HISTÓRIA DA

ARTE E DO DESIGN

PROFESSORES
Me. Ana Paula Furlan
Dênis Martins de Oliveira
Esp. Vanessa Barbosa dos Santos
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

NEAD
Núcleo de Educação a Distância
Av. Guedner, 1610, Bloco 4
Jd. Aclimação - Cep 87050-900 Maringá - Paraná
www.unicesumar.edu.br | 0800 600 6360

C397 CENTRO UNIVERSITÁRIO DE MARINGÁ. Núcleo de Educação a Distância;

FURLAN, Ana Paula; OLIVEIRA, Denis Martins de; SANTOS, Vanessa
Barbosa dos.
História da Arte e do Design. Ana Paula Furlan; Denis Martins de
Oliveira; Vanessa Barbosa dos Santos.
Maringá - PR.:UniCesumar, 2016.
154 p.
“Graduação em Design - EaD”.
1. História. 2. Arte. 3. Design EaD. I. Título.

CDD - 22ª Ed. 701.1

CIP - NBR 12899 - AACR/2

DIREÇÃO UNICESUMAR

Reitor Wilson de Matos Silva, Vice-Reitor Wilson de Matos Silva Filho, Pró-Reitor de Administração
Wilson de Matos Silva Filho, Pró-Reitor de EAD Willian Victor Kendrick de Matos Silva, Presidente
da Mantenedora Cláudio Ferdinandi.

NEAD - NÚCLEO DE EDUCAÇÃO A DISTÂNCIA

Diretoria Operacional de Ensino Kátia Coelho, Diretoria de Planejamento de Ensino Fabrício Lazilha,
Direção de Operações Chrystiano Mincoff, Direção de Mercado Hilton Pereira, Direção de Polos
Próprios James Prestes, Direção de Desenvolvimento Dayane Almeida, Direção de Relacionamento
Alessandra Baron, Gerência de Produção de Contéudo Juliano de Souza, Supervisão do Núcleo de
Produção de Materiais Nádila de Almeida Toledo, Coordenador(a) de Contéudo Sandra Franchini e
Larissa Siqueira, Projeto Gráfico e Editoração José Jhonny Coelho, Designer Educacional Yasminn
Zagonel, Maria Fernanda Vasconcelos, Revisão Textual Yara Dias, Maraisa da Silva, Viviane Notari,
Nayara Valenciano e Talita Dias Tomé, Ilustração André Onishi, Fotos Shutterstock.

2

Viver e trabalhar em uma sociedade global é um grande
desafio para todos os cidadãos. A busca por tecnologia,
informação, conhecimento de qualidade, novas
habilidades para liderança e solução de problemas
com eficiência tornou-se uma questão de sobrevivência
no mundo do trabalho.
Cada um de nós tem uma grande responsabilidade:
as escolhas que fizermos por nós e pelos nossos fará
grande diferença no futuro.
Com essa visão, o Centro Universitário Cesumar assume
o compromisso de democratizar o conhecimento por
meio de alta tecnologia e contribuir para o futuro dos
brasileiros.
No cumprimento de sua missão – “promover a
educação de qualidade nas diferentes áreas do
conhecimento, formando profissionais cidadãos que
contribuam para o desenvolvimento de uma sociedade
justa e solidária” –, o Centro Universitário Cesumar
busca a integração do ensino-pesquisa-extensão com
Wilson Matos da Silva
Reitor da Unicesumar
as demandas institucionais e sociais; a realização
de uma prática acadêmica que contribua para o
desenvolvimento da consciência social e política e, por
fim, a democratização do conhecimento acadêmico
com a articulação e a integração com a sociedade.
Diante disso, o Centro Universitário Cesumar almeja
ser reconhecida como uma instituição universitária
de referência regional e nacional pela qualidade
e compromisso do corpo docente; aquisição de
competências institucionais para o desenvolvimento
de linhas de pesquisa; consolidação da extensão
universitária; qualidade da oferta dos ensinos
presencial e a distância; bem-estar e satisfação da
comunidade interna; qualidade da gestão acadêmica
e administrativa; compromisso social de inclusão;
processos de cooperação e parceria com o mundo
do trabalho, como também pelo compromisso
e relacionamento permanente com os egressos,
incentivando a educação continuada.
boas-vindas
Prezado(a) Acadêmico(a), bem-vindo(a) à
Comunidade do Conhecimento.
Essa é a característica principal pela qual a Unicesumar
tem sido conhecida pelos nossos alunos, professores
e pela nossa sociedade. Porém, é importante
destacar aqui que não estamos falando mais daquele
conhecimento estático, repetitivo, local e elitizado, mas
de um conhecimento dinâmico, renovável em minutos,
atemporal, global, democratizado, transformado pelas
tecnologias digitais e virtuais.
De fato, as tecnologias de informação e comunicação
têm nos aproximado cada vez mais de pessoas, lugares,
informações, da educação por meio da conectividade
via internet, do acesso wireless em diferentes lugares
e da mobilidade dos celulares.
As redes sociais, os sites, blogs e os tablets aceleraram
a informação e a produção do conhecimento, que não
reconhece mais fuso horário e atravessa oceanos em
segundos.
Willian V. K. de Matos Silva
Pró-Reitor da Unicesumar EaD
A apropriação dessa nova forma de conhecer
transformou-se hoje em um dos principais fatores de
agregação de valor, de superação das desigualdades,
propagação de trabalho qualificado e de bem-estar.
Logo, como agente social, convido você a saber cada
vez mais, a conhecer, entender, selecionar e usar a
tecnologia que temos e que está disponível.
Da mesma forma que a imprensa de Gutenberg
modificou toda uma cultura e forma de conhecer,
as tecnologias atuais e suas novas ferramentas,
equipamentos e aplicações estão mudando a nossa
cultura e transformando a todos nós. Então, priorizar o
conhecimento hoje, por meio da Educação a Distância
(EAD), significa possibilitar o contato com ambientes
cativantes, ricos em informações e interatividade. É
um processo desafiador, que ao mesmo tempo abrirá
as portas para melhores oportunidades. Como já disse
Sócrates, “a vida sem desafios não vale a pena ser vivida”.
É isso que a EAD da Unicesumar se propõe a fazer.
 boas-vindas

Kátia Solange Coelho

Diretoria Operacional de Ensino

Fabrício Lazilha
Diretoria de Planejamento de Ensino

Seja bem-vindo(a), caro(a) acadêmico(a)! Você está
iniciando um processo de transformação, pois quando
investimos em nossa formação, seja ela pessoal ou
profissional, nos transformamos e, consequentemente,
transformamos também a sociedade na qual estamos
inseridos. De que forma o fazemos? Criando
oportunidades e/ou estabelecendo mudanças capazes
de alcançar um nível de desenvolvimento compatível
com os desafios que surgem no mundo contemporâneo.
O Centro Universitário Cesumar mediante o Núcleo de
Educação a Distância, o(a) acompanhará durante todo
este processo, pois conforme Freire (1996): “Os homens
se educam juntos, na transformação do mundo”.
Os materiais produzidos oferecem linguagem
dialógica e encontram-se integrados à proposta
pedagógica, contribuindo no processo educacional,
complementando sua formação profissional,
desenvolvendo competências e habilidades, e
aplicando conceitos teóricos em situação de realidade,
de maneira a inseri-lo no mercado de trabalho. Ou seja,
estes materiais têm como principal objetivo “provocar
uma aproximação entre você e o conteúdo”, desta
forma possibilita o desenvolvimento da autonomia
em busca dos conhecimentos necessários para a sua
formação pessoal e profissional.
Portanto, nossa distância nesse processo de
crescimento e construção do conhecimento deve
ser apenas geográfica. Utilize os diversos recursos
pedagógicos que o Centro Universitário Cesumar
lhe possibilita. Ou seja, acesse regularmente o AVA
– Ambiente Virtual de Aprendizagem, interaja nos
fóruns e enquetes, assista às aulas ao vivo e participe
das discussões. Além disso, lembre-se que existe
uma equipe de professores e tutores que se encontra
disponível para sanar suas dúvidas e auxiliá-lo(a) em
seu processo de aprendizagem, possibilitando-lhe
trilhar com tranquilidade e segurança sua trajetória
acadêmica.
apresentação do material

HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

Ana Paula Furlan; Dênis Martins de Oliveira e Vanessa Barbosa dos Santos

Prezado(a) aluno(a) do curso de Tecnologia em Design, este é seu livro da dis-

ciplina de História da Arte e do Design; ele integra cinco unidades de estudo e
foi elaborado para que você compreenda da melhor maneira possível os assuntos
referentes à disciplina.
Analisar a evolução histórica do ser humano, bem como as diferentes manifesta-
ções artísticas e estilísticas expressas nos diferentes períodos se faz necessário em
praticamente todas as profissões que têm em sua organização a essência criativa;
compreender como as manifestações de arte ocorreram nos diferentes períodos
trará a você, aluno(a), uma bagagem rica de conteúdos e assuntos pertinentes para
sua completa formação acadêmica.
A disciplina de História da arte e do design tem por objetivo levar a você conhe-
cimentos acerca dos principais movimentos artísticos e estilísticos, para que você
compreenda como as questões sociais influenciaram a arte e como contribuíram
para o despertar de novos conceitos e percepções nos mais diversos campos, dentre
eles, o do Design; assim, iniciaremos nossos estudos a partir da história da arte,
assunto que será abordado nas unidades um e dois do livro.
Compreender o mundo ao nosso redor por meio das manifestações artísticas cons-
truídas até aqui é um dos objetivos deste livro. Munido do conteúdo pertinente à
história da humanidade, apresentado mediante as diversas expressões artísticas,
você, aluno(a), conhecerá como se deu a construção das diversas culturas nos
diferentes períodos, também, como essa influenciou e está presente em nossa
sociedade até os dias atuais.
Assim, o livro de História da Arte e do Design foi elaborado a partir de referenciais
bibliográficos ricos em informações que, mesclados com nossa experiência nos
diferentes assuntos tratados no decorrer do livro, trarão a você, de maneira clara
e objetiva, os diferentes assuntos, para que você absorva da melhor forma todo o
conteúdo necessário para uma formação plena.
Iniciamos, então, nossos estudos, como mencionado, a partir dos conceitos per-
tinentes ao estudo da história da arte. Na primeira unidade, temos a definição de
arte que se faz necessária para que você analise todo o conteúdo das unidades um
e dois com clareza; apresentam-se, também, as manifestações de arte expressas
na Pré-história, bem como no Egito antigo, expressões essas em que suas carac-
terísticas perduram por diversos anos e refletem no estilo expressivo de outros
povos. Veremos, ainda, as manifestações de arte na Mesopotâmia e em Creta. Na
sequência, temos a importância da arquitetura, da pintura e da escultura na Grécia
antiga, bem como em Roma, passando ainda pela influência da arte Bizantina;
chegando à Idade Média, com o estilo gótico e, posteriormente, a influência que
a burguesia exerceu sobre a arte e a sociedade em mudança.
A unidade dois apresenta uma continuação das questões históricas e artísticas,
apresentando o período conhecido como renascimento e quais as mudanças que
ele trouxe não só para a sociedade, mas também para as questões artísticas e esti-
lísticas que foram se modificando conforme as questões sociais foram se transfor-
mando. Assim, o homem passa a compreender de maneira clara sua capacidade
de transformar a realidade que o cerca e um novo período ganha destaque na
história, o Renascimento. Nessa unidade, também analisaremos as manifestações
de arte durante os séculos XVIII e XIX e observaremos como tais manifestações
se fundem com as manifestações sociais ocorridas no período. Por fim, o livro
apresentará a você, aluno(a), as diferentes formas de expressão características do
século XX, bem como suas peculiaridades.
Nas unidades três, quatro e cinco, abordaremos os conteúdos pertinentes à história
do Design, bem como sua relevância para o contexto histórico social no qual o
curso se insere, assim, na unidade três, compreenderemos o significado do termo
Design e seu histórico e representação pelo mundo, além das manifestações dele
no Brasil.
A unidade quatro apresentará a você, aluno(a), os principais movimentos artísticos
e estilísticos que influenciaram o design contemporâneo, características e principais
nomes de tais movimentos.
Na última unidade de nosso livro, temos os diversos tipos de design, suas parti-
cularidades, bem como possíveis vertentes oriundas das especificidades de cada
tipo de design.
Desejamos a você, caro(a) aluno(a), um excelente estudo e sucesso em sua carreira,
pois acreditamos que os conteúdos aqui apresentados são de suma importância
para sua formação, plena e de grandes conquistas futuras.

Boa aula!
sum ário

UNIDADE I UNIDADE IV

DOS PRIMÓRDIOS À CONQUISTA MOVIMENTOS IMPORTANTES

DA REALIDADE DO DESIGN

14 A origem da arte: primeiras 90 Neogótico (ou revivalismo gótico)

manifestações 93 Arts & Crafts
22 Grande despertar: A Elegância 95 Bauhaus
Clássica
98 Modernismo
30 A Europa Medieval
102 Pós-modernismo
34 A Burguesia

UNIDADE V

UNIDADE II ÁREAS DO DESIGN

DO RENASCIMENTO À
CONTEMPORANEIDADE
46 Conquistando a realidade;
novos ideais
50 Século XVIII e XIX
52 Século XX: A era da diversidade
116 Design de Interiores
119 Design de Moda
124 Design Efêmero
126 Design Gráfico
130 Design de Produto
131 Design Digital

UNIDADE III

O DESIGN 147 Conclusão Geral

148 Referências
64 O que é design? 152 Gabarito
66 Quando surgiu o design
70 O design pelo mundo
77 O design no brasil
DOS PRIMÓRDIOS À
CONQUISTA DA REALIDADE

Prof.ª Me. Ana Paula Furlan / Prof. Dênis Martins de Oliveira

Plano de Estudo
A seguir, apresentam-se os tópicos que você estudará nesta unidade:
• A origem da arte: primeiras manifestações
• O grande despertar: a elegância clássica
• A Europa Medieval
• A burguesia

Objetivos de Aprendizagem
• Analisar e compreender a representação das diferentes
manifestações artísticas desde a pré-história até o século XIV.
• Compreender qual a importância e a influência da arte clássica na
história.
• Analisar as mudanças ocorridas nas diferentes expressões de
Arte desde o período medieval até o período caracterizado pela
influência burguesa.
unidade

I
INTRODUÇÃO

S
eja bem-vindo(a), aluno(a) do ensino a distância da Unicesumar, é
com imenso prazer que o recebo na disciplina de História da Arte
e do Design, iniciemos nossa aula conhecendo um pouco sobre a
história da humanidade expressa por meio das diferentes mani-
festações artísticas. A história da humanidade é demonstrada por meio de
inúmeros instrumentos, livros, pergaminhos, narrativas, dentre esses, te-
mos a Arte, que nada mais é do que a expressão de um povo em um deter-
minado período. A arte está impregnada nas manifestações corriqueiras
de tais povos antigos, com essas manifestações, podemos compreender em
parte como se dava os acontecimentos vivenciados por esses povos.
Nesta unidade, você, aluno(a), irá conhecer como eram elaboradas
as diferentes formas de arte, desde a pré-história e dos povos primitivos
com as representações nas cavernas até a arte no período em que a bur-
guesia fornecia subsídios para os artistas criarem seus trabalhos.
Primeiro, veremos quão importante é a compreensão do termo Arte
e de como esse não representava tal significado para os povos antigos;
veremos como eram as diferentes representações de arte, passando pelo
Egito antigo, Mesopotâmia e a ilha de Creta, dentre elas, a arquitetura, a
pintura e a escultura pertinentes a esses povos e locais.
Dando continuidade aos nossos estudos, apresentaremos a arte co-
nhecida como clássica orinda da Grécia e da Roma antiga, chegando até
as expressões elaboradas durante o império Bizantino.
Na sequência, veremos como a arte foi se moldando mediante as
mudanças sociais que aconteceram durante a Idade Média. Veremos as
manifestações do estilo gótico expressas principalmente na arquitetura; e
entenderemos como a classe burguesa influenciou as mudanças sociais e,
consequentemente, as mudanças na arte.
Vamos lá? Desejo a você, caro(a) aluno(a), um excelente estudo e boa
leitura!
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
A ORIGEM DA ARTE:
PRIMEIRAS MANIFESTAÇÕES
Caro(a) aluno(a), primeiramente, faz-se necessária a
compreensão do que se entende por arte para que, a
partir de tal conceito, consigamos criar um mecanis-
mo de entendimento da importância das diferentes
manifestações artísticas ocorridas durante a história
da humanidade; podemos analisar o contexto da arte
por duas visões: a visão de que a arte está presente na
elaboração arquitetônica de casas, edifícios, templos
ou qualquer outro monumento, de que está presente
nas pinturas, esculturas e de que representa toda a
cultura de determinado povo. Por essa análise, po-
demos identificar que a arte está presente em todas
as culturas do mundo e nenhum desses povos dei-
14
xou de se expressar ou de registrar sua trajetória por
meio da arte.
Por outro lado, pode-se, ainda, dizer que somen-
te é arte aquele ornamento suntuoso presente no
museu, ou ainda aquela tela ou escultura que ganha
destaque na sala de estar de um colecionador como
objeto de decoração; esse julgamento, por sua vez,
representa nossa análise a partir de referenciais atu-
ais que não cabem interpretação, pois as manifesta-
ções artísticas são mais do que simples ornamentos,
elas representam toda uma história carregada de
simbologias e de extrema importância para quem as
elaborou.

SAIBA MAIS
O QUE É ARTE?
A arte é uma das melhores maneiras do ser
humano expressar seus sentimentos e emo-
ções. Ela pode estar representada de diver-
sas maneiras: por meio da pintura plástica,
escultura, cinema, teatro, dança, música, ar-
quitetura, dentre outros. A arte é o reflexo
da cultura e da história dos diferentes povos,
considerando os valores estéticos da beleza,
do equilíbrio e da harmonia.
Considerando o contexto atual de socieda-
de, podemos, ainda, dizer que a arte pode
ser também definida como algo inerente ao
ser humano, feito por artistas a partir de um
senso estético, com o objetivo de despertar
e estimular o interesse da consciência de um
ou mais espectadores, além de causar algum
efeito. Cada expressão artística possui signifi-
cado único e diferente.
Fonte: O QUE É… (online).
A arte como manifestação dos acontecimentos, das
crenças e dos costumes dos diferentes povos expres-
sos durante a história foi se modificando mediante
aos acontecimentos e descobertas que esses faziam
com relação à natureza ou à compreensão de sua
própria existência; o fato é que nossos julgamentos
atuais referentes a qualquer tipo de manifestação,
dita arte, do passado, não podem ser considerados
válidos, uma vez que quem elaborou tal forma ex-
pressiva, seja uma gravura, escultura ou pintura, não
tinha a intensão de que essa se tornasse um objeto
de contemplação muito menos de decoração; a arte e
suas manifestações correspondem a crenças e valores
de cada povo em cada período em que se manifesta,
analisá-las com os olhares atuais implica em atribuir
valores que não pertencem a sua concepção origi-
DESIGN
nal, por isso, estudaremos as manifestações artísticas
considerando o contexto histórico no qual elas fo-
ram concebidas para que, assim, compreendamos a
relevância delas.
PRÉ-HISTÓRIA, POVOS PRIMITIVOS
É necessário, primeiro, compreender que as manifes-
tações caracterizadas como arte para nós hoje não
representavam tal segmento na época em que foram
elaboradas, as pinturas nas cavernas, por exemplo,
eram símbolos da crença e dos costumes dos povos
primitivos, para tais povos, representar uma imagem
ou construir uma cabana não fazia diferença, pois
ambas as manifestações eram parte ora de suas cren-
ças ora de sua necessidade real de proteção.
Suas cabanas existem para protege-los da chuva,
do sol e do vento, e para os espíritos que geram
tais eventos; as imagens são feitas para protege-los
contra outros poderes que para, eles, são tão reais
quanto as forças da natureza. Pinturas estátuas,
em outras palavras são usadas para realizar traba-
lhos de magia (GOMBRICH, 1999, p. 39-40).
As crenças com relação às representações principal-
mente imagéticas nas culturas antigas são carregadas
de simbolismos e, muitas vezes, deslizam nas fron-
teiras entre mundo real e espiritual, visto que, para
os povos primitivos, o simbolismo das imagens é de
extrema importância, como nos narra Gombrich
(1999, p. 40).
Os primitivos são, por vezes, ainda mais vagos
a respeito do que é real e do que é imagem.
Certa ocasião, quando um artista europeu fez
desenhos de animais domésticos numa aldeia
africana, os habitantes mostraram-se nervo-
sos: “Se levar consigo nosso gado, do que ire-
mos viver?”.
15
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

O fato é que, para tal povo, a imagem, seja ela qual for,
representa não só uma simples manifestação imagéti-
ca, mas sim toda uma crença, portanto, cabe a nós uma
análise com o olhar mais brando direcionado para o
motivo pelo qual tal grupo de indivíduos projetou tal
imagem, e não para seu significado por nós designado.
A simbologia que as imagens representam para os po-
vos primitivos vai além de nossa compreensão, uma vez
que tais representações são alguns ou os únicos vestí-
gios que temos para analisarmos as culturas primitivas.
O que auxilia os historiadores na compreensão das
questões que permeiam as manifestações artísticas ex-
pressas nas cavernas e intituladas como pinturas ru-
pestres são os utensílios também encontrados dentro
de tais cavernas e o fato da localização de tais pinturas,
muitas em interiores profundos e de difícil localização
em cavernas espalhadas pelo mundo todo, o fato é que
tais manifestações não possuem ordem alguma, são
expressas de maneira aleatória e, muitas vezes, umas
sobre as outras, o que nos traz a ideia de que não se tra-
ta, apenas, de ornamento, mas sim de toda uma crença
simbólica registrada ali com alguma finalidade.
A explicação mais provável para as pinturas ru-
pestres ainda é a de que se trata das mais antigas
relíquias da crença universal no poder produzi-
do pelas imagens; dito em outras palavras, pare-
ce que esses caçadores primitivos imaginavam
que, se fizessem uma imagem de sua presa- e até
a espicaçassem com suas lanças e machados de
pedra- os animais verdadeiros também sucum-
biriam ao seu poder (GOMBRICH, 1999, p.42).
“rituais” que somente nós fazemos, porém que outra
família o faz de maneira diferente. Assim se deu as ma-
nifestações encontradas nas cavernas de autoria dos
povos primitivos: cada tribo, em diferentes lugares do
mundo, procurava, de uma forma ou de outra, registrar
acontecimentos de seu cotidiano. As pinturas são a re-
presentação de tais acontecimentos que são analisados
por nós para que compreendamos como se iniciou esse
processo de representação da expressividade humana
por meio do que, hoje, entendemos por arte.
SAIBA MAIS
PINTURA RUPESTRE
Conhecida como a mais antiga expressão de
arte da humanidade, as pinturas rupestres são
caracterizadas por sua singela representação,
normalmente, nas paredes de cavernas, em
que animais e seres humanos são representa-
dos por meio de figuras elaboradas com pig-
mentos extraídos de plantas, ou frutos, além
de sangue dos animais que foram abatidos
para a alimentação desses povos primitivos.
Fonte: adaptado de Pacievitch (online).

