WIORA. Walter (1965). The four ages of music.

From
prehistoric man to electronic computer...a fresh view of
the history of the world’s music. Translated by M. D.
Herter Norton. New York: W.W. Norton & Company,
Inc, 1965.

Uma apreciação de uma posição especial da arte musical ocidental

entre as culturas e sua importância na preparação da quarta, nossa
era presente.
III. A posição especial da Música Europeia
• A arte musical ocidental não é um agregado de toda a música na
Europa desde os tempos pré-históricos até o presente, mas um
complexo histórico de tendências e tradições que começou nos
tempos carolíngios.
• Desenvolvido entre os povos românicos e germânicos, espalhou-se
nos tempos modernos pela Europa e pelo mundo inteiro.
• Consequentemente, deve-se pensar primariamente como um
fenômeno não geográfico, mas histórico.
• Nem (...) representa um tipo de cultura musical, como se houvesse
outros representantes do mesmo tipo; é sui generis [COOK & POPLE,
“Hambúrguer”].
• Suas conquistas e seus frutos são únicos na história do mundo; não
têm contrapartida.
• Resolveu tarefas únicas e objetivas importantes no contexto da
história universal, tais como o desenvolvimento integral da escrita,
composição e da instrução baseada em script na música.
• Esta teoria se tornou a base da teoria e educação musical em todas as
partes da Terra, e uma seleção de suas criações formam a base da
literatura musical do mundo [cf. GOHER].
CARACTERÍSTICAS ESSENCIAIS E O CURSO DO
DESENVOLVIMENTO
• A “cultura ocidental” no sentido histórico da palavra tomou forma
quando a Europa Ocidental, até então parte do Império Romano e
seu sistema intercontinental comercial e cultural, foi separada das
outras partes e se tornou independente.
• Através da propagação do Islã, a área do Mediterrâneo foi dividida em
uma zona norte e uma zona sul, e em outros períodos a divisão
também ocorreu entre o Império Romano Ocidental e Oriental, a
cultura latina e bizantina, a Igreja Ocidental e Oriental.
• Assim, a parte noroeste do Velho Mundo passou a depender de si
mesma. Ao manter sua independência contra os hunos e os árabes,
na ascensão da Igreja Católica Romana e expansão do império de
Carlos Magno, a comunidade ocidental desenvolveu sua própria
cultura e estilo, com sua arte musical única.
• É claro que essa arte tem profundas raízes nas antigas tradições
ocidentais europeias e especialmente nas altas culturas da região do
Mediterrâneo, mas pouco a pouco passou a ser marcada com
características próprias, que a distinguiam de todas as outras músicas
do mundo.
• Uma de suas criações particulares é a partitura, a notação legível em
que uma obra de arte polifônica é apresentada graficamente.
• Além disso, essas características e realizações especiais pertencem à
harmonia lógica, à arquitetura de abrangência ampla, como na fuga e
e na sinfonia e, apresentação intencional do conteúdo espiritual ou
emocional em composições autônomas.
• A arte musical ocidental estava impregnada como nenhuma outra
pela teoria acadêmica e, em um amplo sentido, científica. No ritmo
mensural, as regras que governam a tonalidade, em harmonia foram
racionalizadas por completo.
• O aparentemente irracional universo tonal foi estabelecido como
imperio rationis ‒ sob o comando da razão, como foi dito após Boécio
‒ em conceitos e sinais escritos.
• Lá tomaram forma sistemas de relacionamento e formas de
apresentação, como o sistema de coordenação da partitura,
esquemas métricos usando compassos e fórmula de compasso, e o
teclado bem temperado.
• A musicologia tratou, com razão, exaustivamente da história da
teoria, apreciando seus mestres, como Guido D’Arezzoe, Franco de
Colognee, Jacob de Liègee, Tinctorise, Zarlinoe, Rameaue.
