THEO VAN DOESBURG

Por Carolina Costas

1883-1931

Pintor arquitecto y teórico holandés. Uno de los principales defensores del neoplasticismo, el
cual difundió a través de revistas y conferencias. Cofundador de la revista De Stijl (1917),
trabajó en la Bauhaus, desde la cual se influyó con los principios neoplasticistas en la
arquitectura de mediados del siglo XX.

Theo van Doesburg nació en Utrecht, en 1883, su verdadero nombre era Christian Emil Marie
Küpper. En sus inicios se dedicó a la poesía y al teatro, hasta que en 1908, tuvo su primera
exposición de pintura en La Haya. Estos trabajos pertenecen al naturalismo. A partir de 1916
empieza la etapa de abstracción.

De 1912 a 1916 realiza el servicio militar. En 1915 conoce a Mondrian, con quien funda en
1917 el grupo De Stijl. En 1917 publica los primeros ejemplares de la revista con el mismo
nombre, donde trasmitirá sus ideas sobre el arte.

Durante los años veinte viaja por Europa impartiendo conferencias en la Bauhaus de Weimar,
donde sus ideas causan gran impacto, siendo profesor de esta escuela de 1921 a 1923,
además estos viajes le permiten conocer a destacadas personalidades del dadaísmo.

Estando en la Bauhaus publica: Principios de Arte Neoplástico (1924). En ese mismo año se
rebela contra el uso de líneas verticales y horizontales propagadas por Mondrián. Realiza su
primera Contracomposición, en la que introduce las diagonales y da comienzo a una nueva
dirección del neoplasticismo, que se conoce como elementarismo. Como consecuencia
Mondrian se distancia del grupo De Stijl.

Además de realizar pinturas también trabajó en las áreas del diseño gráfico y la arquitectura, de
esta última se pueden destacar: el restaurante Aubette (Estrasburgo, en colaboración con
Cornelius van Esteren, 1926-28, y su casa-estudio de Val-Fleury (Meudon).

Murió en Davos, 1931, esto provoca que colapse el movimiento De Stijl, pero dejó una gran
influencia en muchos campos.

ESTILO DE THEO VAN DOESBURG

Por Carolina Costas

Si bien en sus inicios su obra fue principalmente naturalista, a partir de 1915 se volcará a un
nuevo estilo, luego de conocer a Piet Mondrian (con quien funda el grupo De Stijl). En los años
siguientes sus cuadros neoplasticistas, casi no se distinguen de los de Mondrian.

A partir de 1924 su pintura adopta movimiento y dinamismo a través del uso de planos
inclinados, innovación que denominó elementalismo. Dirige a partir de entonces su actividad
hacia la arquitectura, intentando construir espacios con elementos geométricos simples y
colores primarios, llegando a colaborar con Jean Arp y Sophie Tauber en la reconstrucción de
diferentes espacios.

Su estilo tenía formas simples y claras, colores primarios, y era aplicable a todas las
manifestaciones plásticas (plasmada sobre todo en sus proyectos de decoración de interiores,
integrando pintura y arquitectura). Su obra estaba dominada por cuadrángulos y relaciones
ortogonales, sobre la base de retículas y relaciones modulares.
Junto a Oud y Wils, diseñó vidrieras y composiciones pictóricas, aplicando los principios del
neoplasticismo en el plano tridimensional de la arquitectónica. Doesburg siempre vió a De Stijl
como una vanguardia que podía aplicarse en diferentes realizaciones visuales. Por ejemplo la
pintura reticulada se podía proyectar en la concepción modular de la arquitectura.

La actividad intelectual y publicista de Van Doesburg fue muy superior a su trabajo plástico. En
el diseño gráfico integró el dadaísmo con sus ideas, vinculándose con Picabia, Tzara y Kurt
Schwitters . Con Jean Arp y Sophie Taeuber trabajó en la decoración del Café Aubette en
Estrasburgo.

En 1920 estando en Alemania se relacionará con personajes como Bruno Taut, Mendelsohn,
Gropius y Mies van der Rohe. En 1922 fue uno de los promotores del Congreso internacional
de constructivistas y dadaístas, que se celebró en Weimar.

LA BAUHAUS
Por Carolina Costas

La Bauhaus fue la consecuencia de la inquietud alemana por mejorar el diseño, y actualmente

es estudiada como el mayor aporte al diseño, las artes aplicadas y la arquitectura. Fundada en
Weimar (Alemania). En 1918, en Weimar, Walter Gropius, al ser confirmado como el nuevo
director de la Escuela de Artes y Oficios de Weimar, decide fusionarla con la Escuela de Bellas
Artes y formar la Academia de Weimar.

En 1919 toma el nombre de Das Staatliches Bauhaus. El término Bauhaus proviene de las
palabras “haus” que significa casa y “bau” que significa construcción. En sus orígenes estuvo
basada en los principios de William Morris y en el movimiento Arts & Crafts. En la escuela se
buscaba la colaboración tanto de los profesores como de los alumnos para la proyección de
trabajos de diseño. La Bauhaus se basó en la experimentación.

Era un centro de enseñanza que unificaba teoría, práctica y actividades artísticas, donde cada
individuo, fuese artista o artesano, se integraba mediante su esfuerzo y su trabajo en la obra
colectiva. Tenía como finalidad crear artículos de uso cotidiano para ser desarrollados en sus
talleres, que serviría para financiar la escuela. De las experimentaciones de la Bauhaus
surgieron las primeras investigaciones sobre la estética industrial, lo que la convirtió en un
ícono del diseño y la modernidad. Adquirió reputación de haber creado un estilo particular. De
los trabajos elaborados en sus talleres se pueden observar diseños que siguen vigentes hasta
el día de hoy.

Con el Vorkus, es decir, los cursos preliminares, se originaron nuevos conceptos en la

enseñanza, que se implementan aún en la actualidad. Era considerado como la enseñanza
base e indispensable para estar en la Bauhaus.

Grandes personajes del diseño, la arquitectura y la pintura componían el cuerpo de profesores

de la Bauhaus, entre los que se pueden destacar al suizo Paul Klee, el ruso Wassily Kandinsky
y el húngaro László Moholy-Nagy.

En 1925 la Bauhaus se traslada de Weimar a Dessau. En 1928 Walter Gropius abandona la

escuela y asume como director Hannes Meyer. Junto con él se implementa una nueva
organización de la escuela, compuesta por 4 departamentos principales: el de arquitectura, el
de publicidad, el de Acabado (producción de madera y metal) y el de tejidos.

En 1930 la dirección fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe , debido a los
problemas políticos y sociales por los que atravesaba Dessau en 1932, el nuevo director decide
un nuevo traslado, esta vez a Berlín. En 1933 es cerrada por los nazis, produciendo un éxodo
de los diseñadores que trabajaban en ella, surgiendo así nuevas escuelas en distintos lugares
del mundo (La New Bauhaus).
Tuvo todo tipo de personajes como Joost Schmidt - Alfred Arnt - Lyonel Feininger - Marcel
Breuer - Herbert Bayer .

His tor i a l de Di se ño
PIET MONDRIAN
Por Carolina Costas 1872-1944

Pintor holandés. Fundó (junto a Theo Van Doesburg) la revista De Stijl y la vanguardia artística
del mismo nombre. Paradigma del arte abstracto y el neoplasticismo. Sus composiciones
reflejan la simplificación total, tanto del color como de las formas, con esto buscaba exponer los
principios básicos que se disfrazan bajo las apariencias.

Pieter Cornelis Mondriaan nació en 1872 en Amersfoort (Holanda). En un principio su padre

alentó su vocación artística, en esta época Piet estudió para dedicarse a la docencia. Pero a
partir de 1892 su familia empieza a oponerse cuando el decide no seguir la carrera docente y
comienza a dedicarse exclusivamente a la actividad creadora.

Entró a la Academia Estatal de Ámsterdam (siendo su maestro A. Allebé) donde estudió hasta
1907. Frecuentó los ambientes artísticos de la ciudad y se vinculará a las creencias esotéricas,
(teosofía) para apartarse de la fe calvinista.

Para ganarse la vida comienza realizando copias de los cuadros del Rijksmuseum y realiza
otras obras por encargo. Por otro lado realizará trabajos más radicales e innovadores pero
poco comerciales (fundamentalmente paisajes, muy influidos por las lecciones de su tio Frits
Mondrian).

