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Coleção Ouvido Musical

Tom Leão

HEAVY METAL
GUITARRAS EM FÚRIA

editora■34
2 Tom Leão
EDITORA 34

Editora 34 Ltda.
Rua Hungria, 592 Jardim Europa CEP 01455-000
São Paulo - SP Brasil Tel/Fax (011) 816-6777

Copyright © Editora 34 Ltda., 1997


Heavy Metal: guitarras em fúria © Tom Leão, 1997

A FOTOCÓPIA DE QUALQUER FOLHA DESTE LIVRO É ILEGAL, E CONFIGURA UMA

APROPRIAÇÃO INDEVIDA DOS DIREITOS INTELECTUAIS E PATRIMONIAIS DO AUTOR.

Capa, projeto gráfico e editoração eletrônica:


Bracher & Malta Produção Gráfica
Revisão:
Helder Perri Ferreira

Crédito das imagens:


Reprodução (pp. 7, 8, 12, 21a, 21b, 21c, 25a, 25b, 25c, 29a, 29b, 31a, 31b, 31c, 54b, 58a, 58b,
67a, 80b, 89b, 98b, 106, 111a, 111b, 114a, 117b, 135a, 135b, 145a, 145b, 177a); Divulgação
(EMI: pp. 34, 54a, 67b, 89a, 98a, 167, 177b I BMG: pp. 40, 135c / Sony Music: pp. 47, 84,
117a, 163, 187b, 213c; CBS-Polygram: pp. 62a, 69, 72, 100, 106c, 140, 152, 187a, 213a /
Geffen: pp. 62b, 195 / Warner: pp. 77, 92, 95, 114, 148, 157, 215a / Boardwalk:.p. 102 /
Bronze: p. 120 / Secret: p. 128 / Roadrunner: pp. 143b, 150, 198, 203, 215b, 215c / Epic-
Elektra: pp. 80a, 137, 171a, 207, 210); André Barcinski (pp. 180, 183a, 183b, 190, 213b)

1ª Edição - 1997

Catalogação na Fonte do Departamento Nacional do livro


(Fundação Biblioteca Nacional, RJ, Brasil)

Leão, Tom
I.97h Heavy Metal: guitarras em fúria / Tom leão.
— São Paulo: Ed. 34, 1997
232 p. (Coleção Ouvido Musical)
Inclui bibliografia e discografia.
ISBN 85-7326077-7
1. Rock – História e crítica. 1. Título.
II. Série.

Heavy Metal 3
HEAVY METAL

GUITARRAS EM FÚRIA

1. INTRODUÇÃO............................................................................................. 8
2. RAÍZES E RAMOS DO HEAVY METAL ................................................. 12
3. MAS ANTES, UMA DÚVIDA ................................................................... 16
4. O PROTO-METAL ..................................................................................... 18
5. O TROVÃO DO HEAVY METAL ............................................................. 26
6. A/Z DAS BANDAS CLÁSSICAS .............................................................. 34
7. MULHERES NO METAL......................................................................... 105
8. ESSE TAL DE HARD ROCK ................................................................... 112
9. A NEW WAVE DO METAL BRITÂNICO............................................... 124
10. PUNK/HARDCORE (UK/USA) ............................................................. 133
11. DEATH METAL ..................................................................................... 145
12. DOOM METAL: POR QUEM OS SINOS DOBRAM............................ 154
13. THRASH METAL: TEMPO DE BATER CABEÇA .............................. 159
14. GLAM METAL: QUANTO MAIS PURPURINA, MELHOR ....................... 182
15. GRUNGE: A VOLTA DA ATITUDE..................................................... 188
16. INDUSTRIAL: O METAL BATE-ESTACA.......................................... 198
17. O METAL NO BRASIL .......................................................................... 207
18. FUSÕES E O FUTURO........................................................................... 220
19. POSFÁCIO .............................................................................................. 226

Agradecimentos ............................................................................................. 228


Bibliografia e Discografia............................................................................. 229

4 Tom Leão
Heavy Metal 5
HEAVY METAL
GUITARRAS EM FÚRIA

Para meu filho Igor,


que bate cabeça desde o berço

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O monstro Godzilla, lançado pelo cinema japonês em 1954,
é uma espécie de ancestral do estilo metal

Heavy Metal 7
1. INTRODUÇÃO

Era para ser um livro especificamente sobre heavy metal. Contudo,


hoje em dia o termo heavy metal se tornou muito restrito para
identificar, traduzir e exemplificar o que se passa dentro deste gênero
barulhento do rock, que cresceu e ganhou várias ramificações. Na
verdade, heavy metal tornou-se mais um item importante dentro do
grande universo do rock n' roll. E após um longo tempo fechado em si
mesmo, em suas regras um tanto conservadoras apesar de toda a postura
rebelde, acabou se fragmentando em várias tendências a partir dos anos
80.
E o que é heavy metal, afinal? Uma das mais fortes manifestações
do rock desde que o gênero existe. Ronnie James Dio costuma defini-lo
como um monstro de filme japonês, tipo Godzilla, que vem para
destruir a cidade. Apesar de grande parte da crítica musical e dos
apreciadores de outros tipos de rock torcerem o nariz para o heavy
metal, foi através dele que se desenvolveram várias outras formas de
rock (pesado ou não), que vieram desembocar no panorama atual do
hard rock. O gênero nunca esteve tão barulhento e diversificado como
acontece agora nos anos 90. E também tão popular e fora dos guetos.
Além do mais, desde que o rock existe, nenhum de seus subgêneros
teve vida mais longa e duradoura que o heavy metal.
Se você acha que heavy metal é apenas uma espécie de metal
pesado, tipo chumbo; algo difícil de se lidar, como uma parada dura; ou
aquela revista em quadrinhos franco-americana, está na hora de saber
umas duas ou três coisinhas (sem didatismos ou preferências pessoais,
apenas ilustrativamente) a respeito deste gênero musical que significa
mais que apenas bandas compostas por caras cabeludos, que se vestem
de preto, cantam como se gemessem e tocam alto como o inferno. É
quase isso. Mas não só.

A receita simples para definir heavy metal para os menos inteirados


no lance é: pegue um bom riff de guitarra, adicione peso com baixo e
bateria e acrescente um vocal forte ou gritado. Presto! Aí está uma
banda de heavy metal básica. Partindo disso pode-se acrescentar doses
8 Tom Leão
de fantasias medievais e quadrinhos (daí o link com a revista HM), de
terror (muito usado ainda hoje) e uma pitada de rebeldia. Sirva a uma
platéia basicamente composta de adolescentes com os hormônios em
fúria. O visual pode ser jeans bem usado, jaqueta de couro ou spandex
(aquele tecido colante e brilhante que geralmente as bandas farofas dos
anos 80 usavam). Use alto o bastante para incomodar seus pais e
vizinhos.
Só que, atualmente, heavy metal é mais. Antes de ser música, é
atitude. Um estilo de vida. Uma filosofia. E há muito deixou de se
caracterizar apenas pelo tipo que se convencionou chamar por aqui
pejorativamente de “metaleiro”. Os metálicos, ou bangers (como
preferem ser chamados os headbangers) de hoje em dia evoluíram tanto
no visual quanto na música. Sendo assim, não dá mais para generalizar.
Há várias “tribos” e facções dividindo o terreno do rock barulhento, e
nem todas se misturam. Mas quando se misturam sempre sai coisa boa.
Por outro lado, ainda existe uma facção forte e radical dentro do
heavy metal que é muito conservadora e não admite certas
modernidades. Mas isso existe em toda a parte da música. É como
aquele pessoal do blues, do reggae ou do rockabilly que exige pureza,
raiz e essas coisas que “atravancam” o progresso, como diria um
político de anedota. Para esses conservadores, heavy metal sempre vai
ser sinônimo de jeans surrados, jaquetas de couro e muita cerveja, tudo
regado ao som das antigas, aquele de, no máximo, até o final dos anos
70. Nada de modernismos ou misturas bastardas.
Mas ainda bem que existem os seguidores rebeldes que cada vez
mais se levantam contra o estabelecido e o conservador. E mudam o que
já está convencionado. Se não fosse assim, não teríamos o thrash metal
e seus derivados, que renovaram totalmente o heavy metal a partir dos
anos 80, e que, por tabela, acabaram por chamar a atenção das platéias
mais novas para o metal do passado, pois a geração anterior já estava
envelhecida e se repetia.
Por tudo isso, heavy metal torna-se hoje uma designação muito
vaga para as bandas que fazem rock ao estilo pesado, com muitas
guitarras e decibéis. Atualmente, heavy metal pode ser, musicalmente,
qualquer coisa. Do thrash-speed metal ao death, do grunge (uma
revisitação do hard rock e do punk setentistas) ao industrial-metal,
passando pelo glam, funk-metal, crossover etc.

Heavy Metal 9
Acompanhando o som, mudou também o visual das tribos
seguidoras. Para perceber a mudança basta olhar em sua volta. Cadê
aquele roqueiro à moda antiga, aquele tipo andarilho, mochileiro, dos
jeans rasgados e sujos? Se você procurar bem, pode até achar. Mas,
acredite, é uma espécie em extinção. O banger de hoje já admite cor em
seus trajes e o cabelo comprido pode ser apenas um detalhe. Ele pode
ter tranças meio rasta ou raspar a cabeça na base.
Claro que as camisetas pretas (nada a ver com o fascismo, mas com
o estilo bad boy) ainda prevalecem. Mas com a quantidade de fusões e
cruzamentos que o metal sofreu, nada mais é como antes.
Resumindo: se fôssemos fazer um livro especificamente só sobre o
heavy metal em si, se limitando ao estereótipo que se tem deste gênero
musical, sairia curto, pobre e datado. Se antes se podia dividir as bandas
do gênero entre heavy e hard (um mais pesado e outro mais pop e
melodioso), hoje identificar alguma banda mais pesada apenas pelo
termo heavy metal não define nada. “Que tipo de metal?”, perguntarão.
E aí, você vai responder o quê?
Para tentar explicar e traçar sua evolução e mudanças,
aparentemente imperceptíveis para quem não é do ramo, vamos entrar
agora num mundo muito peculiar. Vamos explorar o universo heavy
metal — sempre em expansão — destacando as bandas mais
representativas, e, claro, também investigando suas ramificações por
aqui, no Brasil. Para isso, vamos ter que começar pela raiz da palavra
heavy metal. Porque o rock em si, desde que surgiu, sempre foi
barulhento. Mas ele só se transformou em heavy mesmo nos anos 60.

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Peter Fonda pilotando uma chopper em Easy Rider (Sem Destino), de
1969: na trilha sonora do filme estava “Born to be wild”, da banda
Steppenwolf, onde aparece pela primeira vez a expressão “Heavy Metal
Thunder”, referindo-se ao som das motocicletas

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2. RAÍZES E RAMOS DO HEAVY METAL

Desde que o rock existe, uma certa fama de mau e transviado o


acompanha de perto. Seja por causa da rebeldia que inspirou em toda
uma geração que antes não tinha música própria para ouvir e nem um
tipo diferenciado (o que conhecemos hoje como teenager antes dos anos
50 simplesmente não existia. Antes do rock, a garotada tinha que ouvir
os discos de jazz dos pais e não possuía ídolos que falassem a sua
linguagem) seja pelo visual diferente que inspirava em seus seguidores e
admiradores, com o predomínio do preto — que simboliza o “mal”.
Desde os inocentes tempos do rockabilly, com as turmas de topete e
jaquetas de couro pretas (estilo inspirado nas já existentes gangues de
motoqueiros), que a fama de mau persegue o rock, que nunca fez a
mínima questão de disfarçar sua tendência rebelde, pelo contrário.
Isso tudo porque ele surgiu durante uma fase muito conservadora
dos Estados Unidos, quando até certo tipo de histórias em quadrinhos
era considerado “nocivo” aos jovens, bem como aquele ritmo “do
diabo” que fazia as pessoas requebrarem sensualmente, estilo herdado
das chamadas dirty dancings negras (outro detalhe para o preconceito),
assim como o som, que surgiu de uma fusão entre música negra e
caipira (estes últimos emprestaram o jeans e a camiseta branca para o
estilo rocker). Ou seja, o rock era anti-americano em si, embora
americano até a medula.
Desse modo, todas as setas indicavam o “mau caminho” do rock.
Só estava faltando algo realmente bad para tornar o estilo rebelde do
rock diferente daquilo que se formou logo após as explosões de Elvis,
Little Richard e Bill Halley, entre outros. Estes, no começo dos anos 60,
já haviam se tornado parte da “situação”, bem aceitos pelo mainstream,
e não mais serviam aos rebeldes. Estava faltando algo novo.

O barulho no rock em si já existia, porque, para a turma “careta” da


época, aquele jeito de cantar e tocar guitarra, em comparação com as
canções suaves de, por exemplo, Pat Boone, tinha o mesmo efeito de
hoje você colocar seus pais para ouvirem o novo disco do Sepultura
(isso se eles gostam de jazz, já que hoje certos pais gostam até do
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Metallica, pelo menos das lentinhas). O que estava faltando era um algo
mais musical, um aditivo que tornasse as guitarras ainda mais ruidosas e
desafiadoras.
E isso estava próximo. O som iria mudar com a entrada dos novos
amplificadores valvulados e das guitarras elétricas de última geração, e
o nome para batizar isso tudo já estava, literalmente, escrito. Foi no
livro marco da geração beat, Almoço Nu, de William S. Burroughs
(publicado originalmente em Paris em 1959, e só editado nos Estados
Unidos em 1962), que o termo heavy metal apareceu pela primeira vez.
E (quase) ninguém percebeu, fora os beatniks, claro. Mas em outro
contexto.
Levou seis anos para que uma banda americana, já definitivamente
eletrificada e barulhenta, o Steppenwolf, dissesse a palavra mágica pela
primeira vez, em seu clássico “Born to be wild”, de 1968. Em certa
altura da letra é dita a frase “heavy metal thunder”, que no contexto
referia-se ao ruído provocado por motocicletas. Afinal, vivia-se os
tempos dos motoqueiros easy riders e suas possantes choppers (aquelas
motos enormes, com um garfo longo e uma roda menor na frente).
Contudo, atribui-se ao guitarrista Link Wray a paternidade musical do
conceito heavy metal. Em 1958 ele lançou um compacto (gravado em 1954
e arquivado por ser avançado demais para seu tempo), com a música
“Rumble”. O tal single ficou entre os 20 mais da parada e tinha um som de
guitarra cheio de distorções e outros ruídos que foram descritos na época
como “o som de um apontador de lápis elétrico com defeito”. Link, até no
nome, é o verdadeiro elo perdido do som heavy metal.
E heavy metal era o termo que faltava para a imprensa musical dos
anos 60 batizar aquelas bandas de cabeludos que não faziam exatamente
a música da época, o rock psicodélico e viajante (como o Grateful Dead,
por exemplo), mas que passavam uma postura igualmente heavy metal
como o de uma motocicleta envenenada. Foi na virada da década de 60
para 70 que o termo heavy metal foi oficialmente incorporado e passou
a definir, dentro do meio musical, as bandas de rock mais barulhentas.
Até para separá-las do pop.
Mas antes que se chegasse a uma conceituação desse tipo de rock e
que, assim, fosse aceito como gênero, algumas bandas proto-metal,
como The Who, The Kinks, The Yardbirds e Cream (curiosamente
todas britânicas) já faziam esse tipo de barulho (ainda) indefinido, mas
com estilo.
Heavy Metal 13
Também curioso notar é que, como todo rótulo criado pela
imprensa, ele foi a princípio ignorado pelos adeptos do som pesado, que
sequer tomaram conhecimento da procedência do nome (senão
provavelmente teríamos bandas de HM chamadas Naked Lunch,
Burroughs Project ou coisa parecida). Foi assim também com o punk,
um termo por si só pejorativo e ofensivo, embora bom de se dizer, ouvir
e escrever, e que definia o estilo visual de seus adeptos, “rotos”. E mais
recentemente com o grunge (outro termo pejorativo para barulho) rock
que, como o punk — os netos mais barulhentos do HM dos anos 70 —,
também será abordado neste livro. Para horror dos puristas do rock
pesado. Aqueles que vivem gritando “rock n' roll!”.
Ignorados ou não, os rótulos pegaram. E pode-se dizer que o termo
heavy metal foi o melhor que poderia ter sido cunhado para definir as
bandas pesadas. O nome é “comercial”, bom de vender, bom de falar, bom
de assumir, e a cada dia que passa se torna mais e mais usado para outros
significados que não apenas o musical, servindo até para indicar situações
extremas ou difíceis de se enfrentar. Tipo “Essa prova tá heavy metal”.
Um dos exemplos é a revista francesa de quadrinhos adultos, Metal
Hurlant (em inglês, “Heavy Metal”), criada em 74, e que só veio a ter
uma edição brasileira ano passado. Ela usou o termo por causa de
Burroughs. Mas, mesmo sem querer, acabou criando um elo entre as
partes, já que suas histórias e visuais tinham tudo a ver com o universo
musical do HM, com seu cavaleiros medievais, heróis espaciais e
mulheres curvilíneas. Tanto isso funcionou que, quando foi feito um
filme de longa-metragem com alguns desenhos inspirados nas edições
americana e francesa da revista (lançado em 82 pela Columbia Pictures,
inclusive no Brasil, com o nome Universo em fantasia), optou-se por
usar uma trilha sonora inteiramente composta por bandas do gênero HM
(lançada pela Epic, aqui só importada, com bandas tão díspares quanto
Black Sabbath e Devo). A propósito, o filme continua inédito até hoje
em vídeo por problemas de direitos autorais (o que também tirou a trilha
sonora do mercado), mas uma segunda parte está planejada.
À parte sua contribuição musical, o heavy metal também trouxe
para o rock vários novos conceitos. Como o de superbandas em shows
super-produzidos; um estilo de se comportar e se vestir, e, sobretudo,
pose, muita pose. Afinal, o que seria de um rocker metálico, de um
banger, sem todo o aparato e pose que destaca os adeptos desta corrente
“maldita” da moderna música pop? Ser diferente faz diferença.
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Neste livro nós destacaremos as primeiras bandas a soarem
“heavy”, bem antes que o termo heavy metal fosse usado (Kinks, Who,
Cream, Yardbirds); as bandas pioneiras e fundamentais para o gênero na
virada dos anos 60 para os 70 (Led Zeppelin, Steppenwolf, Iron
Butterfly); as bandas obscuras dos anos 70 que estão sendo
redescobertas agora e influenciando novas gerações (Blue Cheer,
Vanilla Fudge, Grand Funk Railroad); e as bandas clássicas dos anos 70
(Black Sabbath, a banda que mais reuniu todos os conceitos heavy
metal, Deep Purple, Kiss, AC/DC, Motörhead, Van Halen etc). Vamos
acompanhar o surgimento do new british heavy metal, o primeiro
movimento de ruptura e renovação no gênero depois da primeira fase
clássica; e, paralelamente, analisar outro forte movimento britânico que
aconteceu na mesma época, o anarquista punk rock.
Após o new british metal e o punk, diversas novas tendências
afloraram no metal e na trilha mais pesada e barulhenta do rock. Como a
criação da corrente death metal, os filhos mais diabólicos do Sabbath
(Venom, Deicide etc); o hardcore americano, a resposta um tanto tardia
ao punk inglês (Black Flag, Dead Kennedys, Minutemen, Hüsker-Dü
etc); e o thrash-speed metal, um derivado do death com o hardcore
americano (Slayer, Metallica, Megadeth, Anthrax etc); além do
crossover e funk-o-metal de bandas como Faith No More, King's X e
Primus; e do hip-hop-metal de Biohazard e Clawfinger.
Há também o lado mais engraçado e poser das bandas de glam
metal (Slade, Poison, Faster Pussycat) que fizeram a cena da Califórnia
e revelaram bandas como Guns N' Roses, e Skid Row; a mais recente e
barulhenta explosão do rock, o grunge de Seattle (Nirvana, Mudhoney,
Soundgarden etc); e os caminhos do metal para o futuro, com o
industrial-metal de Ministry e White Zombie, sem contar com as
anomalias indefiníveis como o som supersônico do já extinto Kyuss,
que de uma vez só faz o melhor rock dos anos 70 com toda a loucura
dos anos 90. Você está pronto?

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3. MAS ANTES, UMA DÚVIDA

Afinal, o heavy metal é inglês ou americano? Se levarmos em conta


a nacionalidade de William Burroughs (que criou o termo), o grupo que
utilizou estas palavras pela primeira vez numa música (o Steppenwolf
em “Born to be wild”), o primeiro guitarrista barulhento, Link Wray,
bem como o crítico musical que primeiro empregou o termo “heavy
metal” para definir as bandas barulhentas (o falecido Lester Bangs num
artigo publicado na revista Rolling stone, em 71), os americanos levam
para si a paternidade (até porque o rock nasceu na América).
Mas, se notarmos que foram bandas inglesas como The Who, The
Yardbirds e Cream que, ainda na primeira metade dos anos 60,
começaram a fazer uso, em suas músicas, dos feedbacks e distorções
característicos do metal e também a criar uma postura “metálica”, os
ingleses levam a criança para casa sem conversa. Afinal, foi o The Who
(que, ao vivo, era considerada a banda que mais alto tocava no mundo,
título desbancado depois pelo Deep Purple, que por isso entrou no
Guiness book em 72) a primeira banda a literalmente destruir os
instrumentos e amplificadores em cena, coisa que se faz até hoje, vide
os shows do já defunto Nirvana.
Já na parte do visual, o “monstrinho” vira filho dos dois. Tanto os
rockers e teddy boys ingleses quanto os motoqueiros americanos
utilizavam o visual básico do metálico: jaquetas de couro, calças jeans
surradas, camisetas pretas e eventualmente uma corrente escondida por
baixo da roupa. Os americanos levam vantagem na parte do hardware,
dos instrumentos. Afinal, o que seria do rock pesado se não existissem
as guitarras? E não guitarras quaisquer. As legítimas Fender
Broadcaster, criadas em 48; seguidas do baixão Fender Precision,
lançado em 51, são os pilares dessa zorra toda. Aliás, foi através do
heavy metal que aconteceram os grandes avanços no mundo das
guitarras, antes soladas apenas pelos bluesmen. E agora? Vamos usar a
sabedoria de Salomão e ameaçar dividir a criança ao meio para ver
quem mais se sensibiliza? Não. Melhor fazer dos Estados Unidos o pai,
e da Inglaterra a mãe. Pelo menos pela concordância gramatical dá
certo.
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Mas o que mais caracteriza o heavy metal além de seu visual, sua
atitude, os instrumentos? Sua essência primitiva. O rock em si não
necessita mais do que três ou quatro pessoas com guitarras e bateria
para tirar um som. Daí seu grande apelo entre as camadas mais pobres.
O rock, e o heavy metal por conseguinte, sempre foi basicamente a
música dos jovens proletários e suburbanos, que não precisavam de
muitos atributos musicais além da fúria juvenil para se expressar. O
punk foi a retomada disso, quando o rock começou a se levar a sério
demais; e o grunge, recentemente, foi outra puxada de orelha no já vovô
rock para ele não se perder de novo. E isso vai se repetir eternamente.
No final das contas, tanto faz se o heavy metal é um filho bastardo
de ingleses e americanos. O que importa é que ele movimenta e
hipnotiza jovens de todos os cantos do mundo com igual intensidade e
fervor. É a única corrente do rock a ter penetração imediata nos mais
distantes recantos do planeta, pois seus apelo é universal, por ser
primitivo, simples e direto. Por isso, só dentro do heavy metal é que
uma banda brasileira como o Sepultura conseguiria destaque e
aclamação mundial. Alguém duvida? Heavy metal é uma espécie de
vírus universal.

Heavy Metal 17
4. O PROTO-METAL

No começo era apenas rock n' roll. Antes mesmo que alguém
resolvesse empregar o termo cunhado por William Burroughs para
definir o som “selvagem” feito por bandas seminais do rock pesado, o
que viria a ser conhecido depois como heavy metal já florescia através
do trabalho pioneiro de bandas inglesas como The Who, The Kinks e
Yardbirds, por exemplo. O rock sempre foi um ritmo agitado e
primitivo por natureza, desde os primeiros acordes de Chuck Berry, os
gritos de Little Richard e os requebros de Elvis. Mas se os
conservadores dos anos 50 achavam aquilo heavy eles não imaginavam
o que ainda estava por vir. Algo muito mais radical estava por
acontecer. Para desespero dos guardiães dos bons costumes.
E os avanços da eletrônica foram em parte responsáveis por isso. O
que ajudou a impulsionar o gênero musical, até então simplesmente
conhecido como rock, além da vontade de descobrir e experimentar nos
acordes, foi a possibilidade de “brincar” com os novos horizontes
musicais que ofereciam os primeiros amplificadores e os novos modelos
de guitarra. Sem isso, não existe rock pesado.
Prova disso é que mesmo nas canções mais inofensivas dos Beatles,
como, por exemplo, “I feel fine” (1964), já se experimentava o feedback
(ruídos provocados pelas distorções da guitarra e pelo contato desta com
os amplificadores). E todo mundo que faz e conhece heavy metal sabe
que esses detalhes que tanto perturbam pais e vizinhança é que dão a
diferença deste estilo de rock para os outros. Pelo menos era assim nos
primeiros anos do metal, quando ele ainda não era “batizado”.
Seguindo essa evolução, com sucessivos experimentos e
descobertas, as “brincadeiras” musicais viraram coisa séria. E o
primeiro resultado acabado disso veio dos Kinks. Pode-se dizer que os
Kinks simplesmente criaram o primeiro grande hit do heavy metal com
a arrebatadora canção “You really got me” (regravada até hoje pelas
mais diferentes bandas metal e pop).

Na época em que foi lançada, 1964, “You really got me” soava
altamente feroz e agressiva se comparada com o tipo de rock que se
18 Tom Leão
fazia então. Se este livro fosse em CD-ROM vocês iriam ouvir... Se é
que nunca ouviram.
Mas foi o Who que, no mesmo ano de 64, chegou, literalmente,
arrebentando com seu clássico “My generation”, juntando-se aos Kinks
e dividindo as atenções do público com sua barulheira seminal. Embora
menos agressiva musicalmente que “You really got me”, “My
generation” trazia novos sons e ao mesmo tempo já chegava soando a
manifesto nas palavras decididas de Pete Townshend: “Hope I die
before get old” (espero morrer antes que fique velho). Esta simples frase
viria a ser depois um dos lemas básicos do rock em geral, viver dez anos
a mil e morrer jovem. Mesmo que isso seja apenas linguagem figurada,
muita gente já levou ao pé da letra a mensagem. O último foi Kurt
Cobain, do Nirvana.
Em seguida, o Who trouxe a postura destruidora, com seus shows
barulhentos que terminavam com toda a aparelhagem despedaçada. Isso
em 1964, alguns anos antes do Mestre-de-todos-os-Mestres, Jimi
Hendrix, aparecer e, literalmente, botar fogo no rock com sua guitarra
incendiária. Para o bem ou para o mal do metal, foi essa postura
destruidora que fez do rock pesado algo a ser execrado pelos mais
velhos. Mas também foi por esta mesma razão que o gênero virou o
favorito dos adolescentes e predominantemente um reduto de machos
menos sensíveis.
Depois de “You really got me”, dos Kinks, e “My generation”, do
Who, outro clássico hit de uma brit band que marcou por seus acordes
inusitados foi “(I can't get no) satisfaction”, de 1966 dos Rolling Stones.
O curioso é que, vistas e ouvidas pela geração de hoje, nenhuma dessas
músicas ou bandas seria considerada “rock pesado”, e no entanto o eram
até os ossos. Engraçado como o tempo tudo muda.

Essas bandas invadiram a América na rabeira da grande invasão


britânica capitaneada pelos Beatles e acabaram conseguindo abrir novas
trincheiras através da pauleira, enquanto todas as que vieram com
pretensões de serem iguais ou melhores que os fab four naufragaram.
Portanto, podemos afirmar também que a british invasion foi de certa
forma importante para abrir alas para o heavy metal. Pois, para se
diferenciarem das bandas americanas de então, mais voltadas para o
folk ou o psicodelismo incipiente, as bandas britânicas pós-Beatles
resolveram trilhar um novo e original caminho. Que deu certo.
Heavy Metal 19
Ray Davies (voz e guitarra), seu irmão Pete Townshend (guitarra e letras), Keith
Dave (guitarra), Peter Quaife (baixo) e Moon (bateria), John Entwhistle (baixo) e
Mick Avory (bateria): The Kinks, em 2 Roger “Tommy” Daltrey (vocais): volume
minutos e 11 segundos de sol, fá e si, alto e postura que influenciaram o
entraram para a história com heavy metal
“You really got me”

Os Stones, aqui com o genial Brian Jones (na janela de trás), morto em julho de 1969:
o hit “(I can’t get no) satisfaction” até hoje motiva roqueiros a buscarem novos riffs
distorcidos de guitarra

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Eram tempos de experimentos, de vale-tudo. Eram os anos 60. E o
heavy metal só poderia ter nascido naquela época fervilhante e sem
freios ou fronteiras. Ao contrário do que acontece hoje, dava para criar
uma banda nova por dia e ela soar realmente diferente de todas as
outras, porque tudo ainda era novidade, estava fresco. Era tudo
espontâneo. E tinha plateia interessada.
E, seguindo e complementando o esporro dos Kinks e do Who,
destacaram-se duas outras bandas inglesas que mergulharam mais fundo
ainda no mundo das distorções, que só evoluía.
A primeira delas foi o Yardbirds (que tinha em sua formação um
verdadeiro ninho de cobras composto por Eric Clapton, Jeff Beck e
Jimmy Page). A banda fazia da guitarra sua fonte principal e explorava
ao máximo tudo o que ela pudesse tirar em termos de barulhos e acordes
distorcidos. Deixou na história um proto-metal mais bem acabado, e
com um título revelador, “The shapes of things” (a forma das coisas), de
1965. Mais tarde, cada peça deste trio seguiria seu próprio caminho e
contribuiria muito para alicerçar o ainda não batizado heavy metal. Page
a bordo do Led Zeppelin; Clapton em sua jornada metálica com outro
supertrio, o Cream; e Beck em diversos projetos.

Contudo, apesar do sucesso que as canções do Who, Kinks e


Yardbirds alcançaram nas paradas, ainda faltava algo que apresentasse
melhor todas essas novidades ao vivo. As bandas ainda eram conhecidas
apenas por uma minoria nos Estados Unidos e na Inglaterra. Faltava
algo que as divulgasse melhor. Isso passou a acontecer com os
primeiros festivais de rock. E um dos primeiros deles aconteceu em
1967 quando se realizou o Monterey Pop Festival, que juntou num
mesmo evento a fúria inglesa do Who e a magia genial de Hendrix.
Como o festival foi transformado em filme, e rodou o mundo (inclusive
passou no Brasil), logo as sementes que se transformariam nos
primeiros fãs de heavy metal rock começaram a ser semeadas por todo o
planeta.
As citadas bandas inglesas, sobretudo o Who e os Kinks,
contribuíram para o embrião do heavy metal não apenas com seu som
alto e pesado, mas também com certas posturas. Afinal, se analisarmos
friamente, grande parte do sucesso de uma boa banda de metal vem de
sua postura, pose. E o vocalista do Who, Roger Daltrey, foi, talvez, o
primeiro poser (no bom sentido) do metal. Ele simplesmente inventou
Heavy Metal 21
um jeito de se lidar com o microfone — que, daí em diante, nunca mais
ficou parado, quieto no pedestal. Daltrey girava, jogava para o alto e
fazia malabarismos diversos com o microfone, criando assim, também,
uma marca registrada para si e para o rock. O segundo grande poser foi
Robert Plant, do Led Zeppelin (até hoje imitado). E não foi só com o
quebra-quebra de instrumentos e arremessos de microfone que o Who
contribuiu para o figurino do rock pesado. O Who criou ainda outras
atitudes próprias do metal. Como o estilo inimitável de Pete Townshend
tocar guitarra, girando os braços feito uma hélice tresloucada; e o modo
alucinado de Keith Moon pilotar sua bateria, que acabava em pedaços.
Nenhuma outra banda fazia algo sequer parecido. Ainda era tudo muito
comportadinho antes que Mick Jagger chegasse com seu visual
andrógino e tudo mais acontecesse. Dá para imaginar o mundo do rock
sem esses caras?

Embora os Kinks tenham dado sua contribuição aos primeiros anos


heavy metal, a banda — assim como os Stones — não pode ser
considerada “da casa” visto que, após “You really got me” (que quase
20 anos depois seria apresentada para as novas gerações pelo Van
Halen, que a fez soar tão fresca como se fosse inédita), os Kinks não
trilharam o mesmo estilo, escapando para uma área indefinida do rock,
mas deixando seu nome no hall da fama e muitos fãs ardorosos. Quanto
aos Stones, conseguiram pelo menos as marcas de a maior e a mais
velha banda de rock em atividade. Mais de 30 anos na ativa. E
melhorando com o tempo.
O curioso é que embora também não seja incluído em alguns livros
e dicionários sobre heavy metal (como acontece também com os Kinks
e quase todas as proto-bandas metal), sozinho, o Who fez mais pelo
futuro do heavy metal do que todas as outras bandas citadas juntas. Pelo
menos na primeira parte dos anos 60. Antes de surgir o Cream.
O Cream (outra que também não está na maioria dos dicionários do
gênero, apenas nos mais completos), como seu próprio nome já
anunciava com pomposa arrogância (embora alguns insistam numa
conotação sexual para o nome), foi a primeira superbanda desses anos
pré-metal. Formada por Eric Clapton na guitarra, Jack Bruce no baixo e
Ginger Baker na bateria, a banda, ou o primeiro power trio da história
do rock, fez misérias em sua curta existência (apenas três anos e quatro
discos essenciais para a história de todo o rock). O baterista Baker vinha
22 Tom Leão
de uma carreira como músico de jazz e chegou a substituir Charlie
Watts, mais tarde o baterista dos Stones, na Alexis Corner's Blues
Incorporated. Mesma banda da qual saiu Bruce, que, antes do Cream,
ainda passou pela Manfred Mann's. Clapton, por sua vez, vinha dos
Yardbirds e chegou a tocar nos Bluesbreakers de John Mayall.
O supertrio debutou oficialmente em 1967 com o disco Fresh
cream e, pelas credenciais anteriores de seus músicos, trouxe consigo, a
princípio, a audiência dos amantes do blues. O que o público não sabia é
que os três virtuoses iriam eletrificar e eletrocutar a velha fonte de todo
o rock. Pena que antes que as pessoas notassem direito o que estava
acontecendo, a banda, qual estrela cadente, já tinha passado. Mas deixou
um legado e tanto, e incentivou e originou uma boa leva de novas
bandas. O Cream teve vida curta (de 66 a 68), mas próspera. O lendário
trio, composto por Eric Clapton (guitarra e voz), Ginger Baker (bateria)
e Jack Bruce (baixo), criou standards do rock pesado que foram
copiados e assimilados por várias gerações do metal. Hoje, Clapton é
um grande astro do pop rock; Baker faz parte da barulhenta banda
Masters of Reality; e Bruce, infelizmente, morreu num incêndio nos
anos 80, incêndio provocado por ele mesmo que dormiu com um cigarro
aceso.
Aí apareceu o Led Zeppelin. Mas isso é outro capítulo. Metal
mesmo.
Voltando para os anos 60 e trocando os ingleses por um americano,
filho de índio com negro, depois da consagração no Monterey Pop, a
guitarra elétrica, ainda um instrumento relativamente novo, foi
inventada e reinventada por Jimi Hendrix. Nunca a guitarra elétrica
tinha soado tão energizada quanto nas mãos do divino negão. Ao
mesmo tempo em que ele tratava o instrumento com carinho, também o
torturava ao máximo, a fim de extrair os “choros”, os feedbacks e os
ruídos mais diferentes possíveis. O que acabou por colocar Hendrix e
seu trabalho num panteão, acima de tudo e todos. Embora extremamente
heavy, Hendrix foi mais que metal ou qualquer outra coisa. Ele é um
caso único e à parte nessa história. Ele, sim, foi o Deus da guitarra.
Seu primeiro disco Are you experienced? até hoje soa inovador.
Tanto que se você, leitor, resolver formar uma banda pesada neste
momento e junto com isso ouvir o disco, com certeza será fortemente (e
inevitavelmente) influenciado. E justamente o fato de Hendrix estar
acima de rótulos é que faz dele um ídolo inspirador e universal, que
Heavy Metal 23
A banda The Yardbirds, que teve em sua formação os feras Jeff Beck,
Eric Clapton e Jimmy Page

Mitch Mitchell (bateria) tinha 19,


Noel Redding (baixo e vocal) e
Jimi Hendrix, 21 – levado por Chas
Ginger Baker (bateria), Jack Bruce Chandler (ex-Animal) a tocar na
(baixo e vocal) e Eric Clapton (vocal Inglaterra em 1966, Hendrix lançou
e guitarra) formavam o power trio este primeiro álbum com a Jimi
Cream, aqui em foto de 1967, em Hendrix Experience: daí em diante
Londres, época do lançamento do nada mais resistiria ao fogo de sua
histórico Disraeli Gears guitarra elétrica

24 Tom Leão
influencia tanto bandas verdadeiramente heavy metal como outras,de
noise music (o Sonic Youth, por exemplo, uma típica banda barulhenta
dos anos 80 que não é considerada heavy metal, embora seja pesada e
esporrenta). A gente fica se perguntando até hoje o que teria acontecido
com o rock, caso Hendrix ainda fosse vivo. Inimaginável.
Foi Hendrix quem instalou o conceito de guitar-hero. E foram os
ingleses que deram a primeira chance a James Marshall Hendrix que,
após penar nos bares do Village, em Nova York (onde conheceu Bob
Dylan), foi tentar carreira em Londres. Lá não só formou uma banda
como deixou de queixo caído o já rock star Pete Townshend, do Who,
entre outros que, certamente, redirecionaram seu modo de tocar guitarra
a partir do contato com o deus da guitarra.
Depois de Hendrix, piloto kamikaze da guitarra, o melhor trabalho
feito com o instrumento em prol do rock pesado foi desenvolvido por
Jeff Beck, a bordo da mítica banda Yardbirds. Se Hendrix era emoção
pura, Beck trouxe técnica e aplicação. Domou o instrumento à sua
maneira. Pena que mais adiante, em meados dos anos 70, Beck tenha se
metido pela trilha do jazz fusion, embora sem perder o brilho. Ao lado
de Beck, nessa incursão mais calculada pelo mundo fascinante da
guitarra elétrica, estava Eric Clapton, que também fez parte de uma
banda mitológica, o Cream. Músicas como “Sunshine of your love” e
“White room” fizeram muito pelo proto-metal.
Assim como Beck, Clapton depois tornou-se apenas mais um bom
guitarrista e nos últimos anos abraçou uma carreira bastante pop. Não
mais um “deus” da guitarra, como chegou a ser chamado, nas pichações
dos muros de Londres. Contudo, um de seus últimos trabalhos, From
the cradle (que, como o nome indica, traz o blues do berço em
interpretações fantásticas) parece que veio para mostrar para os críticos
que Eric não perdeu o dom.
E as bandas americanas mais pesadas, onde estavam? Ali mesmo,
co-existindo com tudo isso. Acontece que, durante algum tempo, as
bandas britânicas monopolizaram as atenções e muitas bandas proto-
metal americanas foram ignoradas, e descobertas só mais tarde. É o caso
de bandas como Blue Cheer, Iron Butterfly, Vanilla Fudge, MC5,
Mountain e outras. Mas isso já era heavy metal de fato, como veremos.

Heavy Metal 25
5. O TROVÃO DO HEAVY METAL

Uma vez que as chamadas bandas de rock pesado já estavam


aceitas e estabelecidas na cena rock, surgiram as primeiras bandas
consideradas realmente heavy metal. A maior e mais representativas
delas, que significaria quase que o sinônimo para o rock pesado (até no
nome), foi a inglesa Led Zeppelin. Capitaneada por Jimmy Page,
guitarrista egresso dos Yardbirds, e com um dos mais carismáticos
vocalistas de toda a história do rock, Robert Plant, o Led Zeppelin logo
suplantou o Who em termos de público e vendas de discos, trazendo
mais uma novidade para o estilo: instalou o conceito de superbanda,
com superconcertos e superiluminação. E competiu com o Who também
no volume mais alto do som. O Zeppelin se completava com outro
alucinado baterista, John “Bonzo” Bonham, um verdadeiro animal das
baquetas, o primeiro a fazer um solo de bateria usado apenas os punhos
e as palmas das mãos. No meio desses titãs, o gênio manso do baixista
John Paul Jones, que, como Beck e Clapton, estava mais interessado em
tirar sons diferentes de seu instrumento, além de se revelar um produtor
de mão cheia, talento que até hoje ele empresta às mais diversas bandas
de rock.
Apesar de ter começado a carreira como uma banda de blues
eletrificados (o primeiro disco da banda, de 1969, é uma releitura
pessoal de standards do blues e r&b americano), o Led Zeppelin revelou
aquele que pode ser considerado o primeiro álbum de heavy metal até
então lançado: Led Zeppelin II, também de 1969. Ali estava, reunido de
forma consistente, tudo o que os desbravadores do proto-metal
(inclusive Jimmy Page no Yardbirds) vinham fazendo pelo rock pesado.
A começar pelo nome, “Zeppelin de chumbo”, que, diz a lenda, foi dado
por Keith Moon, do Who.

O Zep era realmente uma banda heavy. E como pioneira e assumida


(no começo dos anos 70 o termo “heavy metal” finalmente foi adotado
para este tipo de banda, já que existiam tantas e tão variadas
tendências), o Zep reinou supremo de 70 a 75, lançando sucessivamente
discos que suplantavam (principalmente por não repetir padrões
26 Tom Leão
consagrados, eles sempre tentavam algo novo) e se diferenciavam uns
dos outros. E faziam história no rock.
O disco Led Zeppelin II entrou para a história do metal por trazer
em seus sulcos petardos como “Whole lotta love” (uma verdadeira
trepada, com direito a gozo e tudo, sem contar com a sugestão de sexo
anal no final, quando Plant diz, “Shake for me, girl / I wanna be your
back door man”), “Rock n' roll” (uma das introduções mais copiadas do
metal nos anos 70), “Heartbreaker” e “Moby Dick” (esta, a música que
John Bonham solava com mãos e punhos). Não há como não se arrepiar
ou ficar indiferente a qualquer uma delas quando se escuta o disco. Na
sequência, veio Led Zeppelin III com mais bombas: “Black dog”, só
para começar. No entanto, foi com uma canção plácida do disco Led
Zeppelin IV que o Zep entrou definitivamente para a história: lá estava
“Stairway to heaven”, música que levou o som do Zeppelin para outros
ouvidos e acabou virando clichê em toda festinha com violão. A
propósito, há uma excelente piada no filme Wayne's World (Quanto
mais idiota melhor, no Brasil) , quando a dupla Wayne e Garth vão a
uma loja de instrumentos musicais e há pregado na parede, em letras
garrafais, um aviso: “proibido tocar 'stairway to heaven'“.
O Zeppelin prosseguiu seu vôo criando novos clássicos até
culminar no ousado álbum duplo Physicallgrafitti (1975), considerado
um dos 50 maiores discos de rock da história, para depois entrar numa
maré de azar atribuída ao envolvimento de Jimmy Page com magia
negra. Aliás, foi com o Zeppelin que surgiu essa onda de ver mensagens
satânicas escondidas ou codificadas nos discos de heavy metal.
Infelizmente, como aconteceu com o dirigível Hindenburg, o Led
Zeppelin sucumbiu ao seu peso. E, com o agravante da morte de
Bonham por coma alcoólica, em 80, a banda encerrou carreira e entrou
para a mitologia do rock, sendo cultuada até hoje por fãs de todas as
idades.
Contudo, a década de 90 trouxe boas novas para quem sempre
sonhou em sentir mais ou menos como seria se o Led Zeppelin
continuasse voando. A reunião de Robert Plant e Jimmy Page (que
tocaram inclusive no Brasil, no Hollywood Rock 96) soa como uma
espécie de volta simbólica do Zeppelin, mas que na verdade tem mais a
ver com marketing, já que as carreiras solos, tanto de um como de outro,
nunca deram em nada tão brilhante como acontecia na mitológica
banda. Ainda assim, o carisma da dupla sobrevive.
Heavy Metal 27
O primeiro disco de heavy metal da história, o Led Zeppelin II, de 1969

Talvez o melhor disco do Led e um dos melhores de todo o rock pesado, o Physicall Grafitti,
lançado em 1975

28 Tom Leão
Com o estouro do Zep, a partir do Led Zeppelin II, estava aberta a
estrada do heavy metal, que poderia levar tanto ao céu quanto ao
inferno. Enquanto os acordes mágicos da guitarra de Page, o estrondo
de Bonham e a voz de Plant (inspiração para nove entre dez vocalistas
de metal) formulavam os primeiros ingredientes da receita, começaram
a surgir (ou serem notadas) uma nova raça de bandas americanas, como
Mountain e Blue Cheer. Até mesmo um tipo de arremedo de Zep, entre
outras, Iron Butterfly (cujo nome, “borboleta de ferro”, brinca com o do
Zep), que contribuiria de forma marcante para o desenvolvimento do
metal e de todos os seus clichês.
Há quem diga que a americana Blue Cheer é, de direito, a primeira
banda realmente heavy metal (os caras tocavam alto, pesado, eram
cabeludos e balançavam a cabeça como os bangers atuais). Mas, como
heavy metal é mais uma atitude que propriamente um estilo, tanto faz
quem veio primeiro. O fato é que o Zep ajudou a abrir portas e a chamar
a atenção para bandas, como a citada Blue Cheer, que de outra forma
passariam desapercebidas. Contudo, mais destaque teve o Iron
Butterfly, que perpetuou seu nome através de uma obra-prima chamada
In-A-Gadda-Da-Vida, reverenciada até hoje.
O Iron Butterfly teve vida curta mas deixou seu nome marcado
firmemente na história do rock pesado pelo citado disco In-A-Gadda-
Da-Vida (68), cuja faixa-título durava quase 20 minutos e enchia todo
um lado do disco. O álbum, que até hoje está em catálogo, tornou-se um
dos maiores vendedores da história da Atlantic Records, então
especializada em música negra (vendeu três milhões só em compactos).
Pelo menos no tamanho, ninguém pode dizer que o Iron Butterfly não
foi grande. Foi também uma banda misteriosa, já que a cara dos
integrantes não aparecia nos discos e nos shows elas eram cobertas por
projeções psicodélicas. Cool. Mas dizem que, ao vivo, eles não rendiam
tão bem.
Feita a devida honra ao Iron Butterfly, de ter sido, pelo menos
cronologicamente a primeira banda de heavy metal de que se tem
notícia nos Estados Unidos, passemos ao Blue Cheer, outra ilustre
desconhecida que não durou o bastante para ser notada em sua época.
Formado na Califórnia, o Blue Cheer era um trio que ficou famoso
por sua versão do hit rockabilly dos anos 50, “Summertime blues”, de
Eddie Cochran, que também havia sido “coverizado” pouco antes pelo
Who. O sucesso deu à banda até um protótipo de video clip, uma
Heavy Metal 29
Doug Ingle (organista e líder da banda), Lee Dorman (baixo), Ron Bushy (bateria) e o
guitarrista Erik Brann, então com 17 anos, no histórico disco In-A-Gadda-Da-Vida
(1968), do Iron Butterfly, uma das primeiras bandas de heavy metal dos EUA

Os californianos do Blue Cheer (Leigh De Detroit, assim como os Stooges, o


Stephens na guitarra, Dick Peterson, no MC5 (Rob Tyner, no vocal, Fred Smith
baixo e no vocal e Paul Whaley na e Wayne Kramer nas guitarras, Michael
bateria) estrearam com o disco Vincebus Davis no baixo e Dennis Thompson
Eruptum, de 1968: considerados bateria) era a trilha sonora dos eventos
precursores das bandas grunge promovidos pelo partido anarquista
americanas, ainda fazem shows nos White Panters
EUA
30 Tom Leão
das únicas imagens que se tem do Blue Cheer. Nesse filmete (que
rola até hoje na MTV) fica claro que o Blue Cheer é avô de bandas
contemporâneas como a, também californiana, Kyuss; e foi das
primeiras (senão a primeira) a se movimentar de um jeito que viria a ser
conhecido como head-banging, batendo a cabeça e fazendo os longos
cabelos esvoaçarem para lá e para cá. Dos poucos discos gravados pela
banda, Vincebus eruptum (também de 68, como In-A-Gadda-Da-Vida) é
um dos mais raros e antigos registros de um disco heavy metal.
Mesmo assim, Blue Cheer teve uma discografia razoável, que teve
mais cinco discos depois do de estreia, numa carreira que se estendeu
até 1972. Com seu reconhecimento tardio, a banda chegou a ter uma
reencarnação em 1985, que resultou inclusive num disco, The beast is
back. Por causa do crescente culto à banda por parte da geração grunge,
Blue Cheer oficialmente ainda está vivo e vez por outra ainda pode ser
ouvido em shows nos locais mais improváveis dos Estados Unidos.

Mesmo sendo considerada uma banda proto-punk, o MC5 também


foi uma das primeiras grandes bandas americanas de heavy metal. O que
lhe deu a alcunha de banda pré-punk foi o fato do MC5 ter um forte
lado político nas letras (embora meio confuso). E, como se sabe, o
heavy metal nunca teve nada a ver com política e sim com viagens
alucinadas e fantasias.
Autodenominado um grupo de “guerrilha-rock”, o MC5 foi
formado em Detroit, e lançou seu disco de estreia em 69, Kick out the
jams, motherfuckers! (o palavrão é omitido na capa do disco, claro). O
álbum foi gravado em outubro de 68 no Grand Ballroom, em Detroit.
Claro, tornando-se rapidamente um marco do rock pesado. E continua
reverberando.
O lado politizado da banda não ficava apenas nas letras. Eles eram
também membros do movimento White Panther (uma brincadeira
anarquista criada pelos brancos interioranos, em contrapartida aos Black
Panthers, em voga na época). Mas o que interessava era o som. Mesmo
com toda a expectativa causada pelo disco de estreia, o MC5 lançaria
apenas mais dois discos e desapareceria em meados dos anos 70. Dizem
que o motivo do fim prematuro foi o envolvimento da banda com as
drogas pesadas. O esperado retorno da banda, sempre anunciado e
nunca concretizado, foi enterrado de vez com a morte do vocalista Rob
Tyner em 92.
Heavy Metal 31
Seu epitáfio, como ficou registrado num texto escrito pelo próprio
Tyner no encarte da versão em CD de Kick out the jams: “Nós fomos
punk antes do punk, new wave antes da new wave e metal antes do
metal”. Podem acreditar.
Falando em epitáfio, no começo de 95 o guitarrista original do
MC5, Wayne Kramer, lançou um disco pela Epitaph Records, da
Califórnia, especializada em punk rock. O nome do disco é The hard
stuff, e é muito interessante.