• A racionalização, que Max Weber em particular enfatiza como uma
característica básica da música ocidental, não suprimiu pela
organização compulsória o que a natureza forneceu, mas revelou e
enfatizou aquelas “ordens naturais” que repousam sobre relações
numéricas simples ou formas básicas férteis ‒ por exemplo o modo
maior e períodos de (2 + 2) + 4 compassos e seus múltiplos.
• A naturalidade renovada e o humanismo assumem o comando, seja
diretamente, como nos clássicos vienenses, ou mais vigorosamente
estilizada e sobreposta em uma rede polifônica, como nos velhos
chanson-Masses dos Países Baixos (música vocal renascentista) e e
arranjos dos corais de Bach (contraponto tonal) e.
• Isso vale para a Idade Média também; ritmo e tonalidade em Pérotin
e outros compositores pouco diferem daqueles das músicas de dança
de seus contemporâneos. e
• Característica, além disso, é a preferência pela voz cantando
naturalmente em contraste com a estilização e os efeitos exóticos
amplamente favorecidos nos primeiros tempos e no Oriente e.
• A música ocidental fez para a humanidade algo semelhante ao que a
escultura, a arquitetura, a lógica e a matemática gregas fizeram:
estabeleceram fortemente os fundamentos clássicos do caráter
universal.
• Em nenhuma outra cultura, a melodia foi tão desenvolvida e trazida
ao destaque, e em nenhum lugar na mesma extensão as formas
arquitetônicas foram construídas a partir de motivos e temas férteis.
• Uma pregnância desse tipo, como nas figuras geométricas, não
menos que a racionalidade nas relações numéricas simples, é um
aspecto da validade universal.
• Isso, acima de tudo, explica a difusão da música ocidental hoje em
todas as partes da terra. Seu "império mundial" repousa
essencialmente sobre sua universalidade imanente.
• As características e formas básicas produzidas pela posição especial
da Música Europeia, frequentemente interpretadas simplesmente
como originárias [springing] do “impulso criador Faustiano” ou como
o resultado de evoluções e revoluções em estilo, na verdade consiste
ao mesmo tempo e, principalmente, na conquista gradual de
problemas e objetivos inerentes por meio do esforço comum
prolongado.
• De acordo com essa dinâmica e com a lógica histórica, ocorreram
desenvolvimentos contínuos, como a racionalização completa da
notação rítmica ou ao aperfeiçoamento e exaustivo trabalho de
modulação entre as 24 tonalidades do sistema maior-menore.
p. 128
• Tais desenvolvimentos caracterizam a forma da estrutura da história
da música ocidental, enquanto a mudança de estilos de diferentes
períodos, como o barrocoe e o românticoe, e os múltiplos estilos
nacionais preenchem a imagem com cores características.
• O significado histórico de mestres como Josquine, Monteverdie, Bach
e ou Haydne consistia não apenas em terem dado expressão ao seu
próprio caráter e a de seu tempo e país em grandes obras, mas ao
terem dominado as tarefas objetivas que lhes foram atribuídas pelo
estado de desenvolvimento em que a música chegou em seus
tempos.
• Eles nem sempre, na verdade, servem a um suposto progresso em
direção ao melhor; mas sem nenhuma ideia doutrinária de progresso,
eles na verdade trabalhavam objetivamente na formação de gêneros
como fuga e e sonata e e na solução de problemas de forma, como
contraponto imitativo e e desenvolvimento temático e e dessa forma
consistentemente levavam adiante o que seus antecessores haviam
alcançado.
• Como os homens da pesquisa preocupados com a solução de
problemas científicos, compositores, teóricos e músicos práticos
foram atrás de problemas que surgiram de seu próprio material,
desdobrando consistentemente quaisquer possibilidades que seu
conteúdo variado oferecesse.
• Para entender o curso da música ocidental, portanto, não basta seguir suas
mudanças de estilo; mais importante é o estudo de seus traços ou
tendências de desenvolvimento.