En 1911 se traslada a París y se dedica a pintar obras cubistas. En su estudio de la Rue de

Départ, desarrolla una tendencia a la abstracción logrando un cubismo sintético. En 1913, su
carrera comienza a adquirir cierto reconocimiento, es elogiado por el poeta Guillaume
Apollinaire, en la XXIX edición del Salón de los Independientes. Además consigue un arreglo
con la familia de industriales Kröller-Müller, quienes le ofrecen un salario fijo por un número de
cuadros anuales.

Volvió a Ámsterdam, donde en 1915, conoce a Van Doesburg, con el que fundó el grupo De
Stijl en 1917 y una revista con el mismo nombre donde Mondrian desarrolló su teoría sobre las
nuevas formas artísticas (neoplasticismo). Se convierte en el pintor más importante del grupo.

En 1930 se unió al grupo “Cercle et carré” y al año siguiente al Abstraction-Création. En 1938

se marchó a Londres y dos años después a los Estados Unidos. Su fama se consolida y es
invitado a participar en numerosas exposiciones, sin dejar de exponer sus ideas y ensayos
teóricos, (El arte y la vida, 1930; Arte plástico y Arte plástico Puro, 1937; etc.).

En Nueva York la evolución de su pintura se forja en dos obras esenciales Broadway Boogie-
Woogie y Victory Boogie-Woogie, esta última inconclusa, ya que se enferma de neumonía y
muere en 1944. Mondrian ha sido uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Sus teorías
sobre la abstracción y la simplicidad no sólo modificaron la pintura, sino que tuvieron una
profunda influencia en la arquitectura, el diseño industrial y las artes gráficas.

Estilo y etapas de Piet Mondrian

junio 21, 2008 at 10:30 am (Personajes) (arte, carolina, costas, de stijl, diseño, historia,
mondrian, neoplasticismo, piet)
Por Carolina Costas

Su estilo (neoplasticista) es muy conocido y hasta parodiado. Mondrián afirmaba que el arte no
debía reproducir imágenes u objetos reales, sino expresar lo absoluto y universal que se oculta
tras la realidad. Rechazaba las texturas y creía que el lienzo debía contener elementos planos,
eliminando toda línea curva. Si bien sus pinturas no figurativas (consistentes en más
rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas) se muestran
simples son el resultado de una larga evolución que le llevo casi 30 años (desde el naturalismo
y el simbolismo hasta una abstracción total comparable a la obra de Kandinsky y Malévich).

Sus primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, de colores tranquilos y pasteles, donde
se observan imágenes de Holanda y se destacan los efectos luminosos. Al contactarse con el
postimpresionismo (Van Gogh, Kees van Dongen y Edvard Munich) adquiere mayor audacia en
su paleta de colores (colores más puros aplicados de forma arbitraria) y se aleja un poco del
naturalismo.

Al año siguiente y bajo la influencia del pintor Jan Toorop (obras pertenecientes al luminismo,
es decir el divisionismo de Bélgica y Holanda) comienza a experimentar con colores más
brillantes. Su admiración por el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a
fines del siglo XIX, lo lleva a lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo. Una frase
suya lo explica: «solo cuando estemos en lo real absoluto, el arte no será ya más necesario».

Posteriormente su obra sufre otra transformación, esta vez de tipo simbolista, (relacionada con
la Sociedad Teosófica en la que se inscribe) período que concluye en 1911 al conocer el
trabajo de Picasso y Braque que lo llevan hacia el cubismo y hacia París. Hacia 1913 su obra
avanza hacia la abstracción, hasta 1917 donde ya no se observa el abandono total de
referentes externos.

Viajó a los Países Bajos huyendo de la Primera Guerra Mundial, donde conoció a Theo van
Doesburg, con quien fundó la revista y movimiento De Stjil, que difundirán el estilo
neoplasticista. En sus obras cercanas a 1920 solo se verán líneas ortogonales (en forma de
tramas) que encuadran rectángulos de colores, reduciendo su paleta a los colores primarios,
blanco y negro. En 1925 se produce la ruptura con Van Doesbrug a raíz de la adopción por
éste de la línea diagonal en lo que denomina Elementarismo y que Mondrian consideró como
una traición a sus principios estéticos.

En 1940 estando en Nueva York su obra adquiere más ritmo y libertad, siendo menos
estructurados y con colores brillantes y cálidos, como se ve en su obra inacabada Broadway
Boogie-Woogie (ubicada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York).

WASSILY KANDINSKY

Por Carolina Costas

Kandinsky Wassily (1866-1944)

Fue un pintor ruso cuya investigación lo convirtió en uno de los innovadores más importantes
del arte moderno. Desempeñó un papel importante en el desarrollo del arte abstracto, tanto del
punto de vista artístico como teórico.

Nació en Moscú. De 1886 a 1892 estudió derecho y economía en Moscú. Luego trabajó en la
misma como asistente. En 1896 se trasladó a Munich donde estudió pintura y dibujo en la
Escuela de Arte Azbé. Estableciéndose como pintor.

Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, su
pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre; esto se observa luego de
su viaje a París, en el que quedó profundamente impresionado por la obra de los fauvistas y de
los post- impresionistas.
Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras
totalmente abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del
mundo físico y se inspiraban en el lenguaje musical, del que tomaban los títulos.

Entre 1922 y 1933 dio clases en la Bauhaus de Dessau, Alemania. Cuando Gropius lo llamó, la
Bauhaus estaba dejando atrás su fase expresionista y empezaba a penetrar las formas del
Constructivismo . Dirigió el taller de pintura mural hasta 1925. A partir de entonces imparte
cursos de dibujo analítico y elementos formales abstractos.

Sus enseñanzas en el Curso preliminar se centraron en dos puntos fundamentales: una

introducción a los elementos de la forma abstracta y un curso de dibujo analítico. A partir de
1927 enseñó pintura libre. El propósito fundamental de la pedagogía de Kandinsky era dotar a
los estudiantes de un lenguaje elemental obligatorio que les permitiese avanzar en su camino
hacia la creación artística libre. La razón de ser de estos cursos fue comprendida por Walter
Gropius. No ocurriría lo mismo con Hannes Meyer y Mies van der Rohe, quienes cuestionarían
su utilidad.

En 1933 se traslada a París. Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron

cada vez más geométricas. Fue uno de los artistas más influyentes de su generación. Como
uno de los primeros exploradores de los principios de la abstracción geométrica o pura.

Murió el 13 de diciembre de 1944 en las afueras de París.

(Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y
posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases
de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones
artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico
en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a
Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las
clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y
prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y
se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el
Jugendstil alemán.

Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy

Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y
Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre
los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de
que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la
belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.

Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de

1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de
los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los
expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo,
espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.

Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las
impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones
interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo.
Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y
en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.

Negro y violeta (1924) de Kandinsky

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando
diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el
arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual
en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de
miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg
(Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y
muestras del arte popular e infantil.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias
actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado
Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se
trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar,
donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición
hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el
período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los
trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus
y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el
pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda
de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e
inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al
comienzo de su trayectoria pictórica.

VICENTE ROJO ALMAZÁN, Gran Artista

Este gran artista, catalán de origen y mexicano por adopción, nació en 1932, en Barcelona,
España; donde estudió dibujo, cerámica y escultura en la Escuela Elemental del Trabajo.

En 1949 llegó a México a petición de su padre, quien ya tenía 10 años de vivir en este país
como refugiado político desde el fin de la Guerra Civil Española, ya que un tío de Vicente fue el
jefe de las tropas de la Segunda República Española, quienes se opusieron al golpe de estado
del General Franco. Y pronto se empezó a involucrar con los grandes exponentes del arte que
estaban en su apogeo en México.

Vicente Rojo explica su pasión por contribuir con México desde que arribó en 1949. "Cuando yo
llegué a México, lo que más me deslumbró fue su luz, su sol y su aire de libertad, yo tenía
apenas 17 años cuando llegué y venía arrastrando toda la oscuridad y la crueldad que una
guerra civil encarna, así que desde el primer momento en que pisé México me enamoró y lo
sigue haciendo hasta ahora."

Este gran artista ha contribuido a la cultura mexicana como artista plástico, pintor, escultor,
diseñador gráfico y promotor cultural. En 1960, fue cofundador de la Editorial Era, de la que aún
continúa siendo miembro del consejo editorial y director artístico.

Influyó de manera muy importante al colaborar en la oficina de ediciones del Instituto Nacional
de Bellas Artes, la Revista de la Universidad de México y el suplemento La Cultura en México
de la Revista Siempre.

