoro e de Eunice, mas em 1952 passou a manifestar total
rejeição à dodecafonia. No ano seguinte, publicou o artigo “Que ismo é esse,
Koellreutter”, violento ataque pessoal a seu ex-professor, com quem nunca re-
atou relações, ao contrário de Santoro e de Eunice. Como Radamés, Guerra-
Peixe manteve intensa atuação como orquestrador de música popular, ao lado
de suas principais atividades – as de compositor, professor de composição e
pesquisador.
Criadas em 1955, as Trovas capixabas servem-se de quadras publicadas por
Guilherme Santos Neves no Cancioneiro capixaba de trovas populares e afir-
mam a adesão do compositor ao nacionalismo mariano. Ainda que breves, essas
Trovas demonstram um nível de elaboração pouco acessível ao ouvinte comum,
mesmo com a presença constante da síncope. Abaixai ó limoeiro é polimodal; Ó
lua que estás tão clara tem melodia suspensa, sem pontos de apoio ou cadên-
cias conclusivas; Tanto verso que eu sabia é das poucas que apresentam um
centro tonal, em ré maior; Ainda que o fogo apague é atonal, com acompanha-
mento baseado em arpejos em quintas; Vou-me embora utiliza tríades maiores
e menores sem funções tonais na parte do piano e melodia polimodal no canto.
Hans Joachim Koellreutter – dados biográficos à pagina 13.
Os Noturnos 1 e 2, de 1945, foram publicados em 1947 em Montevidéu pela Co-
operativa Interamericana de Compositores. Os versos de Oneida Alvarenga,
adaptados pelo compositor, fazem parte da coletânea A menina boba, de 1938,
e apresentam métricas livres e rimas brancas, características do modernismo
brasileiro. Os Noturnos foram escritos para voz média e quarteto de cordas, com
posterior transcrição do quarteto para o piano. Ambos utilizam livremente os 12
sons da escala cromática, mas o primeiro utiliza no início a técnica dodecafô-
nica e se encaminha para o atonalismo. São contrapontísticos e tem influência
direta do expressionismo schoenberguiano; abundam os intervalos de sétima
maior e menor, os contrastes de intensidade e a métrica variável. Todas as re-
giões do piano são exploradas; da cantora é exigido o domínio de uma ampla
tessitura vocal.
Claudio Santoro (Manaus/AM 23/11/1919 – Brasília/DF 27/3/1989) obteve aos
12 anos bolsa do governo amazonense para estudar no Rio de Janeiro, onde
ingressou no então Conservatório de Música do Distrito Federal, do qual tornou-
se professor de violino e harmonia, após concluir o curso em 1936. Passou a
estudar composição com Koellreutter em 1940. Três anos depois, obra sua re-
cebeu menção honrosa em concurso realizado em Washington e em 1946 rece-
beu bolsa da Fundação Guggenheim para estudar nos EUA, o que não ocorreu
em função de sua ligação com o partido comunista, quando já era patente seu
afastamento das diretrizes koellreuterianas. No ano seguinte, graças ao regente
Charles Munch, recebeu bolsa de estudos para Paris, onde estudou com Nadia
Boulanger e Eugène Bigot. Em 1948, foi premiado pela Fundação Lili Boulanger,
de Boston, participou do Congresso de Compositores em Praga, e passa a difun-
dir o realismo socialista em arte, que defendeu até cerca de 1960, quando reatou
relações com Koellreutter. Em 1962, coordenou a criação do Departamento de
Música da Universidade de Brasíli.
As cinco canções sobre A menina boba começaram a ser compostas em 1944,
sobre textos da coletânea de Oneyda Alvarenga de que Koellreutter se servira
em seus Noturnos. A menina exausta XII venceu o concurso da Associação
Riograndense de Música e foi publicada em 1946 pela Cooperativa Interame-
ricana de Compositores com outra peça deste conjunto, Asa Ferida. Uma su-
posta integral do ciclo, com quatro canções, foi publicada na década de 1980,
na Alemanha. Até então, pesquisadores e intérpretes de Claudio Santoro não
tinham conhecimento da quinta canção, que leva o número “III” no manuscrito
datado de 1946, do qual recebemos cópia graças à amabilidade de Gisele e de
Alessandro Santoro, viúva e filho do compositor. Essa canção, até hoje inédita, é
seguramente apresentada em primeira audição mundial.
Enquanto as quatro canções editadas foram escritas utilizando a técnica dode-
cafônica, embora apresentando certa flexibilidade em favor da expressividade,
a quinta, manuscrita, afasta-se deste modelo pelo canto baseado em sons repe-
tidos. Construída sobre um baixo ostinato rítmico, conserva das demais a escrita
contrapontística e o uso de intervalos dissonantes, inserindo os doze sons da es-
cala cromática no compasso final. Talvez Santoro a tenha concebido para fazer
par com A menina exausta I, que utiliza motivos rítmicos e melódicos sincopados
que aludem aos ritmos populares brasileiros. Desta forma, a primeira funciona-
ria como introdução, a segunda como um movimento mais lento e dramático, a
terceira e a quarta mais rítmicas e a última, de caráter improvisatório, seria uma
coda do ciclo. Esta é a ordem em que estas peças serão apresentadas pelo Duo
Ouvir Estrelas.
DUO OUVIR ESTRELAS
A mezzo-soprano Clarissa Cabral e a pianista Eliana Monteiro da Silva forma-
ram o Duo Ouvir Estrelas após o curso de mestrado na Universidade de São
Paulo, onde pesquisaram obras de Clara Schumann. Enquanto Clarissa Cabral
analisou seus lieder, Eliana Monteiro da Silva analisou a obra pianística dessa
compositora praticamente desconhecida no Brasil. Deste encontro resultram
a publicação do livro Clara Schumann: compositora x mulher de compositor
(2011) e o CD Clara Schumann − lieder e piano solo (2012). Desde então o duo
vem se apresentando regularmente em recitais divulgando, principalmente, a
música de mulheres compositoras. Esta especificidade rendeu-lhes a home-
nagem feita pela compositora Nilceia Baroncelli com a canção Ouvir estrelas,
sobre poema de Olavo Bilac) e com a peça para piano solo Os tons da clarida-
de. Suas atividades artísticas e acadêmicas são publicadas em site próprio e
página no Facebook: http://duoouvirestrelas.com/ https://www.facebook.com/
DuoOuvirEstrelas.
Clarissa Cabral é membro do Coral da OSESP e do Coral Audi Coelum. Tem
atuado como solista da Camerata Antiqua de Curitiba, da Camerata Fukuda e da
Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo. Em São Paulo, estudou na Escola
Municipal de Música e na Escola de Comunicações e Artes da USP. Estudou
flauta transversal com Wilson Resende, cravo com Terezinha Saghaard e piano
com Sonia Albano e Amilcar Zani. Sob orientação deste último concluiu bacha-
relado e mestrado na ECA-USP. Em 2003 iniciou trabalho de técnica vocal com
o tenor brasileiro Marcos Thadeu, continuado com Rosa Dominguez e Ulrich
Messthaler (Basel – Suíça).
Eliana Monteiro da Silva fez Bacharelado em piano pela Faculdade de Música
Carlos Gomes e mestrado e doutorado pela Escola de Comunicações e Artes
da USP. Teve como professores de piano Walkyria Passos Claro, Roberto Sa-
bbag, Gilberto Tinetti, Heloísa Zani e Beatriz Balzim, com quem desenvolveu
pesquisa de doutorado financiada pela FAPESP. É autora de livros, capítulos de
livro e artigos em português e inglês em periódicos como Opus, Hodie, Revista
Brasileira de Música e Concerto; participa de festivais e congressos no Brasil
e no exterior.
31
 programação extraordinária