Consideramos as expressões chamadas por nós de arte,

mas que, para os povos primitivos, não passavam de
representações simbólicas de seu cotidiano, como sen-
do algo único e diferente. Não precisamos ir longe para
compreendermos como se manifesta as diferentes ex-
pressões: no dia a dia de nossa casa ou família, temos

16

EGITO, MESOPOTÂMIA E CRETA
Dentre as manifestações da arte durante a história,
as expressas no antigo Egito são as mais exuberantes
e importantes, não só por simbolizarem e narrarem
toda a história de um povo, mas por serem a represen-
tação da manifestação das crenças desses. É no Egi-
to que confirmamos o que antes fora citado na arte
primitiva, que é por meio das expressões artísticas
(pintura, escultura, gravura e arquitetura) que se com-
preendem os acontecimentos vividos por um povo ou
etnia. A arte é a manifestação expressiva de um povo
por meio de diferentes técnicas, ela está carregada de
simbolismos e significados reflexos do tempo em que
foi elaborada e os historiadores bem como nós procu-
ram interpretá-la para que consigamos compreender
como as coisas aconteceram por meio dos tempos.
A civilização egípcia tem suas raízes na região
que hoje conhecemos como Etiópia, o império
oriundo dos egípcios ganhou destaque e se consoli-
dou nas terras férteis do vale do Nilo.
A civilização egípcia surgiu nas margens do rio
Nilo cerca de 4000 a.C. e seu primeiro rei - o len-
dário Menés – teria chegado ao poder por volta
de 3100 a.C. Nos três mil anos seguintes, vigorou
um sistema de governo controlado por um faraó
[...] Considerado não apenas um rei, mas tam-
bém um deus, o faraó tinha autoridade absoluta
e controlava cada aspecto da sociedade, incluin-
do a arte e a indumentária [...]. Para os antigos
egípcios, a tradição era o mais importante: vida
e religião permaneciam imutáveis [...] Baseadas
na ideia de vida após a morte, suas crenças per-
maneceram fundamentalmente inalteradas. A
religião egípcia tinha rituais e cerimonias que
acompanhavam cada ação da vida e da morte,
e que eram reservados ao faraó e aos sacerdotes,
nobres e guerreiros (COSGRAVE, 2012, p. 31).
Graças a tamanha devoção e diversidade de rituais
(dentre eles, a tradição em descrever por meio de
DESIGN
pergaminhos, bem como pinturas nas pirâmides, o
cotidiano dos nobres e principalmente do faraó) é
que se pode, hoje em dia, analisar as manifestações
consideradas obras de arte para nós, mas que repre-
sentam toda a cultura e a crença do povo egípcio.
Com a crença de que o faraó era um ser divino e de
que sua partida deste mundo, ou seja, sua morte era
apenas um rito de passagem para a volta junto dos
deuses dos quais viera, as pirâmides monumentais,
construções características do Egito, eram erguidas
em direção ao céu para que auxiliassem o faraó ou
demais indivíduos nelas sepultados a alcançarem a
vida após a morte, tais câmaras funerárias preserva-
riam o corpo sagrado em decomposição.
Os egípcios acreditavam que o corpo tinha
que ser preservado a fim de que a alma pudes-
se continuar vivendo no além. Por isso impe-
diam a desintegração do cadáver, graças a um
elaborado método de embalsamar e enfaixar
em tiras de pano. Era para a múmia do rei que
a pirâmide fora erigida, e seu corpo ficava de-
positado justamente no centro da gigantesca
montanha de pedra. Em toda a volta da câ-
mara funerária, eram escritos fórmulas má-
gicas e encantamentos para ajuda-lo em sua
jornada para o outro mundo (GOMBRICH,
1999, p. 55).
Dentre as crenças egípcias em que a arte se manifesta,
a escultura ganha destaque, haja vista que, para eles,
não bastava que o corpo do faraó fosse preservado, a
preservação da sua imagem, também, era necessária,
portanto, por meio da escultura, um rosto sereno e
quase sem expressividade era esculpido em granito
para que, assim, a alma se projetasse na imagem que
era guardada em uma câmara secreta dentro da pirâ-
mide. Vale ressaltar que, aqui, não temos o contexto
de expressão artística. O fato de a pirâmide abrigar
17
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
diversas técnicas representativas, como arquitetura,
escultura e pintura, não era para o deleite dos povos
do antigo Egito, mas sim para auxiliar a alma na vida
após a morte, a arte expressa a crença de uma cultura
baseada no poder da representação que tais técnicas
artísticas poderiam proporcionar ao homem.
Com relação à pintura no antigo Egito, é, assim
como as demais manifestações artísticas, nas pirâmi-
des que se encontram as mais completas e preservadas
obras pintadas; as pinturas que ornamentavam as pa-
redes das pirâmides tinham uma função clara e de ex-
trema importância: retratar o cotidiano e os grandes
feitos do indivíduo ali sepultado, preservando, assim,
a memória desse em outras vidas, como acreditavam.
Os artistas tinham regras pré-estabelecidas para retra-
tar os momentos e tudo deveria estar representado na
obra com total clareza, por isso não havia preocupa-
ção com proporções ou ângulos como conhecemos na
arte clássica ou contemporânea; ao retratarem um ho-
mem, por exemplo, o elaboravam usando o que ficou
caracterizado como lei da frontalidade.
18
SAIBA MAIS
LEI DA FRONTALIDADE
Caracterizado pela elaboração da figura hu-
mana com o corpo (tronco) desenhado ou
pintado de frente e as pernas e a cabeça re-
presentadas de perfil.
Fonte: adaptado de Martins e Imbroisi (online).
Algumas características chamam a atenção com rela-
ção à representação que os pintores faziam das pes-
soas por meio da pintura no Egito.
A arte egípcia não era baseada no que o artista
podia ver num dado momento, e sim no que ele
sabia fazer representando parte de uma pessoa
ou de uma cena. Era a partir dessas formas por
ele aprendidas, e dele conhecidas, que cons-
truía a suas representações [...] não é apenas o
seu conhecimento de formas e contornos que o
artista consubstancia na pintura, mas também
o conhecimento que ele possui do significado
dessas formas (GOMBRICH, 1999, p. 62).
Representar, por meio de técnicas artísticas, o co-
tidiano do faraó, a fim de que sua alma pudesse
conviver com as características mais próximas de
REFLITA
“Sabemos muito pouco a respeito de nos-
sas origens misteriosas, mas, se quiser-
mos compreender a história da arte, será
conveniente recordar, vez por outra, que
imagens e letras são na verdade parentes
consanguíneos”.
Fonte: Gombrich (1999, p. 53).
 DESIGN

sua realidade terrena era a função do artista no Egi-

to antigo. O escultor, por exemplo, tinha o nome
“aquele que mantém vivo”, pois detinha o dom de
reproduzir com extrema nitidez a imagem do faraó.
O pintor, por sua vez, possuía um método orga-
nizado, estudado e transmitido por meio de gera-
ções para que a pintura fosse a mais perfeita possí-
vel dentro das crenças e rituais egípcios. Segundo
Gombrich (1999, p. 64), “o artista egípcio iniciava o
seu trabalho desenhando uma rede de linhas retas
na parede, e distribuía as suas figuras com grande
cuidado ao longo dessas linhas”. Além de tal es-
quema para o desenho, a riqueza de detalhes era
surpreendente e nada era deixado de ser retratado,
inclusive a hierarquia dentre a sociedade, em que
o dito “chefão”, o faraó, era retratado em tamanho
maior do que seus súditos; o nobre, por sua vez, se
retratado, era representado maior que sua esposa, e
essa, maior que os filhos.

SAIBA MAIS

A seguir, as principais características da arquitetura, escultura e pintura expressas no Egito antigo:

Com relação à arquitetura, podemos considerá-la como sendo de extrema solidez e de aspecto impe-
netrável, características claramente representadas nas pirâmides, por exemplo. O aspecto misterioso
rondava não só a arquitetura, mas também a arte da escultura em que a representação, normalmente
do faraó, era feita sempre de frente e esse sem nenhuma expressividade, pois, assim, com aspecto
sereno, as imagens esculpidas significavam a imortalidade da figura do faraó, as proporções do corpo
eram esculpidas de modo a representarem toda a imponência, majestade e força. A pintura, como
citado anteriormente, possuía a chamada lei da frontalidade, não havia representação de planos, ou
seja, não existia profundidade nas representações, essas eram feitas de forma chapada, com tintas em
cores puras sem a transmissão do efeito de claro e escuro.

Fonte: adaptado de Martins e Imbroisi (online).

19
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

MESOPOTÂMIA
Diferentemente da arte egípcia, as manifestações A arte na Mesopotâmia, ou melhor, os artistas meso-
de arte na Mesopotâmia não chegaram até nós com potâmicos não tinham a função de “decorar” as pare-
grandeza de detalhes, tampouco qualidade, visto que des dos túmulos de seus reis, como no Egito, sua fun-
as questões climáticas do vale dos rios Eufrates e Ti- ção era eternizar os momentos de glória do império
gre, em que prosperaram os impérios babilônio e as- comandado pelo rei, assim, por meio de baixos rele-
sírio, não garantiram a existência de muitos artefatos vos e utilizando técnicas semelhantes a dos egípcios,
de tais povos. eles representavam as batalhas, vitórias e clemências
dos povos perdedores, a fim de que os momentos de
A arte da Mesopotâmia é menos conhecida do glória fossem eternizados.
que a arte egípcia. Isso se deve, pelo menos,
em parte, a um acidente. Não havia pedreiras
nesses vales, e a maioria dos edifícios tinha
que ser construída com tijolos cozidos, que,
no transcurso do tempo, se desintegravam e
se convertiam em pó. Até mesmo a escultu-
ra em pedra era relativamente rara. Mas essa
não é a única explicação para o fato de, com-
parativamente, poucas das primeiras obras
dessa arte terem chegado até nós. A principal
razão consiste, provavelmente, em que esses
povos não compartilhavam da crença religio-
sa dos egípcios de que o corpo humano e sua
representação deviam ser preservados para
que a alma sobrevivesse (GOMBRICH, 1999,
p. 70).

SAIBA MAIS

BAIXO RELEVO O QUE É?

Baixo: adj. Que tem pouca altura.
Relevo: O que se salienta, o que sobressai numa
superfície.
Portanto baixo relevo seria uma espécie de es-
cultura onde somente parte dela se sobressai
ao plano na qual foi esculpida, pode este ser
elaborado em uma parede, coluna ou qual-
quer base sólida.

Fonte: adaptado de Baixo (online) e Relevo (online).

Figura 1: Baixo relevo, peças elaboradas durante o domínio do império Assírio
Fonte: Human… (online) e Transport (online).

20

CRETA
A ilha de Creta, localizada entre três continentes: Euro-
pa, Ásia e África, é a mais populosa e a maior da Grécia.
Foi colonizado, segundo Cosgrave (2012), por volta de
6000 a.C., durante os três mil anos seguintes, no inte-
rior da ilha, um povoado chamado Cnossos prosperou.
Creta tornou-se o centro de produção e expor-
tação de bronze, graças a dois fatores principais.
Por volta de 3000 a.C., as técnicas de fabricação e
fundição de bronze se desenvolveram. Simultane-
amente, um afluxo de imigrantes provenientes de
Cíclades levou novas técnicas de navegação para
Creta. A civilização cretense foi muito influencia-
da por seus parceiros comerciais mais importantes:
o Egito e a Babilônia (COSGRAVE, 2012, p. 33).
Assim, conhecida como a Idade do bronze, a ascen-
são de Creta foi dividida em três períodos: antigo,
médio e tardio. Foi no período médio que, segundo
Cosgrave (2012), as técnicas de trabalho em metal
tornaram-se mais sofisticadas, apresentando padrões
filigranados e granulados.
DESIGN
Cnossos destaca-se como o sítio arqueológico
mais importante de Creta. As escavações rea-
lizadas entre 1900 e 1935 por sir Arthur Evans
na região revelam afrescos, belos e delicados
recipientes pintados e estatuetas de mármore
e fiança. Todas essas descobertas proporcio-
naram informações importantes sobre a in-
dumentária e a Arte cretense (COSGRAVE,
2012, p. 33).
A expressão da vida e as crenças dos povos primi-
tivos, egípcios, babilônicos, assírios e cretenses são,
para nós, hoje, apresentadas como obras de arte,
carregadas de história, elas representam desde ques-
tões religiosas a triunfos em batalhas ou um período
importante como a manipulação do bronze. O fato
é que desde que o homem se expressa por meio de
pinturas, esculturas ou formas arquitetônicas exis-
te o que conhecemos por arte. No próximo tópico,
veremos os destaques e as mudanças nas formas de
expressar analisando as técnicas e manifestações ar-
tísticas na Grécia e na Roma antiga.
21
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
A ELEGÂNCIA
GRÉCIA
Consideramos que os mais antigos estilos de arte
foram sendo construídos mediante as relações
humanas que foram acontecendo no decorrer do
tempo frente às conquistas dos povos mais fortes.
Acredita-se que as primeiras manifestações da
arte grega sejam representações de influência cre-
tense, bem como egípcia; formas geométricas, a
singela representação do homem e a simplicidade
das formas eram características da arte primitiva
grega.
22
GRANDE
DESPERTAR:
CLÁSSICA
Os gregos foram inovadores. Em apenas 400
anos, conceberam a política e a filosofia, assim
como a matemática e a geometria. Hipócrates
estabeleceu as bases da medicina moderna e
Heródoto foi o primeiro a refletir sobre a his-
tória. As artes – compreendidas conforme o
conceito ocidental de teatro e de representação
– podem ser vistas como inovações gregas. Os
antigos gregos não eram apenas um povo, mas
descendiam de sucessivas ondas de invasores
indo-europeus, que chegaram ao mar Egeu e
ao leste do Mediterrâneo durante um período
 DESIGN

de centenas de anos. Primeiro, eles ocuparam

o território entre os anos de 2000 e 1600 a.C. arte. O simples fato de esculpir uma figura humana
Os micênicos eram provenientes do norte, no com os pés deslocados como se estivesse caminhan-
início do século XVI a.C, mas foram invadidos, do fez com que a arte da escultura grega fosse carac-
por sua vez, pelos dórios, da Macedônia e dos terizada como um divisor de aguas, como podemos
Bálcãs, por volta de 1100 a.C., e pelos eólios,
que chegaram à região costeira do noroeste da
observar na figura a seguir:
Ásia Menor cerca de um século depois. Todos
os três grupos falavam o grego, embora com
seus próprios dialetos. Progressistas, embora
muito influenciados pelos egípcios, os dórios
construíram uma civilização de sofisticação ini-
gualável (COSGRAVE, 2012, p. 41).

Nos primórdios do domínio desses povos sobre a

Grécia, a arte elaborada por eles é caracterizada como
primitiva ou rude e bem desgraciosa, a rigidez das
formas superam aquelas expressas na arte egípcia, o
destaque são as cerâmicas com motivos geométricos
de grande simplicidade, as cenas representadas por
meio da pintura nas cerâmicas eram “austeras e rigo-
rosas”, como traz Gombrich (1999, p. 77),

Algo dessa simplicidade e desse arranjo claro e

esquemático parece ter contribuído para o es-
tilo de construção que os gregos introduziram
nesses primeiros tempos [...] tal estilo, o qual
recebeu a designação de Dórico em atenção a
tribo do mesmo nome. Era esta a tribo a que
pertenciam os espartanos, célebres por sua aus-
teridade.

Com relação às esculturas, os gregos seguiram os

passos dos egípcios, porém evoluíram na forma de
esculpir, principalmente o corpo humano, conside-
rando estudos de proporções, bem como a muscula-
tura do corpo, além do fato de os artistas não segui-
rem os padrões considerados regras, agora, diferente
dos egípcios que seguiam as regras pré-estabelecidas,
os gregos passam a observar mais o mundo ao seu
Figura 2: Polímedes de Argos Os irmãos Cleóbis e Biton, c.615-590 a.C.
redor e, assim, construírem suas representações de Fonte: Kouroi2… (online).

23
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
Caracterizamos a arte grega de acordo com as evo-
luções sociais e o agrupamento dos povos que foram
construindo, assim, a sociedade grega, tanto nas
terras continentais quanto nas ilhas pertencentes a
tais povos. A arte na Grécia antiga foi se moldando
conforme os homens observaram seu poder de ex-
pressão por meio da arte, assim, diversos períodos
caracterizaram as modificações na arte grega, tanto
na arquitetura, com as diferentes formas de colunas
que sustentavam seus templos, quanto nas escultu-
ras, agora, com movimentos e cada vez mais riqueza
de detalhes, ou, ainda, como nos narra Gombrich
(1999, p. 82) sobre a pintura grega:
Os artistas gregos ainda procuravam fazer suas
figuras com os mais nítidos contornos e incluir
tantos conhecimentos sobre o corpo humano
quantos coubessem na pintura sem violentar
24
a sua aparência. Ainda eram amantes das li-
nhas firmes e do plano equilibrado. Ainda não
se dispunham a todos os relances fortuitos da
natureza, tal como os viam. A velha fórmula,
o tipo de formas humanas que se desenvolvera
ao longo dos séculos, continuava sendo o pon-
to de partida. Só que já não as consideravam
tão sagradas como antes em cada detalhe. A
grande revolução da arte grega, a descoberta
de formas naturais e do esforço, ocorreu numa
época que é, certamente, o mais assombroso
período da história humana. É a época em que
o povo das cidades gregas começou a contestar
as antigas tradições e lendas sobre os deuses,
e a investigar sem preconceito a natureza das
coisas.
SAIBA MAIS
Os diferentes estilos na arte grega se mani-
festaram nas seguintes épocas e com os se-
guintes nomes:
• Período Homérico (776 a.C.);
• Período Arcaico (século VIII a VI a.C.);
• Período Clássico (século V a IV a.C.);
• Período Helenístico (século III a II a.C).
A arquitetura, que tinha como função pri-
mordial a proteção dos deuses por meio dos
templos, erguidos em nome das divindades,
além da simetria, pode ser caracterizada ou
dividida em três estilos:
• Ordem Dórica: simples e maciça.
• Ordem Jônica: mais detalhada e com mais
leveza.
• Ordem Coríntia: carregada de detalhes,
mais ornamentada e detalhada do que a
Jônica.
Tais estilos eram representados através do
capitel ou remate das colunas, que sustenta-
vam os templos.
Fonte: adaptado de Arte… (online).

Figura 3: Capitel Dórico Figura 4: Capitel Jônico
Os artistas gregos então conscientes de seu poder e de
sua maestria, ao longo do tempo, foram evoluindo na
maneira de representar, dentre as diversas técnicas ar-
tísticas, no final do século V a.C; na arquitetura, os di-
versos estilos começaram a ser usados simultaneamente.
O Partenon fora edificado no estilo dórico, mas,
nos edifícios ulteriores da Acrópole, foram in-
troduzidas as formas do chamado estilo jônico.
O princípio que presidiu à construção desses
templos foi o mesmo dos dóricos, mas, em seu
todo, a aparência e o caráter acabam sendo di-
ferentes. O edifício que mostra isso com o má-
ximo de perfeição é o templo chamado de Erec-
teion (GOMBRICH, 1999, p. 99).
DESIGN
Figura 5: Capitel Coríntio
A mistura dos diferentes estilos da arte grega pro-
porcionou um resultado final tanto na arquitetura
quanto na escultura de grande leveza e graciosidade
nas formas, foi no período Helenístico (século III a
II a.C), com o estudo e a observação da natureza,
que a pintura começa a ganhar profundidade e os
elementos são, agora, representados em diferentes
planos, os gregos modificaram os padrões pré-es-
tabelecidos do primitivo estilo oriental, criando,
assim, as possibilidades de enriquecer as imagens
tradicionais com um mundo novo de característi-
cas extraídas da simples observação da realidade
que os cercava.
25
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
ROMA
A arte romana tem suas bases na arte já característi-
ca dos gregos, pois esses eram os principais artistas
da Roma antiga. Dentre as manifestações de arte
romana, destacam-se seu cuidado com as estradas
e a locomoção das pessoas nessas, bem como seus
aquedutos e os tradicionais banhos públicos, todos
relacionados com conceitos arquitetônicos inova-
dores; o mais famoso edifício romano é, talvez, a
arena chamada Coliseu, composta, em seu interior,
por um grande anfiteatro, em sua composição ex-
terna, cada andar é caracterizado pelos arcos bem
como pelos estilos das ordens gregas, o que com-
prova a influência dos gregos sobre a arte e a arqui-
tetura romana; o térreo com as colunas em estilo
dórico, o segundo andar com características jônicas
26
e o terceiro e o quarto andares com meias colunas
em estilo coríntio.
Coliseu de Roma
A mais importante característica da arquitetura
romana é, porém, o uso de arcos [...] construir
um arco com pedras separadas em forma de
cunha é uma dificílima façanha de engenharia.
Uma vez dominada essa arte, o construtor pode
utilizá-la para projetos cada vez mais ousados.
Pode multiplicar os pilares de uma ponte ou de
um aqueduto, ou até fazer uso desse recurso para
construir um teto abobadado. Os romanos se tor-
naram grandes especialistas na arte da constru-
ção de abóbodas, graças a diversos expedientes
de natureza técnica. O mais maravilhoso dos seus
edifícios é o Panteão, um templo dedicado a to-
dos os deuses (GOMBRICH, 1999, p. 119, 121).
 DESIGN

SAIBA MAIS

AQUEDUTOS: Canal subterrâneo ou fora do

solo, para conduzir água de um lugar para
outro.

ABÓBADAS: Arquitetura. Obra de alvenaria

arqueada em que os elementos que a cons-
tituem (pedras, tijolos etc.) se apóiam uns nos
outros, assumindo a forma de cobertura.

Fonte: Abóbada (online).

Os romanos aproveitaram tudo o que lhes convinha

da arte grega, melhorando-a de acordo com suas ne- Figura 6: Panteão de Roma

cessidades, tal característica fez com que o império

romano fosse um dos mais poderosos na história
da humanidade. Ao conquistarem um determinado
povo, eles procuravam aprender com esses, e não
exterminá-los como os bárbaros faziam, assim, a
vastidão em técnicas e a riqueza do aprendizado só
aumentavam.
A arte da escultura era parecida com a dos egíp-
cios, esculpir um busto do imperador e adorá-lo
como forma de lealdade era característico da socie-
dade romana, porém, na elaboração de tal trabalho,
não havia preocupação com a serenidade ou a inex-
pressividade (como no Egito), acrescentando seus
aprendizados com os gregos. As esculturas romanas
possuíam características as mais próximas possíveis
do real e menos lisonjeiras, a representação deveria
ser fiel tal qual o indivíduo era na realidade. As fa-
çanhas bélicas dos romanos também eram registra-
das em forma de arte, principalmente baixos relevos
com riqueza de detalhes e narrando detalhadamente
Figura 7: Projeto arquitetônico do Panteão, Roma
os acontecimentos. Fonte: Brockhaus… (online).

27
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
A arte romana toma novas formas quando o impe-
rador Constantino, em 311 d.C., estabelece a Igreja
Cristã como um poder no Estado, assim, o formato
de arquitetura destinada à adoração não se encaixava
nos moldes, agora, reelaborados pela igreja.
Assim acontece que as igrejas não usaram os
templos pagãos como seus modelos, mas adota-
ram o tipo de amplos salões de reunião que em
tempos clássicos, eram conhecidos pelo nome
de “basílica”, o que significa aproximadamente
“pórtico real” (GOMBRICH, 1999, p. 133).
Ou seja, a construção dos novos locais para as celebra-
ções se baseavam em uma arquitetura simples, um salão
com colunatas ao longo de seu comprimento com late-
rais mais espaçosas, na extremidade oposta à entrada,
havia um espaço semicircular usado como altar-mor
para onde a assembleia ou os fiéis dirigiam o olhar.
Figura 8: Basílica de Santo Apolinário, em Classe Ravena, c. 530 d.C.
Fonte: StappoclasseInner1 (online).
28
A arte romana passou por várias modificações con-
forme a cultura social foi se alterando; partiram de
uma releitura da arte grega para as mais grandiosas
construções e contribuições arquitetônicas da história
da humanidade. Com os romanos, podemos observar
que o aprendizado absorvido de outras culturas fora
de total importância na construção de uma sociedade
plena cultural, política e artisticamente falando.
ARTE BIZANTINA
Fundada pelo imperador Constantino, em 330,
Constantinopla, capital do império romano do
Oriente, conhecido como Império Bizantino, relem-
bremos, aqui, as aulas de história, o império romano
foi dividido em Oriental e Ocidental, em 395, pelo
imperador Teodósio. Em Constantinopla, uma anti-
ga colônia chamada Bizâncio abrigava diversas cul-
turas, assim originando o nome de bizantino para
designar a arte provinda de lá.
Com a criação das igrejas, ou basílicas, existia,
agora, a preocupação em como decorá-las, conside-
rando que as imagens não eram permitidas e que a
Bíblia condenava tais representações.
O papa Gregório Magno, que viveu no final
do século VI, seguiu essa orientação. Lem-
brou aqueles que eram contra qualquer pintu-
ra que muitos membros da igreja não sabiam
ler nem escrever, e que, para ensiná-los, essas
imagens eram tão úteis quanto os desenho de
um livro ilustrado para crianças. Disse ele: “A
pintura pode fazer pelos analfabetos o que a
escrita faz pelos que sabem ler” (GOMBRI-
CH, 1999, p. 135).
É claro que arte destinada a expressar as questões religiosas
seria composta de rigor e restrição, mantendo sempre
o foco na representação podemos dizer pedagógica
dos ensinamentos bíblicos. Observamos na imagem da
 DESIGN

basílica de Apolinário apresentada anteriormente que,

sobre o altar-mor, há representado, por meio da técnica
característica da arte bizantina, o Mosaico, a passagem da
Bíblia em que Jesus alimenta mais de cinco mil pessoas
com, apenas, cinco pães e dois peixes.

