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APOSTILA DE

Op Art
OP

A R T E S
Arte, linguagem visual.
8º ANO, E. Fundamental
Francieli da Silva
Juliana Angelit
Nair Cassel Schenider
Nair Rech Abati
Orlei dos Santos
Rafael B Cafofo Neto
Rosemary Corrêa Pontes
Rosenilda Quinteiro Belarmino dos Santos
II CICLO DE ESTUDO DO ENSINO DE ARTE
SINOP, MT 2017
Orientadora. Silvana N C Lopes

1
CONHECENDO AS CORES!
O círculo cromático é uma ferramenta muito utilizada na arte, design e outras áreas
criativas.
Ele é muito útil para fazer combinações de cores, para fazer o estudo de cores frias e
quentes, para entender cores análogas e cores complementares, enfim, é indispensável 2

para os artistas, criativos, professores e alunos de arte.


O círculo cromático é uma roda composta de 12 cores: 3 cores primárias, 3 cores
secundárias e 6 cores terciárias.

 Cores primárias: não podem ser obtidas através de outras, como o amarelo, azul e
vermelho.
 Cores secundárias: formadas pela mistura das cores primárias, obtemos laranja,
violeta e verde.
 Cores terciárias: compostas pela mistura das cores secundárias.

Círculo Cromático

2
Agora que tal praticarmos um pouco!!

Pinte utilizando as cores na mesma posição do circulo cromático

3
1) Pinte a obra do Romero Brito, utilizando as cores secundárias :

2) Pinte o desenho utilizando as cores terciárias:

4
As cores frias são: Verde, azul, roxo. Causam-nos uma sensação de frio.
As cores quentes são: Vermelho, amarelo, laranja. Causam-nos uma sensação de calor.

Pinte o desenho utilizando as cores frias.

Pinte a mandala utilizando as cores quentes.

5
1) Encontre as palavras escritas abaixo no caça palavras.

6
PERSPECTIVA OU DESENHO 3D

Perspectiva é um campo de estudo da geometria e, em especial, da geometria projetiva. Suas


aplicações estendem-se para: arte, arquitetura, design, engenharia etc. Trata-se de uma ciência que abarca
os métodos de representação dos objetos em seus tamanhos e posições "corretas", tal qual a visão
humana supostamente os compreenderia, a partir de um observador. A perspectiva subdivide-se em várias
modalidades como: cônica, isométrica, cavaleira, militar, entre outras, e foi desenvolvida pelos artistas e 7

geômetras na transição da Idade Média para o Renascimento, na sua forma estrita de entendimento.
Um ponto de fuga. A perspectiva com um ponto de fuga, também é conhecida como perspectiva
renascentista foi o primeiro método de perspectiva exata, que se baseiam em um ponto de fuga situado na
linha do horizonte, para o qual convergem às retas paralelas, que ao serem transformadas em diagonais,
no quadro, provocam a sensação de profundidade. Veja os exemplos. Usaremos nas seqüencia lápis 2b,
lápis 6b, borracha e régua. Use régua seguindo este exemplo de um ponto de fuga, tente recriar nos
espaços restantes os cenários seguindo a lógica dos pontos e de linhas. Note que a linha horizontal, é a
primeira ser traçada e depois as demais linhas inclinadas.
AGORA é COM VOCE !

Observe os desenhos a seguir, ENCONTRE o PONTO DE FUGA e marque com um X .

Pintura:

Pinte destacando as cores frias

7
Complemente o desenho e pinte destacando as cores quentes!

Faça um desenho com PONTO DE FUGA Do lado e pinte!

8
DESAFIO VOCE!!!!

9
Textura é o aspecto de uma superfície, ou seja, a "pele" de uma forma, que permite identificá-la e
distingui-la de outras formas. Quando tocamos ou olhamos para um objeto ou superfície sentimos se a sua 1
0
pele é lisa, rugosa, macia, áspera ou ondulada. A textura é, por isso, uma sensação visual ou táctil.

Texturas naturais

Aquelas que resultam da intervenção natural do


meio ambiente ou que caracterizam o aspecto exterior das
formas e coisas existentes na Natureza Ex.: Cascas de
troncos de árvores, madeira, folhas, rochosa folha é uma
textura muito diferente porque ela pode ser tirada em
folha (sulfite) e fica em alto relevo.

Texturas Artificiais/Produzida:

São aquelas que resultam da intervenção humana


através da utilização de materiais e instrumentos
devidamente manipulados. O Homem desde sempre tenta
criar nas superfícies/objetos, texturas idênticas às criadas
na Natureza, logo elas são o reflexo do modo como
expressamos o nosso entendimento do mundo que nos
rodeia. Dependem da manipulação das matérias e das
técnicas utilizadas e do modo como utilizamos as
linguagens plásticas. Por meio de elementos lineares,
pontuais, de manchas, incisões, etc., podem criar texturas
com características ornamentais ou funcionais.

Classificação das texturas

As texturas podem ser basicamente classificadas em:


Texturas regulares: As texturas regulares são aquelas que repetem formas continuamente sobre uma
superfície formando um padrão.
Texturas irregulares: As texturas irregulares são aquelas que não apresentam uma homogeneidade na
superfície, podendo ser o resultado de alterações de formas e volumes.
Texturas simples: As texturas simples são aquelas que apresentam uma simplicidade na sua estrutura
básica, não apresentando alterações significativas. Acetinados, sedosos, macios, etc. são exemplos de
texturas simples.
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Texturas expressivas: As texturas expressivas, ou compostas, são formadas justamente pela junção de
diferentes elementos e informações táteis. Rachaduras, rugosidades, espinhos, etc. são exemplos
significativos de texturas expressivas.

Função das texturas

As texturas podem ter diferentes funções na arte, 1


que podem ser utilizadas ou exploradas pelo artista de 1

acordo com seu objetivo e a mensagem que ele deseja


passar através de sua obra.
Assim, elas servem para afastar, aproximar,
proteger, aquecer, refrescar, tranquilizar, aderir,
camuflar, etc.
Identifique A OBRA e faça uma textura inspirada no peixe.