Outra famosa banda da primeira geração heavy metal de fato, foi o


Mountain. Musicalmente a banda tinha muitas ligações com a proto-
metal Cream, já que o baixista Felix Pappalardi colaborou em parte das
letras e na produção de todos os discos do primeiro supertrio do rock.
Contudo, musicalmente, o Mountain foi mais tradicional que o Cream.
Depois dessas desbravadoras e inovadoras bandas, o heavy metal se
estabeleceu de fato com bandas como Black Sabbath, Deep Purple e
tantas outras, como você lerá no capítulo dedicado às bandas clássicas.

32 Tom Leão
Da Austrália para o topo das paradas heavy, o culto ao rock n' roll do AC/DC:
da esquerda para a direita, Cliff Williams no baixo, Malcom Young na guitarra base,
Simon Wright na bateria (até 1990), Angus Young na guitarra solo
e Brian Johnson nos vocais

Heavy Metal 33
6. A/Z DAS BANDAS CLÁSSICAS

Neste capítulo vamos delinear um A-Z (na verdade, A-W) do heavy


metal, somente com as bandas clássicas. Os nomes inseridos aqui não
precisaram necessariamente ser famosos ou vendedores milionários de
discos. O que contou pontos na seleção foi o fato destas bandas e nomes
terem dado uma forte contribuição para o heavy metal, consolidado o
estilo, trazido novidade para ele e, acima de tudo, conquistado os
corações de fãs de todas as épocas e idades. São bandas eternas, que
ocupam com louvor o panteão do HM.

AC/DC

Sem dúvida nenhuma, o AC/DC é uma das maiores influências do


heavy metal moderno. E, de certa forma, ganhou o seu espaço nos anos
70 por se destacar do sofisticado e complicado heavy metal que se fazia
na segunda metade da década. Para a maioria das superbandas daquele
período, o AC/DC — uma banda australiana que se baseou na Inglaterra
para conseguir seus primeiros contatos — soava como algo estranho,
quase como um grupo punk, não apenas pela procedência, mas também
pela energia primitiva e atitude em cena.
Formado como uma banda escolar em 1973, na Austrália, o AC/DC
só começou sua carreira de fato em 1974. Liderado pelos irmãos
escoceses Angus e Malcolm Young, ambos guitarristas, a banda contou
em sua primeira formação com o excelente vocalista Bon Scott, o
baterista Phil Rudd e o baixista Mark Evans. O AC/DC tinha como base
a cidade de Sydney. E, para lançar seu primeiro trabalho, o já clássico
álbum High voltage (um dos maiores discos do heavy metal em todos os
tempos), em 1975, o AC/DC não precisou ir a Londres para fazê-lo
acontecer. Gravou-o lá mesmo, em Sydney, sob os cuidados da famosa
dupla de produtores Vanda e Young, sendo que este último, George
Young, era o irmão mais velho de Angus e Malcolm.

34 Tom Leão
Mesmo antes do lançamento de High uoltage, ainda em seu
primeiro ano de existência, o AC/DC ganhou rapidamente fama no
circuito metal underground australiano. Shows com casa cheia, fãs
devotados e apoio da crítica local empurraram a banda logo para a
gravação de discos, pelo selo local Albert Records. E os dois primeiros,
o citado High voltage, e TNT, também de 75, venderam juntos mais de
cem mil cópias só na Austrália, o que, na época (sem a ajuda atual dos
video clips e tudo mais), foi considerado um verdadeiro fenômeno
musical, não apenas para o rock.
Por isso, rapidamente a multinacional do disco, Atlantic Records,
um dos braços da poderosa Warner Music, tratou de contratar a banda e
aproveitou a onda lançando logo de saída uma compilação para o
mercado internacional (principalmente o americano) também chamada
High voltage, que misturava as melhores faixas dos dois primeiros
discos do AC/DC (cujo nome foi inspirado nos dizeres que ficavam
atrás do secador de cabelos da irmã, e indica a entrada e saída de
voltagem de aparelhos elétricos, alternated current / direct current).
Um bom começo para uma banda que mal havia estreado.
Logo que o grupo passou a ser conhecido fora da Austrália, a
primeira coisa que chamou a atenção foi o visual e o jeito moleque do
guitarrista Angus Young. Como a banda tinha sido formada
originalmente num colégio, Angus continuou usando em cena o mesmo
uniforme escolar, com o quepezinho, gravatinha, calça curta e coletinho
típicos de escola britânica (pois a Austrália vive sob regime real da
Inglaterra). Fora o visual, a performance elétrica de Angus: sempre
sacudindo a cabeça, saltando, rolando e fazendo molecagens, como
mostrar o traseiro para a audiência (um gesto que para os anglo-saxões
soa como mandar todo mundo à merda). Também a voz rascante de Bon
Scott contribuiu muito para a fama do grupo.
O sucesso continuava. E por causa dele, a banda mudou-se com
armas e bagagens para a Inglaterra baseando-se em Londres, onde
rapidamente conquistou o mercado metal local, com shows de casa
cheia, fãs histéricos e discos vendendo como guarda-chuvas no chuvoso
Reino Unido. Por essa época, 76, a banda já tinha no currículo a
abertura de shows do Rainbow, de Ritchie Blackmore; e uma
participação no famoso festival de Reading.
O primeiro disco com material inédito, já sob contrato, lançado e
gravado na Inglaterra foi Dirty deeds done dirt cheap (76). Mais um disco
Heavy Metal 35
campeão de vendas, que destacou nas paradas músicas como “Big balis”,
“Rocker” e, principalmente, “Problem child”, uma letra que ia bem na veia
do jovem adolescente e rebelde, o público alvo da banda. E do metal rock.
Mas o primeiro disco a ter seu lançamento simultâneo em vários
países (e que por isso foi o primeiro do AC/DC lançado aqui) foi Let
there be rock (que mais tarde seria também o nome de um filme-
concerto lançado pela banda e exibido aqui). O disco abriu as portas
para shows nos Estados Unidos e assim mais um degrau na escadaria da
fama foi pisado pela banda. O álbum apresentava o AC/DC no topo de
sua forma em palco, e destacou músicas como “Whole lotta Rosie”. Foi
o disco mais feroz da banda até então.
Nessa época aconteceu a primeira mudança na formação do
AC/DC. O baixista Mark Evans foi trocado pelo inglês Cliff Williams,
membro original da banda Home, que estreiou tocando no disco
Powerage, de 1978.
Já com o nome bem estabelecido nos dois lados do Atlântico, o AC/
DC sentiu-se seguro para o lançamento de seu primeiro álbum ao vivo,
If you want blood...you've got it. Ele trazia cerca de uma hora de rock n'
roll animal, o que o transformou num dos melhores discos ao vivo do
heavy metal, vendendo um pouco mais que seus antecessores.
Após essa fase, cada novo disco lançado pelo AC/DC vendia
progressivamente um pouco mais que o anterior, e a fama da banda pelo
mundo afora se espalhava como praga (no Brasil, o grupo tanto era
admirado por metálicos mais atualizados, como por punks em busca de
som energético). Por isso, quando em 1979 a banda convocou o famoso
produtor John “Mutt” Lange para trabalhar em seu próximo disco,
Highway to hell, o sucesso já era uma coisa garantida. E foi mesmo.
Highway to hell foi o álbum best-seller do AC/DC até então e logo
ganhou o disco de platina nos Estados Unidos, estreando na posição 37
da parada geral da Billboard.
Era o auge do AC/DC como banda. Tinham sucesso nas vendas de
discos, tinham excursões sempre lotadas e tudo o que se desejaria ter.
Menos a morte de um membro. E o trágico acidente aconteceu
justamente com o vocalista Bon Scott, que foi encontrado morto em seu
carro no dia 21 de fevereiro de 1980, afogado em seu próprio vômito
(meio parecido com o que aconteceu com o baterista John Bonham, do
Led Zeppelin). Foi um dia negro para o AC/DC e um momento crucial
para a banda que tinha em Scott um de seus ídolos.
36 Tom Leão
Mas o show deve continuar. E sem muita demora, o nome do novo
vocalista foi anunciado em abril do mesmo ano. Tratava-se de Brian
Johnson, que vinha de uma banda chamada Geordie e havia sido
motorista de caminhão do AC/DC em turnês, o que o havia
familiarizado com o repertório.
Com Johnson nos vocais, o AC/DC realizou um disco em tributo a
Bon Scott e também o seu mais popular álbum até então, o primeiro a
conquistar terreno também fora das hordas heavy: Back in black.
Lançado no mesmo ano de 80, o disco chegou na terceira posição da
parada americana e contabilizou mais de dez milhões de cópias
vendidas só nos Estados Unidos e Europa, tornando-se o maior sucesso
do AC/DC em todos os tempos. Além da faixa título, do disco
destacaram-se também “Hell’s bells” e “You shook me all night long”
(este, o primeiro hit single do heavy metal a alcançar também as paradas
pop e entrar nas fechadas listas de rádio). Até aqui no Brasil a faixa
podia ser ouvida nas 'FMs listão' da vida. E também nas festinhas.
Foi o ponto alto da carreira do AC/DC, cujos membros devem ter
pensado que nunca mais conseguiriam emplacar nada parecido, ainda
que sua fama tenha se estabilizado e a banda nunca tenha entrado para a
lista negra do heavy metal por ter guinado para o rock comercial ou
coisa parecida.

Pelo contrário. O disco seguinte, For those about to rock (81),


apresentava a banda com seu mesmo som intenso e feroz, e conseguiu o
feito — inédito na época para uma banda de heavy metal — de ocupar o
primeiro lugar na parada de discos. Paralelamente, a banda continuava a
excursionar fervorosamente por todos os cantos do planeta (fizeram
aqui, em 1985, por ocasião do primeiro Rock in Rio, dois shows
memoráveis, cujo cenário baseava-se nos canhões da capa de For those
about to rock) e não descansavam sobre os louros. Na verdade, o
AC/DC só parou para descansar durante o ano de 1982, ocasião em que
o baterista Phil Rudd pediu arrego e saiu da banda.
O AC/DC voltou com a carga renovada no ano seguinte, já com o
novo baterista, Simon Wright (que seria trocado em 1990 por Chris
Slade), e lançou o disco Flick of the switch. Depois disso, o AC/DC
nunca mais atingiu os mesmos picos de popularidade (outras correntes
do metal, como o death e o thrash, surgiam e capturavam as novas
gerações), mas, ao tornar-se um clássico do heavy metal, passou a viver
Heavy Metal 37
para sempre dentro dos corações e mentes dos bangers, que sempre
tiveram a banda como um bom ponto de referência.
Na última década, já com a forte concorrência das bandas de death
e thrash metal, a banda lançou os discos Fly on the wall (85), Who made
who (86), Blow up your video (87), The razor's edge (de 90, que
garantiu um hit na MTV, “Money talks”), e mais um álbum ao vivo,
AC/DC live (92), além de ter contribuído para a trilha do filme O último
grande herói, com Arnold Schwarzenegger. Depois, chegou-se a
anunciar uma turnê de despedida da banda em 95, fato negado com o
lançamento de mais um disco, Ballbreaker.
No geral, a banda manteve seu nome sempre em evidência,
continua sendo uma boa vendedora de discos (nunca menos que um
milhão de cópias) e Angus Young, 20 anos depois e com os cabelos
rareando, ainda é o mesmo jovenzinho de calças curtas que barbariza
em cena e faz a alegria dos fãs. Mais que uma banda energética, o
AC/DC é uma banda alcalina recarregável e o mais popular nome do
heavy metal que já saiu da Austrália até hoje.

AEROSMITH

Uma das bandas mais emblemáticas dos anos 70, o Aerosmith


também foi uma das que mais viveu altos e baixos na carreira entre
todas as do rock pesado. E das poucas que sobreviveu para contar a
história. A banda experimentou fama e fortuna ainda nos anos 70,
mergulhou fundo no mundo das drogas e, por isso, chegou a acabar por
um curto período. Logo depois, ressurgiu e percorreu todo o caminho da
fama de novo, conseguindo a façanha de se tornar nos anos 90 uma
banda tão ou mais popular que nos 70.
Originalmente formada em New Hampshire, em 1970, pelo
vocalista Steven Tallerico (nome mudado logo depois para Tyler) e pelo
guitarrista Brad Whitford, o Aerosmith foi das primeiras bandas de rock
pós-Stones que conseguiu personalidade própria, escapando do rótulo
de meros seguidores/imitadores da banda de Jagger e Richards.
Completou a formação da banda a adição do guitarrista Joe Perry (que
viria a formar uma dupla imbatível com Tyler), do baixista Tom
Hamilton e do baterista Joey Kramer. A idade média da banda, na
época, girava em torno dos 20 anos.
38 Tom Leão
Os bad boys from Boston liderados por Steven Tyler (o que está com sua grande boca
aberta) do Aerosmith

Heavy Metal 39
Com a formação completa e alguns ensaios, o Aerosmith logo
começou a freqüentar o circuito de bares local. Como a noite de New
Hampshire não era das mais animadas, a banda mudou-se para Boston,
em 1972, onde montaram base (e logo ficaram conhecidos como “The
bad boys from Boston”). Acertada escolha. Em Boston, eles
conheceram a dupla de empresários Leber e Krebs, que os levou para
shows no legendário club nova-iorquino Max's Kansas City (já extinto),
onde foram vistos por um executivo da CBS (atual Sony Music), Clive
Davis. Davis rapidamente descolou um contrato para a banda e lançou
seu primeiro disco, Aerosmith, de 73.

O forte da banda sempre foram os shows ao vivo, que apresentavam


uma energia sonora muito acima da mostrada pelos primeiros discos, e
que, por isso mesmo, venderam modestamente. Por esta razão, na
medida em que eles aumentavam o números de apresentações, crescia o
interesse pelos seus discos. Um exemplo é que no segundo álbum, Get
your wings (de 74, cujo nome é uma referência ao ritual de engajamento
dos Hell’s Angels), conseguiu mais repercussão que o primeiro. Apesar
de este conter um dos maiores hits da carreira da banda, “Dream on”
(que só obteve o merecido sucesso recentemente, após uma versão
orquestrada em um dos shows do MTV Awards de 92). Esse não seria o
único exemplo de sucesso tardio.
Com a constância dos shows, Get your wings acabou chegando ao disco
de platina (dois milhões de cópias nos Estados Unidos), o que ajudou o seu
sucessor, Toys in the attic (75) a vender mais rápido. O disco acabou ficando
dois anos consecutivos nas paradas de sucesso americanas. Toys in the attic
continha um dos primeiros grandes hits do Aerosmith, “Sweet emotion”, e
uma faixa que, apesar do bom sucesso na época, viria a se tornar bem mais
famosa uma década depois e ajudaria a resgatar o Aerosmith de um
ostracismo ao qual foi levado pelas drogas: “Walk this way”.
Em 1976, o Aerosmith já era uma das maiores bandas americanas e
lançou o seu disco mais heavy até então, Rocks. O disco foi aclamado
unanimemente pela crítica e deixou registrado alguns dos maiores
sucessos da banda: “Last child”, “Rats in the cellar” e “Back in the
saddle”. De quebra, “Dream on” foi relançada em compacto e
completou o domínio da banda nas paradas. O que resultou em mais e
maiores turnês, quase sem pausa para descanso, e em mais um disco,
gravado entre um show e outro, Draw the line.
40 Tom Leão
Na rabeira desse sucesso, o Aerosmith ainda foi convidado para
participar de uma versão filmada de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club
Band (produzida por Robert Stigwood, o mesmo de Os embalos de
sábado à noite e Grease) ao lado de nomes como Bee Gees e Peter
Frampton. No (péssimo) filme, eles faziam os Vilões do Futuro e
contribuíram com uma versão interessante para “Come together”, que
nada ficava a dever ao original dos Beatles.
Contudo, esse excesso de trabalho foi prejudicial para a banda. Para
manterem-se ativos, o pessoal caiu pesado no uso de drogas. E o brilho
da banda deu lugar a uma fase negra. Logo após lançarem o duplo ao
vivo Live! Bootleg — e durante o lançamento de Night in the ruts (79)
— a banda entrou em profunda depressão e a dupla de ouro, Tyler-
Perry, entrou em atrito, culminando com a notícia de que Joe Perry
estava deixando a banda.
Com todo o peso da responsabilidade da banda sobre seus ombros e
para não deixar a bola murchar, Steven Tyler contratou o guitarrista
Brad Whitford, que logo foi substituído por outro, Jimmy Crespo, da
banda novaiorquina Flame, e que foi secundado por Rick Dufay. Ou
seja, dois para o posto de Perry. Mas não era a mesma coisa. Tyler e
Perry eram como Jagger e Richards e um não se dava bem sem o outro.
Não havia mágica. Apesar de tudo, Night in the ruts alcançou platina.
No meio desse turbilhão, a banda conseguiu lançar o disco Rock in
a hard place (o único com a formação não original da banda), que,
apesar de ser um bom disco, não tinha o mesmo peso sem a presença de
Perry. Por isso, e por motivos de saúde, Tyler resolveu dar um tempo na
banda, que por essa época chegou a acabar extra-oficialmente, ficando
alguns anos fora do ar.
Nesse período, entre 1981 e 84, os demais integrantes da banda
foram experimentar novos trabalhos. Como Tom Hamilton, que lançou
um disco solo; e Brad Whitford com o projeto Whitford/St. Holmes. Na
mesma época, Joe Perry lançou três discos sob o nome The Joe Perry
Project. Mas nada tinha o mesmo brilho de quando eles, juntos, eram o
Aerosmith.
Mas, em 1984, o milagre aconteceu. Tyler e Perry fizeram as pazes
e, já desintoxicados e com a cabeça no lugar (e à beira da falência por
causa dos gastos com drogas e o consequente gasto maior para tirá-las
do organismo), resolveram começar tudo de novo, como uma nova
banda.
Heavy Metal 41
Começaram fazendo pequenos shows só para os antigos fãs. E logo
chamaram a atenção de David Geffen, da então independente Geffen
Records, responsável, entre outros, pelo último disco de John Lennon,
Double fantasy, e mais tarde pelas revelações de Guns N' Roses e
Nirvana, o que tornou a Geffen uma das maiores gravadoras americanas
dos anos 90.
O primeiro disco do reformado Aerosmith, com todos os
integrantes originais, Done with mirrors, foi um trabalho reflexivo,
contando o período negro da banda. Talvez por isso o disco tenha obtido
uma fria recepção, pois não era exatamente o que se esperava do
Aerosmith, uma banda conhecida por seu pique e não pela depressão e
falta de punch.
Curiosamente, o primeiro grande passo para a retomada da banda,
como um dos maiores nomes do rock pesado, deu-se através da
regravação de “Walk this way”, não exatamente pela banda. Mas pelo
trio de rappers RUN-DMC, que, na época, reinava como um dos
maiores nomes do emergente movimento hip-hop com a rap music. A
união do Aerosmith com o RUN-DMC resultou numa versão antológica
de “Walk this way”, que, por sua vez, foi uma das primeiras tentativas
de crossovers entre heavy metal e rap, coisa que na primeira metade dos
anos 90 foi praticamente um lugar comum e não mais um sinônimo de
ousadia.
O sucesso de “Walk this way” catapultou conjuntamente o
Aerosmith e o RUN-DMC para a fama (a música ficou um bom tempo
nas paradas) e serviu também para apresentar os veteranos rockers a
uma nova geração metálica mais ligada em thrash metal e nas bandas
glam de Los Angeles. E, por tabela, abriu as portas do mundo dos video
clips para a banda, que viu ali, via MTV, um ótimo meio para mostrar
para todos que continuava viva e ativa.
O disco Permanent vacation (87), ainda não foi o grande trabalho
de retorno do Aerosmith, mas serviu para emplacar três singles-clips,
“Rag doll”, “Angel” e “Dudes (looks like a lady)”. Mas o grande pulo-
do-gato para a volta em grande estilo do Aerosmith estava prestes a
acontecer. E todos iriam testemunhar.

O grande momento da banda veio finalmente com Pump (89), seu


melhor trabalho desde Rocks e, também, um dos melhores discos de
hard rock pesado dos últimos anos. Pump parecia um sonho para a
42 Tom Leão
banda que havia passado uma década de instabilidades. O disco
emplacava um sucesso após o outro nas paradas. Começando pela
marota “Love in an elevator” e culminando com a dramática “Janie's got
a gun”, que valeu para a banda seu primeiro prêmio Grammy. O disco
rapidamente chegou a quatro milhões de cópias e seguiu nas paradas
internacionais por um bom tempo. O resultado foi que o passe do
Aerosmith foi renegociado com a Geffen por vários milhões de dólares.
Pump durou tanto nas paradas (e rendeu até um vídeo tipo “por trás
dos bastidores”), que só em 1993 a banda foi lançar um novo álbum, o
longamente esperado Get a grip (que já chegou causando polêmica por
mostrar na capa uma teta de vaca com um brinco e a pele tatuada com o
logotipo da banda). Get a grip também selou o namoro da banda com os
clips da MTV. Para cada faixa single do disco foi produzido um super-
elaborado clip. Como os de “Livin' on the edge” (com trucagens óticas
fantásticas), “Cryin'“, “Amazing” (usando recursos de realidade virtual)
e “Crazy” (estes dois últimos marcando a presença da lolita Alicia
Silverstone, uma supergata que dividia a cena com a filha de Steven
Tyler, a estonteante Liv, que se tornou uma modelo requisitada).
Até o verão de 95, o Aerosmith ainda estava vivendo do sucesso
duradouro de Get a grip e já tinha arrebanhado uma coleção de prêmios
Grammy e MTV Music Awards, sem contar o re-relançamento do
clássico “Dream on”(desta vez com direito a orquestra e tudo o mais), e
a coletânea de sucessos recentes, Big ones (CD, vídeo e laser).
Como nos velhos tempos, a estrada é o lar do Aerosmith, uma das
mais americanas de todas as bandas de rock, que não se cansa de
excursionar e continua mostrando que, por melhor que sejam seus
discos, eles ainda são mais impressionantes no palco. Basta lembrar da
passagem da banda pelo Brasil, no Hollywood Rock 94, quando Joe
Perry, Steven Tyler e companhia mostraram fôlego de adolescentes em
show memorável.

ALICE COOPER

Até hoje ninguém chegou a uma conclusão final sobre quem


introduziu o conceito de rock horror no heavy metal. Quem é o pai da
criança? Alice Cooper ou o Black Sabbath? Quando entrevistado, Alice
Cooper (nascido Vincent Furnier) sempre tenta deixar claro que foi ele:
Heavy Metal 43
— Eu comecei a fazer isso no final dos anos 60, antes que o Black
Sabbath lançasse seu primeiro disco —, disse Cooper numa de suas
entrevistas a este repórter para o jornal O Globo. — Mas como o
Sabbath ficou popular primeiro, eles ficaram com a fama —, conclui
sem maiores rancores na voz.
E, de fato, se o que vale é a data, Alice Cooper veio primeiro que o
Sabbath.
Filho de um pastor protestante, talvez por isso mesmo, Cooper (que
escolheu o feminino nome artístico apenas para chocar, nada tendo a ver
com o clássico romance de Lewis Carrol, Alice no país das maravilhas;
sem contar que, embora ele não seja gay, aproveitou-se da moda
andrógina do começo dos anos 70 para chamar a atenção) escolheu o
caminho oposto ao do pai para fazer sua “pregação”. Um pastor dos
infernos, digamos.
Antes que os anos 60 acabassem, Cooper já tinha uma banda
formada em Detroit, sua cidade natal, e começava a esboçar o que se
tornaria sua marca registrada e o transformaria num dos ícones mais
conhecidos do rock em geral. E o nome da banda era o seu próprio
nome artístico.
Os dois primeiros discos, no entanto, eram mais exercícios de
bizarria experimental do que propriamente horror metal. Gravados pelo
selo independente do grande amigo Frank Zappa (que, quando Cooper
ganhou sua fama de demoníaco, disse para ele não a negar, pois isso lhe
dava publicidade), o Straight, Pretties for you e Easy action ainda não
separava a banda de Alice Cooper das outras.
Mas, ao lançar seu primeiro disco por uma grande gravadora, que levava
apenas o nome do astro, Cooper começou a cristalizar o que viria a ser a sua
imagem: um misto de rebelde andrógino que falava do universo adolescente
americano com toques de filmes de terror barato. Estas duas vertentes estavam
bem delineadas em seus dois primeiros sucessos, “Eighteen” (sobre a
adolescência) e “Black juju”(seu primeiro toque de terror).
Começava ali o reinado de Alice Cooper, que logo se transformou
numa das figuras mais exóticas do rock n' roll, antes que surgissem os
mascarados do Kiss, e responsável também pelas mais memoráveis
performances do gênero. Um show de Alice Cooper era (e ainda é)
como um filme de terror B ao vivo. Há decapitação, vampiros e sangue,
muito sangue (tudo de mentirinha, claro). Sua performance exótica
também incluía o uso de uma jibóia viva em cena.
44 Tom Leão
Alice Cooper, juntamente com o Black Sabbath, um dos introdutores da estética dos filmes
de horror dentro do rock

Heavy Metal 45
Tudo isso somado não tardou a destacar o nome de Cooper, que
ficou conhecido internacionalmente. Tanto que na primeira metade dos
anos 70, precisamente em 73, o astro e sua banda vieram ao Brasil (foi,
provavelmente, o primeiro nome do rock pesado americano a pisar, com
suas botas de couro, em nosso país). Seus shows arrastaram multidões
no Rio (apresentou-se no Canecão) e em São Paulo (superlotou o
pavilhão do Morumbi), e deixaram o artista marcado por aqui até hoje
como “aquele maluco da cobra”. Não seria a última viagem ao país. Em
meados de 95 ele bisou no Rio e em São Paulo como uma das atrações
do festival Monsters of Rock II. Contudo, apesar do profissionalismo,
seu teatrinho de horror já se mostra anacrônico e datado.
Enquanto isso, Cooper seguia lançando discos que mixavam a
rebeldia juvenil com toques de terror, como Killer, School's out (um dos
clássicos do rock americano), Muscle of love e Billion dollar babies.
Estes discos deixaram atrás de si hits como “School’s out” (verdadeiro
hino dos colegiais americanos), “Under my wheels” (apontada como
uma das principais músicas a influenciar o Guns N' Roses no início, que
a tocava em seus primeiros shows) e músicas de toques macabros como
“I love the dead” e “Dead babies”.
Na medida em que sua fama aumentava, crescia também a
produção teatral dos shows de Cooper, como as citadas decapitações,
monstros gigantes infláveis de borracha, enforcamentos e todo tipo de
truque visual e efeitos especiais. Por tudo isso, logo Alice Cooper
ganhou a antipatia dos grupos moralistas americanos e foi um dos
primeiros nomes do metal a ser perseguido e ter seus discos queimados
por esses fanáticos em praça pública.

A primeira e mais brilhante fase da carreira de Alice Cooper acabou


em 1975, quando sua banda original (Glenn Buxton e Mike Bruce,
guitarristas; Dennis Dunaway, baixista; e Neal Smith, baterista) se
desfez em meio a brigas internas e a entrada de Cooper na lista dos
junkies do rock. O artista havia se tornado uma criatura de seu próprio
teatro de horror e embarcou fundo no mundo do álcool e das drogas, o
que quase lhe custou a vida.
Mesmo assim, Cooper ainda iria lançar seus dois mais ambiciosos
discos conceituais, Welcome to my nightmare (que contou com mais
produção do que todos os seus shows anteriores) e Go to hell. Contudo,
o declínio musical viria a seguir, com o mergulho ainda mais profundo
46 Tom Leão
de Cooper no álcool e as constantes mudanças musicais de seu estilo,
ora um pouco mais para o hard rock, outras vezes mais heavy e outras
até mesmo pop, como quando lançou seu maior sucesso de rádio, “How
you gonna see me now?”, cuja letra fazia uma espécie de auto-reflexão
de seu estado decadente.
A fase negra do artista foi composta de discos como Flush the
fashion, Special forces e Zipper catches skin, que foram totalmente
ignorados por público e crítica. Por conta desses fracassos, Cooper
mudou de gravadora e durante os anos 80 lançou medíocres discos de
hard rock pelo selo MCA.
Sua retomada aconteceria a partir de 1989, com o disco Trash (feito
em colaboração com Desmond Child), já em nova gravadora, a Epic
Records (subsidiária da Sony, então CBS), que levou Alice Cooper de
volta à estrada, aos shows e o apresentou para uma nova geração que
imediatamente vestiu sua camisa (como pode ser comprovado através
de filmes como Wayne's world, no qual a dupla de jovens patetas,
Wayne & Garth, tem verdadeira adoração por Cooper). Com tudo isso,
o disco alcançou platina nos Estados Unidos.
Em seguida a Trash veio outro disco interessante, Hey stoopid (91),
que já pegava carona no visual MTV e contou com um clip bem
produzido e com todas as esquisitices às quais Alice e seus fãs tinham
direito (mulheres gostosas, diversão juvenil e terror). Embora mais
pesado que Trash (e com um hit pegajoso, “Feed my Frankenstein”),
Hey stoopid não vendeu tanto quanto seu antecessor, mas serviu de
plataforma para o artista voltar a trilhar o caminho que fez a sua fama
nos anos 70: o rock conceitual.
O último trabalho de Alice Cooper, The last temptation, é seu maior
e mais ambicioso projeto desde Welcome to my nightmare, como ele
mesmo confessou em recente entrevista. O disco é um projeto
multimídia que envolve história em quadrinhos, teatro e música. Para
começar, Cooper convidou Neil Gaiman, autor das maravilhosas
histórias de um dos mais cultuados personagens de quadrinhos da
atualidade, “Sandman” (o autor da capa é o inglês Dave McKean, que
também faz as capas de “Sandman”).
Juntos, Cooper e Gaiman reanimaram um velho personagem criado
por Cooper, The Showman, um tipo estranho que percorre o interior dos
Estados Unidos apresentando espetáculos bizarros para jovens. Todo o
enredo do novo trabalho, lançado em julho de 94, além de descrito nas
Heavy Metal 47
letras do disco, também está contado numa minissérie em quadrinhos da
Marvel com três capítulos.
Para completar o pacote, os shows de The last temptation, numa
primeira fase, dispensaram os ginásios e arenas nos quais Cooper está
acostumado a se apresentar. Toda a primeira fase da turnê percorreu os
Estados Unidos como um circo, com apresentações em teatros
tradicionais e permanência, em cada local, de no mínimo uma semana,
para que todos os fãs pudessem ver o espetáculo.
No seu retorno ao Brasil, contudo, ele não apresentou o novo espe-
táculo, e sim um mix de vários momentos de sua carreira.

ANTHRAX (vide Cap. 13)

BLACK SABBATH

Se Alice Cooper foi o primeiro heavy rocker a utilizar a estética do


terror, o Black Sabbath foi a primeira banda. Mas as comparações entre
ambos não procedem, já que Cooper utiliza um estilo mais teatral ou à
moda americana, enquanto que o Sabbath mergulhava fundo em temas
como feitiçaria, castelos e demónios antigos, bem à moda inglesa. Em
poucas palavras, o Sabbath seria como um bom e velho filme da
produtora britânica Hammer (aqueles com Cristopher Lee e Peter
Cushing) e Cooper uma espécie de antecessor das séries-contagem-de-
cadáveres, tipo “Sexta-Feira 13” (com o maníaco Jason) ou “A Hora do
Pesadelo” (com Freddy Krueger).
A parte a questão da paternidade do gênero, o Black Sabbath foi
uma das mais importantes e influentes bandas para o heavy metal em si,
quando este gênero dava seus primeiros passos no final dos anos 60.
Para muitos, Black Sabbath é sinônimo de heavy metal, pois criou
certos riffs, rotinas e outras simbologias (como o famoso sinal do demo)
até hoje usadas.
A banda, formada em Aston, Birmingham, surgiu oficialmente no
começo de 1969, quando ainda se chamava Earth (um nome que tinha a
ver com aqueles tempos hippies, mas não combinava com a banda, daí a
troca rápida por Black Sabbath antes de gravarem o primeiro disco) e
tocava blues. Contudo, seus integrantes já se conheciam desde 66,
48 Tom Leão
quando não passavam de quatro jovens desempregados que tocavam
num projeto de banda chamada Polka Tulk.
Como quase toda banda de rock (pelos menos as não pré-
fabricadas), o Earth começou tocando em espeluncas do interior da
Inglaterra em troca de bebida ou alguns trocados. Como viram que o
tipo de som que faziam não agradava os ingleses na época, a banda
passou a tocar em outros países da Europa, sobretudo França e
Alemanha. Foi num desses shows, na Alemanha (inclusive, no lendário
Star Club, em Hamburgo, onde os Beatles começaram a carreira), que a
banda sentiu na pele a necessidade de trocar o nome.

O nome Earth chamava um tipo de público que se espantava ao


encontrar no palco o encapetado jovem Ozzy Osbourne e seus asseclas
fazendo uma barulheira dos infernos, principalmente numa música
chamada “Black Sabbath”. Foi aí que Ozzy, mais o baixista Terry
“Geezer” Butler, o guitarrista Tony Iommi e o baterista Bill Ward se
tocaram que o nome da banda tinha que ser Black Sabbath mesmo.
Essa vertente sobrenatural foi influência de Butler, ávido leitor do
autor Dennis Wheatley, um apaixonado por magia negra e assuntos
correlatos. Com a troca do nome, resolveram construir uma imagem a
partir daí para, com isso, também se diferenciarem de todas as outras
bandas que existiam então. Na mosca. Logo o Sabbath começou a
conquistar diferentes e fervorosos fãs que se impressionavam com
aquela postura inédita no rock.
O próximo passo foi gravar um disco. E foi um disco bem barato.
Ele custou cerca de 600 libras, foi gravado praticamente em dois takes e
numa antiquada aparelhagem de quatro pistas. O resultado foi o
primeiro e já mitológico álbum da banda, Black Sabbath. O disco foi
lançado pelo selo independente Vertigo, numa estratégica sexta-feira 13,
em fevereiro de 1970, e rapidamente se transformou num sucesso. Sem
nenhum auxílio comercial da gravadora e apenas com o boca-a-boca dos
fãs, esta obra-prima do heavy metal conseguiu ficar entre os dez discos
mais vendidos da Inglaterra. Há quem diga que foi realmente aí, e com
este disco, que o heavy metal oficialmente nasceu.
Motivos: nenhum outro disco da época tinha uma banda como
aquela, fazia um som como aquele (riffs poderosos e marcantes),
baseado mais em cima do ritmo que da melodia e tinha um vocalista que
cantava desesperado como Ozzy. O resultado é que, ao longo desses
Heavy Metal 49
mais de 20 anos, Black Sabbath influenciou uma imensa leva de outras
bandas, que seguiram seus passos e reciclaram ideias que deram em
novos estilos do metal.

O primeiro disco era apenas o começo do reinado do BS. As coisas


ficaram realmente quentes quando a banda lançou em agosto de 70 o
compacto “Paranoid” (música que faria parte do segundo disco).
“Paranoid” alcançou o quarto posto na parada dos singles no Reino
Unido e levou a banda para sua primeira turnê pelos Estados Unidos.
Paranoid foi também o nome do segundo disco, lançado em setembro
de 1970, que destacou também outra música marcante, “War pigs” (um
dos covers favoritos de bandas atuais).
No final de 70, o BS já era um nome respeitado na nascente cena
metal inglesa, embora tenha sido recebida mornamente pelas plateias
americanas. Mas essa fria recepção americana mudaria com o
lançamento do terceiro disco da banda, Masters of reality, em julho de
71, que vendeu, logo de saída, 200 mil cópias na terra de Tio Sam. A
fama da banda fora de casa seria consolidada com o lançamento de
Volume 4, em setembro de 1972, quando o Sabbath foi colocado, por
público e crítica, ao lado de bandas como Led Zeppelin e Deep Purple,
nomes já aclamados do rock pesado.
Contudo, o melhor trabalho da banda, depois do histórico disco de
estreia, foi Sabbath, bloody sabbath, lançado em 73. A essa altura, os
discos do BS já vendiam igual aos do The Who e Led Zeppelin. Foi
também, por essa época, que surgiu um membro não-oficial da banda, o
tecladista Jezz Woodroffe, que dava os climas meio “Dr. Phibes” a
algumas músicas do grupo, fora os habituais efeitos de trovoadas, sinos
e outros sons macabros.
A fase de ouro do Black Sabbath durou quase uma década. Durante
esse tempo, a banda continuou com sua formação original, lançou
discos regularmente e manteve seu nome no topo. Os problemas
começaram a acontecer por causa de empresários inescrupulosos, que se
revezavam no controle dos negócios da banda e geralmente saiam dando
o calote. Foi por isso que o disco Sabotage levou algum tempo para sair
(só foi lançado em julho de 75), e nesse meio tempo a banda só teve um
hit, “Iron man”, outro clássico.
Mesmo assim, as características do Sabbath continuavam intactas,
como provavam algumas faixas de Sabotage. Como “Sympton of the
50 Tom Leão
universe”, por exemplo. As coisas só começaram a mudar sonoramente
a partir do disco seguinte, Technical ecstasy (76), que trazia novos
elementos ao som da banda, como faixas orquestradas, coros e até
mesmo uma balada, “She's gone”. Apesar disso, a fama da banda
continuava a mesma. O que não foi o bastante para manter Ozzy
Osbourne no posto de vocalista. Em 1978, ele fez sua última
participação num disco do BS, Never say die.
Na verdade, Ozzy havia deixado a banda em 1977 e só havia
gravado a faixa-título de Never say die. Nesse meio tempo, ele lançou
seu primeiro disco solo, Talk of the devil (que incluía faixas que tinham
sido lados B de compactos do BS). Quem cantou nas outras faixas do
disco foi Dave Walker, do Savoy Brown, que saiu logo após as
gravações, pois Ozzy havia decidido voltar ao posto. Ideia descartada de
vez pelo cantor em 1979.
A partir daí começou a rotatividade de vocalistas na banda e outras
mudanças na formação. Em 79, o ex-vocalista do Rainbow, Ronnie
James Dio, foi chamado para o posto de vocalista, quase ao mesmo
tempo em que Geezer Butler deixava o cargo de baixista por um breve
período, para Geoff Nicols, do Quartz, assumi-lo. Logo depois seria a
vez de Vinnie Apice substituir Bill Ward na bateria. Apesar das
turbulências, Dio injetou ânimo novo na banda e conseguiu suplantar o
fantasma de substituto de Ozzy. Dio mostrou seu valor no disco Heaven
and hell, lançado em abril de 80.
Mas as mudanças continuariam acontecendo na banda. Desavenças
entre Iommi e os dois novos integrantes, Dio e Appice, durante as
gravações de Mob rules (de 81), levaram estes dois últimos a deixarem o
BS, não sem antes terem registrado o esperado disco ao vivo da banda,
Live evil (82), que, curiosamente veio depois de outro, Live at last, um
disco gravado com a formação original do Sabbath, lançado à revelia pela
gravadora, daí ele não ser mencionado em algumas discografias.
Apesar dessa bagunça toda, os fãs pareciam não dar muita
importância, e os discos continuavam vendendo bem (inclusive a faixa
“Mob rules” fez parte da trilha-sonora do desenho de longa-metragem
Heavy metal). Enquanto Dio e Appice formavam sua própria banda, o
ex-vocalista do Deep Purple, Ian Gillan entrava para o Sabbath para
gravar o disco Born again (de 83). Paralelamente, uma infinidade de
baixistas e bateristas se revezavam nas posições, restando apenas Tony
Iommi do Sabbath original.
Heavy Metal 51
Mesmo com Gillan tendo segurado bem a peteca jogada por Dio,
ele ficou na banda apenas um ano. No período entre 85 e 90, o Black
Sabbath lançou uma série de discos medíocres tendo como vocalista o
medíocre Tony Martin, que já havia quebrado o galho no posto em
algumas turnês da banda. Por essa época, o nome da banda entrou
realmente em baixa e o BS passou a ser visto apenas como uma banda
decadente, bem distante de seus tempos mais brilhantes. Contudo, os fãs
permaneciam fiéis. E se renovavam.
As coisas pareciam que voltariam aos bons tempos quando, em
1992, foi anunciada a volta à banda de todos os seus membros originais
(exceto Ozzy), com Dio nos vocais e o lançamento do disco
Dehunanizer. Foi nessa época que os brasileiros tiveram a oportunidade
de testemunhar as primeiras apresentações ao vivo da banda no Rio e
em São Paulo, das quais grande parte do repertório baseou-se nos velhos
clássicos. Parecia um sonho.
E esse sonho foi melhorado e ampliado quando, pouco depois, a
banda foi convidada para abrir o que seria a última turnê da carreira solo
de Ozzy Osbourne, a No More Tours (que contou também, nas
apresentações da Califórnia, com shows do nosso Sepultura, uma honra
e tanto). Nessas apresentações, o próprio Ozzy fez jams ao final dos
shows com seus velhos companheiros e cantou alguns dos grandes
sucesso do BS. O clima era tão bom que rumores davam como certa a
volta de Ozzy para a banda, coisa que o próprio chegou a admitir em
algumas entrevistas na época.
Mas, o que era bom durou pouco. Ozzy mudou de ideia quanto a
voltar para o Sabbath e a deixar de fazer shows; e a banda, com Iommi,
Butler, Bobby Rondinelli na bateria e, mais uma vez, Tony Martin nos
vocais, lançou seu último disco até agora, Cross purposes (93),
enterrando, pelo menos temporariamente, um sonho acalentado pelos
fãs. Mas quem sabe, ainda pode acontecer.
Sonhos à parte, o que interessa é que o Sabbath continua na ativa,
com fãs se renovando (um disco em seu tributo foi gravado
recentemente, incluindo no cast bandas como Megadeth, White Zombie
e Soundgarden) e inspirando novas bandas. Em agosto de 94, o Black
Sabbath voltou ao Brasil em grande estilo, se apresentando na primeira
edição brasileira do aclamado festival Monsters of Rock. E,
recentemente, seus primeiros discos foram lançados aqui, em CD, pela
gravadora Eldorado, através do selo Alldisc.
52 Tom Leão
BLUE ÖYSTER CULT

Um dos grupos importantes menos lembrados do metal moderno foi


o Blue Öyster Cult. A banda americana, de Nova York, trouxe para o
metal alguns elementos que depois passaram a ser usados por diversas
outras bandas. Como símbolos misteriosos, elementos fantásticos e um
visual meio “alienígena”. Um estilo semelhante em parte com o do
Black Sabbath, mas que passava longe de temas góticos ou de terror. O
B.O.C, se parecia mais com um monster movie.

O embrião do Blue Öyster Cult (o culto da ostra azul) começou a se


formar em 1967, quando os críticos de rock R. Meltzer e Sandy
Pearlman (que depois se transformaria no empresário da banda)
montaram um combo psicodélico chamado Soft White Underbelly
(nome que o B.O.C, manteve quando fazia shows incógnito na Europa
depois da fama). Os demais integrantes da primeira formação eram
amigos de faculdade: Albert Bouchard (bateria), Donald “Buck
Dharma” Roeser (guitarra) e Alan Lanier (teclados).
Pronto o time, a banda lançou seu primeiro disco, ainda com o
nome Soft White Underbelly, em 69. Nessa época, Meltzer passou a
atuar apenas nos bastidores, cuidando das letras e do visual do grupo, e
mais dois integrantes foram incorporados à banda: Donal Roeser (vocais
e guitarra) e o irmão de Albert, Joe Bouchard (baixo) completaram a
formação clássica do que viria a ser o Blue Öyster Cult, formação esta
que mudaria ao longo dos altos e baixos pelos quais a banda passou.
Mas ainda haveria mais um disco, gravado sob o nome Oaxaca, até
que finalmente o Blue Öyster Cult aparecesse de fato. Contudo, tanto o
disco do Soft White Belly quanto o do Oaxaca, ambos gravados pela
Elektra Records, nunca foram lançados oficialmente por problemas
legais.
A história do B.O.C, começaria pra valer em 1971, quando
assinaram um contrato com a CBS e lançaram seu primeiro e homônimo
disco. Nessa época apareceram os primeiros elementos que marcariam a
estética do grupo: o símbolo misterioso, adaptado do símbolo original
do Deus-Titã Cronos (que significa Caos), o visual que lembrava o de
alguma seita misteriosa e as letras com temas fantásticos e estranhos.

Heavy Metal 53
O Sabbath, sem Ozzy, só manteve o guitarrista Tony Iommi da
formação original — da esquerda para direita: Vinnie Apice, Ronnie James Dio,
Tony Iommi e Geezer Butler

Neste Enchanted Evening, lançado em 1978 no Brasil, estão os grandes clássicos do B.O.C,
como “R.U. Ready 2 Rock”, “Godzilla” e “Kick Out The Jams” (do MC5)

54 Tom Leão
O primeiro disco da banda, que começou a carreira abrindo shows
para Alice Cooper (tudo a ver), trazia uma mistura de riffs metal com
toques psicodélicos e criava um estilo todo próprio para a banda, que
por isso mesmo era difícil de ser rotulada. Por tudo isso, o B.O.C,
tornou-se a primeira banda metal underground americana, seguida
apenas por um pequeno contigente de fãs fiéis e ainda fora do alcance
do mainstream do metal, que engatinhava.
A fama da banda começaria a crescer para além dos subterrâneos
com os lançamentos dos discos Tyranny and mutation, de 73 (que
trouxe os hits “Hot rail to hell” e “The red and the black”) e Secret
treaties, de 74. Os dois trabalhos traziam muitas novidades e
estranhezas para o metal. Não havia vocais rápidos e gritados, nem
baterias estrondosas ou solos de guitarra. E sim um trio vocal
harmonioso, baterias suaves e bastante profundidade sonora. Mas nada a
ver com progressivo, que fique claro.
O auge da popularidade da banda seria alcançado com o
lançamento do álbum duplo ao vivo, On your feet, on your knees (75),
que deu o primeiro disco de platina (mais de dois milhões de cópias
vendidas nos Estados Unidos) para a banda. A partir daí o culto saía do
porão e alcançava maior plateia, chegando mesmo a emplacar dois hits
em rádio: “Godzilla” e “R.U. ready 2 rock”, ambos do disco Spectres,
de 77, que também foi o disco mais esotérico da banda. Outro grande
sucesso do B.O.C, foi sua versão espetacular para “Kick out the jams”,
do MC5, lançado apenas em compacto.

Contudo, com a chegada dos anos 80, a banda entrou em queda


livre, lançando uma sequência de discos desapontadores — inclusive
mais um duplo ao vivo, Extraterrestrial live — que foram verdadeiras
bombas comerciais. Como Cultossaurus erectus (80), The revolution by
night (83), Club ninja (86) e Imaginos (88). Este último, um disco
desatroso que selou a carreira do Blue Öyster Cult. Um OSTRAcismo
injusto para uma banda que tinha tudo para continuar e não teve
substituta à altura. Ou teve (vide o Gwar)?

CREAM (vide Cap. 4)

Heavy Metal 55
DEEP PURPLE

Única banda que conseguiu disputar com o Led Zeppelin, nos anos
70, o posto de maior banda heavy metal em atividade (e, para os fãs do
bom rock pesado, esta disputa acabou em justo empate), o Deep Purple
é uma das maiores bandas HM que já existiu e também uma das mais
influentes. Sem contar com seu elenco de músicos notáveis e que, com o
Purple, solo ou em outras bandas, sempre conseguiram se destacar.
O DP tem suas origens em 1967, quando o baterista da banda The
Searchers, Chris Cutler, estava em busca de outros músicos para formar
com ele a banda Roundabout. Na nova banda, Cutler seria o vocalista.
Atenderam o seu chamado o tecladista Jon Lord e o baixista Nick
Simper. Os dois recomendaram a Cutler o guitarrista Ritchie
Blackmore. Acontece que Cutler logo caiu fora do projeto, que mesmo
assim seguiu em frente. Para o posto de vocalista foi então convocado
Rod Evans (que cantava no Maze), que levou consigo o baterista de sua
ex-banda, Ian Paice. Estava semeado o que viria a ser o Deep Purple.
Pesado, mas melódico, o DP (que quase se chamou Concrete God)
estreiou nas paradas em março de 68 com o single “Hush”, regravação
de uma música de Joe South, que, para surpresa geral, chegou ao quarto
lugar na parada americana. Bom começo. O próximo hit foi outra
regravação (na época, a banda chegou a regravar “Help”, dos Beatles),
desta vez para “Kentucky woman”, de Neil Diamond. Estes hits fizeram
parte do primeiro disco da banda, Shades ofDeep Purple, que era muito
diferente do que veio depois.
O sucesso alcançado foi tão bom que a banda lançou rapidamente
um segundo disco, naquele mesmo ano de 68, The book ofTaliesyn, e já
excursionava com êxito pelos Estados Unidos. Nada mal para uma
estreante banda inglesa. Contudo, o terceiro disco, Deep purple, falhou
nas paradas. Por causa disso, o núcleo base da banda, Lord, Paice e
Blackmore, acharam por bem chutar Simper e Evans da banda, que
foram trocados, respectivamente, por Ian Gillan, nos vocais, e Roger
Glover, no baixo. Agora sim, estava armada a clássica formação com a
qual o Deep Purple ficaria conhecido.
Diferente do Led Zeppelin, que tinha um pé firme calcado no
rhythm & blues americano, o Deep Purple ao vivo soava diferente, alto
e pesado como poucas bandas de sua época. Por causa de suas
intrincadas melodias, o grupo chegou a ser chamado no início de heavy-
56 Tom Leão
progressivo-pop. Mas com a formação clássica da banda eles deram
uma guinada mais em direção ao que ainda seria conhecido como heavy
metal e fizeram história.
O ponto de partida para essa nova jornada foi o disco Deep Purple
in rock, lançado em junho de 70, que em faixas como “Speed king” e
“Into the fire” já adiantavam o que viria dali pra frente. O disco
simplesmente fixou parâmetros para o heavy rock e deu origem a um
monte de bandas que copiaram o estilo do Purple, ainda que não tenha
sido um smash hit nos Estados Unidos.
O disco seguinte, Fireball (71), colocou a banda no topo da parada
britânica e na 32a posição da americana. Parece que os yankees, a
princípio, gostavam mais do Purple menos pesadão. Apesar de não ser
um disco tão bom quanto In rock, Fireball manteve o nome da banda
brilhando e abriu caminho para um verdadeiro marco do heavy metal, o
disco Machine bead (de 72). Foi deste disco que saíram canções
definitivas como “Smoke on the water” (cujo riff ecoa até hoje e inspira
de bandas metal a grupos de rap), “Highway star” (a canção mais
emblemática do heavy metal desde “Born to be wild”) e “Space
truckin”. Todas se tornaram músicas obrigatórias nos shows do DP dali
por diante.
Machine head não apenas repetiu a primeira posição para a banda
na parada britânica como chegou em sétimo na americana e logo se
espalhou pelo mundo, triplicando os fãs do Deep Purple. Em termos
gerais, o disco foi o maior sucesso de vendas na carreira da banda,
vendendo na época cerca de três milhões de cópias e aumentando os
números em suas várias reedições.
Com uma sucessão de turnês acontecendo, a banda não tardou em
lançar seu primeiro álbum ao vivo, Made in Japan, lançado na virada de
72 para 73. O disco serviu para levar aos fãs de países distantes, como o
Brasil, todo o peso e presença do Deep Purple em cena. É um dos
melhores live álbuns do metal.
Contudo, junto com o sucesso veio a batalha de egos inflados
dentro da banda. Isto pode ser sentido com o disco seguinte, o fraco e
apropriadamente batizado Who do we think we are. Por essa época,
Lord e Gillan não mais se falavam e Glover cada vez mais se afastava
da banda. O último concerto com a formação clássica do Purple
aconteceu em 29 de junho de 73, em Osaka.