SAIBA MAIS

Características da Arte Bizantina:

• Uso do mosaico: criação de uma imagem
por meio de pequenas peças coloridas co-
ladas umas próximas das outras, formando,
assim, o todo.
• Expressão de poder, grandiosidade e riqueza.
Ex.: Basílica de Santa Sofia, construída no go-
verno de Justiniano.
• O imperador era considerado sagrado e
representante de Deus na Terra.
Figura 9: Teto do Altar da basílica de Santo Apolinário, em Classe Rave-
• Uso da frontalidade, proveniente da arte na, c. 530 d.C. decorado com a técnica do mosaico
egípcia, dava ideia de autoridade e respeito Fonte: Ravenna… (online).
ao personagem.
• Toda representação era rigorosamente reco- Podemos considerar que a arte bizantina retomou os
mendada pelos sacerdotes para os artistas: referenciais da arte antiga egípcia, porém representa-
local das mãos, pés, dobras das roupas, etc.,
da, agora, com novas técnicas, a arte com finalidade
assim como o local dos personagens.
dentro das igrejas fez com que os bizantinos vives-
• Personalidades oficiais, como o Imperador
Constantino, eram representados como per- sem de modo rígido a preservação das tradições e
sonagens sagrados, como Jesus Cristo e seus mantivessem, assim, características em sua arte, que
apóstolos e vice-versa (Cristo aparecia como outrora pertenceram aos gregos e aos egípcios, dessa
rei etc.).
forma, temos a formação da base artística europeia
• As basílicas eram construídas em planos
que permaneceu representada por meio das obras
quadrados sobre uma grande cúpula e havia
equilíbrio entre as partes. dos povos apresentados nesta aula. Em nosso pró-
ximo encontro, veremos como se deu a continuação
Fonte: adaptado de Arte… (online).
das diferentes manifestações da arte na Europa dos
séculos VI ao XI.

29
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

a europa
MEDIEVAL

30

O domínio da igreja e seu autoritarismo presente
em praticamente toda a Europa fez com que muitos
dos acontecimentos ocorridos nesse período ficas-
sem esquecidos ou tão bem guardados que, até hoje,
não vieram a tona, portanto pouco se tem e pouco se
sabe sobre a assim chamada Idade Média, referente
às manifestações de arte.
O período que se seguiu a era cristã primitiva,
o período que sobreveio a queda do império
Romano, é geralmente conhecido pelo nada
lisonjeiro epíteto de Idade das Trevas. Deu-
-se-lhe essa designação para significar em par-
te, que as pessoas que viveram durante esses
séculos de migrações, guerras e sublevações
estavam mergulhadas na escuridão e tinham
escassos conhecimentos para guia-las; mas
também para assinalar que pouco sabemos a
respeito desses séculos confusos e desconcer-
tantes que se seguiram ao declínio do mundo
antigo e precederam o surgimento dos países
europeus na configuração geográfica em que
mais ou menos os conhecemos hoje (GOM-
BRICH, 1999, p. 158).
O fato mais interessante é que, durante esse período,
não houve nenhum destaque para algum tipo de esti-
lo característico que designasse tal época, as revoltas,
guerras e conflitos levaram a uma mistura de elementos
na diversidade entre povos e classes. As tribos bárbaras
assombravam o atual território europeu, destruindo
toda e qualquer manifestação elaborada pelos ances-
trais artísticos da história, como os gregos e romanos,
porém tais povos, por mais bárbaros que fossem ca-
racterizados, tinham, de acordo com suas crenças, um
DESIGN
senso do belo representado por meio do domínio e da
manipulação do metal bem como da escultura carre-
gada de simbolismos. Acredita-se que a arte para es-
ses povos (Godos, Vândalos, Saxões, Suevos e Vikings)
também viesse de sua relação com a magia, misticismo
e crenças características de sua base e vida social.
Na idade média, o destaque fica pelo início da
compreensão e da imersão do homem no seu pró-
prio pensamento; compreendendo o mundo ao seu
redor e insatisfeito com o que via: domínio e repres-
são pela igreja, guerras e invasões pelos bárbaros
e sua impotência por pertencer ao sistema feudal
e não conseguir ascensão nem pessoal nem social.
Podemos considerar, assim como Gombrich (1999,
p. 164-165), que “os egípcios haviam desenhado
principalmente o que sabiam existir, os gregos o que
viam; na Idade Média, o artista aprendeu também a
expressar em seu quadro o que sentia”.
As obras pertencentes ao período da Idade Média
são, ainda, caracterizadas como arte para a catequiza-
ção, ou seja, obras que ilustram as passagens bíblicas,
de modo a educar ou transmitir uma mensagem aos
analfabetos da época, mas também existiam mani-
festações de arte fora das igrejas, considerando que
foi nesse período que grandes castelos bem como os
grandes barões feudais surgiram. Porém conhecemos
mais da arte destinada à religião do daquela expressa
nos castelos, visto que esses eram destruídos nas bata-
lhas, já as igrejas eram poupadas; “de um modo geral a
arte religiosa era tratada com maior respeito, e cuida-
da com mais zelo, do que as decorações de aposentos
privados” (GOMBRICH 1999, p. 168).
31
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

A EUROPA GÓTICA
A base para o estilo que foi se modificando na Euro-
pa medieval é o românico, em que os arcos e as abó-
badas faziam parte das construções arquitetônicas,
as igrejas, agora, necessitavam representar o céu na
terra e imprimir imponência e respeito, assim como
as impenetráveis paredes de um castelo, o teto, an-
tes de madeira, construído nas basílicas não era mais
digno da beleza das recentes elaboradas catedrais e
as estruturas de pedra que sustentavam tal cobertura
necessitavam ser, além de maciças, suficientemente
fortes para sustentarem. Porém, diante de estudos
técnicos, observou-se a possibilidade da distribuição
do peso do teto ou de sua sustentação por meio de
“pilares” ou “costelas” adicionadas nas laterais para,
assim, construírem monumentos belos sem prejudi-
car a estética visual; nas paredes, agora, seriam aber-
tas janelas, com vitrais, outra técnica artística explo-
rada nesse período.
Se eu quisesse uma altura maior, teria que fa-
zer o arco mais profundo. Nesse caso, a me-
lhor solução não é ter um arco redondo, mas
unir dois segmentos de arco. Foi nessa idéia
que presidiu a criação do arco ogival, cuja
grande vantagem é que pode ser variado à
vontade, mais achatado ou mais pontiagudo
segundo as exigências da estrutura [...] no in-
terior de uma catedral gótica, somos levados a
compreender a complexa interação de trações
e pressões que mantêm a grandiosa abóbada
em seu lugar. Não existem paredes cegas ou
pilares maciços em parte alguma. Todo inte-
rior parece tecido de delicados fustes e nervu-
ras; sua rede cobre a abóbada e desce ao longo
das paredes da nave para se unir no capitel
dos diversos pilares que são formados por um
feixe de varas de pedras (GOMBRICH, 1999,
p. 187-188).
SAIBA MAIS

Idealizado na França setentrional, a arte ou

estilo gótico surge, inicialmente, nas carac-
terísticas arquitetônicas das construções na
Europa por volta do século XII e se estende
até meados do século XV. Contrapondo o
estilo em voga, até então (estilo românico)
suas características evidenciavam o triunfo da
igreja católica durante a Idade das Trevas ou
Idade Média, as construções transmitem uma
sensação de leveza, que antes não tinham
devido à rigidez da arquitetura românica, por
outro lado, existe o exagero das formas dito
por alguns como sendo obras monstruosas,
pois eram necessárias outras formas de se
assegurar a construção das catedrais, como
exemplo, pesquise as imagens da catedral
de Notre Dame, em Paris, característica do
período.

Fonte: adaptado de Arte… (online).

Figura 10: Interior da catedral de Notre Dame e seus arcos ogivais

32
 DESIGN

A escultura presente no período

Gótico traz certa dramaticidade en-
contrada na decoração das igrejas,
assim como as ilustrações apresen-
tadas nos pergaminhos e chamadas
de iluminuras. As esculturas tinham
a função de ensinar, portanto não
estavam apenas decorando, mas
sim ilustrando os ensinamentos aos
aristocratas e nobres da época.

Imagem da catedral de Notre Dame, vista frontal

e desenho da catedral vista de cima

SAIBA MAIS

Dentre os pintores de renome do período,

podemos destacar os precursores do movi-
mento renascentista :
• Giotto di Bondone - os santos eram re-
produzidos como seres humanos com
simplicidade. A visão humanista, na qual
o homem é o centro de todas as coisas,
começava a surgir nas pinturas dos ar-
tistas. As obras mais importantes foram
os Afrescos da Igreja de São Francisco de
Assis, localizada na Itália e o Retiro de São
Joaquim entre os Pastores.
• Jan Van Eyck - ele retratava a vida da so-
ciedade da época, registrando as paisa-
gens urbanas e as suas características
e detalhes. As obras mais importantes
são O Casal Arnolfini e Nossa Senhora
do Chanceler Rolin.

Fonte: adaptado de Arte… (online).

Figura 11: Casal Arnolfini de Van Eyck. Fonte: Van Eyck… (online).

33
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
A Burguesia
O
século XIII ficou caracterizado como o
século das catedrais, em que as diferen-
tes técnicas artísticas se manifestaram
na pintura por meio dos afrescos ou
mosaicos, passando pelas inovações arquitetônicas
com os arcos ogivais ou a arte dos vitrais que, ago-
ra, iluminavam o interior das catedrais com a luz
do sol, chegando até as esculturas, representando
com perfeição as passagens bíblicas mais impor-
tantes; as representações de arte relacionadas à
igreja como conhecemos até aqui continuaram a se
manifestar até meados do século XIV, mas já não se
caracterizavam como destaque das manifestações
artísticas, transformações estavam acontecendo
socialmente e um grupo, mais tarde dito classe, co-
meçou a se destacar.
34
Em meados do século XII, quando o estilo gótico
começou a se desenvolver, a Europa ainda era um
continente escassamente povoado de campone-
ses, com mosteiros e castelos de barões que eram
os principais centros de poder e de saber. A ambi-
ção dos grandes bispados por poderosas catedrais
funcionando como sés episcopais foi a primeira
indicação do despertar do orgulho cívico nos
burgos e nas cidades. Mas, cento e cinquenta anos
depois, essas cidades tinham se convertido em
centros fervilhantes de comércio, cujos burgueses
se sentiam cada vez mais independentes do po-
der da igreja e dos senhores feudais. Os próprios
nobres já não viviam em sombria segregação nos
seus palácios fortificados, preferindo mudar-se
para as cidades que tinham conforto de luxo re-
quintados, aí exibindo sua riqueza nas cortes dos
poderosos [...] podemos dizer que o gosto do sé-
culo XIV se inclinava mais para o refinado do que
para o grandioso (GOMBRICH, 1999, p. 208) .

SAIBA MAIS
A sociedade nesse período se organizava da
seguinte forma:
Clero: Era a representação da igreja, que divi-
dia-se em Clero secular e Clero regular.
Nobreza: No topo tinha-se o rei, como sendo
o chefe de estado, abaixo estavam os vários
títulos hierárquicos: Duques, Marqueses, Con-
des, Viscondes e Barões etc.
O Povo: pertencentes as mais diversas ca-
tegorias estes poderiam exercer inúmeras
funções, desde o trabalho intelectual até as
funções unicamente braçais.
Em meio ao Povo uma classe foi surgindo,
eram os chamados Burgueses; comerciantes
que transformaram a ordem social rígida
e que contribuíram de modo significativo
para as relações de caráter comercial pros-
perarem.
Fonte: adaptado de Oliveira (1998).
Com o poder econômico nas mãos, mas não per-
tencentes à Nobreza, os Burgueses procuraram, de
alguma forma, se aproximarem do universo impe-
netrável dos nobres. Como? Se não podiam receber
títulos, podiam, ao menos, comprar status, assim,
por meio da arte, a Burguesia foi ganhando desta-
que e reconhecimento, as famílias de comercian-
tes bem estabelecidos nas recém-formadas cidades
procuram em tudo se assemelharem aos nobres,
isso incluí desde as vestes, com tecidos importados
vindos de diversas partes do mundo, visto que as
relações mercantis agora se estreitavam até as de-
corações por meio das obras de Arte ou de obje-
DESIGN
tos artísticos elaborados, muitas vezes, pelo artista
contratado e pertencente às famílias. Os retratos
começam a aparecer como forma de representar
não só personagens bíblicos, mas também as pes-
soas, primeiramente, os nobres e, depois, os bur-
gueses; as estátuas são encomendadas e decoram
os altares das casas dos burgueses, os artistas me-
lhoram suas técnicas e a natureza passa a ser repre-
sentada de maneira realista como nunca antes fora
elaborada.
Os artistas entretanto queriam ir ainda mais
além em seus aperfeiçoamentos. Já não se con-
tentavam com o domínio recém-adquirido de
pintar detalhes tais como flores ou animais
copiados do natural; queriam também explo-
rar as leis da visão, e adquirir suficientes co-
nhecimentos do corpo humano para incluí-los
em suas estátuas e pinturas, como os gregos e
romanos tinham feito. Uma vez que seus in-
teresses enveredaram por esse caminho, a arte
medieval podia realmente considerar-se no
fim. Chegamos agora ao período comumente
conhecido como a Renascença (GOMBRICH,
1999, p. 221).
Assim, com a busca incessante pela perfeição da re-
presentação artística, por meio da observação e das
experiências, os artistas foram caminhando median-
te as revoluções sociais, comerciais e econômicas a
diferentes formas de representar a realidade que os
cercava, era um novo começo, novas experiências
novos ideais. Na próxima unidade, veremos o des-
fecho ou a continuação das relações humanas com a
arte e, agora, pela visão humanista, advinda do Re-
nascimento, até a próxima.
35
considerações finais

Caro(a) aluno(a), podemos observar, mediante aos estudos desta unidade, que as
manifestações consideradas hoje por nós como expressão de arte, para os povos
que as executaram, representavam muito mais.
A arte foi se modificando, assim como o homem foi articulando as mudanças
sociais, econômicas e intelectuais durante a história, portanto a história da arte se
dissolve, se mistura com a própria história da humanidade. Como visto em nossa
primeira aula, a arte é a expressão das emoções e crenças dos diferentes povos, é
a manifestação da cultura desses, seus valores e hábitos.
Com o passar do tempo, o homem foi não só se conhecendo, mas também
conhecendo o mundo ao seu redor, compreendendo as questões da natureza e
imprimindo seu aprendizado por meio de diferentes representações, sejam elas
as simples pinturas rupestres nas paredes das cavernas com os povos primitivos,
ou os grandiosos templos em honra aos deuses do Olimpo na Grécia antiga, ou,
ainda, com os rituais para a vida após a morte da cultura egípcia; o fato é que o
homem foi aprendendo e crescendo com esses aprendizados.
Podemos observar quão grande foram as conquistas e os aprendizados do
homem ao observarmos a arquitetura da Idade Média, com a grandiosidade dos
castelos e do sistema feudal, mais adiante, consideramos de extrema relevância a
imponência das catedrais góticas e todo o simbolismo por trás de suas constru-
ções meticulosamente elaboradas com técnicas nunca antes utilizadas.
O homem cresceu com o aprendizado oriundo das relações entre os diferen-
tes povos, cada uma das culturas brevemente apresentadas nesse capítulo contri-
buiu de modo significativo para que tenhamos, nos dias de hoje, as atuais organi-
zações sociais, econômicas, arquitetônicas e artísticas; compreender como se deu
a origem histórica de tais manifestações faz com que conheçamos e valorizemos
a nossa própria história, além de nos dar um repertório vasto de inspiração para
criarmos novas propostas artísticas com base em nosso passado historicamente
rico de informações.
Bons estudos!

36
 atividades de estudo

1. Considerando os estudos apresentados na uni-
dade, assinale a assertiva correspondente à de-
finição de arte apresentada no livro:
a. Expressão humana do mundo espiritual.
b. Reflexo da cultura e da história dos diferentes
povos.
c. Arquitetura, escultura, teatro e dança.
d. Expressão dos diferentes tipos de pintura.
e. Manifestação espiritual representada nas pin-
turas.
2. Dentre as manifestações caracterizadas como
artísticas no período antigo da história da arte,
temos a pintura, a arquitetura e a escultura.
Defina, com base no conteúdo abordado na
unidade, a assim chamada Pintura Rupestre.
4. Com relação à arte Grega, podemos destacar
que os gregos seguiram os passos dos egíp-
cios, principalmente, na arte da escultura, mas
foram além, evoluíram. Analisando o conteúdo
da unidade, descreva em que sentido ocorreu
tal evolução na escultura grega.
5. Dentre as manifestações estilísticas na arquite-
tura grega, podemos destacar três estilos. Assi-
nale a assertiva que corresponde aos estilos de
arquitetura grega:
a. Dórico, Helenístico, Coríntio.
b. Helenístico, Arcaico, Jônico.
c. Dórico, Jônico, Coríntio.
d. Clássico, Arcaico, Coríntio.
e. Homérico, Jônico, Coríntio

3. A arte egípcia não era baseada no que o artista
podia ver em um dado momento, e sim no que
ele sabia fazer (GOMBRICH, 1999). Assinale a
assertiva que representa a descrição da função
do artista no Egito Antigo:
a. Decorar as tumbas com representações do
dia a dia dos membros da elite egípcia.
6. A partir dos estudos do material didático, cite e
explique três características da arte Bizântina.
7. O estilo gótico foi idealizado na França Seten-
trional, durante o período medieval, como vi-
mos em nosso material, descreva brevemente
as principais características do estilo.

b. Narrar, por meio de imagens, os grandes fei-

tos do faraó.
c. Representar, por meio de ténicas artísticas,
o cotidiano do faraó, a fim de que sua alma
pudesse conviver com as características mais
próximas de sua realidade.
d. Pintar e decorar vasos narrando as guerras
vividas pelo faraó.
e. Reproduzir com nitidez a imagem do faraó e
de todos os membros da nobreza.

37
 LEITURA
COMPLEMENTAR
Como sugestão para leitura complementar e para que
você, caro(a) aluno(a), vislumbre mais uma das vertentes
onde a arte se manifesta, apresento-lhe este artigo que
narra uma reflexão a cerca do conteúdo Arte e Moda, as-
sim você pode conhecer um pouco mais sobre a sinergia
que acontece entre essas duas áreas.
ROUPA DE ARTISTA: A ROUPA COMO
LINGUAGEM NA ARTE
Resumo
A Roupa de Artista, como linguagem artística, pode es-
tabelecer interessantes conexões entre a moda e a arte.
Apresentamos aqui uma breve reflexão em que busca-
mos compreender de que forma a arte se apropria da
roupa como objeto expressivo e como linguagem, e que
tipos de diálogos podem ser estabelecidos pela arte atra-
vés da Roupa de Artista.
Palavras Chave: Roupa de Artista. Arte. Moda. Lingua-
gens Artísticas.
[...]
A ROUPA COMO LINGUAGEM DA ARTE
Muito se discute a respeito do que pode ser classifica-
do como arte. Desde muito cedo, a estética e a filosofia
da arte se ocupam dessa questão. Com os alargamentos
sofridos pela arte, e com suas transversalidades, muitas
confusões surgiram no momento em que objetos de
uso cotidiano adentraram as portas dos museus e ali
se instalaram. Danto (2010, p.42, grifo do autor) chega
a indagar-se: “afinal, que tipo de predicado é “uma obra
38
de arte?”. Afirmar, hoje, que um objeto é ou não uma
obra de arte acaba se tornando um verdadeiro desa-
fio, em um momento em que uma infinidade de coisas
podem ser chamadas de arte. Archer (2001, IX) sugere
que, “quanto mais olhamos, menos certeza podemos ter
quanto àquilo que, afinal, permite que as obras sejam
qualificadas como “arte, pelo menos de um ponto de vis-
ta tradicional”. Enquanto alguns estudiosos continuam
defendendo o caráter essencialmente espiritual e não
utilitário da obra de arte, outros como Danto e Ostrower
buscam revisar as teorias da arte, a fim de adequá-las à
nova realidade:
Para ser arte, tem que ser linguagem. Qualquer ato
pode ser significativo. Por exemplo, uma bofetada.
Mas não precisa ter significado artístico. Para tanto,
o conteúdo do ato teria que ser objetivado através
de formas de linguagem, e comunicado, através
dessas mesmas formas. (OSTROWER, 1999, p.76)
Inserir a moda, ou mais especificamente a roupa, como
linguagem artística, nos coloca diante do desafio de bus-
car seu espaço na arte. Mendonça (2006, p. 11, grifo do
autor) comenta que “a criação do vestuário é forçosa-
mente arte visual aplicada e, portanto, configura uma
linguagem artística”. Se considerarmos as ideias de Os-
trower (1999, p.197) quando afirma que “o que determi-
na o caráter artístico de uma imagem é a expressividade
das formas de linguagem”, então estaremos mais perto
de encontrar nosso denominador comum entre a arte e
a moda.
Fonte: adaptado de Basso (online).
 DESIGN

História da indumentária e da moda, da Antiguidade aos dias atuais

Bronwyn Cosgrave
Editora: GG Moda
Sinopse: A indumentária de cada cultura é um reflexo dos valores de cada sociedade em sua
época. Por funcionalidade, ostentação ou pura questão estética, o vestuário sempre serviu
para comunicar o que, para a autora, é o verdadeiro significado da moda: a manifestação da
personalidade de cada indivíduo.
Com base em uma extensa pesquisa histórica, História da indumentária e da moda apresen-
ta a indumentária e a evolução da moda desde os povos da Antiguidade aos grandes estilis-
tas do século XX e a indústria das marcas internacionais. Cada capítulo é ricamente ilustrado
e aborda a indumentária e os costumes das culturas e períodos históricos mais representati-
vos por meio de seu contexto histórico e do papel da mulher na sociedade em questão e des-
creve o vestuário de homens e mulheres e os tecidos utilizados, além de chapéus, acessórios
de cabeça, penteados, maquiagem, perfumes e demais cuidados pessoais.
Comentário: O livro nos apresenta a história da Arte e da indumentária de modo objetivo,
em que as divisões do conteúdo nos posiciona acerca de elementos como o papel da mulher
nas diferentes civilizações, o papel do homem, ainda o contexto histórico bem como a indu-
mentária e pontos sobre as manifestações sociais e artísticas.

Cleópatra
Ano: 1963
Sinopse: O filme narra a história de amor entre Cleópatra e Marco Antonio e como a rainha
do Egito, que assume o trono com apenas dezessete anos, termina seu reinado suicidando-
-se; uma das mais belas obras cinematográficas que eternizou a imagem de Elizabeth Taylor
interpretando Cleópatra.
Comentário: Um vasto acervo imagético que nos traz alguns referenciais arquitetônicos da
antiguidade, além de um excelente acervo sobre indumentária e cultura antiga.

39
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

Conforme o conteúdo apresentado em nosso material didático, o vídeo a seguir mostra um

resumo, rico em imagens, de como se originou o termo arte e de como se manifestaram as
diferentes expressões dessa nas diferentes culturas durante a história. Assista ao ducumetá-
rio História da Arte - Das Origens ao Legado Grego (PARTE I).

Disponível em: <https://www.youtube.com/watch?v=JAU9j2i7eGU>. Acesso em: 21 dez. 2015.