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Preenchem os espaços do desenho com texturas, correspondentes ao numero
 Textura no lápis preto.
 As flores pintar predominando uma das cores primárias

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2

1 2 3

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TARSILIA DO AMARAL
Nascida em 1º de setembro de 1886, em Capivari, interior de São Paulo, era
filha de José Estanislau do Amaral Filho e de Lídia Dias de Aguiar, e neta de José
Estanislau do Amaral, cognominado “o milionário” em virtude da imensa
fortuna acumulada em fazendas do interior paulista.

Seu pai herdou a fortuna e diversas fazendas, onde Tarsila e seus sete irmãos
1
passaram a infância. Desde criança, fazia uso de produtos importados 3
franceses e foi educada conforme o gosto do tempo. Sua primeira mestra, a
belga Mlle. Marie van Varemberg d’Egmont, ensinou-lhe a ler, escrever, bordar e falar francês. Sua mãe
passava horas ao piano e contando histórias dos romances que lia às crianças. Seu pai recitava versos em
francês, retirados dos numerosos volumes de sua biblioteca.

Tarsila do Amaral estudou em São Paulo, em colégio de freiras do bairro de Santana e no Colégio Sion. E
completou os estudos em Barcelona, na Espanha, no Colégio Sacré-Coeur.

Ao chegar da Europa, em 1906, casou-se com o médico André Teixeira Pinto, seu noivo. Rapidamente o
primeiro casamento da artista chegou ao fim. A diferença cultural do casal era grande. O marido se opunha
ao desenvolvimento artístico de Tarsila, já que ele era conservador e, para os homens da época, a mulher
só deveria cuidar do lar. Revoltada com essa imposição, ela se separa, mas só conseguiu a anulação do
casamento anos depois. Com ele teve sua única filha, a menina Dulce, nascida no mesmo ano do
casamento. Tarsila se separou logo após o nascimento da filha e voltou a morar com os pais na fazenda,
levando Dulce.

Início da carreira Começou a aprender pintura em 1917, com Pedro Alexandrino Borges.[1] Mais tarde,
estudou com o alemão George Fischer Elpons. Em 1920, viaja a Paris e frequenta a Academia Julian, onde
desenhava nus e modelos vivos intensamente. Também estudou na Academia de Émile Renard.

Apesar de ter tido contato com as novas tendências e vanguardas, Tarsila somente aderiu às ideias
modernistas ao voltar ao Brasil, em 1922. Numa confeitaria paulistana, foi apresentada por Anita Malfatti
aos modernistas Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti Del Picchia. Esses novos amigos
passaram a frequentar seu atelier, formando o Grupo dos Cinco.

Em janeiro de 1923, na Europa , Tarsila se uniu a Oswald de Andrade e o casal viajou por Portugal e
Espanha. De volta a Paris, estudou com os artistas cubistas: frequentou a Academia de Lhote, conheceu
Pablo Picasso e tornou-se amiga do pintor Fernand Léger, visitando a academia desse mestre do cubismo,
de quem Tarsila conservou, principalmente, a técnica lisa de pintura e certa influência do modelado
legeriano.

1ª FASE Pau Brasil

O Touro, 1925.

Tarsila disse que foi em Minas que ela viu as cores que
gostava desde sua infância, mas que seus mestres diziam que
eram caipiras e ela não devia usar em seus quadros.

‘Encontrei em Minas as cores que adorava em criança.


Ensinaram-me depois que eram feias e caipiras. Mas depois

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vinguei-me da opressão, passando-as para as minhas telas: o azul puríssimo, rosa violáceo, amarelo vivo,
verde cantante, …’

E essas cores tornaram-se uma das marcas da sua obra, assim como a temática brasileira, com as paisagens
rurais e urbanas do nosso país, além da nossa fauna, flora, folclore e do nosso povo.Ela dizia que queria ser
a pintora do Brasil.

Em 1926, Tarsila fez sua primeira Exposição individual em Paris, com uma crítica bem favorável. Neste
mesmo ano, ela casou-se com Oswald. Depois do casamento o casal passou longas temporadas na fazenda 1
4
de Tarsila onde recebiam os amigos modernista

2ª FASE Antropofagia

Abaporu.

Em janeiro de 1928, Tarsila queria dar um presente de aniversário


ao seu marido, Oswald de Andrade. Pintou o ‘Abaporu’. Quando
Oswald viu, ficou impressionado e disse que era o melhor quadro
que Tarsila já havia feito. Chamou o amigo e escritor Raul Bopp,
que também achou o quadro fantástico. Batizou-se o quadro de
Abaporu, que significa homem que come carne humana, o
antropófago. E Oswald escreveu o Manifesto Antropófago e
fundaram o Movimento Antropofágico. A figura do Abaporu
simbolizou o Movimento que queria deglutir, engolir, a cultura
européia, que era a cultura vigente na época, e transformá-la em
algo bem brasileiro. Valorizando o nosso país.

Outros exemplos de quadros desta fase dita Antropofágica são:


‘Sol Poente’, ‘A Lua’, ‘Cartão Postal’, ‘O Lago’, ‘Antropofagia’, etc. Nesta fase ela usou bichos e paisagens
imaginárias, além das cores fortes.

A artista contou que o Abaporu era fruto de imagens do seu inconsciente, e tinha a ver com as histórias
que as negras contavam para ela em sua infância. Em 1929 Tarsila fez sua primeira Exposição Individual no
Brasil, e a crítica dividiu-se, pois ainda muitas pessoas não entendiam sua arte. Neste ano de 1929, teve a
crise da bolsa de Nova Iorque e a crise do café no Brasil, e assim a realidade de Tarsila mudou. Seu pai
perdeu muito dinheiro, teve as fazendas hipotecadas e ela teve que trabalhar. Separou-se de Oswald.

Tarsila do Amaral faleceu na cidade de São Paulo em 17 de janeiro de 1973. A grandiosidade e importância
de seu conjunto artístico a tornou uma das grandes figuras artísticas brasileiras de todos os tempos.