Sala Cecília Meireles

19 de outubro de 2015, segunda-feira, 19h

Coletivo Chama canta Mário de Andrade

Mário de Andrade Viola quebrada (vinheta de introdução)
Mário de Andrade, Francisco Mignone Rudá
Mário de Andrade, Francisco Mignone Cantiga do ái 
Mário de Andrade, Lorenzo Fernandes Toada pra você
Mário de Andrade, Camargo Guarnieri Despedida sentimental
Mário de Andrade, Camargo Guarnieri Cantiga do Pai do Mato 
Thiago Thiago de Melo, Edu Kneip Certezas inacreditáveis
Thiago Amud, Guinga Brasiléia
anônimo Tatá Engenho Novo
Renato Frazão Dona da casa
anônimo, recolhido por Mario de Andrade Dona da casa
anônimo, recolhido por Mário de Andrade Róseas flores d’alvorada
anônimo, recolhido por Mário de Andrade Suíte da Nau Catarineta
Dobrado de chegada
Canto de remar
Romance da Nau Catarineta
Avarias
Barcarola final
Peã
Mário de Andrade Viola Quebrada
(harmonização de Heitor Villa Lobos)

arranjos e direção musical Ivo Senra e Thiago Amud

voz e violão Fernando Vilela, Renato Frazão, Thiago Amud, Thiago Thiago de Melo
voz, guitarra e percussões Pedro Sá Moraes violoncelo Pablo de Sá bateria e glockenspiel Lucio Vieira
sintetizadores, programação de sintetizadores e piano Ivo Senra

Formado por sete músicos e um artista visual – Cezar Altai, realizado no SESC em 2012, e em unidades da Caixa Cul-
Fernando Vilela, Ivo Senra, Pedro Sá Moraes, Renato Frazão, tural em 2014.
Sergio Krakowski, Thiago Amud e Thiago Thiago de Melo – o A partir de 2012, os artistas do Chama apresentam o pro-
Coletivo Chama marca espa- grama Rádio Chama, transmitido
ço na cena da nova música pela Rádio Roquette Pinto FM,
brasileira com seu espírito in- com um conceito bastante radical
quieto e busca constante em de diversidade musical, (do erudito
diálogo com a arte inventiva contemporâneo ao folclore africa-
de hoje e de sempre. no, da MPB ao free jazz europeu.
Desde 2011, o grupo Atualmente, o Coletivo está
promove uma programa- mergulhado numa curadoria de
ção cultural na qual se des- cinco espetáculos na Sala Funar-
tacam as quatro edições te Sidney Muller, como parte do
do festival anual “Brazilian projeto “Contemporâneos na Sala
Explorative Music”, que Funarte”, e na finalização do proje-
apresentou dezenas de ar- to de pesquisa “Música Chama”,
tistas brasileiros ao público com apoio da FAPERJ, para publi-
nova-iorquino; as edições car livro reunindo textos sobre sua
da série “Nascente e Foz”, atuação e sobre os questionamen-
realizadas em unidades da Caixa Cultural em 2014 e na tos em que está envolvido, dentro do universo da MPB, e
FLIP em 2015; o mini-festival Transversais do Tempo, para gravar o álbum “Todo Mundo é Bom”, o primeiro a reunir
com shows debates sobre música e cultura brasileira, canções de todos os seus artistas.