Entre otros muchos reconocimientos, en 1991 fue galardonado con el Premio Nacional de Arte
y el Premio México de Diseño por haber participado en el diseño gráfico de importantes
publicaciones culturales como la Revista de Bellas Artes, la Revista de la Universidad, México
en el Arte y el periódico La Jornada.

Miembro de la Generación de la Ruptura que rompió con la tradición de los grandes muralistas
(Siqueiros, Orozco y Rivera), fue una figura muy importante para el desarrollo de las artes
estéticas del país, participando en los círculos intelectuales de México como uno de los
creadores más importantes del abstraccionismo. Su obra, junto con la de José Luis Cuevas,
Francisco Toledo y Alberto Gironella, está en la base de la renovación de la plástica mexicana
moderna.

Su ya famoso libro “Diseño Gráfico” es un compendio de su obra a través de más de cuarenta

años de trabajo constante. Al ser un líder de la evolución gráfica de México, este libro presenta
no sólo su propia trayectoria, sino también el desarrollo del manejo de la imagen cultural en
todo el país. Esta colección de sus más grandes obras recorre revistas, suplementos culturales,
portadas, logotipos y libros que plasman magistralmente la versatilidad del talento de Rojo para
crear códigos de comunicación.

La presencia de Vicente Rojo en la cultura mexicana se explica con las palabras del escritor
Carlos Monsiváis: "Hoy, en el variado panorama del diseño gráfico, de la industria editorial y de
la difusión cultural, Vicente Rojo ocupa un sitio especial. Es el precursor, y es el continuador y
es el renovador. El gusto esencial, el tacto y el rigor en la aplicación del estilo, son
características personales que él ha convertido en aportaciones a nuestro desarrollo cultural".

Desde 1965, la pintura de Rojo se ha construido como un trabajo seriado. El pintor parte en
cada serie de una estructura abierta a todo lo imprevisto. El artista afirma que se pone a
trabajar enfrente de quince lienzos simultáneamente, lo llama un trabajo en rotación.

Plasma formas arquitectónicas como columnas, pirámides y monumentos en escenarios

secretos, urbanos y junto al mar. Las formas estáticas y definidas que resultan están
frecuentemente asociadas al número cuatro en formas cúbicas y cuadrículas, contrastando con
formas curvas como columnas, cilindros y esferas.

Su obra se ha mostrado en exposiciones colectivas en el Museo Universitario de Ciencias y

Arte (México, 1973), en la Universidad de Texas (Austin, 1978), en el Museo de Arte Moderno
(México, 1981 y 1996), en la Biblioteca Nacional (Madrid, 1985), en el Museo de Arte Carrillo
Gil (México, 1990), en el Klingspor Museum (Fráncfort, 1992), en el Museo Casa de la Moneda
(Madrid, 1996), en el Museo Nacional Reina Sofía (Madrid, 1997), en la Tecla Sala (Barcelona,
1997), en el Círculo de Bellas Artes (Madrid, 1997) y en el Museo José Luis Cuevas (México,
1998 y 2001), entre otros.

Le han sido otorgados el Premio Nacional de Ciencias y Artes, el Premio México de Diseño, y
la Medalla al Mérito en las Bellas Artes (España). En 1992, la Asociación Internacional Icograda
le otorgó el premio de Excelencia en Diseño Gráfico y en 1993, fue designado Creador Emérito
por el Sistema Nacional de Creadores de Arte. En 1998 la UNAM le otorgó el Doctorado
Honoris Causa.

Artículo Producido por el Equipo Editorial Explorando México

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Foto: ColegioNacional.org.mx

JUN GRIS
Pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París, considerado como uno
de los maestros del cubismo. Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació
en Madrid el 23 de marzo de 1887, y estudió en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad
natal. Trabajó para diversas publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico. En 1906 se
trasladó a París (Francia), donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque. Los primeros
años se ganó la vida dibujando para las revistas L Assiette du Beurre y Charavari. Sus primeras
obras cubistas datan de 1912, año en el que expuso en el Salón de los Independientes de
Barcelona su Homenaje a Picasso y firmó un contrato en exclusiva con el marchante Daniel-
Henry Kahnweiler, que expiró en 1914. Al año siguiente pasó el verano con Picasso en Céret,
Francia, periodo en el que empezó a desarrollar la técnica del papier collé (formas recortadas
en papel y pegadas al lienzo). Durante la I Guerra Mundial (1914-1918) trabajó en París, donde
realizó su primera exposición individual en 1919. Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para
dos ballets de Sergei Diáguilev, Les tentations de la Bergère (Las tentaciones de la pastora) y
La colombe (La paloma), al tiempo que continuaba pintando. Después de 1925 utilizó sobre
todo el gouache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros. Durante la década de
1920 empeoró seriamente su salud y murió, con apenas cuarenta años, en Boulogne-Sur-Seine
el 11 de mayo de 1927. Un ejemplo típico de su técnica de papier collé es Vasos y periódico
(1914, Museo de Arte del Smith college, Northampton, Massachusetts, Estados Unidos). Parte
de sus pinturas cubistas son naturalezas muertas, entre las que se incluyen Guitarra y botella
(1917, Museo de Arte de Filadelfia, Estados Unidos), El tablero de ajedrez (1917, Museo de
Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos) y Botella y frutero (1919, Museo Thyssen-
Bornemisza, Madrid, España). También trató otros temas, como muestra en El fumador (1913,
Museo Thyssen-Bornemisza). Sus teorías pictóricas se encuentran recogidas en numerosos
artículos y conferencias

Muchos son los artistas que han engrosado la lista de la historia del arte bajo la apelación de
un pseudónimo. Juan Gris fue uno de ellos. Nacido en un Madrid ajeno a cualquier despunte
vanguardista, José Victoriano González -pues este era su verdadero nombre- supo aprovechar
desde muy pronto las escasas oportunidades artísticas que, para un espíritu inquieto como el
suyo, la capital podía ofrecerle. Así pues, mientras estudia sin interés en la Escuela de Artes e
Industrias, nace artísticamente como dibujante de espíritu modernistas en publicaciones
populares de la época, en tre ellas "Blanco y Negro" y "Madrid Cómico".

París y el Cubismo

Tal vez movido por el deseo de librarse del servicio militar y gracias a la amistad del pintor
Daniel Vázquez Díaz, Gris abandona Madrid en 1906 con destino a París y se instala en el
estudio de su amigo. Poco tiempo después este le presenta a Pablo Picasso. Seducido por el
ambiente artístico que frecuentaba el malagueño -pintores como Braque, poetas de la talla de
Apollinaire y Maz Jacob y marchantes como Daniel-Henry Kahnweiler-, ocupa un estudio
adyacente al de Picasso en el Bateau Lavoir, edificio construído al pie de la colina de
Montmartre, mientras malvive trabajando como ilustrador.

Si bien la entrada de Gris en el mundo de la vanguardia parisina no se tradujo en una adopción

automática de la pintura -sus primeros óleos datan de 1911-, el poderoso influjo del cubismo de
Picasso y Braque y sus contactos con el grupo cubista de Puteaux lo orientaron rápidamente
hacia la asimilación de su lenguaje pictórico. Del mismo modo, se desconoce si el acceso de
Gris al cubismo motivó el enfriamiento de su amistad -sino la pugna encubierta- con su adorado
Picasso, a quien había dedicado un afectuoso homenaje pictórico en su primera exposición de
1912.

En cualquier caso, los comentarios aparecidos en el libro de memorias de Fernande Olivier,

primera compañera del malagueño, confirman los recelos de la pareja hacia el neófito del
cubismo: "Juan Gris, sin grandes dotes, pero astuto, siguió enseguida el movimiento cubista.
Estudió lo que se podría llamar los trucos del cubismo, y se sirvió de ellos con cierta
inteligencia, pero sin arte".

Los "Papier collés"

La breve pero fulgurante aparición de los papiers collés (papeles pegados) en su producción de
1913 coincide con la adopción del cubismo sintético; también con sus vacaciones en Céret,
localidad en la cual plasma paisajes de un cromatismo ajeno a la paleta cubista y realiza una
vehemente defensa de sus premisas frente a otros artistas opuestos a ellas, entre ellos el
escultor Manolo Hugué.

Casas en Céret, 1913.