Principais características de suas obras


- Uso de cores vivas
- Influência do cubismo (uso de formas geométricas)
- Abordagem de temas sociais, cotidianos e paisagens
do Brasil
- Estética fora do padrão (influência do surrealismo na
fase antropofágica)

3ª FASE SOCIAL

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Operários — 1933

A pintora Tarsila do Amaral expressa o mundo do trabalho:um grande número de rostos colocados
lado a lado,todos sérios;nenhum sorriso,pois a preocupação não deixa lugar para a alegria.São pessoas que
nos olham fixamente como a nos lembrar que é duro o trabalho nas fábricas,presentes na obra sob a
forma de um prédio austero e chaminés cinzentas.A obra é um raro exemplo da etnia brasileira.Por isso foi
escolhida para representar os museus frente ao diálogo intercultural,do pluralismo de ideias,do 1
5
desenvolvimento humano e do respeito à diversidade.

O quadro de Tarsila do Amaral acima é um retrato do conjunto de operários das fábricas brasileiras.
Os rostos sobrepostos remetem à massificação do trabalho e às condições de vidas nas cidades. Estão
representadas diversas etnias, fazendo referência à migração de diferentes locais do Brasil e do mundo
para as metrópoles. A expressão dos operários representados é de tristeza, indiferença, cansaço.
Representam as péssimas condições de trabalho a que estão submetidos, e a falta de perspectivas que
predomina no contexto de opressão da chamada “Era Vargas”. O quadro, juntamente com “Segunda
Classe”(acima), é uma expressão do crescimento capitalista no Brasil e do preço pago pelos trabalhadores
para que seu êxito fosse garantido

Perguntas

Quem pintou este quadro?

- Qual é o título desta obra?

- O que você vê na pintura em primeiro plano?

- O que lhe chamou atenção nesta obra de arte?

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Faça uma Relitura !! Abaporu --- Tarsila do Amaral .
Utilize lapis de cor ou colagem com papel colorido.

Acrescente algo que faz parte do seu dia dia.

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FAÇA O DESENHO E PINTE!

1
8

CANDIDO PORTINARI (1903- 1962)

Cândido Portinari nasceu em Brodósqui, interior de São Paulo, em


1903. Seus pais eram italianos e vieram para o Brasil esperando melhorar
de vida. O primeiro emprego que conseguiram foi numa lavoura de café.

Sua infância de menino do interior foi bastante simples, mas feliz e


cheia de recordações. Gostava de jogar futebol, nadar nos rios da
redondeza, brincar com pião, brincar de pular cela, balanço, enfim,
brincava muito nas ruas de Brodósqui. Essas lembranças lhe renderam obras maravilhosas sobre as
brincadeiras infantis.

Desde pequeno desenhava e por isso os colegas lhe pediam que ilustrasse seus cadernos, trabalhos
e cartazes. Aos 9 anos trabalhou como ajudante de pintores italianos, na decoração da igreja de Brodósqui.
Portinari se alegrava muito quando montavam circo em Brodósqui. A cidade toda ficava alegre e
movimentada. A banda de música era outra atração, pois tocava nas festas e no coreto da praça nos finais
de semana. Seu pai, o sr. Btista era um dos músicos.

Como todas as crianças, Cândinho, como era chamado, sentia alguns


medos. Nas plantações via muitos espantalhos e, à noite, tinha pesadelos.
Mais tarde fez várias obras mostrando espantalhos.
Cândinho era muito curioso, impressionava-se com os retirantes
nordestinos, que chegavam a Brodósqui procurando emprego.

Eram pessoas famintas e sofridas. Candinho ficava observando essas


pessoas por muito tempo. Dessa observação surgiu a série de pinturas “Os

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retirantes”, onde Portinari expressava a dor e o
sofrimento dos retirantes e exagerava ao retratar
o sofrimento e a tristeza das pessoas.
Observe na obra de Portinari as figuras
humanas: os pés e as mãos são bastante grandes;
os corpos sugerem volume. Esses detalhes
revelam o trabalho diário nas plantações de café,
que exige força e ignora a fraqueza das pessoas. O 1
corpo humano sugerindo volume e os pés 9

enormes, que transmitem a sensação de que as


pessoas se relacionam intimamente com a terra,
sempre representada em tons vermelhos.

A obra mostra o retrato de uma cena de colheita de café, típica da região de origem do artista,
Brodósqui. Nela, é colocada em evidência a importância da mulher e do homem como trabalhadores,
colaboradores do desenvolvimento econômico brasileiro, já que são os responsáveis pela riqueza
comercial do produto e do sucesso de venda no exterior, apresentando, assim, o Brasil ao mundo."
Aos 15 Anos foi estudar no Rio de Janeiro, incentivado pela família que percebia seu grande talento
para a pintura. Trabalhou e estudou bastante. Algum tempo depois ganhou uma viagem de estudos à
Europa. Conheceu Maria Martinelli em 1930, jovem uruguaia de 19 anos, radicada com a família em Paris e
se casou com ela. Na França, Portinari sentia saudades de Brodósqui e, ao voltar ao Brasil, fez várias obras
pintando sua terra e sua gente.
Portinari fez uma exposição individual no Palace Hotel do RJ em 1932 exibindo obras que retratam cenas
da infância, circo e cirandas
Em 1962, aos 59 anos ,morre intoxicado pelas tintas que tanto utilizou. Deixou inúmeras obras retratando
o Brasil não só para os brasileiros, mas para o mundo todo.

Identifique o nome das


brincadeiras de criança. Vivido
por Candido Portinari,
“Candinho”. E escreva o nome
das brincadeiras de crianças dos
dias atuais.

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________________________

________________________

________________________

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Pinte e identifique cada brincadeira!.