• O “desenvolvimento” não deve ser entendido em seu significado
biológico ou sempre em sentido ascendente; o objetivo e o resultado de
tal tendência ou traço não precisam estar em um nível mais alto do que
nas fases anteriores; assim como a simplificação gradual de uma língua,
digamos, inglês ou búlgaro, não significa um desenvolvimento
ascendente para um nível superior.
• Além disso, as tendências de desenvolvimento nem sempre seguem em
linha reta; às vezes eles resultam de um emaranhado de mudanças de que
indicam a direção básica.
• Ao longo do novo, o velho continuou a sobreviver, seja deixado de
lado ou incorporado a ele.
• Assim, durante o avanço da polifonia escrita, a monofonia vivia na
música folclórica e litúrgica, adquirindo novos valores no uníssono e
na sonata solo para um único instrumento melódico e.
• Da mesma forma na música da igreja, mesmo depois de 1600, a
prática do cantus-firmus e foi cultivado ao lado da composição livre
sem a melodia prescrita.
• Assim também no século XIX, o diatonicismoe e as sequências
triádicase foram contrastados com o cromatismo progressivo e o uso
da dissonância ‒ notadamente por Richard Wagner e.
• A eliminação completa do até então já existente nunca ocorreu antes
das direções radicais tomadas no século XX e [cf. Carpeaux, cf.
Bartók-Melos e IV Idade].
• Tendências de desenvolvimento e outros processos históricos levaram
por estradas principais e caminhos secundários a formas finais
definitivas.
• Desse modo, as notações multifacetadas revelaram a partitura
claramente legível de hoje, os numerosos ritmos, tonalidades e
formas de canções populares em esquemas tão estereotipados
quanto a forma-canção estrófica no modo maior e até mesmo o
compasso.
• As formas finais clássicas, que de fato admitiram uma considerável
vida após a morte, são, por exemplo, o estilo de Palestrina e e a fuga
de Bach e.
• O desdobramento sobre si mesma da música ocidental continuou
por um longo tempo sem quaisquer influências essenciais externas.
• Somente internamente absorveu constantemente elementos
frutificadores em que desenhou certas melodias e tipos gerais de
seus próprios estratos subjacentes: do folclore, das tradições do
menestrel e rabequista, e de outras áreas da prática musical.
• Vários tipos de polifonia não escritae eram simultâneos e
sucessivamente incorporados na composição escrita e assim
resultando na forma artística, trabalhando em conjunto com recursos
que foram propriamente desenvolvimentistas.
NOTAÇÃO GRÁFICA COMPLETA E O TRABALHO
MUSICAL DA ARTE
• Todas as altas culturas são culturas de escrita [script cultures], mas
somente o ocidente envolveu completamente a apresentação escrita
da música e a desenvolveu uma base geral de prática e educação
musical. Este desenvolvimento teve os seguintes aspectos:
1.
• No começo praticamente só se notaram canções litúrgicas, depois
outras também e finalmente todos os gêneros.
• Quase sem exceção, instrumentistas tocaram sem notas durante toda
a Idade Média.
• Durante os tempos modernos e especialmente no século XIX, tanto a
música folclórica quanto a música de entretenimento também foram
notadas, embora as músicas favoritas já tivessem sido escritas em
contrafacta [Em música vocal, contrafactum é a substituição de um
texto por outro sem mudança significativa na música] e arranjos para
várias vozes.
2.
• A difusão da música foi muito facilitada pela impressão, que entrou
em uso para melodias gregorianas em 1476 e depois de 1501 para a
publicação de obras polifônicas.
• A impressão significou um passo importante na difusão de
composições musicais entre as pessoas, em outros países e partes do
mundo, e no futuro.
• Através dela, a capacidade de sobrevivência da música foi
marcadamente fortalecida e o caminho foi preparado para a
construção de uma literatura mundial da música [cf. GOHER].
3.