40
DESIGN

41
DO RENASCIMENTO À
CONTEMPORANEIDADE

Prof.ª Me. Ana Paula Furlan / Prof. Dênis Martins de Oliveira

Plano de Estudo
A seguir, apresentam-se os tópicos que você estudará nesta unidade:
• Conquistando a Realidade; novos Ideais
• Século XVIII e XIX
• Século XX a era da diversidade

Objetivos de Aprendizagem
• Compreender a importância das manifestações artísticas e sociais
ocorridas durante o período conhecido como Renascimento.
• Analisar as influências sociais nas manifestações artísticas durante o
período correspondente ao século XVIII e XIX.
• Observar como a arte no século XX apresentou características
peculiares alterando os conceitos conhecidos até então.
unidade

II
INTRODUÇÃO

O
lá, caro(a) aluno(a)! Vamos conhecer um pouco da História da Arte?
Sabemos que é uma ampla e rica passagem pelo universo de perío-
dos, pintores, artistas, músicos, filósofos entre outros. Estes estudos
acerca da História da Arte, terão foco no período do “Renascimento”,
que estudaremos mais detalhadamente, mais precisamente, a partir do século XV.
Este termo nos remete a uma época histórica complexa, um período considerado
complexo e caracterizado pela diversidade de acontecimentos, em diversas áre-
as distintas. Certamente foi um momento de interiorização do ser humano, e a
Arte renascentista era incomparável, com traços impares e cheia de belas coisas.
Estudaremos, nesta unidade, esse período tão relevante para a história da huma-
nidade. Vamos estudar também sobre a transição entre a Idade Média e a Idade
Moderna, que sediou importantes acontecimentos artísticos e culturais, quando
a arte teve considerável desenvolvimento. Estudaremos, também, estudar as mu-
danças ocorridas por conta do antropocentrismo, em oposição ao teocentrismo
que era bastante ressaltado na Idade Média. O século XVlll que foi considerado
o período “da luz” e o século XlX, quando O Renascimento, então, a partir deste
século, passa a representar toda uma cultura crescida nos séculos XV e XVI, com
um novo aparecimento do pensamento oposto da Idade Média. Esta unidade nos
fornecerá subsídios para o entendimento dos séculos XV, XVl, XVll, XVlll, XlX
e século XX, pautará os principais marcos na história da Arte, já que a consti-
tuição intelectiva do Renascimento ocasionou um acordar da beleza, trazendo
a elegância, e isso, poderemos entender principalmente nos períodos Barroco
e Rococó, que disseminam a arte nas vestimentas, na decoração, nos adornos,
na arquitetura. Vamos entender porque no renascimento os homens passaram
a estar plenamente conscientes de suas capacidades e dotados de uma nova e
notória independência, fugindo aos padrões antigos. Tanto foram as mudanças,
que algumas pessoas acreditavam ter acontecido algum tipo de milagre. Vamos
entender o tamanho progresso em variadas áreas e a considerável melhoria, tra-
zendo genialidade e talentos ao período. Vamos estudar o porquê da influência
tão forte da arte em tantas outras áreas, como na arquitetura, beleza, decoração,
entre outros. O estudo do “Impressionismo” que possuía algumas características
peculiares também faz parte dessa unidade. Vamos rever o valor dado aos temas
da natureza, quando a pintura por meio do uso da luz natural expressava cenas
quase reais, carregadas de naturalidade e encanto. Já no século XX, vamos estu-
dar o aparecimento de pessoas consideradas importantes na história, de renome
e de plena contribuição para a sociedade, responsáveis por grandes descobertas
e importantes inovações, como o aparecimento do primeiro computador. Sendo
assim, vamos entender o porque de a arte sempre estar presente no decorrer da
história da humanidade, prestando sua contribuição a variadas áreas e em setores
diversos.
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
CONQUISTANDO A
REALIDADE; NOVOS IDEAIS
Olá, caro(a) aluno(a)! Você já conhece o termo “re-
nascimento”? Vamos estudar um pouco sobre esse
tema. Podemos encontrar o período do Renasci-
mento com três termos distintos: Renascimento,
Renascença ou Renascentismo. O renascimento foi
um movimento que abordou todas as áreas dos pe-
ríodos em que vigorou, porém, aqui, vamos centra-
lizar as informações no “Renascimento Cultural”.
Este movimento ocorreu na Europa, entre os sé-
culos XV, VXI e início do século XVII, não temos,
ainda, uma precisão sobre as datas, apenas apro-
ximações. O renascimento anunciou as preocupa-
ções surgidas com o desenvolvimento comercial e
urbano. Tinha como temática principal a racionali-
dade e a individualidade do homem. Esse período
foi marcado por modificações em muitos campos
da vida humana. Tais modificações puderam ser
bem percebidas em variadas situações, como na
cultura, na sociedade, na economia, e pode tam-
bém ser percebida na política e religião. Foi um
período de intensas mudanças e ficou conhecido
também por transcender o feudalismo para o ca-
pitalismo, tendo suas maiores influências nas áreas
da filosofia e artes.
46
Por que chamamos esse período de “Renascimento”?
Porque foi considerado uma redescoberta e revalori-
zação das referências da cultura na antiguidade clás-
sica, e esses ideais dirigiram mudanças do período
do renascimento. O termo surgiu a partir da publi-
cação do livro “Cultura do Renascimento na Itália”
(1867), de autoria de Giorgio Vasari - pintor, arqui-
teto e historiador da arte italiana.
O Renascimento cultural revelou-se primeiro na
região italiana de Toscana, mais precisamente nas ci-
dades de Florença e Siena, mas logo se estendeu para
o restante da Península Itálica e, finalmente, alargou-
-se para quase todos os países da Europa Ocidental.
Cosgrave (2012, p. 117) nos fala:
O Renascimento foi difundido pela Europa oriental,
mas os principais encontravam-se nos estados ricos
da Itália central e setentrional, em particular, Flo-
rença, Roma e Veneza e em Frandles, que se tornou
um importante centro para o comércio e as artes.
O desenvolvimento da imprensa foi um fator consi-
derável para o impulso do renascimento, sendo res-
ponsável por este fato, Johanes Gutemberg - impor-
tante inventor alemão do século XV.
 DESIGN

O Homem Vitruviano, de Leonardo Da Vinci.

47
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
Monalisa, de Leonardo Da Vinci
O renascimento foi visto com maior proporção na
Itália, mas algumas expressões renascentistas vieram
a acontecer também na Inglaterra, na Alemanha,
Portugal e Espanha. Nicolau Sevcenko nos fala a res-
peito do renascimento:
Não há um Renascimento, há múltiplos. O mais
característico desse fenômeno histórico é, pois,
a rica variedade das suas manifestações, asse-
melhadas algumas práticas e produções entre
si, contrastante outras, convergentes ainda algu-
mas e contraditórias inúmeras (Conf. Nicolau
Sevcenko, 2005. O Renascimento, p.73).
O renascimento movimentou, consideravelmente, o
mercado pela diversificação dos produtos de consumo
48
na Europa, a partir do século XV. Alguns europeus ga-
nharam bastante dinheiro com o comércio nesta épo-
ca, melhorando muito suas condições financeiras e,
posteriormente, passaram a ter condições financeiras
para acometer em obras de arte de escultores, pinto-
res e arquitetos. Esses artistas tinham apoio financeiro
dos governantes europeus e também do clero. Essa
ajuda, que era conhecida na época como mecenato e
vinha dos mecenas - governantes e burgueses – e algu-
mas famílias favorecidas financeiramente, chamadas
de Nobre, favorecia muito os artistas porque, justa-
mente por possuírem dinheiro em quantidade gran-
de, acabavam encomendando pinturas de retratos e
esculturas aos artistas (GOMBRICH, 2008).
SAIBA MAIS
O Universalismo era uma característica mar-
cante no renascimento. Para ser Universalista,
era preciso um desenvolvimento de todas as
áreas do saber. O pintor Leonardo da Vinci
era considerado um modelo de homem uni-
versalista, pois era matemático, físico e pintor.
Fonte: a autora.
Esse comércio expansivo do período do renascimen-
to, ao qual falamos acima, se ampliou muito na Pe-
nínsula Itálica, e, por isso, o local ficou conhecido
como ascendente de uma quantidade considerável
e ampla de produções artísticas. Algumas cidades
como Veneza, Florença e Gênova foram exemplos de
movimentos artísticos e também intelectuais. Esses
fatos fizeram da Itália a cidade que acolheu o renas-
cimento, passando a ficar conhecida como “berço do
Renascimento”. Algumas características marcaram a
fase do renascimento, dentre elas:

• Para os artistas da época renascentista, os gre-
gos e romanos possuíam uma visão completa
e humana da natureza, valorizando a cultura;
O ser-humano era enaltecido por qualidades
como inteligência, conhecimento e o dom ar-
tístico; O homem passava a ser o centro das
atenções – antropocentrismo -, já na Idade
Média a vida do homem era centrada em
Deus – teocentrismo.
Alguns artistas representavam o renascentis-
mo na Itália, são eles: Giotto, Fra Angélico,
Michelângelo, Leonardo da Vinci, Sandro Bo-
ttielli, entre outros.
O renascimento ficou marcado por algumas
fases, são elas: Trecento, quatrocentto, cin-
quecento. Vamos ver algumas características
e o que contemplava cada uma dessas fases.
• Trecento: aconteceu no século XlV, foi um
período de mudança da cultura medieval
para a cultura renascentista; mesclava sen-
timentos, características físicas, comporta-
mentos da vida humana com a religiosidade;
O dialeto toscano, oriundo da língua italia-
na estava presente nas obras literárias, assim
como o humanismo; houve um resgate da
cultura greco-romana, visível na literatura
renascentista.
• Quattrocento: aconteceu no século XV, e
neste período era possível perceber forte-
mente aspectos da cultura greco-romana,
do paganismo, caracterizado pela mitologia
e personagens da literatura clássica; acon-
tecia o mecenato; as artes plásticas utiliza-
vam-se dos métodos de pintura a óleo; hou-
ve a quebra de aspectos das artes plásticas
e literatura da Idade Média, e vivenciou o
apogeu da arquitetura; pinturas e esculturas
com perfeição estética, com uma mistura do
moderno com o clássico.
• Cinquecento: aconteceu no século XVI, nes-
te período houve uma conciliação de temas
DESIGN
profanos com temas religiosos; houve a com-
pleição do humanismo na literatura, também
na pintura e escultura; houve também a ex-
pansão do Renascimento à outros países da
Europa: Holanda, Espanha, Portugal, França
e Alemanha.
Importante sabermos que, no século XVl, foi origina-
do o estilo “barroco” que cresce após o procedimen-
to de Reformas Religiosas, porque neste momento a
Igreja Católica havia perdido espaço e poder, mas a
igreja ainda entusiasmava o cenário político, econô-
mico e religioso na Europa. A palavra barroco tem
sua definição parecida com as características de seu
próprio estilo: “pérola irregular” ou “pérola defor-
mada”, justamente para representar o conceito de ir-
regularidade (GOMBRICH, 2008).
Já a arte barroca misturava a espiritualidade e
teocentrismo da Idade Média, racionalismo e an-
tropocentrismo do Renascimento. As obras tanto de
pintura como de esculturas, desse período, são bem
carregadas, cheias de detalhes, expressando emoções
da vida e do ser humano. O final do barroco, que
se deu no século XVIII, foi chamado de rococó e ti-
nha características próprias, mas ainda as principais
características do barroco faziam-se presentes nesta
fase (COSGRAVE, 2012).
REFLITA
Durante o Renascimento o comércio se de-
senvolveu na Península Itálica, originando ali
um grande local de produções artísticas. As
cidades de Veneza, Gênova e Florença assisti-
ram um expressivo movimento artístico e, por
essa razão, a Itália passou a ser considerada
o berço do Renascimento.
49
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
SÉCULO
XVIII e XIX
Vamos estudar um pouco dos fatos que aconteceram
no século XVIII. Este século ficou marcado pela Ida-
de Moderna. Foi marcado também por alguns con-
flitos na Europa, nesta época, os valores cristãos e
da política feudal foram olhados sem diferenças por
pensadores do iluminismo - movimento intelectual
do século XVIII, caracterizado pela centralidade da
ciência e da racionalidade censurada no questiona-
mento filosófico - a filosofia das luzes, Ilustração,
esclarecimento - e houve um desligamento das ins-
tituições culturais da época, em relação aos dogmas
eclesiásticos. Houve uma comparação entre as for-
mas da natureza e os povos de todo o mundo, sendo
assim classificados; a burguesia cosmopolita teve co-
nhecimento de ser uma camada ampla e principal da
sociedade, que tinha um potencial intrigante. Sendo
50
Exemplo do estilo Rococó
assim, os indivíduos encontravam novas formas de
demonstração do “eu”. (JANSON, 2001).
Não podemos esquecer que o século XVIII vi-
venciou a chamada “Filosofia das Luzes”, momen-
to em que deu-se bastante importância à reflexão,
desenvolvendo-se atividades críticas que eram, até
aquele momento, limitadas pela dependência às nor-
mas da Antiguidade.
Já nos meados do século XVlll, o estilo “Barroco”
deixava de ser visto, dando lugar ao estilo “Rococó”.
Este estilo era caracterizado pelo exagero, em todas as
áreas, vestuário, decoração, arte, entre outros. Roco-
có surgiu em Paris, por isso tem sua origem francesa,
rocaile – decoração de jardins em formatos de con-
cha. Este estilo expressava o exagero que justamente
vinha na contra-mão com o estilo sutil do Barroco.

Já o século XlX chega baseado nas tradições do
século XVlll, porém com um novo espírito de mo-
dernidade. A Revolução Industrial da França, a ciên-
cia e a tecnologia foram claramente percebidas du-
rante o século XlX, e a comunicação se torna possível
com a invenção dos telégrafos. No estilo Rococó as
linhas eram leves, delicadas, e a utilização de linhas
curvas era visível.
O uso de temas referentes à natureza eram muito
comuns, retratando pássaros e flores, plantas e ro-
chas, as cascatas de águas também eram bastante re-
tratadas. A arte nesse período, já não tinha influên-
cia de temas religiosos, e o conceito era uma reflexão
do que era refinado e exótico. Já no Brasil, aconteceu
diferentemente de alguns países da Europa, o Roco-
có teve bastante influência de temas religiosos, bas-
tante visto na arquitetura. O estado de Minas Gerais
traz exemplos desse tipo de arquitetura, que também
pode ser vista em Belém e Pernambuco.
SAIBA MAIS
Aleijadinho - Antônio Francisco Lisboa - ini-
ciou sua vida artística na infância, ao observar
seu pai trabalhando, que também era enta-
lhador. Aos 40 anos de idade desenvolveu
uma doença degenerativa nas articulações e
foi perdendo os movimentos dos pés e das
mãos, foi quando precisava pedir um ajudan-
te para amarrar suas ferramentas em seus
punhos para que pudesse esculpir e entalhar,
expressando uma coragem incomum para
poder continuar com sua arte. Aleijadinho,
além de ser um artista do Barroco, foi tam-
bém um dos principais representantes do
Rococó no Brasil.
Fonte: adaptado de Cosgrave (2012).
DESIGN
O século XlX ficou marcado por uma ruptura li-
near, que se deu por meio do Impressionismo - movi-
mento artístico que surgiu na França no final do século
XIX - considerado o marco inicial da arte moderna, o
nome “impressionismo” deriva de uma obra de Monet
chamada Impressão, nascer do Sol . O impressionis-
mo tinha algumas características notáveis, dava ênfa-
se nos temas da natureza, paisagens, usava de técnicas
de pintura por meio do uso da luz natural, abusava da
decomposição das cores, as pinceladas eram soltas e
buscavam os movimentos da cena a qual estava sendo
pintada, com uso de sombras coloridas e luminosas. A
aceitação do impressionismo não se deu de imediato,
por este ser considerado palco de propostas lineares e
acadêmicas. A arte trazia o clássico (Neo-classicismo,
Romantismo, Realismo) com exigência de perfeição,
dando grande valor à proporção e ao equilíbrio. Neste
momento, os desenhos se sobressaíam às cores, e o
lado impessoal era mais evidente que o lado pessoal.
Rompia-se o clássico, trazendo novas técnica, surgin-
do, aí, a arte moderna. O século XIX ficou conhecido
na arte por conservar enquadramento, planos selecio-
nados, esquemas de composição. Os artistas consi-
derados impressionistas prosseguiam em sua pintura
realista e poética, buscando sempre muito próximo
do real. Uma geração de pintores passa a se relacionar
menos com a natureza e mais com o espectador, in-
ventando algumas técnicas revolucionárias. Podemos
dizer que esses artistas foram mais antecessores que
realizadores.
O Impressionismo não é receita descoberta re-
pentinamente e suas obras não são produtos só de
teorias e de ideologias. Determinado número de
obras dos impressionistas possibilitou evolução
da linguagem visual, transformou figuração do
espaço, libertou artistas de convenções seculares,
introduziu a pesquisa (RAPOSO, 1999, p. 46).
51
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

SÉCULO XX
A ERA DA DIVERSIDADE

52

O século XX vivenciou o surgimento e também a
morte de diversas ideologias políticas. Podemos en-
tender que, neste século, aconteceram grandes mar-
cos nas mais variadas áreas, como por exemplo, a so-
lidificação do cinema e da televisão. Este século foi de
suma importância porque nele incidiu o surgimento
de pessoas importantes para a história, que fizeram
grandes obras, grandes invenções. Vamos estudar
agora alguns nomes conhecidos que participaram
consideravelmente do século XX: Albert Einstein,
Tom Ford, Pelé (rei do futebol no Brasil), Micha-
el Jackson, Hitler, Mussolini, Stalin, Pol Pot e Mao
Tsé-Tung. Um marco relevante para a música foi o
surgimento da guitarra elétrica, e para a tecnologia, o
surgimento do primeiro computador comercial. Este
século vem marcado por intensas mudanças histó-
ricas, que comprometeram a conduta político-social
do nosso tempo, porque a burguesia - classe social
nascida na Europa, com a entrada do comércio na
sociedade feudal, poder e enriquecimento - e pro-
letariado - conjunto de trabalhadores que precisam
vender a sua força-de-trabalho para empresários ca-
pitalistas - foram diferenciados pelo capitalismo - sis-
tema econômico baseado na legalidade dos bens pri-
vados e na liberdade de comércio e indústria - com
objetivo de adquirir lucro. Também, no século XX,
aconteceu o surgimento e também a morte de diver-
sas ideologias políticas. Podemos entender que este
século marcou grandes inovações e transformações,
nas mais variadas áreas, como, por exemplo, a soli-
dificação do cinema e da televisão. Além de que este
século foi, realmente, de suma importância, porque
nele várias pessoas importantes passaram a fazer sua
história. As contradições e complexidades do século
XX tornaram-se um rico território para a criação de
novas considerações na área das artes. Movimentos
DESIGN
artísticos como Expressionismo - movimento artís-
tico que retratava as emoções e respostas subjetivas
que objetos e acontecimentos acendem no artista - ,
o Fauvismo - escola que utilizava de cores vibrantes
e iniciou a redução da linguagem da pintura aos es-
senciais: cor, forma e pincelada - , o Cubismo – estilo
artístico e movimento iniciado em Paris, pregava a
substituição das representações do espaço tridimen-
sional, da perspectiva, pelo uso faz pequenas for-
mas decompostas e geometrizadas em observação a
uma obra -, o Futurismo - movimento dirigido para
o futuro, cravando o aniquilamento da arte ante-
rior, impressionista, naturalista, cultuava a mudan-
ça, invenção, velocidade, a produção, a máquina -
o Abstracionismo - utilização demasiada do pensar
abstratamente as coisas -, o Dadaísmo – movimen-
to literário e artístico de amplitude internacional,
que cultuava, basicamente, o desejo de revolucio-
nar ideias tradicionais - , o Surrealismo - movimen-
to literário e artístico caracterizado pela expressão
espontânea e automática do pensamento, ditada
apenas pelo inconsciente, glorificava a prevalência
incondicional do sonho e pregava a renovação de
valores morais, políticos, científicos e filosóficos - ,
a Op.art – movimento artístico cujo nome significa
“arte óptica”, caracterizado por obras que oferecem
figuras geométricas, em preto e branco ou colori-
das, combinadas para que provoquem no espectador
uma sensação de movimento – e a Pop-art - que é a
abreviatura em inglês de “arte popular” e representa
um movimento nascido mais ou menos na metade
dos anos 50, que focava na desconstrução das ima-
gens pertencentes às culturas de massa, a chamada
“cultura pop”- expressam, de um modo ou de outro,
a perplexidade do homem contemporâneo (AGRA,
2006, GOMBRICH, 2012).
53
considerações finais

Nestes estudos acerca da História da arte, focamos o período do Renascimento,

estudamos acerca desse termo e pudemos constatar que este pode ser encontra-
do nas referências teóricas sobre História da Arte como: Renascimento, Renas-
cença ou Renascentismo – tendo, esses três termos, o mesmo significado - e pu-
demos inferir também que o Renascimento constitui-se de uma época histórica
bastante complexa, um período considerado difícil, porém caracterizado pela
sua pluralidade de fatos e acontecimentos. Constatamos que, hoje, colhemos os
frutos de acontecimentos do período do Renascimento e, atualmente, há uma
interiorização do ser humano, como se nada parecesse tão idealizado perto da
Arte renascentista, em que as alegorias eram retratadas e a arte pintava coisas
tão bonitas, harmoniosas e, talvez esta seja a principal mudança que vivencia-
mos hoje, uma busca fora daquilo que se pode ver. Já o ser-humano se resume as
procuras interiores, fora daquilo que os olhos veem. Foi um período de transição
entre a Idade Média e a Idade Moderna que sediou importantes acontecimentos
artísticos e culturais. Houve um considerável desenvolvimento das artes, talvez
a mais lembrada das mudanças ocorridas no Renascimento, fazendo par com o
antropocentrismo, em oposição ao teocentrismo ressaltado na Idade Média. O
Renascimento, então, a partir do século XIX, passa a representar toda uma cul-
tura crescida nos séculos XV e XVI, com um novo aparecimento do pensamento
oposto da Idade Média, e por essa razão, deixa de ser avaliado como um ingênuo
movimento estilístico que conservava distinções nas técnicas que compreendiam
a arte. Com base nos estudos desta unidade, podemos inferir, a priori, que é no
século XIX que aconteceu a constituição intelectiva do Renascimento, como se,

54
 considerações finais

de repente, houvesse um acordar da beleza, da elegância, da luz. Foi vivenciado

um período em que os homens passaram a estar plenamente conscientes de suas
capacidades, dotados de independência, audaciosos e superiores às amostras
antigas. Algumas pessoas que viveram neste período acreditavam que pudesse
ter acontecido um milagre, para justificar tanta mudança em pouco tempo, tan-
to progresso em variadas áreas e uma melhoria visível de genialidade e talentos.
Foi possível estudarmos as diferenças entre períodos sequenciais, como no século
XVll que havia um viés com a criatividade e uma excelência na arte. Aprendemos
que os estilos Barroco e Rococó se completavam, porém apresentavam algumas
diferenças consideráveis na aparência, representadas por sutilezas de formas, vo-
lumes, cores, detalhes do estilo Barroco contraditoriamente às formas exagera-
das, avantajadas, cores fortes. Observamos, também, que a arte comandava toda
a influência nas outras áreas, na arquitetura, beleza, decoração, entre outros. Já
no século XlX, imperou o movimento do “Impressionismo” que possuía algumas
características peculiares, valorizava os temas da natureza e empregava técnicas de
pintura por meio do uso da luz natural. Enquanto que, no século XX, foi possível
estudarmos o aparecimento de pessoas consideradas importantes na história, de
renome e de plena contribuição para a sociedade. Grandes descobertas e inova-
ções, como o aparecimento do primeiro computador. Podemos concluir, então,
que a arte sempre esteve presente no decorrer da história da humanidade, prestan-
do sua contribuição a variadas áreas e em setores diversos, deixando novas formas
a cada período, novas cores, novas maneiras de representar a arte, por meio dos
movimentos artísticos, pelas influências religiosas, políticas, entre outras.

55
atividades de estudo

1. Assinale com um X todas as alternativas corretas que correspondam ao estilo Barroco:

a. A palavra tem como definição “pérola deformada”.
b. A arte barroca misturava a espiritualidade e teocentrismo.
c. As obras deste período tanto de pintura como de esculturas são bem carregadas e cheias de detalhes.
d. O final do barroco, que se deu no século XVIII, foi chamado de rococó.
e. As características do Barroco ainda se faziam presentes quando teve início o Rococó.

2. Leia, analise e assine o gabarito:

I. Um marco do século XV relevante para a música foi o surgimento da guitarra elétrica.
II. No século XX, surge o primeiro computador comercial.
III. As contradições e complexidades do século XX tornaram-se um rico território para a criação de novas
considerações na área das artes.
IV. O Expressionismo foi o movimento artístico que retratava as emoções e respostas subjetivas que ob-
jetos e acontecimentos acendem no artista.
Assinale a alternativa correta:
a. Apenas I e II estão corretas.
b. Apenas II e III estão corretas.
c. Apenas I está correta.
d. Apenas II, III e IV estão corretas.
e. Nenhuma das alternativas está correta.