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0

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2
1

21
. Portinari, Pintou o lavrador de café, que
ele conhecia tão bem desde a infância.
Portinari pintou seu primeiro mural em
1936, para o monumento rodoviário da Estrada 2
Rio/São Paulo, medindo 1m x 8m. A partir daí 2

executou inúmeros painéis por todo o Brasil e


série “Via Sacra”, na Igreja da Pampulha em Belo
Horizonte, painéis enormes e maravilhosos. Em
1951 participou da 1ª Bienal de São Paulo.
Morreu
CHICO Lavrador de Café, 1989.

Faça a releitura do lavrador de café >

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VINCENT VAN GOGH
(1983-1890)
Van Gogh é considerado um dos principais representantes da pintura
mundial. Nasceu na Holanda, no dia 30 de março de 1853. Teve uma irmã e
um irmão chamado Theo. Com este irmão, estabeleceu uma forte relação de
amizade. 2
Começou a atuar profissionalmente ainda jovem, por volta dos 15 3
anos de idade. Trabalhou para um comerciante de arte da cidade de Haia. Com quase vinte anos, foi morar
em Londres e depois em Paris, graças ao reconhecimento que teve. Porém, o interesse pelos assuntos
religiosos acabou desviando sua atenção e resolveu estudar Teologia, na cidade de Amsterdã. Mesmo sem
terminar o curso, passou a atuar como pastor na Bélgica, por apenas seis meses. Impressionado com a vida
e o trabalho dos pobres mineiros da cidade, elaborou vários desenhos a lápis.
Utilizando técnicas de jogos de luzes. Neste período, suas telas retratavam a vida cotidiana dos
camponeses e os trabalhadores na zona rural da Holanda.
O ano de 1886 foi de extrema importância em sua carreira. Foi morar em Paris, com seu irmão.
Conheceu na nova cidade, importantes pintores da época como, por exemplo, Toulouse-Lautrec, Paul
Gauguin e Edgar Degas, representantes do impressionismo. Recebeu uma grande influência destes
mestres, como podemos perceber em várias de suas telas.

Dois anos após ter chegado à França, parte para a cidade de Arles, ao sul do país. Uma região rica em
paisagens rurais, com um cenário bucólico. Foi neste contexto que pintou várias obras com girassóis. Em
Arles, fez único quadro que conseguiu vender durante toda sua vida: A Vinha Encarnada.

Convidou Gauguin para morar com ele no sul da França. Este foi o único que aceitou sua ideia de
fundar um centro artístico naquela região. No início, a relação entre os dois era tranquila, porém com o
tempo, os desentendimentos foram aumentando e, quando Gauguin retornou para Paris, Vincent entrou
em depressão. Em várias ocasiões teve ataques de violência e seu comportamento ficou muito agressivo.
Foi neste período que chegou a cortar sua orelha.

Seu estado psicológico chegou a refletir em suas obras. Deixou a técnica do pontilhado e passou a pintar
com rápidas e pequenas pinceladas. No ano de 1889, sua doença ficou mais grave e teve que ser internado
numa clínica psiquiátrica. Nesta clínica, dentro de um mosteiro, havia um belo jardim que passou a ser sua
fonte de inspiração. As pinceladas foram deixadas de lado e as curvas em espiral começaram a aparecer
em suas telas

Nesse momento Van Gogh caminhava pelos campos


aos arredores, procurando paisagens para pintar, ele quase
não falava com ninguém exceto com o carteiro.

No mês de maio, deixou a clínica e voltou a morar em


Paris, próximo de seu irmão e que iria lhe tratar. Porém a
situação depressiva não regrediu. No dia 27 de julho de
1890, atirou em seu próprio peito. Foi levado para um
hospital, mas não resistiu, morrendo três dias depois.
. A Vinha Encarnada

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RESPONDA

1 °Vincent Willem Van Gogh nasceu em meados do século XIX, mais


precisamente em 1853, na Holanda. Começou a trabalhar muito cedo, por
volta dos 15 anos de idade como comerciante de peças artísticas na loja de
seu tio, na cidade de Haia, no país em que nasceu. Com 20 anos, Van Gogh 2
foi morar em Londres e depois em Paris e logo sentiu que tinha vocação 4

religiosa, de modo que chegou a estudar.

( ) Teologia ( ) Artes ( )Astronomia ( ) Filosofia

2° Entre as obras produzidas por Van Gogh ao longo de toda a sua vida, algumas se destacam como o
presente de boas vindas para o seu amigo.

( ) Os comedores de batata ( ) Os girassóis


( ) Auto retrato com chapéu de palha ( ) A casa amarela

3° Os Girassóis, se tornou o mais famoso quadro. Pintado nos últimos 150 anos, ele chegou a fazer 10
versões, nesse momento Van Gogh estava morando em qual cidade?

( ) Paris ( ) Londres ( ) Arles ( ) Amsterdã.

4° A cada dia Van Gogh caminhava pelos campos aos arredores, procurando paisagens para pintar, ele
quase não falava com ninguém. Exceto com?

( ) Pastor ( ) Padeiro ( ) Padre ( ) Carteiro

5° Van Gogh em um dos seus momentos de loucura cortou uma de suas partes do seu corpo. Qual parte?

( ) a mão ( ) o braço ( ) o dedo ( ) a orelha.


Pesquise, quem foi Joseph Roulin. 1888., que Vincent Van Gogh
retratou , sentado na cadeira!