“A música popular brasileira tem poucos rivais no mundo, quando se trata de sofisticação estrutural. Isso não impediu que
pelo menos um grupo de exploradores se lançasse ao desafio de acrescentar ainda mais meandros. Os artistas do Coletivo
Chama empunham formas avançadas de construir, desmantelar e por vezes sacudir as bases de uma canção.”
Jon Pareles, NY Times
32
Há setenta anos o Brasil perdia um de seus maiores poetas,
pesquisadores e pensadores. O inventor de Macunaíma,
poeta da Paulicéia desvairada, investigador da língua bra-
sileira, correspondente contumaz e turista aprendiz, partiu
jovem mas deixou como legado uma obra multifacetada e
ecos incontornáveis da missão que tomou para si – muitas
vezes, reconhecia, em detrimento de sua própria realização
artística: a de formular e propagar um sentido de pátria,
uma síntese, mais propositiva do que descritiva, das dife-
rentes vertentes que conformavam o jovem Brasil.
Ao contrário do que preconiza o receituário pós-moder-
no – a valoração da multiplicidade espontânea de brotações
híbridas de expressões culturais, de modo geral afinados
pelo diapasão “espontâneo” do pop – Mário, modernista
que era, acreditava em ambiciosas sínteses. Entre a tradi-
ção e o futuro, o erudito e o popular, o negro e o europeu, o
ganzá e o pentagrama. Por seu envolvimento com políticas
públicas na área de cultura, concebeu e coordenou exten-
sas pesquisas e a catalogação de formas musicais popula-
res em todo o país. Parte significativa do conhecimento e
do valor que conferimos a esses mananciais deve-se a esse
esforço de décadas.
Outra herança da relação de Mário com a música, me-
nos difundida e valorizada, é sua influência na formulação
de caminhos para o que ele chamava de “música artística”
nacional. Nela, técnicas e tendências estéticas europeias se
entrecruzariam com a inspiração mítica, temática e formal do
folclore. Embora, em retrospectiva, nos seja fácil olhar com
distanciamento a prescrição segundo a qual “o artista só tem
que dar pros elementos já existentes uma transposição eru-
dita que faça da música popular, música artística”1, também
é fácil perceber quão ricos, expressivos, fundamentais são
tantos dos resultados motivados por essa busca. Difícil, na
verdade, é compreender como é exígua a difusão de obras
como as de Camargo Guarnieri, Francisco Mignone, Lorenzo
Fernandes e mesmo Villa Lobos, exceto entre círculos restri-
tos de especialistas e connoisseurs.
Diria o poeta, sem papas na língua: “nós, modernos,
manifestamos dois defeitos grandes: bastante ignorância e
leviandade sistematizada”2. Tomemos com doses de amo-
rosa cautela a verve crítica, virulenta, de Mário voltando-se
com frequência contra muito do que lhe chegava aos ouvidos
através do rádio ou da indústria de discos. Adjetivos como
“popularesco” ou “submúsica”, usados para desqualificar a
produção comercial contemporânea, indicam atitudes que
dificultam acompanhar e fazer justiça à complexidade do
fenômeno MPB. 3 Ele brota na tumultuosa confluência entre
agitação política e indústria cultural, num caldo formativo
combinando educação formal e botequim, pau-de-arara e
vanguarda, e representa uma espécie de desdobramento
tardio, ou canto do cisne, do projeto modernista. Uma voz
– multifônica, às vezes cacofônica – brasileira, amplamente
compartilhada, combinando alto grau de realização artística,
invenção, crítica e insight.
No entanto, como é da natureza de tudo que é moder-
no, também esse fenômeno paulatinamente se dissolveu.
Embora artistas de enorme talento sigam criando obras
muito potentes, seu alcance, de modo geral, é restrito a
pequenos nichos. Impulsionado pelo diapasão surpreen-
dentemente consonante de rebeldia estético-política e de-
mandas cada vez mais conservadoras da indústria cultural,
o campo representado pela sigla MPB foi gradativamente
conformando-se ao imediatismo da recepção, da eficácia
comunicativo-comercial. Desenvolveu-se um novo crivo tá-
cito, que acolhe umas tantas coisas e estigmatiza formas
que provoquem além de um certo nível de estranhamento,
ou que exijam maiores esforços de atenção, numa era em
que seu déficit torna-se norma e não desvio.
Homenagear, hoje, o legado musical de Mário de An-
drade significa para o Coletivo Chama a busca por uma
compreensão, ao mesmo tempo responsável e fértil, da
complexa teia de influências e negativas, projetos e ruínas,
memórias e recalques. Não há saída fácil – especialmen-
te quando se almeja construir vidraças, mais do que atirar
pedras – para os dilemas que se colocam: que vida ainda
resiste nos arbustos já ressequidos do folclore, sob o sol in-
clemente da novela das nove? Como conciliar a potência da
herança MPBista que acolheu e incorporou tanto elemen-
tos “nobres” quanto matéria prima “de consumo imedia-
to”, com esta estéril impressão de “fim da história”, onde
não há mais montanhas a escalar?
Esta é uma das primeiras vezes que o Coletivo sobe ao
palco em conjunto. Selecionamos a maior parte do reper-
tório entre as gravações que estão nos dois LPs do pro-
jeto “Mário – 300, 350” lançado pela Funarte em 1983 e
dividido em dois blocos fundamentais: um com obras de
Guarnieri e Mignone sobre poemas de Mário e outro com
seis belas canções em torno do romance da Nau Catarine-
ta, cuja diversidade de formas e exuberância mítica ilustra
bem a pesquisa folclórica de Mário, além de revelar um
grande arquétipo formador do Brasil, que é a navegação. O
show também passeia por outros estilos da predileção do
pesquisador, como a modinha imperial e o coco da Zona da
Mata, e por canções contemporâneas que dialogam com a
herança andradiana.
Os arranjadores e diretores musicais – Ivo Senra e
Thiago Amud – motivados pelas reflexões que esboçamos
acima, mergulharam no material com a liberdade e a insti-
gação que só os pontos de interrogação permitem. O feixe
de luz-canção não mais se concentra com uma lente de
aumento sobre uma síntese-nação unívoca, mas se refrata
pelo prisma das questões em suspenso, projetando nas su-
perfícies ao redor uma riqueza de geometrias e cores. Em
busca desta abertura, são utilizadas estruturas desenvolvi-
das na música de concerto contemporânea, como sentidos
escandidos de tempo, rompendo a lógica das quadraturas
e compassos e a utilização de textura, ruído e aleatoriedade
em diálogo arquitetônico com os discursos tradicionais de
versos, melodia e harmonia.
Este show não é um empreendimento crítico e pode,
portanto, atirar-se no abismo de uma resposta sem dar
conta dos tantos argumentos e contra-argumentos que a
boa dialética exigiria. Não nos consideramos, no entanto,
eximidos do diálogo com as estruturas e linguagens que
vêm se combatendo e acumulando no campo da própria
música. Foi necessário implodir cercados artificiais que
segregam popular e erudito; restabelecer a conexão com
uma linhagem de criadores brasileiros cujas obras perma-
necem vibrantes, ainda que seu projeto de nação tenha
sido desconstruído; navegar rio acima em busca da seiva
essencial do Brasil – confluência de mito e memória, po-
roroca enfurecida de “nosso” e “alheio” – e rio abaixo, le-
vando notícias da Nau Catarineta para um futuro tanto mais
ansiado quanto insondável.
Pedro Sá Moraes
1 ANDRADE, M. de. Ensaio sobre a música brasileira. São Paulo:
Martins, 1972, 3a ed., p.16.
2 idem, p.13.
3 GONZÁLEZ, J. P. “Carne para alimento de rádios e discos o
conceito de música popularesca na obra musicológica de Mário
de Andrade”. Revista do Instituto de Estudos Brasileiros, v. 57,
2013, p. 139–160.
33
 Governo do Estado da Bahia
governador Rui Costa
Secretaria de Justiça, Direitos Humanos e Desenvolvimento Social
secretário Geraldo Reis

Instituto de Ação Social pela Música

Conselho de Administração
Presidente
Roberto Figueira Santos
Vice Presidente
Manoel Joaquim F. Barros Sobrinho
Membros
Anna Helena Mariani Bittencourt, Augusto Sampaio de Souza, Daniel Maurice Elie Huet, Edivaldo M. Boaventura,
Jorge Sampaio, José Sérgio de Oliveira Andrade, Luiz Fernando Studart Ramos de Queiroz,
Mauricio Ganem Pitangueira, Maria Caetana Cintra Santos
Conselho Fiscal
Maria Quitéria Castro de Oliveira, Paulo Novais de Almeida,
Lucia Leão Jacobina Mesquita, Virginia Maria Veiga da Senna (suplente)
Direção Geral
Ricardo Castro
Direção Musical
Eduardo Torres
Direção Institucional
Beth Ponte
Gerência Pedagógica
Obadias Cunha
Gerência Administrativo-Financeiro
Suzana Viana

Orquestra Juvenil da Bahia
violinos I Guilherme Teixeira da Silva (spalla), Enã Deuel Barbosa Santos, Geisiane da Silva Santos,
George Lavigne dos Santos, Ícaro Smetak, Jeanderson Barbosa de Lima, Karen Gabriele Nino Rosa,
Marivaldo Liberato Neri Junior, Mateus Correia de Oliveira, Priscila Figueiredo Souza,
Priscila Gabrielle Rodrigues Silva Santos, Reinaldo Santos Silva
violinos II Dâmaris dos Santos (chefe de naipe), Adeilson Sodré, Ainoã Santos Cruz, Ana Celi de Carvalho Venturini,
Caique Spózito Guimarães da Silva, Eliel Santana Santos, Fabrizio D’Andreamatteo Filho, Karen Silva Santos,
Keila Maielle Salgado Oliveira, Mateus Rafael Mariani Miranda, Uiler Moreira de Souza, Bruno Henrique Smetak
violas Jhonatan dos Santos (chefe de naipe), Allan Resedá dos Santos Leite, Gerusa Maria França Conceição,
Ana Florência Paulin, Eduardo Lopes Conceição, Elson Freitas Jesus Santos, Tarsis Araújo Cruz
Lais Guimarães dos Santos Costa, Nataly Maria do Vale, Ramiris de Oliveira Silva
violoncelos Laís Tavares Gomes (chefe de naipe), Aleska Russo, Caio Barbosa Cunha de Azevedo,
Caio Soares de Brito, Jéssica Correia dos Santos, Joás Ferreira Neves, Nilton Cerqueira,
Marcos Vinícius Santana Magalhães, Victor de Oliveira Macêdo
contrabaixos Yaiza Prieto Garcia (chefe de naipe), Alexsandro Alves Souza, Eduardo Alemán,
Francisco Alves de Souza, Kivia Silva Santos, Marcelle Elvira Miranda
flautas Laila Yamilla Maleh Menehem (chefe de naipe), Clara Letícia Nascimento Correia,
Felipe Almeida Alves Silva, Jonadabe de Jesus Santos Batista
oboés Sandra Paola Romero Rojas (chefe de naipe), Erica Barreto Smetak, Jadison de Jesus Santos, Mariana da Cruz Sales
clarinetas Adauri Oliveira (chefe de naipe), Indira Dourado Monteiro da Costa, Amanda Müller (convidada)
clarone Renan Jesus Pinto
fagotes Valter Pedro Rodrigues (chefe de naipe), Esdras Santana Santos,
Luis Felipe Santana de Souza, Paulo Vitor Bispo Ferreira
trompas Orlando Afanador Florez (chefe de naipe), André Leite de Menezes, Uriel Borges Vieira Silva,
Washington Nascimento Pereira, Davi da Silva Brito (convidado)
trompetes Helder Passinho Jr. (chefe de naipe), Lucas Felipe Araújo Machado Silva,
Manoel Passos Ribeiro Neto, Rodrigo Reis Silva Santos Silva
trombones Michele Girardi (chefe de naipe), Bruno Duarte Souza Conceição, Otávio Correa da Silva, Pedro Degaut
tuba Jamberê Ribeiro de Cerqueira (chefe de naipe)
percussão David Oliveira Martins (chefe de naipe), Celso Teixeira do Amaral Neto, Everton Isidoro Santos Silva,
Fabio da Silva Santos, Rian Moares Mourthé, Tainnã Chagas Batista
harpa Diego Souza Gomes da Cruz Costa
piano Bruno Leão