3. Assinale Verdadeiro (V) ou Falso (F):

( ) O Dadaísmo foi um movimento literário e artístico de amplitude internacional que cultuava o desejo
de revolucionar ideias tradicionais.
( ) O Fauvismo era uma escola que utilizava cores vibrantes e iniciou a redução da linguagem da pintura
aos essenciais: cor, forma e pincelada.
( ) O Cubismo era um estilo artístico e movimento iniciado em Paris, pregava a substituição das repre-
sentações do espaço tridimensional, da perspectiva, pelo uso faz pequenas formas decompostas e
geometrizadas em observação a uma obra.

4. O que foi a “Op.art”?

5. O que foi a “Pop-art”?

56
 LEITURA
COMPLEMENTAR

Considerando as questões que permeiam o universo que compreende as áreas de Arte e da Moda, como sugestão
para leitura complementar à sua formação, caro(a) aluno(a), sugerimos o artigo que apresenta uma visão sobre as
duas áreas expressas, juntamente com o contexto do design e do trabalho conceitual que conecta Arte e Moda. Boa
Leitura!!!

ARTE E MODA CONCEITUAL: UMA REFLEXÃO EPISTIMOLÓGICA

José Mário Martinez Ruiz*

RESUMO: Esse texto tem por objetivo fazer conexões possíveis entre arte e moda conceitual, bem como questionar se
existe uma relação entre essas formas de linguagem e qual é o propósito das coleções conceituais. Para isso, utilizare-
mos a literatura especializada como arcabouço teórico para análise de três estilistas Alexander McQueen, Alexandre
Herchcovitch e Jum Nakao. PALAVRAS-CHAVE: Arte conceitual; moda conceitual; criação; design; moda contemporânea.

Depois de Duchamp (1887-1969) ter levado um urinol para um espaço consagrado da arte e ter declarado que
aquele objeto é arte, depois de as vanguardas artísticas do início do século 20 proporem o rompimento da di-
ferenciação entre arte e cotidiano, hoje, no início do século 21, não seria o local onde pretensamente é lugar
privilegiado para se discutir moda? (OLIVEROS, 2004, p. 57).

A pergunta pertinente do jornalista faz refletir sobre quanto ainda precisamos avançar nas pesquisas relativas à moda,
apesar de pesquisadores conceituados, como Gilberto Freyre e Gilda de Mello e Souza, no Brasil e, Gilles Lipovetsky e
Roland Barthes, no Exterior, no início e meados do século passado, terem proposto uma análise mais profunda sobre
a moda. É preciso responder a uma série de indagações a esse respeito; por isso muitos pesquisadores da atualidade
estão se atendo a esse fenômeno de consumo e linguagem. Com o amparo teórico da literatura especializada e tam-
bém de relatos colhidos em revistas de moda, este artigo procura responder a algumas dessas indagações: de que
forma a moda e a arte conceitual se relacionam? Existe um paralelo possível entre essas formas de linguagem? Afinal,
qual é o propósito das coleções conceituais? Para dissertar sobre esse assunto torna-se necessário, primeiramente,
verificar o que é a arte conceitual e o que ela representou em termos de mudança da linguagem no campo das artes.
Após essa explanação, o texto procura tratar de moda conceitual, e para isso utiliza três estilistas conceituados: o
inglês Alexander McQueen e os brasileiros Alexandre Herchcovitch e Jum Nakao.

Fonte: Ruiz (2015).

57
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

História ilustrada do vestuário, um estudo da indumentária, do Egito antigo

ao final do século XIX
Melissa Leventon
Editora: Publifolha
Sinopse: História Ilustrada do Vestuário é uma obra ilustrada que combina dados históricos
com estudos de dois artistas gráficos do século 19 - Auguste Racinet e Friederich Hottenroth.
Apresentados cronologicamente e divididos por temas, os desenhos acompanham textos de
especialistas e trazem informações sobre a história da vestimenta. Traz ainda um capítulo
sobre acessórios e um glossário.
Comentário: Com ilustrações ricas em detalhes, o livro apresenta de maneira clara e objetiva
o contexto histórico representado através da vestimenta, uma alternativa interessante para
auxiliar você, caro(a) aluno(a), a compreender a evolução histórica do homem nos diferentes
períodos.

Maria Antonieta
Ano: 2005
Sinopse: A princesa austríaca Maria Antonieta (Kirsten Dunst) é enviada ainda adolescente à
França para se casar com o príncipe Luis XVI (Jason Schwartzman), como parte de um acordo
entre os países. Na corte de Versalles ela é envolvida em rígidas regras de etiqueta, ferre-
nhas disputas familiares e fofocas insuportáveis, mundo em que nunca se sentiu confortável.
Praticamente exilada, decide criar um universo à parte dentro daquela corte, no qual pode
se divertir e aproveitar sua juventude. Só que, fora das paredes do palácio, a revolução não
pode mais esperar para explodir.

Comentário: excelente estudo sobre arquitetura, arte, pintura e indumentária da época,

além de uma visão única sobre a corte, bem como seus costumes.

Como vimos nessa unidade, há uma continuidade das manifestações artísticas desde a Re-
nascença até a atualidade, continuamos também com o documentário, assista a continuida-
de de História da Arte - Das Origens ao Legado Grego (PARTE II).

Disponível em: <https://www.youtube.com/watch?v=UkD-CgyXYIM>.

58
DESIGN

59
O DESIGN

Prof.ª Esp. Vanessa Barbosa dos Santos

Plano de Estudo
A seguir, apresentam-se os tópicos que você estudará nesta unidade:
• O que é Design?
• Quando surgiu o Design
• O design pelo mundo
• O design no Brasil

Objetivos de Aprendizagem
• Entender o significado da palavra, função e profissão.
• Descobrir quando o Design surgiu no mundo e na sociedade, quais os motivos
principais do seu surgimento e a sua importância.
• Conhecer a atuação do Design em alguns países em que sua prática gerou
transformação na história da sociedade.
• Conhecer os principais pontos de transformação do design no Brasil, sua forma de
atuação e as co-relações com o Design pelo mundo.
unidade

III
INTRODUÇÃO

O
lá, caro(a) aluno(a). Seja bem-vindo(a) a terceira unidade do
livro sobre História da Arte e do Design. Após você conhecer
mais sobre a história da Arte e como ela se manifestou por
meio do desenvolvimento das civilizações, nesta unidade, va-
mos entender a palavra Design em nosso meio, como ela está presente
em nossa vida dia a dia, qual o significado da palavra, onde e quando ela
surgiu e como foi o início de sua influência em nosso mundo.
Depois, vamos conhecer o princípio de sua história, quais eram os
acontecimentos que o permeavam, os processos de transformação, al-
gumas de suas caraterísticas e relações com o Design e conhecer sobre a
história da Revolução Industrial.
Vamos compreender a forma de atuação do Design nos principais
países em que ele atua e perceber que existem co-relações entre eles, mes-
mo quando falamos de sociedades diferentes. Os autores principais no
surgimento do Design nesses países, suas características e ideais seguidos.
E, por último, como o Design chegou ao Brasil, quais suas princi-
pais características no início, percebendo essa correlação entre os países,
as influência do desenvolvimento da História da Arte ao surgimento do
Design em nosso país, e conhecermos como nossa profissão tem se de-
senvolvido em nosso próprio país.
Esteja preparado e aguce a vontade de ler e aprender sobre esses tópi-
cos. Esperamos que seja um tempo produtivo e de grande aprendizado.
Boa leitura!
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
O QUE É
DESIGN?
Todos os dias estamos recebendo novas informações,
novas ideias, novas criações. O mundo está em cons-
tante mudança, e é a partir desse processo de trans-
formação que o Design surge em nosso vocabulário.
É muito comum, quando você conversa com
alguém sobre algo novo que surgiu no mercado, se
referir por meio do termo: novo design de uma rou-
pa, um carro, uma lâmpada, etc. Mas qual o verda-
deiro significado da palavra Design?
A palavra em si não existe no contexto da língua
portuguesa, porém, como o Inglês é uma língua con-
siderada universal, e estamos habituados a conviver
com ela, a palavra Design acabou se universalizando
no inglês.
64
Segundo Cardoso (2008, p. 20):
A origem imediata da palavra está na língua
inglesa, na qual o substantivo design se refere
tanto à ideia de plano, desígnio, intenção, quan-
to à de configuração, arranjo, estrutura (e não
apenas de objetos de fabricação humana, pois é
perfeitamente aceitável, em inglês, falar do de-
sign do universo de uma molécula).
Contudo a origem mais remota da palavra está no la-
tim designare, verbo que abrange ambos os sentidos,
o de designar e o de desenhar (CARDOSO, 2008).
Em 1958, a palavra Design foi mencionada pela pri-
meira vez no “Oxford Dictionary”, descrita como:

• Um plano desenvolvido pelo homem ou um
esquema que possa ser realizado
• O primeiro projeto gráfico de uma obra de
arte ou
• Um objeto das artes aplicadas ou que seja útil
para a construção de outras obras (BURDEK,
2006, p. 15).
Já no sentido da palavra, podemos ver que o Design
traz vários significados à sua função, como o de pla-
nejar, designar, desenhar e formar. E é dentro desse
conflito de significados que o Design surge para ir
além do que a arte já sugeria ao homem.
Vamos pensar em uma obra de arte, por exemplo,
criada por Van Gogh, que pintava seus quadros com
uma intenção de forma, cores e luz, para chegar em um
resultado final de uma imagem de girassóis. Se ele qui-
sesse vender quadros de girassóis, será que consegui-
ria pintar todos eles exatamente iguais? (AZEVEDO,
2014). Seria praticamente impossível, uma vez que, a
cada quadro que ele pintasse, a mistura da tinta pode-
ria sofrer alterações, a influência da luz e temperatura
seriam diferentes, até sua mão poderia fazer traços di-
ferentes. De alguma forma, esses quadros teriam deta-
lhes únicos, e é aí que o trabalho do Design entra para
agir de forma diferente, por meio dos mecanismos, do
planejamento e dos princípios envolvidos, o projeto de
uma imagem ou objeto seriam sempre o mesmo.
SAIBA MAIS
Van Gogh nasceu, em 1853, em um vilarejo
holandês, e foi um pintor pós-impressionista,
que pintava obras com cores vivas, intensas e
superfícies vigorasamente trabalhadas. O qua-
dro “Doze girassóis numa jarra”, é uma das suas
principais obras.
Fonte: Farthing (2011).
DESIGN
É a partir desse trabalho do artista ou artesão e do
desenvolvimento humano e da sociedade que surge
a necessidade de processos mais práticos, em que os
projetos sejam feitos a partir de esboços, modelos
e planos que sugerem a ideia de uma produção em
massa (CARDOSO, 2008).
Podemos dizer que o Design surgiu a partir de um
momento muito importante em nossa história, que é a
Revolução Industrial, entre os séculos XVIII e XIX, a
qual veremos no próximo capítulo desta unidade.
É aqui que vemos o Design se inserindo na
sociedade como parte da história política, social,
econômica e cultural, mostrando a necessidade
de uma nova forma de agir e pensar em relação ao
funcionamento e desenvolvimento do dia a dia do
homem.
Para finalizar o estudo da palavra e significado
do Design, vamos entender o que o Internacional
Design Center de Berlim, em 1979, por ocasião de
uma de suas exposições, descreveu sobre o Design
(BURDEK, 2006, p. 15):
• Bom design não se limita a uma técnica de
empacotamento. Ele precisa expressar as
particularidades de cada produto por meio
de uma configuração própria;
• Ele deve tornar visível a função do produto,
seu manejo, para ensejar uma clara leitura
do usuário;
• Bom design deve tornar transparente o esta-
do mais atual do desenvolvimento da técnica;
• Ele não deve se ater apenas ao produto em
si, mas deve responder a questões do meio
ambiente, da economia de energia, da reuti-
lização, de duração e ergonomia;
• O bom design deve fazer da relação do ho-
mem e do objeto o ponto de partida da con-
figuração, especialmente nos aspectos da
medicina do trabalho e da percepção.
65
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

P
odemos concluir que a palavra Design REFLITA
surgiu da necessidade de elaboração de
projetos, para a produção em série de ob-
Assim como a natureza tem seu próprio ca-
jetos por meios mecânicos (CARDOSO, minho através dos organismos naturais, o ho-
2008, p. 21). Devido ao crescimento da população mem faz dos meios urbanos a sua natureza,
mundial, o desenvolvimento de tecnologias, a ex- a natureza urbana. Percorre os caminhos na-
turais, mas, muitas vezes, prefere planejá-los.
pansão das cidades, uma fabricação apenas arte-
Fonte: Azevedo (2006).
sanal dos produtos não sanaria as necessidades de
todos em um tempo hábil.

quando surgiu o

DESIGN

Caro(a) aluno(a), estudamos, no tópico anterior, o SAIBA MAIS

que é Design, o significado da palavra, quando fo-

ram suas primeiras aparições, a principal diferença
entre arte e design e quais suas principais funções.
Neste tópico, você vai conhecer o contexto histórico
em que o Design foi inserido e o que acarretou em
nossa sociedade em todas as áreas de convergência
para o seu funcionamento.
Segundo Cardoso (2008), o design é fruto de três
Em um retrospecto histórico, Leonardo da Vinci
é mencionado de bom grado como o primeiro
designer. Em paralelo a seus estudos científi-
cos de anatomia, ótica e mecânica ele é consi-
derado como precursor do conhecimento de
máquinas, ao editar, por exemplo, o “Manual
de Elementos de Máquinas”.
Fonte: Burdek (2006, p.13).

grandes processos históricos, entre os séculos XIX e XX.

66
 DESIGN

O primeiro é a industrialização, que trabalha a reor- daí, desenvolver a mecanização do trabalho, já que as
ganização da fabricação e distribuição de bens de- inovações tecnológicas começaram a surgir no final
vido ao crescimento de produtos e consumidores. do século XVIII, fazendo com que esse ciclo de co-
O segundo é a urbanização moderna, onde a popu- mercialização pudesse ser mais rápido (CARDOSO,
lação passa a se aglomerar nas metrópoles. E o ter- 2008).
ceiro, a globalização, que faz as redes de comércio Segundo Cardoso (2008), os principais pro-
crescerem, transporte, comunicação e sistemas de dutos desenvolvidos eram considerados artigos de
funcionamento para todo esse crescimento. luxo, utilizados, claro, pela sociedade nobre, em que
Podemos pensar em como o Design contribuiu o sistema mais completo de produção de artigos de
para viabilizar as mudanças em nossa sociedade, no luxo foi desenvolvido na França, por Luís XIV e seu
exemplo que Cardoso (2008) explicou sobre o café: superintendente Jean-Baptiste Colbert, produzindo
Existe um desafio por trás de uma simples xícara de móveis, vidros e tapeçarias para o rei. E e essa ideia
café que você toma. Depois de plantado, colhido e foi passada para os outros países, que começaram a
ensacado, o café precisa ser transportado, secado, desenvolver suas manufaturas, baseadas nos produ-
torrado, moído e passar por processos industriais tos que possuiam em abundância em suas terras, ou
antes de ser embalado e vendido a você. Essa cadeia nas terras que dominavam em outras regiões.
de produção e distribuição exige processos de trans-
porte, engenharia, identidade visual dos rótulos e
embalagens, marketing, desenvolvimento das indús-
trias, e uma longa jornada até que você possa tomar
seu cafezinho. Antigamente nada disso existia e o
café era consumido por quem plantava e colhia em
sua própria terra de vivência. Como nosso mundo
mudou, nada disso seria capaz de acontecer se não
existisse o Design.
Vamos começar pela Revolução Industrial, que
ocorreu entre os séculos XVIII e XIX na Europa. Um
processo de transformação da fabricação de produ-
tos que gerou transformação do dia a dia do homem.
Diferente do processo do artesão que fabricava e
vendia diretamente o seu produto, a industrialização
começou a criar sistemas de producão, em que esses
produtos eram feitos em massa para atender a de-
manda da população.
Os produtos primários da agricultura eram co-
mercializados em várias partes do mundo para obter
lucro por meio da troca desses produtos e, a partir

67
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
Cardoso (2008) diz que esse processo na orga-
nização industrial passou por quatro fases: esca-
la de produção que aumentou significativamente,
atendendo mercados distantes; as fábricas e oficinas
crescendo em tamanho, equipamento e número de
trabalhadores; a produção feita de forma mais seria-
da e técnica para que um determinado produto fos-
se cada vez mais parecido na produção em massa, e
a divisão de tarefas e funções para execução de um
projeto.
O que podemos refletir é que, a princípio, diría-
mos que a Revolução Industrial foi muito mais um
processo de desenvolvimento tecnológico e de má-
quinas do que outra coisa. No entanto, se pensarmos
melhor, veremos que foi mais uma mudança na or-
ganização de trabalho, de produção e distribuição
devido às transformações sociais que a sociedade
estava sofrendo.
Esse processo de industrialização, para Cardoso
(2008), fazia com que a grande quantidade de traba-
lhadores fosse cortada e existisse profissionais mais
capacitados, no caso, o Designer, para desenvolver
processos de produção mais eficientes e sem a neces-
sidade de tanta mão de obra. Porém não era tão fácil
assim fazer isso em todas as fábricas, e o fato da me-
canização crescer, tornou
mais fácil o início da pira-
taria dos produtos. Foi as-
sim que surgiu a necessidade de sigilo
entre os profissionais que trabalhavam em
determinado projeto. E entre 1830 e 1860
começam a surgir os sistemas de leis e pa-
tentes para valorizar o trabalho do designer.
68
No século XIX, essa industrialização acarretou
em um crescimento urbano muito grande e rápido.
Foram surgindo as metrópoles, bairros residenciais
e industriais, redes de transporte e comunicação vi-
sual. As pessoas começavam a conviver mais tempo
entre si, já que faziam os trajetos para o trabalho, fi-
cavam horas trabalhando juntos e obtendo essas ex-
periências urbanas. E com o trabalho assalariado co-
meçou a aumentar o número de pessoas que podiam
consumir algo além das necessidades primárias.
Uma curiosidade apresentada por Cardoso
(2008) é de que entre as mercadorias mais consumi-
das, depois dos produtos primários, estão os impres-
sos, que trouxeram uma explosão de alfabetização
das pessoas e uma necessidade de se ter algo para
fazer nos momentos em que eles não trabalhavam.
Foi assim que surgiu o conceito de lazer popular e
a necessidade de se criar espaços compostos de mu-
seus, teatros, locais de exposição, parques e jardins.
Toda essa transformação da sociedade trouxe a
necessidade da criação e organização das informações
e sinalização das ruas, cidades, locais de convivência
pública. Surge, então, o crescimento dos impressos, da
comunicação, da informação por meio da imagem.
O design, aqui, passa a ir além das paredes no-
bres e reais, de se alimentar de objetos de luxo para
alcançar o público urbano, principalmente devido às
necessidades de organização destes espaços. Assim, o
design teve o seu papel nessa reconfiguração da vida
social, contribuindo para proje-
tar a cultura material e visual da
época (CARDOSO, 2008, p. 73).
 DESIGN

Interessante observarmos que o papel do Design a um processo de Revolução histórica, que abrangeu
começa a se expandir em várias áreas relacionadas os aspectos sociais, tecnológicos, políticos, religio-
ao dia a dia do homem. O transporte, a moradia, o sos, urbanos e econômicos da nossa humanidade.
lazer, as roupas que veste, o lazer, a higiene e saúde e Isso que dizer que, muito mais que um profissional
a informação. Pense, então, que as diversas áreas do que olha apenas para um mercado de trabalho, o De-
Design, como gráfico, de produto, de moda come- signer faz parte da construção histórica do ser hu-
çam a se desenvolver já nessa época. mano, e é sim, um agente de transformação em sua
É claro que, para uma Revolução desta propor- sociedade.
ção, não seriam todos que ficariam felizes com essas
transformações. Uma reforma de cunho social atinge
principalmente a aristocracia e a igreja que, na épo-
ca, dominavam o “sistema”. E os pensadores e artistas
da época também diziam que essa industrialização
era uma ameaça às tradições e causava exploração
aos trabalhadores.
Surge a proposta de fazer o uso do design como
agente de transformação (CARDOSO, 2008, p. 76).
Uma necessidade de cuidado com os excessos e com
uma perda dos padrões morais da sociedade.

Derivando de Ruskin a ideia de que qualidade

do objeto fabricado deveria refletir tanto a uni-
dade de projeto e execução quando o bem-estar
do trabalhador (CARDOSO, 2008, p. 79).

O design entra em um processo de transformação

em todo o funcionamento urbano, industrial, do tra-
balhador e do homem em si. Seus processos visam
a praticidade, agilidade, comércio e bem-estar tanto
do trabalhador quanto do consumidor final.
Veremos, na próxima unidade, como foi que o REFLITA
Design desenvolveu esses processos de transforma-
ção por meio dos estilos e movimentos que foram
Cabe pensar que planejar o futuro é ter cons-
surgindo após a Revolução Industrial, assim como
ciência do caos. O design é sempre uma forma
os movimentos da história da arte foram desencade- de planejar uma saída.
ando, o design também participou desses processos.
Fonte: Azevedo (2014, p. 86).
Concluindo, o que você aluno(a) pode refletir a
partir deste capítulo é que o Design surgiu em meio

69
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
O design pelo mundo
Caro(a) aluno(a), neste livro, já estudamos o conceito
da palavra Design e suas funções, como ele surgiu no
mundo, em que contexto histórico ele foi inserido e as
transformações que ele gerou nas sociedades. O que
você vai ver neste capítulo é a forma como o Design se
comportou em alguns países mais relevantes, já que,
como vimos, o Design não é apenas uma forma de
criar e produzir algo, mas se relaciona com o compor-
tamento do homem, a sociedade que está inserido, a
história, a cultura, a política, a economia e tudo que
envolve o funcionamento de um determinado local.
GRÃ-BRETANHA
Para você se situar geograficamente, a Grã-Bretanha
representa uma das muitas ilhas britânicas da Europa
e, nela, está incluso: Escócia, Inglaterra e País de Gales.
70
Costuma-se chamar a Grã-Bretanha como terra
mãe do design, já que lá se iniciou no século 18
a industrialização, que foi decisiva para o de-
senvolvimento do design industrial (BURDEK,
2006, p. 73).
Depois da invenção da máquina a vapor, em 1765,
pelo escocês James Watt, o período de industrializa-
ção cresceu muito rápido. As máquinas começaram
a ser desenvolvidas para influenciar no transporte,
no trabalho, nos materiais, na vida das pessoas.
Os mais significativos representantes do design
britânico para Nikolaus Pevsner (1957) eram: John
Ruskin, William Morris, Christopher Dresser, Char-
les Rennie Mackintosh, Walter Crane e C. R. Ashbee.
Em 1915, foi até criada a Design and Industries
Association (Associação do Design e da Indústria),
que visava uma transformação no modo de pensar
Design e indústria.
Depois da primeira Guerra Mundial, os desig-
ners se voltaram para a tradição artesanal, proje-
tando móveis, vidros e têxteis, como um exem-
plo, a Wegdwood, que até hoje é uma das maiores
empresas do mundo na indústria de cerâmica,
porcelana e vidro (BURDEK, 2006). Ou-
tro exemplo foi Douglas Scott, que traba-
lhou para a London Transport, e proje-
tou o legendário ônibus de dois andares
(Double-Decker), em 1946.