24
Pinte cada parte do quadrado com apenas duas cores e depois, recorte e cole montando o
quebra cabeça.

2
5

25
PABLO PICASSO:
VIDA E OBRA_
2
Retrato de Suzanne Bloch(1904) 6

Um dos maiores artistas do séc. XX. Nasceu em


Málaga na Espanha em 1881, e morreu em 1973, na
França. Seu pai era professor de desenho e
estimulava seu filho a desenhar. 0 estilo de Picasso
mudou várias vezes, durante toda sua vida mais que
qualquer outro artista, algumas vezes pintava o
rosto das pessoas distorcido e engraçado. Picasso estava sempre tentando coisas
novas. Às vezes pintava figuras planas e muitas vezes arredondadas. Sua pintura
algumas vezes lembrava Toulouse-Lautrec, Gauguim, Monet e Van Gogh.
A viagem de Picasso a Roma deixou – o muito inspirado a fazer seus
desenhos como se fosse estátuas ou linda escultura.
FASE AZUL
Nesta fase, aparecem personagens tristes, melancólicos e solitários. Foi
então que algo aconteceu! Seu melhor amigo morrera e Picasso sentia-se triste e
sozinho. É um exemplo de cores frias e monocrômica. A fase azul termina e inicia
uma nova fase na vida de Picasso assim que
conhece Fernanda seu grande amor e assim tudo
se torna rosa. A paixão de Picasso por Fernanda
influi em suas pinturas e passaram a ter cores
mais alegres. Nesta
FASE ROSA
retratou a família circense, mostrando
artistas e animais. Nesta fase aparecem as cores
mais alegres e claras.
26
“Maternidade”, de Picasso. 1905
CUBISMO

Les Demoiselles d'Avignon


Um novo estilo é desenvolvido por
Picasso. Onde sua principal característica se 2
7

apresenta em figuras fragmentadas, com


predomínio de linhas retas e cores como
marrom, e tonalidades de castanhos.
 Cubismo analítico estuda a forma
geométricas e espaço e cores
monocromáticas.
 Cubismo sintético desenvolve a técnica da
colagem.
Picasso viaja para Roma e em seu retorno o inspira-o a fazer uma série de
pinturas como se fossem esculturas ou perfeitas estátuas
GUERNICA

Em 1937 um acontecimento fez com que Picasso pintasse sua obra mais
séria e mais forte e com sua fúria e repúdio a guerra civil pinta a pequena cidade
de Guernica que foi arrasada por bombas e milhares de crianças e pessoas
inocentes morreram ou ficaram feridos.

27
PICASSO, P. Guernica . 349 × 777 cm. Museu Reina Sofia, Espanha, 1937

Responda

1 ) Sobre o Cubismo marque a alternativa correta:


a. O Cubismo é uma arte realista.
2
b. O Cubismo é uma arte surreal. 8

c. No Cubismo não aparecem figuras da realidade.


d. No Cubismo existe o triângulo.
2 ) – No Cubismo analítico:
a. As figuras são dispostas de forma quase incompreensível.
b. As figuras são bem nítidas.
c. AS figuras são surreais.
d. todas estão corretas
3) – São fases de Pablo Picasso:
a. Rosa e Verde.
b. Rosa e Azul.
c. Azul e Verde.
d. Azul e Vermelho.

4) O pintor espanhol Pablo Picasso (1881–1973), um dos mais valorizados no


mundo artístico, tanto em termos financeiros quanto históricos, criou a obra
Guernica em protesto ao ataque aéreo à pequena cidade basca de mesmo
nome. A obra, feita para integrar o Salão Internacional de Artes Plásticas de
Paris, percorreu toda a Europa, chegando aos EUA e instalando-se no MoMA, de
onde sairia apenas em 1981. Essa obra cubista apresenta elementos plásticos
identificados pelo
a) Painel ideográfico, monocromático, que enfoca várias dimensões de um
evento, renunciando à realidade, colocando-se em plano frontal ao
espectador.

28
b) Horror da guerra de forma fotográfica, com o uso da perspectiva clássica,
envolvendo o espectador nesse exemplo brutal de crueldade do ser
humano.
c) Uso das formas geométricas no mesmo plano, sem emoção e expressão,
despreocupado com o volume, a perspectiva e a sensação escultórica.
2
d) Esfacelamento dos objetos abordados na mesma narrativa, minimizando a 9

dor humana a serviço da objetividade, observada pelo uso do claro-escuro.


5) – Além de pintor Pablo Picasso foi também:
a. Ator. b Médico .c Advogado. d Cenógrafo.

6 ) – O nome Cubismo tem ligação com a:


a. Biologia .b. Matemática. c. Antropologia .d. Física

Pinte a obra de Picasso com uma harmonia de cores que transmita tristeza e solidão.
”O velho violinista cego” – Pablo Picasso

29
Pinte com uma combinação policromática e destaque duas
cores. E identifique a obra de Picasso

3
0

30
FIGURAS GEOMÉTRICAS

Se olhar ao seu redor, você verá que os objetos têm forma, tamanho e outras
características próprias. As figuras geométricas foram criadas a partir da observação das
formas existentes na natureza e dos objetos produzidos pelo homem. Nesta aula você vai
conhecer ou recordar os diversos tipos de figuras geométricas. Todos os objetos, mesmo os
mais complexos, podem ser associados a um conjunto de figuras geométricas. Você terá 3
1
mais facilidade para ler e interpretar desenhos técnicos mecânicos.
As figuras planas são aquelas que se apoiam na mesa e qualquer outro tipo de
objeto. Essas figuras planas elas não ficam em pé, então essas são as figuras planas.
As espaciais ficam apoiadas também, mas apoiadas com o conjunto de figuras. As
espaciais todas ficam em pé, elas não ficam Nas figuras geométricas tem: vértices, arestas
e faces, mas a esfera não tem, porque ela é redonda. Os vértices são os pontinhos que
ficam entre as arestas. As arestas são os pauzinhos retos que fazem o formato da face. As
faces são os lados que ficam entre os vértices e as arestas.

ATIVIDADE

1-Marque nas figuras abaixo todos os vértices e pinte uma das faces dos sólidos
geométricos:

2-Escreva o nome para cada figura geométrica e pinte o sólido aéreo

31
3
2

32
3
3

Completo a malha com os losangos e Pinte com cores complementares.

33
BEATRIZ MILHAZES
Beatriz Milhazes é uma pintora, gravadora,
ilustradora e professora brasileira, um dos mais destacados
nomes da arte contemporânea no Brasil.
3
4
Beatriz Ferreira Milhazes, nasceu no Rio de Janeiro,
no ano de 1960. Ingressou no curso de Comunicação Social
da Faculdade Hélio Alonso, no Rio de Janeiro. Em 1980
iniciou-se nas artes plásticas na Escola de Artes Visuais do
Parque Lage, onde mais tarde lecionou e coordenou as
atividades culturais. Em 1981 concluiu o curso de
Comunicação Social.