produção técnica Rogério Lima, Daniel Machado

montador de orquestra Alânderson Silva
34
 Universidade Federal do Rio de Janeiro
reitor Roberto Leher Reitor

Centro de Letras e Artes

decana Flora de Paoli Faria

Escola de Música
diretora Maria José Chevitarese

Setor Artístico
diretor adjunto Marcelo Jardim

Orquestra Sinfônica da UFRJ (naipe de cordas)

direção artística André Cardoso e Ernani Aguiar

violinos Adonhiran Reis, Fábio Peixoto, Felipe Prazeres e Marco Catto Ribeiro (spallas); Amanda Tavares,
Ana Judith Catto Ribeiro, André Bukowitz, Andreia Carizzi, Angélica Alves, Arthur de Andrade Pontes,
Caroline de Santa Rosa, Felipe de Souza Damico, Fernando Matta, Her Agapito, Inah Kurrels Pena,
Kelly Davis, Leonardo Bandeira, Marília Aguiar, Marcos Vinícius da Silva Graça,
Maressa Neves Portilho, Mauro Rufino, Ranan Antonini, Ricardo Coimbra,
Sarah Cesário, Sonia Katz, Talita Vieira, Thierry de Lucas Neves
violas Carlos Eduardo Batista Tavares, Cecília Mendes, Erick das Neves Alves, Francisco Pestana,
Ivan Zandonade, Jessé Pereira, Rúbia Siqueira, Thaís Mendes
violoncelos Diogo Moura de Souza, Eleonora Fortunato, Gretel Paganini, Liana Meirelles Paes, Mateus Ceccato,
Marzia Miglietta, Murillo Gandine Gonçalves, Paulo Santoro, Ricardo Santoro
contrabaixos Larissa Coutrim, Rodrigo Favaro, Saulo Generino, Tarcísio Silva, Voila Marques

produção Vanessa Rocha, André Garcez

montagem Paula Buscássio, arquivo Sérgio Di Sabbato
monitores Bianca Vieira, Clara Santos, Murillo Gandine, Raphael Linhares

Coro Brasil Ensemble-UFRJ

direção artística Maria José Chevitarese

sopranos Aline Talon, Kamille Távora, Crislaine Hildebrant Netto, Luísa Kurtz, Isabela Cristina Freitas, Isabela Oliveira,
Juliana Sampaio, Luísa Lima, Marcela Melo, Mariana Gomes, Marilda Sant’Anna, Priscila Bastos, Tatiana Nogueira
mezzos Beatriz Simões, Carla Antunes, Francielle Idala Dias, Hosana Aguiar Fernandes, Susan Cruz,
Maria Vitória Ferreira Borges, Telma Pará, Helena Lopes, Rafaela Fernandes
tenores Anderson Bruno de Azevedo, André Novaes, Bruno Anjos, Edmundo Cardoso Filho, Felipe Tenório,
Christopher Morgado, Guilherme Fonseca, Guilherme Moreira,
Roberto Monteiro Salles, Zangerolame Tabosa.
baixos Felipe Naim, Fernando Lourenço, Gabriel Giacomini Moura, Gilmar Garantizado, Kaique Stumpf,
Leon Nascimento, Leonardo dos Santos Soares, Marcelo Coelho, Ullisses Areias César

35
 Universidade Federal Fluminense
Reitor Prof. Sidney Luiz De Matos Mello
Vice-Reitor Antônio Cláudio Da Nóbrega

Centro de Artes
Superintendente Leonardo Guelman
Coordenador de Música Márcio Selles
Chefe da Divisão de Música Sinfônica Águeda Sano

Orquestra Sinfônica Nacional da UFF

Comissão Artística Deivison Branco, Janaína Salles, Murilo Barquette

violinos I Anderson Pequeno e Tais Soares (spallas), Leonardo Fantini (concertino), Álvaro Teixeira, Carlos Weidt, Elisa Pais, Giseli Sam-
paio, Holly Katz, Juan Marcelo Capobianco, Luisa de Castro**, Tomaz Soares**, Vera Kingkade
violinos II Deivison Branco, Daniel Andrade, Juliana Fernandes**, Keeyth Vianna, Ladislau Brun,
Priscila Araújo, Rubem de Oliveira, Sônia Nogueira
violas Fernando Thebaldi, Stoyan Gomide, Carlos Fernandes, Daniel Prazeres, Diego da Silva, Reneide Simões, Tina Werneck
violoncelos Diana Lacerda, , Marcus Ribeiro, Daniel da S. e Silva, Gabriela Sepúlveda, Henrique Drach,
Hudson Lima, Janaina Salles, Luciano Corrêa, Ronildo Alves
contrabaixos Raul d’Oliveira, Clay Protásio, Jorge Oscar, Lise Bastos**, Natália Terra
flautas Murilo Barquette, Andrea Ernest Dias, Helder Teixeira**
oboés Jeferson Nery, Moisés Maciel
clarinetas Anderson Alves, Marcio Costa
fagotes Otacílio Lima, Marcos Campos, Cosme Silveira**
trompas Marcos Vilas Boas, Geraldo Alves, Waleska Beltrami
trompetes Flávio Melo, Nelson Oliveira, Delton Braga, Elias Vicentino
trombones Sérgio de Jesus, Ezequiel Alexandre, Jorge Leite, Luiz Augusto Pereira
tuba Carlos Veja
percussões André Santos, Karla Bach**, Paulo Bogado, Nirailton Nascimento, Sérgio Naidin
harpa Vanja Ferreira

produção Aline Picanço Campos

inspetor Felipe Maximiano
arquivista e editor de partituras Glauco Martins Baptista
montadores Bruno Caldas, Robson Santos
administração Carla Moreno e Marilda Ribeiro
bolsista de produção cultural Raquel Lyra