Já após a Segunda Guerra Mundial, o que cresceu
na região foram as empresas automobilísticas, uma
vez que as inovações tecnológicas começaram a se
juntar às tradições do design. Podemos citar a Jaguar,
Mini Cooper, Rover, entre outras.
Nos anos de 1960, vemos que a cultura pop bri-
tânica influenciou muito o design, propaganda, arte,
música, fotografia, moda, artesanato e arquitetura
de interiores. Foi uma época de mudança de estilo
de vida, principalmente do jovem lutando contra o
conservadorismo. Bandas como os Beatles, Rolling
Stones e Pink Floyd representavam esse estilo dos jo-
vens. Esse fenômento estético cultural atingia ramos
como o da arquitetura, em que o grupo Archigram,
por exemplo, desempenhou o papel de movimento
de vanguarda (BURDEK, 2006).
A produção dos objetos para o Design de interio-
res cresceu muito por meio de Sir Terence Conram,
que criou a rede de lojas Habitat, em 1964, com uma
moderna cultura de massa, e uma conscientização
progressista do design. Temos exemplos de grandes
escritórios de Design, conhecidos até hoje, como FI-
TCH, IDEO e Pentagram.
Quando os anos 1980 chegaram, as instituições
britânicas começaram a investir pesado no ensi-
no e, assim, todas as áreas do Design vão tomando
proporções ainda maiores na sociedade: design de
moda, design corporativo, design visual e o design
digital. Estudiosos calculam que, no início do século
XXI, cerca de 10% do PIB da Grã-Bretanha seriam
produzidos pelo design e seus serviços (BURDEK,
2006, p.83).
ALEMANHA
A Alemanha esteve dividida até a Segunda Guerra
Mundial, e a República Federal e a República Demo-
crática possuíam características diferentes.
DESIGN
A República Federal obteve influências culturais
da Bauhaus e da Ulm, que desenvolveram um pa-
drão do Design Alemão associados ao conceito de
funcional, objetivo, sensato, econômico, simples e
neutro (BURDEK, 2006).
Existia os definidos “Dez Mandamentos” que obe-
deciam os principais fundamentos do Design alemão:
1. Alto uso prático.
2. Segurança suficiente.
3. Longo prazo de vida e validade.
4. Adaptação ergonômica.
5. Personalidade técnica e formal.
6. Ligações com o contexto.
7. Amigável com o meio ambiente.
8. Visualização do uso.
9. Alta qualidade de configuração.
10. Estimulação sensorial e intelectual (BURDEK,
2006, p. 84).
Era importante utilizar esses fundamentos de formas
diferentes dependendo do projeto a ser criado, e o
funcionalismo era o principal a ser defendido pelo
Design Alemão. Podemos citar o nome de grandes
empresas fundamentadas nesse funcionalismo, como:
Siemens, Audi, Porshe, Volkswagen, entre outras.
Segundo Burdek (2006), somente na virada do
século 20 para o 21 é que este conceito do funcio-
nalismo foi deixado de lado para o caminho mais
pluralista do Design. Já o Design na República De-
mocrática da Alemanha foi marcado por 3 aspectos:
• Um forte incentivo estatal que se instalou
após a Segunda Guerra Mundial.
• Uma orientação clara de colocação de temas
políticos-sociais, por décadas.
• Uma discussão teórica intensa, no início dos
anos 80, com as questões do funcionalismo e
da semântica dos produtos (BURDEK, 2006,
p. 103).
71
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
As primeiras tarefas do designer nessa região da Ale-
manha eram relacionadas ao domínio público, tra-
balho, transporte, habitação ou lazer. Somente nos
anos 1960 que começou a crescer uma produção de
bens de consumo e, no fim dos anos 1980, iniciou-se
uma verdadeira produção desses bens (BURDEK,
2006).
Quando começou a desenvolver Design em bens
de consumo, trazia principalmente influências ame-
ricanas, italianas e escandinavas. E o design e a arte
caminhavam juntos, tinham um princípio aberto,
que lidava com as necessidades dos objetos e am-
bientes, sendo que se melhorava a configuração, mas
que não fosse deixado de lado as tendências de moda
ou vida efêmera por exemplo. Inicia-se, assim, o foco
no usuário do design, o que, naquela época, não era
um pensamento muito aceitável (BURDEK, 2006).
Ainda segundo Burdek (2006), Claus Dietel e
Lutz Rudolph eram as mais conhecidas personalida-
des da República Democrática e faziam o que era ao
alance deles para nadar contra essa ideologia funcio-
nal sem pensar no usuário.
As discussões de colóquios e seminários da
Bauhaus foram para mostrar que o funcionalismo
era um princípio de configuração, não um estilo, mas
um método de trabalho. Esse lado da Alemanha De-
mocrática quis transmitir uma preocupação social
ao se fazer Design.
ITÁLIA
A Itália foi o país que mais teve publicações a respei-
to do Design.
Com o Império Romano foi fundada uma tra-
dição civilizadora e cultural, que se atualizou na
Renascença por meio do arquiteto Palladio com
seus inúmeros prédios clássicos até os dias de
hoje...A ininterrupta importância da arquitetu-
72
ra, design, arte, literatura, moda e música para a
vida cultural da Itália, em especial a abertura de
pequenos empresários para estes temas, além de
uma abertura para experimentação no design,
incrementaram a liderança mundial do “design
italiano” (BURDEK, 2006, p. 120).
A diferença do Design Italiano era se orientar pelo
“máximo da existência”, a mistura de design gráfico,
mídia, industrial, arte e arte aplicada. O ambiente
como um todo é o tema (BURDEK, 2006).
Na Itália, o Design de Moda assume um papel
importante. Armani, Dolce & Gabbana, Gucci, Pra-
da, entre outros, demonstram que o design determi-
na a sua existência (das Sein).
SAIBA MAIS
O estilista Giorgio Armani, conhecido como o
“Imperador de Milão”, nasceu em 11 de julho
de 1934, na cidade de Piacenza, localizada
no norte da Itália (ao sul de Milão). Antes
de entrar no mundo da moda, ele cursou
2 anos de medicina e, depois, começou a
trabalhar como vitrinista. Em 1970, iniciou
sua carreira independente no mundo da
moda, encorajado pelo seu grande amigo
Sergio Galeotti, desenhando e costurando
para inúmeras grifes famosas. Alguns anos
depois, abriu sua própria empresa e, em 24
de julho de 1975, apresentou sua primeira
coleção, composta por roupas femininas e
masculinas e seu estilo logo se tornou sím-
bolo de elegância, com uma alfaiataria so-
fisticada, altas doses de androginia, vestidos
de noite cheios de glamour, sobriedade nas
cores e nenhuma influência das tendências
da época, constituindo roupas e acessórios
atemporais
Fonte: adaptado de Chitas (online).
DESIGN

73
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
É interessante observar que, nos anos da década de
1980, desfazia-se o “american way of life”, a favor de
um modo fino de vida italiano, na moda, mobiliário,
automóveis, na comida ou na bebida, os padrões glo-
bais de cultura eram italianos (BURDEK, 2006).
A Itália é caracterizada pelo contraste entre o
norte altamente industrializado e o sul agrário (BUR-
DEK, 2006). Um papel importante foi feito pela as-
sociação de Design Italiana ADI (Associazione per il
Disegno Inustriale) que desenvolveu as questões re-
lacionadas a impostos, direitos e contratos daqueles
que participavam ativamente da vida cultural.
O Design Italiano tinha grande engajamento na
política, nas discussões relacionadas ao consumis-
mo, na integração do design com a arte e nas teorias
do design. Porém, a partir da década de 1990, com o
crescimento do design internacional, o Design Italia-
no foi perdendo sua força e migrando para os arre-
dores como a Espanha, por exemplo.
ESPANHA
Depois do regime de Franco, em 1975, começou
um desenvolvimento cultural na Espanha que en-
74
volveu vários setores, incluindo o design. E a es-
trutura industrial do país era muito semelhante ao
norte da Itália, empresas pequenas e de estrutura
semi-artesanal, buscando uma nova cultura e no-
vas tendências.
Na virada do século 19 para o 20, o arquiteto
Antonio Gaudi projetou prédios expressivos,
desenhou interiores e móveis que tiraram sua
importância destes mesmos valores tradicionais.
Gaudi partia do princípio da obra de arte total,
onde a arquitetura, o mobiliário e a decoração
do interior de um prédio deveriam ter uma mes-
ma “linguagem”, de modo a se completarem e
complementarem (BURDEK, 2006, p. 145).
Nos anos 1980, a Espanha tinha forte influência do de-
sign Italiano, com um movimento de vanguarda e ca-
racterística neomodernas. Mas é importante saber que,
a época na qual o design realmente estourou na Espa-
nha foi em 1992, provocado pelos jogos olímpicos em
Barcelona, haja vista que ocorreram muitos projetos de
prédios, design público, lojas e locais, trabalho de de-
sign gráfico para receber os jogos e isso acarretou um
grande desenvolvimento do design (BURDEK, 2006).
Park Guell em Barcelona, projeto por Antonio Gaudi

RÚSSIA
A URSS também contribuiu para o desenvolvimento
do Design por meio da Vanguarda Soviética. Foi um
movimento que teve início no começo deste século e
tinha relação com uma reformulação da estética do
design. É importante sabermos que esse movimento
de vanguarda queria entender a forma de um ponto
de vista tal que permitisse levar os objetos ao povo
(AZEVEDO, 2014).
A preocupação dos artistas e designers, nessa épo-
ca, era reforçar uma profunda mudança social, para
que o povo fosse o maior beneficiado nas ações da arte
e do design. Ao mesmo tempo que esse movimento
acontecia na União Soviética, sofria influências do
Manifesto Futurista da Europa, que mostrava que não
era possível descartar a máquina, mas que o homem ti-
ESTADOS UNIDOS
Vemos que, a partir do século XVIII, muitos imi-
grantes foram para a América do Norte, levando
junto suas influências culturais, técnicas e econômi-
cas. Um público tolerante à diversidade de mídias e
estilos.
Puritanismo e cultura pop, espírito inovador
e obsessão econômica, presença hegemônica e
preservação de culturas regionais - são alguns
dos pontos que influenciaram a expressão do
design (BURDEK, 2006, p. 177).
Os Estados Unidos foi um país que difundiu o design
orientado para o sucesso, o domínio do produto-cul-
tural. Alguns dos principais imigrantes que vieram
para o país foram Herbert Bayer, Walter Gropius e
Ludwig Mies van der Rohe. Eles trouxeram algumas
tendências funcionalistas da Bauhaus.
DESIGN
nha que compreender as mudanças q ela traria e traba-
lhar a coletividade urbana, e não ter medo do futuro. E
é aí que o movimento da vanguarda entra, colocando
o Design como intermediário do homem e máquina.
A palavra de ordem era construir (AZEVEDO,
2014, p. 27). Foi a partir desse lema que surgiu o
Construtivismo na Rússia, mas essa reformulação
estética foi derrubada na década de 1930, quando
Stalin assumiu o poder e trouxe de volta a arte tradi-
cional figurativa, conhecida como realismo socialista.
Depois do socialismo, veio o comunismo, e as
mudanças de estrutura da sociedade e economia
também geraram mudanças no design. Aos poucos,
o design foi entrando no mercado competitivo, mas
que, mesmo assim, passou por muitas crises relacio-
nadas às condições de trabalho.
A produção em massa do século XX foi bem desen-
volvida nos EUA por causa da mecanização e auto-
mação. Diferente de um aspecto só funcionalista, os
Estados Unidos reconheceu o incentivo à venda de
um bom design (BURDEK, 2006).
Surge, então, a década do Streamline, derivado
de princípios aerodinâmicos, símbolo da mobilidade
da sociedade americana. O que os designers queriam
era tornar seus produtos irresistíveis, de acordo com
o desejo do usuário. A pesquisa de novos materiais e
tecnologias cresceu e muitos profissionais e empre-
sas começaram a surgir.
Os anos 1960 foi um período de conflito pelos
movimentos de crítica social e econômica, relaciona-
das ao consumo excessivo. Todavia não impediu que
os EUA chegassem aos anos 1980 como um país de
enorme influência global no aspecto do design. Po-
75
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
demos citar empresas conhecidas, como Ford, Har-
ley Davidson, Apple, IBM, Microsoft, Xerox, Nike e
Tupperware, que surgiram nessa época.
E, para finalizar, podemos citar como uma região
de extrema importância mundial para o Design, o
Vale do Silício, localizado na Califórnia, que é con-
siderado o centro mundial do Design. Um centro
cheio de grandes nomes e empresas relacionadas ao
desenvolvimento de produtos e pesquisa de Design.
Interessante percebermos como o Design não
76
acontece isoladamente nos diferentes países do mun-
do, como alguns movimentos e ideais sempre se uti-
lizam de conceitos de outro, ou até usam de exemplo
para contrariar totalmente aquela ideia com a qual
não concordam.
E, assim, nascem os designers, as empresas, as
marcas, produtos e serviços que transformam a vida
do homem como usuário, como sociedade, como
história de um todo influenciado por este grande
poder do Design até hoje.

O DESIGN NO
BRASIL
Após falarmos sobre o Design no contexto de al-
guns países mais importantes se tratando da história
e desenvolvimento dele, vamos, agora, ter um parâ-
metro da história do Design no Brasil, quais foram
suas influências principais e autores que contribui-
ram para que, hoje, o Design seja tão importante em
nosso país.
A tarefa de esboçar um histórico do Design Grá-
fico brasileiro é, sem dúvida, uma empreitada
complicada. Dependendo da diretriz adotada
é possível apontar pontos de partida completa-
mente diferentes. Uma corrente mais compro-
metida com o Modernismo, o qual dominou boa
parte da produção artística dos anos 1910 a 1960
costuma relacionar o surgimento do Design no
Brasil aos desdobramentos desta época, com as
experimentações do Instituto de Arte Contem-
porânea do MASP, em 1951, e a inauguração da
Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI),
em 1963 (PUC-RIO, 2015, p. 23).
Foi nessa época que o Design começou a ser visto, no
Brasil, como conceito, profissão e ideologia. Mas a
atividade projetual em si já existia antes mesmo des-
sa época do Modernismo, visto que, com a Revolu-
ção Industrial, o Brasil também se envolveu com as
DESIGN
transformações ditadas pela evolução de máquinas e
trabalho.
Porém podemos dizer que o Brasil foi além das
características ditadas por movimentos internacionais,
como a Bauhaus, escola de Ulm, Neoplasticismo, por-
que se trata de um país de variedade cultural e tradição
rica autenticamente brasileira (PUC-Rio, 2015).
Na década de 1950, vemos que o Design surgiu
com a ideia de produtividade, racionalização e pa-
dronização, para se diferenciar dos processos artís-
ticos. Criam-se processos de desenvolvimento, e o
Design é inserido na gestão das empresas. Contudo,
no Brasil, nessa época, o design seria, apenas, para
maquiar os projetos com alguns traços (BONSIEPE,
1997).
Já na década de 1960, essa padronagem é que-
brada, devido aos movimentos sociais e contra-cul-
turais. Há uma críticia à sociedade do consumo e um
desejo de desenvolvimento do Design como uma
cultura fora dos padrões consumistas. No fim desta
década, os movimentos culturais utilizavam muito
de materiais gráficos para suas expressões públicas. É
quando surge, por exemplo, o Tropicalismo no Bra-
sil, com um Design racionalista que se aproxima da
cultura popular.
77
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

SAIBA MAIS questões políticas, sociais, econômicas, ambientais,

TROPICALISMO
O Tropicalismo, logo depois de sua “ex-
plosão” inicial, transformou-se num termo
corrente da indústria cultural e da mídia.
Em que pesem as polêmicas geradas inicial-
mente (e não foram poucas), o Tropicalismo
acabou consagrado como ponto de clivagem
ou ruptura, em diversos níveis: comporta-
mental, político-ideológico, estético. Ora
apresentado como a face brasileira da con-
tracultura, ora apresentado como o ponto de
convergência das vanguardas artísticas mais
radicais (como a Antropofagia modernista
dos anos 20 e a Poesia Concreta dos anos
50, passando pelos procedimentos musicais
da Bossa Nova), o Tropicalismo, seus heróis
e “eventos fundadores” passaram a ser ama-
dos ou odiados com a mesma intensidade.
Fonte: Napolitano (1998).
com uma procura maior por sustentabilidade devido
ao crescimento exorbitante das tecnologias e destrui-
ção de matéria-prima e meio ambiente.
Segundo Burdek (2006), os pontos fortes das ati-
vidades de Design no Brasil são a indústria do mo-
biliário, com bastante exportação, e, desde os anos
1980, o que vem crescendo é a indústria da compu-
tação e das telecomunicações.
E, para finalizar, podemos citar como autores prin-
cipais do desenvolvimento do Design no Brasil, Ale-
xandre Wollner, que criou a ESDI (Escola Superior de
Desenho Industrial), no Rio de Janeiro, no início dos
anos 1960, baseado na escola de Ulm, que ele cursou
na Alemanha; Sérgio Rodrigues, um arquiteto que se
especializou em design de mobiliário e que criou a em-
presa OCA, inclusive, ganhou um prêmio com a cria-
ção da poltrona Mole no Concurso Internacional de
Design de Móveis de Cantu, na Itália (BURDEK, 2006).

Foi na década de 1970 que o Design começou a ser

discutido no âmbito político, e surge a necessidade
de uma busca pelo Design nacional, não só no Brasil,
mas em vários países. A busca de identidade é moti-
vada pelo desejo de autonomia, vale dizer, o poder e
a capacidade de determinar o próprio futuro (BON-
SIEPE, 1997, p. 15).
Vemos que, com a tecnologia em rápido desen-
volvimento, os anos 1980 entram com tudo no que o
Design vai enxergar como forma e estilo, aquilo que
é criado é visto como objeto de desejo, de culto.
E caminhando para a década de 1990, até hoje,
começamos a enxergar o Design no Brasil como algo
além de processos, forma ou estilo e movimento cul-
tural. Design é projetar para o desenvolvimento de Figura 1: Poltrone Mole
uma sociedade que tenta sempre melhorar em suas Fonte: Click Interiores (online).

78

Também temos Lina Bo Bardi, que criou o estúdio
Palma em São Paulo, em 1948, executando proje-
tos das primeiras cadeiras dobráveis para serem
empilhadas, por meio da ideia “do it yourself ”
(faça você mesmo), Oscar Niemeyer, arquiteto que
projetou Brasília, em 1957, transpirando pela pri-
meira vez o design brasileiro no âmbito interna-
cional, trabalhando sempre com linhas orgânicas e
construções esculturais de concreto (AZEVEDO,
2014).
E, atualmente, os irmãos Campana, que têm feito
um trabalho de mobiliário baseado no artesanato e
projeto peculiar, com materiais geralmente descarta-
dos ou improváveis.
DESIGN
SAIBA MAIS
Muito conhecidos pelas suas belas e criativas
“obras de arte” em forma de mobiliário, os
Irmão Campana, Humberto Campana e Fer-
nando Campana - Brotas, fazem sucesso em
grande parte do mundo. São famosos por cria-
rem coisas que fogem do comum, utilizando
materiais diferente e simples, com formas e
texturas ousadas. Suas obras são pensadas e
feitas pelos próprios irmãos, que cortam, te-
cem, montam, colam, pregam e fazem tudo o
que for necessário para produzirem suas peças.
Fonte: adaptado de Documentário - CASA BRASILEIRA,
IRMÃOS CAMPANA | 2º ep. 1ª temporada
79
considerações finais

Caro(a) aluno(a), nesta unidade, aprendemos o significado da palavra design, e

as diversas funções que o Design veio para fomentar em nossas sociedades.
Também descobrimos o processo histórico do Design por meio da Revolução
Industrial, e como a história contribuiu para o desenvolvimento do conceito e
características do Design no mundo.
Conhecemos alguns países de importante influência do Design, como Grã-
-Bretanha, Itália, Espanha, Estados Unidos, e suas caraterísticas semelhantes e
contrárias do comportamento do Design. E podemos perceber como é impossí-
vel, por mais que sejam países diferentes, as características e movimentos histó-
ricos não se cruzarem.
Por fim, o cenário do design brasileiro e as características principais de cada
década até os dias de hoje, percebendo que esse cenário em nosso país é ain-
da mais recente do que em outros países e que o Design ainda está em grande
processo de desenvolvimento e valorização. Lembrando que o Brasil possui uma
grande diversidade cultural, que contribuiu para caracteríricas peculiares e va-
riadas do Design.
Não se esqueça: conhecer o que é Design e de onde ele surgiu é muito im-
portante para sua formação como profissional, dito que saber de onde viemos, o
que fazemos e para onde vamos faz o caminho de nossa profissão ser o melhor
possível.

80
 atividades de estudo

1. Qual a origem da palavra Design na língua in- 3. Segundo Cardoso (2008), quando os produtos
glesa? começaram a ser criados para o consumo, qual
a. Projetar. era um dos produtos mais vendidos?
a. Livros.
b. Criar e planejar.
b. Meios de transporte.
c. Desenhar.
c. Impressos.
d. Planejar, designar.
d. Objetos de higiene.
e. Designar e criar.
e. Roupas.
2. O Internacional Design Center de Berlim, em
1979, por ocasião de uma de suas exposições, 4. Qual país conseguiu derrubar o legado ameri-
descreveu sobre o Design. Leia as afirmativas cano “american way of life”?
abaixo e assinale a opção que diz quais estão a. Alemanha.
corretas:
b. Grã-Bretanha.
I. Bom design se limita a uma técnica de em-
pacotamento. Ele não precisa expressar as c. Brasil.
particularidades de cada produto por meio de d. Rússia.
uma configuração própria.
e. Itália.
II. Ele deve tornar visível a função do produto.
III. Bom design deve tornar transparente o esta- 5. A Alemanha Democrática foi marcada por algu-
do mais atual do desenvolvimento da técnica. mas características no Design, dentre elas qual
está correta?
IV. Ele não deve se ater apenas ao produto em si,
mas deve responder a outras questões. a. Um forte incentivo estatal.

V. O bom design não necessariamente faz rela- b. Nenhum apelo político-social.

ção do homem e do objeto o ponto de partida c. Discussões contra o funcionalismo.
da configuração.
d. Uma distância da política.
a. I e II.
b. II, III e IV.
c. II, III e V.
d. I, III e IV.
e. IV e V.

81
 LEITURA
COMPLEMENTAR

BRASILIDADE, DEVE SER MEIO, NÃO FIM.

Para começo de conversa, o tema da identidade nacional é sempre delicado. Quan-
do louvar a nação torna-se um fim em si mesmo, descambando para o ufanismo, as
consequências podem ser desastrosas. Na esfera política, essa verdade é mais facil-
mente constatável, mas o argumento não é menos verdadeiro se aplicado ao design
ou à moda. Aliás, em qualquer campo, o resultado da aplicação da ideia de identidade
nacional terá sempre uma componente política.
Por isso, pus as barbas de molho com relação à onda do “Brasil grande” que vivemos
nos últimos anos, especialmente diante da ideia de que o País está (ou estava) na moda.
Se é inegável que a tal brasilidade ganhou o seu “momentum”, muito atrelado aos influ-
xos do mercado financeiro global, preocupava-me muito mais o que aconteceria quan-
do a maré virasse, como está ocorrendo agora. A onda internacional favorável ao Brasil
vai se dissipando para dar lugar ao que ela nunca deixou de ser: uma miragem ideológi-
ca, instrumentalizada pelo poder para vender a ideia de que tudo vai bem, só que não.
De qualquer modo, o “identikit” brasileiro evoluiu neste início de milênio, sobretudo
do ponto de vista externo, e o design é um dos campos que tem mais espaço para ex-
plorar tais valores agregados à cesta do que define o “ser brasileiro”. Em certos casos,
já o faz, mas pode fazer mais e melhor. Por exemplo, a imagem brasileira “para gringo
ver” não se limita mais aos eternos clichês praia-futebol-e-carnaval. A percepção de um
país urbano e mais moderno, cuja maioria da população tem um nível de renda médio
(em que pesem as controvérsias sobre a definição de “médio”), sem dúvida abre espaço
para marcas e designers mais inovadores, menos atrelados a estereótipos. O imaginá-
rio ligado à natureza exuberante, outro dado da nossa identidade desde os tempos
coloniais, ainda tem muito que evoluir para uma linguagem mais moderna, incluindo a
de um País que pode ser líder em desenvolvimento sustentável (isto é, se o descaso e a
inépcia dos governos não sepultarem de vez essa possibilidade, como vem ocorrendo).
Nessa área, o design tem muito a contribuir - não só o ecodesign, categoria que não
tardará a perder o sentido: todo design será sustentável ou não será.
Tentando equacionar as relações entre identidade nacional e design, num plano mais
geral e global, vejo três estratégias em curso, atualmente. Marcas, produtos e serviços
fortemente internacionalizados posicionam-se com design e linguagem universalizan-
tes, pouco informados por códigos nacionais ou locais (no sentido de que a Hyundai
não tem nada de especificamente coreana, nem a H&M de sueca ou a Embraer de

82
 LEITURA
COMPLEMENTAR

brasileira). Por outro lado, e esta é a segunda estratégia, isso não exclui a existência
de traços culturais distintivos que possam ser apropriados como território de posicio-
namento. Um bom exemplo é o das marcas de moda cariocas, que têm tido sucesso
comunicando em condensado a ideia de um estilo de vida jovem e descolado, asso-
ciado à praia e ao verão. Tal estratégia também é marcante no trabalho de designers
mais autorais. Finalmente, uma terceira via, mais recente, surge cruzando identidades
e dando origem a linguagens que desafiam as classificações tradicionais. É o caso da
Shang Xia, nova marca de luxo que se originou da parceria entre a francesa Hermès e
a estilista chinesa Jiang Qiong Er, O resultado é um híbrido de elegância minimalista
europeia com estética orientalizante.
Para concluir, cito um trecho do capítulo novo que escrevi para o relançamento em
e-book do meu livro “Universo da Moda”, e que vem bem a calhar: “Querer a todo custo
emitir sinais de ‘identidade brasileira’ pode ser tão desastroso quanto o esforço para
ser engraçado. É grande o risco de que o resultado seja o oposto daquilo que se pre-
tendia: o ser vira parecer, a piada perde a graça. Em pleno século XXI, a brasilidade não
deve ser tratada como um fim a ser alcançado em si mesmo, mas como um meio de di-
zer outras coisas, de contar outras histórias, muito mais relevantes para o consumidor
do que a reafirmação de uma identidade nacional”.