Em junho de 1804, Beatriz Milhanez participou da exposição


“Como Vai Você, Geração 80?”, no Parque Laje, que reuniu 123 artistas de todo o Brasil, que buscavam
retomar a pintura em contraposição à verdade conceitual dos anos 70, com o uso de novas técnicas e
materiais, onde expressavam a liberdade e a diversidade no processo de redemocratização do país.

A cor tornou-se um elemento da maior importância na obra de Beatriz Milhazes, acompanhada de


círculos – onde é a ideia central de suas obras, por onde tudo começa, interagindo com geométricos,
quadrados, flores, arabescos e listras, onde a composição torna-se alegre e bela.

A partir dos anos 90, a pintora destacou-se em mostras internacionais nos Estados Unidos e na Europa.
Beatriz Milhanez tornou a cor um elemento de grande importância em suas obras, onde apresenta formas
circulares integradas com quadrados, flores, arabescos e listras. Na maioria de seus trabalhos a artista
prepara imagens sobre plásticos transparentes que são descoladas como películas e aplicadas na tela por
meio de colagens sucessivas, realizadas com precisão.

Vê-se em suas obras um comprometimento com a arte popular brasileira, a arte aplicada; também
com o construtivismo, um movimento do início do séc. XX que baseava-se na ideia de que a arte deveria
ser construída com elementos geométricos e materiais modernos, em vez de imitações.

Suas obras se impõem em qualquer ambiente, por serem muito coloridas, muitos cortes, muitos
preenchimentos, muitos acontecimentos que ocorrem na trajetória de seu trabalho. É uma mistura de
fauna e flora, de carnaval, de modernismo, de ornamentos, de arquitetura barroca a objetos de art-déco,
lembrando intensamente os trópicos. Tudo se encontra alegremente misturados em suas colagens e conta,
a artista, que sua inspiração veio muito de Mondrian, Matisse, Tarsila do Amaral e Burle Marx.

Além da pintura Beatriz Milhazes dedicou-se também á gravura, ilustração e o ensino. Iniciada nas
artes plásticas em 1980, quando ingressa na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV/Parque Lage), no
Rio de Janeiro, é a partir do seu ingresso no universo pictórico que a artista integrará o grupo chamado de
Geração 80 - grupo que pretendia resgatar a pintura em contraposição à corrente conceitual dos anos 70,
além de buscar novas técnicas e materiais de trabalho.

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Questionário.

1 - Como se deu o inicio da carreira de Beatriz Milhazes?

3
2 - Beatriz Milhazes participou de uma exposição, quando foi, como foi explique: 5

3 - O que tornou um elemento de grande importância em uma de suas obras?

4 - O que se vê através das obras de Beatriz Milhazes, e o que elas transmitem nos ambientes?

5 - Além da pintura o que a mais a Beatriz Milhazes se dedicou?

Produção Artística

Observe as obras de Beatriz Milhazes e, inspirando-se nelas, crie sua própria obra. Faça o
desenho e pinte com os Lápis de cor. Ou colagem com papel colorido.

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COLAGEM !!

3
6

36
Vamos colorir inspirado nas obras de Beatriz Milhares:

3
7

37
POP ARTE
Pop art ou Arte pop é um movimento artístico surgido na
década de 1950 na Inglaterra, mas que alcançou sua maturidade
na década de 1960 nos Estados Unidos.

Os artistas deste movimento buscaram inspiração na


cultura de massas para criar suas obras de arte, aproximando-se 3
8
e, ao mesmo tempo, criticando de forma irônica a vida cotidiana
materialista e consumista. Latas de refrigerante, embalagens de
alimentos, histórias em quadrinhos, bandeiras, panfletos de
propagandas e outros objetos serviram de base para a criação
artística deste período. Os artistas trabalhavam com cores vivas e
modificavam o formato destes objetos. A técnica de repetir várias vezes um mesmo objeto, com cores
diferentes e a colagem foram muito utilizadas.

Andrew Warhola, mais conhecido como Andy Warhol, foi um importante artista plástico e cineasta
norte-americano. Nasceu em 6 de agosto de 1928 na cidade de Pittsburgh (Estados Unidos) e faleceu na
mesma cidade em 22 de fevereiro de 1987. É um dos maiores representantes da pop art, além de ter
ganhado grande destaque no cinema de vanguarda e na literatura.

Andy Warhol foi uma das figuras centrais da Pop art nos Estados Unidos. Como muitos outros artistas da
Pop art, Andy Warhol criou obras em cima de mitos. Ao retratar ídolos da música popular e do cinema,
como Michael Jackson, Elvis Presley, Elizabeth Taylor, Brigitte Bardot, Marlon Brando e, sua
favorita, Marilyn Monroe, Warhol mostrava o quanto personalidades públicas são figuras impessoais e
vazias; mostrava isso associando a técnica com que reproduzia estes retratos, numa produção mecânica
ao invés do trabalho manual.

conceitos da publicidade em suas obras de arte onde foi o ponto principal para o desenvolvimento
da pop art. Em 1965 tornou-se o financiador e gerente da banda de rock The Velvet Underground. Em 1968
sofreu um atentado ao ser atingido por um tiro disparado por Valerie Solanis. Após uma complicada
cirurgia, Warhol se recuperou e voltou à vida artística. Em 1969 começou a publicar sua própria revista
(Interview).

Estilo artístico

- Uso de conceitos de publicidade em suas obras de artes plásticas;


- Com o uso de tintas acrílicas, reforça nas cores fortes e brilhantes;
- Enfoque nos objetos de consumo e temas do cotidiano;
- Reprodução de rostos em série de personalidades da época (Marilyn Monroe, Che Guevara, Elvis Presley,
entre outros);
- Uso da técnica da serigrafia.

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ATIVIDADES
1) O que é a Pop Art?

2) Quando surgiu e em que lugar?


3
9
_

3) Quem é o maior representante desse movimento artístico?

4) Como é o estilo artístico desse movimento?