Heavy Metal 57
Deep Purple In Rock, de 1970, é o primeiro disco da formação que consagraria o Purple:
Ritche Blackmore (guitarra), Ian Paice (bateria), Jon Lord (teclados), Roger Glover
(baixo) e Ian Gillan (vocal)

O disco seguinte Fireball, de 1971, chegou ao topo da parada inglesa — e, em 1972, ainda
viria Machine Head...

58 Tom Leão
Em seguida, o ex-baixista do Trapeze, Glenn Hughes, substituiu
Roger Glover enquanto a banda procurava um novo vocalista. Quem
ocoupou o cargo por um breve tempo foi Paul Rodgers, ex-Free,
conhecido de Blackmore. Um novo vocalista acabaria sendo encontrado
através de anúncios no jornal musical inglês Melody Maker. O felizardo
foi o novato David Coverdale, que entrou oficialmente na banda no final
de 73, a tempo de gravar o disco Burn.

Lançado em fevereiro de 74, Burn, apesar das mudanças, obteve a


mesma acolhida dos discos anteriores e a banda partiu para um novo
ciclo de sucessos. O disco também trouxe novas influências ao som do
Purple, cortesia de David Coverdale. As novidades se acentuaram no
disco seguinte, Stormbringer (74). Coverdale injetou uma dose de blues
e soul ao DP e, sem querer, começava a tecer ali uma nova corrente
dentro do metal: a das baladas melódicas que seriam a marca registrada
de sua banda pós-Purple, o Whitesnake, que não tardaria a nascer.
Antes, fazer baladas era um tabu para bandas metal.
Uma nova crise levou o Purple a encerrar carreira no começo de 76,
após lançar seu último disco de estúdio, Come taste the band, que já
mostrava um DP combalido e com um novo guitarrista, Tommy Bolin
(que morreria pouco depois por overdose de heroína). Com o fim do
Purple, Ritchie Blackmore logo formou o Rainbow. Mas, para aplacar a
demanda dos fãs, a banda ainda lançou, postumamente, dois discos ao
vivo, Made in Europe (76) e Last concert in Japan (77). Acabava ali
uma das maiores bandas do heavy metal.
Ou quase. Em 1984, Gillan, Lord, Paice, Blackmore e Glover
reformaram a banda e lançaram o pesado (em todos os sentidos) Perfect
strangers. Mesmo assim, o disco fez grande sucesso, principalmente
entre os fãs da nova geração. O que não ocorreu com o segundo produto
dessa reencarnação, House of blue light, que foi seguido de mais um
disco ao vivo, Nobody's perfect. Para variar, Gillan saiu da banda mais
uma vez e foi substituído pelo ex-vocal do Rainbow (a essa altura
defunto), Joe Lynn Turner.
Esse vai-e-vem continuaria após outro disco decepcionante, Slaves
and masters, quando Gillan voltou outra vez para o DP e gravou The
battle rages on (93), que se mostrou um disco aceitável, em comparação
aos dois últimos da nova encarnação. Logo após este disco, mais uma

Heavy Metal 59
vez Blackmore brigou com Gillan e o Deep Purple foi engavetado. E
assim permanece, até que alguém o ressuscite de novo. Melhor não. O
Deep Purple sempre estará vivo no coração dos bangers.

DEF LEPPARD

Vinda de Sheffield, uma cidade no norte da Inglaterra que ficou


mais famosa por ser o celeiro de bandas eletrônicas como Human
League, Heaven 17, B.E.F., e também de bandas punk-new wave como
Gang of Four e Comsat Angels, o Def Leppard, surgido em 1977, é, até
hoje, uma rara exceção metal do local.
Formada pelo vocalista Joe Elliot, na época com 19 anos, seu
amigo de escola, o baterista Rick Allen, e o guitarrista Pete Willis, a
banda começou com o nome Atomic Mass e na época contava com o
auxílio de Rick Savage no baixo. Após fazer todo o circuito de bares da
cidade, tocando heavy metal tradicional, eles foram considerados fora
de moda por causa do emergente punk rock. O que levou Elliot a fazer o
seguinte comentário na época: “Punk rock é heavy metal com cantores
que não sabem cantar e guitarristas que não sabem solar”.
Para não morrerem na saída, a banda juntou forças ao British New
Wave of Heavy Metal e mudou o nome para Def Leppard (leopardo
surdo). Com a grana obtida nos shows, eles gravaram e lançaram
independentemente o EP Getcha rocks off. O disco foi o passaporte da
banda para um belo contrato com a Phonogram, que queria para seu cast
uma banda metal para competir com o AC/DC.
Em 1980, saía o primeiro disco do Leppard, On through the night,
que foi divulgado com intensas turnês e uma apresentação marcante no
festival de Reading (Monsters of Rock). O disco obteve grande sucesso
nas paradas dos dois lados do Atlântico e o DL logo se tornou uma
banda conhecida. Sem deixar espaços, a banda lançou em 81 High
n'dry, que teve uma aceitação ainda maior e emplacou um sucesso nas
rádios, “Bringin'on the heartbreak”. A música virou clip e foi um dos
primeiros vídeos de metal a fazer sucesso na recém inaugurada MTV.
Em apenas dois anos, o Def Leppard já era considerada uma super-
banda, fato que foi reforçado com o disco seguinte, Pyromania, o maior
sucesso do Leppard até hoje. O álbum emplacou dois hits, “Photograph”
(sobre Marilyn Monroe) e “Rock of ages”, repetindo também o êxito em
60 Tom Leão
clips na MTV e sendo o segundo disco da parada de sucesso, atrás do
mega-milionário Thriller, de Michael Jackson. O mundo já havia
tomado conhecimento do Def Leppard.

Mas aí aconteceu a primeira fatalidade na carreira da banda. Um


trágico acidente de carro, na véspera do ano novo de 1985, custou o
braço esquerdo do baterista Rick Allen. Por causa desse acidente, a
banda que seria uma das grandes atrações do primeiro Rock In Rio, não
pôde vir ao Brasil. Tragédias à parte, o acidente não acabou com a
banda, nem tirou Allen de seu posto. Após um curto tempo fora do ar, o
Leppard voltou com Allen nas baquetas, auxiliado por um kit de bateria
eletrônica Simmons e alguns adaptadores.
Com a banda na estrada outra vez, eles lançaram em 1987 o disco
Hysteria. Contudo, mal as coisas haviam se normalizado e a banda
entrado em turnê, outra fatalidade se colocaria no caminho do Leppard.
O guitarrista Steven Clark, que lutava contra o alcoolismo havia anos,
perdeu a batalha em janeiro de 91. Sua morte mais uma vez adiou uma
vinda da banda ao Brasil. Ela estava escalada para a edição daquele ano
do Hollywood Rock. Mesmo assim, os demais integrantes continuaram
trabalhando no que viria a ser o disco Adrenalize, lançado em março de
92, que foi direto para as primeiras posições das paradas, vendendo 380
mil cópias apenas na sua primeira semana nos Estados Unidos.
Após lançar dois discos com faixas raras e regravações, Retro
active (93) e Vault (95), o Def Leppard segue carreira como uma banda
de sucesso estável e com um novo guitarrista, Vivian Campbell. Cada
vez mais se embrenhando pela senda do soft metal (estilo que ajudou a
cunhar), ou rock farofa, onde as melodias de apelo fácil e as letras
chorosas dão a tônica. Desse modo, a banda fica mais e mais distante do
hard ou do heavy rock, ainda que, pateticamente, tenham gravado uma
música chamada “Let's get rock”. Devia ser piada.

GUNS N' ROSES

Seguindo uma tradição de bandas como Aerosmith e trazendo de


volta um pouco mais de atitude e menos pose ao mundo metal de Los
Angeles, dominado no final dos anos 80 por bandas glam do tipo Poison
e outras hard pop como o Mötley Crüe, o Guns N' Roses durante algum
Heavy Metal 61
tempo foi a salvação do metal, que andava em baixa mais uma vez,
como aconteceu no final dos anos 70.
Embora tenha começado na cena glam e quase se tornado uma
banda do gênero (basta ver o primeiro clip do Guns, “Welcome to the
jungle”, no qual o vocalista Axl Rose aparece maquiado e de cabelo
armado), o GNR mostrou com seu primeiro e agora clássico álbum,
Appetite for destruction (87), que não era só mais uma banda no
congestionado cenário hard-metal californiano.
Mas a história da banda começa um pouco antes, quando
integrantes de duas bandas de L.A., Hollywood Rose e L.A. Guns, se
juntaram para formar um novo grupo que ganhou o óbvio nome de Guns
N' Roses. A banda tinha como cartão de visitas um comportamento
rebelde, o uso abusivo de álcool e drogas, e letras que falavam de tudo
isso e muito mais. Conseguiram chamar a atenção.
Além da postura (que virou cada vez mais pose), os Gunners
tinham personalidades fortes em seu elenco. O constantemente bêbado
guitarrista Slash (que marca presença com seu visual largadão e uma
cartola negra); o vocalista W. Axl Rose, um cara de maus modos, língua
solta e personalidade desequilibrada; o cool baixista Duff McKagan; o
igualmente cool guitarrista Izzy Stradlin'; e mais o baterista Steven
Adler. Esta mistura de personalidades diferentes resultou numa banda
explosiva em cena e cheia de adrenalina. Após um EP ao vivo, Live like
suicide (86), a banda logo foi recrutada pela Geffen Records, e no ano
seguinte lançava seu histórico début, Appetite for destruction, um dos
discos mais importantes no rock pesado dos últimos anos e que mudou
completamente a cena rock americana.

Appetite for destruction (a começar pela capa original, um trabalho


impressionante do artista Robert Williams, com um robô estuprando
uma florista, que logo foi censurada e banida), trazia de volta a rebeldia,
o cheiro da rua e a fúria animal para o rock americano, que estava
estagnado, embora as bandas grunge já estivessem em marcha. O disco
equilibrava baladas singelas como “Sweet child o'mine” ao lado de
coisas mais pesadas como “It's so easy”, “Welcome to the jungle” e
outras que falavam de drogas, como “Mr. Brownstone”, entre várias de
igual quilate e peso.

62 Tom Leão
O Def Leppard esteve em 1997 no Brasil e mostrou um som competente
(principalmente o incrível Rick Allen que não perdeu uma nota),
embora bem menos agressivo do que no início

Slash, do Guns N' Roses, toca uma guitarra pesada e melodiosa em meio à
“guerra de egos” da mega-banda americana

Heavy Metal 63
Por causa do enorme sucesso alcançado pelo disco (que só foi
estourar realmente quase dois anos depois de lançado, após forte
burburinho nos undergrounds), o Guns logo virou uma banda de culto,
passou a ser imitada por todas as bandas que surgiram depois e injetou
ânimo na indústria do rock metal americano e mundial. Era quase como
uma revolução.
A demanda pelo som do Guns era tanta que a banda teve que
reeditar o primeiro e independente EP atrelado a faixas ao vivo, que
ganhou o nome de Guns N' Roses lies, e saiu em 91. O disco destacou
canções acústicas como “Used to love her”, e manteve o nome do Guns
circulando mundialmente.
A essa altura, começo dos anos 90, o Appetite... já havia chegado a
barreira dos nove milhões de discos vendidos e o Guns já era
definitivamente uma superbanda. Mas o sucesso trouxe à baila também
um lado arrogante, ridículo e ególatra dos integrantes da banda. Axl
passou a se comportar como a mais odiosa das figuras públicas e a
banda entrou numa trip de rock star babaca.
O segundo disco oficial, na verdade dois álbuns duplos, Use your
illusion, partes 1 e 2 (92), foi um bom exemplo disso. Ouvindo os discos
com atenção e paciência, encontravam-se aqui e ali boas músicas. Mas
na soma, o disco não passava de ilusão mesmo. Não existia como tal.
Mas vendeu bastante.
Com todo o peso da pretensão, logo vieram as crises internas. A
primeira envolveu o baterista Steven Adler, substituído em 90 por Matt
Sorum, ex-The Cult. Meses depois de sair da banda, Adler veio a
público reclamar uma indenização de Axl Rose, que contra-atacou
dizendo que sua saída da banda deveu-se a seu grande envolvimento
com drogas. Uma contradição para uma banda que começou justamente
fazendo apologias do junkie lifestyle.

Um ano depois, foi a vez do cool Izzy Stradlin' pedir as contas. Foi
substituído por um amigo de Axl, o guitarrista Gilby Clarke. Com os
novos integrantes, mais tecladistas, vocalistas de apoio, sopros e o diabo
a quatro, a banda partiu numa megaturnê mundial que começou
dividindo shows com o Metallica e prosseguiu cheia de incidentes pelo
caminho, todos provocados pelo neurótico Axl.
Essa turnê marcou a segunda apresentação do Guns no Brasil, em
92, dois anos depois de shows no Rock in Rio II, que marcaram a volta
64 Tom Leão
da banda à cena após longas férias (eles voltariam ao Brasil exatamente
um ano depois para um show desatroso no autódromo do Rio e dois
outros em São Paulo).
O último lançamento oficial do Guns foi o disco The spaghetti
incidente, no qual a banda tenta recuperar seu lado rebelde do começo
da carreira regravando clássicos de bandas punk, como Damned etc.
Apesar das boas intenções, o disco não convence nem a quem foi fã das
bandas originais e nem aos fãs dos Guns. O único detalhe que chama a
atenção é a inclusão (não creditada) de uma música do maníaco-
homicida Charles Manson, que, obviamente, causou polêmica e levou
Axl de volta à cena. Foi o marketing do disco.
Nesse meio tempo, Izzy Stradlin' lançou seu primeiro disco solo
com sua nova banda, The Ju Ju Hounds; e o baixista Duff — sem deixar
o Guns — também experimentou com um trabalho solo bastante
interessante, Believe in me. Também sem deixar o Guns, o guitarrista
Slash caiu na estrada com sua banda, SnakePit, que inclusive tocou no
Brasil em 95 e lançou um disco homônimo.
Os últimos planos da banda incluíam um projeto megalomaníaco de
um filme, que não foi adiante. Enquanto isso, Axl coleciona beldades do
mundo da moda (como Stephanie Seymour) em casamentos que não
duram mais que alguns meses, e sua relação com os demais membros da
banda reforçam os rumores de que é bem provável que a banda nunca
mais volte a gravar ou excursionar.
A conclusão sobre o Guns N' Roses é que eles poderiam ter sido
uma banda muito maior (fora do sentido comercial) do que conseguiram
ser. Pena que tenham se dobrado ante ao enorme peso de sua pretensão
e se transformado no maior dos clichês que se poderia imaginar para
uma típica banda de rock pesado ao estilo hollywoodiano. Nem o
cinema bolaria roteiro igual.

IRON MAIDEN

O surgimento da New Wave of British Heavy Metal coincidiu com o


aparecimento do punk rock na Inglaterra. Por isso, nada mais fora de
moda do que cabeludos fazendo um som que lembrava o de bandas
metal clássicas do passado recente, como Deep Purple ou Led Zeppelin,
entre outras. Mesmo assim, o Iron Maiden topou a parada e enfrentou a
Heavy Metal 65
concorrência sem medo tornando-se uma das maiores bandas de heavy
metal de todos os tempos.
Formada em 1976 pelo baixista Steve Harris, que tinha como
maiores influências o som do Deep Purple e do Black Sabbath, o Iron
Maiden (cujo nome vem de um antigo aparelho de tortura medieval, na
tradução, donzela de ferro) foi também uma das maiores bandas heavy
dos anos 80. Por causa de sua força e presença em palco, logo se
destacou de outras que surgiram na mesma época, como o Saxon, o Def
Leppard e o Diamond Head, e indiretamente influenciou bandas que
surgiriam depois como Metallica e Anthrax.
A banda estreiou em disco com um EP independente e
autoproduzido, The soundhouse tapes — hoje um raro item de
colecionador — que repercutiu bem e logo cavou para a banda um
contrato com a EMI. Na primeira formação, o Iron Maiden contava,
além de Harris, que também cantava, com o guitarrista Dave Murray (na
época, um punk skinhead, acreditem se quiser), o baterista Clive Burr e
o outro guitarrista, Dennis Stratton. Na época da gravação do primeiro
disco da banda, lançado em 1980, o vocalista principal era Paul
Di'Anno.
Esta formação mudaria logo. Em 1981, com o lançamento do disco
Killers (que deu início a um culto do Maiden fora da Inglaterra), o
guitarrista Adrian Smith substituiu Stratton. Além de ser o primeiro
grande sucesso da banda, Killers tem como destaque ter sido produzido
por um mestre do metal, Martin Birch, cujo currículo incluía trabalhos
com Deep Purple, Rainbow e Blue Öyster Cult.

Outra mudança ocorreria no final de 81, após uma turnê, quando o


vocalista Di'Anno resolveu deixar a banda por diferenças pessoais.
Embora alguns fãs das antigas sintam falta dele, a verdade é que grande
parte da popularidade que o Maiden iria ganhar dali para a frente deveu-
se a presença do novo vocalista, o energético e profissional Bruce
Dickinson.
Dickinson, que é de Sheffield, terra do Def Leppard, era o vocalista
do Samson. Ele estreiou num dos grandes discos do Maiden, The
number of the beast (82), que entrou direto no primeiro posto da parada
britânica e ficou por 20 semanas na americana. O disco também
emplacou os primeiros hit singles da banda, “Run to the hills” e a faixa-
título, ambas já clássicas.
66 Tom Leão
Além da performance em palco, Dickinson trouxe também para a
banda novos horizontes na parte das letras. Além de ter se inspirado na
cult série de TV britânica O prisioneiro para compor algumas letras,
Dickinson também foi um dos pais da ideia de criar o mascote Eddie,
que agradou aos fãs em cheio.
No final de 82, aconteceria a última mudança na banda antes de o
Iron Maiden chegar a sua formação clássica. Cansado de tanto
excursionar, o baterista Clive Burr pediu o boné e em seu lugar entrou
Nicko McBrain, que veio do Trust. O disco de estreia do novo baterista
foi Piece of mind. A partir daí o Maiden se transformaria numa das
maiores e mais influentes bandas metal dos anos 80.
A fase áurea da banda compreenderia os discos Powerslave (84),
cuja turnê passou correndo pelo Brasil para uma única e marcante
apresentação no primeiro Rock In Rio, em 85; o primeiro álbum duplo
ao vivo, Live after death (até então a pirataria de Maiden ao vivo corria
solta); Somewbere in time (87) e Seventh son of a seventh son, todos
discos milionários em vendas.
A partir de 89, começaria a fase de declínio da banda, que já não
mais fascinava tanto os adolescentes com suas pirotecnias e
superproduções, e era preterida pela plateia jovem por bandas mais
novas e agressivas, como as da geração thrash/speed metal. Nessa fase,
o guitarrista Adrian Smith saiu da banda e foi substituído por Janick
Gers, ex-integrante da banda de Ian Gillan.

Em 1990, Bruce Dickinson lançaria seu primeiro álbum solo,


Tattooed millionaires — cujo título mais parecia uma auto-crítica à
própria banda — e rumores de sua saída do Maiden circularam
fortemente. Mas ainda não seria desta vez. Por sua vez, o Maiden
lançou dois discos que não obtiveram muita repercussão, No prayer for
the dying e Fear of the dark (92).
A tão cogitada saída de Dickinson aconteceria só em 93, não sem
antes a banda lançar dois álbuns ao vivo no espaço de alguns meses. O
primeiro, A real live one, apresentava shows recentes, enquanto o
segundo, A real dead one, trazia material mais antigo (e melhor). No
mesmo ano em que Bruce Dickinson anunciou sua saída da banda, o
Brasil ainda teve a chance de vê-lo nos vocais pela útima vez numa
miniturnê que passou por Rio, São Paulo e Porto Alegre.

Heavy Metal 67
No primeiro disco da banda, Iron Maiden, de 1980 (que tem "Running Free"),
a banda contava ainda com Dennis Straton na guitarra (depois substituído por
Adrian Smith) e Paul Di'Anno no vocal

Em 1982, Bruce Dickinson assume os vocais e Clive Burr, o primeiro baterista,


dá lugar a Nicko McBrain
68 Tom Leão
Enquanto isso, a banda organizou um concurso mundial para eleger
um novo vocalista para o Iron Maiden (do qual participaram dois
brasileiros, inclusive o carioca Vid, da banda Vid & Sangue Azul). Mas
o cargo foi mesmo para o gogó do ex-vocalista do Wolfsbane, Blaze
Bailey, que mostrou a voz em The X-factor, lançado no final de 95. Seu
registro vocal é mais grave que o de Dickinson.
Dickinson fez seus show de despedida do Iron Maiden em grande
estilo, numa apresentação especial transmitida para todo o mundo, na
qual foi literalmente decapitado pelo famoso mágico e ilusionista inglês
Francis Drake. No final desse show (transmitido no Brasil pela Rede
Bandeirantes), a cabeça de Bruce era apresentada para o público e
depois jogada no cesto dos decapitados.
Em 94, Bruce Dickinson voltou à ribalta com seu segundo disco
solo, Balis to Picasso, no qual ele procura fugir do estilo Maiden
gravando com uma banda tex-mex americana, o Tribe of Gypsies, de
Los Angeles. No mesmo ano veio ao Brasil e mostrou que seu show
solo não difere muito dos shows com o Maiden.

JIMI HENDRIX

Nascido James Marshall Hendrix, em Seattle, em 1942, filho de pai


índio e mãe negra, Jimi começou sua carreira musical no princípio dos
anos 60, tocando em bares do Greenwich Village, em Nova York. Seu
primeiro emprego profissional foi como guitarrista de apoio da banda de
Little Richard, que não durou muito. Dono de um dom quase
sobrenatural para manejar uma guitarra, Hendrix logo seguiria seu
próprio caminho e influenciaria praticamente tudo o que se faria depois
com uma guitarra plugada num amplificador.
Apesar de ter chamado a atenção em Nova York, foi o inglês Chas
Chandler, que fazia parte do Animals, quem realmente prestou atenção
naquela força da natureza e o levou para a Inglaterra. Na suingante
Londres de então, Hendrix entrou em contato direto com o psicodelismo
e juntou-se a dois britânicos, o baixista Noel Redding e o baterista
Mitch Mitchell. Nascia ali a The Jimi Hendrix Experience. Por conta
disso, quando Hendrix e sua banda lançaram o primeiro disco, Are you
experienced? (66) todos pensaram tratar-se de um artista inglês.
Ninguém ainda tinha visto sua cara.
Heavy Metal 69
Hendrix, um dos maiores guitarristas de todos os tempos (senão o maior) nasceu no ano de
1942 em Seatle, cidade do noroeste dos Estados Unidos que se tornaria, mais de 40 anos
depois, o berço do grunge.

70 Tom Leão
O primeiro disco revelou ao mundo clássicos incendiários e
definitivos como “Hey Joe”, “Foxy lady”, “Fire” e “Purple haze”, além
da faixa-título, que, com o passar dos anos, foram reverenciadas em
tributos por bandas tão diferentes entre si como Nick Cave & The Bad
Seeds, The Cure, Red Hot Chili Peppers e Devo, só para citar algumas
entre as milhares que “coverizaram” o guitarrista. Com a boa
repercussão do disco, Hendrix finalmente voltou à América para fazer
seus primeiros shows e mostrar que era americano afinal. E a estreia não
poderia ter sido melhor: aconteceu no Monterey Festival, em 1967, que
culminou numa versão metálica para “Wild thing”, dos Troggs,
encerrada com a queima da guitarra, uma imagem que marcou sua
carreira.

Daí em diante não havia mais limites entre Hendrix e sua guitarra.
O divino negão provocou uma verdadeira revolução musical e
praticamente definiu dali por diante tudo o que seria feito sob a égide do
rock, metal ou não. Dois anos depois de Monterey, em 1969, em outro
festival, Hendrix perpetuou outra imagem histórica ao tocar o hino
nacional americano de uma maneira nunca antes ouvida no
encerramento do festival de Woodstock.
Com tudo isso acontecendo, só em 1970 viria o segundo LP, Axis:
bold as love, no qual Hendrix apresentaria acentos jazzísticos a seu som
(há quem diga que influenciado por outro negro divino, Miles Davis).
Essas novas influências e misturas seriam mais notáveis no álbum duplo
Electric ladyland, que teria sua capa proibida no Brasil por apresentar
um monte de mulheres desnudas. Infelizmente, seria o último disco de
estúdio realizado por Hendrix em sua curta passagem pela terra e pelo
reino do heavy metal.
Contudo, mais um disco inédito seria lançado, o ao vivo Band of
gypsies, gravado na véspera de ano novo no Fillmore East, no
Greenwich Village, Nova York. Daí em diante, todos os discos lançados
com o nome de Hendrix na capa foram póstumos, com sobras de
material, fitas perdidas, compilações e coisas do tipo, numa extensa
discografia que chega até os dias de hoje. Lamentavelmente, Hendrix
morreu cedo, aos 27 anos, sufocado pelo próprio vômito devido a uma
overdose de drogas.

Heavy Metal 71
JUDAS PRIEST

Apesar de ter se tornado popular na segunda metade dos anos 70, as


raízes do Judas Priest remontam a 1969. A banda, formada na cidade
industrial de Birmingham (lar do Black Sabbath), já existia na mente de
alguns amigos, mas, no entanto, só debutou pra valer em 1971 com a
seguinte formação: o guitarrista Ken (K. K.) Downing, o baixista Ian
Hill, o baterista John Ellis e o vocalista Alan Atkins. Nessa época a
banda era comparada ao Led Zeppelin, Black Sabbath e até mesmo ao
Electric Light Orchestra.
Mas o Judas Priest, como nós o conhecemos, só apareceu mesmo
em 1973, quando Atkins e Ellis saíram fora. Para o posto de vocalista
veio Rob Halford, que de cara impressionou com sua forte voz e
característica performance, que viria a influenciar meio mundo de
vocalistas dali em diante. Para a bateria veio John Hinch. E um segundo
guitarrista, Glen Tipton, foi arregimentado a tempo de o grupo gravar
seu primeiro (e independente) disco, Rocka rolla, lançado em 74.
O disco obteve boa repercussão e valeu um contrato com o selo
Epic (atualmente da Sony). Mas antes que o Judas lançasse seu segundo
álbum, Sad wings of destiny (que só sairia em 76), o batera Hinch deu
lugar a Alan Moore. Contudo, ainda não seria o baterista definitivo.
Logo em seguida veio Simon Philips, um experiente músico de estúdio,
sugerido por Roger Glover (do Deep Purple) e que seria o produtor do
terceiro disco da banda, Sin after sin (77).
Estes dois discos pela Epic, mais Stained class (de 78, que
apresentou outro baterista, Les Binks, que já havia tocado com Eric
Burdon), consolidaram o nome do Judas Priest e apresentaram para a
cena metal poderosos riffs travados em duelos alucinantes das guitarras
de Tipton e Downing e mais a performance teatral de Halford, que, de
quebra, lançou para os metálicos da época o visual couro e corrente (que
era compartilhado também pelo pessoal dos Scorpions) e que se tornaria
uma marca registrada das bandas heavy da época . Este foi o look básico
da new wave do metal britânico, meio inspirado pelo estilo punk.
O visual couro e corrente seria definitivamente assumido a partir do
título do disco seguinte, Hell bent for leather (79, cujo título original
inglês é Killing machine). Este foi o primeiro do Judas a realmente
arrebentar nas paradas americanas, e, por tabela, no mundo. A fase

72 Tom Leão
K. K. Downing na guitarra, Ian Hill no baixo, Rob Halford nos vocais, mais
o outro guitarrista, Glen Tipton (e uma sucessão de bateristas desde 1969
até hoje) formam o Judas Priest: couro preto e metal cortante

Heavy Metal 73
intermediária, entre o culto e o grande sucesso, foi atravessada pelo
magnífico aibum ao vivo Unleashed in the East, gravado no Japão. O
disco estourou com a faixa “Sinner”.
Com a bola cheia, o Judas Priest entrou nos anos 80 cheio de panca
e com o disco British steel (o famoso disco da gilete, 80), que emplacou
o primeiro single da banda, “Living after midnight”, bem como o
clássico “Breaking the law” com seu refrão marcante. Foi o primeiro
disco de ouro. E também o primeiro com o novo baterista, Dave
Holland, que ficaria no posto até 1989.
A banda alcançaria o superestrelato com os discos Point of entry
(81), Screaming for vengeance (82) e Defenders of the faith, todos
produzidos por Tom Allom, e que alcançaram a marca de platina (mais
de dois milhões vendidos). Talvez por causa de tanto sucesso, a banda
deu um passo em falso com o disco Turbo, de 86. Nele, o poderoso som
metálico do Priest deu lugar a baterias programadas, sintetizadores,
ritmos dance e canções pop. Para se desculpar, lançaram dois discos
bem pesados logo depois, Priest live e Ram it down, que marcariam os
primeiros anos de declínio e de problemas.
Foi mais ou menos por aí que o Judas Priest foi acusado por duas
famílias americanas de ter levado dois jovens a se suicidarem,
inspirados em músicas do disco Stained class. O processo se arrastou
por alguns anos e deixou a banda fora dos palcos até o começo dos anos
90. Felizmente, a sentença foi favorável à banda, que conseguiu provar
que os dois garotos eram desajustados e vinham de famílias
problemáticas. Mais uma vez tentaram pegar o metal pra Cristo.
Para comemorar, o JP lançou seu disco mais pesado dos últimos
anos, Painkiller (90), que trouxe a banda ao Brasil para o segundo Rock
In Rio no mesmo ano, e apresentou mais um novo baterista, Scott
Travis. Foi também a última turnê com Rob Halford, que decidiu se
afastar do Judas para começar uma carreira solo com sua nova banda,
Fight, que já lançou dois dicos desde 93 e por conta do primeiro, War of
words, se apresentou por aqui no começo de 94.
Depois da saída de Halford, o Judas Priest não anunciou um novo
vocalista e nem lançou mais nenhum novo disco.

JOAN JETT (vide Cap. 7)

74 Tom Leão
KISS

O embrião do Kiss surgiu em 72, em Nova York, quando o


vocalista e baixista Gene Simmons e o guitarrista Paul Stanley se
conheceram através de um amigo comum e formaram a banda Wicked
Lester, que chegou a gravar um disco não lançado. No mesmo ano,
Simmons e Stanley reformaram a banda com a entrada do baterista
Peter Criss e do guitarrista Ace Frehley, trocaram o nome para Kiss e
fizeram o primeiro show, já com a maquiagem que se tornaria clássica.
Chamaram a atenção com aquele visual meio glitter e com toques de
terror. Tanto que, antes do final do ano, conseguiram o contrato com a
Casablanca Records, subsidiária da PolyGram, pela qual gravam até
hoje.
Em fevereiro de 1974, lançam o primeiro disco, Kiss, que destacou
a música “Kissin' time”, com a qual promoveram uma maratona de
beijos. O casal vencedor ficou grudado 72 horas. O disco foi um sucesso
e, em agosto do mesmo ano, a banda lançou seu segundo trabalho,
Hotter than hell, que levou o Kiss para sua primeira grande turnê
americana. Começava ali o culto ao Kiss, que conquistou milhares de
adolescentes pelo mundo e continua forte.
Mas o grande sucesso do Kiss viria em 75, no LP Dressed to kill,
através da faixa “Rock n' roll allnite”. A música foi um estouro mundial
e até hoje é obrigatória nos shows da banda, como é “Satisfaction” nos
shows dos Stones. A consagração total aconteceria antes do final do
ano, quando a banda lançou Alive!, um dos discos ao vivo mais famosos
da história do rock. Apesar de duplo, Alive! logo chegou ao disco de
platina, bem como os três discos anteriores da banda. Para a época, a
vitória do Kiss tinha o sabor de uma grande conquista, visto que o metal
rock não era exatamente popular como é hoje.
Apesar do sucesso comercial do Kiss, só em 76 a banda gravaria
aquele que foi considerado pelos fãs seu melhor disco, Destroyer. Nessa
época, foi criado o Kiss Army, o maior fã-clube que já existiu na
história do rock. Antes do fim do ano, a banda lança mais um disco,
Rock and roll over.

A prolífica carreira discográfica da banda continuaria, em 1977,


com o lançamento de Love gun, e de mais um álbum duplo ao vivo,
Alive II, que trazia uma diferença: o quarto lado do vinil tinha músicas
Heavy Metal 75
feitas em estúdio. No mesmo ano, o Kiss conquistaria o feito de ter sido
a primeira banda de rock a virar história em quadrinhos, num gibi
lançado pela Marvel Comics, que usou sangue dos integrantes da banda
misturado na tinta da impressão. O gibi precedeu um fraco filme de
longa-metragem, Kiss meets phantom of the park, que foi produzido
pela Hanna-Barbera. Sem perder o fôlego, a banda faz sua primeira
turnê no Japão, encerrando um de seus mais gloriosos anos.
O ano de 78 foi de descanso para o Kiss — que lançou apenas uma
coletânea de sucessos, Double platinum — mas de muito trabalho para
seus integrantes. Foi o ano em que cada um deles lançou seu álbum
solo. Destacou-se o de Ace Frehley. Por outro lado, é lançado
especialmente para os fãs japoneses o álbum triplo The originais II,
contendo os LPs Destroyer, Love gun e R'N'R over.
O disco seguinte da banda, Dinasty, de 79, trouxe uma faixa com
toques dançantes, “I was made for lovin' you”, que fez um sucesso
arrasador. Apesar disso, o disco não foi muito bem e no ano seguinte
Peter Criss deixa a banda e lança Out of control. O Kiss, por sua vez,
lança Unmasked, que, apesar de ainda ter Criss na capa, teve como
baterista Anton Fig. Enquanto isso, a banda testou vários bateristas até
que escolheu Paul Caravello, que trocou seu nome para Eric Carr. Antes
do ano acabar, sai o disco The best of solos, uma seleção do melhor dos
quatro discos solos de 78 dos kissers.
Em 81, sai o primeiro disco com Eric Carr, o conceitual Music from
the elder, que a banda gravou para mostrar para os críticos que poderia
ser “séria” se quisesse. Os fãs estranharam, mas gostaram. Em 82, Ace
Frehley deixa a banda, antes do lançamento de Creatures of the night,
no qual ele aparece na capa, mas quem toca é Bruce Kulick. O álbum
recriava a atmosfera dos primeiros trabalhos da banda. No mesmo ano,
saiu o segundo disco de Peter Criss, Let me rock you, e mais um do
Kiss, Kiss killers.

O Brasil finalmente entrou na rota do Kiss em 1983, quando a


banda fez um show, com lotação esgotada, no Maracanã (180 mil
pessoas) durante a turnê Creatures of the night. Como novidade, o
guitarrista Vinnie Vincent. A turnê comemorou os dez anos da banda e
também foi a última vez que eles se apresentaram mascarados. Foi a
primeira grande banda de rock a fazer um show de tal magnitude no
Brasil. Aqui foram perseguidos por grupos religiosos, que fizeram
76 Tom Leão
passeatas nas entradas do Maracanã e alegavam ser a banda enviada do
inferno e seu nome as iniciais de kids in satan’s service (garotos a
serviço de satã). Enfim, uma palhaçada.
No final do mesmo ano, lançaram Lick it up, o primeiro sem
máscara.
Apesar de bem recebido pelos fãs, Vincent deixa a banda em 84 e
por isso o disco seguinte, Animalize (produzido por Paul Stanley), teve
como guitarrista Mark St. John. Nesse ano, Gene Simmons estreia no
cinema como o vilão do filme Runaway, fora de controle, ao lado de
Tom “Magnun” Selleck. Simmons faria mais alguns filmes, sendo Trick
or treat (aqui, O rock do dia das bruxas), o mais legal. Este filme tem
também Ozzy Osbourne como um pastor louco.
Em 1985, Bruce Kullick volta ao posto de guitarrista devido a um
problema nas mãos de Mark St. John. Foi o ano também em que Ace
Frehley reapareceu na cena com sua nova banda, Frehley's Comet, que
passaria rápida como um cometa (depois ele fracassaria com outra
banda, Balls of Fire). O Kiss lança o LP Asylum e seu primeiro vídeo,
Animalize live uncensored, que foi seguido do documentário Kiss
exposed. Em 1986, aparece a banda Vinnie Vincent Invasion, do ex-
guitarrista; e, em 87, o Kiss lança mais um disco, Crazy nights, e abre o
festival Monsters of Rock, em Castle Donnington, na Inglaterra.
No final dos anos 80, o culto ao Kiss começa a retornar aos poucos.
Em 1988, a banda lança a coletânea Smashes, thrashers e hits; e, em 89,
várias bandas alternativas americanas, incluindo o Nirvana, participam
do álbum em seu tributo Hard to believe. No mesmo ano, o Kiss lança
Hot in the shade. Em 91, uma tragédia. O baterista Eric Carr morre
vítima de câncer no pulmão. Seu último trabalho na banda foi a faixa
“God gave rock'n roll to you”, para a trilha do filme Bill & Ted bogus
journey (aqui, Dois loucos no tempo). Substituiu-o, Eric Singer.
Só em 92 sai disco novo, Revenge, dedicado a Eric Carr, e que traz
um supersolo de bateria gravado pelo músico antes de morrer, “Carr
jam”. Mas é em 1993 que os fãs da banda ganhariam vários presentes do
Kiss. Começando pelo CD e cassete duplos (não saiu em vinil), Kiss
alive III, seguido do vídeo Kiss Konfidential, com cenas raras de todas
as fases da banda, bastidores, shows e clips. Para coroar a carreira da
banda, sua volta às paradas, a descoberta pelas novas gerações e um
novo disco de tributo; desta vez lançado pela gravadora da banda e com
as faixas selecionadas por Gene Simmons e Paul Stanley. Lançado em
Heavy Metal 77
God gave rock n' roll to KISS: Gene Simmons (baixo) e Paul Stanley (guitarra),
os dois da esquerda, mantiveram o KISS vivo de 1972 até hoje

78 Tom Leão
1994, Kiss my ass apresenta bandas diversas como Anthrax, Lenny
Kravitz, Extreme, Lemonheads, Dinosaur Jr, Mighty Might Bosstones,
Faith No More e Gin Blossons, entre outras, relendo hits do Kiss, cada
uma à sua moda.
Em agosto de 1994, o Kiss voltou ao Brasil para encabeçar a
primeira versão nacional do Monsters of Rock, que aconteceu em São
Paulo, onde tocou ao lado de bandas como Black Sabbath, Slayer e
Suicidal Tendencies. Enquanto isso, os fãs esperam o novo disco, que
provavelmente se chamará Head.
Num resumo de carreira, o Kiss chegou aos 20 anos de estrada com
mais popularidade que grandes bandas contemporâneas, como Iron
Maiden e Judas Priest, justamente por ter mantido seus dois integrantes
originais, Simmons e Stanley, no comando e sem a pose arrogante que
atinge a alguns.
God gave rock n’ roll to Kiss. E eles passaram de volta pra gente.

LED ZEPPELIN (vide Cap. 5)

METALLICA (vide Cap. 13)

MC5 (vide Caps. 5 e 10)

MEGADETH (vide Cap. 13)

MOTÖRHEAD

Na história recente do rock, duas bandas viraram sinônimo de


barulho e praticamente um estilo à parte. Uma delas é o Ramones. A
outra, o Motörhead. Não à toa, ambas nutrem a admiração mútua uma
pela outra. O Motörhead (esses tremas nada significam, são uma bossa
muito usada no metal, sabe-se lá porquê) foi mais longe e gravou uma
música chamada “Ramones”, em homenagem aos punks novaiorquinos.

Heavy Metal 79
Para muitos, o Motörhead é considerado o pai legítimo do speed-thrash
e death metal desenvolvido nos anos 80 e intensificado nos 90.
Rótulos à parte, é indubitável que o Motörhead faz um rock básico
e honesto, que nunca navegou por ondas do momento, embora nos
últimos discos tenha arrefecido um pouco sua fúria. E, o principal,
Motörhead é praticamente um estilo de vida para o seu baixista,
vocalista e fundador, Ian “Lemmy” Kilmister. O ex-roadie, que foi
baixista da banda Hawkind, ao ser chutado desta em meados dos anos
70, decidiu formar sua própria banda. O resultado foi o Motörhead.
O estilo de vida de Lemmy, um cara interessado apenas em rock n'
roll, bebidas e mulheres, é o que dá credibilidade à banda até hoje e fez
com que ela sempre fosse aceita pelas diversas facções do rock barulho.
Do metálico mais cabeça dura ao punk mais radical, todos apreciam o
Motörhead igualmente. Por isso, a banda passou incólume por
movimentos abaladores como o punk, a new wave do metal britânico, o
thrash, e, mais recentemente, o grunge rock.
Sem formação estável (os músicos que ficaram mais tempo na
banda foram o baterista Philty “Animal” Taylor e o guitarrista Phil
“Wurzel” Campbell), o Motörhead gravou seu primeiro disco,
Motörhead, em 76. Contudo, devido a inúmeras complicações da
gravadora United Artists (inclusive o processo de falência da própria), o
disco só foi lançado oficialmente cinco anos depois.
Desse modo, o disco seguinte, Motörhead (77), lançado pela
independente Chiswick Records, pode ser considerado o disco oficial de
estreia. Por sua postura um tanto diferente da média das bandas metal e
sua atitude bastante anárquica, o Motörhead logo ganhou a simpatia dos
punks da época.

Os discos seguintes, lançados pela Bronze Records, Overkill e


Bomber, consolidaram rapidamente o nome da banda, que logo se
tornou grande. Na época de Bomber, o Motörhead ficou conhecido
como uma das melhores bandas para se assistir ao vivo. Ao lado do Iron
Maiden, disputava o título de mais poderosa banda metal em palco. E se
o Maiden tinha a caveira Eddic como mascote de palco, o Motörhead
tinha um avião bombardeiro.
O próximo disco, Ace of spades (80), consagraria a faixa-título
como uma das músicas mais marcantes do metal moderno e gravaria o
nome do Motörhead para sempre na calçada da fama do heavy metal.
80 Tom Leão
Ian "Lemmy" Kilmister (à direita) comanda a pauleira do Motõrhead desde os anos 70

No sleep 'til Hammersmith, de 1981, é o clássico do metal ao vivo que


atingiu o topo da parada britânica

Heavy Metal 81
Ace of spades foi também o disco que levou o nome do Motörhead para
o mercado mundial e lhe proporcionou sua primeira turnê americana,
pois a Europa já estava ganha.
O auge da banda aconteceu com o disco ao vivo No sleep 'til
Hammersmith, um dos itens indispensáveis em qualquer discografia
alive que se preze. O disco foi direto para o primeiro lugar da parada
britânica, em 1981, ao mesmo tempo em que o Motörhead gravava um
EP ao lado das garotas do Girlschool, o raro St. Valentine's day
massacre EP. Lemmy, sozinho, fez um trabalho em conjunto com outra
banda na época, ao gravar um dueto com Wendy O' Williams, a cantora
dos Plasmatics, na canção-piada “Stand by your man”.
Nos anos 80, o status de banda cult crescia para o Motörhead
proporcionalmente em que começava a acontecer um declínio de
qualidade, devido a inúmeros problemas judiciais com membros da
banda que entravam e saiam em velocidade máxima, sem contar os
problemas com gravadoras. Depois que saiu da Bronze, onde gravou
seus melhores discos, a banda não esquentou lugar em mais nenhuma,
ganhando a fama de “banda difícil de se lidar e trabalhar”. Seria culpa
do genioso Lemmy?
Nesse período, o único disco digno de nota foi Orgasmatron
(produzido por Bill Laswell, da banda Material), cuja faixa-título se
transformou mais tarde num dos maiores hits do Sepultura. O disco,
apesar de bem barulhento, apresentava elementos novos ao som do
Motörhead, como o uso da eletrônica.

Também memorável foi a conturbada passagem da banda pelo


Brasil (que durante o vôo rendeu a música “Going to Brazil”, incluída
no disco 1916), com shows mal organizados e mal divulgados no Rio e
em São Paulo. O show carioca vai ficar na memória de todos que
estiveram no Maracanãzinho, onde aconteceu uma verdadeira batalha
campal entre bangers e playboys. Enquanto Lemmy se esgoelava no
microfone, o pau comia feio nas dependências do ginásio, que estava
praticamente sem policiamento. Como numa briga de saloon de filmes
de caubói, pedaços do assoalho do local, bem como cadeiras inteiras,
passavam voando rente à cabeça da plateia. Pensando bem, de certo
modo tinha tudo a ver com o Motörhead.
Hoje, quando bandas como Metallica e Pantera conquistam a
atenção da molecada, o nome do Motörhead é mais lembrado do que
82 Tom Leão
nunca, como a banda que deu o pontapé inicial a toda essa saudável
selvageria, ainda que seus últimos discos tenham deixado a desejar. E
Lemmy é saudado como o verdadeiro “animal” do heavy metal. Viva o
Motörhead!

OZZY OSBOURNE

É preciso muito cacife para deixar uma banda consagrada, como o


Black Sabbath, e mesmo assim conseguir vencer e fazer seu nome na
cena metal. Foi o que conseguiu Ozzy Osbourne. Por outro lado, desde
que ele deixou o Sabbath, em 79, a banda nunca mais foi a mesma e os
seus possíveis sucessores revezaram-se intermitentemente nos vocais.
Por sua vez, o nome da banda de Ozzy Osbourne cresceu mais e mais, e
ele se tornou um dos maiores e mais cultuados nomes do metal, como os
brasileiros puderam comprovar ao vivo quando ele esteve aqui por
ocasião do primeiro Rock in Rio, em 1985.

Seu début solo aconteceu em 1980, com o disco Blizzard of Ozz


(que destacou as faixas “Crazy train” e a polêmica “Suicide solution”,
que fez Ozzy ser acusado de incitar o suicídio de jovens nos Estados
Unidos). Blizzard of Ozz foi também o nome de sua banda na ocasião.
Nessa época, ele teve a sorte de contar, como um dos integrante de sua
banda, com o virtuose guitarrista Randy Rhoads, que havia saído do
Quiet Riot. Rhoads logo se tranformaria num dos maiores guitarristas
do metal nos anos 80. Pena que sua carreira foi prematuramente
abreviada por causa de um acidente fatal, quando ele foi atingido pela
hélice de um avião. Mas, antes de morrer, Rhoads brilharia ainda no
segundo disco de Ozzy, Diary of a madman, e seria homenageado
depois com um disco ao vivo em seu tributo, Talk of the devil (82), com
o guitarrista na capa.
A fama de louco satanista e o nome de algumas músicas e discos de
Ozzy chamaram a atenção da Maioria Moral americana, que logo
empreendeu uma espécie de caça às bruxas contra ele, acusando-o de ter
ligações com o diabo e coisas do tipo. Por conta dessa baboseira,
aconteceram piquetes na entrada dos shows e discos de Ozzy foram
queimados em praça pública. Tudo isso em plenos anos 80 (mais
precisamente entre 82 e 84). Ridículo.
Heavy Metal 83
Por outro lado, o próprio Ozzy se viu, de repente, em meio a uma
grande crise pessoal, paralelamente ao seu sucesso musical. Brigas com
sua mulher e empresária, Sharon, tornaram-se comuns, bem como um
acentuado alcoolismo, por pouco não abortaram a carreira do astro na
segunda metade dos anos 80. Até essa época, seu único disco digno de
menção foi Bark at the moon (de 83). Daí em diante, Ozzy lançou
discos dispensáveis e sem direção.
As coisas começaram a mudar quando ele se submeteu a um
tratamento para se livrar do alcoolismo e recomeçou a carreira
praticamente do zero. Dessa forma, limpo e com a cabeça no lugar (e
reatado com sua esposa), Ozzy reapareceu em grande forma em 1991, com
o excelente disco No more tears (que foi um grande sucesso comercial).
Contudo, ao mesmo tempo em que ele ressurgia altivo, saiu em campo com
a turnê No more tours, espécie de despedida dos palcos. Despedida que
resultou até num histórico reencontro com sua banda original, o Black
Sabbath, num show na Califórnia, em 92, que teve o Sepultura como banda
de abertura (que honra!). Tudo documentado em vídeo.
Felizmente, o adeus não passou de alarme falso (bem como foi falsa
a notícia que dava como certa sua volta ao Sabbath) e Ozzy anunciou
que continuaria na estrada, mesmo fazendo menos shows. Para
satisfazer os fãs, lançou o álbum duplo ao vivo Live & loud (93),
seguido de um home video documentário. E, em 95, dez anos depois de
sua primeira vez no Brasil, ele voltou para o Monsters of Rock II,
quando fez um dos melhores shows de heavy metal já visto no país. No
final de 95, lançou o disco Ozzmosis, mostrando que está mais vivo do
que nunca, e logo em seguida botou pé na estrada.