• Enquanto na Grécia antiga a teoria e a notação permaneciam
distantes, na teoria da Idade Média havia uma influência decisiva no
desenvolvimento da notação.
• Mesmo seus primeiros tratados, contrários à Antiguidade, contêm
exemplos em notação ‒ por exemplo, o Musica enchiriadis [Cf.
Chailley, p. 69 e ss] .
4.
• No início, apenas as alturas eram notadas, apenas parcialmente o
ritmo [cf. Haynes].
• No decorrer da Idade Média, ritmo, e também, em certa medida o
tempo, passou a ser mais precisamente representado na notação
mensural, e nos tempos modernos os elementos secundários ‒
dinâmica, agógica, instrumentação ‒ bem como o caráter emocional e
a maneira de se realizar a performance têm sido mais e mais
expressamente prescritos.
• Assim, o desenvolvimento estava se movendo em direção ao objetivo
de especificar objetivamente todos os elementos da música.
5.
• A ausência de pentagramas na escrita neumática ajudou a memória e
complementou a tradição oral.
• Formas posteriores de notação também contavam com "a perda de
coisas tidas como certas".
• O propósito do desenvolvimento, entretanto, era tornar a notação o
mais independente possível da tradição e, portanto, dar a indicação
mais clara possível do que o compositor quis dizer.
6.
• A notação ocidental tende para uma gráfica figura de nota, um
desenho para chamar a atenção.
• É um “desenho” da composição com seus altos e baixos na melodia e
suas vozes mais altas e mais baixas em contraponto.
• Assim, é visível e abstrato ao mesmo tempo: "abstração visível",
como um mapa [“o mapa não é o território”].
• Suplantando as notações de letra e número menos óbvias, esta legível
imagem-notação foi assumida completamente nos tempos modernos.
7.
• Embora o objetivo principal da notação de letras fosse para indicar a
posição dos dedos no instrumento ‒ isto é, a execução [tablatura] ‒ a
notação linear representa principalmente a música a ser executada.
• Assim, seu desenvolvimento para a supremacia única também indica
a tendência representando a própria composição nela mesma, a obra
de arte objetificada.
8.
• Com o intuito de demonstrar visualmente a composição
propriamente dita, no final do século XVI a partitura alcançou a
apresentação gráfica simultânea de todas as vozes em um campo de
visão [grade].
9.
• O desenvolvimento tendeu para a indicação de todos os elementos
envolvidos, bem como para a simplicidade e compreensão geral.
• Nos séculos XVII e XVIII, levou a um estágio final além do qual apenas
pouco foi modificado ou acrescentado.
10.
• Somente quando a transcrição exata tanto da música extra europeia e
da complexa música folclórica europeia se tornou necessária, a
notação ocidental em nosso século acrescentou novos sinais.
• Tal escrita de música já sendo tocada e ouvida é diferente em caráter
da nossa notação tradicional: não é prescrição, mas transcrição; não
mostra como deve ser feito, mas como é.
==================================
• A cultura ocidental produziu a obra de arte musical completamente
notada e criou uma teoria formal da composição.
• Antes disso, a música, como a dança, existia principalmente como
improvisação ao longo de certas diretrizes.
• Agora, porém, adquiriu um modo de existência como obras literárias
e para o teatro.
• Que o compositor pouco a pouco chegou a prescrever todos os
elementos da música, também significa que estes se tornaram partes
constituintes da composição.
• Assim, o baixo cifrado e, que o cravista teve que preencher de acordo
com seu gosto e capacidade, foi substituído pelo accompagnamento
obbligato e, enquanto o compositor também se comprometeu a fazer
a ornamentação e e cadências virtuosas e.
• O músico prático perdeu sua parte criativa quase inteiramente para o
compositor e se tornou um intérprete.
• Com isso, estabeleceu-se a norma de se aderir exatamente à nota
figurada e tornar inalterável o que estava prescrito.