 Pinte o desenho. Com estilo POP ART

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Op. Art

4
0

É um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões de
ótica. A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte ótica”. Defendia a arte “menos
expressão e mais visualização”. Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e
instável, que não se mantém nunca o mesmo.
Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o
preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por
vezes parecem inchar ou deformar-se
O termo surgiu pela primeira vez na Time Magazine em Outubro de 1964, embora já se
produzissem há alguns anos trabalhos que hoje podem ser descritos como “op art”. Sugeriu-se que
trabalhos de Victor Vasarely, dos anos 1930, tais como Zebra (1938), que é inteiramente composto por
listas diagonais a preto e branco, curvadas de tal modo que dão a impressão tridimensional de uma zebra
.

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Observe o modelo e crie o seu

!
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1

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4
2

Faça com a letra do seu nome

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FRIDA KAHLO
Frida Kahlo, foi uma pintora mexicana conhecida por seus
autorretratos de inspiração surrealista e também por suas fotografias,
nasceu em Coyoacán, no México, no dia 6 de julho de 1907. Filha de pai
alemão e mãe espanhola desde pequena teve uma saúde debilitada,
Com 18 anos sofreu um acidente de ônibus que lhe deixou um longo 4
período no hospital, e mais tarde se viu obrigada a amputar a perna. 3
Apesar de deprimida e incapacitada de andar, passou a pintar
freneticamente a sua imagem, com um espelho pendurado na sua
frente. Dizia: “Para que preciso de pés quando tenho asas para voar”.
Casou-se com o pintor mexicano Diego Rivera, também militante do Partido Comunista.
Em 1930, foi com o marido para os Estados Unidos, onde ele trabalhava e realizava exposições.
Frida chamava atenção por exagerar nas roupas, enfeites, risos e gestos. Dedicou-se à pintura – boa parte
delas, autorretratos – de inspiração surrealista, apesar de negar dizendo que não pintava sonhos e sim sua
própria realidade.
Apesar de passar por diversas cirurgias e usar um colete de gesso em consequência do acidente, Frida não
parava de pintar. Sua obra recebia influência da arte indígena mexicana. Pintava paisagens mortas e cenas
imaginárias. Usava cores fortes e vivas, explorando principalmente os autorretratos. Era também
aficionada por fotografia, hábito que herdou de seu pai e do seu avô materno, ambos os fotógrafos
profissionais.
Foi uma defensora dos direitos das mulheres, tornando-se um símbolo do feminismo. Deprimida,
viveu os últimos anos de sua vida na Casa Azul, no México, que desde 1958, abriga um museu em
homenagem à pintora.
Frida Kahlo faleceu em Coyoacán, no México, no dia 13 de julho de 1954.
ATIVIDADE:

Comparar as duas
obras. Elencar o que
difere uma da outra.

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_______________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________________
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Complemente o retrato de Frida Kahlo, com cabelos, olhos nariz e contorno do rosto, depois pinte com
cores vibrantes.

4
4

ORIGEM E TÉCNICA DO MOSAICO

O mosaico é uma expressão artística na qual o autor, no


caso o artista, organiza pequenas peças coloridas e as colam
sobre uma superfície, formando imagens. As peças a serem
utilizadas em um mosaico podem ser pequenos fragmentos de
pedras, como mármore, granito, pedaços de vidro, seixos, pedras
semipreciosas e outros materiais, sobre qualquer superfície, seja
ela fixa ou transportável. O termo mosaico é originário de
“mosaicon”, que significa musa. Essa forma de arte já existe há
milênios, pois do Oriente os sumérios, por volta de sete mil anos
atrás, já revestiam pilastras com cones de argilas coloridas e
fixadas em massa, formando uma decoração geométrica. Os
gregos e os romanos também utilizavam a técnica do mosaico no

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auge de suas culturas para decorarem os pisos e as paredes das construções.
É importante saber que em 395 D.C., Teodósio, Imperador de Roma, dividiu seu império entre seus
filhos Honório e Arcárdio. Roma tornou-se capital do Império Ocidental, que ficou com Honório, e
o Império Romano Oriental ficou com Arcádio, cuja capital passou a ser Constantinopla, antiga Bizâncio e
atual Istambul. A arte bizantina se desenvolveu no Império Romano Oriental, e com ela a força da
produção de mosaicos.

Quando o Cristianismo passa a ser oficialmente a religião do Império Romano, a arte que vinha 4
sendo produzida, desde que os cristãos eram intolerados e perseguidos pelos romanos, uma arte de 5

pinturas em paredes e tetos das catacumbas, os novos mausoléus e templos passam a ser decorados por
mosaicos, abordando os temas de histórias do Antigo e Novo Testamento. Neste período a técnica se
desenvolve, os artistas se tornam mais hábeis, e a qualidade das obras aumentam devido o
desenvolvimento da técnica, sendo a expressão máxima na arte bizantina do período românico. Os
sarcófagos decorados pelos fiéis chegavam a sofisticação de possuírem relevos em seus mosaicos.

Com a revolução industrial, o aperfeiçoamento das técnicas da arquitetura e a arte sendo


incorporado aos produtos industrializados oferecidos ao mercado em expansão, o mosaico passam a ser
produzido em lajotas ou pequenos quadrados de cerâmica, que ao se unir formavam imagens decorativas
surpreendentes em painéis coloridos. No final do século XIX e início do século XX, o arquiteto do catalão
Antoni Gaudí (1852-1926), desenvolveu uma estética própria na sua arte. Gaudí utilizava recursos do
mosaico em sua arquitetura, integrando a obra à natureza de forma harmoniosa. Ele rompeu com a forma
plana nos edifícios e também passou a explorar as superfícies produzidas pela própria natureza utilizando a
arte do mosaico. O Parque Güell, a Casa Milá e a Casa Batló, na Espanha, são exemplos fabulosos da
multiplicidade de técnicas, incluindo o mosaico.