Ese mismo año Gertrude Stein, escritora y coleccionista de arte americana que se había
instalado en París a principios de siglo, adquiere sus primeros cuadros de Gris y con ello le
ofrece su amistad y ayuda económica en los momentos más difíciles; una amistad que se
revelará en todos y cada uno de sus futuros testimonios literarios sobre el madrileño.
 Collioure y la guerra

Durante los años de la Primera Guerra Mundial, Gris sufre un tormentoso estado de ansiedad
tanto en el plano vital como en el artístico. Al poco de estallar el conflicto huye de París
acompañado de su mujer, Josette, con destino al pueblo pesquero de Collioure. Allí reside unos
meses y padece una verdadera persecución policial por su condición de extranjero. Sólo
conserva de aquellos días el grato recuerdo de su amistad con Matisse, a quien evoca en las
composiciones de ventanas que se inauguran poco después. Su pintura de estos años,
inquietante y sombría, refleja fielmente su odisea biográfica: "A veces tengo la impresión de
que mi forma de pintar es completamente equivocada -explica Gris epistoñarmente a su amigo
y marchante Kahnweiler. No encuentro sitio en mis cuadros para ese lado sensitivo y sensual
que, me parece, debería estar siempre presente".

Hombre en el café, 1914.

Si bien Juan Gris desarrolla en este período sus logros más significativos, llega no obstante a
plantearse el sentido del cubismo. Y lo hace tras advertir que sus antiguos camaradas han sido
los primeros en abandonarlo: mientras Picasso se entrega a composiciones bucólicas
vinculadas al clasicismo, Braque retornaba del frente -tras recuperarse de sus heridas- a una
línea que poco se parecía a su etapa cubista.La última década en la vida de Juan Gris coincide
con los bulliciosos años veinte. En 1920 se le diagnostica una grave afección pulmonar que,
con altibajos, parece ser la responsable de su muerte. Un año más tarde recibe el accidentado
primer encargo del director del Ballet Ruso, Sergei Diaghilev, para el montaje del Cuadro
flamenco: cuando Gris acepta emprender la tarea, recibe la noticia de que Picasso se ha
adueñado maliciosamente del proyecto. Con todo, este episodio no le impediría la realización
de varios montajes escénicos para la misma compañía en 1923. Pero los contínuos disgustos
por la inadecuación de sus bocetos a la realidad de los decorados, así como el ambiente frívolo
que rodea a Diaghiliev y a su camarilla artístico-literaria en la Costa Azul, lo alejan de futuras
colaboraciones con la compañía.

Un dulce y amargo final

La cálida y alegre atmósfera mediterránea le inspira, sin embargo, toda una serie de
naturalezas muertas con ventanas, donde descubre una veta amable que coincide en el tiempo
con sus composiciones de melancólicos personajes. Si en el primer caso las contundentes
formas cubistas son dulcificadas, hasta el punto de volcar sobre ellas una blandura que parece
anticiparse a la flaccidez daliniana , en el segundo abandona conscientemente el cubismo por
una tentación naturalista, de espíritu más sereno y muy del gusto de la "vuelta al orden".

Y así se desarrolla su estilo de los últimos años, vividos en un régimen casi monacal (pintura
por las mañanas, reposo y dibujo por las tardes), hasta que una complicación de su afección
pulmonar terminó con su vida en 1927.Por desgracia, la muerte de Juan Gris no ocupó grandes
titulares ni impulsó el reconocimiento inmediato. Aún hubo que esperar varios años para que se
le considerara unánimemente como uno de los grandes maestros del cubismo.

ENRIQUE CARBAJAL GONZÁLEZ, SEBASTÍAN

(16 de noviembre de 1947, Camargo, Chihuahua, México), conocido mejor por el nombre de
Sebastián, es un escultor mexicano, especializado en escultura monumental. Es conocido por
sus esculturas monumentales construidas en acero o concreto, las cuales decoran múltiples
ciudades alrededor del mundo, desde San Antonio, Texas hasta Osaka, Japón
Biografía

Enrique Carbajal (Sebastián) nació en la ciudad de Camargo el 16 de Noviembre de 1947. Vivió

en Chihuahua hasta 1964, cuando comenzó a estudiar en la Academia de San Carlos en la
Ciudad de México. Mientras estudiaba en la Ciudad de México comenzó a ganar dinero
trabajando en restaurantes y comprando ropa para venderla en Chihuahua.
Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de
México. Con persistencia y con profundo reconocimiento para Henry Moore y Pablo Picasso,
ganó el primer lugar en la Exposición Anual de 1965 en la Escuela Nacional de Artes Plásticas
de la UNAM. El 2 de octubre de 1968 fue detenido como cientos de estudiantes más durante la
Matanza de Tlatelolco y fue remitido al Campo Militar Número 1.
Se distingue de otros artistas por la forma geométrica que le imprime a sus esculturas.
Sebastián es miembro del World Arts Forum Council con sede en la ciudad de Ginebra, Suiza.
Es investigador de tiempo completo de la UNAM, miembro del Consejo Consultivo del Consejo
Nacional para la Cultura y las Artes y beneficiario del Sistema Nacional de Creadores 1994-
1996. En 1994 fue invitado de honor durante la Trienal de Arte de El Cairo, Egipto.
Desde 1968 cuando comenzaron sus inicios como artista ha realizado más de 120
exposiciones individuales en México, Alemania, Bélgica, Brasil, Colombia, España, Holanda,
Suecia, Noruega, Irlanda, Inglaterra, Portugal, Italia, Dinamarca, Canadá, Finlandia, Estados
Unidos, Francia, Japón, Suiza y Venezuela.
Sus Obras se pueden encontrar en diversos lugares, desde su obra del Caballito en la Ciudad
de México hasta su obra más grande, conocida como La Puerta de Chihuahua en la ciudad de
Chihuahua. Cuenta con obras en otras ciudades como Guadalajara, Monterrey, Torreón,
Villahermosa, Morelia, Xalapa, Tecomán, Tuxtla Gutiérrez, Puebla, Kingston, Buenos Aires, La
Habana, Montevideo, Río de Janeiro, Alburquerque, Denver, Englewood, Nueva York, San
Antonio, Berna, Reikjavik, Hakone, Nagoya y Osaka.

En riq ue Ca rba ja l " Se ba st ián " na ció e n Ch ih ua hu a , Mé xico en 19 47 y

de sde f in a le s de lo s a ño s se sen t a e mp e zó a cre a r un a o b ra e scu lt ó rica
ún ica en la t rad ició n me xica n a y la t ino a me rican a . S u vo ca ció n co n st ru ct iva ,
a limen t ad a po r lo s p rin cip io s de l a rt e ciné t ico , se exp re só in icia lme nt e en
la cre a ción d e e scu lt u ra s t ra n sf o rma b le s, o d e sd ob la b le s, e nt re la s cua le s
su cub o f le xib le ba ut iza do co mo L eo na rd o 4 co n st itu ye u n e je mp lo
in ig u a la b le .

De sd e 19 68 ha re a liza do má s de 12 0 e xp o sicio ne s ind ivid u a le s e n

Mé xico, Ale ma n ia , Bé lg ica , B ra sil, Co lo mb ia , Esp añ a , Ho la nd a, S ue cia ,
No rue ga , I rlan da , In g lat e rra , Po rt ug a l, It a lia , Din a ma rca , Ca na da ,
Fin lan d ia, E st a do s Un ido s, Fran cia , Ja pó n , S u iza y Ven e zue la .

En t re lo s n u me ro so s p re mio s qu e h a re cib ido se p ue de n men cio na r e l

Su pe rio r P rize q ue le o to rg ó e l Ha ko ne O pe n A ir Mu se u m d e Jap ón d en t ro
de l Con cu rso en Ho me na je a He n ry Moo re ; e l P re mio de B ro n ce d e la A B C
Ash i B roa d ca st in g Co rp o rat io n d e O sa ka ; e l P re mio de l Ju rad o d e la Tr ien a l
In te rn a cion a l G ráf ica de No rue ga , e l G ra n P re mio de O ro d e l co n cu rso
O RC-Cit y t a mb ié n de Osa ka y, e n e l á mb it o de la p int u ra , e l P re mio
Ma in ich i d e la Trie n a l de P in tu ra d e la misma ciud ad ja po ne sa . A simismo ,
ga nó e l co n cu rso pa ra crea r u na escu lt u ra q ue es e l sí mb o lo d e la Ciu da d
de Sa ka i, e n Jap ó n, e n do nd e de sd e 19 94 se le van ta su pie za mo nu me n ta l
A rco F én ix.