(**) músicos em licença

36
Sobre a Funarte
A Fundação Nacional de Artes – Funarte é uma institui-
ção do Governo Federal vinculada ao Ministério da Cul-
tura. É responsável pelo desenvolvimento, em todo o
Brasil, de políticas públicas de fomento à música, às
artes cênicas (teatro, dança e circo), às artes visuais
e às artes integradas. Seus objetivos principais são o
incentivo à produção e à capacitação de artistas, ao
desenvolvimento da pesquisa, à preservação da me-
mória e à formação de público para a manifestação das
artes no país. Para o cumprimento dessa missão, a Fu-
narte concede bolsas e prêmios, mantém programas
de circulação de artistas e de bens culturais, promove
oficinas para reciclagem e atualização de gestores e
de dirigentes de órgãos culturais e artísticos, fornece
consultoria técnica e apoia eventos artístico-culturais
em todos os estados brasileiros e no exterior, além de
manter espaços no Rio de Janeiro, São Paulo, Minas
Gerais, Distrito Federal e no Recife. Sua atuação, em
consonância com as secretarias do Ministério da Cul-
tura, é exercida através de quatro Centros: Centro de
Artes Cênicas (incluindo circo, dança e teatro), Centro
de Artes Visuais, Centro de Programas Integrados e
Centro da Música.
O Centro da Música/Cemus está dividido em três
coordenações, voltadas para as bandas, a música eru-
dita e a música popular, numa separação mais formal
do que real, em função dos trabalhos conjuntos que
efetuam. As ações são realizadas tanto por meio do
lançamento de editais públicos como a partir de pro-
gramas específicos, que objetivam a edição de livros
e de gravações sonoras; o apoio a festivais, apresen-
tações e mostras de música; o fomento à criação e à
produção de obras, produtos e projetos; a distribuição
de instrumentos de sopros a bandas de música; o es-
tímulo à circulação e divulgação de trabalhos musicais
diversificados; a qualificação e difusão de conheci-
mentos e a capacitação, aperfeiçoamento, reciclagem
e circulação de artistas e técnicos; a realização de cur-
sos de breve duração; a promoção e participação em
debates sobre políticas públicas para a área musical.
Bienal de Música Brasileira Contemporânea
As Bienais de Música Brasileira Contemporânea foram
criadas, em 1975, por Edino Krieger e Myriam Dauel-
sberg, com apoio da sala Cecilia Meireles, palco privi-
legiado desses eventos que já ocuparam diversos ou-
tros espaços no Rio de Janeiro. A partir de 1981, elas
passaram a ser organizadas pelo Centro da Música da
Funarte. Criadas num ano ímpar, elas foram realizadas
sem interrupção desde sua primeira edição.
As obras que apresentam passam por critérios de
seleção, em geral envolvendo concursos lançados no
ano de realização de cada evento. A partir de 2010,
foi decidido que a seleção seria feita nos anos pares,
envolvendo tanto concurso como encomendas.
O mecanismo do concurso é relativamente sim-
ples: lançamos um edital para obras inéditas, divididas
em seis categorias, da orquestra sinfônica ao solo,
com as especificações necessárias e pagamentos di-
ferenciados para cada caso. As partituras recebidas
são analisadas por uma comissão de compositores
e de regentes designada pela Funarte. Em 2014, 316
compositores propuseram 454 partituras, 37 das quais
foram selecionadas; uma delas foi posteriormente
desclassificada, quando constatamos que já estava
sendo divulgada pela internet desde 2013, em frontal
desacordo com o ineditismo exigido pelo edital.
As encomendas demandam uma engenharia mais
sofisticada. Para evitar favoritismos, procuramos cri-
térios de seleção que tenham alguma objetividade.
Em 2010, foram encomendadas obras a compositores
que participaram de 14 ou mais Bienais. Como esse
critério não poderia mais ser repetido, em 2012 defi-
nimos um colégio eleitoral formado por compositores
que participaram de cinco ou mais Bienais e por regen-
tes que nelas dirigiram duas ou mais obras sinfônicas.
Cada membro desse colégio indicou 10 nomes; as
encomendas foram atribuídas aos mais votados. Em
2014, o colégio eleitoral foi ampliado com a inclusão
de professores de composição em cursos universitá-
rios de música.
As obras apresentadas são gravadas e depositadas
em nosso Centro de Documentação. A partir de 2013,
passaram também a ser filmadas para divulgação na-
cional e internacional. As páginas seguintes trazem in-
formações estatísticas sobre a quantidades de obras
e de compositores que se apresentaram em todas as
edições da Bienal.
Mais informações sobre a Funarte podem ser en-
contradas no site www.funarte.gov.br, que traz seções
relacionadas aos Centros. O contato com o Centro da
Música pode ser feito através do e-mail cemus@funar-
te.gov.br e pelo telefone (21) 2279-8107.
37
 Tabela A Tabela B
34 compositores concursados, 30 compositores contemplados
por ordem alfabética com encomenda de obra, por votos recebidos

Nomes Ano Votos Nomes

Alexandre Schubert 1970 29 Paulo Costa Lima
Alexandre Espinheira 1972 21 Liduino Pitombeira
Alexandre Ficagna 1983 18 Eli-Eri Moura
Aquiles Guimarães * 1976 16 Jorge Antunes
Caio Márcio dos Santos * 1981  15 Marisa Rezende
Caio Pierangeli 1987  15 Flo Menezes
Cadu Verdan * 1989  14 Roberto Victório
Clayton Ribeiro * 1975 14 Wellington Gomes
Danniel Ferraz 1989  12 Marlos Nobre
Daniel Vargas 1985  12 Harry Crowl
Emanuel Cordeiro * 1983  11 Marcos Lucas
Felipe Lara 1979  10 Jocy de Oliveira
Fliblio Ferreira * 1978  10 Silvio Ferraz
Fred Carrilho 1971  10 Edson Zampronha
Gilson Beck 1982  10 Pauxy Gentil-Nunes
Gustavo Penha 1983 10 Marcílio Onofre
Henderson Rodrigues * 1976 10 Aylton Escobar
Ivan Eiji Simurra 1984 10 Alfredo Barros
J. Orlando Alves 1970 9 João Pedro de Oliveira * -
Julian Maple * 1993  9 Marcus Siqueira
Lucas Duarte 1990 9 Edino Krieger
Mario Ferraro 1965  8 Antônio Borges-Cunha
Matheus Bitondi 1979 8 Valério Fiel da Costa
Mauricio Dottori 1960  8 Paulo Rios Filho
Nikolai Brucher 1979  7 Ricardo Tacuchian
Paulo Raposo 1983 7 Ronaldo Miranda
Roseane Yampolschi 1956 7 Rodolfo Coelho de Souza
Rubens Tubenchlak 1968  7 Alexandre Lunsqui
Sam Cavalcanti * 1982  6 Raul do Valle
Sérgio Kafejian 1967 6 José Augusto Mannis
Tauan Gonzales Sposito * 1991  388 Total de votos recebidos pelos 30 com positores
Thiago Diniz * 1988 
Ticiano Rocha 1982  Obs.: 202 compositores foram indicados para receber encomenda
de obra por um colégio eleitoral composto por 79 compositores,
Vitor Ramirez * 1993 regentes e professores universitários de composição, cada um dos
quais votou em 10 nomes. As encomendas foram atribuídas aos
Obs.: O Prêmio Funarte de Composição Clássica 30 nomes mais votados, considerando o critério de maior idade
2014 selecionou, mediante concurso, 37 obras para nos casos de empate. Desses compositores, apenas João Pedro
serem apresentadas na XXI Bienal. Para esse Prê- Oliveira participa pela primeira vez de uma Bienal.
mio, foram inscritas 454 obras de 321 composito-
res, 133 dos quais concorreram com duas obras. Os * compositor português, radicado em Belo Horizonte,
compositores Mario Ferraro e Daniel Vargas foram apresentado pela primeira vez numa Bienal
contemplados com duas obras.