ENTREVISTA COM OZZY OSBOURNE:

Se nove entre dez bangers consideram o Black Sabbath a banda


síntese do heavy metal (basta ver que o BS é influência para bandas
contemporâneas tão diferentes quanto Faith No More e White Zombie,
por exemplo), Ozzy Osbourne, então, é o rei. Não só por sua
performance que inspirou a de tantos outros rock stars, como também
por sua postura. O Madman, como é conhecido entre os fãs, inventou
quase todos os clichês que simbolizam o heavy metal, sendo o mais
famoso o sinal do demónio feito com os dedos.
84 Tom Leão
Também alimentou o folclore de que comia pombas, galinhas e até
morcegos em cena (não era exatamente assim, ocorre que certa vez ele
levou uma pomba para assinar um contrato com uma gravadora, que
seria sacramentado com o sangue do bicho, puro marketing). Mas isso
bastou para que a partir daí chovessem animais em seus shows (no do
Rock In Rio I, por exemplo, soltaram uma pobre galinha, que foi
devolvida ao público, claro). Bizarro.
Sobre o incidente do morcego, Ozzy (que não se lembra mais de
quando ocorreu, só sabe que foi em sua fase “muito louca”, quando ele
estava mergulhado no álcool e na cocaína) afirmou que, ao ver o bicho
no palco, pensou tratar-se de um animal de borracha, destes vendidos
para o Halloween.
— Mas ao morder o animal — diz Ozzy em entrevista exclusiva,
feita para este livro quando esteve aqui para o Monsters of Rock, em
setembro de 1995 — vi que ele estava vivo. Tomei várias injeções anti-
tetânicas e jurei nunca mais colocar na boca nada atirado pelos fãs —
conta em tom irônico.
Para acalmar os ânimos daqueles que, além de queimarem seus
discos, também queriam banir seus shows, Ozzy chegou a doar dois mil
dólares para uma instituição de proteção aos animais e nunca mais tocou
no assunto.
Tudo isso só ajudou a fazer a imagem de Ozzy como a de um
personagem de quadrinhos ou filme de terror, coisa que ele soube capitalizar
muito bem, sobretudo em sua fase solo, pós-Sabbath, que apesar dos altos e
baixos, rendeu bons discos, como Diary of a madman e Live evil.
Os altos e baixos também estiveram presentes em sua vida. Quando
esteve no Brasil pela primeira vez, ele estava em seu inferno particular.
Sua mulher e empresária Sharon estava a ponto de deixá-lo (o que
aconteceu pouco depois) e ele por pouco não foi pras cucuias por
excessos. Quando retornou ao país, dez anos depois, era um outro
homem. Fez um show inesquecível e mostrou uma forma física
invejável para sua idade, 50 anos.
— De 90 para cá, eu me empenhei profundamente em me livrar das
drogas. Cheguei a um ponto em que eu não dormia, não comia, só vivia
bêbado e drogado. Não digo que tenha parado completamente de beber,
mas agora não o faço mais daquela forma auto-destrutiva — revela o
sóbrio Madman com sua voz balbuciante. O melhor é que eu parei por
conta própria.
Heavy Metal 85
Ozzy Osbourne se lançou como vocalista do Black Sabbath, depois partindo para
uma carreira solo de sucesso em 1979

86 Tom Leão
Entre suas resoluções, ele incluiu a de não deixar os palcos, como
tinha anunciado durante a turnê No More Tours, em 92.
— Decidi mudar de ideia após alguns dias “aposentado” em casa.
Cheguei a conclusão que a música é minha vida e o palco meu destino.

No final da No More Tours foi cogitada até uma volta ao Black


Sabbath.
— É verdade, isso poderia ter acontecido. Mas logo eu vi que seria
uma decisão errada e nunca mais eu quero tocar nesse assunto, nem em
sonho.
Entrelinhas, Ozzy quis dizer também que já não mantém boas
relações com os ex-amigos de banda, a não ser com o baixista Geezer
Butler, que atualmente o acompanha em shows, inclusive nas recentes
apresentações brasileiras.
— Geezer está comigo pois compartilhamos das mesmas opiniões.
Para nós, o Black Sabbath já deveria ter acabado, eles vivem no
passado. Eu gostei de minha passagem pela banda, só que prefiro
mudar, andar para a frente.
Essa mudanças incluíam até um projeto chamado X-Ray, que seria
também o nome do disco que veio a ser Ozzmosis, lançado no fim de 95.
— Eu queria deixar de ser Ozzy Osbourne e planejei uma banda
chamada X-Ray, no qual eu seria apenas o vocalista. O som seria de um
estilo bem diferente do meu e só tocaria com músicos novos, a exceção
do guitarrista Steve Vai que estava no projeto (e que não está em
Ozzmosis). Eu queria experimentar algo novo. Contudo, como se vê, eu
mudei de ideia, sou prisioneiro de Ozzy.
Nem tanto. Quando não está vestindo o personagem, John Osbourne
é um inglês pacato que mora numa fazenda e adora curtir os filhos.
— Quando estou de folga não leio, não ouço músicas, não vejo
filmes, sou completamente alienado do mundo. O que mais me dá
prazer são meus filhos, aprendo muito observando-os. E a única coisa
que realmente me relaxa.
Como ele não se interessa pelo que está rolando no mundo pop-
rock (tem vaga idéia sobre o Sepultura, que tocou na última data da No
More Tours, em Costa Mesa, na Califórnia, e não sabe nada sobre os
estilos atuais do metal), Ozzy nos deu sua própria definição do que é
heavy metal para ele, hoje e sempre. E se mostrou decepcionado com a
cena atual.
Heavy Metal 87
— Atualmente o heavy metal é situação, não mais a contestação de
outrora. No entanto, terá vida mais longa que o rap e todos estes estilos
novos de música.
Longa vida a Ozzy!

QUEEN

Ainda que o Queen tenha uma limitada relevância para o metal nos
dias de hoje, é inegável que a banda deu sua contribuição ao gênero em
seus primórdios. Se não por seus shows impecáveis, que serviram de
parâmetro para os de muitas outras bandas pesadas, pelo menos por seus
primeiros discos e pela presença do extraordinário guitarrista Brian
May. Ninguém pode negar que músicas como “Sheer heart attack” (do
homônimo disco de 74) ou “We will rock you” (um verdadeiro hino do
rock pesado) foram contribuições importantes da banda para o metal
como um todo, independente do que a banda faria depois.
Com uma carreira construída ao longo de 20 anos, sempre pela
mesma gravadora, a EMI, o Queen se tornou um símbolo de banda
pesada britânica e foi uma das que mais experimentaram nos anos 70,
como provam seus discos mais aclamados como A night at the opera
(de onde saiu “Bohemian rhapsody”) e News of the world (que abre com
“Will we rock you” e tem ainda “Get down make love”). Embora a
banda tenha virado depois sinônimo de medalhão e coisas do tipo, o
Queen deu sua contribuição ao HM. Boa o bastante que a faz
merecedora de verbetes em todos os dicionários do gênero.
Infelizmente, a banda, que veio duas vezes ao Brasil (a primeira em
82, em São Paulo; e a segunda em 85, no Rock in Rio), encerrou
carreira no final de 1991 quando o vocalista Freddie Mercury morreu de
Aids. Contudo, Mercury deixou algumas bases prontas que deram
origem ao disco Made in heaven, lançado no final de 95. Este sim, o
último álbum do glorioso Queen.

RAINBOW

Embora o Rainbow só tenha sido formado por Ritchie Blackmore


em 1975, logo após deixar o Deep Purple, a história da banda começa
88 Tom Leão
pelo menos dois anos antes. Desde antes de sua saída do DP, Blackmore
já articulava o que viria a ser sua própria banda, tocando na paralela
com o baixista Jimmy Bain, o baterista Cozy Powell e o tecladista Tony
Carey. E, nos vocais, o desconhecido Ronald Padovano, que viria a ser
conhecido mais tarde como Ronnie James Dio.
Gravando pela Polydor, o Rainbow estreou com um disco
homônimo em 1975, seguido de Rainbow's rising (76), que destacou a
música “Stargazer”, e coroou sua ainda iniciante carreira com o clássico
“Long live rock n' roll” (77), com a voz de Dio ecoando com o refrão-
título e fazendo história no heavy metal. Pena que Dio deixaria a banda
no ano seguinte para integrar o Black Sabbath, substituindo Ozzy
Osbourne, posto que ele retomaria nos anos 90. Nesse espaço de tempo,
entre uma data e outra, brilharia também com sua própria banda, o Dio.
Atualmente, Dio está de novo com sua banda solo.
Sem Dio, Blackmore trouxe Graham Bonnet, que entrou no disco
Down to earth (79). No ano seguinte, quando o Rainbow faria sua
primeira apresentação no festival de Castle Donnington, foi a vez do
baterista Cozy Powell deixar vago o seu cargo. Powell juntou-se a
banda de Michael Shenker, e para seu posto no Rainbow foi designado
Bobby Rondinelli, que mostrou seu talento no disco Difficult to cure.
No mesmo ano, o vocalista mudaria de novo. O novo eleito (e
reprovado pelos fãs) foi Joe Lynn Turner, que marcou também a fase de
decadência da banda, repleta de canções de apelo pop e sem peso.
Daí em diante, o Rainbow se tornaria um projeto errático de
Blackmore, que, embora nunca tenha sido sepultado oficialmente, não
mais foi reativado. Blackmore se tornou um requisitado músico de
estúdio e a banda será para sempre lembrada por causa de seu criador,
uma lenda viva do metal.

RAMONES (vide Cap. 10)

RUSH

Assim como acontece com o Queen, o Rush, apesar de não ser


exatamente uma banda de heavy metal, é sempre citado com destaque
em publicações e enciclopédias do gênero. E entra neste livro não
Heavy Metal 89
apenas por sua importância, como também pelo fato de este não ser
estritamente um livro metal, e sim de bandas pesadas e definitivas para
o rock como um todo.
Formado oficialmente no começo dos anos 70, no Canadá, o Rush
sempre apresentou um sofisticado estilo musical, que ora os colocava
como banda metal, ora como banda progressiva. Seja como for, o fato é
que o Rush criou para si um estilo totalmente único e inimitável que o
transformou na grande banda que é até hoje.
Mas a história do Rush começa no final dos anos 60, mais
precisamente em 68, quando os amigos Geddy Lee (baixo), John Rutsey
(bateria) e Alex Lifeson (guitarra) formaram uma banda na escola em
que estudavam, em Toronto. Embora os alicerces do que viria a ser o
Rush tenham sido fincados ali, levaria seis longos anos até que a banda,
já com o seu nome, lançasse o disco de estreia. Até isso acontecer, a
banda ralou muito em pequenos shows, tentando fazer seu nome.
Finalmente, o primeiro e homônimo disco sairia em 1974. Nele, a
banda soava como um misto de Zeppelin com Sabbath, com um
pequeno toque pessoal. Foi o único disco com o baterista original,
Rutsey, que deixou o Rush por divergências musicais e foi substituído
por Neal Peart, que mostrou seus dotes em Fly by night (75). No mesmo
ano, a banda lançaria mais um disco, Caress of steel, que a levaria para
a primeira turnê americana e faria o nome do Rush fora do Canadá. Em
casa, o Rush se tornou um sucesso imediato, a ponto de ser chamado
pelo governo de “embaixadores musicais do Canadá”, com direito a
cerimônia oficial e tudo.
A fama de progressiva da banda começaria em 1976, com o
lançamento do álbum 2112, um disco conceituai cujo título foi inspirado
no romance de ficção-científica Anthem, de Ayn Rand. Foi o primeiro
trabalho de uma trilogia que marcaria a carreira do Rush e se
complementaria com os discos A farewell to kings (76) e Hemispheres
(78), nos quais a banda colocou em prática todas as suas idéias e levou
seu complexo estilo ao extremo.
Embora parcialmente ignorados pela crítica, os discos venderam
bem e a banda logo formou uma multidão de seguidores fiéis que fazem
do Rush, até hoje, uma das bandas com fã-clube mais ativo e difundido
pelo mundo, o que dá uma confortável posição financeira para a banda,
que, sempre que lança um novo trabalho, tem um determinado número
de cópias garantidas, o bastante para lhes assegurar pelo menos o disco
90 Tom Leão
O glorioso Queen: Roger Taylor (bateria), Brian May (guitarras), John Deacon (baixo) e
Freddie Mercury (vocais)

Fly By Night, de 1975, é o primeiro disco do Rush com o


"mestre dos magos" da bateria, Neal Peart

Heavy Metal 91
de ouro nos Estados Unidos (um milhão) e manter o disco no Top
100 da Billboard por pelo menos um mês. É assim até hoje.
Durante os anos 80, o Rush abriu um pouco suas portas para estilos
musicais menos densos, como no disco Moving pictures (81), que
expandiu ainda mais o público da banda e a levou até mesmo a tocar no
rádio. Esse flerte com o pop logo daria lugar a mais uma trinca de
discos sofisticados, Signals (82), Grace under pressure (84) e Presto
(89), todos milionários em vendas e que levaram o Rush a monumentais
turnês pelos quatro cantos do planeta. Infelizmente a banda nunca veio
ao Brasil, onde tem um fã-clube imenso e fidelíssimo. Mas quem sabe
isso não acontece num Hollywood Rock da vida?
Enquanto os fãs se dividem entre os que gostam mais da fase
teclados e os que preferem a fase com mais guitarra, o Rush segue
lançando discos que alternam os dois momentos, sendo os dois mais
recentes Roll the bones (91) e Counterparts (93), este último, um de
seus mais pesados trabalhos em anos.

SEPULTURA (vide Cap. 17)

SCORPIONS

Uma dos primeiros nomes a quebrar a supremacia das bandas


anglo-americanas não só no heavy metal, como no rock em geral, os
alemães dos Scorpions, à sua maneira, foram o Sepultura de seu tempo,
numa época em que toda e qualquer banda — principalmente metal —
que não fosse de origem inglesa ou americana, era vista como algo
exótico e estranho ao meio. E o Scorpions não só venceu (mesmo que
cantando em inglês, o que é inevitável), como já emplacou sua segunda
década de vida e ainda fazendo sucesso.
Embora seja considerada uma banda “presepeira” (por causa de
suas apresentações quase circenses) e hoje em dia esteja mais para o soft
metal que para o heavy básico dos primeiros anos, o Scorpions deixou
alguns discos para a posteridade e influenciou um sem número de
bandas em outros países da Europa e mesmo nos Estados Unidos. E, ao
vivo (como pôde ser comprovado no primeiro Rock In Rio), a banda
realmente empolgava e fazia acontecer.
92 Tom Leão
Formada oficialmente em 1971 pelos irmãos guitarristas Rudolf e
Michael Schenker (que sairia da banda em 73 para se juntar ao UFO e,
mais tarde, formar sua própria banda, The Michael Schenker Group), o
embrião dos Scorpions foi gerado em 65, quando os dois irmãos
começaram a experimentar em bandas que mudavam de nome e direção
musical a toda semana.
Numa dessas brincadeiras, apareceram o vocalista Klaus Meine
(que está até hoje na banda) e as bases do que viria a ser o Scorpions. O
resto da formação original era composta por Lothar Heimberg (baixo) e
Wolfgang Dziony (bateria). Essa composição se dispersou com a saída
de Michael (que participou apenas do primeiro disco da banda,
Lonesome crow, de 72) e os Scorpions passaram por uma reforma geral
logo em seguida.
O que viria a ser considerada a formação clássica da banda tomou
forma no final de 73, quando entraram o guitarrista Ulrich “Uli” Roth, o
baixista Franz Bucholz, e o baterista Jurgen Rosenthal. O disco de
estreia dessa nova fase foi Fly to the rainbow (74), lançado pela RCA,
que chamou a atenção do público, mas ainda não mostraria realmente
todo o potencial do Scorpions.
O estilo dinâmico, que viraria a marca registrada da banda,
começou a se delinear a partir de In trance e se desenvolveria pelos
seguintes Virgin killer e Taken by force. Nestes discos, o Scorpions
chamou a atenção também por sua capas imaginativas, que geralmente
provocavam a ira de grupos conservadores e de feministas. Nas capas,
mulheres luxuriantes apareciam como objeto de desejo ou subjugada
por homens em roupas de couro (uma ideia que seria depois copiada por
algumas bandas dos anos 80).
Capas à parte, foi com um histórico disco ao vivo que o Scorpions
provou, de uma vez por todas, que era uma banda de metal respeitável.
Tokyo tapes (79), gravado ao vivo no Japão (onde a banda conseguiu
grande popularidade antes de estourar na América). O disco foi o último
trabalho de Ulrich Roth, que seria substituído em 80 por Matthias Jabbs.
Este debutou no disco Lovedrive (80), que foi seguido de Animal
magnetism (de 81, que dava sequência à série de capas provocativas),
Blackout (82) e Love at first sting (84).
A essa altura, a banda já era figura fácil em eventos como o festival
de Castle Donnington e havia mudado de gravadora, trocando a RCA
por um gordo contrato com a PolyGram, onde continuam. De lá para cá,
Heavy Metal 93
O Scorpions foi uma das primeiras bandas de metal alemão a fazer sucesso no resto
do mundo — da esquerda para direita: Klaus Meine, Matthias Jabs,
Ralph Rieckermann, Rudolf Schenker e Herman Rarebell

94 Tom Leão
o Scorpions se estabeleceu como uma banda vendedora de discos e foi
aos poucos amaciando seu som, principalmente após o estrondoso
sucesso da balada “Still loving you”.
Nesse meio tempo, mais uma mudança: Bucholz cedeu lugar no
posto de baixista para Ralph Rieckermann antes da gravação do último
disco do Scorpions até o momento, Face the heat (que os trouxe de
volta ao Brasil em 93), também um dos únicos discos da carreira da
banda que não foi produzido por Dieter Dierks. E os Scorpions
continuam firmes, ainda que menos pesados.

SLAYER (vide Cap. 13)

STOOGES (vide Cap. 10)

URIAH HEEP

Considerada por alguns como uma espécie de sombra do Deep


Purple, ou o “Purple dos pobres”, a banda inglesa Uriah Heep, no
entanto, teve seu valor. E com tenacidade e força de vontade, contra
todos os seus de-tratores, forjou uma razoável carreira de sucesso que
obteve êxito internacional. O bastante para conseguir fãs tanto aqui no
Brasil como na antiga União Soviética, onde tornou-se uma das bandas
metal mais populares e influentes para o rock pesado local durante a
abertura aos sons do ocidente ocorrida lá durante os anos 80.
Por tudo isso, Uriah Heep foi uma das principais banda de hard
rock dos anos 70 e, dizem, foi a que influenciou o diretor de cinema
Rob Reiner a realizar sue filme mais famoso, a comédia-documentário
This is Spinal Tap, sobre uma banda de rock britânica que mudava de
estilo conforme o vento. Mesmo que isso não seja exatamente uma
homenagem, já é alguma coisa.
As raízes do Uriah Heep remontam a 1966 e à banda The Stalkers,
que tinha em sua formação o guitarrista Mick Box e que viria a formar o
Heep mais adiante. Antes, contudo, ele ainda teve outra banda, chamada
Spice, que mudou o nome em 1969 para Uriah Heep. Logo em seguida,
de nome novo, a banda assinou com a Bronze Records e lançou o
Heavy Metal 95
primeiro disco, Very 'eavy very 'umble, lançado em junho de 1970.
Acompanhavam Mick Box nesta primeira incursão do Uriah Heep, o
vocalista David Byron e o tecladista Ken Hesley.

Durante os anos 70, a formação do Uriah Heep seria muito


inconstante, mantendo apenas Mick Box no comando. Mesmo assim, a
banda conseguiu deixar gravados 17 discos (incluindo álbuns gravados
ao vivo e compilações); e, entre uma e outra parada para descansar e
respirar ar novo, a banda continua existindo oficialmente até hoje (até se
apresentaram no Brasil em 1989), sendo seu mais recente registro, até
89, o disco Abominog, de 82. Desde então, a banda apenas excursiona
por lugares fora do eixo normal do rock, como Índia, Rússia e países
orientais.
Os discos mais elogiados da banda são Uriah Heep (70), Salisbury
(70), Look at yourself (71) e Demons and wizard, este último deu o
primeiro single para a banda, “Easy livin'”. Contudo, os discos que a
fizeram estourar nos Estados Unidos foram The magician's birthday
(72), Uriah Heep live e Sweet freedom (73). Na instável carreira, houve
apenas um grave incidente: a morte por overdose do baixista Gary
Thain, que esteve na banda no começo dos anos 70 e morreu em 1975
logo após ter deixado o Uriah Heep.
De meados dos anos 70 em diante, a banda entrou em decadência e,
para piorar, o vocalista David Byron, cuja voz falsete só tinha
concorrente na época em Ronnie James Dio, morreu por excesso de
álcool em 1985. Hoje, o nome do Uriah Heep é a única coisa que restou
de um passado com alguma glória.

VAN HALEN

Uma das grandes bandas surgidas nos anos 70 e das mais originais
que o hard-metal rock já viu, o Van Halen deve muito de seu sucesso ao
extraordinário e inventivo (sem ser pentelho) guitarrista Eddie Van
Halen e ao espalhafatoso cantor mestre de cerimônias e original Dave
Lee Roth. Com a saída de Roth, em meados dos anos 80 (substituído
por Sammy Hagar), a banda manteve seu nome, mas nunca mais foi a
mesma (e nem a carreira de Roth deslanchou).

96 Tom Leão
O Van Halen em sua primeira formação, ainda com Dave Lee Roth (vocais)
entre os irmãos Alex (bateria) e Eddie Van Halen (guitarras), e, à direita,
Michael Anthony (baixo)

Heavy Metal 97
Formada em 1974 por quatro amigos de escola que juntos já
haviam tocado em bandinhas colegiais, a raiz do Van Halen brotou
quando Eddie, seu irmão Alex (bateria) e os amigos Dave e Michael
Anthony (baixo) resolveram começar a tocar pra valer com uma banda
chamada Mamoth, nome que teve de ser mudado logo porque já havia
uma outra banda usando o mesmo título.
Assumiram o nome de família dos dois irmãos holandeses,
naturalizados americanos, Alex e Eddie, e, com uma fita demo de 14
faixas, produzida por ninguém menos que Gene Simmons, do Kiss,
foram bater na porta da gravadora Warner Bros. que os contratou no ato,
e na qual gravam discos até hoje.
Em 78, lançavam seu primeiro e homônimo disco, que foi sucesso
instantâneo e dividiu águas no rock pesado. De um lado, as letras
falando do trinômio carros-mulheres-diversão inspirou mais da metade
das futuras bandas glam e hard dos anos 80. Do outro, o virtuosismo de
Eddie Van Halen na guitarra, que lhe valeu, por vários anos seguidos, o
título de melhor guitarrista segundo a revista americana Musician. E os
shows do Van Halen sempre foram uma festa total, com direito a muitos
efeitos especiais e clima circense.
O primeiro disco vendeu mais de três milhões de cópias e levou a
banda a uma excursão (abrindo para o Black Sabbath). Depois veio Van
Halen II (79), e mantendo a trilha de discos de platina (mais de dois
milhões de cópias vendidas), os álbuns Women and children first (80),
Fair warning (81) e Diver down (82). O grande atrativo destes discos
para os fãs da banda era o clima ao vivo que eles passavam. De fato, a
maioria deles foi gravado em curtas sessões, praticamente sem
repetições de takes. Fora isso, cada um dos discos trazia pelo menos
dois hits, que extrapolavam as linhas do metal.
Essa fase “amadora” acabaria com o disco 1984, o maior sucesso
comercial da carreira do Van Halen e que levou o som da banda para as
paradas radiofônicas e para o sucesso internacional. O disco trouxe o
megasucesso “Jump” e também marcou a saída, por divergências
pessoais, de Dave Lee Roth. Para os fãs, foi um baque. Era praticamente
impossível imaginar a banda sem ele (como nós pudemos constatar,
quando o Van Halen esteve aqui em 82).
Mas, após uma paradinha de dois anos para se reestruturar, o Van
Halen voltou à cena com o novo vocalista, Sammy Hagar, que tinha
carreira solo e já havia cantado no Montrose. Hagar não possui o
98 Tom Leão
mesmo carisma e nem a voz de Roth, mas soube imprimir sua
personalidade ao som da banda e aos poucos foi conquistando os fãs. Os
resultados podem ser sentidos e ouvidos nos três discos que Hagar
gravou com a banda, 5150, OU812 e For unlawful carnal knowledge
(FUCK), nos quais o Van Halen mostra um som mais agressivo e menos
festeiro de seus primeiros discos.
Felizmente, a mudança de vocalista não significou queda de
qualidade, nem de sucesso, para o Van Halen, muito pelo contrário.
Dave Lee Roth, por sua vez, após uma estreia calorosa com o EP Crazy
from the heat (85), vem experimentando uma decadência cada vez mais
acentuada. Talvez por causa de seu gigantesco egocentrismo, que o fez
crer que só seu nome seria o bastante para garantir o sucesso. Ele
esqueceu que tinha uma grande banda por trás e que a química só
funcionava quando ele estava com o Van Halen.
O último disco do Van Halen foi o duplo ao vivo Live - right here,
right now (93), inexplicavelmente o primeiro disco ao vivo da carreira
da banda, que se consagrou basicamente por suas inesquecíveis
performances em palco. Pena que ele não registre os momentos de ouro
da banda.

VENOM (vide Caps. 11 e 12)

WHITESNAKE

Não é todo dia que um astro do rock ultrapassa a barreira dos 20


anos de carreira ainda em plena atividade. E David Coverdale, uma das
figuras mais conhecidas da cena hard rock mundial, alcançou esta
marca. Desde que apareceu para o mundo, ao entrar para o Deep Purple
em 1973, até os dias atuais com o Whitesnake, Coverdale pavimentou
uma estrada repleta de sucessos e criou uma nova vertente dentro do
hard rock, introduzindo baladas melódicas no gênero, que depois
passaram a ser feitas também pelas mais diversas bandas metal e
tornaram-se um padrão no rock.
Com sua mistura de hard rock, rhythmn & blues e um toque
sofisticado de rock contemporâneo, o Whitesnake logo de saída deixou
sua marca impressa. Não seria apenas mais uma banda de hard rock. E
Heavy Metal 99
David Coverdale, o quarto da esquerda para a direita, líder do Whitesnake, comandou a
banda que já tem mais de 20 anos de rock e r&b

Um dos destaques da carreira do Whitesnake é o álbum Ready an’ Willin, de 1980, que
trazia Jon Lord, o tecladista do Deep Purple

100 Tom Leão


realmente não foi. Enfatizando o lado romântico em suas letras — o que
criou uma categoria conhecida como hard rock romântico — o
Whitesnake se destacou também pela voz já bastante reconhecida de
David Coverdale, uma das mais características e imitadas pelas
posteriores gerações.
O Whitesnake contou, em sua gloriosa carreira, com a participação
dos mais respeitados músicos da cena rock mundial. Nomes como os
dos guitar heroes John Sykes e Steve Vai; dos bateristas Aynsley
Dunbar (Journey, Starship), Tommy Aldridge (Ozzy Osbourne) e Cozy
Powell (Rainbow); dos baixistas Neil Murray e Rudy Sarzo (outro da
banda de Ozzy); e ainda do tecladista Jon Lord, ex-parceiro dos tempos
de Deep Purple.
Relembrando seus 20 anos de estrada, Coverdale comentou: “O
conceito original do Whitesnake era ser um veículo para boas melodias
rock n' roll, uma união de músicos que pudesse se expressar dentro da
variada gama de estilos que existe entre o hard rock e o rythmn
&blues”. E realmente, por um longo tempo, tanto na Europa como nos
Estados Unidos, não existiu nenhuma banda que fizesse isso tão bem
quanto o Whitesnake, goste-se ou não.

E tudo isso começou a se delinear há muito tempo dentro da cabeça


de Coverdale, nascido no norte da Inglaterra e desde cedo um fã de Jimi
Hendrix e de cantores soul e r&b, como Otis Redding, Wilson Pickett e
Joe Cocker, suas principais influências vocais e musicais. Após começar
a carreira numa obscura banda chamada The Fabulous Brothers,
Coverdale viu-se, de repente — e por conta de seus dotes vocais ao
responder a um anúncio de jornal — como vocalista do Deep Purple
(vide o verbete sobre a banda), de 1973 a 76.
Logo após, Coverdale saiu em carreira solo e, entre 1976 e 77,
lançou dois discos. O primeiro levava seu nome e trazia o subtítulo
Whitesnake. Contudo, não era uma boa época para o hard rock e ambos
foram abafados pelo punk rock. Coverdale não desanimou, continuou
batalhando, e em 1978 formou oficialmente o Whitesnake. Os três
primeiros discos da nova banda, Snakebite, Trouble (ambos de 78) e
Lovehunter (79) foram bem recebidos na Europa e no Japão. Tanto que,
em 80, a banda lançou o álbum duplo ao vivo, Live...in the heart of the
city. Mas foram os discos Come and get it (81) e Saint & sinners (82)
que fizeram a fama da banda nos Estados Unidos e em outros países.
Heavy Metal 101
The Who: de pé, o baixista John Entwhistle e, segurando os espelhos, o sensacional
baterista Keith Moon; sentados, o inacreditável guitarrista Pete Townshend e o
maluco do Roger Daltrey, vocalista da banda

102 Tom Leão


Em 83, a banda encabeçava o famoso festival Monsters of Rock
(realizado anualmente em Castle Donnington, na Inglaterra). Começava
ali a segunda fase do Whitesnake e uma gloriosa carreira que soma, até
os dias de hoje, dez álbuns (sendo que Whitesnake, de 87, vendeu mais
de dez milhões de cópias em todo o mundo) e um EP, que
estabeleceram a banda como uma das grandes do rock.
O Brasil teve a oportunidade de conhecer o Whitesnake ainda nos
primeiros passos de sua fase áurea, quando em 1985 a banda fez parte
do primeiro e inesquecível Rock In Rio, do qual saiu aclamada pelo
público.
No começo dos anos 90, o Whitesnake esteve fora do ar por pouco
tempo, durante o qual Coverdale esteve envolvido no projeto Coverdale
& Page, com o mítico guitarrista Jimmy Page, do Led Zeppelin. O
projeto não deu em nada. Por isso, o Whitesnake voltou à estrada com
nova formação, que, além do velho amigo Rudy Sarzo (baixo), traz os
novatos Warren DeMartini (guitarra), Denny Carmassi (bateria) e Paul
Mirkovich (teclados).

THE WHO

Formado em 1963 com o nome High Numbers, e tendo como


baterista original Doug Sandom, a banda mudou de nome e baterista em
1964, quando assumiu o nome Who (inspirado levemente na famosa
série de ficção-científica da TV britânica, “Dr. Who”) e convocou o
genial Keith Moon para as baquetas. A formação clássica da banda,
além de Moon (que morreu de overdose em 78), tinha o guitarrista e
letrista Pete Townshend (o homem que inventou o estilo
“helicóptero”de tocar guitarra, girando o braço direito e pulando), autor
do clássico “My generation”; o carismático vocalista Roger Daltrey; e o
virtuoso baixista John Entwhistle. Apesar da zoeira (foi eleita certa vez
a banda que tocava mais alto, basta ouvir o álbum Live at Leeds para
comprovar), o Who foi adotado pelos Mods ingleses (talvez pelo visual
e algumas letras), e, por conseguinte, passou a ser chamada de banda
“mod”. Ficou ainda conhecida por ter sido a pioneira da ópera-rock,
com a aclamada Tommy, que está em cartaz na Broadway numa
montagem atualizada e de muito sucesso.
Leia mais sobre o Who no capítulo 4.
Heavy Metal 103
Joan Jett, a mega babe do rock, estourou nas paradas com
“I love rock n’ roll” em março de 1982.

104 Tom Leão


7. MULHERES NO METAL

Notadamente um reduto machista, a cena heavy metal, no entanto,


sempre teve bandas femininas marcando presença. É verdade que a
gente pode falar de quase todas elas num único e curto capítulo deste
livro, visto que as mulheres e as bandas de garotas que realmente valem
a pena se falar não são muitas. Basicamente, todo o metal feminino deve
muito a Joan Jett, que começou carreira nas Runaways; e às inglesas do
Girlschool.
Mesmo assim, estes nomes só apareceram na segunda metade dos
anos 70. Nos primórdios do heavy metal, não existiu sequer uma banda
com algum toque feminino, talvez até por causa da época, na qual,
apesar dos ventos feministas, o rock era visto como coisa de homem. A
lutadora solitária daquele período foi Suzi Quatro, que, pegando carona
no glam, deu a luz a alguns clássicos do hard rock, como “48 crash”.
Janis é outro papo.
Durante o renovador movimento punk-hardcore, anarquista e
liberado por natureza, muitas bandas com mulheres ou tendo uma
cantora na liderança surgiram. As mais famosas delas são as Slits e Poly
Styrene, do X-Ray Specs. Fora da Inglaterra também houve Nina
Hagen. Mas pouquíssimas ficaram. E as que ficaram (como Siouxsie
Sioux, líder e vocal do Siouxsie & The Banshees), tiveram que mudar
seu discurso e som radicalmente para poderem sobreviver ou mesmo
demarcar um terreno, criando um estilo próprio.
Logo após o punk, veio a new wave do metal britânico e com ela o
Girslchool, um dos mais importantes grupos de rock feminino. Tanto na
onda death, que veio em seguida, como na thrash, praticamente não
existem bandas femininas. Os grupos do gênero fazem um som do tipo “é
preciso ter cojones”, o que dificultava o trabalho das mulheres na área.
No Brasil, curiosamente, e dentro de uma linha death-thrash, elas
apareceram mais — proporcionalmente à cena rock do país — através
de bandas como Volkanas, Flammea e pela presença da baixista Sy
Young, do P.U.S.. Mulheres por aqui tem mais chances no pop. Fora as
pioneiras de bandas punk como Mercenárias (SP), poucos nomes se
destacam no metal.
Heavy Metal 105
Só mesmo com o aparecimento do grunge, espécie de versão
americana do punk rock inglês para as massas, quase 15 anos depois, é
que surgiu uma leva de bandas compostas por mulheres ou lideradas por
uma mulher, que, para se destacarem do geral, ganharam a pecha de
Riot Grrrls (mais ou menos, “garotas raivosas”). Desta cena fazem parte
bandas bem legais como Babes in Toyland, L7 e Hole, entre outras
menos conhecidas.
Antes, a cena punk americana revelou figuras femininas isoladas,
como a poetisa e cantora Exene Cervenka, da banda X; ou Patti Smith,
outra poetisa e cantora. Mas elas não podem ser consideradas
exatamente vocalistas da área metal. E as que podem ser assim
chamadas, como Lita Ford, Vixen ou Psycho Sluts From Hell são
puramente posers.
Ou seja, para dar o toque feminino a este livro, dedicado a um estilo
que é praticamente totalmente masculino — por mais que a gente
procure não soar machista — é inevitável dar um bom espaço para falar
de Joan Jett e Runaways, do Girlschool. E das chamadas bandas de riot
grrrls.

Como o Girslchool já tem um bom destaque no capítulo sobre a


nova onda do heavy metal britânico, vamos começar falando de outra
banda inglesa feminina e contemporânea, as Rock Godess. Criadas no
mesmo ano que o Girslchool, em 77, as Rock Godess eram formadas
essencialmente por adolescentes. Na época, a guitarrista Jody Turner e a
baixista Tracy Lamb tinham apenas 14 anos, enquanto que a baterista,
Julie, irmã de Jodie, tinha apenas dez. Apesar de formadas nos anos 70,
o grupo só conseguiu seu primeiro contrato de gravação em 83, quando
as garotas já haviam completado a maioridade. A banda lançou apenas
dois discos pela A&M e, apesar de ter tocado no festival de Reading e
aberto shows para nomes como Def Leppard e Iron Maiden, encerrou
carreira por volta de 1985. Uma banda obscura e praticamente
desconhecida.

E não apenas por ser uma pioneira entre machos, mas também por
ainda estar na ativa e lançando disco, vai para Joan Jett a coroa de
rainha das metálicas. Ou a mega babe do rock, como diriam Wayne &
Garth.

106 Tom Leão


Embora o Runaways tenha surgido como uma espécie de jogada de
marketing, criada pelo empresário e produtor Kim Fowley, que,
sabidamente, notou que faltava um toque feminino naquele mundo
povoado por cabeludos tatuados com jeans e jaquetas de couro, as
Runaways deram o seu recado. E, no fim das contas, pelo menos
revelaram Jett e Lita Ford.
Quando as Runaways começaram a carreira, em 1975, Joan Jett
tinha apenas 16 anos e a banda soava como uma espécie de isca para os
amantes do metal, enjoados de só verem homens nos pôsteres de seus
quartos. Contudo, a banda foi construindo seu nome no circuito dos
clubes de Los Angeles e, de certa forma, acabou sendo uma das
principais referências para as bandas formadas ou lideradas por
mulheres.
O grupo logo conseguiu um contrato pela Mercury e lançou o
primeiro disco, The Runaways, que se não era grande coisa, pelo menos
era diferente. O disco seguinte, Queens of noise mostrou-se mais
consistente. Porém, o cada vez mais destacado vocal da guitarrista Jett
roubava espaço da vocalista principal, Cherie Currie. E os atritos logo
vieram. Quem saiu ganhando foi Jett, que assumiu o posto principal e
Currie caiu fora.
Na curta carreira da banda, que durou só até 1979 e deixou seis
álbuns, incluindo um gravado no Japão (onde a banda foi muito
popular), fora uma compilação, as Runaways conseguiram escapar do
estigma de banda pré-fabricada e deixaram fãs fiéis e seu nome gravado
na cena metal.
E o que aconteceu com suas integrantes? Lita Ford cavou uma
carreira solo de algum sucesso nos anos 80 e vez por outra reaparece
com um disco e uma banda nova (até nosso Robertinho do Recife já foi
cogitado para ser seu guitarrista, mas, diz a lenda, foi recusado por ser
bom demais e assim apagaria a estrela principal). No geral, nada
demais.

Uma das três baixistas da banda (que, apesar disso, ainda contava
com baixistas convidados para gravar faixas de seus discos), Laurie
McCallister, chegou a fazer parte de outro projeto de Kim Fowley, o
frustrado The Orchids. Outra das baixistas, Vicki Blue, chegou a ensaiar
um projeto de banda com a guitarrista do Girslchool, Kelly Johnson. A
Heavy Metal 107
vocalista Cherie Currie gravou dois álbuns solo que não deram em nada
e sumiu do mapa.
Quem acabou se dando bem mesmo, depois do fim das Runaways,
foi Joan Jett, pelo visto a única realmente interessada em rock'n roll do
time. Tanto é que seu maior sucesso até hoje é justamente “I love rock'n
roll”, lançado em 1982 e que ficou durante várias semanas no topo da
parada de sucessos americana. A música, que Jett disse ter escrito como
uma espécie de resposta para “It's only rock'n roll”, dos Stones, assim
como esta, virou um clássico. Tanto que foi relançada recentemente
com nova mixagem.
Nascida na Filadélfia, em 22 de setembro de 1960, Joan Jett sempre
teve vontade de formar uma banda. Por isso, quando veio o convite para
integrar as Runaways, ela o agarrou com unhas e dentes. A despeito das
qualidades da banda, foi a partir dela que seu nome e sua figura foram
projetados.
Logo após o fim das Runaways, Jett, uma amante de punk rock e fã
dos Sex Pistols (ela costumava posar para fotos usando uma camiseta da
banda), ensaiou um projeto com Steve Jones e Paul Cook,
respectivamente o baixista e o baterista original dos Pistols. Juntos
chegaram a lançar um compacto, You don’t own me, que atualizava um
hino feminista americano. Mas foi só um ensaio para o que ainda viria.
Em seguida, 1980, formou a banda The Blackhearts (com o
guitarrista Ricky Byrd, o baixista Gary Ryan e o baterista Leer Crystal),
com a qual lançou seu primeiro álbum solo, Bad reputation. O disco,
que tinha participações especiais dos Pistols Cook e Jones, foi um
sucesso alternativo e também o primeiro de seu próprio selo (o
Blackheart, que negocia os discos de Jett com grandes gravadoras até
hoje).

Mas o maior sucesso de toda a carreira de Jett foi o disco seguinte, I


love rock n’ roll. Lançado em 1982, além do estrondoso sucesso
mundial da faixa-título, também emplacou a versão para “Crimson &
clover”, música dos anos 60 gravada originalmente por Tommy James e
The Shondells (aqueles de “Hanky panky”). Apesar das longas turnês e
dos bem produzidos discos seguintes, Glorious results of a misspent
youth, Up your alley e Notorious, além de um álbum só com covers, The
hit list (cujo destaque era sua versão para o hino punk “Pretty vacant”,
dos Pistols), Jett nunca repetiu o mesmo sucesso de “I love rock'n roll”.
108 Tom Leão
Suzi Quatro: a precursora das mulheres roqueiras, uma pré-riot grrrl,
misturando rock dos anos 50 e o glitter dos 70

As garotas do L7, dando sua contribuição para acabar com a eterna


supremacia masculina no rock

Heavy Metal 109


Em meio a sua carreira musical, Jett experimentou um papel de
destaque no cinema, no filme Light of a day, de Paul Schrader. No filme
(lançado aqui em vídeo), ela contracena com Michael J. Fox (fazia a
irmã mais nova e rebelde do personagem de Fox) e a consagrada atriz
Gena Rowlands.
Curiosamente, foi outro filme que a trouxe de volta à cena e que, de
certa forma, a está revelando para as novas gerações. Em Wayne's world
2 (que no Brasil saiu apenas em vídeo), Jett é adorada pela dupla Wayne
& Garth e considerada a supergata do rock de todos os tempos. Por
conta disso, “I love rock'n roll” foi incluída na trilha do filme e, devido
a boa recepção, Jett fez um novo clip para música com uma mixagem
diferente.
Pode se dizer, sem erro, que Joan Jett foi a primeira riot grrl do
rock e tão cedo não vai aparecer outra igual a ela. Se até agora, passados
20 anos de sua estreia, ainda não rolou seguidora à altura, fica difícil.

As primeiras prováveis substitutas só começaram a aparecer no


final dos anos 80, com a gestação do que viria a ser conhecido como
grunge rock e sua versão feminina, o movimento riot grrrl. Nomes
como Courtney Love, vocalista do grupo Hole; ou as meninas das
bandas L7 e Babes in Toyland, deixam claro que um novo tempo para
as mulheres está surgindo na cena do rock pesado, pauleira, hard, metal,
heavy ou seja lá o que for.

A identificação entre Joan Jett e as integrantes destas novas bandas


é tanta que, no mais recente disco de Jett, Pure and simply, ela
interpreta músicas de algumas bandas como Bikini Kill, L7 e Babes in
Toyland, contando com a participação de suas integrantes, como
Kathleen Hanna (Bikini), Kat Bjeland (Babes) e Donita Sparks (L7),
entre outras.
O movimento riot grrls pode ser definido como uma militância de
bandas barulhentas, compostas ou lideradas por mulheres, que tenta pôr
abaixo a supremacia masculina no rock em geral. A diferença entre o
presente e o passado é que agora existem muito mais bandas a levantar
esta bandeira, coisa que antes ficou praticamente só nas mãos de Joan
Jett. É o power of the pussy dando as cartas.
As riot grrls também fazem, à sua maneira, uma revisão do punk
rock dos anos 70, trazendo de volta os seus três acordes básicos e
110 Tom Leão
primitivos, só que com muito mais barulho. Tanto ou mais do que
qualquer banda assumidamente metal. O Babes in Toyland, por
exemplo, parece um rolo compressor quando sua líder e vocalista, Kat
Bjeland, começa a berrar.
Mas nem só por gritos femininos se caracterizam as riot grrrls.
Após uma temporada no inferno, Courtney Love, ex-Sra. Kurt Cobain,
revelou que tem mais talento do que seus detratores supunham com o
segundo disco do Hole, Live through this. Através de melodias
aparentemente plácidas, Love exorciza seus demônios de forma
impressionante. O disco foi elaborado e lançado antes da morte de
Cobain. Se tivesse vindo depois, talvez não conseguisse suplantar a
angústia que carrega em cada faixa.
Um nome que não é citado como uma riot grrl, mas que o é até a
raiz do cabelo, é o da inglesa Polly Jean Harvey. Com sua banda, o P.J.
Harvey, Polly revelou para o mundo algumas das mais brilhantes letras,
do ponto de vista feminino, já apresentadas no rock. Polly, com certeza,
em breve terá seu talento e postura reconhecidos como uma das mais
importantes mulheres no rock desde Joan Jett. O tempo dirá.

Heavy Metal 111


8. ESSE TAL DE HARD ROCK

Para o rocker ou o banger, se é heavy metal ou hard rock, tanto faz.


O que importa é a postura, a atitude e o som da banda. Contudo, nos
anos 70 foi criado o rótulo hard rock, para diferenciar algumas bandas
realmente pesadas de outras não tanto ou que tinham mais facilidade de
emplacar suas músicas em rádios.
Se a gente pensar bem, realmente faz um pouco de sentido. Não dá
para botar no mesmo saco uma banda extremamente pesada, como o
Deep Purple, ao lado de outra como, por exemplo, Bon Jovi. Contudo,
de uns tempos pra cá, o termo hard rock tem sido usado mais para
bandas que não assumiam uma postura heavy ou que não eram
consideradas verdadeiramente metal pelos aficcionados.
Nessa lista de bandas disfarçadas, podemos incluir tranquilamente o
citado Bon Jovi (que tem uma queda meio country, mas que,
atualmente, faz um crossover com o pop), o Skid Row (que apesar de
tentar seguir os passos do Guns N' Roses e fazer pose punk, não passa
de fogo de palha), Mötley Crüe, Twisted Sister (estas duas fazem mais
bagunça do que barulho), Quiet Riot (que já foi mais metal), Living
Colour (que trouxe um toque funky ao metal) etc etc.
Contudo, nos anos 70, existiram alguns bons exemplares de bandas
hard rock, que, se tivessem aparecido hoje em dia, certamente seriam
chamadas de grunge ou coisa parecida (pois é basicamente do hard 70 e
do punk que vêm as influências grunge). É o caso do Foghat, Grand
Funk Railroad, Bachman-Turner Overdrive, Thin Lizzy, Bad Company,
Cheap Trick, Foreigner, Nazareth, Heart e Status Quo, entre outras, que,
para o leigo, é tudo heavy metal mesmo.
Já nomes como o Aerosmith e Whitesnake, por exemplo, por terem
ficado muito famosos e ainda estarem na ativa, ganharam verbetes
próprios no capítulo sobre os clássicos do metal deste livro. Mas,
rótulos à parte, o que importa é o que a gente sente quando ouve cada
uma dessa bandas. É o teste das caixas tremendo que define as posições.
Para não deixar em branco, aqui vão rápidos toque sobre algumas
boas e conhecidas bandas de hard rock que também fizeram sucesso no
Brasil.
112 Tom Leão
Antes do grande estouro do Rush, um dos maiores sucessos rock
vindo do Canadá nos anos 70 (ao lado de outras bandas, como Guess
Who e April Wine) foi o Bachman Turner Overdrive. O BTO foi
formado pelos irmãos Randy (que veio do Guess Who) e Tim Bachman
(ambos guitarristas, sendo Randy também o vocal principal), mais o
baixista Fred Turner. A princípio batizada como Brave Belt, a banda
ganhou seu nome e começou a carreira pra valer em 1972. Após assinar
com o selo Mercury, lançaram o primeiro e homónimo disco em 73, e
logo ganharam fama mundial.
No Brasil, músicas como “Hold back to water” (conhecida aqui
como “Vou dar porrada”) e “Down, down” (cujo refrão “We all go
down” foi abrasileirado para “virou bundão”) se transformaram em hits
instantâneos nos bailes de rock que rolavam no Rio nos anos 70 (antes
que a disco e o funk baba tomassem conta). As músicas vieram,
respectivamente, dos discos Not fragile (74) e Four wheel drive (75),
que foram os dois maiores sucessos do BTO — e juntos somaram cerca
de sete milhões de cópias vendidas apenas na América.
Contudo, e talvez até por causa da fama rápida, os problemas
internos da banda afloraram logo e o BTO teve carreira mais curta do que
o esperado. Tim Bachman foi o primero a pedir o boné, sendo substituído
pelo guitarrista Jim Clench, do April Wine, e formou a banda Ironhorse,
de curta duração. Por sua vez, Randy e Ted tentaram manter a carreira
com uma nova banda, Union, que, após dois discos, acabou. Nos anos 80,
rolaram rumores de que a banda iria se reunir, mas não aconteceu. No
fim, o BTO deixou mais discos póstumos do que lançados “em vida”.
Mas conseguiram imortalizar algumas de suas músicas.

Tendo como principal chamariz a voz de Paul Rodgers, ex-


integrante da mítica banda Free, o Bad Company surgiu na Inglaterra
em 1973 com fôlego para se tornar uma super banda dos anos 70, mas
ficou só na promessa.
A banda chegou até a ser empresariada pelo notório Peter Grant, o
empresário do Led Zeppelin, e gravou pelo próprio selo do Zep, o Swan
Song, mas não foi o estouro desejado. Mesmo assim, deixou para a
posteridade alguns bons discos (como o primeiro, da capa preta),
lançados a espaços bastante irregulares, e encerrou carreira em 1979,
após lançar o disco Desolation angels. Mas foi alarme falso. Pelo menos
para os fãs.
Heavy Metal 113
O disco Not Fragile, de 1974, trazia as faixas “Roll on Down the Highway” e “You
Ain’t Seen Nothing Yet”, que se tornariam presença constante nos greatest hits dos
irmãos Randy (vocal e guitarra) e Rob Bachman (bateria), e do baixista C. F. Turner,
a banda Bachman-Turner Overdrive (BTO)

114 Tom Leão


Em 1983, o Bad Company ensaiou um retorno encabeçado pelo
baterista Simon Kirke e com o apoio do guitarrista Mike Ralphs. Deu
menos certo ainda que nos anos 70, pois desta vez nenhum disco
brilhante foi concebido. Com o colapso, parte da banda formou o FM.
Paralelamente, em 1984, Paul Rodgers ressurgiu em carreira solo e mais
adiante fez parte de um projeto do guitarrista do Zeppelin, Jimmy Page,
o The Firm, que teve curta existência (aliás, como tudo em que se meteu
Page após o fim do Zeppelin).

Formada em Londres, em 1971, quando bandas pesadas britânicas


brotavam em cada esquina, o Foghat, assim como o Bad Company, teve
carreira curta, mas marcante. E, como o BTO, fez sucesso
especialmente no Brasil nos bailes rock, principalmente com a música
“Slow ride” (que foi Top 20 em 1976). A música foi redescoberta
recentemente, por conta de sua inclusão na trilha sonora do filme Dazed
and confused (lançado aqui apenas em vídeo no final de 94).
A formação original do Foghat (que na época era considerada uma
imitação barata da Savoy Brown) tinha Rod Price na guitarra, Roger
Earl na bateria e o baixista Tony Stevens. O primeiro e homônimo disco
saiu em 1972 e a banda logo ganhou fama por suas quentes
apresentações ao vivo. Seguiu-se uma sequência de bons discos, Rock n'
roll (73), Energized e Rock n’ roll outlaws (ambos de 74), Fool for the
city (75), Night shift e Live! (ambos de 77) até seu último, lançado em
82, In the mood for something rude.
Durante sua carreira, a banda ficou tão popular nos Estados Unidos
que trocaram Londres por Long Island, em Nova York.