En 19 95 ga nó e l co n cu rso pa ra co n st ru ir e l sí mb o lo d e la ciud ad d e
Ka do ma , en Ja pó n , co n su pie za Tsu ru , qu e e s u n h a i-kú e scu ltó rico ,
ina ug u rad a en e l me s de jun io de 19 96 en aq ue lla ciud a d.

Su p ro du cció n escu ltó rica a ba rca lo mis mo el p eq ue ño fo rma t o qu e e l

de ta ma ño med ia no y la e scu ltu ra mon u men t a l u rb an a . En este ú lt imo
á mb it o su crea ció n má s con o cida e s su Cab e za d e cab a llo , co no cid a co mo
E l Ca ba ll it o d e S eb a st iá n , lo ca lizad a en el cen t ro de la ciu da d de Mé xico .
Pe ro exist en e scu lt u ra s su ya s en e l e st a do de Nue vo Le ón (La pu e rta d e
Mon t e rre y), en Ta b a sco , Mo re lo s, Gu e rre ro , Ch ia pa s y Micho a cán . Va ria s
ciud ad e s lat in oa me rica n a s p ose en ta mb ié n e scu ltu ra s mon u men t a le s d e
Se ba st ián : K in g sto n , B ue no s A ire s, La Hab an a , Mo n te vid eo y Río d e
 Ja n e iro. Asim ismo , la p re se n cia g eo mé t rica de su p rod u cción se le van t a e n
sit io s cla ve de A lb u rq ue rq ue , Den ve r, E ng le woo d y Nu e va Yo rk e n E sta do s
Un id o s y en E u rop a ha y p ie za s su ya s e n B e rn a y e n I slan d ia .

En e l mu nd o o rien ta l la e scu lt u ra d e S eb a st iá n ha te n id o un a
exce p cio n a l acep t a ció n y dive rsa s ciu d ad e s ja p on e sa s, co mo Ha ko n e,
Nag o ya y O sa ka po se en p ie za s mon u me nt a le s d e su au to rí a . E n 1 99 4 f ué
in vita do d e h on o r d u ran te la Trie n a l de A rte d e l Ca iro , Eg ip to .

Se ba st ián e s m ie mb ro d e l Wo r ld A rt s Fo ru m Co un cil co n sed e en

G in e b ra ; e s in ve st ig ad o r d e t ie mpo co mp le t o d e la UNA M, mie mb ro de l
Con se jo Co n su lt ivo de l Co n se jo Na cio n a l pa ra la Cu ltu ra y la s A rte s
(CNCA ) y b en ef icia r io d e l S ist e ma Na cio na l d e Cre a do re s 19 94 - 19 96 .

De sd e su s in icio s, su p ro du cció n h a e sta do lig ad a a lo s avan ce s

cien t íf ico s y te cno ló g ico s y u na de su s má s re cie n te s exp o sicion e s,
mon t ad a en e l Mu seo Ta ma yo de la ciu da d de Mé xico , se t it u ló E scu lt u ra s
cu lt iva da s, en la s cu a le s a p licó u n sist e ma d e e le ct ro de p o sita ció n p a ra q ue
lo s o rga n ismo s ma rin o s cre a ran , en est ru ctu ra s con st ru íd a s po r é l y
su me rg id a s e n e l ma r du ra nt e va rio s me se s, su p ro p io h áb ita t .

En fe b re ro d e e ste añ o via jó a E g ip t o p a ra p a rt icip a r e n e l P rime r

S impo siu m I nt e rna cio na l d e E scu lt o re s en A swan , en do nd e re a lizó su
p ie za Ho ru s. En ma rzo re a lizó e l e sp e ctá cu lo mu lt i med ia t itu la do E l vu e lo
de l Tsu ru y e l espe ct á cu lo Neo mi len io , en co mp añ í a d e l af a ma d o
co re óg ra f o M iche l De sco mbe y, con e l cu a l se in au gu ró e l Fe st iva l de l
Cen t ro Histó r ico d e la ciud ad d e Mé xico .

Se ba st ián imp a rt e cu rso s, t a lle re s y con f e ren cia s en dive rsa s un ive rsida d e s e
in st it u cion e s ta nt o de Mé xico co mo d e l ext ran je ro .

PI CAS S O Y E L CUBI S MO

, 1. Introducción

Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del cubismo junto a
Braque, su capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima de la pintura mundial.

2. Desarrollo

1881Pablo Ruiz Picasso nace en Málaga el 25 de octubre. Es hijo primogénito de José Ruiz
Picasso, vasco de nacimiento, pintor, profesor de la Escuela de Bellas Artes de Málaga y
conservador del Museo Municipal. Su madre, de origen italiano por línea paterna, se llamaba
María Picasso López.

1891José Ruiz Picasso es nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de La Coruña,

donde se trasladan a vivir en septiembre. Con diez años Picasso ingresa en el instituto de
Enseñanza Media de La Guarda e inicia su formación pictórica revelando una gran capacidad.

1895Se trasladan a Barcelona cuando su padre obtiene una cátedra en la Escuela de Bellas
Artes de La Lonja. En esa misma escuela se matricula Picasso con catorce años, a pesar de
que se exigían veinte años para poder ingresar.

1896En abril participa en la Exposición Municipal de Barcelona con la obra "Primera comunión".
Un año más tarde envía a la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid la obra "Ciencia y
caridad", con la que obtiene una mención honorífica. Ese mismo año ingresa en la Real
Academia de San Fernando de Madrid, pero a final de curso cae enfermo de escarlatina y tiene
que regresar a Barcelona.

1899De nuevo en Barcelona suele parar en el café "Els Quatre Gats", lugar frecuentado por
numerosos intelectuales. Poco después, en febrero de 1900, expone en dicho café una serie de
retratos de artistas y amigos en la línea de Ramón Casas. En octubre realiza su primer viaje a
París, donde conoce al marchante catalán Manach, que le ofrece una suma mensual a cambio
de un cierto número de obras, es su primer contrato. Allí pinta obras tales como "Autorretrato" o
"le Moulin de la Galette". En diciembre vuelve a Barcelona.

1901Se traslada a Madrid donde funda y dirige la revista Arte joven junto a Francisco de A.
Soler. En octubre conoce a Jaime Sabartés, que le acompañará como amigo y secretario toda
la vida. Con el retrato de su amigo inicia la Epoca Azul, durante la cual en sus cuadros
predomina este color en sus matices densos y mates. Su amargura se refleja principalmente en
mujeres en actitudes de miseria y desamparo. En esa época pinta "Niña con paloma" y "Niña
Sentada". En enero de¡ año siguiente rompe con Manach y regresa a Barcelona. Pinta "Madre
con niña" y "Mendiga acurrucada". En octubre realiza su tercer viaje a París donde conoce a
Max Jacob.

1903Inicia los estudios para "la vida", tela fundamental de la Epoca Azul. Pinta "La Celestina".

1904Fija su residencia en París definitivamente, instalándose en un barracón de aspecto

miserable, que ofrece alojamiento a verduleros, actores, literatos y lavanderas, en Montmartre,
y que Max Jacob bautizó con el famoso nombre de Bateau-Lavoir. Se relaciona con artistas
catalanes tales cómo Canais, Pitxot, Manolo y los poetas Salmon y Apollinare. En otoño conoce
a Fernanda Oliver, que se convertirá hasta 191 1 en su compañera. Realiza su primer gran
grabado "la comida frugal".

1905Entabla amistad con los prestigiosos coleccionistas estadounidenses Levy y Gertrude

Stein, en cuya casa conoce a Matisse, quien junto a Georges Braque y Juan Gris suelen
frecuentar el taller de Picasso. A finales de febrero expone en la Galería Serrurier un trabajo
formado por un álbum de dibujos, veintiocho cuadros y seis aguafuertes de la colección titulada
"Los volatineros". Entre ese año y el siguiente se desarrolla la Epoca Rosa, llamada de ese
modo debido a que los ternas, escenas circenses (payasos, saltimbanquis y arlequines), son
tratados preferentemente a base de tonalidades grises y rosas. Este periodo representa una
importante evolución hacia un cromatismo más brillante y luminoso; desaparece la desolación y
la angustia, el estilo se vuelve más sobrio. Las obras "Madre e hijo" (1905) y "La cabeza"
(1906) reflejan ya su personalidad madura.

1906Vollard compra la totalidad de las obras de Picasso de esa época por 2.000 francos. Así el
pintor puede realizar su sueño de regresar a España por unos meses, en el viaje le acompaña
Fernanda Oliver.