* compositores apresentados pela primeira vez

numa Bienal

38
 Tabela C
64 compositores de obras encomendadas e concursadas, por Unidade de Federação

UF Nomes C/E Totais UF Nomes C/E Totais

AC Rubens Tubenchlak
Alexandre Espinheira
Danniel Ferraz
BA Paulo Costa Lima
Paulo Rios Filho
Wellington Gomes
Alfredo Barros
CE Liduino Pitombeira
Henderson Rodrigues
Alexandre Schubert
Daniel Vargas **
Harry Crowl
João Pedro Oliveira *
MG J. Orlando Alves
Lucas Duarte
Marcus Siqueira
Thiago Diniz
Vitor Ramirez
Emanuel Cordeiro
PA
Valério Fiel da Costa
Eli-Eri Moura
Marcílio Onofre
PB
Sam Cavalcanti
Ticiano Rocha
 PE Marlos Nobre
Alexandre Ficagna
PR Jocy de Oliveira
Tauan Gonzales Sposito
Cadu Verdan
Caio Márcio dos Santos
Edino Krieger
Edson Zampronha
Jorge Antunes
Marcos Lucas
Marisa Rezende
RJ
Mauricio Dottori
Nikolai Brucher
Pauxy Gentil-Nunes
Ricardo Tacuchian
Roberto Victório
Ronaldo Miranda
Roseane Yampolschi
C 1 Antônio Borges-Cunha E
RS 2
C Gilson Beck C
C SC Fliblio Ferreira C 1
E 5 Aquiles Guimarães C
E Alexandre Lunsqui E
E Aylton Escobar E
E Caio Pierangeli C
E 3 Clayton Ribeiro C
C Felipe Lara C
C Flo Menezes E
C Fred Carrilho C
E Gustavo Penha C
E SP Ivan Eiji Simurra C 20
C 9 José Augusto Mannis E
C Julian Maple C
E Mario Ferraro ** C
C Matheus Bitondi C
C Paulo Raposo C
C Raul do Valle E
2
E Rodolfo Coelho de Souza E
E Sérgio Kafejian C
E Silvio Ferraz E
4
C TOTAL 64
C
E 1
Observações:
C
E 3 1) Na primeira linha da terceira coluna: “C” indica compo-
sitor que teve obra(s) vencedora(s) no Prêmio Funarte
C
de Composição Clássica 2014 (ter Tabela A); “E” indica
C compositor que recebeu encomenda de obra (ver Tabela
C B);
E 2) O Estado informado é o de nascimento do compositor, e
E não o de sua residência ou formação musical;
E 3) Rio de Janeiro e São Paulo têm a maior quantidade de
E compositores por serem os centros com maior tradição
no ensino de música; os Estados não representados es-
E
14 tão na situação inversa;
C
4) Assinalado com asterisco ( * ), o compositor João Pedro
C Oliveira, nascido em Portugal, é professor de composi-
E ção na Universidade Federal de Minas Gerais.
E ** Os dois compositores assinalados tiveram duas obras
E vencedoras no Prêmio Funarte de Composiçao Clássica
E 2014. O total de 64 compositores é, portanto, inferior ao
total de obras concursadas e encomendadas para essa
C XXI Bienal, que é de 66.