• Até o século XVI, o participação do compositor e do que ele havia prescrito
havia se limitado à configuração de altura, ritmo e polifonia.
• Mas então, e especialmente depois de 1600, expandiu-se para absorver
todo o primeiro plano sonoro e também o pano de fundo psico-espiritual
da música.
• O compositor determinava agora o volume do som por marcas dinâmicas,
a princípio contrastando seções inteiras em forte e piano, e desde meados
do século XVIII, graduando a dinâmica cada vez mais, de ppp a fff,
indicando não apenas transições abruptas, mas graduais aumentos e
reduções, crescendo e diminuindo, e na “vermanirierten Mannheimer
goût” (o gosto educado da escola de Mannheim, com a qual Leopold
Mozart reprovou seu filho) permitindo que vários graus de dinâmica
sucedessem um ao outro na extensão mais próxima.
• Da mesma forma, ele agora especificou tempo e agógica e também os
instrumentos a serem usados.
• A natureza da composição mudou. Em vez de um cenário neutro, não
concebido para instrumentos específicos e muitas vezes até mesmo
deixando aberta uma escolha entre a performance instrumental e
vocal, agora se tornava um opus completamente especificado em que
o timbre era tão composto quanto a estrutura tonal.
• Assim, o estilo instrumental e vocal, o estilo conjunto [ensemble] e
orquestral, as formas de compor para piano, órgão, violino, flauta,
tudo se tornou muito mais diferenciado do que antes.
• Assim também surgiu para cada cenário instrumental um repertório
próprio, enquanto a música instrumental anterior consistia em grande
parte de “intabulações”, transcrições de obras vocais e uma única e mesma
peça destinada a ser cantada ou tocada, para órgão ou outro teclado
instrumentos.
• Um trabalho totalmente escrito pode ser melhor construído do que a
música transmitida sem notação [scriptlessly].
• A cultura ocidental foi a primeira a dar forma arquitetônica a longos
períodos de tempo por meios puramente musicais.
• Formas altamente artísticas, como a fuga e a sonata, estão entre as
contribuições características, sem comparação com quaisquer outras
culturas.
• Só nos tempos modernos essa característica foi totalmente
desenvolvida. As velhas formas contrapontísticas – o canon, por
exemplo ‒ são para a maioria das vezes considerados como tipos de
configurações em vez de formas determinadas, como forma sonata, a
relação das seções sucessivas e, assim, a fluência do todo.
• Mesmo a massa polifônica, que surgiu no século XIV como uma obra
cíclica e em meados do século XV se tornou unificada por ter o
mesmo cantus firmus e em todos os movimentos, não estava ainda
totalmente organizada por meios especificamente musicais como a
sinfonia.
• Nas formas da era moderna, principalmente as de música absoluta, todos
os elementos puramente musicais foram explorados para a construção de
estruturas puramente musicais:
• sequência de tonalidades e modulações, especialmente em fuga e sonata;
• diferenças de tempo (por exemplo, rápido-lento-rápido),
• volume e instrumentação, como por exemplo, alternância de tutti e solo ou
minueto e trio;
• tipos de composição como abertura e rondo-finale;
• simetria, retorno e contraste, como no ciclo de três ou quatro movimentos
da sonata.
• Como o primeiro plano sonoro, o conteúdo inerente e transmusical
de uma composição foi moldado relativamente tarde pelo próprio
compositor.
• Nisto, a história da música difere da literatura e das artes plásticas.
• As principais ideias dos tempos gótico, místico e escolástico não
encontraram uma expressão tão rica em monumentos musicais como
as da época de Goethe e dos românticos.
• A influência de Josquin des Prez foi marcante: ele diferia de mestres
anteriores não tanto por seu estilo mais subjetivo e individual como
em expressar no tecido [fabric] musical da composição escrita ideias
gerais importantes, notavelmente a essência da fé cristã e oração.