1907En torno a ese año se desarrolla la llamada Epoca Negra, a la que se bautizó como tal por
el protagonismo que cobraron una serie de manifestaciones culturales, desconocidas hasta
entonces en Europa y procedentes fundamentalmente del África Negra. Estas influencias junto
con otras románticas e ibéricas dan lugar al nacimiento de la obra "Les demoiselles d'Avignon"
que supondrá el punto de partida de¡ Cubismo. Cuando Picasso se lanza a esta aventura es ya
un pintor renombrado, autor de más de doscientos óleos, acuarelas, gouaches, pasteles,
esculturas, grabados en madera y aguafuertes. Aunque se trata de una obra increíblemente
polifacético para un hombre tan joven, Picasso decide abandonar lo que ha sido su forma de
sentir para afrontar los problemas de la representación espacial de las formas.

A pesar de los consejos de sus amigos para que retome su estilo anterior, incluso sus
marchantes le abandonan, Picasso emprende el camino hacia el estilo que representará un hito
en el arte moderno.

La importante exposición de Cezanne de 1907 resulta decisiva para Picasso. Cezanne reduce
los objetos a volúmenes primarios, pero generalmente curvos (conos, cilindros ... ), mientras
Picasso y Braque, unidos ya por una profunda amistad, prefieren los de aristas completamente
rectilíneas: cubos, pirámides...

1909Picasso viaja a España en mayo y pasa el verano en Horta de Ebro, donde pinta paisajes
y retratos en los que se perfila el inicio del Cubismo Analítico. Se trata de llevar a cabo un
análisis exhaustivo del motivo representado, descomponiéndolo en tantos planos como puntos
de vista posea. En otoño modela una cabeza de Fernanda que está considerada con la primera
escultura cubista.

1910Pinta los retratos cubistas de Uhde, Vollard y Kahnweiler. Se encuentra en plena Fase
Hermética del cubismo ante el peligro de perder totalmente el contacto con la realidad a la que
esta corriente artística se declara anclada. Gracias a Braque consigue superar el "impasse" y
encontrar una ligazón con la objetividad.

1911Conoce a Marcell Humbert con la que pronto inicia una nueva vida; juntos se trasladan a
la casa del bulevar Rapasil. Picasso participa en exposiciones colectivas en Berlín, Arnsterdam
y Nueva York.

1912Entre ese año y el siguiente Braque y Picasso desarrollan el Cubismo Sintético, que
supone abandonar el análisis del objeto para captar su fisonomía esencial incorporando
elementos reales. En estos cuadros, conocidos como papiers collés, pega trozos de papeles
pintados, periódicos, cordones, etc.. Busca también nuevos caminos en la escultura, como en
la obra "La Guitarra", que representa una ruptura con el pasado. Su único temor en su
experimentación es el estancamiento.

1914A los treinta y tres años es ya un pintor famoso y muy bien retribuido. Su obra "Los
saltimbanquis" se compra en 11.550 francos en una subasta parisina en el Hotel Drouot. El 2
de agosto estalla la Primera Guerra Mundial. Acaba de morir Marcelle Humbert y la guerra
disuelve el grupo de los fundadores del cubismo. Picasso se aleja de la guerra refugiándose en
una pequeña villa en la calle Victor Hugo, vive sólo, acompañado en algunas ocasiones por el
escultor también español Gargallo.

1917Jean Cocteau le presenta al director de los Ballets Rusos Sergio Diaghilev, quien le
propone realizar los decorados y figurines de la obra "Parade" cuya música ha compuesto Eric
Satie. Cuando se estrena la obra en París, el público expresa ruidosamente su indignación por
el ballet, pero aplaude el decorado de formas cubistas móviles. Durante esta etapa Picasso
conoce a Olga Chochlova, bailarina del ballet ruso. Olga abandona la compañía para irse a vivir
con el pintor. juntos se trasladan a Madrid y luego a Barcelona. Un año más tarde contraen
matrimonio.

1919Picasso viaja junto a Olga a Londres para trabajar en el vestuario y los decorados de un
ballet, también de Diaghilev, basado en la obra "El sombrero de tres picos" de Falla. En ese
año comienza una nueva etapa caracterizada por una doble fórmula interpretativa. Por una
parte desarrolla formas escultóricas e imágenes de una grandiosidad que ha sido definida
como neoclásica; de este estilo son las obras "Las bañistas", "Mujeres sentadas" o "Mujeres en
la fuente". Por otra parte desarrolla un cubismo de múltiples maneras.

1921Nace su primer hijo, Paulo. Este acontecimiento dará lugar a una etapa romántica en la
que predominan las maternidades y temas infantiles. En 1923 conoce a Andre Bretón, de quién
hace un retrato. Durante esos años realiza nuevos trabajos para el teatro.

1925Participa en la primera exposición de pintores surrealistas en la Galería Pierre, en París,

obteniendo un gran éxito. Se publica en la revista "La Revolution Surrealiste" varias obras de
Picasso, entre ellas y por primera vez en Europa "Les demoiselles d'Avignon".

1927Conoce a Marie-Thérese Walter, que se convierte en su modelo y amante.

1928Se inicia en la escultura con metal en el taller de Julio González.

1930En febrero pinta, inspirándose en Grünewald, una "Crucifixión" en la que se anticipan

aspectos de¡ "Guernica". Recibe el premio de la Fundación Carnegie, que le permite comprar el
Palacete de Boisgeloup. Es en ese año cuando las figuras femeninas distorsionadas y
fantásticas culminan en una gran tela surrealista "Bañista sentada". El año siguiente se realizan
exposiciones importantes de su obra en Londres, París y Nueva York. Mientras tanto se dedica
casi exclusivamente a la escultura.

1932Se celebra en junio en la Galería Georges Petit una exposición retrospectiva formada por
236 piezas. Un año más tarde realiza la portada de¡ primer número de "Minotaure", publicación
surrealista que incluye un artículo de Bretón sobre Picasso.

1934Junto con Olga y Paulo realiza un viaje por toda España. En 1935 su amante, Marie-
Thérese Walter le da una hija Maya, siendo este el principal motivo por el que se separa de
Olga. Ese año realiza la serie de grabados "La Minotauromaquia" y la obra "La musa".
1936Estalla la Guerra Civil española. Picasso toma partido por la República que le nombra
director del Museo del Prado, cargo que no llega a desempeñar. Desde agosto de ese año vive
con Dora Maar. Cuando el 29 de abril de 1937 llega a París la noticia de que la pequeña ciudad
de Guernica ha sido bombardeada en pleno día, con las calles llenas de gente, Picasso
encolerizado ya sabe cuál será el tema de la obra que la República española le ha encargado
que pinte para la Exposición Universal de París de ese año. Picasso realiza el "Guernica", una
de sus obras más grandiosas.

1939Con el eco del "Guernica" aún vivo estalla la Segunda Guerra Mundial; Picasso y Dora
Maar que estaban viviendo en Antibes se trasladan a París. Dos años más tarde escribe una
pieza teatral "Le désir attrapé par la queue". En 1942 muere Julio González; Picasso pinta una
serie de naturalezas muertas que describe como "la muerte de julio González".

1943Conoce a la joven pintora Françoise Gilot que será su compañera durante casi diez años.
Un año después, en octubre, se afilia al partido comunista francés.

1945Se entrega con entusiasmo a una nueva técnica, la litografía, llegando a pintar en tres
años casi doscientas obras.

1946Se inaugura en junio, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la exposición

"Picasso. Fifty Years of his Art", con este motivo Alfred H. Barr Jr. realiza un catálogo que se
convierte en pieza fundamental de la bibliografía del artista.

1947Nace Claude, fruto de su relación con Françoise Gilot. Los tres se trasladan a vivir a
Vallauris. En esa pequeña ciudad, cerca del Mediterráneo, Picasso desarrolla un nuevo
capítulo artístico: la cerámica. En sólo un año elabora seiscientos objetos diferentes: figuras,
platos, jarros, azulejos...

1948El Gobierno francés le concede la "Medalla de Reconocimiento francés" en su categoría

de plata. En agosto participa en Wroclaw (Polonia), en el Congreso de los Intelectuales para la
Paz.

1949Nace su hija Paloma y la maternidad vuelve a ser un tema habitual en sus obras. Louis
Aragón elige para el cartel del Congreso de la Paz, que se celebra el mes de abril en París, la
litografía "La Paloma" de Picasso, símbolo de la suprema esperanza de los pueblos. Un año
más tarde recibe el Premio Lenin de la Paz.