Nos anos cinquenta e sessenta do século XX, a moda era a utilização de pastilhas de azulejos nos
pisos e paredes das construções, e na década de noventa a utilização do vidrotil na arte do mosaico. Nos
dias de hoje, o mosaico ressurgiu, despertando grande
interesse, sendo cada vez mais utilizado, artisticamente,
na decoração de ambientes interiores e exteriores
.
A técnica do mosaico se resume à junção de
pequenas peças de pedra, vidro, mármore e cerâmica (ou
até mesmo conchas), utilizando-se argamassa, com a
finalidade de formar desenhos e preencher com eles um
piso, uma parede ou a superfície de um móvel. No caso
dos exemplos, temos formas que representam, de
maneira estilizada, as ondas do mar.

Outro grande artista brasileiro que se especializou


em produzir mosaicos incríveis e um tanto quanto
inusitados é Vik Muniz que utiliza lixo, componentes
descartáveis ou orgânicos para produzir suas peças e
instalações, todas em grande escala. Uma de suas
instalações feitas com lixo a partir de uma foto de um
casal se beijando, foi tema do clipe de abertura da novela
Passione, de 2010, produzida pela Rede Globo. Teodora – obra Bizantina

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Produção artística com colagem

4
6

Pinte o modelo cores primarias.


Quadricule os 2 retângulos
1º copie o mosaico e pinte com cores frias
2º crie um outro mosaico pinte com cores quentes

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Faça colagem com papel colorido

4
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Artista do Mato Grosso
João Sebastião Francisco da Costa (1949)
João Sebastião Francisco da Costa
(Cuiabá-MT 1949). Pintor, desenhista,
figurinista, professor. Inicia seus estudos de 4
8
pintura com Bartira de Mendonça em 1965,
em Cuiabá. Entre 1966 e 1967, estabelece
contato com artistas representativos de
tendências modernas, no Rio de Janeiro. Por
volta de 1969, começa a frequentar o ateliê de Humberto Espíndola (1943),
Campo Grande. A partir de 1973, desenvolve atividades artísticas no Museu de
Arte e Cultura Popular na Universidade Federal de Mato Grosso - UFMT, em
Cuiabá.
“A pintura de João Sebastião agrupa a
diversidade de nossa cultura”. Seu tema,
partindo de uma preocupação regional,
aborda nosso sincretismo religioso ligando
homem, santo, bicho e fruto.
Supervalorizando esses elementos ele sugere
os telurismos desta grande área verde do Centro da América do Sul, Homens-
bichos-santos formam uma Trindade mística envolvida ao culto do Divino
Espírito Santo, luz que ilumina suas cabeças. Trindade que reúne os mistérios da
mata e das cidades ribeirinhas. (...) Nessa obra de formas e cores vibrantes o
artista não aborda a onça como a imagem que se tem de Mato Grosso. Suas
onças antropomórficas transcendem o bucólico e atingem a personificação das
forças da natureza. É a cultura autóctone, a 'natura sapiens' que a tudo respeita
e transforma à sua semelhança.
Com o mesmo sentido, porém, tendendo mais a um encantamento,
enfatiza o caju, riqueza do cerrado, fruto da amizade (...). João Sebastião tem a
audácia de fazer uma abordagem que corre o risco de parecer folclórica ou
kitsch. Mas se faz necessário frisar que toda a força de seu tema está
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justamente nesse risco e na ironia dessa abordagem. (...)”SEBASTIÃO, João:
coração caipira em terra morena. Campo Grande: Fundação Cultural de Mato
Grosso, 1977.
“Entre os mais jovens artistas mato-grossenses, João Sebastião Francisco
da Costa se destaca como um dos mais promissores”. Nele há o encontro do
4
movimento mato-grossense com a nova pintura da Guanabara, onde trabalhou 9

durante algum tempo. João Sebastião faz uma pintura figurativa atualizada,
utilizando os resultados da chamada nova figuração brasileira, tão diferente da
nova figuração europeia, assim como os da Nova Objetividade e dos
desenvolvimentos mais recentes.
Apesar de extremamente jovem, já apresenta algumas características
pessoais bem acentuadas. Revela a sua vocação de pintor pela maneira
essencial como emprega a cor. Não obstante a importância do desenho nos
seus trabalhos, são realmente pinturas porque neles a cor não é um elemento
auxiliar da comunicação pelo grafismo. Ela cria o clima básico das telas no qual
se integram os demais elementos. João Sebastião tende para uma arte
simbólica, talvez com uma nota mágica.
Mesmo nas telas em que a aderência com a realidade cotidiana é maior,
há como que uma transfiguração que cria um clima especial de sugestão mágica
Faleceu o artista plástico cuiabano João Sebastião Costa, aos 66 anos ele
veio a óbito às 13h no Hospital Julio Muller, em decorrência de um infarto.
Relacione as colunas:
( 1 ) João Sebastião ( 4 ) o caju
( 2 ) Tema do artista J. Sebastião ( 5 ) folclórico
( 3 ) cultura autóctone ( 6 ) kitsch

( ) aborda homem, santo, bicho, fruto.


( ) pintor, desenhista, professor,
( ) povos aborígenes,, nativos, ou indígenas.
( ) riqueza do cerrado, fruto da amizade.
( ) utilizado para designar o mau gosto artístico.
( ) tradições e usos populares.

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Releitura Obras de João Sebastião
Estudo das cores: Pinte a primeira imagem com cores primárias e na
Segunda utilize cores secundárias. Destaque sempre uma cor.

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0

Faça o desenho de 3 caju, fruto que representa a amizade! E Pinte !

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5
2

Pinte e de continuidade da paisagem Obra Mamoeiro , Tarsila do Amaral

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Reproduza a outra parte formando um retângulo! !

5
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Siga o modelo e construa uma malha geométrica
Pinte com cores tríade

5
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Atividade referente ao filme

Em que momento do filme encaixa com essas palavras, descreva:


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 Beleza 5


 Medo

 Suspense

 Alegria

 Romantismo

 Egoísmo

 Dê as principais características físicas e psicológicas do artista principal.

 Que cena mais o emocionou?

 Qual foi a trilha sonora você identificou no filme?

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