• Em todo o mundo, a música estava envolvida com fenômenos
primitivos como amor, ethos, o sagrado; mas o que antes era deixado
para ter efeito no ouvinte, para participação em contextos supra
musicais, para empatia e interpretação imaginativa de símbolos, os
compositores desde Josquin têm imprimido objetivamente em suas
obras [“expressionismo”].
• Eles moldaram a substância musical da composição que tal conteúdo
se tornou transparente.
• Todas as culturas ligavam música e religião, mas foi a cultura do
Ocidente que primeiro desenvolveu obras musicais de conteúdo
religioso.
• Por efeitos pictóricos e linguagem tonal, ela expressamente
estabelece esse conteúdo, como Bach fez, por exemplo, em suas
Paixões.
• Adrian Petit Coclico elogiou Josquin e outros compositores que
souberam expressar “todos os afetos” em suas obras.
• A palavra "afeto" tornou-se hoje obsoleta e vazia e não expressa
adequadamente os conceitos ou emoções aqui representadas em
"tom e o timbre".
• Eles não são apenas afetos, mas toda área de ideias [idea-areas],
como a união de majestade e fascínio, o augusto e o milagre que
chamamos de sagrado, ou a ideia de vida eterna e abençoada, ou o
complexo de doçura e luz [sweetness-and-light], pureza e graça
concentrada na figura da Virgem Maria.
• Mais tarde, as áreas de ideia em que o sensível é entrelaçado com o
visível e o intelectual eram frequentemente caracterizadas por uma
palavra - por exemplo “Eróica” ou “Pastoral”.
• Essas áreas de ideia floresceram e desapareceram no curso da
história, de modo que um estranho pode pensar que está ouvindo
apenas “formas sonoras”, ao passo que para aqueles que estão
familiarizados com o estilo e linguagem ou como historiadores
sentem o seu caminho para a situação contemporânea, som e forma
revelam o conteúdo e abrem panoramas.
• O mesmo se aplica àqueles tipos de música instrumental absoluta
que remetem a tipos de vocal ou música de uso [use-music],
assumindo como uma aura algo da atmosfera e do conteúdo para o
qual essas peças representavam - baladas de Chopin e Brahms, por
exemplo, o berceuse, barcarole, serenata e assim por diante.
• A transformação de peças de dança em forma de arte da suíte e
processos similares, mostram o desenvolvimento moderno da música
em uma arte autossuficiente.
• Deixando para trás às suas múltiplas conexões com a vida e sua
posição como uma disciplina erudita entre as artes liberais, a música
entrou no círculo das belas-artes e passou a ser considerada um
mundo esteticamente autônomo em si mesmo.
• Essa transformação ocorreu em todos os tipos de composição. Assim,
os oratórios de Handel ou a Missa solemnis de Beethoven se colocam
como obras de arte, mesmo que permaneçam ligados às tradições da
música da igreja [cf. Escal].
• Apesar desses vínculos e apesar de toda a continuidade e de todo o
ressurgimento dos tipos ligados à vida [life-linked], a autoconfiança
sempre crescente da arte da música era uma característica básica de
sua evolução.
• Na medida em que deixou de fazer parte e função de atividades
externas – culto, ou corte, ou festival – uma vida musical
independente surgiu, com suas próprias instituições e salas de
concerto, suas audiências, sua literatura musical, sua própria estética
e assim por diante.
• As formas de uma área de cultura autônoma tomaram forma, familiar
para nós mas estranho para todas as culturas anteriores. A música
tornou-se uma “arte esplêndida e autocrática”, como Herder a
chamou, que, por outro lado também prestou homenagem ao seu
significado como Hausmusik e como a voz da humanidade e das
nações.
III. A RIQUEZA DOS ESTILOS E OBRAS

• O fato de a principal e básica loja [store] de literatura musical do

mundo ser constituída por uma seleção de obras ocidentais adquire
ainda maior peso por causa da variedade de estilos que inclui.