FONTE: Caldas (2014, p. 12-13).

83
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

Sérgio Rodrigues - Arquitetura e Design - 2ª Edição

Adélia Borges
Editora: Editora Viana e Mosley
Sinopse: Dia 22 de setembro de 2007, o arquiteto e designer Sérgio Rodrigues comemo-
ra 80 anos e, para homenageá-lo, a editora Viana & Mosley está publicando uma reedição
comemorativa do livro “Sergio Rodrigues”, com texto de Adélia Borges. Nesta nova edição
acrescida, convidamos também alguns designers e arquitetos para escreverem frases em
homenagem ao Sérgio Rodrigues. Como parte da coleção Arquitetura e Design, este livro é
uma introdução à obra do designer Sergio Rodrigues, com 44 imagens e um texto de autoria
da jornalista Adélia Borges.

Revista ABC Design

Editora: Infolio
Comentário: Uma revista de conteúdo interessante e educacional para todas as áreas do
design, com entrevistas e textos de especialistas da área. Vale a pena conhecer.

Alexandre Wollner e a Formação do Design Moderno no Brasil

Alexandre Wollner, um dos pioneiros do Design no Brasil, fala sobre suas experiências de
trabalho pessoais, os conhecimentos adquiridos na escola de Ulm, na Alemanha, e como ele
enxerga a evolução do Design em nosso país.

Disponível em: <https://www.youtube.com/watch?v=s7LOZLMRRO0>. Acesso em: 29 dez. 2015.

84
MOVIMENTOS
IMPORTANTES DO DESIGN

Prof.ª Vanessa Barbosa dos Santos

Plano de Estudo
A seguir, apresentam-se os tópicos que você estudará nesta unidade:
• Neogótico (ou Revivalismo Gótico)
• Arts & Crafts
• Bauhaus
• Modernismo
• Pós-Modernismo

Objetivos de Aprendizagem
• Compreender o movimento neogótico, suas características nas artes, arquitetura,
principais países e autores envolvidos.
• Conhecer o Arts & Crafts, movimento da segunda metade do século XIX que pregava
a união entre artesão e artista.
• Conhecer o principal movimento de transformação, a Bauhaus e o reconhecimento
da palavra Design em nosso mundo, suas caracterísicas e os principais autores
envolvidos no movimento.
• Conhecer o Modernismo, movimento de transformação e crítica ao tradicionalismo
que repercutiu em vários movimentos sociais e culturais pelo mundo, inclusive, com
grande força no Brasil.
• Assimilar as transformações de um novo movimento que carrega caracterísitcas
do Modernismo, mas que também prega algumas críticas e transformações ao
movimento passado.
unidade

IV
INTRODUÇÃO

Caro(a) aluno(a), estamos começando mais uma unidade do livro sobre

História da Arte e do Design. Nesta unidade, conversaremos sobre os
principais movimentos que fizeram o Design chegar até aqui, as caracte-
rísticas, os autores, a relação com a história da sociedade, as influências
sociais, políticas e econômicas que participam desses processos de trans-
formação e história do Design.
É importante lembrar que o Design não caminha sozinho, não são os
processos e as teorias somente que fazem ele funcionar, e sim o desenvol-
vimento e o comportamento humano, os acontecimentos da sociedade,
os movimentos históricos, as descobertas e as inovações, as oposições e
os apoios de determinados conceitos e assuntos. Todo esse mover, que faz
o mundo caminhar cada dia, é que transforma o Design no que estuda-
mos e vivenciamos hoje.
Fique atento(a) a cada contexto histórico, leia e releia os capítulos,
procure pesquisar e ler mais do que somente a apostila. Tenha o desejo
de mergulhar na incrível história do Design e veja o quanto o mundo
em que você vive influenciou aquela que será a sua profissão, e mais,
saiba que você poderá construir a história do que será o Design daqui
pra frente.
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

NEOGÓTICO
(OU REVIVALISMO GÓTICO)

Como lemos na unidade 3, sabemos que o Design
surgiu a partir da Revolução Industrial nos anos
1800. Porém, como essa revolução trouxe um cresci-
mento explosivo da produção de mercadorias e um
ritmo frenético para os trabalhadores, as críticas à
revolução começaram a surgir.
Segundo Cardoso(2008), na década de 1830, sur-
gem, na Inglaterra, as primeiras manifestações da-
quilo que viria a ser um fenômeno constante na his-
tória do design: os movimentos para a reforma do
gosto alheio.

90
 DESIGN

Um dos primeiros grandes nomes desses reformistas las. Chamadas Schools of Design e, posteriormente,
foi o arquiteto Pugin, que trazia a reforma dos princí- South Kensington, essas escolas foram as mais signi-
pios da arquitetura gótica, conhecido como Reviva- ficativas experiências na área de ensino do design do
lismo Gótico, trazendo preceitos da construção me- século XIX.
dieval. Como ele havia se convertido ao catolicismo Porém, apesar de todos os reformadores concor-
entre 1835 e 1841, produziu vários escritos querendo darem com o gosto gótico e certo fervor religioso,
trazer de volta os ‘princípios verdadeiros’ de pureza e nem todos concordavam em ditar preceitos do design
honestidade na arquitetura e no design. Dentre esses como solução dos problemas da sociedade industrial.
princípios, ele destacava duas regras básicas: John Ruskin dizia que o principal problema pro-
jetual e estilístico era o modo de organização do tra-
a primeira, que a construção se limitasse aos balho e isso influenciava a arte, a arquitetura e o de-
elementos estritamente necessários para a co-
sign. Esse sistema de produzir muito e cada vez mais
modidade e a estrutura; e, a segunda, que o or-
namento se ativesse ao enriquecimento dos ele- barato fazia a fabricação perder qualidade e essência.
mentos construtivos (CARDOSO, 2008, p. 77). Era importante pensar na qualidade do produto e do
trabalhador.
Inspirados no arquiteto Pugin, no fim da década de A partir de Ruskin, o designer e escritor inglês
1840, outro grupo de reformistas buscou uma série William Morris deu início a vários empreendimen-
de iniciativas para educar o público consumidor. Se- tos que divulgariam a importância do design de for-
gundo Cardoso (2008), dentre essas iniciativas, a pu- ma inédita.
blicação de uma das primeiras revistas de design, o
Journal of Design and Manufactures, e do livro de Jo-
nes, intitulado The Grammar of Ornament, de 1856,
talvez um dos mais influentes tratados sobre teoria
do design de todos os tempos. Esse livro trouxe 37
proposições sobre os princípios gerais para o arran-
jo da forma e da cor no design, demonstrando sua
aplicação histórica com análise de diversos povos da
Antiguidade até o Renascimento.
Esse movimento sugeria que as melhores ma-
nifestações do ornamento reproduziam princípios
geométricos básicos vindos das formas da nature-
za. Cardoso (2008) diz que essa forma de raciocínio
veio do pintor escocês William Dyce, que era diretor
das escolas públicas de design do governo britâni-
co em 1837. Mas, após algumas intrigas políticas, o
que também sempre foi muito comum na história
do design, Cole e Redgrave assumiram essas esco-

91
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
A partir da abertura da sua primeira firma em
1861, Morris e seus sócios começaram a produ-
zir objetos decorativos e utilitários, tais quais
móveis, tecidos, tapetes, azulejos, vitrais e pa-
péis de parede. Ao longo das décadas de 1860
e 1870, a empresa conseguiu se estabelecer com
sucesso na área de aparelhamento e decoração
de igrejas, de interiores domésticos e de edifí-
cios públicos (…) (CARDOSO, 2008, p. 80-81).
No início, ele contava com amigos e sócios na firma,
mas, em 1875, montou a Morris & Company, sob sua
direção exclusiva, buscando autonomia e qualidade
na produção dos seus produtos. O que ele mais bus-
cava era uma produção artesanal, pouco mecanizada,
ou, se mecanizada, era terceirizada e supervisionada
por ele. Sua empresa foi muito bem visada devido à
qualidade e o bom gosto superior, mesmo que seu
preço era maior, comparado às empresas da época.
92
Porém, no início do século XX, com a expansão da
produção em massa, ela acabou perdendo força.
Antes de morrer, Morris investiu a mesma filoso-
fia de trabalho na impressão de livros, o que resultou
em um grande passo para o Design Gráfico. Nos úl-
timos anos da década de 1880, ele lançou o primei-
ro livro projetado e impresso pela editora Kelmscott
Press. Esses livros eram produzidos artesanalmente,
pensados e projetados de forma que estimularam a
criação de editoras de qualidade no mundo inteiro.
O mais importante deste movimento é saber-
mos que foi criado como uma crítica à expansão
desenfreada da indústria e da desvalorização da
qualidade de produção e do trabalhador, com uma
necessidade de reavivar os princípios góticos nos
projetos e de dar significado a cada produção e
construção de algo.
SAIBA MAIS
REVIVALISMO GÓTICO NO BRASIL
Popularizou-se em 1880, no fim do reinado de
D. Pedro II, principalmente em igrejas, cons-
truções militares e populares. Podemos citar
o Santuário do Caraça em Minas Gerais como
a igreja mais antiga, em São Paulo, a Igreja Lu-
terana e a Catedral da Sé.
Fonte: adaptado de Cardoso (2008).

ARTS &
CRAFTS
Após o revivalismo gótico, com o trabalho de Morris,
vemos que uma sequência de um novo movimento
com enorme repercussão mundial entre o final do
século XIX e o início do século XX surge. Conhecido
como Arts and Crafts (Artes e Ofícios), foi um dos
movimentos históricos mais importantes do Design.
A partir da década de 1880, surgiu, na Grã-Bretanha,
diversas organizações dedicadas a projetar e produ-
zir artefatos de forma artesanal ou semi-industrial.
Fonte: Reber (2009, online).
A filosofia do movimento Arts and Crafts gira-
va em torno da repercussão dos valores produ-
tivos tradicionais defendidos por Ruskin...Os
integrantes do movimento buscavam promo-
ver maior integração entre projeto e execução,
DESIGN
relação mais igualitária e democrática entre os
trabalhadores envolvidos na produção, e manu-
tenção de padrões elevados em termos da qua-
lidade de materiais e de acabamento (CARDO-
SO, 2008, p. 83).
Os ideais repercutidos desse movimento ficaram
conhecidos como craftmanship, palavra inglesa que
expressava ideias de grande acabamento artesanal e
profundo conhecimento do ofício.
Logo, esses ideais foram se espalhando para ou-
tros países europeus e para os Estados Unidos, exer-
cendo influência sobre o surgimento dos primeiros
movimentos modernistas. Segundo Cardoso (2008),
temos o exemplo de Frank Lloyd Wright, que utiliza
interpretações inovadoras dos princípios de Ruskin e
Morris, com gosto simples, naturalista e artesanal, e
se torna um dos principais responsáveis pela implan-
tação da arquitetura moderna nos Estados Unidos.
Algumas sociedades e associações fundadas nes-
sa época foram: a Century Guild, Art Worker’s Guild,
Guilda dos Trabalhadores de Arte (1884), a Guild
and School of Handicraft e a Arts and Crafts Exhibi-
tion Society, exposição quadrienal de móveis, tape-
çaria, estofados e mobiliário, realizada em Londres
em 1888.
Já no Brasil, as preocupações com relação ao in-
dustrialismo eram quase nulas, porém a filosofia do
movimento Arts & Crafts trouxe uma reflexão basea-
da nas deficiências da sociedade imperial, na falta de
93
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

mão de obra qualificada, já que a maioria era escra-
vos. Por isso, por volta de 1850, surgiram iniciativas
de promover a formação técnica e artística do traba-
lhador brasileiro. Cardoso (2008) diz que, em 1855,
uma reforma feita por Araújo Porto-Alegre, diretor
da Academia Imperial de Belas Artes, passou a mi-
nistrar um curso para alunos artífices, que ensinava
o desenho industrial.
SAIBA MAIS
Aqui, é importante refletirmos sobre o quanto os va-
lores serão sempre motivo de questionamento nos
movimentos influentes do design, relacionados mais
a relação de trabalho, trabalhador e sociedade do que
a estética em si do produto.
Na sociedade industrial tardia, mais do que nun-
ca, as pessoas parecem creditar às formas exterio-
res geradas pelo design e pela moda o poder de
transmitir verdades profundas sobre a identidade
e a natureza de cada um (CARDOSO, 2008, p. 85).

FRANK LLOYD WRIGHT
Arquiteto e escritor que tinha como conceito
que cada projeto deve ser individual, de acor-
do com sua localização e finalidade. É consi-
derado um dos arquitetos mais importantes
do século XX, que influenciou os rumos da
arquitetura moderna. Seu principal projeto
foi a casa da Cascata, tendo como base a ar-
quitetura orgânica.
O americano foi um dos principais arqui-
tetos a pensar o modo de vida do homem
moderno.
Fonte: Azevedo (2014, p. 44).
Foi a partir de 1890 que o Arts & Crafts se conectou ao
estilo Art Nouveau, indo por toda a Europa, com uma
filosofia um pouco distinta, utilizando materiais do
mundo moderno, como ferro, vidro e cimento, assim
como conhecimentos das ciências e engenharia, mes-
mo criticando os processos de produção em massa.
Nos anos 1920, o movimento se ligou ao Art
Déco, com a decoração sendo o elemento mediador e
se colocando entre arte e indústria da mesma forma.
A diferença é que o Art Nouveau representava linhas
mais curvas e rebuscadas, enquanto o Art Déco busca-
va linhas mais retas e estilizadas e formas geométricas.

Assim, começaram a surgir escolas de artes e ofícios

no Brasil, como o Liceu de Artes e Ofícios no Rio de
Janeiro e similares em São Paulo. O que mostra que
a união da arte e indústria no Brasil foi um elemento
de progresso e modernidade.

Talvez a contribuição mais duradoura desses

movimentos reformistas tenha sido a ideia de
que o design possui o poder de transformar a
sociedade e, por conseguinte, que a reforma dos
padrões de gosto e de consumo poderia acarre-
tar mudanças sociais mais profundas (CARDO-
SO, 2008, p. 85).

94

BAUHAUS
É na linha de frente artesão-máquina que
surge a escola Bauhaus, fundada em 1919, na
Alemanha, por Walter Gropius. Seria impossí-
vel entender hoje, o que é design, sem entender
o que foi a Bauhaus (AZEVEDO, 2014, p.19).
Vemos, aqui, que, assim como o Revivalismo Gótico
e o Arts & Crafts, as bases da ideologia da Bauhaus
também está firmada na integração da produção ar-
tística e industrial. Mas, segundo Azevedo (2014),
sua meta principal é desenvolver o design moderno,
que estaria em constante contato com as relações do
homem e de seu espaço.
Após a primeira Guerra Mundial, a Alemanha
passava por um processo de recuperação e saiu da
monarquia para se transformar em república com
DESIGN
sede em Weimar. Foi quando, segundo Souza (1997),
a Bauhaus resultou da fusão das escolas Academia de
Arte e da Escola de Artes e Ofícios.
A Bauhaus foi uma das primeiras escolas a mi-
nistrar aulas com a intenção de transformar o artesão
em produtor industrial (AZEVEDO, 2014, p. 28). O
importante era o aluno conhecer sobre os materiais,
as funções e a produção, para poder, depois, escolher
qual área iria seguir.
Segundo Cardoso (2008), a Bauhaus passou por
fases bastante distintas, sob três diretores (Gropius,
Hannes Meyer e Mies van der Rohe), em três dife-
rentes cidades (Weimar, Dessau, Berlim). Sempre
sendo dominada por um ideário socialista, por isso
essa constante mudança devido a fatores políticos.
95
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
Podemos citar dois grandes pintores da época que
passaram pela escola da Bauhaus: o russo Wasiily
Kandinsky e o alemão Paul Klee.
SAIBA MAIS
KANDINSKY
Artista plástico, professor da Bauhaus e intro-
dutor da abstração nas Artes Visuais. Preferia
pintar paisagens coloridas ao ar livre e dizia
que suas teorias artísticas eram baseadas em
suas experiências pessoais.
Fonte: adaptado de Farthing (2011).
Essa capacidade da escola de reunir muitas pessoas
criativas e muito diferentes foi o que deu força para
a Bauhaus, mas também gerou conflitos pelas per-
sonalidades fortes e contradições de pensamentos.
Do ponto de vista pedagógico, a escola também
esteve em constante mutação, com trocas fre-
quentes de docentes, de cursos e de enfoques.
Costuma-se dividir essas fases pedagógicas de
acordo com a ascendência de professores in-
dividuais: por exemplo, muitos estudiosos da
Bauhaus separam o período inicial, quando
prevaleceram as ideias expressionistas e místi-
cas de Gropius e Itten, da fase subsequente em
que dominaram o tecnicismo e o racionalismo
96
de Moholy-Nagy e Meyer, ou da fase final sob
Mies van der Rohe, em que o ensino da arquite-
tura passou a ser privilegiado quase que exclusi-
vamente (CARDOSO, 2008, p. 133).
O design na Bauhaus sempre foi pensado como
ação construtiva, como atividade unificada e glo-
bal e pensando em muitos aspectos humanos. Por
isso existiam aulas e oficinas de várias disciplinas,
como cerâmica, metal, tecelagem, mobiliários, vi-
trais, pintura mural, pintura de cavalete, escultura
e talha, encadernação, impressão gráfica, teatro,
arquitetura, design de interiores, publicidade e
fotografia. O fundamento principal era que essas
oficinas sempre ensinassem sobre os princípios da
forma e da cor.
É possível percebermos que a escola da Bauhaus
deixou o legado do funcionalismo, em que a forma
ideal de um objeto é determinada pela sua função, tra-
zendo, muitas vezes, fórmulas prontas, em que alguns
nem mesmo sabiam o porquê usavam elas e quais as
razões de elas existirem. Claro, isso também resultou
na produção em massa dos processos industriais, mes-
mo que a maioria dos alunos fosse artistas e artesãos.
Por fim, as crises de teorias que cada um impu-
nha na escola, as crises sociais e políticas, o nazis-
mo e a Segunda Guerra Mundial fizeram com que a
escola fosse fechada em 1933. Mas, mesmo fechada,
transmitiu seus ideais para o modernismo do Design
e a expansão dele na sociedade.

PRINCIPAIS
ACONTECIMENTOS
Gunta Stölzl (1897-1893)
entra para a Bauhaus
como aluna, é nomeada
líder da nova turma 1920
feminina da escola no
mesmo ano.
Klee chega à escola como
colaborador permanente
e se instala em dois
estúdios nos quais leciona
forma em pinturas murais, 1922
vitral e encadernação de
livros.
A queda do governo
controlado pelos sociais-
democratas na Turingia,
Alemanha, resulta em
menos verba para a Escola
Bauhaus. 1924
O arquiteto suiço Hannes
Meyer se torna o chefe do
novo programa de
arquitetura da escola.
Meyer é marxista e se
mostra impaciente com
as questões estéticas. 1927
Meyer renuncia. Como
novo diretor da Bauhaus,
Mies van de Rohe
redireciona o programa
de arquitetura.
O Partido Nazista chega ao
poder na Alemanha. A 1930
Bauhaus é acusada de
subversão e fechada.
Gropious se muda para a
Inglaterra e outros vão 1933
para os EUA.
DESIGN
Gropious cria o manifesto
1919 Bauhaus. Seu trabalho,
sempre de caráter
modernista, começa a ser
influenciado pelo
expressionismo.
Van Doesburg faz sua
primeira palestra na
1921 Bauhaus em uma
tentativa de aumentar a
influência do grupo
holandês De Stijl, do qual
foi o fundador.
A Bauhaus adota o lema
"Arte para a indústria",
1923 inspirada pelo movimento
Arts & Crafts, de Willaim
Morris no século XIX.
Inspirado pela vanguarda
russa, Moholy-Nagy e sua
mulher, Lucia, introduzem
a fotografia experimental
no cânone da Bauhaus.
1925
Klee pinta sua obra-prima
Fish Magic, parte de uma
série de obras com tema
submarino.
1928 Gropious deixa a Bauhaus
e Meyer o substitui. Seus
métodos mais
pragmáticos resultam no
primeiro ano lucrativo da
escola em 1929.
97
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
modernismo
No período entre guerras, podemos dizer que o mo-
dernismo começou a se instalar no Design. Foi uma
época de expansão dos meios de comunicação, das
tecnologias, dos materiais, do ritmo de vida acelera-
do das pessoas.
Era um tempo de crescimento do Design na
identidade visual, nos cartazes, devido às crises po-
líticas e guerras e, também, de transformação social,
pois os países estavam se reerguendo das dificulda-
98
des econômicas sofridas por todos esses conflitos.
Havia uma necessidade de se conciliar trabalho
com prazer e a expansão das mídias, da cultura, da
moda, que antes não alcançava muitas camadas da
população, colaborou para mudanças de hábito da
sociedade.
Com o início da Segunda Guerra Mundial, a es-
cola Bauhaus foi fechada e se iniciou um processo
novo para o campo do design.

Os anos da guerra foram um período de no-
táveis avanços tecnológicos, desde conquistas
notórias, como o radar e a bomba de hidro-
gênio até progressos menos conhecidos, mas
igualmente impressionantes na produção de
motores, plásticos, equipamentos eletrônicos e
outros componentes que serviriam de base para
a expansão industrial fenomental nas décadas
seguintes (CARDOSO, 2008, p. 160).
SAIBA MAIS
Nessa época, em 1940, as mulheres foram es-
timuladas a trabalharem, devido a escasses
de mão de obra masculina, pois os homens
estavam servindo nas guerras. Foi uma época
que enaltecia as mulheres, dizendo que elas
eram fortes e independentes.
Porém, ao fim da Segunda Guerra, quando os
homens voltaram, os governos tiveram que fazer
as mulheres voltarem para o trabalho domésti-
co e começaram a fazer propagandas de bens
de consumo voltadas para o público feminino,
muitas vezes, diminuindo a imagem da mulher.
Fonte: adaptado de Cardoso (2008).
O período modernista trouxe para a América o início
das escolas de Design, já que a Europa sofria conflitos
políticos devido ao nazismo, como a ‘Nova Bauhaus’
nos Estados Unidos, que mudou de nome para Institute
of Design e, depois, para Illinois Institute of Technology,
e, no Brasil, a ESDI (Escola Superior de Desenho In-
dustrial), baseando suas teorias na própria Bauhaus, e
na escola de Ulm, que foi fundada na Alemanha, como
parte da reconstrução nacional pós-guerra.
Cardoso (2008) diz que a Escola de Ulm esteve
sob a direção de Max Bill no início, um escultor e ex-
-aluno da Bauhaus, o que estabelece uma continui-
DESIGN
dade das característica da Bauhaus na nova escola.
Porém o fato de Bill se prender a essas características
fez ele se chocar com o pensamento dos colegas mais
jovens, por isso, em 1957, teve que entregar a direção
da escola para novos rumos do ensino.
Os novos ensinamentos diziam que o artista não era
mais um criador privilegiado e que a arte não era mais
um domínio estético devido ao sentido da vida moderna.
Para eles, toda solução criativa deveria passar pelo
redimensionamento do uso, da prática, das funções e
dos ambientes cotidianos (CARDOSO, 2008, p. 187).
Ulm projetou para o mundo uma face crescen-
temente tecnicista, apostando cada vez mais na
racionalização e no racionalismo como fatores
determinantes para as soluções de design. Abs-
tração formal, uma ênfase em pesquisa ergonô-
mica, métodos analíticos quantitativos, mode-
los matemáticos de projeto e uma abertura pós
princípio para o avanço científico e tecnológico
marcam o design ulmiano produzido na década
de 1960 (CARDOSO, 2008, p. 188).
Vemos, aqui, que o modernismo veio para manifes-
tar um pensamento no qual ‘menos é mais’, em que
um projeto deveria se mostrar simples, sem muitos
ornamentos e que representasse essa nova vida rápi-
da e prática que havia surgido.
Tanto Maldonado, que assumiu a liderança após
Bill, quanto Alexandre Wollner no Brasil carregavam
as características do modernismo, em que o designer
deveria trabalhar em grupo, e não mais ter expres-
sões individualistas.
Toda essa caminhada mostra que o modernismo
foi uma junção de processos e transformações na
história do Design, desde o Arts & Crafts, Art Nou-
veau, Art Déco, Streamlining, a Bauhaus, a escola de
Ulm, todos os movimentos traziam algo de impor-
tante para o Design em nossa sociedade.
99
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

Podemos citar outros movimentos que também en-

traram na era do modernismo:
• Cubismo, que influenciou por meio de mon-
tagens e colagens rompendo as regras tradi-
cionais da forma.
• Futurismo, que trabalhava as leis mecânicas
da indústria.
• Dadaísmo, trazendo o humor, despertando o
observador e reavaliando, também, as formas
tipográficas.
• Surrealismo, que despertava o inconsciente,
trazendo fontes de inspiração para a comuni-
cação visual.
• Construtivismo, que foi criado a partir da Re-
volução Russa e trabalhava com a comunica-
ção visual, a organização do design em rela-
ção ao trabalho e ao trabalhador.