Se as bandas pesadas britânicas reinaram na América durante os


anos 70, uma banda americana conseguiu fazer frente a concorrência e
conquistar seu espaço: Grand Funk Railroad. A banda, formada em
Flint, Michigan, em 1968, trazia uma energia juvenil e um modo
despojado de tocar em comparação aos grandes músicos presentes nas
maiores bandas pesadas da época.
O GFR estreou com pé direito no Atlanta Pop Festival, em 1969 (o
ano de Woodstock), quando eletrizaram uma plateia de 180 mil pessoas.
Em seguida, a banda lançou alguns dos discos mais pesados de sua
época, como On time, Grand Funk e Survival, que até hoje ainda
impressionam.
Heavy Metal 115
Após uma carreira rápida e brilhante, a banda acabou em 77, para
ser reformada em 81 a tempo de lançar mais dois discos, Grand Funk
lives e What’s funk, e sumir outra vez na poeira. Entre uma data e outra,
o guitarrista e vocalista Mark Farner chegou a lançar um disco solo.
Tornado famoso no Brasil e em muitos países por causa de uma
balada, “Love hurts”, o Nazareth foi uma das mais destacadas bandas de
hard rock britânicas dos anos 70. A banda começou carreira na segunda
metade dos anos 60, na Escócia, com o nome de The Shadettes e
tocando covers em bares. Até que, em 1969, resolveram mudar o nome
para Nazareth e só tocar composições próprias.
A banda teve seu primeiro disco financiado por um dono de bingo
que resolveu empresariá-la. O LP Nazareth saiu em 1971 e a banda
excursionou pela Europa, fazendo grande sucesso na Alemanha com a
canção “Morning dew”. Numa dessas turnês, o Nazareth abriu para o
Deep Purple, cujo baixista, Roger Glover, ficou impressionado com a
banda e produziu seu terceiro LP, Razamanaz (de 73 e um de seus
maiores sucessos). A banda gostou tanto do resultado que Glover
produziu também o álbum seguinte, Loud n’ proud. Foi deste disco que
saiu “Love hurts”, o maior sucesso da banda em sua existência.

Mas, para provar que não seria apenas uma banda de baladas,
Nazareth lançou em seguida um disco mais pesado, Hair of the dog
(75), cuja faixa-título fez muito sucesso no Brasil e teve uma versão
nacional cujo refrão era um palavrão cabeludo. Contudo, foi a partir
deste disco que a fase de declínio do Nazareth começou. E para piorar,
em 1977, o empresário da banda morreu num acidente aéreo e eles
ficaram sem saber o que fazer da carreira.
Após alguns discos mais ou menos significativos, como o ao vivo
Snaz (81) e 2 SX (82), a banda perdeu a banca no Reino Unido e sumiu
de cena para o grande público. Mas continuou fazendo sucesso em
países como o Canadá (e aqui ainda possui fãs fiéis); e, assim como
aconteceu com o Uriah Heep, teve grande cartaz na União Soviética e
outros países da antiga Cortina de Ferro.
A história do Quiet Riot é muito louca. Embora a banda só tenha
aparecido para o grande público no início dos anos 80, através de uma
regravação de sucesso para um dos maiores hits do Slade, “Cum on feel
the noize”, ela já existia antes. Mas apenas no Japão. Pois é. Entre 1977

116 Tom Leão


O Quiet Riot tentou voltar em 1993 com este Terrified, mas a tentativa falhou vale mais a
pena ouvir os discos com o inesquecível guitarrista Randy Rhodes...

A muito falada e pouco conhecida irlandesa Thin Lizzy, do vocalista e baixista Phyl Lynott,
na época do lançamento do álbum Renegade, de 1982

Heavy Metal 117


e 80, a banda gravou dois discos exclusivamente para o mercado
japonês, quando tinha como guitarrista o falecido Randy Rhoads, que
mais tarde se revelou para o mundo na banda de Ozzy Osbourne. Estes
discos só apareceram no mundo ocidental recentemente (no Brasil saiu
como uma compilação chamada The Randy Rhoads years). E são bem
diferentes do estilo que popularizou a banda.
Por isso, para grande parte do público, o primeiro LP do Quiet Riot
é Metal health (aquele cuja capa tem um maníaco com máscara de
hóquei preso por uma camisa de força), de 1981, que vendeu milhões de
cópias por causa do cover do Slade e de seu guitarrista oficial, Carlos
Cavaso. Os demais membros eram Kevin DuBrow, vocais; Rudy Sarzo,
baixo; e Frankie Banali, bateria.
Por causa do sucesso rápido, em 83 a banda já excursionava
abrindo para o Iron Maiden. E, também por causa do sucesso fácil,
resolveu apostar na mesma fórmula e em 84, quando lançaram o disco
Critical condition, a principal faixa era outro hit do Slade, “Mama weer
all crazee now”. Funcionou de novo.
Depois disso, Quiet Riot nunca mais repetiu o sucesso. Suas
próprias canções não davam certo e os discos seguintes foram fracassos
de vendas. A queda vertiginosa deu fim a banda em 1988. E, em 93, eles
tentaram voltar à cena com um LP independente, Terrified (que só saiu
aqui em fins de 94), do qual ninguém tomou conhecimento. Para variar,
mais um cover: “Itchycoo Park”, do Humble Pie. Mas desta vez a
fórmula não funcionou.

Muito falada, mas pouco conhecida, a banda irlandesa Thin Lizzy


teve no vocalista e baixista Phyl Lynott seu maior destaque. Lynott e o
baterista Brian Downey começaram a tocar juntos em 1966, na banda
The Black Eagles, e em 68 foram juntos para o Skid Row (nada a ver
com a banda de Sebastian Bach). Só em 70 é que formaram o Thin
Lizzy, junto com o guitarrista Eric Bell.
Com a nova banda, o trio se mudou para Londres e conseguiu um
contrato com a Decca pela qual lançaram seus três primeiros discos. O
terceiro, Vagabonds of the Western World deu o primeiro single a
banda, “Whiskey in the jar”, uma versão rock para uma tradicional
canção irlandesa. Exceto por este sucesso, durante os primeiros anos a
banda não foi muito bem das pernas, o que levou à saída do guitarrista
Bell, que foi substituído por dois, Scott Gorham e Brian Robertson.
118 Tom Leão
Aliás, a mudança de guitarristas na banda foi uma constante. Além dos
citados, passaram pelo Thin Lizzy os guitarristas Gary Moore e John
Sykes (que mais tarde se destacaria no Whitesnake).
Apesar das instabilidades, a banda lançaria discos excepcionais no
final dos anos 70, destacando-se Bad reputation (de 77), que estourou o
Thin Lizzy nos dois lados do Atlântico; e o disco seguinte, o ao vivo
Live and dangerous. Infelizmente essa fase áurea seria breve e o grupo
voltaria à instabilidade, até que, em 1983, Lynott resolveu dar fim à
banda e empreender carreira solo, que resultou em dois discos
medíocres, Solo in Soho e Phyl Lynott.
Como a carreira solo não deslanchou, Lynott criou outra banda, a
Grand Slam, que também não deu em nada. Paralelamente, Lynott se
envolveu mais e mais com as drogas pesadas, o que acabou custando
sua vida. Ele morreu em 86 de uma overdose de heroína. Mas deixou o
nome Thin Lizzy gravado na cena rock.

Mais conhecido por seus escândalos que propriamente por suas


músicas, o W.A.S.P. (que é a sigla tanto de “white anglo-saxon
protestant”, o americano “puro”, como de “we are sexual pervert”, nós
somos pervertidos sexuais) é uma banda que tem mais importância para
o hard rock pelo barulho que fez (e não estamos falando propriamente
de música) do que por outra coisa.
Comandado pelo alucinado Blackie Lawless, o W.A.S.P. é mais um
projeto que propriamente uma banda metal. Articulado e inteligente,
Lawless desde o início mostrou que estava no rock para chocar. E
começou bem, como um dos guitarristas da mítica banda glam-punk
New York Dolls, em 1973. Ao sair dos Dolls, foi para Los Angeles e
tentou vários projetos que nunca deram muito certo, como Killer Cain e
Sister. Em comum, sempre o fato de serem bandas que chamavam a
atenção de um jeito ou de outro. E sempre pelo lado radical.
Mas foi ao conhecer um guitarrista dos Hell Angels, Chris Holmes,
que o que se transformaria em W.A.S.P. começou a ser moldado.
Alguns shows chamaram a atenção do empresário do Iron Maiden, que
conseguiu um contrato na Capitol Records para a banda, que logo se
arrependeria de o ter assinado.
O motivo: W.A.S.P. estreou com o disco single Animal (I fuck like
a beast), que, antes mesmo de ser distribuído, foi censurado. Querendo
se livrar da batata quente, a Capitol liberou o compacto, que acabou
Heavy Metal 119
O projeto do ex-New York Dolls Blackie Lawless, o W.A.S.P.

A coletânia dos maiores sucessos do Mötley Crüe, Decade of Decadence,


marca a despedida do vocalista Vince Neil

120 Tom Leão


sendo lançado pelo selo independente britânico Music For Nations, e,
alguns anos depois nos Estados Unidos, pelo próprio selo de Lawless.
Com todo esse escândalo, o primeiro disco da banda, W.A.S.P. (84)
quase não foi notado pelo público.
E assim seguiu a carreira de Blackie Lawless, sempre às voltas com
processos e problemas com a censura. Por isso, os intervalos entre um e
outro disco do W.A.S.P. eram bastante irregulares. O mais ambicioso
projeto da banda veio à luz em 1993: The crimson idol, uma ópera-rock
de terror que foi o último lançamento do W.A.S.P. Independente do
sucesso, Lawless ao menos sempre faz o que quer e não segue ondas
para alcançar o sucesso.

Por fim, mas não por último, e mesmo fora da ordem alfabética,
uma das maiores promessas do hard rock dos anos 80, o Mötley Crüe.
Oficialmente formado em janeiro de 1981, a banda teve em sua primeira
formação Vince Neil, nos vocais; Nikki Sixx, no baixo; Mick Mars, na
guitarra; e Tommy Lee, na bateria. Depois de um ano e meio de ensaios
e shows pelo circuito de clubes de Hollywood Boulevard, em Los
Angeles, a banda lançou seu primeiro e independente disco, Too fast for
love, pelo selo próprio Leathur Records.
O disco caiu nas mãos de empresários da Elektra Records (a mesma
que teve visão ao contratar o Metallica) e logo a banda estava com um
bom contrato e, conseqüentemente, uma melhor divulgação de seu
trabalho. A Elektra pegou o primeiro disco da banda, remixou-o e o
relançou em 1982.
O segundo álbum, e o primeiro trabalho superproduzido, foi Shout
at the devil (83), que chamou a atenção de público e critica com seu
apelo primal e balanço rocker. O disco emplacou um hit, “Looks that
kill”, e a banda tirou o pé da lama. O sucesso do início de carreira do
Crüe foi tanto que eles só foram lançar um novo disco em 1985. O título
foi Theater of pain, que direcionou o foco da banda para o glam metal,
então o estilo do momento entre as bandas americanas da Califórnia.
Alguns fãs reclamaram da experiência.
Mas a estratégia deu certo e o MC virou um dos grupos mais
quentes da cena de L.A., suplantando concorrentes diretos como o
Twisted Sister. Entretanto, logo eles perderiam o trono glam para
bandas realmente afetadas como Poison.

Heavy Metal 121


Com o disco seguinte, Girls, girls, girls (87), o flerte com o glam
foi deixado de lado e a banda voltou ao seu som básico. Por essa época,
a competição ficou mais acirrada com a entrada em cena de bandas
como Guns N' Roses. Por isso, o álbum seguinte do Crüe, Dr. Feelgood
(89), foi bem mais hard e agressivo. Além de tudo, ele foi produzido por
Bob Rock, o produtor dos sonhos de nove entre cada dez bandas de hard
rock dos anos 80 (e que foi o responsável pelo megamilionário álbum
preto do Metallica).
Em 1991, a banda lançou a coletânea Decade of decadence (que
curiosamente não inclui o hit “S.O.S./Some Old Situation”), com faixas
remixadas, ao vivo e até mesmo inéditas, como “Primal scream” e
“Angela”. Ao mesmo tempo em que a banda comemorava sua década
de existência com a coletânea, o vocalista Vince Neil saía fora na base
da baixaria. Para seu lugar foi convocado John Corabi, ex-vocalista do
Scream. Neil, por sua vez, já lançou seu primeiro disco solo. Um novo
álbum do Mötley Crüe, com Corabi, foi lançado em 1994. Mas o fato é
que a banda já não é mais a mesma.

E, embora seja considerada uma piada para os metálicos (que


acham que eles não passam de uma banda para moças), o Bon Jovi tem
sua pequena cota de valor por ter aberto caminho para outras bandas de
New Jersey, e até mesmo ajudado a criar uma cena local, que revelou
mais tarde o Skid Row e outras menos cotadas. Hoje, o Bon Jovi é uma
espécie de Duran Duran do hard rock, com o seu líder Jon Bon Jovi até
arriscando papéis de galã no cinema. Pode ser uma evolução no hard
rock. Só que, para quem gosta de barulho, para pior.

122 Tom Leão


As inglesas do Girlschool, na época de lançamento do álbum Screaming Blue Murder
(1982): metal para homem nenhum botar defeito

Heavy Metal 123


9. A NEW WAVE DO METAL BRITÂNICO

Na segunda metade da década de 70, o rock pesado estava mal e


parado lá pelas bandas do Reino Unido. A Inglaterra, que tinha fama de
gerar e exportar várias e boas bandas do gênero, estava dominada por
pop stars medíocres, bandas de segunda classe e muito glacê musical
por parte das de rock progressivo, já em fim de linha.
Mas logo as coisas iriam começar a mudar. Nos subterrâneos, as
novas ideias já fervilhavam. Outra geração estava pronta para aparecer e
dar o seu recado. Incentivada pela boa performance de algumas bandas
como Judas Priest no mercado internacional (leia-se os Estados Unidos,
principalmente), e do Motörhead no underground, a cena metal britânica
resolveu sacudir a poeira e dar a volta por cima.
Por cima inclusive do punk rock, que dominava totalmente as
atenções do final dos anos 70 no Reino Unido — mesmo o punk sendo
um tipo de motivação para sair da modorra. Isso tudo acontecia justo no
momento em que a crítica local declarava a morte temporária do heavy
metal por aquelas bandas (aliás, vez por outra declara-se a morte do
gênero, mas ele volta mais forte que antes). Estava na hora de algo
acontecer. Era preciso mostrar que o metal nunca está morto. Apenas
pára pra pegar fôlego.
E, se o punk rock significou uma espécie de “new wave” para o
rock em geral, o heavy metal criou a sua própria, batizada de The New
Wave of British Heavy Metal (a nova onda do heavy metal britânico). Se
não era exatamente um movimento tão forte como estava sendo o punk
(sequer era um “movimento”, apenas coincidiu de algumas bandas, com
idéias novas em comum, terem aparecido ao mesmo tempo), pelo menos
serviria para unir as bandas e criar um agito.

Com essa iniciativa e união de forças, as bandas envolvidas nesta


corrente não só mostraram para os críticos que o metal não estava morto
no Reino Unido, como também aproveitaram os eflúvios punks para
fazer uma faxina na própria cena metálica. Logo, a nova onda do metal
britânico se espalhou pelo mundo, através de várias bandas que, cada
uma ao seu modo, deram o seu recado. Como já existia há algum tempo
124 Tom Leão
(foi formada em 74), embora tivesse mais a ver com o que estava para
acontecer, o Judas Priest foi considerada uma espécie de banda-
madrinha para esta nova geração que estava brotando.
Outras bandas que fizeram parte do NWOBHM — além do Judas
Priest, como Iron Maiden, Def Leppard e Saxon, devido à sua
importância para o heavy metal como um todo, estão com capítulos à
parte neste livro. Por isso, vamos ficar com as menos duradouras.
Atrás destas citadas grandes bandas, vieram diversas outras
(algumas de vida bem curta) que contribuíram com sua cota de energia e
renovação. A revolta punk se aliava a músicos virtuosos, boas canções e
shows de impacto. Como acontece a todo movimento revolucionário, a
New Wave of British Heavy Metal não foi notado no momento em que
estava acontecendo, mas deixou seu rastro através dos anos 80, em
algumas bandas que perduram até hoje.
Houve um momento em que algumas bandas, saídas do NWBOHM
como o Def Leppard (de levada mais pop e considerada uma espécie de
nova Satus Quo para os ingleses), conseguiram tanta força que
carimbaram seu nome nas paradas de sucesso no começo da década de
80 (e são grandes até hoje), disputando posições com campeões de
vendas da época. Como, por exemplo, com o fenomenal álbum
recordista de vendas de todos os tempos, Thriller, de Michael Jackson; e
com os discos do queridinho da imprensa britânica de então, o bom The
Police, que começava a despontar mundialmente. O Leppard vinha logo
atrás deles.

Não só comercialmente o NWOBHM deixou sua marca. Bandas


como Iron Maiden (hoje no mesmo topo de um Led Zeppelin em termos
de popularidade e fãs) trouxeram de volta o conceito dos grandes shows
de rock, que haviam sido banidos pelos punks por causa da pompa e da
pirotecnia excessiva de alguns nomes do metal e progressivo. Foi como
um renascimento do heavy metal clássico.
E assim, dez anos depois do surgimento oficial do heavy metal na
cena rock (final dos anos 60, aliás, as revoluções musicais sempre
ocorrem nos fins de década, vide o punk e depois o thrash e,
recentemente, o grunge), em parte impulsionado por nomes e bandas
britânicas que influenciaram alguns nomes americanos, os próprios
bretões reinventavam o seu rock pesado e novamente inspirariam
outros.
Heavy Metal 125
E isso fez com que várias novas bandas surgissem, entre elas
algumas que nunca conseguiram ir além de suas fronteiras, como
Alaska, Bronz, Demon, Grim Reaper, Jaguar, Nightwing, Palas, Rage,
Spider e Wratchild, entre inúmeras outras. Cada uma delas explorando
gamas diferentes do heavy metal, indo do hard tradicional ao heavy
mais puro, passando pelo novo estilo death ou fazendo apenas rock n'
roll.
Por outro lado, outras bandas, como Diamond Head, Girlschool,
Fastway, Marillion (esta nada tem a ver com metal, mas como surgiu na
mesma época foi adotada pela turma, mas rapidamente descartada),
Samson, Tygers of Pan Tang e Venom (que está devidamente
comentada no capítulo sobre bandas death metal), saídas diretamente da
nova onda metal britânica, deixaram suas marcas firmemente marcadas
na história do metal.
Mesmo aquelas que não conseguiram atravessar os disputados anos
80, e chegar aos anos 90, deixaram uma boa herança que até hoje é
compartilhada por bandas das novas gerações.

O primeiro bom exemplo é o Samson. A banda, misteriosamente,


nunca conseguiu sair da segunda divisão do metal britânico, embora
tenha sido uma das melhores de sua geração. Do final dos anos 70 até
1984, quando acabou, o Samson percorreu uma trajetória até que
gloriosa, conseguindo nome e respeito junto aos fãs. Liderada pelo
guitarrista Paul Samson, a banda teve como vocalista em sua primeira
formação o hoje consagrado Bruce Dickinson (que depois substituiria
Paul Di'Anno no Iron Maiden e que hoje cultiva uma boa carreira solo,
já com dois discos lançados).
Em meados dos anos 90, correram boatos na imprensa inglesa de
que o Samson estava organizando uma volta a cena, notícia não
confirmada.

Outra banda considerada menor em meio às gigantes, mas que


marcou forte seu nome no metal e influenciou outras foi o Girlschool,
que, como o nome indica, era composta só por mulheres. Até então, na
cena heavy metal, só uma outra banda feminina, a americana Runaways,
conseguira algum destaque. Contudo, não conseguiram ir tão longe
quanto foi o Girlschool. Embora tenham revelado Joan Jett.

126 Tom Leão


Formada em 1977 por duas amigas de escola, a guitarrista e vocal
Kim McAuliffe e a baixista Di “Enid” Williams, a banda a princípio
ganhou o nome de Painted Lady. Completava a primeira formação,
Denise Duffort (ex-baterista do Sadista Sister) e a guitarrista americana
Kathy Valentine.
Logo que a banda trocou o nome para Girschool, em 1978,
Valentine saiu da banda, retornando aos Estados Unidos onde iria fazer
parte, como baixista, de uma banda expoente do new wave rock local,
as Go-Go's (que se apresentaram no Brasil no primeiro Rock in Rio, em
1985). Em seu lugar entrou a bela e talentosa Kelly Johnson.

O Girlschool trazia a urgência punk em seu som, aliada a uma


postura totalmente metálica. Como toda banda feminina, teve que
trabalhar em dobro para convencer os adeptos do forte reduto machista
que é o heavy metal. E logo conseguiram isso, quando excursionaram
com o Motörhead, em 1979. Elas tocavam de verdade.
O resultado foi um contrato com o selo pelo qual o Motörhead
gravava então, a independente inglesa Bronze Records, e pela qual
lançaram o primeiro disco, Demolition, que entrou direto no Top 40
inglês. Foi um dos melhores discos lançados por bandas saídas da
primeira geração do NWOBHM (saiu no Brasil na época, 80).
Girlschool foi a única banda feminina do novo movimento metal
(só tinha equivalente nas predecessoras Runaways), enquanto que, no
paralelo punk rock, as bandas com mulheres dividiam um espaço quase
igual com as masculinas. O machismo no metal seria a causa da
inibição?
Além disso, o Girlschool foi das raras bandas do gênero a contar
com mulheres que não se valiam de apelo sexual para vender sua
imagem, o que acontece com muitas bandas atuais, como as americanas
Vixen e Psycho Sluts From Hell, por exemplo, que são pura pose e
provocação.
Com o bom resultado de vendas do primeiro disco, o Girlschool
passou a encabeçar os shows em que se apresentava, fato reforçado com
o lançamento em 1981 do álbum Hit and run (do hit “Cmon let's go”).
Nesse mesmo ano, que foi o melhor da carreira da banda, o Girlschool
gravou um EP junto com o Motörhead, The St. Valentine day's
massacre (inédito aqui), do qual saiu o hit “Please, don't touch”
Heavy Metal 127
(também um clip); e expandiu sua fama para o Canadá. O disco, hoje, é
peça rara de colecionador.
Aqui no Brasil, os dois primeiros discos do Girlschool foram
consumidos avidamente, mas somente por punks e por metálicos
alternativos, pois à época, elas não eram consideradas suficientemente
metal para os mais radicais adeptos do heavy metal. E também em parte
do exterior.
Em 1982, foi a vez da banda conquistar o Japão, no mesmo
momento em que Enid deixava a banda e era substituída por Gil
Weston, que vinha da banda punk The Killjoys — que, acreditem se
quiser, era liderada por Kevin Rowland, antes que este formasse o
Dexy's Midnight Runners, uma banda referencial inglesa dos anos 80 (e
que correu mundo com o hit “Come on, Eileen”, nada metal ou punk,
muitíssimo pelo contrário, bem folk).
No mesmo ano, a banda lançou seu terceiro disco, Screaming blue
murder, finalmente abrindo as portas do mercado mais importante, os
Estados Unidos. Lá, excursionaram abrindo shows para bandas já
consagradas como Iron Maiden e Scorpions. Com a boa recepção,
ficaram um tempo na América, onde gravaram seu quarto disco (que
seria também o último da banda, apesar da euforia).
O nome deste último foi Play dirty, lançado no começo de 1983. O
disco teve na produção um nome quente da época, Spencer Proff (dos
discos do Quiet Riot) e contou com as participações especiais de Jim
Lea e Noddy Holder, do Slade, em algumas faixas.
A princípio, Play dirty seria produzido por Ritchie Cordell,
produtor de Joan Jett, que no começo dos anos 80 havia estourado com
o hit “I love rock'n roll”. Mas, logo no início dos trabalhos, banda e
produtor não se entenderam direito e houve a mudança.
Play dirty foi o maior sucesso comercial da banda, mas já
apresentava diferenças (que incomodavam principalmente aos fãs de
primeira hora) em relação aos dois primeiros (e melhores) discos.
Apesar do sucesso internacional, a fama do Girlschool no Reino
Unido havia caído bastante. E, para completar, além de perderem o
contrato com a Bronze Records, Kelly Johnson deixou a banda. Com
tantos abalos, a banda passou o ano de 84 em recesso e depois sumiu.
Da turma original, só McAuliffe tentou algo solo.

128 Tom Leão


Outra banda menor, mas vital do NWOBHM, foi o Diamond Head.
Assim como o Samson, apesar do brilho alcançado, nunca deixou de ser
uma promessa. Os membros da banda começaram a trabalhar juntos em
1976, mas só definiram o que viria a ser o Diamond Head em 80.
Mesmo sendo das poucas bandas do movimento a conseguir lançar
discos por um selo maior, como o MCA (após estrearem pela
independente Media Records), eles não conseguiram ir muito longe.
Sua maior contribuição foi ter servido de inspiração para algumas
bandas do thrash metal americano, que surgiriam algum tempo depois
do fim do Diamond Head. Como o Metallica, por exemplo.

Das bandas surgidas dentro do NWOBHM, a que logo mostrou-se


adepta de outro caminho, que não o heavy metal, foi o Marillion. Como
todos sabemos, o Marillion era um seguidor do prog-rock pomposo de
hit "Come on, Eileen", nada metal ou punk, muitíssimo pelo
contrário, bem folk).
No mesmo ano, a banda lançou seu terceiro disco, Screaming blue
murder, finalmente abrindo as portas do mercado mais importante, os
Estados Unidos. Lá, excursionaram abrindo shows para bandas já con-
sagradas como Iron Maiden e Scorpions. Com a boa recepção, ficaram
um tempo na América, onde gravaram seu quarto disco (que seria tam-
bém o último da banda, apesar da euforia).
O nome deste último foi Play dirty, lançado no começo de 1983. O
disco teve na produção um nome quente da época, Spencer Proff (dos
discos do Quiet Riot) e contou com as participações especiais de Jim
Lea e Noddy Holder, do Slade, em algumas faixas.
A princípio, Play dirty seria produzido por Ritchie Cordell, produ-
tor de Joan Jett, que no começo dos anos 80 havia estourado com o hit
"I love rock'n roll". Mas, logo no início dos trabalhos, banda e produtor
não se entenderam direito e houve a mudança.
Play dirty foi o maior sucesso comercial da banda, mas já apresen-
tava diferenças (que incomodavam principalmente aos fãs de primeira
hora) em relação aos dois primeiros (e melhores) discos.
Apesar do sucesso internacional, a fama do Girlschool no Reino
Unido havia caído bastante. E, para completar, além de perderem o
contrato com a Bronze Records, Kelly Johnson deixou a banda. Com
tantos abalos, a banda passou o ano de 84 em recesso e depois sumiu.
Da turma original, só McAuliffe tentou algo solo.
Heavy Metal 129
Outra banda menor, mas vital do NWOBHM, foi o Diamond Head.
Assim como o Samson, apesar do brilho alcançado, nunca deixou de ser
uma promessa. Os membros da banda começaram a trabalhar juntos em
1976, mas só definiram o que viria a ser o Diamond Head em 80. Mes-
mo sendo das poucas bandas do movimento a conseguir lançar discos
por um selo maior, como o MCA (após estrearem pela independente
Media Records), eles não conseguiram ir muito longe.
Sua maior contribuição foi ter servido de inspiração para algumas
bandas do thrash metal americano, que surgiriam algum tempo depois
do fim do Diamond Head. Como o Metallica, por exemplo.

Das bandas surgidas dentro do NWOBHM, a que logo mostrou-se


adepta de outro caminho, que não o heavy metal, foi o Marillion. Como
todos sabemos, o Marillion era um seguidor do prog-rock pomposo de
bandas como Genesis e tinha como maior destaque seu vocalista
original, Fish. Hoje, o Marillion é uma banda neoprogressiva muito
famosa e conta com outro vocalista, menos inspirado.

Rápido como seu nome indicava, o Fastway foi, talvez, a mais pop
das bandas consideradas “menores” do NWOBHM. Surgida já na
rabeira do movimento, em 1982, talvez por isso o Fastway não tenha
utillizado tanto a estética punk-heavy das bandas pioneiras do
movimento. Formada por um ex-guitarrista do Motörhead, “Fast” Eddie
Clarke, o Fastway começou gravando de cara por uma major, no caso a
CBS (hoje, Sony Music), que lançou seus discos também no Brasil.
Eddie preferiu montar sua própria banda, recusando na época o
convite para participar da banda de Ozzy Osbourne. Bem mais
comercial do que outras bandas de sua geração, o Fastway, no entanto,
mostrou-se uma boa banda metal nos poucos discos que gravou.

Outra grande banda desta fase do metal britânico, mas que


infelizmente não se sustentou por tempo o bastante como o Iron
Maiden, foi o Tygers of Pan Tang. Ao lado do Maiden e do Saxon, o
Tygers of Pan Tang liderou o NWOBHM em seu auge, por volta de
1982, dando a impressão de que viria a ser uma das maiores bandas
metal dos anos 80. Contudo, ficou só na impressão.
Formado originalmente em 78 pelo vocalista Jesse Cox, o
guitarrista Robb Weir, o baterista Brian Dick e o baixista Rocky, o
130 Tom Leão
grupo começou gravando compactos independentes pela Neat Records.
Como as prensagens destes compactos se esgotavam em uma semana,
logo a banda assinou com a grande MCA, por onde lançou todos os seus
discos em sua curta, gloriosa e conturbada carreira.
O curioso é que, quando a banda começou sua escalada para a
fama, de sua formação original só restava o baterista Dick. A formação
original gravou apenas o disco de estreia, Wild cat. E as mudanças
continuaram ocorrendo o tempo todo. Até o fim.
No segundo álbum do grupo, Spellbound, o guitarrista era John
Sykes (esse tá em todas), que depois iria ajudar Phyl Lynott na reforma
do Thin Lizzy e David Coverdale na formação do Whitesnake. No meio
disso tudo, Sykes (que veio ao Brasil com o Whitesnake) ainda teve que
recusar o convite para integrar a banda de Ozzy Osbourne.
Neste segundo disco, entrou também o vocalista Jon Deverill (Jess
Cox saiu para formar o Lionheart junto com o guitarrista original do
Iron Maiden, Dennis Stratton). No álbum seguinte, Crazy nights, o
guitarrista era Fred Purser, vindo da banda punk Penetrator.
Mesmo com tantas mudanças na formação, o Tygers of Pan Tang
(que tinha como símbolo a cara de um feroz tigre de Bengala, must nas
camisetas da época) conseguiu manter uma carreira estável, fazendo
mais sucesso nos Estados Unidos que na Europa.
Por isso, em 1983 resolveram dar um tempo para pensar e voltaram
em 84 com nova formação, que, além de Deverill e Dick, contava agora
com os guitarristas Neil Shepherd e Steve Lamb, e com Paul Irwin no
baixo. Talvez por tanta instabilidade em sua formação, é que o Tygers
of Pan Tang não tenha conseguido ser a promessa de banda heavy metal
inglesa que todos esperavam. Mas até hoje ela é lembrada com carinho
como uma dos melhores frutos do NWOBHM.

Heavy Metal 131


O Exploited espalhou o mote “Punk’s not dead” (o punk não morreu), que influenciou o
surgimento das primeiras bandas punks do brasil

132 Tom Leão


10. PUNK/HARDCORE (UK/USA)

PARTE 1: ANARQUIA NO REINO UNIDO

Alguns metálicos mais radicais podem dizer: “mas o que faz um


capítulo sobre punk e hardcore no meio de um livro sobre metal?”.
Simples, amigos. Heavy metal é o quê? Rock pesado. E punk e hardcore
são praticamente sinônimos de rock pesado. E não apenas
musicalmente. O punk-hardcore é peso em todos os sentidos, e,
admitam ou não, foi de grande valia para impulsionar algumas bandas
da cena new wave of british heavy metal e também embalaram os
sonhos do moleques que na década de 80 iriam desenvolver o chamado
thrash metal, a renovação metal.
Embora, em certa altura dos acontecimentos, punks e metálicos
tenham sido ferrenhos inimigos (mais por uma questão de
estranhamento de posturas e atitudes que propriamente pela música), é
inegável que o punk rock inglês e o hardcore americano tenham comido,
bebido e regurgitado a essência primitiva do metal. Tanto que uma das
bandas proto-metal, o MC5, também é considerada o avô espiritual dos
punks.
Hoje em dia, as bandas derivadas do punk e do sonic rock (como
ficou conhecido aquele tipo de rock primitivo e barulhento, movido a
amplificadores de válvula e soando como escape de moto antes que o
termo heavy metal caísse na boca do povo), que além do MC5 teve em
Iggy & The Stooges como seu outro grande representante nos anos 70,
estão ficando cada vez mais famosas.
Atualmente, ocorre uma nova renovação dentro do heavy metal, e
ela passa outra vez por bandas consideradas pós-punk, que, na falta de
nome melhor, está sendo chamada pelos americanos de metal
alternativo, como veremos num capítulo mais adiante.

Rótulos à parte, o punk (que é praticamente a raiz de todo esse


metal alternativo), nada mais foi que um tapa na cara no rock em geral,
que, na segunda metade dos anos 70, havia se distanciado do público e
tentava se levar a sério, para ser aceito como “música”.
Heavy Metal 133
Isso acontecia tanto através de bandas progressivas, que queriam
soar como música de “arte”, como através de bandas metal, que viviam
envergadas pelo peso de sua própria pretensão e que haviam se
transformado em caricaturas de si mesmas e não mais empolgavam a
molecada como antes. Tudo soava velho e burocrático.
E, da mesma forma como, em 1969, o vocalista do MC5, Rob
Tyner, gritou “Kick out the jams, motherfuckers!” (algo como “vamos
arrebentar, putada!”), Johnny Rotten, o vocalista dos Sex Pistols, se
dizia o anti-cristo e urrrava, em 1977, “Destroy!”, assinalando ao
mesmo tempo a morte e o ressurgimento do rock barulho, agressivo,
primitivo, direto e sem firulas.
A mesma coisa aconteceu recentemente com as chamadas bandas
grunge, das quais o Nirvana foi o melhor e mais conhecido
representante. “Smells like teen spirit” diz o mesmo de forma diferente,
com um senso crítico mais cínico e mais de acordo com os dias atuais.
Mas igualmente no future.
Como aconteceu com o próprio surgimento do metal, há dúvidas
quanto a paternidade do punk rock. Alguns dizem que ele nasceu nos
Estados Unidos, a partir de bandas como Ramones, que começou a
carreira em 1974 no famoso clube novaiorquino CBGB, que ainda
existe.
Foi por causa de bandas como Ramones, Dead Boys e New York
Dolls, por exemplo, que o empresário e homem de visão inglês,
Malcolm McLaren, levou a ideia para a Inglaterra e incentivou a
aparição dos Sex Pistols, tida como a primeira banda realmente punk,
mas que, por outro lado, parece, foi planejada por McLaren para
divulgar sua butique de roupas sado-masô, a Sex.

Discussões e lendas à parte, o certo é que, se depender de datas, o


punk rock realmente começou com os cabeludos selvagens dos
Ramones, que há 20 anos já se apresentavam de jeans rasgados (bem
como fazem hoje as bandas impostoras que desfilam nos clips da MTV),
camisetas pretas apertadas e fazendo um som o mais primitivo possível,
todo calcado em cima de canções com três minutos de duração e muita
intensidade.
Contudo, os elementos marcantes do punk, as palavras de ordem, a
revolta, o chute no pau da barraca, não faziam parte do discurso e da
atitude dos Ramones. Daí os Sex Pistols terem ganho a coroa de reis do
134 Tom Leão
punk, porque apareceram mesmo para detonar e perturbar. E nisso
foram ajudados pelo momento difícil pelo qual o Reino Unido passava,
com milhares de jovens desempregados e com a sensação de no future,
sem futuro.
Até hoje os americanos não engolem bem essa história (parte da
imprensa yankee simplesmente ignora os fatos), mas é inegável que o
punk (e a atitude) como nós o conhecemos saiu mesmo do Reino Unido.
Foi a partir dos Sex Pistols — que fez seu début em novembro de
1975 com um show relâmpago na St. Martins School of Art, em
Londres — que surgiram bandas como The Clash, Damned, Stranglers,
Slits e outras, que, cada uma à sua maneira, deram uma sacudida e tanto
no rock. Como ele nunca havia sentido. E o sacolejo foi tão forte que
incentivou, no Reino Unido, o surgimento do movimento do novo metal
britânico; e inspirou, na América, o hardcore.
Enquanto a Inglaterra queimava com o punk, que em pouco mais de
dois anos foi absorvido com sofreguidão pelos caçadores de modismos
— afinal, desde os quebra-quebras do Who não se via e ouvia nada
igual — apareceram bandas como a anarco-punk Crass, que era
realmente alternativa porque, ao contrário da maioria das primeiras
bandas punk inglesas — que apesar de todo o idealismo gravavam por
grandes gravadoras multinacionais, sem problemas — criou seu próprio
selo e também uma espécie de comunidadade alternativa dentro do
punk, levando ao pé da letra os ideais anarquistas do movimento.

Mesmo dentro do punk rock houve um racha. Dois anos depois dos
Sex Pistols anarquizarem geral o rock, e com o final da banda, foi
anunciado que o punk estava morto. Mas algumas bandas como GBH,
Exploited e Anti-Nowhere League, entre outras, não deram ouvidos a
este epitáfio e trataram de espalhar o mote “Punk's not dead” (o punk
não morreu). Este segundo fôlego sustentou o punk por mais algum
tempo e foi o que realmente inspirou as primeiras bandas punk
brasileiras, que surgiram em São Paulo, Brasília e Rio.
Mas, punk morto ou não, quem marcou mesmo foram os Sex
Pistols. A banda, não bastasse os escândalos em que se envolvia e
provocava (alguns cuidadosamente preparados por McLaren, como, por
exemplo, o dos contatos milionários com as majors do disco, depois
sempre quebrados e dos quais a banda sempre saía com uns bons
trocados), ainda criou o primeiro mártir punk, Sid Vicious.
Heavy Metal 135
O baixista dos Pistols, que substituiu o integrante original do posto,
Glen Matlock, pouco tempo depois do término da banda, em 1979,
morreu de overdose num quarto do Chelsea Hotel, em Nova York, após
ter matado sua namorada, Nancy Spungen (essa história até hoje não
está bem explicada, alguns dizem que ela se matou, outros, que também
morreu de overdose). O punk que já tinha um ídolo, Johnny Rotten.
Ganhou um mártir.
Mas o fim trágico de Vicious não ofuscou a figura carismática de
Johnny Rotten. Ele foi o maior ídolo e ícone punk, imitado por nove
entre dez cantores punks que vieram depois, inclusive no seu jeito
curvado de cantar, o que era, na verdade, uma deformidade física de
Rotten, que é meio corcunda. Johnny Rotten (na verdade John Lydon),
um carismático e esperto duble de cantor — que, diz a lenda, foi
encontrado por McLaren enquanto fazia ponto na frente da loja Sex,
insultando os fregueses e cuspindo na rua — que logo que sentiu que os
Pistols estavam indo para o buraco, largou a banda durante a única e
última malfadada turnê da banda nos Estados Unidos (o que impediu
sua vinda ao Brasil para participar de cenas do filme The great rock'n
roll swindle) para formar com alguns amigos a (então) banda de
vanguarda Public Image Ltd, ou PiL.

Como um furacão, os Sex Pistols deixaram atrás de si um rastro ao


mesmo tempo destruidor e renovador. Menos de um ano depois de sua
aparição, a banda já tinha uma legião de seguidores (formados
basicamente por uma turma conhecida como The Bromley Contingent,
da qual faziam parte nomes como Steve Havoc e Siouxsie Sioux, que
mais tarde formariam o Siouxsie & Banshees; e Billy Idol, mais tarde
vocal do Generation X) e inspirou a realização do primeiro e lendário
festival de punk rock, que aconteceu em setembro de 1977 no 100 Club,
em Londres. Com um único e histórico álbum, Never mind the bollocks,
here's the Sex Pistols, lançado no marcante 77, os Pistols marcaram
fundo seu nome na história do rock barulho. E mesmo que eles tenham
ficado mais famosos por suas atitudes que por suas músicas, valeu pela
bagunça.
O caos criativo dos Pistols deixou várias questões em aberto e que
jamais serão respondidas. Como, por exemplo, “Quem matou Bambi?”
(perguntado na contra-capa do álbum com a trilha do filme The great
rock'n roll swindle). Claro que é uma piada. A trilha foi o único disco,
136 Tom Leão
após Nevermind the bollocks..., a contar com material inédito da banda,
que aparecia unida ou através de solos de seus integrantes, incluindo
covers de clássicos do rock e até mesmo uma participação especial de
Ronald Biggs em duas faixas. Parte dessa saga foi documentada,
explicada e revelada por Lydon recentemente em sua biografia oficial,
lançada em 1994 no exterior, e que promete botar os pingos nos is.
Claro que nem tudo era Sex Pistols. Paralelamente, bandas como
Clash, Damned, Eddie & The Hot Rods, Chelsea, Buzzcocks, Stiff
Little Fingers, Subway Sect, Siouxsie & The Banshees, Generation X,
Stranglers, Slits, The Jam, Adverts, Vibrators e muitas outras, vindas de
todas as partes do Reino Unido — a essa altura já não mais tão unido
assim — pegaram a onda do punk rock à sua maneira. O básico era
reinventar o rock barulhento de guitarras (que, curiosamente, ouvido
hoje soa lento e pouco radical perto do que se faz no dito metal
alternativo) e passar uma mensagem radical. Nem todas rezaram por
essa cartilha após adquirirem fama. Muitas desenvolveram um estilo
pessoal de tocar e se expressar que acabou dando na tal new wave. Mas
essa é outra história.

Do enorme saco de gatos punk, a única outra banda depois dos


Pistols a conseguir fama e respeito entre punks de todo o mundo foi o
Clash. Musicalmente e pelo teor político das letras, o Clash foi superior
aos Pistols em vários aspectos. O lado bom e ruim disso é que o Clash,
justamente por querer passar uma mensagem e não ser apenas mais uma
banda auto-destrutiva, acabou ganhando uma popularidade maior do
que o esperado e já no começo dos anos 80 era apontada por parte da
imprensa como “a maior banda de rock do mundo”, inclusive sendo das
raras bandas punk britânicas a conseguir fazer sucesso nos Estados
Unidos. Foi o que matou o Clash. Ao se tornar uma espécie de
superbanda, ela automaticamente deixou de ser punk e se tornou mais
um grande produto do mercado rock. E acabou.
Uma pena. Porque o Clash foi mais original do que todas as bandas
punk de sua geração. Ao contrário destas, o Clash não foi beber em
fontes do metal dos anos 70 para tirar o seu som. O Clash, ao contrário,
criou seu próprio e urgente som, misturou com uma explosiva
panfletagem política e adicionou um certo molho reggae, inspirado nos
guetos negros de Brixton. Ouvir e entender uma letra do Clash, na
época, funcionava quase que como uma convocação para participar de
Heavy Metal 137
uma revolução. Mais direta e ousada que a pura anarquia dos Pistols.
Foram eles os verdadeiros autores da revolta branca da qual o punk foi a
bandeira.

PARTE 2: GAROTA, EU VOU PRA CALIFÓRNIA

Enquanto isso, do lado oeste do Atlântico, na verdade, mais a oeste


ainda, à beira do Pacífico, formou-se uma forte cena punk americana
que, para se diferenciar da inglesa, foi batizada de hardcore punk. Não
só pelo teor das letras (críticas sociais repletas de palavrões), como
também pelo ritmo musical, bem mais rápido e agressivo que o feito
pela maioria das bandas punk inglesas. O hardcore é, com certeza (ao
lado do punk rock britânico de segunda geração feito por bandas como
Exploited e GBH), a raiz da linha musical que deu no death e no thrash
metal, a linha mais moderna do metal, desenvolvida através dos anos
80. Músicas rápidas, guitarras velozes e vocais bastante gritados.
Foi na costa oeste americana, na Califórnia, que surgiram as
primeiras e principais bandas hardcore, como Black Flag (Los Angeles)
e Dead Kennedys (São Francisco). Ao mesmo tempo em que, aqui e ali,
pipocavam por outras partes dos Estados Unidos bandas como Hüsker
Dü (Minneapolis), Agnostic Front (Nova York), Fugazi (Washington
D.C.) e muitas outras, num verdadeiro enxame que plantou a raiz do
rock alternativo consumido atualmente.
Mas foi realmente na Califórnia que a coisa pegou fogo e se
multiplicou em mil variantes, que continuam frutificando até hoje.
Como acontece com a recém descoberta cena punk californiana pela
grande mídia, que resgatou bandas veteranas como Bad Religion, Agent
Orange e T.S.O.L., entre outras.
Estas bandas, em sua época, foram banidas e ignoradas pela grande
mídia. Não eram convidadas para tocar em grandes festivais e não
tinham (e nem queriam ter) clips na MTV ou quaisquer das facilidades
encontradas hoje por qualquer banda metida a “alternativa”. Por isso,
muitas delas acabaram sem ter a chance de ver seu nome aclamado, e
que, somente através da explosão grunge, foram resgatadas pelas novas
gerações e agora estão sendo reconhecidas.

138 Tom Leão


A ironia do punk/hardcore em capas de álbuns de dois de seus maiores expoentes: os
ingleses do Sex Pistols (à esquerda), e os americanos do Dead Kennedys (à direita)

Henry Rollins, ex-vocalista do Black Flag, de Los Angeles: intelectual


anarquista ou rock star?

Heavy Metal 139


Como fechar os olhos para bandas como Dead Kennedys, talvez a
mais politizada de todas as bandas hardcore americanas (tanto que seu
vocalista, Jello Biafra, ao anunciar de sacanagem que concorria à
prefeitura de São Francisco, em 1979, acabou entre os quatro mais
votados no pleito)? Ou ignorar a fúria do Black Flag, com seu furioso
vocal (cargo que foi, entre outros, de Henry Rollins, atualmente com a
Rollins Band) e sua criativa maneira de tornar as guitarras algo mais que
um simples instrumento musical? O que dizer então de bandas como X,
que soava como uma espécie de Doors punk?
Infelizmente estas bandas não sobreviveram para contar a história
(o X tentou um mal sucedido comeback há dois anos), mas deixaram
uma semente que germinou e deu crias bastante interessantes nestes
anos 90. E o rock pesado, de uma maneira geral, deve muito a elas
também. Que o digam a moçada do Sepultura, Metallica, Anthrax e
outros pesos pesados do thrash metal.
No mesmo ano em que os Pistols faziam sua derradeira turnê (aliás,
a primeira e única pelos Estados Unidos), em 1978, encerrada com um
show em São Francisco, surgia naquela cidade, que já foi a meca dos
hippies, uma das mais radicais, ferozes e alternativas bandas de rock de
todos os tempos, o Dead Kennedys. Liderada pelo primeiro e único
Jello Biafra (na verdade, Eric Boucher), a banda fazia um hardcore
totalmente pessoal. Apesar de rápido e barulhento, tinha uma base
instrumental que não era fácil de ser imitada e ia além dos quatro
acordes. Sem contar que as ultrapolitizadas letras de Biafra são, até
hoje, parte do que melhor se fez em qualquer época do rock americano
em geral.
Com raciocínio brilhante, postura totalmente punk e performance
para além do eletrochoque, Biafra transformou os Dead Kennedys em
deuses do alternativo. Foi talvez a primeira banda punk americana a ter
sua própria gravadora, a Alternative Tentacles (que está ativa até hoje) e
a primeira a atacar abertamente e de frente os grupos conservadores
americanos e sua postura pós-Macartista, que deu no que hoje se
conhece como “politicamente correto”, ou, outra palavra para significar
segregacionismo. Basta ouvir discos como Fresh fruit for rotten
vegetables (80) ou Plastic surgery disaster (82) para ter uma idéia.
Tal atitude, claro, não passou em branco. Apesar de ser a terra da
liberdade de expressão, o PMRC, principal grupo conservador
americano, conseguiu um jeito de fazer calar a fúria dos Kennedys
140 Tom Leão
mortos (sem contar que Biafra era uma figura perseguida pelo FBI
desde sua estripulia política de 79): por causa do encarte do disco
Frankencbrist, de 86 (que reproduzia uma célebre pintura do suíço H.
R. Giger, Penis landscape, exposta até no Museu do Louvre), o DK
pegou um processo por “distribuição de pornografia para menores”,
tudo porque uma menina de 15 anos foi pega pelo pai observando o tal
encarte.
O processo custou caro para a Alternative Tentacles, que quase foi
a falência, e resultou no fim da banda. O canto do cisne do DK foi o
disco-manifesto-testamento Bedtime for democracy, com 21 faixas e um
encarte polpudo onde, para expor o ridículo da situação, foram
reproduzidas várias partes do processo sofrido pela banda. Depois disso,
Biafra seguiu carreira se envolvendo em diversos projetos solos ou com
outros músicos, como o Lard (com o pessoal do Ministry), D.O.A.,
Nomeansno (uma banda Canadense), Tumor Circus; e também discos
falados, no qual Biafra solta o verbo. Recentemente, ele gravou um
disco em parceria com o maluquete Mojo Nixon. Muda o som,
permanecem as idéias.
Com o Black Flag (que originalmente se chamava Panic) as coisas
não foram tão pesadas assim, no mau sentido, claro. A banda formada
pelo guitarrista Greg Ginn, que também formou seu próprio selo, o SST
(que lançou os primeiros discos do Hüsker-Dü e do Minutemen, por
exemplo), para poder gravar seus discos sem depender das grandes
gravadoras, é considerada a primeira banda americana realmente
hardcore.
Vinda de Los Angeles, o Black Flag (nome inspirado na bandeira
preta do anarquismo) também desenvolveu um trabalho único e
marcante na cena punk americana. Além disso, foi a banda que revelou
para o mundo o vocalista Henry Rollins, que se tornaria “o grunhido de
uma geração”. Além de fúria e carisma, Rollins também é um cara
bastante claro no que escreve, e passa isso de uma maneira muito forte
(e bota forte nisso, o cara tem um físico invejável). Poeta nas horas
vagas, Rollins atualmente comanda a Rollins Band (que já veio ao
Brasil) e paralelamente desenvolve uma carreira de ator. Nada mal para
um ex-roadie.
Já Greg Ginn continua na ativa com sua banda Gone, que lança discos
regularmente pela SST e pode ser considerado um dos melhores guitarristas
punk, metal ou o que quer que seja. O cara tem uma técnica inigualável.
Heavy Metal 141
O vocalissta Joey Ramone e o guitarrista Johnny: os Ramones, de Nova York, são
considerados por muitos a primeira banda punk da história.