1951En enero se presenta en el Salón de Mayo la obra "La Matanza de Corea", el artista no es
muy bien acogido, ni si quiera por el partido comunista, que sin embargo le hace un homenaje
en febrero de ese año. Picasso sigue trabajando la escultura. En abril del año siguiente realiza
los dibujos preparatorios para la de capilla de Vallauris, que versará sobre dos grandes temas:
la guerra y la paz. Ese mismo año muere su amigo Paul Eluard.

1953El pintor empieza una larga serie de dibujos sobre el tema "El pintor y la modelo" que poco
después pasará a la pintura y el grabado.

1954Mueren Matisse y Derain. Ese mismo año aparece en la obra de Picasso Jaqueline
Roque, que pronto se convertirá en su nueva compañera.

1955Abandona su villa de Vallauris y se traslada a un enorme caserón de piedra situado en

Cannes y que llama "La Californie". Olga Chochiova ha muerto y Jaqueline es la inspiradora de
numerosas obras que Picasso realiza con la misma intensidad con la que retrató a sus otras
compañeras. En ese mismo año inicia una etapa definida como período de encuentro con los
clásicos, en la que consagra grandes series a obras maestras de artistas de la talla de
Velázquez, Manet o Delacroix, para volver luego a un tema muy distinto: la tauromaquia.

1956En octubre tiene lugar la primera exposición de Picasso en la Sala Joan Gaspar de
Barcelona.

Un año después realiza un conjunto de aguatintas destinadas a ilustrar la "Tauromaquia. Arte

de Torear", de José Delgado.

1958Tiene lugar la presentación oficial de la decoración que Picasso ha realizado para la

UNESCO. "La caída de Icaro". Poco después Gustavo Gili publica en Barcelona la
"Tauromaquia" con grabados de Picasso.

1960Se traslada a Nótre-Dame-de-Vie, en Mougins, donde transcurrirán los últimos años de su

vida. Expone en las principales capitales del mundo. En octubre empiezan los trabajos para la
decoración del Colegio de Arquitectos de Barcelona, se utilizará un técnica de grabado sobre
hormigón desarrollada por el escultor noruego Carl Nesjar. En 1961 se casa con Jaqueline
Roque.

1963En marzo se inaugura el Museo Picasso de Barcelona, instalado en el Palacio Aguilar de

la calle Montcada. En este Museo se reúne la colección donada por Jaime Sabartés, impulsor
del proyecto, y las obras ya existentes en el Museo de Arte Moderno, así como donaciones de
coleccionistas catalanes.

1966Se realizan numerosas exposiciones sobre su obra con motivo de su 85 cumpleaños. En

noviembre se inaugura en París una importante muestra retrospectiva organizada por Jean
Leymarie que ocupa el Gran Palais con pinturas y el Petit Palais con dibujos y esculturas.

1968Muere Jaime Sabartés. En su memoria Picasso dona al Museo Picasso de Barcelona la

serie "las Meninas", lienzo que admiró toda su vida. Un año después Gustavo Gili edita en
Barcelona "El entierro del Conde de Orgaz" con texto y grabados de Picasso.

1970De mayo a octubre se presenta en el Palacio de los Papas de Avignon una gran
exposición de Picasso con 165 lienzos y 46 dibujos. Son cedidas al Museo Picasso la obras
que tiene su familia en Barcelona.

1971Francia le rinde un homenaje nacional en su 90 cumpleaños, mientras tanto Picasso sigue

trabajando incansablemente en sus series de grabados.

1973El 8 de abril muere en su casa de Notré-Dame-de-Vie. Aquel año estaba trabajando en

una serie inspirada en la "Ronda de noche" de Rembrandt.

3. El Cubismo

Se inicia con la obra "las señoritas de Avignon" de Pablo Picasso.Los autores de esta corriente
son austeros con el color; utilizan colores neutros, grises, marrones.Los dos autores principales
de esta corriente son Picasso y Braque.Se renuncia a la perspectiva tradicional, a los colores
reales, a ver las figuras desde el punto de vista único. Temas menos importantes que el
tratamiento. Buscan figuras cotidianas: tren, automóvil. Se exalta el plano, se rescatan escenas
interiores. Pintura figurativa que "destroza" las formas. Se crea al gusto del pinto, rompe con los
tabúes del arte occidental, no se pinta con normas. El pintor más famoso es Picasso que pinta
en 1907 "las señoritas de Avignon", en la que se elimina la profundidad y es una representación
dimensional => Cubismo Puro. Dentro del cubismo podemos distinguir dos fases: el cubismo
analítico y el cubismo sintético.

4. Cubismo analítico

hace irreconocibles a las figuras.Braque, "el portugués", superpone planos geométricos,

colores oscuros.Después se hacen cuadros con recortes periodísticos => Colas

5. Cubismo sintético

Planos más amplios, representa al objeto, con imágenes únicas. "De un cilindro hago una
botella", decía el pintor español Juan Gris, quien, junto con otro compatriota, Pablo Picasso, y
un francés, Georges Braque, fue uno de los exponentes más destacados del cubismo,
movimiento artístico del primer cuarto del siglo XX que, con su descomposición de la figura y su
renuncia a la perspectiva tradicional, revolucionó al mundo de la pintura. El nombre del cubismo
fue acuñado por primera vez por el crítico de arte francés Louis Vauxcelles al referirse a los
paisajes de Breque expuestos en la galería parisiense Kahnweiler en 1908.

6. Proceso de formación

Se ha situado el origen de este movimiento en dos fuentes muy distintas: de una parte, el
impacto que causó en círculos artísticos de París la escultura primitiva africana - y, en opinión
de muchos críticos, la ibérica - , de otra , la influencia del pintor francés Paul Cezanne y su
tendencia a reducir los volúmenes de los objetos reales a elementos esenciales como el
cilindro, el cubo y la esfera. Hay que añadir a estos antecedentes la reacción contra el
fauvismo, tendencia pictórica en la que el estallido del color era uno de los aspectos más
sobresalientes. Los creadores que iniciaron las experimentaciones cubistas fueron Picasso y
Braque. El primer cuadro cubista, pintado por Picasso en 1907, fue "Las señoritas de Avignon".
Las figuras femeninas representadas en este lienzo están singularmente tratadas. Son formas
planas, cuyas siluetas aparecen como fracturadas, y los trazos que las delimitan son siempre
rectilíneos y angulares. Al mismo tiempo se acomete el intento de representar, al mismo
tiempo, un rostro humano de frente y de perfil. Simultáneamente a las investigaciones
desarrolladas por Picasso, Braque había realizado una serie de paisajes de l'Estaque,
caracterizados por la escasez de colorido y un volumen facetado, a base de planos inclinados,
que se presentaron en París en la exposición que dio origen al nombre de cubismo.El estilo
cubista reclamó una pintura plana, bidimensional, opuesta a las técnicas tradicionales de la
perspectiva y el claroscuro. Rechazó, asimismo la antigua teoría, mantenida y seguida durante
siglos, de que el arte era una imitación de la naturaleza. Quizás por esto, aunque inicialmente
los pintores cubistas tomaron como modelos los temas de la naturaleza y representaron rostros
y figuras humanas, pronto centraron su temática en naturalezas muertas. Éstas eran
composiciones formadas con objetos usuales, agrupados casi siempre sobre una mesa, que
carecían de profundidad, y en los que todos los elementos ocupaban el primer plano, gracias a
una descomposición en facetas. Desde los primeros años se estableció una estrecha relación
entre Picasso y Braque, que permitió pasar al cubismo de una fase previa de experimentación
a otra mas madura, entre los años 1910 y 1912. En los inicios de este movimiento tuvo también
gran importancia el marchante Daniel Kahnweiler, cuya galería se convirtió en el centro de
difusión del cubismo. Por otra parte, la teoría acerca del movimiento cubista iba tomando forma
en las reuniones en el edificio Bateau-Lavoir, donde vivían Picasso, Juan Gris - Sinónimo de
José Victoriano González - y el escritor francés Max Jacob. Asistentes asiduos a las reuniones
del grupo eran también el francés Henri Matisse y Diego Rivera, que sería uno de los
principales pintores muralistas mexicanos, así como los escritores franceses Jean Cocteau y
Guillaume Apollinaire. Fue precisamente ese último quien en mayor medida contribuyó, con
textos como el de Les Peintres cubistes, publicado en 1913, a elaborar la estética sustentadora
del movimiento cubista.