39

Participação de 439 compositores
nas 21 Bienais
(a segunda coluna informa a quantidade de Bienais e de obras por compositor)
Acácio Piedade 1
Agnaldo Ribeiro 13
Alberto Nepomuceno 2
Alceo Bocchino 1
Alda de Oliveira 4
Alessandro Ferreira 1
Alex Kantorowicz 1
Alexandre Birnfeld 1
Alexandre Eisenberg 4
Alexandre Espinheira 2
Alexandre Fenerich 2
Alexandre Ficagna 2
Alexandre Fracalanza 1
Alexandre Lunsqui 3
Alexandre Rachid 1
Alexandre Sanches 1
Alexandre Schubert 7
Alfredo Barros 6
Almeida Prado 17
Alusio Didier 1
Amaral Vieira 2
Ana Lucia Fontenele 1
Andersen Vianna 4
André Martins 2
André Pelágio Bessa 1
André Vidal 1
Angélica Faria 5
Antônio Borges-Cunha 5
Antônio Guerreiro 5
Antônio Jardim 6
Antônio Ribeiro 3
Antônio Valente 1
Aquiles Guimarães** 1
Aquiles Pantaleão 6
Armando Albuquerque* 5
Armando Lobo 2
Arnaldo di Pace 1
Arrigo Barnabé 1
Arthur Bosmans* 1
Arthur Kampela 7
Arthur Rinaldi 1
Ascendino T. Nogueira* 3
Augusto Valente 2
Aurélio Edler Copes 1
Aylton Escobar 9
Berthold Tuerke 1
Beth Alamino 1
Brasílio Itiberê* 2
Brenno Blauth* 8
Bruno Angelo 4
Bruno Kieffer* 7
Bruno Martagão 1
Bruno Py 1
Bruno Speranza 1
40
Tabela D
de Música Brasileira Contemporânea
Bruno T. Ruviaro 4
Bryan Holmes 1
Cacilda Borges Barbosa* 1
Cadu Verdan** 1
Caio Márcio dos Santos** 1
Caio Pierangeli 2
Caio Senna 8
Calimério Soares* 5
Camargo Guarnieri* 13
Carlos Almada 7
Carlos César Belém 2
Carlos Cruz* 12
Carlos dos Santos 2
Carlos Galvão 1
Carlos Henrique Pereira 1
Carlos Stasi 2
Carmo Bartoloni 1
Celso Aguiar 2
Celso Loureiro Chaves 2
Celso Mojola 5
César de M. Haddad 1
César Guerra-Peixe* 12
Chico Mello 3
Christian Benvenuti 1
Cirlei de Hollanda 9
Cláudia Alvarenga 1
Cláudia C. Branco 2
Cláudia C. Simões 1
Cláudio Luz do Val 2
Cláudio Santoro* 12
Clayton Mamedes 1
Clayton Ribeiro** 1
Conrado Silva* 2
Cristiano Figueiró 1
Cristiano Melli 1
Cristina Dignart 2
Cyro Delvizio 1
Daniel Barreiro 1
Daniel Havens 1
Daniel Moreira 1
Daniel Puig 3
Daniel Quaranta 4
Daniel Serale 1
Daniel Vargas 2
Danilo Valadão 1
Danniel Ferraz 2
Denise Garcia 4
Dennys Walsh 1
Didier Gigue 4
Diego Silveira 1
Dimitri Cervo 3
Diogo Ahmed 2
Edgard Felipe 1
Edino Krieger 14
Edmundo Villani-Côrtes 8
Edson Gianesi 1
Edson Tadeu 1
Edson Zampronha 8
Eduardo Bertola 3
Eduardo Camenietzky 1
Eduardo Campolina 2
Eduardo Campos 1
Eduardo Escalante 5
Eduardo Farias 3
Eduardo G. Alvares* 11
Eduardo Miranda 1
Eduardo Ribeiro 1
Eduardo Seincman 4
Egberto Gismonti 3
Elaine Thomazi Freitas 4
Eli-Eri Moura 11
Emanuel Cordeiro** 1
Emanuel Pimenta 1
Emílio Terraza* 4
Ernani Aguiar 9
Ernesto Hartmann 2
Ernesto Nazareth* 1
Ernst Mahle 17
Ernst Widmer* 10
Estércio Marques Cunha 3
Esther Scliar* 2
Eunice Katunda* 3
Fabia Ricci 1
Fábio Adour 1
Fábio Bizzoni 2
Fabio Costa 1
Fabio del A. Taveira 1
Fausto Borém 1
Felipe de Almeida Ribeiro 1
Felipe Kirst Adami 1
Felipe Lara 4
Felipe M. Castellani 2
Felipe Pagliato 1
Fernando Ariani 6
Fernando Cerqueira 10
Fernando Iazzeta 7
Fernando Kozu 2
Fernando Riederer 2
Flávio Santos Pereira 3
Fliblio Ferreira** 1
Flo Menezes 5
Francisco Mignone* 9
Fred Carrilho 5
Frederico Richter 3
Frutuoso Vianna* 1
George Randolph 1
Geraldo Magela 1
Germán Gras 1
Gerson Grunblatt 1
Gilberto Carvalho 2
Gilberto Mendes 15
Gilson Beck 3
Gisele Galhardo 1
Guilherme Alencar Pinto 1
Guilherme Barroso 1
Guilherme Bauer 19
Guilherme Bernstein Seixas 3
Guilherme dos Santos 1
Guilherme Hermolin 1
Guilherme Milagres 1
Guilherme Nascimento 1
Guilherme Paoliello 1
Guilherme Vaz 2
Guillherme Bertissolo 2
Gustavo Alfaix 1
Gustavo Campos Guerreiro 1
Gustavo Penha 2
Gustavo S. de Souza 1
Guto Caminhoto 3
H. Dawid Korenchendler 17
H. J. Koellreutter* 13
Hans. Juergen Ludwig 1
Harold Emert 1
Harry Crowl 11
Heber Schuneman 3
Heitor Alimonda* 4
Heitor Oliveira 1
Heitor Villa-Lobos* 2
Hélcio Müller 1
Helder Oliveira 1
Hélio Bacelar Viana 1
Hélio Ziskind 1
Henderson Rodrigues** 1
Henrique Autran Dourado 2
Henrique Iwao 1
Henrique Morozowicz* 9
Henrique Vieira 1
Hubertus Hofmann* 2
Hudson Lacerda 1
Ignácio de Campos 3
Igor Lintz-Maués 2
Igor Maia 1
Ilza Nogueira 4
Ivan Eiji Simurra 2
Ivan Papargerius 1
J. Orlando Alves 7
Jaceguay Lins* 4
Jailton de Oliveira 2
Jamary de Oliveira 4
James Correa 4
Jamil Maluf 1
Januibe Tejera 4
Jean-Pirre Caron 1
João Carlos Dalgalarrondo 3
João de Souza Lima* 1
João Guilherme Ripper 13
João Mendes* 5
João Pedro Oliveira** 1
João Svidzinski 1
João Victor Bota 1
Jocy de Oliveira 18
Joélio Luis Santos 1
Jonatas Manzolli 3
Jorge Antunes 17
Jorge Meletti 3
José Alberto Kaplan* 10
José Augusto Mannis 8
José Penalva* 4
José Rafael Valle 1
José Siqueira* 8
José Vieira Brandão* 3
Julian Maple** 1
Juliano Valle 2
Juracy Cardoso 1
Kilza Setti 3
Lau Medeiros 1
Leandro Turano 1
Lelo Nazário 1
Leo Vieira 1
Leonardo de Assis Nunes 2
Leonardo Fuks 2
Leonardo Martinelli 1
Leonardo Sá* 5
Liduíno Pitombeiraa 7
Lindembergue Cardoso* 10
Lindolfo Bicalho 2
Lívio Tragtenberg 4
Lourdes Saraiva 2
Lourival Silvestre 7
Lucas Duarte Neves 2
Luciano Cardoso 1
Luciano Leite Barbosa 1
Lúcio Zandonadi 1
Lucius Mota 1
Luigi A. Irlandini 9
Luis Carlos Vinholes 3
Luis Felipe Damiani 1
Luis Passos 1
Luiz Carlos Csekö 15
Luiz Cosme* 1
Luiz E. Castelões P. Silva 2
Luiz Gonçalves 1
Madalena Bernardes 1
Manuel Falleiros 1
Marcelo Birk 2
Marcelo Bittencourt 1
Marcelo Carneiro de Lima 5
Marcelo Chiaretti 1
* Compositores falecidos
** C ompositores apresentados pela primeira vez em Bienal
Marcelo Conduru 2 Otávio Soares Brandão 1 Rufo Herrera 5
Marcelo Malta 1 Pablo Aldunate 1
Marcelo Ohara 1 Pablo Castelar 1
Marcelo Rauta 2 Pablo Panaro 1
Marcílio Onofre 4 Patrícia Regadas 1
Marcílio Rufino dos Santos 1 Paulo César Santana 1
Márcio Bartallini Conrad 2 Paulo Chagas 5
Márcio Cortes 1 Paulo Costa Lima 13
Marco Feitosa 2 Paulo Dantas 3
Marcos Branda Lacerda 2 Paulo de Tarso Salles 3
Marcos Câmara 3 Paulo Guicheney 4
Marcos Campello 1 Paulo Libânio 2
Marcos da Silva 1 Paulo Raposo 3
Marcos Lozano 1 Paulo Rios Filho 3
Marcos Lucas 8 Pauxy Gentil-Nunes 14
Marcos Mesquita 6 Pedro Augusto Dias 6
Marcos Nogueira 7 Pedro Kröger 4
Marcos Silva Ramos 1 Peter Schuback 1
Marcos Steuernagel 1 Potiguara Menezes 1
Marcus Alessi Bittencourt 3 Radamés Gnattali* 7
Marcus Ferrer 4 Rael B. Gimenes 1