142 Tom Leão


PARTE 3: NEW YORK, NEW YORK ETC

A cena novaiorquina não pode ficar de fora. Afinal, foi de lá que


saíram New York Dolls e Ramones, a dobradinha que inspirou Malcolm
McLaren a criar os Sex Pistols. Os Dolls tinham a postura anárquica e
os Ramones o barulho e a atitude, inspirados em proto-punks como Iggy
& The Stooges e MC5.
Foi no clube CBGB que as primeiras bandas punk inglesas, como o
Damned, se apresentaram nos Estados Unidos. Foi também no CBGB
que os Ramones fizeram seus primeiros shows, por volta de 1974, e
onde a cena punk-new wave local se desenvolveu. Todos os domingos,
rola uma matinê punk na velha casa da Bowery com Bleeker, no lado
oeste de Manhattan.
Sobre os Ramones, todos sabem que se trata provavelmente da
primeira banda punk da história e que os caras continuam fazendo
(apesar de anunciarem o fim da carreira discográfica, a banda ainda
continuará fazendo shows por algum tempo) o mesmo som básico, com
poucos acordes e nenhuma pausa. É um, dois, três, quatro e vamos
embora. Da última formação, a banda tem como únicos remanescentes
originais o vocalista Joey e o guitarrista Johnny Ramone. E, apesar dos
sobrenomes iguais, ninguém na banda é parente. Trata-se de uma bossa
que eles inventaram. Além do nome soar bem, vira uma irmandade.
Estar na banda significa ser um “ramone”.
Contemporâneos dos Ramones foram bandas punks como Johnny
Thunders & The Heartbreakers, Richard Hell & The Voidoids; e, mais
para o final dos anos 70, os primeiros nomes no estilo noise. Mas foi no
começo dos anos 80 que surgiu o hardcore local, do qual o maior
destaque é o Agnostic Front. Formada em 1982, a banda existiu até há
pouco, mas teve que dar um tempo porque o vocalista e líder Roger
Miret pegou uma cana braba.
Fora Los Angeles e Nova York, o punk-hardcore americano teve
bons representantes em Washington D.C. (Fugazi, Bad Brains, Minor
Threat, Teen Idols), Minneapolis (Hüsker-Dü, grupo que gravou um dos
discos mais importantes do punk americano, Zen arcade) etc.
Atualmente, como veremos nos capítulos sobre grunge e o futuro do
metal, o punk rock renasceu com força total na América. Pode sair coisa
boa daí num futuro próximo.

Heavy Metal 143


Slayer, a influente e cultuada banda surgida no começo dos anos 80 em
Los Angeles, faz uma mistura de thrash com death metal

144 Tom Leão


11. DEATH METAL

O diabo é o pai do rock, já cantava por aqui Raul Seixas em tempos


idos. E essa associação do tinhoso com o heavy metal, o primeiro filho
rebelde do rock, não tardou a acontecer. A já anunciada “simpatia pelo
diabo”, cantada pelos Stones, teve seu primeiro passo no metal através
de uma banda-chave para o gênero como um todo. Aconteceu no
começo dos anos 70, puxado pela mitológica Black Sabbath, nome que
por si só já diz tudo (missa negra, a celebração máxima do demo), que
por sua vez foi inspirado no nome de um filme de terror da Hammer, já
que a banda começou carreira como Earth.
Mas, se durante os primeiros anos o Sabbath reinou sozinho no lado
negro do metal, por ser a única banda a assumir uma postura satanista
(ainda que fake), bruxarias e feitiços também podiam ser encontrados
em algumas letras do Led Zeppelin (reza a lenda que Jimmy Page
praticou bruxaria pra valer, a partir de estudos de livros do notório
bruxo inglês Aleister Crowley, cantado em verso e prosa numa letra de
Ozzy Osbourne, “Mr. Crowley”). O Sabbath, ao contrário de suas letras,
usou a estética negra apenas como detalhe para sua música.
Logo os temas satanistas viraram uma constante no trabalho de
algumas bandas metal dos anos 70, por várias razões. Uma delas é que a
molecada sempre gostou de usar camisas com monstros e coisas do tipo
(antes do heavy metal as preferidas eram as camisetas com símbolos de
escuderias de dragsters, sempre bem escabrosas e nojentas). Outra, é
que as letras estimulavam a imaginação dos adolescentes, como numa
fantástica história em quadrinhos, passada dentro da mente e com fundo
musical e tudo.
Daí que bandas nada macabras, como Judas Priest, tenham se
utilizado da estética em parte de sua carreira; e que bandas como Iron
Maiden tenham feito sua fama usando recursos diabólicos em suas
apresentações. Como o boneco mascote da banda, Eddie, uma caveira
descarnada que até fazia umas pontas nos antigos shows da banda.

Mas o teatro de horror armado pelo Sabbath foi utilizado


amplamente por um artista que fez disso sua marca registrada: Alice
Heavy Metal 145
Cooper (vide A-Z). Em suas antológicas apresentações nos anos 70
(algumas delas no Brasil), Cooper era decapitado, vomitava sangue e
otras cositas más. O artista nunca abdicou de sua estética, embora
atualmente esteja mais light que antigamente.
Outra banda que não era exatamente satanista, mas que contribuiu
muito para formar a estética do que viria a ser conhecido como death e
doom metal, foi o Kiss. Também nos anos 70, e como fazia Alice
Cooper, o Kiss usava e abusava de teatrinho macabro em suas
apresentações. Por causa disso, alguns pensaram que o nome da banda
eram as iniciais de “Kids in Satan's Service” (garotos a serviço de Satã).
Uma grande bobagem.
Para o bem e para o mal do heavy metal, esta suposta ligação de
suas bandas com o lado negro foi a desculpa que faltava para que
grupos moralistas tentassem banir o gênero e dessa forma afastar o
“mal” de seus filhos. Não faltaram exemplos, nos últimos 20 anos,
dessas tentativas imbecis.
Como a queima de discos de Ozzy Osbourne em praça pública, em
cidades do interior americano nos anos 80 (por causa do nome de discos
como Speak at the devil, fale com o diabo, de 82); a suposta teoria de
que se alguns discos do Led Zeppelin fossem tocados de trás para diante
revelariam mensagens satânicas; de que músicas do Judas Priest tenham
incentivado menores desequilibrados emocionalmente a cometerem
suicídio; e até mesmo que professores aqui no Brasil, por ocasião do
show do Kiss no Maracanã, em 82, tentassem demover os alunos em
classe a não comparecer àquele “ato demoníaco”, com direito a muita
pregação de crentes na entrada do estádio. Eu passei por isso.
Mas se essa gente achava tal coisa dessas bandas aparentemente
inofensivas, o que diriam de bandas que realmente se autodenominam
satanistas ou que se utilizam da estética dark em todo o seu negror,
como as modernas bandas de doom e death metal? Caso para
excomunhão, no mínimo.
Essa gente não entende, e nunca entenderá, que tudo isso não passa
de estilo, marketing, apenas para diferenciar uma banda metal de outra.

Meio que procurando abrir uma nova brecha dentro da


aparentemente saturada cena metal do final dos anos 70 (muitas
mudanças estavam por vir, e o death, espécie de precursor do thrash, foi
apenas uma delas), começaram a surgir bandas que, ao invés de se
146 Tom Leão
O Deicide havia anunciado que todos seus membros, ao atingirem a idade
de Cristo (33 anos) cometeriam suicídio. O vocalista, Glen Benton, tem
uma cruz invertida tatuada na testa...

Heavy Metal 147


utilizarem da estética satanista apenas por brincadeirinha e para divertir
um bando de moleques imaginativos, vestiam para valer (pelo menos
convenciam mais) a camisa preta e invocavam os mais diferentes tipos
de demônios, até no nome de seus integrantes.
Embora o termo death metal tenha surgido algum tempo depois que
as primeiras bandas a adotar o estilo ficassem famosas (na falta de
rótulo, serviam speed metal ou loud fast), logo ficou evidente que
bandas como Venom, Obituary, Deicide e Burzum não estavam na área
para falar de amor. E por isso, o death metal transformou-se num dos
mais temidos e pouco divulgados subgêneros do metal, justamente por
sua atitude. Bom para quem gosta de underground.
Um dos principais pontos para diferenciar uma banda death das
demais bandas metal, no início, era o estilo vocal. Quanto mais
assustador, gutural e cavernoso fosse, mais estava garantida a diferença.
Some-se a esse tipo de vocal algumas letras bem tétricas, melodias (?)
estranhas e ritmo acelerado, mais capas de discos com símbolos
satânicos — como cruz de cinco pontas, cabeças de bode e cruzes
viradas de cabeça para baixo — e está pronta uma legítima e apavorante
banda de death metal. Pelo menos para quem vê.
Perto da maioria das bandas de death metal, tudo o que Ozzy
Osbourne (uma das figuras mais associadas ao estilo, por causa do
Sabbath e pelo fato de ter mordido certa vez um morcego em cena) fez
em carreira solo ou em sua primeira banda, não passa de brincadeira de
coroinha. Bandas realmente death, como a citada Deicide, por exemplo,
radicalizam ao extremo em sua proposta. O Deicide, cujo vocalista Glen
Benton tem uma cruz invertida queimada na testa, anunciou em 90 que
todos os seus componentes cometeriam suicídio coletivo quando
atingissem a idade de Cristo (33 anos). Isso seria por volta de 95.
Resultado, os demais integrantes se mandaram.
Pior fez o Burzum, cujos integrantes tinham o hábito de botar fogo
em igrejas de seu país, a Suécia. Resultado, a banda acabou em 95 e
foram todos em cana.
Outras, como o Venom — considerada por parte da imprensa
especializada como a primeira banda thrash metal, e menos como uma
death; coisa com a qual este autor e todos os fãs da banda não
concordam — utilizam nomes de fantasia, retirados de antigos
demônios da mitologia. Como Abaddon, Cronos e Mantas. E o primeiro
disco da banda, lançado em 1981, chamou-se Welcome to hell (bem-

148 Tom Leão


Surgida nos anos 80, a banda Kreator é um bom exemplo do death metal alemão que faz
sucesso na Europa e até no Brasil, onde já vieram tocar algumas vezes

O disco Utopia Banishedi, do Napalm Death (1992) fala de arianismos, demência, exílio e
miséria — em alta velocidade e com muito barulho

Heavy Metal 149


vindo ao inferno). Sem contar as inúmeras letras invocando as mais
diversas configurações do mal. Claro, fez sucesso rapidinho.
Welcome to hell pode ser considerado a pedra fundamental do death
metal. Desde que foi lançado, tornou-se rapidamente um culto no
underground e com a mesma rapidez levou a banda a ser venerada por
diversas correntes do metal, pois antes do termo death ser cunhado, o
Venom era acima de tudo uma banda que apresentava um novo som
(uma cruza de hardcore com metal mais acelerado) e uma nova postura.
Foi copiada mundialmente.
Com a boa repercussão, a banda consolidou seu nome e o gênero
com o álbum Black metal, lançado em 1982, que é certamente o melhor
disco do Venom e inspirou meio mundo de bandas novas, incluindo a
nossa Sepultura, que, no início (e até pelo nome), era uma banda mais
death que thrash. Black metal também inspirou o surgimento de uma
banda suíça que viria a ter renome no gênero, o Hellhammer, que, para
os que consideram o Venom como a pioneira banda thrash, foi a
primeira banda death de fato.
Na opinião de adeptos do death metal, como Trevor Peers,
guitarrista do Obituary, “Hellhammer reuniu elementos do Black
Sabbath, Motörhead e Venom, e criou algo totalmente único e novo,
levado mais ao extremo do que o feito por bandas que vieram antes
dela”. E, de fato, até hoje, talvez por causa do Hellhammer, o death
metal tenha obtido mais fama na Europa.
E por isso, as bandas fortes do death surgiram mais na Europa,
principalmente em países que não a Inglaterra. Como Suíça, Dinamarca,
Suécia (terra do Burzum, cujo vocalista está atualmente preso por botar
fogo em algumas igrejas de Estocolmo), Holanda e Alemanha.

Antes de se tornar conhecida, Hellhammer gravou algumas fitas demo


(de demonstration, não de demônio, embora tivesse a ver), para só em
1984 ser contratada pelo selo alemão Noise Records e lançar seu primeiro
disco, o EP Apocalyptic raids. Mas, se Hellhammer é a primeira banda
death metal, a primeira a realmente o ser por usar o nome foi a banda
Death, que em seus primórdios se chamou Mantas, por causa do Venom.
Além do Venom e do Hellhammer, o Death sofreu influências de
bandas thrash como Metallica e Exciter (que, como todas as pioneiras
do thrash, utilizavam elementos death em seu som por causa do Venom)
e se tornou uma das bandas mais extremas deste gênero já extremista.
150 Tom Leão
Enquanto o thrash metal crescia junto ao público e à imprensa
especializada, o death metal se tornava, cada vez mais, um dos gêneros mais
subterrâneos do metal. E por isso, o Death viveu no porão durante alguns
anos, sobrevivendo de lançar demo tapes, como a primeira delas, batizada
Reign of terror, lançada em 1984; seguida de Infernal death, de 1985.
Ao mesmo tempo em que o Death crescia no submundo do metal,
surgia em São Francisco outra banda emblemática para o death metal,
Possessed. Formada por fãs de Venom e Slayer, o Possessed foi a
primeira banda death a chamar a atenção na América, lugar onde o
gênero ainda era restrito. Menos de um ano depois de formada e de ter
lançado a primeira fita demo, o Possessed lançava seu primeiro LP
independente, The seven churches.
Ao mesmo tempo em que fazia parte do mesmo time, o som do
Possessed possuía algo que a diferenciava de todas as demais bandas
death de então. Seu estilo feroz e barulhento causou grande impacto.
Logo a banda gozava de bom cartaz na Europa, local onde o death reina
até hoje, e acabou influenciando bandas europeias que surgiram naquele
período, meados dos anos 80. Como Sadom, Destruction e Kreator
(todas alemãs, sendo que a última já esteve no Brasil duas vezes), a
sueca Bathory e a inglesa Celtic Frost, esta formada por dois ex-
integrantes do Hellhammer. (Aliás, apesar da fama, o Hellhammer
nunca deixou de ser uma banda independente. Em parte por causa das
constantes trocas de elementos em sua formação, e também por causa de
sua postura extremamente radical.) E durante algum tempo, Possessed
foi a mais popular banda death americana.
A segunda metade dos anos 80 foi a época em que o death metal
saiu um pouco do underground e suas bandas passaram a assinar com
grandes gravadoras (caso do Kreator, que assinou com a Sony). E
bandas que vieram depois das pioneiras, como Incubus, Massacre e
Necrovore, entre outras, não tiveram dificuldades em conseguir bons
contratos de gravação.
Daí em diante, com o sucesso obtido por discos como Beneath the
remains, do Sepultura (que logo ganhou uma seguidora igualmente
mineira chamada Sarcófago), Slowly we rot, do Obituary e Leprosy, do
Death, novas e futuras grandes bandas death como Napalm Death e
Morbid Angel já chegaram em cena arrebentando as portas a pontapés,
ao mesmo tempo em que centenas de novas bandas death proliferavam
ao redor do planeta.
Heavy Metal 151
Da safra mais recente, destacam-se bandas como Carcass, Atheist,
Voivod, Believer e Amorphis, que, apesar da saturação do gênero,
continuam fazendo seu nome no underground. E hoje, passada a fase da
novidade, o death metal se transformou, como em (quase) tudo no rock,
num modismo que rende bons lucros e fama. Até que outra forma o
substitua.

152 Tom Leão


As origens do doom podem ser encontradas na primeira faixa do primeiro álbum do Black
Sabbath, aqui já na formação com Ronnie James Dio, em 1982

Heavy Metal 153


12. DOOM METAL: POR QUEM OS SINOS DOBRAM

Doom metal é o subgênero de heavy metal que surgiu nos anos 70 e


precedeu, mais na parte das letras que na parte instrumental, o death
metal. E tanto as raízes do doom quanto do death metal estão na mesma
banda: Black Sabbath (alguém ainda tinha alguma dúvida?). O que
caracterizou as primeiras bandas doom foram elementos como sinos de
igreja tocando na abertura das faixas, ruídos de trovão e coisas do tipo.
Ou seja, tudo o que está gravado na música “Black sabbath”, que abre o
primeiro LP do grupo.
E o sino toca até hoje, basta conferir as músicas de grupos recentes
como o Danzig (um ótimo exemplo atual de uma banda dark que não
tem nada a ver — fora algumas referências — com o death metal de
fato), ou de outra banda, a Type O Negative, esta já uma imitadora do
Danzig.
Mas nem só de sinos e tempestades vive o doom metal. As bandas
do gênero adotam uma estética gótica, com muitas cruzes, igrejas
servindo de cenário e um acompanhamento musical pesado, lento e
carregado no baixo e na bateria. Se não precisam necessariamente falar
de forças do mal, as letras do metal doom enveredam pelo lado
existencial do ouvinte. São relatos angustiantes, depressivos e sombrios.
Meio como a cold wave e o gothic-dark rock inglês que proliferaram na
primeira metade dos anos 80.
As pioneiras bandas doom dos anos 70 são nomes obscuros para a
maioria dos consumidores regulares de metal rock, como a inglesa
Pagan Altar; e as americanas Death Row (que começou se chamando
Pentagram) e War Horse (que se chamava antes Obsessed). Ambas as
bandas americanas vieram da mesma cidade, Maryland, na Filadélfia,
que acabou conhecida como a meca do doom metal por concentrar
vários grupos do gênero.
Até o final da década de 70 emergiram da mesma cena, mas em
países diferentes, as bandas Saint Vitus e Trouble (americanas) e
Witchfinder General (inglesa). Esta última, ao lado das bandas
Wratchild e Witchfynde, fizeram parte da ala doom-death do
movimento New Wave of the British Heavy Metal, e foram
154 Tom Leão
Os novaiorquinos do Type O Negative, que estouraram nos anos 90 com o álbum
Bloody Kisses, recuperaram o espaço para o doom que já
existia como gênero de metal desde os anos 70

Heavy Metal 155


influenciadas pelo Venom. Estas bandas mantiveram intacto o som das
pioneiras bandas doom dos anos 70, por isso não são bandas death.
Uma das que mais tiveram trabalho para aparecer foi a Saint Vitus.
Surgida em Los Angeles, no meio da infestada cena glam metal de
muita pose e brilho, o negror sonoro e visual da banda destoava de tudo.
Era uma coisa tão alternativa que seus primeiros discos foram lançados
pelo selo independente SST, de propriedade do guitarrista Greg Ginn,
da banda hardcore Black Flag.

Por algum tempo (principalmente no período 1980-85), Saint Vitus


e Obsessed foram as únicas bandas doom americanas. E, também por
isso, integrantes de uma das bandas acabava indo para a outra. Não
havia muita oferta ou escolha. Dois clássicos discos doom desta fase são
The obsessed e Lunar womb, lançados pelo Obsessed logo após a banda
ter sido reformada por Scott Wino, que saíra da Saint Vitus em 1982.
Com o acontecimento do NWOTBHM e o surgimento das bandas
inglesas Witchfinder General e Witchfynde, além da Angel Witch, o
doom metal se reforçou um pouco mais na virada dos anos 70 para os
80, e acabou influenciando o aparecimento de outras bandas como as
americanas Candlemass, Chain, Death SS e Mercy Doom. Por outro
lado, apareceram na Inglaterra outras como Morbid Doom e Cathedral.
Todas, como dá para notar, ilustres desconhecidas no imenso universo
do heavy metal. E sem nenhum disco lançado por aqui, nem mesmo
independente.
Nos anos 90, o doom seguiu “subexistindo” bravamente com novas
bandas britânicas como Anathema e My Dying Bride, a sueca Count
Raven e as americanas InternailVoid e The Wretched, ambas da mesma
Maryland e a Iron Man, de Washington, D.C., que começou como uma
banda tributo ao Black Sabbath e depois criou seu próprio repertório e
se firmou na cena doom.
E agora, passados mais de 20 anos na mais completa escuridão e
obscuridade, eis que o doom metal consegue algum prestígio do grande
público e da mídia, com o estouro do disco Bloody kisses, da banda
nova-iorquina Type O Negative (lançado no Brasil), o reconhecimento
tardio dos Melvins (uma das primeiras bandas que Kurt Cobain, do
Nirvana, ouviu em sua adolescência em Seattle, o que ajudou em muito
a sua descoberta e um contrato com uma grande gravadora) e a
afirmação do Danzig, que finalmente estourou em 1993 com o
156 Tom Leão
relançamento de seu primeiro single, Mother, desta vez numa versão ao
vivo. Aliás, Danzig foi a única a tocar no Brasil, em 95, lançando o
disco IV.
Doom metal é isso aí. Desconhecido como o próprio desconhecido.

Heavy Metal 157


Muitos dizem que o Metallica é o Led Zeppelin das bandas thrash — influenciados pelo
Motörhead no início (1981), durante muito tempo foram unanimidade entre os bangers e
acabaram abrindo a mídia e o mercado para o thrash

158 Tom Leão


13. THRASH METAL: TEMPO DE BATER CABEÇA

Se o punk, apesar das tentativas, não conseguiu abalar os alicerces


do heavy metal o bastante, a ponto de derrubar o gênero no final dos
anos 70 (embora tenha feito um considerável estrago dentro da música
pop e rock como um todo, com influências sentidas até hoje, vide o
grunge), coube aos próprios filhotes do heavy, a nova geração que
estava surgindo, fazer a faxina dentro de uma determinada área
emperrada do metal.
Emprestando do punk a retórica de mudanças e as instrumentações
aceleradas do death metal e também do hardcore americano, o thrash
metal foi o mais importante passo dado pelo heavy metal para sua
evolução em quase 20 anos. Desde as bandas proto-metal que não se
fazia tamanha faxina no gênero, que, em si, é um dos mais
conservadores do universo rock e, por ser conservador, muda muito
lentamente.
Com o surgimento do thrash, de uma vez só foi reformado o som, o
visual e o conteúdo do heavy metal. Na verdade, uma reciclagem bem
feita e que chegou em boa hora, embora só tenha sido notada algum
tempo depois de feita, como sempre ocorre a tudo o que é vanguarda de
fato.
O thrash metal marcou um importante momento dentro do heavy
metal como um todo. Ele trouxe de volta a postura agressiva e
desafiadora dos primeiros anos do gênero, proporcionou mudanças
estéticas e musicais, e também puxou de volta ao chão um estilo que já
começava a virar piada. Homens parrudos vestidos em roupas brilhantes
já não causavam mais o impacto de antes.
Aquela altura, muitas bandas de heavy metal tinham se tornado
apenas diversão para crianças, como desenhos animados de TV (e o
Kiss foi esperto ao sacar isso e tirar a máscara). Os medalhões e
dinossauros do metal viviam na penumbra, renegados pelos punks, e a
garotada, a nova geração metal que surgia, não tinha opções
contemporâneas, novos pontos de referência a seguir.

Heavy Metal 159


É importante citar que o thrash metal também sofreu os reflexos das
reformas feitas no Reino Unido pelas bandas do chamado New Wave of
British Heavy Metal (como já lemos a respeito). Embora essas bandas
em si fossem apenas novas bandas de heavy, sem intenção de reformar
o gênero, elas trouxeram alguma novidade, até por causa da época em
que surgiram.
Mas, antes do thrash surgir, nenhuma banda foi tão proto-thrash (e
por isso mesmo uma das únicas poupadas pelo punk) quanto o
Motörhead, que, em discos como Overkill já adiantava parte da estética
e da batida thrash. A outra parte viria de uma banda death muito
popular, o Venom.
A chegada do thrash deu-se num momento oportuno da cena rock
americana, no qual, sem um novo rumo a seguir, as bandas glam metal,
de roqueiros posers, mais interessados em business que em música,
ameaçavam se tornar um padrão no heavy metal na primeira metade dos
anos 80.
E quase conseguiram. Vide uma das bandas de rock pesado mais
famosas da atualidade, o Guns N' Roses, que também começou
flertando com o glam (não dá para esquecer o Axl Rose com batom e
cabelo armado no clip para “Welcome to the jungle”), até que,
percebendo que iria se dar mal por aquele caminho e já espetado pelo
thrash, resolveu seguir um rumo mais ligado às bandas respeitadas dos
anos 70, como o Aerosmith, sua maior influência.
Ao contrário da pose dona de si do velho metal e do colorido e
desmiolado mundo apresentado pelas bandas glam (que dirigiam-se
mais a garotinhas adolescentes do que a qualquer outra coisa), o thrash
metal trazia para o gênero algo mais profundo, pesado, escuro (herança
direta do death) e também a rebeldia perdida dos primeiros tempos do
rock n' roll.
O thrash era ao mesmo tempo uma revisão do heavy metal, uma
incorporação dos ideais punks e um amálgama de influências da cena
hardcore americana com o contemporâneo death metal e as experiências
crossovers de algumas bandas pós-punk. Em suma, um grande
liquidificador.

Thrash significava barulho. Ao pé da letra. E problema com os pais,


como nos velhos tempos. Além de apresentar letras com um pé mais na
realidade (mas nem tanto), trazia consigo acordes musicais básicos, sem
160 Tom Leão
muitos solos intrincados e shows pirotécnicos (pelo menos em seu
início), como faziam as bandas pop metal de arena, que reinaram nos
anos 80. Afinal, uma nova geração de rebeldes havia surgido, e para
alegria dos bangers americanos que, a esta altura, estavam totalmente
rendidos a bandas europeias, pós-NWBHM, bem mais interessantes.
Apesar de toda a simplicidade, as raízes do thrash não estavam
ligadas musicalmente apenas às manifestações heavy recentes, como o
death metal, o punk-hardcore e coisas assim. O thrash não tinha
vergonha de ir buscar fontes no bom rock dos anos 70 e nem de roubar
andamentos do combatido e pomposo rock progressivo (como ousou
fazer sua mais notória representante, o Metallica). Como o punk, o
thrash já nasceu antropofágico e promíscuo musicalmente.
Basta notar que uma das características mais marcantes de qualquer
banda thrash de primeira hora são as longas introduções instrumentais
da maioria de seus temas, bem como o desenrolar de algumas canções.
Esse estilo foi apropriado, sem culpas, do rock progressivo, mesmo que
indiretamente ou sem intenção. Osmose, digamos.
Com tudo isso, o thrash metal conseguiu com que aqueles que
torciam o nariz para quaisquer manifestações metálicas dessem uma
chance para as bandas. Afinal, existem momentos que é quase
impossível diferenciar uma banda punk-crossover, como Suicidal
Tendencies, de uma banda tipicamente thrash, como o Slayer, por
exemplo. Tanto que elas excursionam juntas, numa boa.
Os outros exemplos de influência, sobretudo na parte de letras,
derivam diretamente de bandas clássicas, como o Black Sabbath. Já os
andamentos corridos do som thrash, que geralmente ocorrem em
intervalos durante as músicas, são herança atual. Esses andamentos
acelerados vieram diretamente do punk-hardcore, que, por sua vez,
emulavam do estilo speed e loud fast de bandas death. Parecem até
termos científicos, não?

O termo thrash (não confundir, como muitos ainda fazem, com


“trash”, lixo; thrash é igual a pancada, batida, por causa do modo como
os adeptos deste gênero se comportam nos shows; e daí a criação do
termo headbanger, “batedor de cabeça”, para defini-los) surgiu por volta
de 1982.
Do punk, seu primo mais próximo, vieram as ideias revolucionárias
de mudança e o estilo faça-você-mesmo (as emergentes bandas thrash
Heavy Metal 161
não dependiam de gravadoras para lançar seus discos e criavam seus
próprios selos, meios de distribuição e divulgação). Do hardcore, a
levada acelerada, principalmente da bateria. Do rock dos anos 70
(progressivo incluído), as longas introduções e durações das músicas. E
do death, as inspirações sombrias para as letras de algumas bandas,
principalmente do início.
Essas canções mais longas, hibridismo de punk com progressivo,
acabaram por criar outra característica própria dos headbangers adeptos
do thrash metal: o padrão mosh. Em sua definição original, o mosh é um
estado de espírito, um estado de euforia, que o banger alcança após se
dedicar longo tempo a audição (ou shows) de músicas thrash. O nirvana
dos bangers.
O mosh se instala progressivamente na cabeça de seus condutores,
como um estado de transe que se alcança aos poucos. Ele começa lento
como as introduções, padrão das músicas thrash; então desenvolve-se
um processo progressivo de aceleração até, de repente, chegar ao seu
clímax, quando então a música torna-se violentamente rápida e
selvagem, e as cabeças começam a bater cada vez mais rápido, os
pescoços a se contorcerem mais e mais, e os longos cabelos sacudirem
freneticamente, até que se atinge o estágio de mosh.
O mosh tem muito da pogo dance punk, pelo modo como a galera
se bate uma contra a outra; e da roda indígena hardcore, que abre
clarões no local dos shows. A única diferença está no fato de que, assim
como as tranças rasta, o mosh necessita de cabelos compridos para
“captar” suas “ondas”. O que não impede carecas de alcançá-lo, já que,
inspiradas na fase careca do vocalista Phil Anselmo, do Pantera, as
cabeças raspadas se multiplicaram no thrash.

Passados os anos, perdeu-se um pouco do sentido da palavra mosh,


que passou a significar tudo o que acontece durante um show de thrash
metal, desde o salto do palco ao pula-pula. O mosh também caiu no
domínio público. Ele pode ser presenciado em sessions de qualquer
banda grunge ou da cena alternativa que seja um pouco mais agitada.
Mas seus adeptos não podem reclamar, já que ele se derivou das várias
danças punk. E como o punk recentemente reviveu nos Estados Unidos
através do grunge rock, fechou-se um círculo. Ou uma roda mosh (que
lembra o ataque dos índios às carroças dos pioneiros).

162 Tom Leão


Com tudo isso, o mosh não é mais apenas o estado de transe que os
bangers alcançavam antes. Ele agora inclui também os stage dives
(pulos do palco, quando alguém sobe e se joga nos braços e cabeças da
galera, outra herança punk, disseminada principalmente pela plateia de
bandas como Dead Kennedys e Black Flag). Os puristas não gostam que
se confundam as coisas, mas a esta altura do campeonato fica difícil
dizer o que é uma coisa e o que é outra.

O thrash metal como nós conhecemos, começou a surgir de fato —


e assim a ser chamado — a partir de 1982, quando as bandas expoentes
do gênero começaram a se manifestar e a se destacar por criarem
rapidamente uma legião de seguidores. E também um estilo próprio de
visual, que mixava o look skatista de alguns adeptos do punk-hardcore
com o metal.
A transição para a primeira banda realmente thrash, após um
período em que vários estilos se confundiam e ainda não dava para
identificar perfeitamente uma banda do gênero, deu-se através do
Venom, que serviu de modelo para bandas thrash mais darks como o
Slayer, entre outras.
Ao lado do Slayer, a outra futura grande banda de thrash metal a
surgir e a assumir o gênero foi o Metallica. Ela foi seguida de perto por
outras bandas, predominantemente americanas (e muitas da Bay Área de
São Francisco), como Exodus, Megadeth, Metal Church, Nuclear
Assault, Celtic Frost, Napalm Death, Anthrax e a canadense Voivod. O
Slayer já existia antes destas e já era reconhecida, mas diferia um pouco
por promover um crossover entre death e thrash (que inspiraria em parte
o nosso Sepultura, por exemplo).

Embora reunisse basicamente bandas americanas em seus


primórdios, o thrash metal acabou por se tornar um gênero mais popular
e difundido fora dos Estados Unidos. Mas isso só aconteceu a partir de
meados dos anos 80, quando o thrash já estava consolidado. E um dos
mais famosos filhos mundiais do thrash, fora do domínio anglo-saxão,
atualmente é a banda brasileira Sepultura.
Mas foram os americanos quem abraçaram mais forte o novo estilo
no começo. Era de lá que saíam seus representantes mais originais e que
fizeram a fama no decorrer da década de 80. E, por causa do destaque
Heavy Metal 163
Ao centro, careca, o vocalista do Pantera, Phil Anselmo referência de atitude
e no jeito de cantar para muitos cantores de som thrash dos anos 90

164 Tom Leão


alcançado pelo Metallica, uma banda de São Francisco (bem como
grande parte de suas seguidoras citadas acima), logo formou-se uma
cena thrash na cidade que ganhou o apelido de “Bay Área Sound”. E até
um jornalzine próprio, o BAM (Bay Área Music).
Essa cena incluía bandas como Death Angel, Blind Illusion,
Hellhound, Dark Angel e Legacy. Esta última, mais tarde mudou seu
nome para Testament e é das poucas da lista das primeiras bandas thrash
do segundo time a se manter na ativa (oTestament se apresentou no
Brasil em 92). Essa fervilhante cena rivalizou e ofuscou a cena rock de
Los Angeles, então totalmente glam.
Por isso não foi difícil o alastramento do thrash. Logo, com a fama
obtida por bandas como Metallica e Slayer, o thrash metal passou a se
disseminar pelo resto do mundo. Um dos países que acolheu o thrash
com mais fervor, nos primeiros anos do gênero, foi a Alemanha. Lá é
que se formou a cena europeia mais forte, que inclui bandas como
Kreator (muito popular aqui e que por isso já esteve duas vezes no
Brasil no final dos anos 80), Destruction, Assassin, Sodom, Iron Angel
e Helloween, entre outras de menor calibre.
Destas, a que se tornou mais famosa foi o Kreator. A decepção
ficou por conta do Helloween, que, após fazer fama entre os thrashers
internacionais, foi contratada pela mesma gravadora do Iron Maiden e
daí por diante tornou-se uma cópia pálida da banda inglesa, perdendo
credibilidade entre seus fãs, embora tenha feito bom dinheiro com sua
“conversão”. Mas não engana ninguém.

No final dos anos 80, a cena thrash americana perdeu seu embalo.
A maioria das bandas já havia assinado com grandes gravadoras e se
tornado mainstream, ou mais conhecidas e não tão underground como
no início. Os clips não eram mais barrados na MTV e o thrash, de
oposição, passou a situação. Era hora (mais uma vez) de renovação.
E essa troca de guarda novamente aconteceu nos Estados Unidos,
que, de meados da década de 80 para cá, teve sua cena rock
superfortalecida e quase abafou as bandas britânicas que reinavam até
então, tanto no metal e no pop, quanto no rock pós-punk e new wave. O
elemento de mudança foi um tipo de rock de garagem bem barulhento
apelidado de grunge rock.
Os bangers cederam seu espaço para o grunge (barulho) rock, outra
manifestação pós-punk tão ou mais forte quanto fora o thrash. E como
Heavy Metal 165
acontecera no thrash, que descentralizou a cena rock americana do eixo
Los Angeles-Nova York, as bandas grunge vinham, na sua maioria, de
Seattle.
Mas o thrash ainda continuou forte na Europa. Das bandas thrash mais
recentes, as que conseguiram mais destaque foram Possessed, Cannibal
Corpse, Deicide, Morbid Angel (que também já veio ao Brasil) e Death.
Mas, como o nome sugere, elas mais se parecem com bandas death metal.
Outra banda thrash europeia que incorreu no mesmo erro do
Helloween foi o Celtic Frost. Após algum tempo gravando
independentemente, bastou conseguir um contrato com uma grande
gravadora para decepcionar os fãs. O Celtic Frost transformou-se numa
irreconhecível banda “farofa”. Vendida mesmo.
Nos anos 90, apenas duas bandas thrash conseguiram se destacar e
cavar seu espaço na cena rock geral: os brasileiros do Sepultura e os
texanos do Pantera (uma banda originalmente glam que mudou
radicalmente quando assumiu os vocais o feroz Phil Anselmo). E da
Escócia, quem diria, a banda Almighty, que vem aumentando sua
popularidade passo a passo. Soando como uma espécie de Pantera da
Europa, o Almighty veio ao Brasil no final de 94 a bordo de uma turnê
do Megadeth. Não se pode negar as qualidades da banda.
Voltando ao thrash em si, nesse meio tempo (de 1982 até os dias de
hoje), várias bandas thrash foram e voltaram, mas nenhuma se tornou
tão grande e popular, sem perder o fio da meada, como o Metallica.
Após vários anos de militância independente — e mesmo assim
conseguindo colocar seus discos entre os 100 mais vendidos da parada
da revista Billboard, termômetro da indústria musical — o Metallica
acabou ganhando um contrato interessante com a gravadora americana
Elektra Records, tornando-se assim a primeira banda thrash a assinar
com uma major (grande gravadora com distribuição internacional). Um
grande feito que abriu caminho para as outras.
Muitos não hesitam em afirmar que o Metallica é o Led Zeppelin
das bandas thrash. Comparações à parte, não deixa lá de ter seu fundo
de verdade. A própria trajetória da banda, com altos e baixos e voltas
por cima heróicas, criou uma imagem mítica para os fãs. Fãs estes que
ajudaram a consolidar o prestígio do Metallica. E por isso a banda até
hoje promove shows e eventos exclusivamente dirigidos aos fãs. Como
na turnê de 92/93, na qual eles armaram um mosh pit no meio do palco
só para fãs e convidados.
166 Tom Leão
Filha dileta da Bay Área de São Francisco, na costa oeste
americana, o Metallica formou-se em 1981 através do encontro do
baterista dinamarquês e residente nos Estados Unidos, Lars Ulrich, com
o guitarrista e vocalista James Hetfield. Completava o time na primeira
formação o baixista Ron McGovney e o guitarrista Dave Mustaine. O
Metallica nunca negou que sua principal influência era o Motörhead.
Contudo, eles misturaram essa influência com toques pessoais, que
ajudaram em muito a definir o conceito de thrash.
Os primeiros cinco anos da caminhada do Metallica rumo ao
estrelato foram bastante duros. A banda começou a carreira musical
com uma música, “Hit the light”, incluída numa coletânea chamada
Metal massacre I, lançada pelo selo independente Metal Blade, de Los
Angeles. Após gravarem algumas fitas demo, o Metallica mudou de
baixista, convocando Cliff Burton, que vinha da banda Trauma, de São
Francisco, e que era um fã a distância e um skatista amigo de Hetfield.

Logo em seguida, era a vez do guitarrista Dave Mustaine, de ego e


temperamento difícil, sair para formar sua própria banda, o Megadeth.
No lugar de Mustaine entrou Kirk Hammett, que era guitarrista do
Exodus.
Com uma formação mais sólida e afinada, o Metallica começou a
construir sua reputação, fazendo centenas de shows em todos os lugares
possíveis, sempre lançando fitas demo, vendidas nos shows e que
serviam de cartão de apresentação e de divulgação do som da banda
entre os bangers. Logo, Metallica uniu forças com a recém formada
gravadora independente MegaForce, baseada em Nova York, pela qual
lançaram seus primeiros LPs, que posteriormente tiveram os direitos
comprados e foram relançados mundialmente.
O primeiro deles foi Kill 'em all (83), um disco barato, mas
eficiente e que rapidamente emplacou os hits “The four horsemen”,
“Jump in the fire” e “Seek and destroy”, bem como uma nova versão
para “Hit the lights”. No geral, Kill 'em all não era um disco de fazer
sombra a qualquer disco do Venom, que então reinava, mas já tinha
alguns dos elementos que fariam do Metallica uma banda única dentro
da cena thrash. Eles possuíam aquele toque especial.
Lançado na Europa através de outro selo independente, o Music For
Nations, o disco alcançou um resultado razoável, o bastante para levar a
banda em turnê pelo velho continente. Abrindo shows para, imaginem
Heavy Metal 167
quem, o Venom! Foi o encontro de criador com criatura. E rolou um
ciúme brabo.
O resultado da turnê europeia foi tão bom que o Metallica acabou
encontrando por lá o produtor de seu próximo disco — e de mais alguns
discos dali por diante — o alemão Fleming Rasmussen, que viu no
Metallica um diamante a ser lapidado. E a lapidação (que não significou
concessão ou qualquer limpeza no som) começou com o disco Ride the
lightning, lançado em 1984.
Do disco, destacaram-se faixas como “Trapped under ice” e “Fade
to black”, que começaram a desenvolver a faceta “progressiva” do
Metallica em seus arranjos, quase orquestrais e de longos andamentos.
Mas ainda não era o estouro do Metallica. O que, no entanto, não
tardaria a acontecer.

O sucesso mesmo começou a rolar com o lançamento do disco


seguinte, o já clássico Master of puppets, de 85, e que teve como
suporte de divulgação a participação da banda no famoso festival de
Castle Donnington, o Monsters of Rock, que, anualmente, reúne a nata
das bandas do universo heavy metal para uma plateia altamente
exigente. Neste festival, o Metallica abriu para bandas então mais
famosas como Bon Jovi, Marillion, Ratt e ZZ Top.
Com o sucesso acontecendo na Europa, o Metallica praticamente
não voltava mais para casa e seguia em imensas turnês por diversos
países.
Tudo corria bem como nunca. Master of puppets foi o disco que
lançou de vez o nome do Metallica para o mundo, e, além da faixa-
título, destacava faixas como “Welcome home (sanitarium)”, que
serviram para perpetrar ainda mais não só o estilo do Metallica como o
próprio thrash metal, que viu nascer ali riffs que se tornaram standards
para as bandas que viriam a seguir. E que seguiram direitinho a cartilha.
Infelizmente, essa maré de sorte não duraria muito para a banda. Já
com o nome firmado, lotando arenas e rivalizando em fama com os
grandes nomes para os quais ainda abriam shows (como Ozzy
Osbourne, por exemplo), uma armadilha do destino estava armada para
a banda no dia 27 de setembro de 1986, uma data tragicamente marcada
e lembrada por todos os fãs.
Numa viagem de ônibus, entre Estocolmo e Copenhague, por
caminhos cobertos de neve, um acidente: o veículo tomba e mata o
168 Tom Leão
baixista Cliff Burton, que estava dormindo ao lado de uma janela sem
proteção. Foi um choque para todos, principalmente para Kirk Hammet,
que era a pessoa que sempre dormia naquele lugar e o havia perdido
para Burton numa disputa de cara ou coroa. Kirk demorou a superar o
trauma, mas nunca esqueceu a data.
Acabava ali a carreira de um dos mais promissores músicos do
metal de qualquer época. A morte de Burton abalou o mundo do metal e
a banda optou por se retirar de cena por alguns meses, justo quando
estava no auge da fama, dos shows, do sucesso de vendas de Ride the
lightning, seu disco de maior repercussão até então. Tempo para pensar
e curtir a dor.

Passada a tragédia, aos poucos a banda retornou à cena. O primeiro


passo foi convocar um novo baixista. Ele apareceu na figura de Jason
Newsted, um alucinado fã de carteirinha da banda e que tocava baixo no
Flotsam & Jetsam, banda que chegou a lançar alguns discos. Ele não
precisou de muitos argumentos para convencer a banda e ocupar o
cargo. Todos viram em Jason a pessoa perfeita para o cargo: um
verdadeiro fã do Metallica, uma banda que devia tudo aos fãs. Mas os
fãs demoraram um pouco a aceitar Jason e o ignoraram num primeiro
momento, tratando-o com certo desprezo.
Com a banda nos eixos outra vez, o Metallica retornou para a
estrada no começo de 1987 e, enquanto um novo disco não era lançado,
a banda transformou em vinil uma velha experiência dos tempos das
fitas demo e que ganhou o nome de Garage days re-revisited. Neste
álbum (na verdade um EP, ou mini-LP), o Metallica recria no clima da
garagem onde ensaiavam, algumas de suas músicas preferidas de outras
bandas como Diamond Head, Budgie e Misfits, entre outras. Foi o
primeiro disco da banda a ser lançado pelo selo Vertigo da Phonogram
(braço da poderosa PolyGram) com o qual assinaram para a distribuição
de seus discos fora dos Estados Unidos, onde ainda eram, e são, artistas
contratados da Elektra (por sua vez, ligada a Warner).
O Metallica fechou 87 com uma superapresentação na nova edição
do festival de Donington — desta vez subindo alguns degraus na lista
das atrações, passando de última da fila, para terceira. O festival foi
encabeçado por Bon Jovi e teve ainda Dio, W.A.S.P. e os embonecados
Cinderella.

Heavy Metal 169


O Suicidal tem um disco cujo título define bem o som dos caras (traduzindo):
“Continuamos psycho depois de todos esses anos”!

170 Tom Leão


Fazendo companhia ao Metallica, outra banda thrash já com boa
reputação, o Anthrax. Neste ponto, o Metallica já não era mais uma
banda americana em busca da fama na Europa. Seus discos emplacavam
entre os 30 mais vendidos e a banda já era considerada a maior do
thrash metal.
Mesmo assim, tudo isso ainda era pouco perto do que estava para
acontecer com o Metallica. Nem eles mesmos podiam advinhar.

Quando 88 chegou, e com ele um novo disco da banda, desta vez


um álbum duplo, o magistral ...and justice for all, é que as coisas
começaram a ficar realmente boas para a banda. ...and justice for all não
só é o melhor disco desta primeira fase do Metallica e do thrash metal,
como também um dos melhores discos de heavy metal já lançados em
todos os tempos.
O disco vendeu de cara mais de 100 mil cópias na Inglaterra e
entrou batido nas paradas americanas (onde chegou a dois milhões de
cópias em pouco tempo), elevando o Metallica ao patamar de
superbanda, disputando palmo a palmo posições com outro disco de
rock marcante daquele período fértil, final dos 80, o ótimo álbum de
estreia dos Guns N' Roses, Appetite for destruction.
...and justice for all abria novos caminhos musicais para o
Metallica e para o thrash. E músicas como “Blackened” e “Harvester of
sorrow” soavam de uma maneira como nenhuma outra banda thrash
conseguia fazer igual ou parecido. Mas a música que marcou o disco foi
“One”, uma canção antibelicista que impressionava tanto por sua letra e
melodia, quanto pelas imagens do clip feito para ela. Foi o primeiro clip
feito pelo Metallica em toda a sua carreira. E não foi um clip qualquer.
Em sua versão original (a música tem mais de sete minutos) ele inclui
cenas chocantes do filme Johnny vai a guerra, de Dalton Trumbo. Uma
versão reduzida e sem as cenas (proibidas em algumas redes de TV)
teve que ser feita e obteve a aprovação da banda.
Daí por diante, nada mais de abrir para outras bandas. Agora
Metallica era o headline. E os shows da turnê ...and justice for all foram
alguns dos melhores shows da própria história do metal. Este seu
escriba teve o privilégio de assistir a uma das apresentações desta turnê
no final de 1989 na Irvine Meadows Arena, na Califórnia (aberta pela
então desconhecida Faith No More, outra banda da Bay Área de São
Francisco) e ficou pasmo com o que viu.
Heavy Metal 171
O Metallica apresentou algo próximo de uma ópera thrash, num
show altamente sofisticado (mas longe da pomposidade dos
progressivos) e que tinha uma base conceitual. Assim como o nome do
disco indicava de forma irônica, eles questionavam a justiça. Nesse
mesmo ano, o Metallica veio pela primeira vez ao Brasil (mas apenas
com o equipamento básico de palco, sem a produção do show
americano) onde já possuía milhares de fiéis adeptos, o bastante para
encher os ginásios por onde tocou, no Rio, em São Paulo e em Porto
Alegre. Fãs que se multiplicaram por mil quando o grupo voltou ao
Brasil, em 93, desta vez para duas únicas e superlotadas apresentações
no estádio do Palmeiras, em São Paulo. E quase voltaram outra vez para
o Hollywood Rock 96.
Mas a consagração (para muitos, concessão) em escala mundial,
para além dos fãs do thrash, iria acontecer com o mais ambicioso disco
da banda lançado até hoje, o famoso álbum preto, simplesmente
chamado Metallica, que a banda lançou em 92. Com este disco, o
Metallica consolidou de vez seu nome na História do heavy metal,
emplacando sucessivos clips na MTV (sim, agora eles não tinham mais
nada contra fazer clips), hits em rádios não apenas especializadas em
rock (como “Nothing else matters”, considerada a “Stairway to heaven”
do grupo), ao lado de outras como “Enter sandman”, “The unforgiven”
e “Sad, but true”. Uma fileira de singles de sucesso.
O disco, produzido pelo veterano Bob Rock, levou vários meses
para ser gravado (e ficou vários meses nas paradas) e vendeu sozinho
mais que todos os discos anteriores da banda juntos. Com essa fartura
toda, a banda desde então está fora dos estúdios, concentrando-se
apenas nos shows e lançando singles (com faixas raras) e vídeos. O
sucessor não pode ser qualquer disco.
O vídeo mais completo chama-se A year and a half in the life of
Metallica (com duas fitas), que, como o nome indica, acompanha a
banda durante um ano e meio, desde as bases do disco preto até a
entrada em turnê do grupo, com muitas cenas de bastidores, revelações
e histórias que todos os fãs sempre quiseram ouvir e saber. Foi lançado
no Brasil em 1994.

Com esse sucesso todo do Metallica, sobrou o que para as outras


bandas thrash? Muita coisa. Outra bem sucedida delas — e que se
destacou por também criar um estilo próprio — é justamente o
172 Tom Leão
Megadeth. A banda foi formada por um dissidente do Metallica, o
guitarrista, vocalista e letrista Dave Mustaine, que, mesmo com todo o
sucesso obtido pelo Metallica depois de sua saída, não deve ter ficado
incomodado ou ressentido.
Isto porque a saída de Mustaine proporcionou o surgimento de
outra banda importante do thrash, e que, à sua maneira, também serviu
para lapidar e definir padrões do gênero. O mais curioso é que o
Megadeth não veio para rivalizar com o Metallica, mas para somar. Os
fãs fazem intercessões entre as bandas (embora elas não dividam shows
por razões pessoais) e todos saem ganhando.
Ao contrário do Metallica, que, para o bem ou para o mal, evoluiu
numa direção mais melódica e aceitável por parte do grande público, o
Megadeth, ao que parece, trilha um caminho cada vez mais radical.
Contudo, não obtém o mesmo sucesso comercial. O Megadeth não
chega aos milhões, mas realiza discos que vendem o bastante para
manter o nome da banda em evidência e lhe proporcionam boa grana
para a sobrevivência.
Com uma formação que troca praticamente a cada disco lançado, o
Megadeth só tem de fixo mesmo o seu líder Mustaine e o baixista Dave
Ellefson. O primeiro disco da banda, ainda independente, foi Killing is
my business...and business is good, que, de cara, já mostrava as
diferenças entre Megadeth e Metallica. O som do Megadeth é mais
nervoso e o conteúdo das letras dos primeiros discos era mais político
que o usual.
O Megadeth (errado assim mesmo, ao invés de Megadeath), através
das letras de Mustaine, está sempre tratando de temas que tem a política
como pano de fundo. Sejam questões nucleares, ecológicas ou similares.
Afinal, o nome da banda não é à toa. Ele representa a morte em grande
escala de seres humanos por radiação nuclear, provocada por uma
guerra atômica.
Contudo, uma parte das letras trilha as raias da insanidade. Isto
porque Mustaine esteve mergulhado durante muito tempo no mundo das
drogas pesadas e fez disso seu elemento inspirador e também sua
terapia. Ele explora a loucura e suas próprias experiências com as
drogas, das quais já está livre após temporadas em clínicas
especializadas. Tudo isso faz do som do Megadeth algo muito pessoal e
ligado a Mustaine, o que resulta nas constantes trocas de bateristas e
segundos guitarristas na banda.
Heavy Metal 173
O guitarrista Dave Mustaine saiu do Metallica e montou o Megadeth: letras misturam
política e viagens com drogas pesadas — e o som continua pesado disco após disco

174 Tom Leão


Voltando à carreira discográfica, dois anos depois do primeiro
álbum independente, o Megadeth assina com a forte Capitol Records e
lança o excelente Peace sells...but who's buying? (86), outro disco com
título cínico e crítico, que conseguiu o feito de chegar ao top 10 da
parada americana, embora não tenha nenhum single ou a chamada faixa
de destaque para tocar em rádio. O disco só funcionava como um todo.
Neste disco (lançado no Brasil, bem como todos os demais da
banda) o Megadeth exibiu uma faceta musical que beirava a um
hibridismo insano, algo parecido com jazz e thrash, devido a cultura
musical de seus integrantes. As pessoas que queriam distância de
qualquer coisa ligada a heavy metal, e principalmente ao thrash,
surpreendiam-se com o som do disco.
Um ano de estrada e a banda entra em estúdio para lançar seu mais
popular disco até então, So far, so good, so what?, de 1987, que soava
emblemático para o thrash metal ao trazer uma versão pessoal para
“Anarchy in the U.K.”, dos Sex Pistols (que contou com a participação
do próprio baixista original dos Pistols, Steve Jones, então morando em
Los Angeles, vizinho de Mustaine), rebatizada para “Anarchy in the
U.S.A.” e dirigida para o então presidente americano Ronald Reagan.
Entre um disco e outro, o Megadeth se especializou em emplacar
faixas inéditas em trilhas sonoras para cinema. Fez isso para Shocker, de
Wes Craven (o criador de Freddy Krueger); para Dudes, de Penelope
Spheeris; e para o primeiro filme da dupla Bill & Ted, Excellent
adventure.