7. Desarrollos del cubismo

Además de los dos grandes maestros mencionados hubo otra serie de artistas que realizaron
un cubismo cercano al de Picasso o Braque, pero con toques personales, como Juan Gris y los
pintores franceses Fernand Léger, Albert Gleizes y Jean Metzinger.Cuando esta estética se
difundió por toda Europa aparecieron una serie de grupos o tendencias con sus propias
características: el cubismo órfico, del francés Robert Delaunay, que daba una gran importancia
al color y empleaba elementos compositivos inventados por el artista, el grupo de Puteaux, con
el también francés Marcel Duchamp, que aportó un cubismo dinámico y muy intelectual, el
neoplasticismo del holandés Piet Mondrian, el suprematismo ruso de Kazimir Maliévich, el
constructivismo escultóricos de su compatriota Vladimir Tatlin, y el purismo, estética racional y
geométrica impulsada por los franceses Amadeé Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret. Este
último, de origen suizo y llamado Le Corbusier, aplicó luego sus principios a la arquitectura.Se
puede decir que, con la guerra de 1914, el cubismo, que había tenido una vida intensa desde
1907, se desintegró como vanguardia artística, aunque su influencia fue enorme a lo largo del
siglo XX. De hecho, la mayor parte de los pintores citados ejercieron un decisivo impulso en el
desarrollo de la abstracción geométrica.

8. Análisis del Guernica

Ninguna obra de arte surge aislada, al margen del tiempo y el momento que la vio crecer, el
Guernica quizás, menos que ninguna otra. Pintada para el Pabellón de España en la
Exposición Internacional celebrada en París en 1937, pabellón montado con carácter
propagandístico por parte de la República Española y que iba a atraer a una gran cantidad de
visitantes, visitantes que iban a una Exposición y que pasaban delante de un mural que parecía
un gran cartel, nada que ver con el visitante que hoy en día se dirige a un museo y ve la obra.
Este es un elemento a tener en cuenta cuando vemos el cuadro.
Este cuadro fue creado para la colectividad, para que lo contemplase un gran número de
personas, de ahí su tamaño y la reducción a la gama del blanco al negro. Es un cuadro que
busca producir un efecto sobre muchas personas, personas de todo tipo. La obra lo consigue,
es un cuadro ante el que nadie se queda indiferente, ante el que se opina por ello ha pasado a
ser una obra fundamental del arte de nuestro siglo, pero fue un cuadro creado como cartel
publiciatiario para poner de manifiesto la injusticia y la barbarie del bombardeo de Guernica el
26 de abril de 1937 a las cinco menos veinte de la tarde. Guernica, una población vizcaina de
7000 habitantes a 30 km. de Bilbao, patria de las libertades vascas, pues ante su famoso roble
los monarcas españoles y sus representantes juraban los fueros vascos. Los motivos del
bombardeo fueron de índole ejemplarizante y experimental, se utilizaron bombas incendiarias y
poderosos explosivos, sólo quedaron indemenes el 10 por ciento de los edificios y el número de
muertos nunca se calculó.

Un factor a tener en cuenta, sobre todo a raíz de la polémica que este cuadro está alcanzando
es que el cuadro fue encargado a Picasso antes de que se produjera el bombardeo, fue
encargado por la II República con ese afán propagandístico antes aludido, para manifestar la
oposición al alzamiento nacional y a la guerra que éste había provocado, aunque también es
cierto que Picasso no empezo a pintar hasta que se produjo el bombardeo, y lo hizo de forma
ferviente y casi acelerada y en el plazo de un mes termino la obra, por eso hay que ampliar el
significado y la lectura de esta obra que no reivindica la crueldad de una masacre concreta sino
que se convierte en un alegato contra la crueldad y la injusticia de la guerra y contra la barbarie
propia del fascismo y el nacional-socialmismo que más adelante iba a azotar toda Europa.

La elaboración del cuadro comienza el 1 de mayo de 1937. Desde los primeros bocetos
aparecen todas las figuras de la obra final: el toro, la mujer con la luz, el guerrero en el suelo, el
caballo. El 8 de mayo introduce a la madre con el niño, y el caballo muerto que cae sobre el
guerrero. El 11 de mayo empieza a pintar sobre el lienzo definitivo hasta el 4 de junio.

9. Análisis de Las Señoritas de Avignon

El tema del cuadro ha sido fruto de diferentes interpretaciones, dichas interpretaciones están en
relación con los dibujos preparatorios del cuadro. El cambio principal entre estos bocetos y el
cuadro final es que en los dibujos aparecen unas figuras masculinas: un marinero y un
estudiante de medicina, figuras identificadas por detalles que aprecen o desaparecen según el
dibujo de que se trate. Siguiendo los dibujos se hace más factible la interpretación de que es
una escena que transcurre en un prostíbulo, sobre todo al estar tan cercana a una obra como
El harén. En el cuadro no aparecen esas figuras masculinas y con ello el efecto que se
consigue es que el espectador en lugar de contemplar una habitación con unas prostitutas,
pase a ser mirado por ellas, ellas son las que le interrogan, son quienes le solicitan un
posicionamiento.

Este es uno de los rasgos fundamentales del arte del siglo XX, el espectador nunca más
contempla una obra por la mera contemplación de la misma, tendrá que tomar partido, para
terminar la imagen, para opinar sobre la imagen, para participar en la creación de la imagen
que llegara a convertirse en una instalación.

En el cuadro priman dos aspectos: el primitivismo y la disgregación espacial

El primitivismo se ve en el rostro de estas mujeres y en el uso de la combinación de El

primitivismo de los rostros tiene una doble vertiente: las dos figuras de la derecha muestran una
relación más clara con la escultura negra, sobre todo de corte oceánico, mientras que las dos
centrales y la de la

izquierda nos llevan a la estatuaria ibérica. El interés de Picasso en este tipo de arte radica
en el sentido totémico y las formas simplificadas. Picasso traduce una aproximación
romántica hacia estas obras pues no se queda en los rasgos estilístico, hay un
elemento de expresividad, en el fondo estos rostros tienen algo de máscaras y como tal
pasan a ser objeto de culto, parte de un rito. Para Picasso el arte primitivo es algo
emocional, por eso traspasa los límites de la forma, estas máscaras nos producen una
sensación de miedo, excitan el sentimiento y es el aspecto que a Picasso le interesa
destacar en este cuadro. En este primitivismo estaría recogiendo lo que de misterio y
salvaje encontramos en el arte oceánico. colores: ocre-rosado y azul claro.
En cuanto al color, es el color que se usa para pintar las máscaras oceánicas, es decir,
aquellas máscaras de las colonias oceánicas francesas donde el juego de los rosas y blanco
apastelados son muy frecuentes. Para lograr plasmar la textura de máscaras en estos rostros,
Picasso va a introducir un nuevo elemento: la respiración en blanco, deja una zona en blanco,
un límite entre dos colores sin pintar, de forma que se ve el lienzo, pasando a convertirse el
lienzo en elmento plástico en si mismo. Esta herramienta le permite así introducir la sensación
de profundidad utilizando el cuadro.

La disgregación espacial va a traer como consecuencia que el cuadro deje de ser la

narración de una historia y pase a ser la construcción de objetos que se ofrecen a
nosotros. La unidad del cuadro tiene que venir dada por el espectador, es nuestra
mirada la que los reune y la que le da sentido. Picasso introduce diferentes puntos de
vista en atención a una composición autónoma respecto de la percepción naturalista: la
figura en cuclillas con el rostro completamente de espalda y dada la vuelta es una
postura anatómicamente imposible, la segunda figura de la izquierda, está tumbada y a
la vez se la ha levantado.
10. Conclusión

Pablo Picasso es considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Polifacético,
inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, creó más de
20.000 obras.Falleció en Mougins en 1973, cuando preparaba dos exposiciones, demostrando
su capacidad creativa hasta el final.

11. Algunas Imágenes

El Arlequín Azul (1964).Técnica de crayón y pastel/papel.(65x24cm)

El Guernica (1937).Técnica de óleo sobre lienzo.(349x777cm)

Las Señoritas de Avignon (1907).Técnica de óleo sobre tela.(243.9x223.7cm)

12. Bibliografía

http://www.publispain.com/pablopicasso/biografia.htm
http://www.arsliber.com/artistas/Picasso/bio.htm
http://www.artehistoria.com/genios/pintores/2990.htm
TASCHEN, BENEDIKT: "Picasso",Germany, 1992.