Marcus Siqueira 7 Rafael Bezerra 1
Maria Helena da Costa 2 Rafael Nassif 2
Maria Helena R. Fernandes 12 Randolf Miguel 1
Maria Ignez Cruz Mello 1 Raphael Baptista* 1
Mário Ferraro 6 Raul do Valle 19
Mário Ficarelli* 21 Renato Godoy 1
Mário Tavares* 5 Renato Vasconcelos 1
Marisa Rezende 17 Ricardo Rapopport 1
Marlos Nobre 12 Ricardo Szpilman 1
Martin Hauser 1 Ricardo Tacuchian 21
Martin Herraiz 1 Roberto Macedo Ribeiro 3
Matheus Bitondi 3 Roberto Toscano 1
Maurício de Bonis 3 Roberto Victório 17
Maurício Dottori 5 Roberto Vota 1
Maurício R. de Vasconcelos 1 Rodolfo Caesar 12
Michelle Agnes 1 Rodolfo Coelho de Souza 14
Miguel Kertsman 1 Rodolfo Richter 1
Miguel Praguer Coelho 2 Rodolfo Vaz Valente 1
Murillo Santos 20 Rodrigo A. Muniagurria 1
Mylson Joazeiro 1 Rodrigo Cichelli Veloso 10
Natan Ourives 1 Rodrigo Garcia 1
Nayla Barros 1 Rodrigo Lima 3
Neder Nassaro 6 Rodrigo Marconi 1
Nelsindo de Moraes 1 Rodrigo Vitta 1
Nelson de Macedo 9 Rogério Borda 1
Nelson Salomé 1 Rogério Constante 1
Nestor de H. Cavalcanti 17 Rogério Costa 3
Ney Rosauro 1 Rogério Krieger 2
Nikolai Brucher 5 Rogério Vasconcelos 3
Nilson Lombardi* 1 Ronaldo Miranda 18
Norton Dudeque 1 Rosane Almeida 1
Odemar Brígido 9 Roseane Yampolschi 8
Oiliam Lana 2 Rubens Ricciardi 2
Olivier Toni 1 Rubens Tubenchlack 2
Osvaldo Lacerda* 13 Rudá Brauns 1
Ruy Brasileiro Borges 1
Salomão Habib 1
Sam Cavalcanti** 1
Samuel Peruzzolo-Vieira 1
Sérgio Assad 1
Sérgio Barboza de Souza 1
Sérgio Brandão 1
Sérgio Canedo 1
Sérgio di Sabbato 5
Sérgio Freire 4
Sérgio Guimarães 1
Sérgio Igor Chnee 2
Sérgio Kafejian 2
Sérgio Roberto de Oliveira 3
Sergio Rojas 2
Sérgio Vasconcellos-Correa 13
Sílvia Berg 1
Sílvia de Lucca 4
Silvio Ferraz 12
Siri (Ricardo Mattos) 1
Tadeu Taffarelo 1
Tania Lanfer Marquez 1
Tatiana Catanzaro 2
Tato Taborda 14
Tauan Gonzalez Sposito** 1
Teresa Fagundes 6
Thiago Diniz** 1
Thiago Sias 2
Ticiano Rocha 2
Tim Rescala 15
Vagner Bonella Cunha 2
Valéria Bonafé 1
Valério Fiel da Costa 3
Vanda Freire 2
Vânia Dantas Leite 12
Vera Terra 4
Vicente Alexim 1
Victor Lazzarini 2
Vinícius Calviti 2
Vinicius Giusti 1
Vitor Ramirez** 1
Waldemar M. Reis 2
Walter Smetak 1
Washington Denuzzo 2
Welligton Sousa 1
Wellington Gomes 11
Wenceslau Moreira 1
Willy Correa de Oliveira 8
Xico Chaves 1
Yahn Wagner 3
Yanto Laitano 3
Yaskara Tonin 1
Yuri Prado 1
Zoltan Paulinyi 2
Total de obras 1598
41
 Radio MEC
A Rádio MEC, desde sua fundação, teve a música clás-
sica como base de sua programação musical. Alguns de
seus programas fazem parte da história da música bra-
sileira, como Música e Músicos do Brasil, no ar há mais
de 50 anos. Esse perfil foi herdado pela MEC FM, que
há 30 anos veicula gravações e programas ao vivo com
nossos mais importantes compositores e intérpretes.
A lista de encontros e tangências pode começar com
o maestro Edino Krieger, criador das Bienais, que por mui-
tos anos foi produtor atuante na emissora. De sua atua-
ção como divulgador de obras de compositores brasilei-
ros, destacam-se, entre outras realizações, a produção do
programa Música Viva, com H. J. Koellreutter, desde os
anos 1940; a criação da Orquestra Sinfônica Nacional e as
gravações por ela realizadas, que figuram como raridades
Academia Brasileira de Música
Fundada em 14 de julho de 1945, por Heitor Villa-Lobos,
como instituição cultural sem fins lucrativos, tem como
objetivo principal a divulgação da música clássica brasi-
leira. É composta por quarenta acadêmicos, personali-
dades de destaque no meio musical brasileiro nas áreas
da composição e da educação musical, da interpretação
e da musicologia. Por Decreto de 6 de junho de 1947, é
órgão técnico consultivo do governo federal.
Trabalhos que desenvolve
• Bibliografia Musical Brasileira: banco de dados on-
line que reúne cerca de 120.000 informações so-
bre música brasileira, publicadas no Brasil ou no
exterior, e sobre a produção musicológica de brasi-
leiros. Para consultar ou cadastrar publicações, es-
crever para bibliografia@abmusica.org.br ou aces-
sar http://www.abmusica.org.br/html/bmb.html.
• Banco de Partituras de Música Brasileira: progra-
ma de editoração eletrônica de música brasileira,
que também incorpora obras já editoradas. Dispo-
nibiliza cerca de 3.500 títulos para venda de par-
tituras ou aluguel de partituras e de material de
orquestra. Para consultar os títulos disponíveis, ou
depositar obras nesse Banco, escrever para ban-
42
do acervo da emissora, e foram fundamentais para o re-
gistro de diversas obras de compositores brasileiros. Mui-
tas dessas gravações foram transcritas para LPs e para
CDs, pela Funarte e pela Associação de Amigos da Rádio
MEC. Está planejada a digitalização e disponibilização do
acervo da emissora.
Espaço desde sempre aberto para a difusão da mú-
sica − em especial da brasileira −, a Rádio MEC FM
está presente nessa XX Bienal mediante a organização
de programas especiais trazendo as obras apresenta-
das em eventos passados e, de novembro a dezembro
próximos, as ouvidas na atual Bienal.
Acessos: por e-mail − ouvinte@radiomec.com.br; pela
internet − www.radiomec.com.br; pelo Facebook −ht-
tps://www.facebook.com/radiomecfm
codepartituras@abmusica.org.br ou acessar http://
www.abmusica.org.br/musica_instrumental.html.
• Laboratório de Digitalização: oferece aos pesqui-
sadores o arquivo digital do manuscrito original
do compositor; aos intérpretes, oferece o mesmo
arquivo digital tratado de modo a propiciar uma lei-
tura cômoda, facilitando a divulgação do repertório
musical brasileiro. As obras tratadas são incorpo-
radas ao Banco de Partituras de Música Brasileira.
Sua lista pode ser acessada pelo link http://www.
abmusica.org.br/html/musicapartiturasdigitaliza-
das.html. Para mais informações, escrever para
bancodepartituras@abmusica.org.br.
• Selo ABM Editorial: voltado para a música brasilei-
ra, compreende 20 livros, 17 catálogos de obrasde
compositores, 35 títulos de CDs do Selo ABM di-
gital e os 29 números impressos da revista Bra-
siliana, que terá continuidade em formato digital.
Para adquirir tais produtos, acessar http://www.
abmusica.org.br/html/livros.htmle http://www.ab-
musica.org.br/html/cds.html, ou contatar vendas@
abmusica.org.br
Para mais informações: www.abmusica.org.br,
abmusica@abmusica.org.br
43
44