Mas seu maior hit em trilha sonora e também o grande sucesso do


disco So far, so good..., foi “In my darkest hour”. Primeiramente
apresentada na trilha sonora do filme The decline of western civilization
II: the metal years, sobre a cena speed, glam, thrash da Califórnia, a
música foi um dos melhores momentos até hoje na carreira do
Megadeth. Na comparação, seria como “One”, que representou muito
para o Metallica. Sem a mesma amplitude.
Falando nisso, “In my darkest hour” não só é uma das mais
inspiradas canções de Mustaine, como tem profunda ligação com um
membro de sua primeira banda. Mustaine confessou tê-la escrito
influenciado pela morte de Cliff Burton, do Metallica, de quem era
grande amigo. A música realmente passa um sentimento raro no thrash e
é um clássico de fato.
Heavy Metal 175
Sem ter cortado o mesmo dobrado do Metallica em seus primeiros
anos, cada disco do Megadeth é sucesso certo, pelo menos nos Estados
Unidos, onde as turnês ocorrem sempre com casa cheia e a banda firma
sua reputação. A banda também teve seu grande momento no festival
Monsters of Rock (aquele de Castle Donnington), no qual se apresentou
em 1988 ao lado de nomes como Iron Maiden, Kiss, Guns N' Roses e
Helloween.
A boa reputação que o Megadeth tem em shows pôde ser
comprovada ao vivo, aqui no Brasil, por ocasião do Rock In Rio II, em
1990. O Megadeth apresentou simplesmente um dos shows de som mais
alto e barulhento que já se ouviu por aqui (num dia aberto pelo
Sepultura, que não teve o mesmo tempo em palco e nem as mesmas
vantagens técnicas de seu primo mais rico). O Maracanã tremeu mais
quem em dia de Fla-Flu.
Infelizmente, o disco que a banda estava lançando na época, Rust in
peace, não era dos mais inspirados. Ele trazia mudanças, mas
musicalmente soava muito monótono, embora bastante pesado. Grande
parte dessa falta de inspiração deu-se porque foi nessa época que
Mustaine passou por seus maiores problemas com as drogas, que
também envolveram Dave Ellefson.
Ainda assim, a banda garantiu seu sucesso e, em 1992, lançou um
de seus melhores discos, Countdown to extinction, no qual Mustaine
conseguiu mesclar seu lado político com as loucuras pessoais e fazer
músicas como “Symphony of destruction”, desta vez apontando sua
metralhadora de palavras duras para outro presidente americano, George
Bush.
Atualmente o Megadeth ocupa lugar de destaque entre as bandas
thrash por ter “herdado” fãs dissidentes do Metallica, que acham o
trabalho atual desta banda muito comercial e pouco pesado para os
headbangers. Seu disco mais recente, Youthanasia, trouxe a banda de
volta ao Brasil, em dezembro de 1994.

Na história do metal, a outra banda que, junto com Metallica,


Megadeth e Slayer, forma uma das pontas da estrela do thrash metal é o
Anthrax. É mais uma banda americana. Mas, ao contrário de Metallica e
Megadeth, não vem da Califórnia. A base do Anthrax é Nova York.
Também decana e ainda fazendo muito sucesso — como os brasileiros
puderam apreciar ao vivo na sua passagem por aqui em meados de 93,
176 Tom Leão
O Clássico do Anthrax, State of Euphoria, de 1988, com a formação que os tornou
famosos: Joe Belladonna nos vocais, Scott Ian na guitarra, Charlie Benante na bateria,
Frank Bello no baixo e Dan Spitz na outra guitarra

Heavy Metal 177


já com o novo vocalista, John Bush — o Anthrax é também a mais
divertida delas.
Embora, na cena rock em geral dos Estados Unidos, a Califórnia
seja o local que tem a fama de dar à luz as bandas mais engraçadas e de
veia mais divertida, enquanto as bandas de Nova York posam de
“sérias”. Mas o Anthrax veio e quebrou essa regra. E não podia ser
diferente. A banda vem da mesma área dos alucinados Beastie Boys, o
Brooklyn, um reduto predominantemente de bandas de rap. De onde
saiu o Biohazard, por exemplo.
O nome Anthrax refere-se a um vírus mortal que ataca as ovelhas e
o gado, mas que pode matar também os seres humanos. Apesar do nome
sinistro, o Anthrax sempre balanceou seu thrash entre letras de temática
político-social com outras simplesmente divertidas. Basta lembrar de
“I’m the man”, cuja base mistura a tradicional canção judaica “Rava
naguila” com um jeito rap de cantar (um pioneiro crossover rap com
heavy metal, hoje em dia tão em voga) e fala um bando de absurdos e
obcenidades (tanto que tem diversas versões).

O Anthrax nunca teve pudores em cruzar o rap e hip-hop com o


thrash, sendo a pioneira neste cruzamento de fronteiras, embora alguns
fãs na época (meados dos anos 80) tenham torcido o nariz. Ainda bem.
Só assim a banda pôde realizar, mais recentemente, uma parceria com o
temido grupo de rap Public Enemy, na música “Bring the noise”
(rebatizada “Bring da noize”).
Criado em 81 pelo guitarrista Scott Ian, a primeira formação do
Anthrax diferia muito da que ficou famosa depois. O grupo começou
como um quinteto e a princípio tocava muitas covers (daí ter lançado há
alguns anos o disco Attack of the killer B's, composto só por
regravações feitas ao longo da carreira).
A formação clássica da banda, além de Ian (que eventualmente toca
baixo e fora da banda costuma escrever para fanzines e revistas), incluía
o vocalista e guitarrista Joey Belladona (que deixou a banda antes do
lançamento do seu mais recente disco, Sound of white noise, dando
lugar a John Bush), o baterista Charlie Benante, o baixista Frank Bello e
o segundo guitarrista Dan Spitz.
O Anthrax também começou gravando pelo selo MegaForce (que
lançou o Metallica) e seu primeiro disco foi Fistful of metal, gravado
em1983, mas só lançado no começo de 84, após alguns compactos e
178 Tom Leão
EPs por vias alternativas. Por ser da mesma gravadora e não ter
problemas pessoais com a banda, no começo Anthrax e Metallica
dividiram vários shows.
A princípio o Anthrax também se utilizou de referências do death
metal em seu som e visual, com capas de discos trazendo figuras do
diabo (como no segundo, Among the living, que lhe abriu as portas do
sucesso). Na sequência, e como fizeram Metallica e Megadeth, o
Anthrax também mostrou suas influências ao gravar o EP Armed and
dangerous. O disco trazia, entre outras, uma versão para “God save the
queen”, dos Sex Pistols, provando definitivamente a ligação do thrash
com o punk.
E entre um disco e outro, alguns de seus integrantes participam dos
projetos S.O.D. (mais tarde, M.O.D.), que chegou a lançar alguns
discos.
Por fim, mas não por último, a primeira banda realmente thrash, e
que mantém até hoje praticamente intactas suas características: o Slayer.
Formada originalmente como uma banda cover que tocava músicas
de Deep Purple, Judas Priest e Iron Maiden, o Slayer é uma banda local
de Los Angeles. O fato de ter surgido em Los Angeles, no começo dos
anos 80, fez com que as pessoas rissem da banda no princípio, por causa
de sua postura e seu som totalmente diferente do feito pelas bandas
posers da cidade. Ainda bem que eles não ligaram para os comentários e
acreditaram em seu estilo.
Composto pelo baixista e vocalista Tom Araya; os guitarristas
Kerry King e Jeff Hanneman; e o baterista Dave Lombardo, o Slayer
rapidamente encontrou o seu caminho ao abraçar o thrash da maneira
mais pesada que poderia. Com exceção do Metallica, o Slayer é
certamente a banda mais influente do thrash. Durante seus primeiros
anos, o Slayer reinou supremo nos undergrounds, tendo seu trabalho
divulgado apenas através de fanzines, discos independentes e shows em
lugares fora de rota. Com tudo isso, logo o Slayer virou uma cult band,
talvez uma das mais fervorosamente cultuadas pelos adeptos do metal
em muito tempo. A carreira fonográfica da banda (que começou a tocar
pra valer como Slayer em 82) deu seus primeiros passos em 83, quando
teve uma faixa incluída na coletânea Metal massacre III, da Metal
Blade. A imediata boa recepção logo levou a banda a lançar seu
primeiro disco.

Heavy Metal 179


No final de 83, saía Show no mercy, que logo se tranformou numa
obra-prima do metal e foi saudado entusiasticamente pelas revistas
especializadas. Como o Slayer era diferente de quase tudo o que se fazia
em termos de metal na época, logo a banda foi adotada tanto por
bangers tradicionais como por punks e fãs de hardcore e death. A sede
do público por mais Slayer em disco foi tanta que eles lançaram em
seguida o EP de três faixas Haunting the chapell e que acompanhou a
primeira turnê da banda pelos Estados Unidos em 84.

Após a turnê, a banda entrou em estúdio e lançou, no início de


1985, o esperado Hell awaits, que estabeleceu o Slayer como uma das
bandas mais originais e inovadoras do metal. O que acabou chamando a
atenção das grandes gravadoras e de uma maior audiência.
O esperto Rick Rubin (produtor do Danzig e dono da gravadora
independente Def American) saiu na frente e contratou a banda, que
lançou seu primeiro disco com distribuição internacional, Reign in
blood, em outubro de 1986. O disco superou todas as expectativas e, na
época, vendeu mais de 500 mil cópias apenas nos Estados Unidos.
Ao mesmo tempo em que fazia sucesso, o disco provocou alguma
polêmica na Inglaterra por conta do single “Angel of death”, que fala
das atividades do sinistro carrasco nazista Joseph Mengele. A banda
teve que explicar o que era óbvio na letra: que eles não estavam fazendo
apologia ao carrasco, apenas usando-o como mero objeto de narrativa.
Mesmo assim, Tom Araya ficou com uma pequena fama de nazi e a
banda de ter ideais fascistas. A propósito, Tom Araya, que é chileno,
respondeu a imprensa: “Como podem me chamar de nazi? Nasci num
país sul-americano e um de meus melhores amigos é negro”.
Para complicar as coisas um pouco mais, o baterista Dave
Lombardo saiu da banda por problemas familiares. É que a mulher dele
insistia em acompanhar as turnês da banda, o que causava problemas
entre os outros integrantes do Slayer. O curioso é que, após algum
impasse, Lombardo acabou voltando para a banda por sugestão de sua
mulher.
Passados estes impasses, a banda voltou a ativa e, em 1988, lançou
o disco que levou um pouco mais de melodia para o som do Slayer,
South of heaven. Não que ele seja menos pesado que os outros, apenas
melhorado tecnicamente. Mesmo assim, o disco que apresentaria
realmente novidades ao som da banda ainda estava por vir. Foi Seasons
180 Tom Leão
in the abyss (90), o recordista de vendas na carreira do Slayer, recorde
ainda não batido.

O disco combinava antigas influências com novos caminhos e abriu


o leque de influências da banda. À parte a carreira da banda, Kerry
King, um dos melhores guitarristas do metal contemporâneo, emprestou
sua furiosa guitarra para os solos da música “Fight for your right (to
party)”, dos Beastie Boys (outro grupo lançado por Rick Rubin), um dos
maiores sucessos do trio de rappers.
Paralelo aos discos regulares do Slayer, a banda gravou uma versão
bastante pessoal para o clássico proto-metal “In-A-Gadda-Da-Vida”, do
Iron Butterfly, para a trilha do filme Abaixo de zero, organizada por
Rubin.
Com o nome definitivamente cravado na galeria da fama do metal,
o Slayer descansou nos últimos anos e lançou apenas um álbum duplo
ao vivo. No começo de 92, Dave Lombardo deixou a banda de uma vez
por todas, sendo substituído por Paul Bostaph, ex-batera do Forbidden.
Os brasileiros tiveram a sorte de finalmente assistir o Slayer ao
vivo, por ocasião da primeira edição local do festival Monsters of Rock
(que reuniu Kiss, Black Sabbath, Slayer e Suicidal Tendencies num
show em São Paulo), em agosto de 1994. Contudo, a banda acabou
realizando uma apresentação bem melhor num show em seguida, na
casa Imperator (aberto pelo Suicidal), no Rio. Apresentando material de
seu mais recente disco, Divine intervention, o Slayer provou que ainda
está vivo e bem disposto, com um dos shows de metal mais pesados e
bem produzidos já vistos por estas plagas. O volume de arrebentar os
tímpanos e a forte presença de palco da banda causou catarse coletiva
numa plateia de bangers ensandecidos.

Os anos 90 mostram novos caminhos para o metal e o thrash já deu


o que tinha que dar, sendo uma forte marca dos anos 80. Contudo, suas
bandas principais ainda brilharão por muitos anos na arena metal.

Heavy Metal 181


14. GLAM METAL: QUANTO MAIS PURPURINA, MELHOR

Heavy metal é talvez o reduto mais machista de todas as vertentes


do rock. O que não impede que apareçam de vez em quando mulheres
como Joan Jett. Mas o que dizer de homens maquiados, em roupas
colantes e espalhafatosas e fazendo beicinho? Coisa de viado?
Nem tanto. Durante um período da primeira metade dos anos 70, o
glitter rock surgiu e revelou nomes importantes como Marc Bolan & T-
Rex, Slade, Sweet, Gary Glitter e os New York Dolls. Até mesmo Alice
Cooper e o Kiss foram considerados glitter numa fase de suas carreiras.
O que caracteriza um artista ou banda do gênero? Como o nome
diz, glitter é igual a brilho, purpurina. O nome veio por causa das roupas
que estes artistas usavam. Calças rosas, roxas, de cetim ou veludo,
camisas com brilhos e golas, rostos com maquiagem cintilante e coisas
do tipo. Parece look de drag queen “montada”, mas não era bem assim.
Como o glitter rock surgiu numa época de revoluções sexuais, ele
levava as mudanças para dentro do rock através de bandas com
integrantes de visual e poses andróginas (Marc Bolan e a rapaziada dos
New York Dolls), e de outros que ficavam apenas no visual, mas não na
atitude (Slade, Sweet). Claro, o glitter surgiu na Inglaterra e seu maior
representante se chama justamente Gary Glitter.
Como os ingleses sempre foram mais excêntricos que os
americanos, as bandas yankees que usaram o estilo (exceto os NY
Dolls), como Kiss e Alice Cooper, não caíam tanto para o lado
comportamental, ficando apenas no visual. E o que essa boiolice toda
tem a ver com heavy metal? É inegável que o som de Marc Bolan & T-
Rex de certa forma tinha seu pezinho no metal (vide seu clássico “Metal
guru”), mas tudo teria realmente a ver com o metal na Califórnia dos
anos 80.

Tudo começou na Sunset Strip, em Hollywood, o trecho mais


quente de Sunset Boulevard, e que abrigou (e abriga) os mais famosos
clubes de rock de Los Angeles. Como o Gazzarri's (já fechado), The
Roxy, The Whisky a Go-Go, The Rainbow e outros menos cotados.

182 Tom Leão


No começo dos anos 80, este circuito começou a fervilhar. E foi de
lá que saíram bandas como Hanoi Rocks (tida como a pioneira banda
glam metal), Poison e Warrant, entre muitas e muitas outras. Como o
rótulo glitter rock era dos ingleses, criou-se o termo glam, que significa
quase a mesma coisa. E fazia o maior sentido.
Embora o machismo seja uma forte característica do metal, as bandas
glam, que ideologicamente nada tinham a ver com homossexualismo,
adotaram o visual chamativo justamente para chocar. Como um ato de
rebeldia ao contrário. Ao invés de jeans rasgados e jaquetas de couro,
calças de spandex bem colantes, camisas coloridas, cabelos bem cuidados
e armados, e, toque final, uma discreta maquiagem.
A garotada adolescente que estava a fim de um tipo de rock mais
ameno nas letras, que falasse apenas das boas coisas da vida como
mulheres, carrões e bebida, imediatamente adotou as bandas glam. E, ao
contrário do que os machões imaginariam, o público feminino seguidor
destas bandas era bem maior do que o das bandas ditas de macho, que
geralmente só arrastavam homens para os concertos.
Assim, cada parede de quarto de adolescente, principalmente de
garotas, foram ocupados por posters de ícones glam como Mike
Monroe, do Hanoi Rocks; Brett Michaels, do Poison; e Vince Neil, do
Mötley Crüe (que pegou carona no lance). E, nem precisa dizer, mais
uma vez o trinômio sexo-drogas-rock n' roll entrou na moda e os demais
aspirantes a rockers viram que, naquele momento, quem quisesse
ganhar dinheiro, fazer sucesso e comer mulheres bastava montar uma
banda de glam e ir para a Califórnia. E foi o que aconteceu. Um
verdadeiro êxodo.
Com o Poison encabeçando a lista das mais famosas bandas glam
metal americanas, outras seguiram o filão das listras (a característica
principal das bandas glam). Até mesmo uma banda dita de metal cristão,
a Stryper, adotou o lance (até no nome). Outras, como o Bon Jovi, que
quando surgiram não sabiam exatamente o que queriam ser, trafegaram
pela trilha do glam e abriram uma nova vertente, que nos Estados
Unidos foi chamada de pop-soft metal, e aqui de heavy farofa.
Nem o machista Axl Rose escapou. Quando desembarcou em Los
Angeles só com uns trocados no bolso, ele viu que o glam dominava a
cena local e participou de uma banda do tipo, a Hollywood Rose.
Chegou até a usar laquê no clip de “Welcome to the jungle”, do Guns N'
Roses, que depois foi refilmado com o novo visual, mais macho.
Heavy Metal 183
O Slade representa um dos expoentes máximos do
glam metal americano dos anos 70

Da Sunset Strip, Hollywood, o Poison do “bonitão” Brett Michaels fez o maior sucesso com
o estilo glam — aqui, conhecido como heavy farofa

184 Tom Leão


Outra banda famosa por suas baladas melodiosas e que pegou uma
caroninha na onda glam foi o Whitesnake, de David Coverdale. Outros
ingleses que tiraram sua casquinha do lance foi o pessoal do Def
Leppard. Até o Guns N' Roses estourar com sua postura agressiva e o
disco Appetite for destruction; e o Nirvana e as bandas grunge surgirem,
a única linha metal que dava grana nos Estados Unidos, exceto o thrash
metal, ainda emergente, era o glam. Pode-se dizer que foi divertido, mas
foi uma fase negra (melhor, dourada) para todos aqueles que tinham no
heavy metal seu único refúgio de rebeldia.
Através dos anos 80, o Mötley Crüe, que começou hard, deu uma
guinada do glam e voltou às raízes, indo passear numa praia mais a ver
com a do Twisted Sister e Quiet Riot (vide hard rock), por exemplo,
fugindo um pouco do visual maricas. A única banda que resistiu
bravamente com o glam foi o Poison, que só mudou recentemente.
Na segunda metade dos anos 80, outras bandas glam-pop metal
surgiram com força total nos Estados Unidos. Algumas das mais
destacadas foram o Warrant, Winger, Danger Danger, Firehouse (não
confundir com FIREHOSE), Enuff Z'Enuff, Cinderella, Europe, Tesla,
Trixter e os nefastos irmãos Nelson (filhos do falecido rocker dos anos
50/60, Rick Nelson). Tudo de fazer qualquer banger vomitar.

A última leva de bandas glam-pop metal teve como maiores


representantes o Extreme, Great White e o Skid Row (esta, metida a
radical) de Sebastian Bach, que, mesmo que cuspa no chão, fale
palavrões e diga que gosta de punk rock, não engana ninguém. Falando
em Skid Row, a banda, bem como o Bon Jovi, veio de Nova Jersey, na
costa leste americana, que por causa do sucesso destas bandas acabou se
transformando num celeiro de bandas farofentas e com rapazes com
cara de fofinhos. Nova Jersey virou sinônimo de pop metal.
Podem também ser incluídas como parte da cena glam dois nomes
que não precisavam provar para ninguém que não eram mulheres.
Porque eram mulheres mesmo: Lita Ford e a banda Vixen. Ambas, mais
interessantes como pôsteres do que propriamente como músicas.
Contudo, não se pode dizer que algumas bandas não foram
realmente divertidas. É muito gozado pegar a capa dos dois primeiros
discos do Poison, Look what the cat dragged in e Open up and say
aahhh e se tocar que aquelas gatas da capa, fazendo beicinho e lindas de
morrer são na verdade homens! Ou então assistir ao filme-documentário
Heavy Metal 185
Decline of western civilization, de Penelope Spheeris (lançado aqui em
vídeo) e descobrir que as maiores preocupações destas bandas eram
saber se teriam grana o bastante para irem ao cabeleireiro. Ou os
anúncios de salões que entupiam as páginas das revistas de rock da
época.
Finalmente, vale dar um destaque à parte para uma banda que não
foi citada neste afetado capítulo: Faster Pussycat. Os dois primeiros
discos da banda são realmente legais e, se retirados deste balaio de
gatos, podem até ser curtidos num momento mais relax. Afinal, não dá
para ficar 24 horas por dia só ouvindo homens cabeludos e com cara de
mau vociferando coisas sobre o demônio e a guerra atômica.
Fora isso, que o glam metal descanse em paz e não volte tão cedo.
Se é para fazer revival, que o façam com Slade, Marc Bolan e cia.

186 Tom Leão


O Nirvana, de Kurt Cobain (morto em abril de 1994), estourou nas paradas em 1991 com
“Smells like teen spirit”; no ano seguinte o álbum Nevermind desbancou Michael Jackson do
topo da Billboard — gerando toda uma cena “alternativa” na mídia

Heavy Metal 187


15. GRUNGE: A VOLTA DA ATITUDE

Da mesma terra que nos deu Jimi Hendrix, Seattle, em Washington,


noroeste americano, veio a manifestação rock-barulhenta que foi
batizada pela imprensa de grunge rock (algo como “rock barulho”).
Assim como o punk, o grunge foi uma manifestação espontânea que
logo foi adotada pela mídia e se transformou no grande acontecimento
musical do começo dos anos 90 nos Estados Unidos e no mundo rock.
Em parte porque os americanos finalmente estavam descobrindo suas
bandas de punk e hardcore mais de dez anos depois. Em outra parte por
causa da promessa não cumprida do Guns N' Roses se tornar a grande
banda de rock pesado americana, a Rolling Stones dos 90. E como a
América não vive sem ter algum produto seu chamando a atenção do
mundo...
Contudo, diga-se o que for do grunge, o fato é que as bandas do
gênero (como Nirvana, Soundgarden e Pearl Jam, por exemplo)
realmente modificaram o cenário rock americano, e por tabela o
mundial. Seja com sua música, um rock de garagem barulhento,
distorcido, com letras desesperançadas; ou com seu visual, que
resgatava as calças rasgadas dos punks com um toque local: as camisas
de flanela, as toucas de lã (uniforme básico dos madeireiros e usada
também por causa do frio que faz na região) e os calçados pesados, tipo
bota.
Como todo movimento espontâneo, o grunge não foi notado em seu
nascedouro. Diz a lenda que a banda Green River foi a que começou
tudo. A partir dela surgiram os afluentes, como Mother Love Bone, que
mais tarde, com a morte de seu vocalista (por overdose de heroína, uma
droga, aliás, que o grunge colocou na moda de novo e que ceifou vários
de seus representantes), se transformaria no embrião do hoje conhecido
Pearl Jam.
De um modo ou de outro, como eram todas da mesma área, os
elementos das primeiras bandas grunge faziam intercessão entre si.
Contudo, foi uma banda de fora da panelinha, o Nirvana (que vinha de
Aberdeen, cidadezinha vizinha, a meia hora de Seattle), que detonou o
estilo para o mundo, via MTV, e, como uma bomba de efeito retardado,
188 Tom Leão
tomou o mundo de assalto no final de 1991 com o magistral disco
Nevermind, um marco da história do rock recente.
O grunge apareceu especificamente em Seattle devido a várias
razões. Uma delas é a própria localização da cidade, uma das mais
isoladas dos Estados Unidos. Ela fica no extremo noroeste, na fronteira
com o Canadá, e é cercada por montanhas e cascatas de um lado (como
a fictícia Twin Peaks de David Lynch), e o Oceano Pacífico de outro.
Em cima disso tudo, chuva, muita chuva. E frio. O cenário perfeito para
que todo adolescente vadio arrume um jeito de passar o tempo da
melhor maneira. Seja se drogando (bebida inclusa) ou montando uma
banda de rock. Não que estas sejam as únicas escolhas. Mas no grunge,
eram quase regra.
E foi o que aconteceu. Milhares de bandas de garagem brotaram
naquele recanto esquecido e por isso mesmo imune às fórmulas e
influências do rock mainstream que vêm de Los Angeles ou Nova York
(e aqui podemos abrir um paralelo com o som mangue bit do nordeste
brasileiro que floresceu à margem do eixo Rio-São Paulo).
Tudo começou a acontecer aos poucos. Um programa de rádio aqui
(que tocava as fitas demo das bandas), um fanzine ali (o agora famoso
The Rocket), uma gravadora independente que acolhia e selecionava
isso tudo acolá (a Sub Pop) e o cenário estava pronto. Some-se a isso os
inúmeros bares com shows ao vivo e a tal cena de Seattle estava
armada. Para consumo interno, a princípio.
Formada em 1985 por Bruce Pavitt (um dos editores do zine The
Rocket) e Jonathan Poneman, a Sub Pop lançou os primeiros discos de
bandas locais como Mudhoney (o clássico compacto Touch me, I’m
sick), Soundgarden (os dois primeiros LPs e alguns EPs), Tad,
Screaming Trees, Nirvana (primeiro LP e compactos) e Beat
Happening, entre outras. A Sub Pop também lançou a banda
californiana L7 (vide mulheres no rock), entre outras de várias partes da
América.
Mas a “mãe de todas as bandas de Seattle” e primeiro lançamento
da Sub Pop foi um compacto do Green River (formada em 1984 por,
entre outros, Mark Arm e Steve Turner, que depois formariam o
Mudhoney). O disco foi o EP Dry as a bone, lançado em 1986, e que foi
distribuído apenas localmente.

Heavy Metal 189


190 Tom Leão
O Green River acabou em 1987 e alguns de seus integrantes (exceto
Mark e Steve) formaram o Mother Love Bone, que duraria pouco — por
causa da morte de seu vocalista — e se transmutaria pouco depois em
Pearl Jam através dos remanescentes Jeff Ament e Stone Gossard.
Parecia até formação de banda de Brasília. Um daqui entra ali e forma
outra banda acolá e assim vai.
Contudo, independente da fama e das qualidades desta ou daquela
banda de Seattle, a que realmente sacudiu as estruturas foi o Nirvana.
Embora hoje a banda seja vista por grande parte dos amantes do rock
pesado apenas como um produto comercial ou uma armação, é inegável
notar que, se a banda não gerasse a energia que costumava gerar quando
entrava em cena, ela não teria acontecido. De outro modo, quem teria se
tornado o rei do grunge rock seria o Mudhoney, com todas as honras e
direitos pelo pioneirismo.
Acontece que o Mudhoney não tinha na liderança um poeta louco,
um junkie sensível como Kurt Cobain. O cara era o oposto de um Axl
Rose, por exemplo. Embora ambos fossem white trash (o americano
suburbano típico), enquanto Axl passava o lado ruim de ser um caipira
yankee, fascista, racista, machista e tudo o mais, Cobain trazia o outro
lado da moeda; o do cara que cresceu praticamente sem a presença dos
pais, que era espancado pelo fortões da escola e que via o mundo com
outros olhos, outro foco, diferente das pessoas ordinárias. Sensível
como um poeta existencialista.
E isso ele passava como ninguém através de suas letras, que, em
combustão com o som da formação clássica do Nirvana (além de Kurt,
o baterista Dave Grohl e o baixista Chris Novoselic), criava uma faísca
única. Pura química. E essa energia foi captada pelos corações e mentes
de toda uma juventude outsider que estava abandonada e não tinha o
que ouvir fora do rock estabelecido de nomes como Guns N' Roses e
Aerosmith. Nirvana foi pura paixão. E como toda paixão, permanecerá
nos corações de seus amantes.
Nirvana foi o verdadeiro punk rock para os americanos. Embora
Black Flag e Dead Kennedys tenham vindo antes, nenhum deles
penetrou tão fundo na alma dos adolescentes da América (mauricinhos
ou roqueiros) nos últimos anos.

Cobain e o Nirvana conquistaram não só os rebeldes como os


comportados. Isso porque, por baixo de toda aquela barulheira, havia
Heavy Metal 191
poesia, melodia. Era como uma versão punk dos Beatles. Basta analisar
qualquer música do Nirvana para perceber isso. Os gritos e os acordes
pesados não são estrategicamente pensados para soarem radicais, como
acontece tanto ultimamente. Eles eram (e ainda são) pura emoção. À
flor da pele.
E, como uma revolução, como os grandes fatos históricos que
acontecem quando você menos espera, houve a combustão espontânea,
e o Nirvana estourou. Após compactos obscuros e um LP de estreia que
custou apenas 600 dólares (Bleach, de 1989), eis que a luz se fez com
Ne-vermind (1991). Ironicamente um título que remete ao de Never
mind the bollocks, o clássico dos Sex Pistols. E ambos os discos, de
certa forma, estão interligados.
Quando a Geffen Records achava que ia estourar o Sonic Youth —
aliás, a banda que levou o Nirvana para a gravadora —com o disco Goo,
eis que o Nirvana, que abriu os shows da turnê europeia do Sonic Youth
no final de 1991, vê Nevermind estourando espontaneamente nas
paradas de todo o mundo. Um disco que a gravadora esperava que
vendesse, no máximo, umas 100 mil cópias (a tiragem inicial foi de 40
mil nos Estados Unidos), começa a vender muito mais do que isso. Por
semana! Marca igual aos dois grupos top da gravadora, justamente os já
citados medalhões Guns e Aerosmith.
O estopim foi o grande hino da geração grunge, que será lembrado
para sempre, “Smells like teen spirit” (cujo título faz uma ligação com
um desodorante barato usado pelos jovens americanos e a letra é uma
espécie de manifesto niilista sobre garotos sem futuro). A banda
começou a notar o sucesso no final de 1991, pouco depois que
Nevermind foi lançado, quando, abrindo shows para o Sonic Youth, na
Europa, e para os Red Hot Chili Peppers, nos Estados Unidos, saía de
cena aclamado pela multidão que estava pouco se importando com a
atração principal, para desespero destas (boas) bandas.
E, como o The Who nos velhos tempos, não raro o Nirvana
encerrava seus shows com a destruição total dos instrumentos e da
aparelhagem de som.

Na primeira semana de 1992, Nevermind já tinha acumulado mais


de três milhões de cópias em todo o mundo, enquanto que Bleacb, o
disco anterior, vendia cerca de 70 mil cópias por semana. No mesmo
período, Nevermind desbancou o disco Dangerous, de Michael Jackson,
192 Tom Leão
do posto número 1 da Billboard e ficou lá por um bom tempo.
Fenômeno total.
Foi o começo de uma mudança nas paradas americanas que perdura
até hoje, quando discos de bandas antes ignoradas, como Nine Inch
Nails e Pantera, por exemplo, estreiam indo direto para a primeira
posição; e toda gravadora grande tem seu selo “alternativo” para tentar
descobrir “novos Nirvanas”. Mas, é claro, a história não se repete
simples assim. É algo espontâneo, não uma estratégia de marketing.
Toda essa súbita fama, claro, não caiu bem na cabeça de Cobain,
que já usuário contumaz da heroína (uma trip sem volta) piorou mais
seu estado. Ao mesmo tempo em que Cobain e a banda começavam sua
cruzada contra o sucesso, fazendo apresentações tanto caóticas quanto
brilhantes (vide os shows no Brasil em 1993, um confuso e anárquico,
em São Paulo; outro “certinho”, mas tremendamente fora de ordem, no
Rio), recusando-se a seguir todo o roteiro de clichês dos grandes
rockstars (como o fez o Gun N'Roses), o nome Nirvana caiu num
turbilhão de exploração e foi sugado avidamente pela sua gravadora,
pela MTV, pela imprensa e pela mídia rock e musical em geral.
Assim, aquela bandinha de Aberdeen, formada em 1986 com um
nome totalmente fora de seu tempo, contrariando todas as expectativas,
fórmulas de marketing e previsões em geral, mostrou para o mundo que
o rock ainda não estava morto. Que era possível renová-lo. Que todo o
barulho ainda não havia sido feito. E a prova está aí, com as bandas que
se seguiram, sejam grunge, de Seattle, ou não. O rock americano,
principalmente, saiu do marasmo em que se encontrava e uma nova
geração teve a sua voz e a sua música.
A revolução aconteceu mais uma vez. Mesmo tendo sido mais
rapidamente absorvido que o hippie e o punk, o grunge marcou sua presença.
Infelizmente, Cobain não aceitou conviver com isso e acabou,
mesmo sendo contra, fazendo o que todos esperavam que ele fizesse.
Depois de tentar se matar por overdose de champanhe em Paris, morria,
pouco menos de dois meses depois da primeira tentativa, sozinho em
sua casa em Seattle, com um tiro na cabeça. Era abril de 94. Uma opção
covarde, dirão alguns. Mas quem sabe o que se passava na mente
daquele cara atormentado? Deixa de herança sua obra e uma filha,
Frances Bean (feita em parceria com Courtney Love, vocalista do Hole,
outra grande figura perturbada e que vive se metendo em encrencas).
Que não sucumba à loucura, também.

Heavy Metal 193


194 Tom Leão
Postumamente foram lançados um disco com o show acústico que a
banda fez para a MTV e também um álbum com apresentações ao vivo.
Mas a vida continua. E com ou sem o rótulo grunge, outras bandas
vindas de Seattle seguiram seu caminho e no momento escrevem um
novo capítulo na história do rock pesado, ainda que olhando para trás. O
Soundgarden, por exemplo, deve muito ao Black Sabbath e faz uma
espécie de revisão do doom rock dos anos 70, com climas pesados,
sombrios e vocais desesperados.
Formada em 1984 pelo guitarrista Kim Thayl, pelo baixista Hiro
Yamamoto (uma dupla que por si só já é uma mistura: o primeiro é
descendente de hindus e o outro de japoneses) e pelo baterista e cantor
Chris Cornell (que mais tarde passaria a baqueta para Matt Cameron
concentrando-se apenas nos vocais), o Soundgarden — nome que faz
alusão a uma escultura metálica que existe em Seattle — também
adiciona, à sua mistura e textura de sons, influências que vão do Led
Zeppelin ao Black Flag, passando por Deep Purple e outros mais.
Após uma faixa na coletânea Deep six, da C/Z Records e um EP
pela Sub Pop (o segundo título da gravadora), o grupo lançou seu
primeiro LP, Ultramega OK, pela SST (de Greg Ginn, ex-guitarrista do
Black Flag). Em 1989, a banda assinaria com o grande selo A&M para
lançar Louder than love e logo em seguida, em meio ao estouro do
grunge, Badmotorfinger (91). Ambos os discos (já com o novo baixista,
Ben Sheppard) mostram o Soundgarden num estágio totalmente metal.
O sucesso mundial finalmente veio com o disco Superunknown (94),
que jogou no lixo definitivamente a alcunha grunge e mostrou para o
mundo que o Soundgarden é uma grande banda metal.

O vocalista e principal letrista do Soundgarden, Chris Cornell,


costuma produzir e escrever músicas para outras bandas da tchurma de
Seattle. Alguns exemplos: letras e produção para o pessoal do
Screaming Trees (sobretudo no disco Uncle anesthesia) e também para
o Alice in Chains.
Falando neles, o Alice in Chains também conseguiu correr por fora
do hoje renegado rótulo “grunge” e lançou dois álbuns magistrais,
Facelift (91) e Dirt (93), que foram entremeados por trabalhos
totalmente acústicos, SAP (92) e Jar of flies (94). No primeiro acústico,
SAP, destaca-se a colaboração de Ann Wilson, uma das fundadoras da
velha banda Heart, que é de Seattle.
Heavy Metal 195
O que se destaca no AIC, além do instrumental pesado (em vários
sentidos) e choroso, são as letras profundas e deprês do guitarrista Jerry
Cantrell, que encontram na voz torturada de Layne Staley (que,
mergulhado em drogas, deu um tempo rápido no AIC em 95 e lançou
um disco com outra banda, Mad Season, retornando depois) o veículo
perfeito.
Formado no final dos anos 80, o Alice in Chains sempre lançou
discos por um grande selo (O Columbia, da Sony) e, apesar do clima
negativo e “pra baixo”, sempre vendeu bem todos os discos e emplacou
músicas nas paradas. O show que a banda fez no Hollywood Rock, em
1993, apesar de perfeito, pedia um local menor e com um público mais
ligado na banda. Pois para curtir a depressão do AIC como se deve é
preciso concentração.
Outras bandas saídas do pacote grunge, como Tad e Melvins,
mostraram que suas influências, assim como ocorria no Nirvana, não
vêm definitivamente do punk. Ambas estão mais ligadas no hard rock
dos anos 70, e em bandas definitivas como o Sabbath. O banger que se
dispuser a ouvir sem preconceitos os discos destas bandas, irá se deliciar
com o que vai encontrar.

E a vida continua para o grunge, com ou sem o rótulo vigorando.


Pearl Jam tornou-se uma das grandes bandas pop rock dos anos 90 (para
muitos, uma versão menos babaca de bandas de arena rock como
Journey); e o Mudhoney continua um segredo de alguns poucos
iniciados. O próximo, por favor.

196 Tom Leão


O Ministry, de Al Jourgensen e Paul Barker, precursores da onda do metal industrial

Heavy Metal 197


16. INDUSTRIAL: O METAL BATE-ESTACA

E o heavy metal, para desespero dos mais conservadores, flertou


com a música eletrônica. Mas nada a ver com aquele namoro do rock
com os teclados que, nos anos 70, criou o progressivo. A este recente
caso deu-se o nome — na falta de outro melhor — de Industrial Metal.
E este foi, até agora, o último e mais avançado passo que o gênero,
outrora tão tradicionalista e fechado, deu nos anos 90, a década na qual
o metal parece que mais e mais se modifica e se mistura. E nem por isso
deixou de ser menos radical ou os bangers deixaram de sacudir seus
pescoços e cabeleiras.
E a história foi mais ou menos assim. No final dos anos 80, o
hardcore techno de Chicago se encontrou com o new beat de bandas
europeias radicais (mas puramente eletrônicas) como Front 242,
Borghesia, Nitzer Ebb, Laibach e outras. À parte o instrumental
eletrônico e as batidas dançantes (heresia para qualquer metálico que se
preza), o conteúdo destas bandas, essencialmente, era quase igual ao de
qualquer banda hardcore ou thrash normal. Só que com letras bem mais
politizadas.
Foi aí que um esperto e inteligente produtor de Chicago, Al
Jourgensen, viu a luz no fim do túnel para sua banda, o Ministry, que
até 1986 havia gravado apenas dois discos. Um execrável, With
sympathy (tecno-pop de péssimo gosto), e outro sem alma, Twitch, que
apenas copiava, sem sucesso, o estilo tecno-pesado de bandas europeias
como Cabaret Voltaire ou Front 242. Parecia alemão tentando fazer
samba.
Somando dois mais dois, Jourgensen sacou que, para aquela
barulheira eletrônica (que os americanos chamavam de “industrial”,
embora rock industrial seja outra coisa bem diferente, que o diga o
trabalho de bandas inglesas como Test Dept., Throbbing Gristtle ou da
alemã Einstürzende Neubauten, entre outras, todas europeias) se
transformar em outro tipo de heavy metal, era só adicionar guitarras e
adaptar uma estética mais rock ao todo. A pitadinha esquizo-americana
deu o toque final.

198 Tom Leão


E foi o que ele fez. Logo com o disco seguinte do Ministry — que
de projeto de um homem só se transformou numa dupla,
complementada pelo baixista Paul Barker — o já antológico Land of
rape and honey (ainda inédito aqui), Jourgensen passou a construir os
elementos e padrões que transformariam o techno pesado em metal
industrial. Às letras anti-religiosas, hardcore (no sentido sexual mesmo)
e às críticas sociais (com um toque um pouco nazi-fascista, depois
descartado), Al e Barker adicionaram guitarras nervosas e dilacerantes
que serviam de contraponto para vocais cavernosos e doloridos. Ou,
para uma trip de cocaína/heroína pura.
A princípio, os metálicos de carteirinha não deram bola para aquela
novidade e a receberam com certo desdém. Mas a medida em que o
Ministry avançava — bem como os projetos paralelos de Jourgensen,
incluindo o Revolting Cocks e um trabalho com Jello Biafra, ex-Dead
Kennedys, o Lard — a plateia alternativa, composta por fãs do
verdadeiro rock industrial, bem como de bandas electro-noise como a
canadense Skinny Puppy, passou a contar também com alguns metálicos
desgarrados, mas dispostos a descobrir novidades. Afinal, o barulho
estava garantido.
Com seu disco de 1989, The mind is a terrible thing to taste
(considerado pelos fãs o melhor da banda), o Ministry provou que era
possível pogar como os punks, alcançar o estágio de mosh como os
bangers e soltar a fúria como se aquilo fosse o mais puro heavy metal,
igualzinho ao de qualquer Led Zeppelin do passado ou Slayer do
presente. A embalagem não alterara o conteúdo. E o eletrônico enfim
foi aceito no metal.
E, de fato, se prestarmos bem atenção, em si, o metal industrial era
a mais pura tradução da expressão “heavy metal”, desde que ela foi
inventada e depois associada a coisas espaciais (como na revista em
quadrinhos). Ministry trazia a eletrônica para somar com a fúria das
guitarras. E aquilo era heavy metal. Pesado e metálico. Alto e
perturbador.

O primeiro sucesso do novo disco, “Thieves”, transportava as


batidas nervosas e rápidas do thrash metal para a programação de
bateria eletrônica. O resultado ficou logo visível nos shows: uma roda
gigantesca de pessoas ensandecidas, pulando feito loucos (basta assistir
a qualquer show em vídeo do Ministry no período). O outro grande tiro
Heavy Metal 199
do disco não ficava atrás. “Burning inside”, com a voz doentia de
Jourgensen filtrada mil vezes e distorcida na mesa de som, apresentava
a própria danação em forma de música. Todos em transe, gritando que
estavam queimando por dentro, e o som cada vez mais alto, tão alto
quanto deve ser um bom som metal e tão destruidor como uma
escavadeira desgovernada.
Com o caminho consolidado pelo Ministry, logo outras bandas
resolveram aderir, ou simplesmente assumir, o já batizado metal
industrial.
E Jourgensen virou o produtor e/ou descobridor, lançador, de nove
entre dez novas bandas do gênero. Ainda baseado em Chicago, saíram
dos estúdios Wax Trax — praticamente a casa de Al Jourgensen, que
por causa do intenso trabalho mergulhou fundo na cocaína — não
apenas discos de seus projetos extra-Ministry como de outros, como
Skatenigs (do Texas) e Godflesh (da Inglaterra). Recentemente,
Jourgensen levou seu toque para o disco da banda rockabilly The
Reverend Horton Heat, com êxito.
E bandas até então apenas adeptas apenas do noise industrial, como
Skinny Puppy, Nine Inch Nails e KMFDM, por exemplo, também
resolveram tirar sua casquinha daquela promissora onda e aceitaram o rótulo.
Mas tudo ainda era apenas um balão de ensaio. No começo de 1992,
o Ministry iria lançar aquele que seria o divisor de águas do metal
industrial, o disco Psalm 69: the way to succeed and the way to suck
eggs, que em seu irônico título sacaneava aqueles que foram atrás do
metal industrial por modismo e os “baba ovos”, aqueles que antes
zombavam da novidade e que agora se rendiam a ela. De repente, em
plena explosão do grunge, algo conseguia chamar a atenção e se destacar.

Psalm 69, como seu pré-título indica, abre e fecha com um clima
meio bíblico, meio apocalíptico, para depois descer, sem escalas, direto
para o inferno numa trip metálica-eletrônica até então inédita. Músicas
como “Hero”, com sua levada básica de metal e refrão glorioso; ou
“Jesus built my hot rod” (que, à sua maneira, reinventava o rock'n roll
ao resgatar palavras sem sentido, assim como Little Richard fizera nos
seus primórdios com seu indecifrável grito de guerra “a wop-bop-a-
lula”), simplesmente deixavam sem palavras os que acharam que depois
do thrash o metal não tinha mais nada de novo para dar. Tinha. E muito.
Basta ser ousado.
200 Tom Leão
“Jesus...”, de quebra, ainda tirou do ostracismo uma banda texana
de “esporro music” (eles são inomináveis, mas fazem um esporro dos
infernos), o Butthole Surfers, já que o refrão embolado e nonsense foi
feito pelo vocalista dos Surfers, Gibby Haines. Por causa da
participação de Haynes no disco, os B-Surfers até descolaram um
contrato com a Capitol Records, após dez anos de carreira como
independentes.
E como nasceu esta que é, sem dúvida, a melhor faixa do disco?
— Nós encontramos Gibby num bar, botamos ele de porre e quando
ele notou já estava em frente ao microfone. Aí saiu improvisando
loucamente em cima de uma base que já tínhamos gravada, enquanto eu
dedilhava uma slide guitar e Paul tocava seu baixo — contou Al
Jourgensen numa das inúmeras entrevistas que deu para explicar como
surgiu essa doideira — com o aval de Barker, que esteve no Brasil em
92, junto com Jello Biafra, durante a Eco 92, no Rio de Janeiro.
A esta altura, para pegar um clima mais cowboy, o Ministry já tinha
se mudado de mala e cuia para Dallas, no Texas (onde uma cena metal
industrial estava se formando, para desespero dos puristas caipiras
locais), e lá deu mais corda para o Revolting Cocks, seu projeto mais
levado a sério, depois do Ministry. Para evitar problemas, a imprensa
americana grafa RevCo, o que, ao pé da letra, seria os “Caralhos
Revoltados”.

O RevCo, além de Al, também conta com Barker e ainda com um


vocalista de carreira solo e trabalhos em áreas semelhantes da música
eletrônica pesada, Chris Connelly (que canta em discos do Ministry). O
mais recente disco do projeto, Linger ficken' good, além da barulheira
habitual ainda traz uma versão impensável para “Do ya thinh I’m
sexy?”, aquela uma que Rod Stewart roubou de Jorge (então) Ben e fez
sucesso mundial. Contudo, no final de 95, Ministry voltou pra Chicago
e em janeiro de 96 lançou mais um disco desconcertante, Filth pig
(porco imundo), com direito a uma cover de “Lay, lady, lay”, de Bob
Dylan.
Entre as bandas de metal industrial pós-Ministry que mais se
destacaram estão o Godflesh, que apesar da boa vontade, seus trabalhos
mais se parecem com um disco do Ministry com outro nome (e não por
acaso Al Jourgensen produz a maioria); o alemão KMFDM, que, no
auge da new beat, era tão ou mais radical que o Front 242 e agora soa
Heavy Metal 201
como um Ministry mais anfetamínico (se é que isso é possível); e, a
mais bem sucedida delas — para ira de Jourgensen, que não vai com a
cara de seu mentor — o projeto Nine Inch Nails. A mais recente da leva
chama-se Drown e é americana.
O Nine Inch Nails merece destaque à parte. Com o primeiro disco,
Pretty hate machine (independente e inédito no Brasil), a banda do eu
sozinho, orquestrada por Trent Reznor — que gravou cada faixa num
estúdio diferente ao longo de vários meses — apresentava boas letras,
um som dinâmico e dançante, e remetia longinquamente ao Queen dos
primeiros tempos (e não à toa, Reznor regra vou “Get down, make
love”, do disco News of the world, num single do NIN). Está achando a
comparação estranha?
Mas, se para muitos o cartão de visitas do NIN não passava de boa
música industrial (mas mais para o pop que para o metal), com o disco
seguinte, o EP Broken (lançado aqui), Reznor radicalizou geral. O disco
é quase um tratado do barulho, uma pedra fundamental para o metal
industrial após o desbravamento do Ministry. Faixas como “Wish” e
“Hapiness in slavery” (cujo clip foi proibido em meio mundo por
mostrar cenas de tortura com incrível realismo) mostravam que não há
muita diferença em se revoltar ao som de thrash ou industrial. O que
importa é a atitude.
Achando pouco, Reznor pegou o curto disco (seis músicas,
incluindo duas versões escondidas e não creditadas no disco, uma do
PigFace, outra banda proto-industrial metal; mais um clássico de Adam
& The Ants, (“(You're so) physicall”) e o remixou totalmente,
rebatizando-o Fixed. Esta versão “consertada” — e limitada em 50 mil
cópias — do disco “quebrado” teve remixes a cargo de produtores tão
renomados como Flood (U2 e Depeche Mode, entre outros) e Jim
“Foetus"”Thrirlwell, ele mesmo um pioneiro da música industrial
legítima de meados dos anos 80. O mesmo aconteceu com o disco
seguinte, The downward spiral (94), que também teve uma versão.
O curioso é que, depois que Foetus fez os remixes para o Nine Inch
Nails (que, apesar de ser um projeto, quando se apresenta ao vivo se
transforma numa banda orgânica, com quase nada eletrônico, como se
viu no fracassado Woodstock 94, no qual eles foram a grande sensação),
ele foi chamado para trabalhar em remixes de bandas puramente
metálicas, como Pantera (a música “Fucking hostile”, do álbum A
vulgar display of power). O próprio Reznor, por sua vez, fez os remixes
202 Tom Leão
O White Zombie começou thrash, mas estourou mesmo nos últimos discos com bases
eletrônicas que aumentaram o peso do som da banda

Heavy Metal 203


para “Symphony of destruction”, do Megadeth. E a dupla Al e Paul, do
Ministry, pegou “Potter's field”, do Anthrax, e modificou para o estilo
industrial. Até o pessoal do KMFDM pegou sua migalha da fama,
transformando duas músicas do White Zombie (uma banda heavily
thrash que flerta com a eletrônica), “Thunder kiss'69” e “Black
sunshine” em algo mais radicalmente dançável.
Querem mais? Até mesmo os pais espirituais do thrash, o
Motörhead, teve um clássico seu, o imbatível “Ace of spades”,
transferido para uma estética techno pelos ingleses do CNN; enquanto o
novato Fear Factory, um discípulo do Sepultura, entregou algumas
músicas suas nas mão do pessoal do Front Line Assembly, um projeto
techno inglês. Ou seja, quem ainda torcer o nariz para o eletrônico, está
por fora e andando para trás.
Como todo bom anarquista musical, Al Jourgensen se proclama
uma fraude e diz que o Ministry e o metal industrial são a grande
trapaça do rock n' roll atual, maior ainda que a perpetrada nos anos 70
por Malcolm McLaren e os Sex Pistols criando o punk rock.
E para mostrar que não deixam barato suas loucas brincadeiras, Al
e todo o pessoal do Ministry e do RevCo lançaram o projeto 1000 Homo
DJs, cuja capa imita a de um dos discos do Black Sabbath e ainda traz
uma cover inominável para “Supernaut”. Para completar a zona, no
disco, Al adota o nome de Buck Satan. Outro projeto rápido de Al foi o
Pailhead, ao lado de um mito do rock independente americano, Ian
Mackaye, do Fugazi. Jourgensen & Barker também podem ser
encontrados em créditos de discos alheios sob a alcunha de Fluffer &
Critter.
Hoje, com o termo industrial metal já estabilizado, as novas bandas
do gênero que surgem ou se transmutam já não são mais vistas de
soslaio. Como o White Zombie, por exemplo, uma banda novaiorquina
que começou carreira puramente thrash e nos últimos dois discos
(quando finalmente estouraram) abraçaram com tudo a bem dosada
mistura de guitarras pesadas e bases eletrônicas. Como deu pra ver no
Hollywood Rock 96, tal mistura não tira o peso da banda, muito pelo
contrário, até reforça os sons mais graves e o volume, sem perda do
coeficiente mosh.
Mal comparando, o White Zombie tem um quê do doom metal de
Danzig, a levada dançante do Ministry e devem tudo ao Black Sabbath,
só que adaptando a estética Hammer para os clássicos filmes
204 Tom Leão
americanos de terror (o nome vem de um filme dos anos 40 com Bela
“Dracula” Lugosi) e adicionando um toque de histórias em quadrinhos.
Mesmo os países de pouca tradição no rock, como a Suíça, por
exemplo, contribuíram com dois grupos do gênero: o já veterano Young
Gods, que já foi mais radical e amaciou um pouco o som para conseguir
entrar no mercado americano (não entrou); e o Shotgun Messiah, mais
radical.
Recentemente, para provocar polêmica no meio, a revista inglesa
especializada em heavy metal em todas as suas variantes, Kerrang!
perguntou a alguns nomes do metal mais tradicional se o som industrial
mataria o heavy metal. Nenhum dos entrevistados concordaram, com
razão. Pois o primordial nesta coisa toda é a evolução de um gênero. A
soma, não a destruição. O eletrônico no metal é uma coisa inevitável.
Por fim, mas não por último, o epílogo deste capítulo não pode
deixar de destacar a já citada banda punk inglesa Killing Joke, que
continua na ativa e recentemente lançou um disco que remete a seus
trabalhos pioneiros, Pandemonium. O KJ foi a banda que fincou o que
hoje se chama “metal industrial” pelos seguintes motivos: era agressiva
e dominava bem as guitarras, ao mesmo tempo em que utilizava
teclados e baterias eletrônicas para tornar seu som mais pesado e
angustiante. Não à toa que Ministry tem o KJ como sua maior
influência. Honra seja feita, então, ao Killing Joke.

Heavy Metal 205


Max Cavallera (terceiro da esquerda para a direita) saiu em 1997 do Sepultura — a banda
mais conhecida do metal brasileiro, com fãs no mundo inteiro

206 Tom Leão


17. O METAL NO BRASIL

Levou muito tempo para que o rock fosse aceito no Brasil como um
ritmo musical a mais. Como já cantou Rita Lee, “roqueiro brasileiro
sempre teve cara de bandido”. Adepto do metal, então, era o próprio
demo. A garotada que hoje anda rasgada, com seu cabelão e brinco no
nariz nem imagina como era barra pesada ser rocker por aqui. Até para
arranjar namorada era difícil. O preconceito com os adeptos do rock
pesado em geral ainda existe, mas é bem menos explícito.
Em termos gerais, o heavy metal no Brasil é uma coisa recente,
embora já existissem na década de 60 bandas consideradas pesadas
(como o Made in Brazil, por exemplo que começou em 67 fazendo
covers de Troggs e Kinks), na mesma época, portanto, em que o próprio
heavy metal começou.
Pode-se usar como marco básico o primeiro Rock in Rio, em 1985,
quando a tribo metálica realmente mostrou sua cara e compareceu em
peso às noites pauleiras do evento, que trouxe ao Brasil AC/DC, Ozzy
Osbourne, Whitesnake e Scorpions. Antes disso, tudo por aqui era
genericamente conhecido como “rock n' roll”. Após o festival, bandas
passaram a pipocar em todos os cantos do país e os headbangers
(pejorativamente chamados de “metaleiros”) se multiplicaram em escala
geométrica, para desespero dos carolas em geral. Foi o momento em
que todos saíram dos subterrâneos.
Claro que muito antes disso existiram bandas pesadas (em relação
ao que se fazia na época) por aqui. A citada Made in Brazil, por
exemplo, já está beirando os 30 anos de existência, sempre guiada pelos
irmãos Celso e Osvaldo Vecchione. Entre outras pioneiras podemos
citar Bixo da Seda do Rio Grande do Sul, Tutti Frutti (que acompanhou
Rita Lee na fase pós-Mutantes), Casa das Máquinas, Patrulha do Espaço
(de Arnaldo Batista), estas todas paulistas; e as cariocas A Bolha e
Vímana, esta última, antes de se enveredar pelo rock progressivo que foi
moda aqui em meados dos anos 70.
Todas tinham a atitude rock'n roll, mas não abraçavam o metal pra
valer. Transitavam entre um estilo pós-Stones e o blues. Era o que os
malucos por aqui gritavam nos shows “rock n' roll” (o que quer que isso
Heavy Metal 207
ainda signifique hoje em dia). Por estes, outros tipos de rock como o
metal e o punk eram discriminados e vistos com desdém.
O grande pulo do metal no Brasil aconteceu mesmo nos anos 80.
Uma nova geração que cresceu ouvindo os clássicos, como Led
Zeppelin e Deep Purple e também o punk inglês e bandas como
Motörhead e Iron Maiden, começava a ter acesso a coisas mais recentes
— como o thrash e o death metal — e misturava isso ao seu som,
criando uma amálgama barulhento e diferente.
Os primeiros anos da década de 80 foram uma verdadeira floração
metálica brasileira. Foi no período 1983-85 que aconteceram os
primeiros lançamentos nacionais do gênero, de bandas que já estavam
na ativa, mas ainda não tinham gravado. Foi a época em que apareceram
a banda Karisma, que gravou Sweet revenge (83); Ultimatum (85), da
Dorsal Atlântica e do Metalmorphose; a Stress (banda do Pará, que
lançou um disco com a capa patrocinada pela Pepsi, em 83, e que existia
desde 75, com o nome Pingo D'Água); e o álbum Século XX, o primeiro
da mineira Cogumelo Records — a gravadora pioneira do metal no
Brasil —, que trazia de um lado o disco Século XX (85), do Overdose; e
do outro, o Bestial devastation, do Sepultura, então apenas mais uma
banda de metal local.
Mas, se já era difícil para o povo pop-rock arranjar gravadora, para
os metálicos era ainda mais duro. Daí a proliferação de coletâneas
nacionais. A primeira delas foi a série SP metal, que em 84 lançou seu
primeiro volume com faixas das bandas paulistas Avengers, Centúrias,
Vírus e Salário Mínimo. No ano seguinte, saiu o volume 2 com as
bandas Santuário, Korzus (até hoje na ativa e lançando discos no
exterior), Abutre e Performances. Ambas as coletâneas foram lançadas
pelo selo independente paulistano Baratos Afins e podem ser
encontradas na loja da matriz paulista.

Em 1985, saiu a coletânea Split, que na verdade era o relançamento


do disco da Cogumelo dividido pelo Overdose e Sepultura. Mais
adiante, este vinil foi desmembrado em dois EPs lançados solo. Outra
coletânea que, assim como a SP metal, teve sequência foi a Warfare
noise. No primeiro volume, lançado em 86, foram reunidas as bandas
Chakal, Sarcófago, Holocausto (estas duas ainda na ativa) e Mutilator.
No segundo, em 87, foi a vez de Aamon Hammer, Witchammer,
Mayhem e Megathrash. Houve um terceiro e quarto volumes lançados,
208 Tom Leão
ambos sem nenhuma importância histórica ou bandas significativas.
Todas foram lançadas também pelo selo indie mineiro Cogumelo, até
hoje um dos principais e mais ativos do Brasil na área metal, mas que
depois abriu mais o leque.
Até que as bandas decolassem em suas próprias carreiras, ainda
houve mais uma coletânea de valor histórico e musical, a Head
thrashers live, de 1987. Lançada pelo selo Fucker, de Santo André (SP).
Ela apresentou as bandas MX, Necromancer, Blasphemer e Cova. O
selo lançou outros discos menores.
Como dá para perceber pelo nome da maioria das bandas dessa fase
de brotação do heavy metal nacional, todas ou quase todas abraçavam o
death, com o thrash vindo em seguida como maior influência. Como as
bandas não tinham tantas referências como atualmente, muitas delas
soavam parecidas entre si. E, como a maioria tinha um quê satanista e
caprichava nas letras e visual demoníacos, não tinham divulgação na
grande imprensa. Mas no underground eram adoradas e vendiam discos.
Depois dessa primeira fase de crescimento e organização,
começaram a surgir as bandas que realmente desenvolveram uma
carreira, criaram um público e um mercado.

O já citado Stress, depois do disco de estreia patrocinado de 1983,


lançou outro por uma grande gravadora. Flor atômica, seu segundo e
último trabalho foi gravado na PolyGram. Algum tempo depois do fim
da banda, seu baterista, André Chamon, juntou forças à banda carioca
X-Rated. Contudo, no final de 95, o Stress deu sinal de vida outra vez
com a volta de Chamon para sua terra natal e o lançamento de uma fita
demo que foi a senha de um novo disco.
Vale lembrar que, na segunda metade dos anos 80, nosso renomado
guitarrista Robertinho do Recife comandou uma das mais pesadas
bandas metal do Brasil, a Metalmania, que chegou a lançar discos pela
RCA. Mesmo que ela tenha surgido apenas para aproveitar um buraco
aberto pelo Rock in Rio — mais tarde Robertinho participaria de outra
armação, o Yahoo, banda de rock brega na cola de Def Leppard e Bon
Jovi — valeu a pena. Além de Robertinho, na guitarra, destacava-se o
baterista Renato “Massa”.
De Belo Horizonte, vieram algumas bandas bastante influentes
dessa inovadora safra metal nacional, além do Sepultura, The Mist,
Overdose, Sarcófago e Mutilator. O Overdose apareceu na já citada
Heavy Metal 209
coletânea/split Século XX, em 1985, e em seguida começou uma carreira
que dura até hoje. Em 87 lançaram seu primeiro LP Conscience, pela
Heavy. Seguiram-se You're really big (Cogumelo, 88), Addicted to
reality (Cogumelo, 90), Circus of death e Progress to decadence. Uma
música de Addicted to reality foi incluída na coletânea americana Metal
massacre.
O Sarcófago começou sua carreira musical em 1987 com o disco
I.N.R.I.. Depois vieram Rotting (EP, 89), The laws of scourge (91),
Crush, kill, destroy (EP, 92) e Hate (94). Todos foram lançados pela
Cogumelo. A banda tem uma performance bastante teatral e usa um
maquiagem que lembra o europeu King Diamond, com direito a
caixões, cruzes e tudo mais.
O Mutilator teve carreira mais curta que suas contemporâneas.
Lançou apenas dois LPs pela Cogumelo, Immortal force (87) e Into the
strange (88), e depois sumiu. A cena metal mineira continua forte, mas
outras tendências de rock barulho se desenvolveram lá.
Fechando com os mineiros, o grande destaque é, sem dúvida, o
Sepultura. Aquela banda que começou em pé de igualdade com todas as
outras de sua área e acabou tornando-se, em cerca de cinco anos de
carreira, a primeira banda metal ou de qualquer outro estilo do rock de
toda a história do Brasil a ser reconhecida e louvada por críticos e fãs
internacionais. Sucesso internacional igual só teve mesmo a turma da
bossa nova. Só falta a “garota de Ipanema trash”.
O Sepultura era visto como uma banda internacional (e realmente o
é), embora nunca tenha se esquecido da sua origem. Chamados de
“jungle boys” (garotos da selva) pela imprensa britânica e ganhando
capas em revistas internacionais de heavy metal e verbetes em
dicionários e edições especiais do gênero, o Sepultura tornou-se o
equivalente musical ao Pelé nos esportes. Todo mundo do meio
metálico, seja lá de onde for, conhece ou já ouviu falar. Uma conquista
inédita do rock Brasil ainda não igualada.
A fama da banda lá fora é tanta que eles já dividiram shows com
gente como Ozzy Osbourne e Ministry, e, sozinhos, lotaram com
facilidade seus shows, seja na Inglaterra ou em Bali.
“Hoje nós somos tão famosos na Inglaterra e na Argentina quanto
no Brasil. Nestes lugares somos mais famosos que muita banda grande
local ou americana”, disse Igor Cavallera, o baterista do Sepultura. “Nós
achávamos que após o nosso estouro outras bandas brasileiras fossem
210 Tom Leão
conseguir o mesmo. Mas isso não aconteceu. Em grande parte porque o
pessoal lá fora é muito fechado para o que vem do estrangeiro. Nós
tivemos sorte”, concluiu.

A carreira discográfica do Sepultura começou em 1985 com o EP


Bestial devastation (o mesmo que integrou os discos Século XX' e Split),
lançado pela Cogumelo. Ainda pela mesma gravadora eles lançaram
Morbid visions (86) e Schizophrenia (87), ambos marcos do metal
brasileiro e que viraram discos de culto entre os bangers locais. Mesmo
antes do grande estouro da banda, o Sepultura já tinha uma fiel legião de
seguidores e costumava lotar shows. Foi por isso que a gravadora
Eldorado (que distribuía os discos do selo metal europeu RoadRunner
no Brasil) ficou de olho neles.
E valeu a pena. Em pouco tempo a banda conquistou a fama
internacional e lançou discos como Arise e Chaos A.D., aclamados pelas
mais diversas revistas de música da Europa e Estados Unidos. Por conta
disso, Chaos A.D. ganhou distribuição internacional da Sony Music
(exceto no Brasil e parte da Europa). Além de ser o melhor trabalho da
banda, Chaos A.D. tem uma faixa, “Biotech is Godzilla”, co-escrita com
Jello Biafra, ex-Dead Kennedys (para o qual a banda fez uma cover de
“Drug me”, incluída na coletânea Virus 100) e o clip para “Territory”
ganhou o Video Musis Award da MTV. O último trabalho do Sepultura
incluiu uma parceria com o percussionista baiano Carlinhos Brown e a
gravação de uma faixa entre os índios xavantes, em Mato Grosso.
Sobre a assumida no rótulo jungle boys, Max Cavallera declarou.
— As bandas de heavy metal lá fora têm todas o mesmo
referencial. Nós temos esse diferencial dos ritmos e vamos procurar
fazer algo de novo no metal com essa mistura de percussão e sons
tribais.
Apesar da brasilidade, para ajudar a deslanchar a carreira
internacional, o Sepultura foi morar em Phoenix, Arizona, nos Estados
Unidos, ainda que eles sejam mais famosos na Europa.
— A imprensa e o público europeu tem mais respeito por nosso
trabalho — disse Max — já nos Estados Unidos rola um certo
protecionismo, ainda que a gente seja amigo de várias bandas.

Da cena mineira passamos para a paulista. Impulsionados pela boa


recepção das coletâneas SP metal e compostos por vários nomes pós-
Heavy Metal 211
Os Ratos de Porão, a banda de João Gordo (à esquerda), começaram bem na veia do
movimento punk no Brasil e hoje tocam para qualquer platéia que ouve thrash metal

212 Tom Leão


punks (o punk paulista foi no fundo um crossover com o metal, do qual
o exemplo mais forte é o Ratos de Porão), um enxame de bandas heavy
surgiu na paulicéia. Infelizmente, quantidade não significa qualidade e
muitas se perderam na poeira. Outras tantas pularam no trem do
modismo e se transmutaram em bandas de ocasião. Outras, que
acabaram com o declínio do punk, voltaram à ativa na metade dos anos
90 devido a redescoberta do punk rock.
Contudo, algumas delas conseguiram manter uma boa carreira.
Caso do Korzus, que estreiou em disco em 1986 com um LP ao vivo.
Assim como a Cogumelo deu força para o aparecimento de bandas
mineiras, em sampa o equivalente ficou com a Devil.

Foi por este selo independente, que também lança outros tipos de
bandas (tipo rockabilly e guitar-garage bands), que o Korzus editou toda
a sua discografia. Em 1987 saiu Sonho maníaco; em 89 o EP Pay for
your lies; e, em 1991, Mass illusion, que teve também distribuição
internacional. Por conta disso, tanto o Korzuz quanto o Viper (leia
adiante) conquistaram fãs até no Japão.
Curioso é o caso de outra banda paulista muito popular, o Viper
(que começou fazendo um som tipo Iron Maiden). A banda, que
debutou em 88 pelo selo Rock Brigade, com o disco Soldiers of sunrise,
bem mais pesado que seus trabalhos atuais, virou coqueluche entre o
público japonês a partir de seu segundo LP, Theatre of fate (Eldorado,
90). A fama do Viper é tanta no Japão que a banda passa longos meses
excursionando pela terra do sol nascente e quando do lançamento de seu
último disco, Evolution (Eldorado, 93), o Viper (mais para o hard rock
atualmente) entrou no top ten geral japonês e disputou vaga com
medalhões do pop rock mundial ficando na frente de nomes como
George Michael, Metallica e outros do mesmo top. Por isso, o trabalho
seguinte do Viper foi gravado nos Estados Unidos para soar mais
internacional.
Hoje o Viper é visto como uma banda pop metal — embora
queiram fugir do rótulo —, mas isso não tira o mérito de seus
integrantes, que batalharam pela fama e conseguiram alcançá-la às suas
próprias custas. E fizeram escola. Na cola do Viper, e também de olho
no mercado japonês, surgiu o Angra. A banda foi montada com o
objetivo de agradar aos nipônicos e não depende do mercado brasileiro
para sobreviver. Já apareceu com gravadora e tudo.
Heavy Metal 213
Fecha a trinca de bandas paulistas com carreira internacional (no
caso, Europa e Japão) e que seguem uma linha mais pop, o Dr. Sin,
banda formada pelos irmãos Ivan e Andria Busic, que antes trabalharam
na banda Rosa Branca, de Wander Taffo.

O Dr. Sin começou a carreira ralando em Nova York. Eles pensaram:


se a gente agradar aos americanos, que são superexigentes em termos de
rock, poderemos agradar a qualquer público. E, de fato, após um show na
cidade, em 92, muitos da plateia ficaram pasmos ao descobrir que se
tratava de uma banda brasileira. Com nota 10 no teste, Dr. Sin voltou ao
Brasil e arranjou contrato com uma grande gravadora. E vale lembrar
que, antes de acompanharem Taffo, os irmãos Busic haviam integrado a
banda Platina, que chegou a gravar um EP pela Baratos Afins.
Mas uma das grandes bandas paulistas dos últimos anos é o Ratos
de Porão. De origem punk-hardcore, o RxDxPx ao longo dos anos 80
efetuou um crossover parecido com o da banda americana DxRxIx
(Dirty Rotten Imbecils, que tocou em São Paulo em 92) e até o último
passo havia levado seu som para as raias do thrash metal
contemporâneo, comparável ao de bandas internacionais. No último
disco da banda, isso ficou mais claro, principalmente pela produção a
cargo de Alex Newport, que também tem um projeto paralelo com Max
Cavallera, do Sepultura, o Nailbomb. Liderado pelo vocalista figuraça
João Gordo (que por causa de seus passado é hostilizado tanto por
punks velhos como por carecas e bangers), o Ratos faz uma boa zoeira e
tem a seu favor as boas performances ao vivo. O que já os levou a
miniturnês pela Europa (enlouqueceram os portugueses) e lhes valeu um
contrato com a RoadRunner, que garante distribuição internacional dos
discos. O último trabalho, Feijoada acidente, faz pilhéria com o disco
de covers punks do Guns N' Roses, Spaghettí accident?, e, como este,
traz também vários covers do punk rock local e internacional.

No Rio, apesar de a cena metal não ser aparentemente tão forte


quanto em BH e SP — talvez em parte pela falta de bons clubes para se
lançarem, embora o Garage e o Caverna (que vive fechando e abrindo
em lugares diferentes) cumpram bem o seu papel — a cidade contribuiu
com um dos principais grupos do heavy brasileiro, ao lado do Sepultura.
Trata-se da veterana banda Dorsal Atlântica, um trio cuja carreira
começou em 1982 como Ness.
214 Tom Leão
Na estrada desde 1984, a Dorsal é uma das bandas brasileiras
de metal mais importantes

Heavy Metal 215


O Rio também teve sua gravadora alternativa especializada, a
Heavy, que já lançou discos da Dorsal, o primeiro do X-Rated e muitos
outros. Pena que ela tenha encerrado atividades em 93.
Ao longo de seus 12 anos de carreira, a Dorsal Atlântica manteve
sua formação inalterada e desenvolveu uma evolução lírica e musical
que transformou a banda em nome de culto e a fortaleceu para que
enfrentasse com facilidade todos os modismos do rock local.
Segundo seu vocalista e guitarrista Carlos Lopes, conhecido no
início de carreira como Carlos Vândalo, por ser um ex-punk, a Dorsal
Atlântica começou sua carreira com o intuito de “unir um texto de
qualidade com uma música pesada e rápida”. O nome Dorsal Atlântica
foi encontrado por acaso numa enciclopédia e logo adotado.
Em 1984, a Dorsal e a extinta Metalmorphose resolveram
transformar suas demo tapes em algo com maior alcance. O resultado
foi a criação do disco Ultimatum, o primeiro disco carioca de metal e
um dos primeiros do Brasil. O disco foi dividido igualmente pelas duas
bandas e lançado por um selo independente em 1985.
Logo em seguida, a banda começa a excursionar com shows por
todo o Brasil, chamando a atenção da imprensa local e internacional,
sendo, no princípio, citada em zines metal europeus. Não apenas por ser
uma banda pioneira, como também pela qualidade do trabalho
apresentado, a Dorsal (que além de Carlos Lopes tem seu irmão Cláudio
Lopes, ex-Cro Magnon, no baixo; e Guga, na bateria) logo conquistou
fãs e passou a ancorar shows e festivais heavy metal.
Em 1986, é elaborado seu primeiro LP, Antes do fim (que foi
gravado em 18 horas), um disco pioneiro e bem sucedido. A partir daí, a
banda passou a ser um nome indispensável em qualquer festival de
heavy metal no Brasil e abriu, no Rio, os shows das bandas gringas
Venom e Exciter. Entre 86 e 88, a Dorsal consolidou seu nome e hoje é
uma das bandas mais respeitadas do Brasil.
O segundo LP, Dividir e conquistar, foi lançado em 1988. Num de
seus shows de lançamento, a banda tocou com a alemã Exumer, em São
Paulo. O disco teve uma versão gravada toda em inglês, Divide &
conquer. Foi o primeiro disco metal brasileiro a ter lançamento
internacional, antes do estouro mundial do Sepultura. Este disco
proporcionou um compacto lançado na Suíça e uma versão em cassete
lançada na Bélgica. Com tudo isso, a Dorsal Atlântica logo se
transformou na banda metal mais popular do Brasil, fato que refletia nas
216 Tom Leão
listas de melhores, publicadas nas revistas musicais, tanto por parte do
público quanto da crítica.
A rotina de abrir shows para todas (ou quase) bandas estrangeiras
que vinham ao país continuou em 1988, com o Nasty Savage; e, em 89,
com o Testament e o Motörhead. No mesmo ano de 89, é lançada a
primeira ópera-metal que se tem notícia, Searching for the light, que a
banda gravou especialmente para o selo americano Wild Rags, e só
depois lançado no Brasil. O disco foi bem recebido no exterior.
O disco seguinte só veio em 1992, ano em que a Dorsal fez as
honras para mais uma banda de fora, a alemã Kreator. Musical guide
from the stellium, que teve lançamento internacional, foi considerado
pela revista especializada inglesa Raw “um álbum para os anos 90”,
alcançando nota máxima da crítica.
Seguindo sua maturidade e evolução musical, a banda lançou em
agosto de 1994 seu mais ambicioso trabalho, Alea jacta est, outra ópera-
thrash, desta vez inspirada no cotidiano brasileiro. Para quem
acompanha a carreira da banda, Alea jacta est é um dos mais completos
e pesados trabalhos da Dorsal Atlântica. Ela fecha uma espécie de
trilogia junto com Searching for the light e Stellium.
A banda coroou 1994 como atração principal do BHRIF, festival de
música independente que aconteceu em Belo Horizonte e trouxe bandas
europeias e americanas.
No final de 1994, a Dorsal anunciou uma excursão muito diferente,
que incluía cidades do nordeste brasileiro (onde a maioria das bandas de
rock não vai) e também por países sul-americanos como Bolívia,
Paraguai e Argentina. Metal também dá samba no Rio. Por outro lado,
no começo de 96, enfim a banda teve suas primeiras datas europeias
confirmadas, incluindo shows na Holanda, Alemanha, Bélgica,
Dinamarca, Itália e França.
Fechando o rol das mais destacadas bandas metal cariocas, vem o
X-Rated. A banda começou com um disco independente pela Heavy
Discos e, com a boa repercussão, foi contratada pela PolyGram, pela
qual lançou o disco Animal house. Infelizmente, a banda não foi
devidamente trabalhada pela gravadora, que não entendeu a proposta, e
o X-Rated voltou à independência com o bom disco
Daresafesexdisorder (Polvo Discos), no qual mistura o funk ao thrash
metal de uma forma bem elaborada.

Heavy Metal 217


Embora os seus integrantes não gostem de ser chamados de heavy
metal, a banda carioca do gênero que mais chamou a atenção — mais
por sua proposta estética que pelo som — foi a Gangrena Gasosa. Vinda
da Zona Oeste da cidade, a Gangrena inventou o “saravá metal”, a
versão brasileira do death metal, com direito a visual inspirado em
santos afro-brasileiros e pontos de macumba. Lançaram um disco pela
independente Rock-It! (que não faz jus ao sucesso da banda em show) e,
apesar do sucesso de público e crítica, passou recentemente por vários
problemas internos.

Mas o metal no Brasil é muito mais atualmente. No nordeste


(principalmente entre o Pará e Pernambuco) pipocam bandas do gênero;
em Brasília, o Dungeon dá as cartas numa cena rock metálica
reaquecida (o P.U.S., baseado em São Paulo, é de Brasília, bem como o
Volkana); e o sul não fica atrás com várias representantes gaúchas e
curitibanas que gravam por selos locais.
Vale lembrar que bandas não metal, como os Titãs, por exemplo,
enveredaram pelo gênero nos últimos anos (tendo até discos produzidos
pelo pai do som grunge, Jack Endino) e conquistaram um novo público.
Mas, de um modo geral, o metal nacional ainda é o verdadeiro rock
alternartivo brasileiro. Está sempre na moita.

218 Tom Leão


O Infectious Grooves de Mike Muir (de branco) e Robert Trujillo (agachado)—
que integram também o Suicidal Tendencies — é um exemplo das fusões dos anos 90:
teve até Ozzy Osbourne como convidado no single “Therapy”

Heavy Metal 219


18. FUSÕES E O FUTURO

Qual será o futuro do heavy metal? De uma coisa estamos certos,


ele nunca foi tão diversificado, aberto e afeito a fusões como acontece
nestes anos 90. Estas fusões começaram a se delinear nos anos 80,
influenciadas pelo punk-hardcore, sobretudo americano. Foi de lá que
vieram bandas que ousaram fundir o funk com o metal (Fishbone, Faith
No More, King's X), o metal com o rap e o hip-hop (Beastie Boys, Red
Hot Chili Peppers) e outras que fizeram uma transição do hardcore para
o thrash metal (Suicidal Tendencies, DxRxIx). Ousadas na década
passada, as fusões hoje se tornaram fato corriqueiro e as pessoas não
mais as olham com preconceito.
Claro que sempre existirão bandas tradicionais, que não abrirão
mão da roupa de couro com tachinhas e cabelo comprido. Sempre
existirá o heavy metal tradicional, assim como existe o blues e o jazz
“puros”. É como ver uma banda de rock n' roll de raiz (rockabilly), com
seus topetes e terninhos.
Metal hoje em dia é mais. Muito mais. Ainda bem. Tanto que, na
falta de um rótulo para definir as milhares de bandas com base metálica
que surgem a cada dia, os americanos, cansados de criar rótulos como
crossover, funk-o-metal e outros mais, resolveram por bem
recentemente abarcar tudo o que é novidade pesada dentro da
confortável denominação “metal alternativo”.
E o que diabos vem a ser isso? Tudo o que já não é grunge, nem
thrash ou heavy metal em si. É o caso de bandas tão diversas como
Suicidal Tendencies (que começou hardcore, fez um crossover para o
thrash e, atualmente, soa cada vez mais metal), Therapy?, Tool, Rollins
Band, Tad, Helmet, Melvins, Prong, White Zombie, Candlebox,
Pantera, Almighty e até mesmo as antes chamadas funk-o-metal como
Faith No More e Red Hot Chili Peppers, que em discos mais recentes
provaram que podem ir de Black Sabbath (FNM) e Jimi Hendrix
(RHCP) a algo indefinido, embora com todas as características de hard
rock moderno.

220 Tom Leão


E, de fato, se formos analisar cada uma destas bandas sem o véu do
preconceito ou do purismo, veremos que, no fundo, o que elas fazem
mesmo é rock. E dos pesados. Basta ver o grupo novaiorquino Helmet.
Embora não tenha nenhum cabeludo ou tatuado na formação e não usem
camisetas pretas, a banda faz um som poderoso e intenso e que a coloca
ao lado de qualquer boa banda hard dos anos 70. O que importa não é a
forma, é o conteúdo.
Falando em hard rock e anos 70, quatro bandas apareceram dentro
do grunge e estão bastante ligadas ao heavy metal do passado. Elas são
Alice in Chains, Soundgarden, Tad e Melvins (vide grunge), todas
vindas de Seattle.
Já nomes como a americana Prong e as irlandesas Ash e Therapy?
estão mais preocupadas em conseguir extrair o máximo de barulho de
suas guitarras e amplificadores com o mínimo de esforço. O disco do
Therapy? (que tocou aqui em meados de 95), Troublegum, é uma
maravilha do tal “metal alternativo”, com direito a uma versão ultra-
heavy para o clássico cold “Isolation”, do Joy Division. Eles não
precisam ser cabeludos e exibirem tatuagens para se impor com seu
som. Sua música fala por si própria.
No mesmo caso estão bandas como Tool e Rollins Band. A
primeira faz uma mistura estranhíssima de doom metal. Músicas com
um certo clima sado-masoquista e de longa duração. A segunda,
liderada por um dos maiores ídolos do punk americano, o ex-vocalista
do Black Flag, Henry Rollins, promove um crossover de jazz (os
músicos da banda são excelentes) e metal com hardcore que serve de
moldura para as letras de auto-afirmação e controle da mente.
Nomes da nova cena americana como Prong e White Zombie (vide
industrial metal) emulam ideias recentes. O Prong é um filho direto da
punk-industrial inglesa Killing Joke (atualmente contam até com um
dos baixistas do KJ em sua linha) e faz um som pesado e intrincado
musicalmente, sem muitos riffs e refrões. O White Zombie brinca de
fazer filme B com um som techno-metálico.
Aliás, o que Prong, Melvins, Helmet e outras bandas como
Biohazard, Black Train Jack, Madball e Dog Eat Dog têm em comum,
além de buscarem novos caminhos e linguagens para o metal,
alternativamente ou não?

Heavy Metal 221


O FNM foi uma das primeiras bandas a Os Peppers fazem um som bem suinguado,
misturar funk e metal que mistura Parliament e Hendrix

O Living Color não durou tudo o que os fãs gostariam — mas, no fim das
contas, revelou ao rock o grande guitarrista Vernon Reid, que toca com a
mesma categoria em qualquer praia

222 Tom Leão


Resposta: o fato de todas serem baseadas em Nova York. E isso
reacende uma velha rixa entre as bandas pesadas americanas que
disputam o trono de meca do hard rock entre Los Angeles e Nova York.
No momento, a Big Apple está ganhando, já que os californianos
entraram num revival de hardcore-punk, que foi detonado pela veterana
Bad Religion e sua gravadora, a Epitaph Records, de propriedade do
guitarrista do BR, Mr. Brett.
Depois do recente sucesso do Bad Religion (que atualmente tem
seus discos distribuídos internacionalmente pela major Atlantic
Records), as bandas da Epitaph, como The Offspring, NOFX, Gas
Huffer, Rancid, Ten Foot Pole, entre muitas outras, viraram um ponto
de referência (e sinônimo de skate rock) para várias outras que surgiram
depois. Como a Green Day, por exemplo.
Esse revival é benéfico por um lado, pois dá continuidade ao rombo
feito pelo Nirvana e pelas bandas grunge, de resgatarem a simplicidade
e fúria do rock. E nada mais simples e furioso que uma banda hardcore-
punk com suas músicas de três minutos e letras que fazem crítica social.
Mas, voltando a Nova York, é de lá, e via as bandas citadas dois
parágrafos acima, que vem sendo desenvolvido o que provavelmente se
tornará uma espécie de novo heavy metal. O Biohazard, por exemplo,
tem tudo para virar uma banda grande no cenário e roubar o trono do
Suicidal Tendencies, que meteu os pés pelas mãos com discos que
deixaram a desejar — saiu-se melhor o projeto paralelo de dois
membros do ST, o vocalista Mike Muir e o baixista Robert Trujillo, o
Infectious Grooves, uma brincadeira funky que já teve até Ozzy
Osbourne como convidado no single “Therapy”.
Vinda do Brooklyn e a princípio fazendo um mix entre o hip-hop
(por causa da vizinhança) e o metal, o Biohazard atualmente está bem
mais heavy e “limpo” que de hábito e seu último disco foi produzido
por Ed Stasium, o cara que moldou o som da já extinta Living Colour,
aliás, outra boa banda novaiorquina.

Já Madball, Black Train Jack e Dog Eat Dog têm em comum, além
da cidade natal, a gravadora RoadRunner. Das três, a que está melhor na
cena é Black Train Jack. A exceção do Madball (bastante thrash), as
duas outras fazem um rock menos agressivo e o Dog Eat Dog chega a
fazer uso (muito bem) de um naipe de metais (sopros) muito criativo.
Ponto para Nova York.
Heavy Metal 223
O Helmet, da safra de bandas de Nova York

Dog Eat Dog e Black Train Jack (assim como o Mad Ball): bandas da gravadora
RoadRunner em busca de novos caminhos para o metal

224 Tom Leão


Mas se os headbangers mais radicais, que não gostam de maiores
misturas, estiverem realmente de pura adrenalina, sobram para bandas
como a americana Pantera (do Arizona, mas baseada no Texas) e a
escocesa Almighty (de Glasgow) a real fúria que é para os metálicos
mais ortodoxos a festa geral.
No Pantera, o feroz vocalista careca Phil Anselmo explora toda a
sua fúria animal, enquanto na segunda, a procedência irlandesa do
vocalista Rick dá um clima de rebelião as letras que falam de
ultraviolência. Enquanto isso, bandas totalmente irrotuláveis como
Kyuss (que vem de Palm Desert, na Califórnia) tiram um som de fazer
inveja aos velhos Iron Butterfly e Blue Cheer, todo à base de velhos
amplificadores valvulados, guitarras ligadas no volume onze e muita
bateção de cabeça. Uma verdadeira trip heavy-psicodélica. Triste é
saber que a banda anunciou sua dissolução no fim de 95.
Outro nome a se respeitar é o de Henry Rollins, o líder, letrista e
vocalista da Rollins Band. Egresso do Black Flag, do qual foi o
vocalista clássico até o fim da banda, em 1986, Rollins mistura peso e
poesia, auto-reflexão e mensagens positivas acompanhando por uma
banda formada por músicos com formação jazzística que acabam por
criar um novo tipo de rock pesado.
Seja como for, que nome tiver e que visual adotar, o rock pesado, o
heavy metal e o hard rock sempre estarão a postos para servir os que
gostam de barulho. Enquanto existirem adolescentes com hormônios em
ebulição, o metal (seja lá com qual nova denominação for) será a terapia
dessa galera.
Com todas as novidades adicionadas ao rock pesado nos últimos
anos, fica até difícil prever o que virá depois de tudo o que foi feito até
agora. Volta ao básico? Não dá para prever. O que vier, será forte e
espontâneo.

Heavy Metal 225


19. POSFÁCIO

Quando esse livro começou a ser escrito, há uns quatro anos, o


heavy metal estava recebendo uma boa oxigenação vinda de grupos pós-
grunge ou ainda influenciados pela fusão funk-metal. Contudo, a
corrente mais forte parecia ser aquela influenciada pelo Ministry, então
chamada (pelos americanos) de industrial metal, que injetava elementos
da música eletrônica ao som. Por outro lado, ficava cada vez mais forte
a corrente punk pop, puxada por bandas da Califórnia, como Green Day,
Offspring e Bad Religion, que, apesar de “revolta”, conquistaram as
paradas de sucesso do mundo inteiro e botaram muito medalhão no
chinelo.
Mas, e o heavy metal tradicional? Este, aparentemente, ficou para
trás. Os headbangers continuaram por aí, batendo cabeças com novos
sons e bandas. Já os mais conservadores tiveram que se recolher a seus
quartos e garagens. Tirando nomes como Ozzy Osbourne, nenhum astro
metal foi muito longe na virada dos anos 90, seja em venda de discos ou
de ingressos para shows. Até mesmo revistas especializadas do gênero
foram desaparecendo aos poucos. Outras, como a americana “Rip”, por
exemplo, tiveram que se adaptar aos novos tempos e abrir mais sua
linha editorial. Mesmo assim, não deu certo e a revista acabou. Só
restou a tradicional inglesa “Kerrang”, que, esperta, abre espaços para
grupos techno mais radicais, como o inglês Prodigy, por exemplo.
O Prodigy, aliás, é a banda techno com o espírito mais heavy metal
de todas. Tirando o fato de usarem bastante eletrônica e quase nenhuma
música ter letra, na essência o que Keith Flint e seus asseclas fazem é o
thrash do Século 21. Não à tôa, a banda costuma abrir para o Metallica.
Por sua vez, o Metallica decepcionou muito com o álbum “Load”, que
não fez tanto sucesso. Assim, na falta de motivos para bater a cabeça
com guitarras, a nova geração foi atrás de outros sons radicais, como o
techno-trance, o hardcore-gabba etc. E outros grupos ousados, como o
White Zombie, eletronizaram ainda mais o seu som.
Claro que tudo, como sempre, são fases. O que morre ou acaba,
volta melhorado ou sob outra forma. Pelo menos no mundo da música
sempre foi assim. Se não, punk, hardcore, thrash, funk-metal etc. não
226 Tom Leão
teriam acontecido. Mas, é claro, sempre vai existir aquele cara cabeludo,
com jaqueta jeans bordada com o nome de sua banda favorita, camiseta
preta, calça velha e cabelão. É esse cara que manterá a chama acesa e
que vai apoiar as novas bandas do velho estilo ou que ainda acorrerão às
turnês de grupos dinossauros...
Mas, é caso para se preocupar, quando ficamos sabendo que um
cantor como Pat Boone, rei dos caretice desde os anos 50, reaparece em
pleno final dos anos 90 vestindo calça de couro, cabelo colorido,
tatuado e com um disco em que regrava alguns dos maiores clássicos do
heavy metal. Pior sinal de que algo está acabando do que esse não
poderia haver. Esperemos a reação...

Heavy Metal 227


AGRADECIMENTOS

A Carlos Lopes (um grande pesquisador do rock pesado nacional e


informante informal deste felino);
Ao pessoal do fã-clube Kiss Alive, de Niterói (RJ);
Às bandas consultadas;
Às gravadoras BMG-Ariola, EMI-Odeon, PolyGram, RoadRunner
Brasil, Sony Music e Warner Music, e à loja Disconexus, de São Paulo,
pela cessão de material fotográfico.

228 Tom Leão


BIBLIOGRAFIA E DISCOGRAFIA

BIBLIOGRAFIA

BASHE, Philip. Heavy Metal Thunder. Omnibus Press, Reino Unido, 1986.
C OON , Caroline. 1988: The New Wave Punk Rock Explosion. Omnibus Press, Reino
Unido, 1978.
DOME, Malcom. Thrash Metal. Omnibus Press, Reino Unido, 1990.
MARIYN, Lee. Masters of Metal. Cherry Lane Books, E.U.A., 1984.
SUTER, Paul. HM A-Z. Omnibus Press, Reino Unido, 1985.
E meus arquivos secretos, é claro.

DISCOGRAFIA SELECIONADA
A seleção foi baseada em clássicos inegáveis, discos de sucesso no Brasil ou que foram
importantes em sua época como influenciadores de novas tendências. O gosto pessoal do
auror contou menos que a frequência dos títulos em outras listas semelhantes.

PROTO-METAL MC5 Rocks (76)


Kick out the jams (69) Pump (89)
BECK, JEFF
Truth (68) STOOGES BAD COMPANY
Beckola (69) The Stooges (69) Bad Company (74)
Funhouse (70)
BLUE CHEER Raw power (71) BLACK SABBATH
Vincebus eruptus (68) Black Sabbath (70)
WHO Paranoid (70)
CREAM Live at Leeds (70) Master of reality (71)
Fresh Cream (67) Black Sabbath, Vol. 4 (72)
Disraeli gears (67) Sabotage (75)
Wheels of fire (68) METAL CLÁSSICO
OZZY OSBOURNE
HENDRIX, JIMI AC/DC Blizzard of Ozz (81)
Are you expenenced? (67) High voltage (76) Diary of a madman (81)
Axis: bold as love (68) Highway to hell (79) Speak of the devil (82)
Electric ladyland (68) Back in Black (80) No more tears (93)

IRON BUTTERFLY AEROSMITH BLUE OYSTER CULT


Heavy (68) Toys in the Attic (75) Secret treaties (75)
In-a-gadda-da-vida (68)

Heavy Metal 229


COOPER, ALICE Caress of steel (75) MEGADETH
Killers (71) 2112 (76) Peace sells...but who's
School’s out (72) buyine? (86)
SCORPIONS ,
DEEP PURPLE Best of Scorpions (72) METALLICA
In rock (70) Tokyo tapes (78) Kill ‘em all (83)
Machine head (72) Master of puppets (85)
Made in Japan (72) SLADE …and justice for all (89)
Slade alive (71) Metallica (92)
DIO The story of Slade
Holy diver (83) (compilação/71) MÖTLEY CRÜE
vide Rainbow, Black Shout at the devil (83)
Sabbath URIAH HEEP
Look at yourself (71) MOTÖRHEAD
GRAND FUNK RAIL- Ace of spades (80)
ROAD VAN HALEN No sleep ‘til
On timc (71) Van Halen (78) Hammersmith (81)
Grand funk (72) Van Halen II (79)
1984 (84) NAPALM DEATH
JUDAS PRIEST Scum (87)
Stained class (78) From slavement to
British steel (80) NEW WAVE / THRASH / obliteration (88)
DEATH
KISS QUIET RIOT
Alive (75) ACCEPT Metal health (82)
Destroyer (76) Breaker (81)
RUNAWAYS
LEDZEPPELIN ANTHRAX Queens of noise (77)
Led Zeppelin (69) Among the living (87)
Led Zeppelin II (69) State of euphoria (88) JOAN JETT
Led Zeppelin III (70) Bad reputation (80)
Houses of the holy (73) BON JOVI I love rock n’ roll (81)
Physical Graffiti (75) Slippery when wet (86)
SAXON
PAGE & PLANT CELTIC FROST Denim and leather (81)
No quarter, unledded (95) Morbid tales (84) The Power and the glory
(83)
NAZARETH DEF LEPPARD
Hair of the dog High n’ dry (81) SEPULTURA
Beneath the remains (87)
QUEEN GUNS N' ROSES Chaos A.D. (93)
Sheer heart attack (74) Appetite for destruction
News of the world (78) (89) SKID ROW
SkidRow (89)
RAINBOW IRON MAIDEN
Ritchie Blackmore’s Iron Maiden (80) SLAYER
Rainbow (75) Killers (81) Reign in blood (86)
Long live rock n’ roll (78) Piece of mind (83)
VENOM
RUSH KING DIAMOND Welcome to hell (83)
Fly by night (75) Fatal portrait (86) Black metal (83)

230 Tom Leão


NEW WAVE OF THE HÜSKER-DÜ KYUSS
BRITISH HEAVY Zen arcade (84) Blues for the red sun (92)
METAL
MINUTEMEN LIVING COLOUR
DIAMOND HEAD Double nickels on the Vivid (88)
The white label album dime (84)
(80) L7
Living on the borrowed RAMONES Bricks are heavy (92)
time (82) Ramones (76)
Canterbury (83) Rocket to Russia (77) MINISTRY
It’s alive (79) Land of rape and honey
FASTWAY (88)
Fastway (82) ROLLINS BAND A mind is a terrible thing
All fired up (84) The end of silence (92) to taste (89)
Psalm 69: the way to
GIRLSCHOOL SEX PISTOLS succeed and the way to
Demolition (80) Never mind the bollocks, suck eggs (92)
Hit and run (82) here's the Sex Pistols
(77) MUDHONEY
SAMSON Superfuzz bigmuff (88)
Don't get mad, get even SUICIDAL TENDENCIES
(84) Join the army (87) NINE INCH NAILS
Broken EP (93)
TYGERS OF PAN TANG The downward spiral (94)
Wild cats (80) PÓS-METAL/PUNK
Spellbound (81) NIRVANA
Crazy nights (81) ALICE IN CHAINS Nevermind (91)
The cage (82) Dirt (92)
PANTERA
BABES IN TOYLAND A vulgar display of power
PUNK/HARDCORE Fontanelle (92) (92)

AGNOSTIC FRONT BAD RELIGION PIXIES


United blood EP (83) Generator (92) Surfer Rosa (88)
Victim in pain (84) Recipe for hate (93)
RED HOT CHILI
BAD BRAINS BEASTIE BOYS PEPPERS
I against I (86) Licensed to ill (85) Bloodsugarsexmagik (93)

BLACK FLAG DANZIG SMASHING PUMPKINS


Damaged (81) Danzig (89) Siameses dream (93)

DEAD KENNEDYS FAITH NO MORE SONIC YOUTH


Plastic surgery disaster The real thing (89) Daydream nation (88)
(82)
HELMET SOUNDGARDEN
DISCHARGE Meantime (92) Badmotorfinger (91)
Why? Superunknown (94)
JESUS & MARY CHAIN
FLIPPER Psychocandy (85) WHITE ZOMBIE
Album (81) Astro-creep: 2000 (95)

Heavy Metal 231


COLEÇÃO OUVIDO MUSICAL
direção de Tárik de Souza

A coleção Ouvido Musical, através de várias vertentes temáticas e abordagens


metodológicas — perfis, ensaios, reportagens —, propõe um estudo dos movimentos
musicais do planeta. Este olhar sonoro, a partir de um país de musicalidade à flor da pele,
não se pretende limitado pelo circunstancial ou geopolítico. Na era das avenidas da
informática, da rotulada world music e da simultaneidade virtual e interativa, a coleção
quer estar conectada às diversas vias de cada tema, fiel à tarefa de apresentar aos leitores o
maior número de alternativas para o conhecimento desse universo complexo e
interpenetrado.
O critério de seleção dos títulos e seus autores segue este primado de abrangência,
tendo como únicos vetores a qualidade e a relevância. A ideia da coleção é mapear as
principais tendências que movem o tabuleiro da música, além de refletir e desvelar seus
personagens, instrumentos e atitudes. O desenvolvimento técnico, o apuro virtuosístico e a
história das humanidades conviverão indissolúveis nessa trama, retratada por autores
escolhidos sempre entre os expoentes de cada assunto. Com a série pretende-se uma visão
nova e sistematizada sobre a música, essa arte volátil que nos cerca, mobiliza e define.

Roberto Muggiati
Blues: da lama à fama
Arthur Dapieve
BRock: o rock brasileiro dos anos 80
Carlos Calado
A divina comédia dos Mutantes
Dominique Dreyfus
Vida do viajante: a saga de Luiz Gonzaga
Luiz Galvão
Anos 70: novos e baianos
Tom Leão
Heavy Metal: guitarras em fúria

A sair:
Carlos Albuquerque
O eterno verão do Reggae
Carlos Calado
Tropicália: uma revolução musical
Zuza Homem de Mello e Jairo Severiano
O tempo e a música: 85 anos de canções brasileiras (vol. 1: 1901-1957)

232 Tom Leão


Heavy Metal 233

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