100

Por último, o De Stijl, movimento sediado na Holan-
da, que tinha como prioridade formas geométricas
básicas e cores primárias, o que não deixa de ser o
princípio geral do modernismo e dos movimentos
recorrentes a esse período. Liderados pelos pintores
Theo van Doesburg e Piet Mondrian, o movimento
atingiu várias áreas, como design, arquitetura, pintu-
ra, escultura, tipografia e até literatura e música.
Para finalizarmos o modernismo, lembre-se de
que ele não foi apenas um movimento no Design,
mas de muitos movimentos relacionados a um con-
texto histórico, político, social e econômico, que fo-
ram gerando transformações na sociedade, no modo
de pensar trabalho, lazer e consumo. Esses conflitos
de pensamento e do modo de viver design sempre
vai existir no contexto histórico da nossa profissão.
REFLITA
O design nunca será apenas o resultado em
um produto, um ambiente ou um serviço.
Design é expressão de valores, história, so-
ciedade, ser humano.
Fonte: a autora.
DESIGN
SAIBA MAIS
PIET MONDRIAN
Piet Mondrian, um dos fundadores do mo-
vimento moderno holandês De Stijl, é re-
conhecido pela pureza de suas abstrações
e prática metódica pela qual ele chegou a
elas. Ele simplificou radicalmente os ele-
mentos de suas pinturas para refletir o que
ele via como a ordem espiritual subjacente
ao mundo visível, criando uma linguagem
estética clara, universal dentro de suas te-
las. Em seus melhores quadros conheci-
dos da década de 1920, Mondrian reduziu
suas formas de linhas e retângulos e sua
paleta ao básico fundamental que empur-
rou referências passadas para o mundo
exterior para a abstração pura. Seu uso
de equilíbrio assimétrico e um vocabulário
pictórico simplificado foram cruciais para
o desenvolvimento da arte moderna e de
seus trabalhos abstratos icônicos, e perma-
neceram influentes em design e familiar na
cultura popular da época do modernismo
até hoje.
Fonte: adaptado de Piet… (online).
101
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
pós
modernismo
Com o fechamento da escola de Ulm em 1968, segun-
do Souza (1997), as novas vanguardas, características
dos movimentos das jovens gerações do final da déca-
da de 60, começam a gerar lutas contra alguns ideais e
crítica ao caminho que o modernismo havia tomado.
1968 marcou um tempo em que começou-se
a duvidar da possibilidade real do projeto da
modernidade, da ideologia do progresso e da
própria democracia como solução para um de-
senvolvimento social harmônico, baseado no
avanço do conhecimento científico (SOUZA,
1997, p. 74).
O crescimento e o desenvolvimento da sociedade,
o número de pensadores fazem com que, no pós-
-modernismo, os caminhos do design comecem a
se ramificar, existindo pensamentos diferentes. Uma
liberdade que descentralizava o conceito design de
apenas algumas pessoas.
102
A partir desse ponto de vista, a arquitetura e o
design pós-modernos podem representar um
novo elemento de ruptura e, contraditoriamen-
te, enquandrar-se num processo de crítica (...)
A idéia de combinação, conjunção, dispersão e
reunião de linguagens, espaços e tempos parece
mais atraente (...) a possibilidade de se estabele-
cerem formas de pensamento e de criação mais
livres, mais acessíveis e menos sofisticadas, que
incluam espectador, usuário ou consumidor (...)
como elemento ativo e participante no projeto
(SOUZA, 1997, p.79).
Para Cardoso (2008), a marca da pós-modernidade
é o pluralismo, a abertura a posturas novas e tole-
rância para posições divergentes. Não existia mais
aquela pretensão de encontrar apenas uma única
forma de fazer as coisas, uma única solução. Tal-
vez, esse fosse o início de um progresso da indus-
trialização, em que a sociedade começa a aprender
a conviver com a complexidade ao invés de lutar
contra ela.
 DESIGN

Fonte: Pós-modernismo (2010, online). Fonte: Cidades... (2013, online.)

Porém, aqui, cabe a reflexão do quanto esse progres-

so traz benefícios, de um lado, e malefícios, de outro.
O desenvolvimento de materiais e tecnologias acaba
deixando o meio-ambiente insuficiente aos nossos pa-
drões de vida. O progresso social, tentando agregar a
todos, acaba segregando, devido ao fato de cada um
poder expressar sua opinião e pensamento, atingindo
o outro.
Essas falhas no design pós-moderno mostram que
é muito importante reavaliar a forma como industria-
lização, produção e consumo tem se comportado em
nossa sociedade e até quando o nosso mundo vai su-
portar esses processos tão rápidos de transformação.
As principais características do design pós-mo-
derno eram de uma imagem que utilizava recursos
multimídia, diversas expressões visuais e junção de
outros sentidos como recurso a mais à visão; o culti-
vo e a interpretação pessoal, falta de clareza das ima-
gens por meio de símbolos e signos. A participação
do espectador ao ver uma imagem, projeto, espaço é
muito importante.

103
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
Fonte: Zanelatto (2012, online).
Resulta muitas vezes da manifestação do efê-
mero, do transitório, do descartável, quando é
transformada, entropicamente e ao acaso, pela
ação dos agentes da natureza (descoloração por
iluminação solar, oxidação por ar e umidade,
decomposição pelo calor atmosférico, etc) ou
interferências por agentes da cultura (vanda-
lização por rasgos, pichações, superposições,
fragmentações, demolições, etc) (CAUDURO,
2009, p. 115).
Para finalizarmos, lembre-se de que no pós-moder-
nismo não existe uma regra, uma forma, um meio
apenas de pensar design. As expressões não são mais
limitadas a um pensador ou a uma escola.
É necessário pensar na experiência de uso, na
resposta emocional do usuário, nos materiais, nos
processos de fabricação, na imagem, na função e
na utilidade, mas, também, não esquecer de que os
processos evolutivos atingem nosso meio-ambiente,
nossa convivência e sociedade.
104
SAIBA MAIS
ANDY WARHOL E O POP ART
Andy Warhol foi o ilustrador comercial mais
bem sucedido e muito bem pago, em Nova
York, antes mesmo de começar a fazer arte
destinado para galerias. No entanto, suas ima-
gens screenprinted de Marilyn Monroe, latas
de sopa e histórias de jornais sensacionalistas
rapidamente se tornaram sinônimo de arte
Pop. Ele emergiu da pobreza e obscuridade
de uma família de imigrantes da Europa de
Leste em Pittsburgh, para se tornar um ímã
para carismático boêmio de Nova York, e, em
última análise, encontrar um lugar nos círculos
da alta sociedade. Para muitos, sua ascensão
ecoa uma das ambições da arte Pop, para trazer
estilos populares e temas para os salões exclu-
sivos de grande arte. Sua elevação ao status de
um ícone popular representou um novo tipo
de fama e celebridade por um artista plástico.
A ilustração comercial no início de Warhol foi
recentemente aclamada como a arena na qual
ele aprendeu a manipular o gosto popular. Seus
desenhos eram, muitas vezes, cômicos, decorati-
vos e lunáticos e seu tom é completamente dife-
rente do clima frio e impessoal de sua arte Pop.
Fonte: Andy… (online)
 considerações finais

Caro(a) aluno(a), chegamos ao fim de mais uma unidade, com o prazer de co-
nhecer um pouco mais sobre a história do Design e os principais movimentos
que o envolveram.
É interessante percebermos o quanto nossa história influenciou os concei-
tos e os processos de desenvolvimento de nossa profissão, desde o revivalismo,
que buscava os princípios góticos e religiosos em uma época que lutava para um
desenvolvimento inicial da indústria; o Arts & Crafts, que enfrentava a crise do
artesanal x industrial; a Bauhaus, que foi criada em tempos de guerra, lutando
contra os princípios nazistas e tentando reerguer uma nação; o modernismo, que
simplificava a vida do trabalhador, tentando unificar o que a tecnologia e as má-
quinas poderiam fazer por ele; por fim, o pós-modernismo, que libera a forma
de pensamento, fazendo com que os pensadores, designers, artistas, arquitetos
utilizassem todas as formas dispostas a eles: artesanato, tecnologia, mídias para
projetar e expressar ideais e ideias.
Sabemos que o nosso mundo não para, somos um ciclo sem fim, de idas e
vindas. E o design está em constante transformação, assim como nós, carregando
características e conceitos do ontem, inovando hoje, mudando amanhã. Cabe a
nós, profissionais, adquirir conhecimento e nos dedicarmos ao projeto de trans-
formarmos o mundo para melhor, com as ferramentas que o Design nos dispõe.

105
atividades de estudo

1. Um dos primeiros grandes nomes desses reformistas foi o arquiteto Pugin,

que trazia a reforma dos princípios da arquitetura gótica, conhecido como
Revivalismo Gótico. Trazendo preceitos da construção medieval. Como ele
havia se convertido ao catolicismo entre 1835 e 1841, produziu vários es-
critos querendo trazer de volta os ‘princípios verdadeiros’ de pureza e ho-
nestidade na arquitetura e no design.
Segundo as ideias reformistas de Pugin, é correto afirmar que:
I. A construção se limitava aos elementos estritamente necessários para a
comodidade e a estrutura; e o ornamento não vinha apenas dos elemen-
tos construtivos.
II. O livro de Jones, intitulado The Grammar of Ornament, de 1856, é, talvez,
um dos mais influentes tratados sobre teoria do design de todos os tem-
pos. Esse livro trouxe 36 proposições sobre os princípios gerais para o
arranjo da forma e da cor no design.
III. Esse movimento sugeria que as melhores manifestações do ornamento re-
produziam princípios geométricos básicos vindos das formas da natureza.
a. I, II e III.
b. II e III.
c. I e III.
d. II.
e. III.

2. Cite alguma construção de revivalismo gótico no Brasil, comentando so-

bre quando foi construída, onde, quem projetou e colocando alguma
imagem.

3. A filosofia do movimento Arts and Crafts girava em torno da repercussão

dos valores produtivos tradicionais defendidos por Ruskin. Diante disso,
assinale a afirmativa correta:
a. Maior integração entre projeto e execução.
b. Divisão de fases na produção.
c. Valorização muito maior do projeto.
d. Qualidade dos materiais somente na execução.
e. Nenhuma das afirmativas anteriores.

106
 atividades de estudo

4. É na linha de frente artesão-máquina que surge a escola Bauhaus, fundada

em 1919, na Alemanha, por Walter Gropius. Seria impossível entender,
hoje, o que é design, sem entender o que foi a Bauhaus (AZEVEDO, 2014,
p.19). Fale, então, sobre as três fases distintas lideradas por três líderes
diferentes na Bauhaus e, depois, comente sobre os fatos que levaram ao
fechamento da escola.

5. Em que época as mulheres foram incubidas de entrarem no mercado de

trabalho, enquanto os homens estavam servindo seu país em período de
guerra?
a. Bauhaus.
b. Modernismo.
c. Arts & Crafts.
d. Pós-Modernismo.

6. O De Stijl foi um movimento sediado na Holanda, que tinha como priori-

dade formas geométricas básicas e cores primárias, o que não deixa de
ser o princípio geral do modernismo e os movimentos recorrentes a esse
período. Comente sobre um artista da época e sobre uma de suas obras.

7. É correto afirmar que as principais marcas da pós-modernidade são:

I. Conviver com as complexidades, o que não significa não lutar por suas
opiniões.
II. Ter como resposta e solução várias formas de pensar.
III. Um progresso de tolerância, em que não existe apenas um pensador.
IV. Um desenvolvimento social harmônico, baseado no avanço do conheci-
mento científico.
V. A dificuldade de se estabelecerem formas de pensamento e de criação
mais livres, mais acessíveis e menos sofisticadas.
a. I, II e III.
b. III e IV.
c. II, III e IV.
d. I, III e IV.
e. II e IV.

107
 LEITURA
COMPLEMENTAR

DESIGN VERSUS ARTESANATO: IDENTIDADES E CONTRASTES

Haroldo Coltri Eguchi
Olympio José Pinheiro

RESUMO
Percebem-se pelo menos três visões distintas sobre a origem do design, sendo mais di-
fundida a que situa seu inicio com a Revolução Industrial. Há quem veja o design como
herdeiro de um artesanato às vésperas dessa Revolução que já contava com projeto e
divisão do trabalho incipientes. Menos difundida é a idéia de que não há diferença tão
significativa entre design e artesanato e, portanto, contaria com milênios de história.
Supondo o designer herdeiro desta tradição milenar, não seria hora de voltar a reconci-
liá-lo com o artesanato? Não caberia voltar a defender o resgate de conceitos de projeto
anteriores ao modernismo?

Existem inúmeras controvérsias sobre a origem histórica do design. Alguns autores

consideram que o design é herdeiro de toda uma tradição que data à Pré-história, des-
de que o homem inventou as primeiras próteses que o auxiliaram em seu contato com
o mundo externo (BÜRDEK, 2006). Essa visão faz sentido se, a par da origem histórica,
analisarmos o termo design do ponto de vista etimológico.
Design é uma palavra de origem latina (designáre) que significa marcar, indicar, ou,
simplesmente, designar. Com este conceito – designar, vinculado ao termo design – po-
demos esboçar o conceito modernista de projeto. Deste modo se poderia dizer que um
artesão “designa” uma forma que considera ideal para seu produto, da mesma forma
que um designer o faz em seu projeto.
Uma curiosa relação é o fato da palavra latina signáre ter se transformado, na língua
portuguesa, em “ensinar”, cujo significado original incluía: colocar dentro, gravar no
espírito. Há evidente contraste com educação (educare), cujo sentido original é retirar
para fora, criar, nutrir, conduzir, levar (OLIVEIRA, 2008). Não obstante, poderíamos tam-
bém observar uma identidade entre colocar dentro ou gravar no espírito e conduzir ou
levar.
Pensando em termos etimológicos, o designer seria, em síntese, aquele que acrescen-
ta. Mas acrescentaria o que? Tal qual o artista, o designer seria aquele que acrescenta a
forma, ou informa, a matéria amorfa, matéria que para o artesão grego era a madeira.

108
 LEITURA
COMPLEMENTAR

A discussão platônica sobre a verdade no trabalho do artesão e do artista reside no fato

de que a matéria desfiguraria a idéia, o que transformaria artistas e artesãos em charla-
tães. Deste ponto de vista, enganam as pessoas ao deformarem a idéia ou verdade sob
a forma de uma representação falsa. (LACOSTE, 1986; FLUSSER, 2002; 2007).
Outra visão é a de que o design deriva de certo tipo de artesanato feito às vésperas da
Revolução Industrial. Apóia-se esta tese no fato de existir um projeto a priori e divisão
do trabalho incipientes, ou seja, apenas o modo de produção diferenciaria este tipo de
produto artesanal do industrial, que veio logo em seguida. (DENIS, 2000; DE FUSCO,
2005).
Segundo esta linha de pensamento, a base do design estaria na metodologia projetual
e criativa, enquanto que do ponto de vista anterior, estaria em um procedimento de
bricolagem, escolher fazer assim a partir de uma tradição e do que está à mão. É im-
portante lembrar que a palavra projeto carrega um significado estritamente moderno.
Projeto vem do latim projectus, que significa “ação de lançar à frente” e, portanto, pres-
supõe que o que se projeta deva ser inovador e vanguardista.
A terceira e mais aceita visão percebe o design como um produto tipicamente industrial
e, portanto, não pode existir antes da Revolução Industrial, datada aproximadamente
entre os anos 1760-1830. A partir deste ponto de vista faria muito sentido o nome que o
curso possui em algumas universidades, “Desenho Industrial”, já que se ensina um de-
senho direcionado para a produção industrial em maior ou menor escala. Entretanto,
cada vez mais cursos vêm abandonando este confuso e ultrapassado nome, passando
a adotar simplesmente o nome de “Design”, como ocorreu com a UNESP/Bauru que
alterou o nome do curso em 2007.

Leia mais em: <http://www.maxwell.vrac.puc-rio.br/17390/17390.PDF>.

Fonte: Eguchi e Pinheiro (online).

109
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

Tudo sobre arte

Stephen Farthing
Editora: Sextante
Sinopse: Abrangente e informativo, ‘Tudo sobre arte’ será seu guia pelas imagens mais im-
portantes de todos os tempos - aquelas que encontramos ao visitar museus, folhear jornais
e revistas ou olhar para a capa de um romance. Organizado cronologicamente e repleto de
ícones que encantaram o mundo, este livro traça um panorama da evolução artística em seus
mais importantes estilos e movimentos, apresentando as obras emblemáticas da pintura, da
escultura, da arte conceitual e da performática, além de análises detalhadas que facilitam sua
compreensão.

Uma introdução à história do Design

Rafael Cardoso
Editora: Blucher
Sinopse: Este livro não privilegia nenhum grupo de designers, pois, na verdade, ele lança um
olhar escancaradamente brasileiro sobre o tema - o autor pretende que esta seja uma intro-
dução à história do design a partir de uma perspectiva brasileira. O leitor pode constatar que
existem, pelo menos, dois níveis de discurso que se desenrolam em paralelo ao longo deste
estudo: o texto, que busca explicar causas gerais, e as imagens, que demonstram resultados
concretos.

Conheça, de uma forma descontraída, a história do Design baseada no design de cadeiras

famosas.
Disponível em: <http://designdeinterioresmoderno.blogspot.com.br/2012/12/historia-do-design.
html>.

Assista às animações que falam sobre os movimentos importantes da história do Design.

Estão apenas em inglês, mas é possível colocar uma legenda que ajuda um pouco.
Disponível em: <http://chocoladesign.com/historia-design-animacoes>.

110
ÁREAS DO DESIGN

Prof.ª Vanessa Barbosa dos Santos

Plano de Estudo
A seguir, apresentam-se os tópicos que você estudará nesta unidade:
• Design de interiores
• Design de moda
• Design efêmero
• Design gráfico
• Design de produto
• Design digital

Objetivos de Aprendizagem
• Conhecer a área de atuação em interiores, os processos e as ferramentas de trabalho
e os projetos desenvolvidos por um profissional da área.
• Entender os projetos de Design Efêmero, quais são as áreas de atuação, os principais
conhecimentos necessários e exemplos de projetos.
• Conhecer sobre a profissão do design em Moda e as principais áreas de atuação no
mercado de trabalho.
• Descobrir o objetivo desta área profissional, quais os ramos de criação e trabalho, as
ferramentas utilizadas e os tipos de projeto a serem executados pela profissão.
• Compreender as atuações de um designer de produto, as fases de criação e
desenvolvimento e seu posicionamento no mercado.
• Entender os processos de transformação das tecnologias, e os processos da evolução
do design para o mundo de hoje e sua atuação no mundo digital.
unidade

V
INTRODUÇÃO

Caro(a) aluno(a),
Seja bem-vindo(a) à última unidade deste livro, na qual você pode-
rá aprender mais sobre a História da Arte e do design, seus principais
estilos, as épocas mais marcantes, seus significados, autores e obras en-
volvidas.
Em nosso dia a dia, podemos perceber que o Design está inserido em
praticamente todas as nossas ações, em tudo que temos em nossa volta.
Desde a casa em que moramos, o tênis que usamos, a escova de dente, a
marca do leite que tomamos no café da manhã, o ônibus que pegamos
para ir pro trabalho, a xícara do café, as redes sociais que acessamos e até
o cartaz do show que queremos ir. Tudo no mundo, hoje, se interliga por
meio do design e, para que isso chegue até nós, os profissionais precisam
estudar e desenvolver seus conhecimentos teóricos e práticos para chega-
rem a um resultado que se adeque às necessidades e desejos do público
final.
Nesta unidade, vamos conhecer mais sobre as áreas que um profis-
sional de Design pode atuar e quando elas começaram a ganhar força no
mercado e na sociedade. Quais são os tipos de trabalho que o profissional
de design pode desenvolver, quais as ferramentas que você deve conhecer
e as ramificações dentro de uma área.
Dentro dessas áreas que se manifestam o Design, vamos conhecer: o
Design de interiores, o Design Gráfico, o Design de Moda, o Design de
Produto e o Design Digital.
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

DESIGN DE
INTERIORES
O Design de interiores é uma área que vem crescendo
cada dia mais no mercado do Design. O que antes era
apenas um ramo desenvolvido por arquitetos que cria-
vam mobiliário ou projetavam alguns espaços internos,
baseados em suas construções, ou até mesmo artistas
que se interessavam devido a uma aptidão específica,
hoje, se tornou uma profissão de renome e que exige
estudos específicos para projeção de interiores.
O que, anteriormente, era denominado como de-
coração de interiores, em que se faziam pequenas
transformações com objetos, iluminação e materiais,
hoje, é estudado como a ciência de projetar os espa-
ços baseados no comportamento das pessoas, para
criar algo relacionado à funcionalidade e à necessi-
dade dessas pessoas.

116
 DESIGN

Numa acepção mais ampla, significa o pla-

nejamento, a organização, a decoração e a Além disso, é importante uma compreensão da mar-
composição do layout espacial de mobiliário, ca, do tipo de produto ou serviço do estabelecimen-
equipamentos, acessórios, objetos de arte etc., to, pois isso também influencia no projeto com rela-
dispostos em espaços internos habitacionais, ção aos materiais, as cores, aos objetos e aos espaços
de trabalho, cultura, lazer e outros semelhantes
(GOMES, 2006, p.21).
obrigatórios, sendo um diferencial grande do pro-
fissional. Caso a marca ainda não possua uma iden-
Conforto, funcionalidade e beleza é o que o Designer tidade visual, pode também ser desenvolvida pelo
de Interiores procura em seus projetos e, para isso, próprio designer, para que todo seu projeto interior
busca um conhecimento em cores, materiais, história, esteja relacionado à marca.
acabamentos, desenho técnico, conforto, iluminação e
ergonomia. Além disso, busca analisar as necessidades
do cliente, seu perfil de vida, estilo e comportamento.
Como Designer de Interiores, o profissional
pode atuar em projetos como:

PROJETOS RESIDENCIAIS
A área mais conhecida para projetos de interiore é a
área de projetos habitacionais, para isso, é necessário
um briefing baseado em seu cliente. É preciso que o
Design estude a fundo seus hábitos, suas preferências,
suas necessidades e, a partir daí, começe a desenvol-
ver o projeto do espaço, a distribuição e a criação de
mobiliário, a escolha de cores e materiais, o estilo, o
revestimento e o acabamento, a iluminação, que esta-
beleçam relação com o briefing feito no início.

PROJETOS COMERCIAIS
Os projetos comerciais não são muito diferentes de
projetos residenciais, pois o desenvolvimento da
ideia, os briefings e os conhecimentos para o desen-
volvimento do projeto são os mesmos. Porém, em
projetos comerciais, tem-se um diferencial, pois não
haverão pessoas habitando o local, entretanto, há,
além do dono do estabelecimento, o consumidor que
vai usufruir do espaço em um determinado tempo.
É necessário, então, um conhecimento do perfil do
cliente, para que ajude na criação do projeto.

117
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

PAISAGISMO MOBILIÁRIO
Uma outra área em que o Designer de Interiores Para finalizar as área de interiores, temos, aqui, os
pode atuar é a de paisagismo. Tanto em áreas ex- projetos de mobiliário, que podem ser projetados
ternas quanto internas, públicas ou privadas, o pai- para um espaço completo, conhecidos como móveis
sagismo vem obtendo uma exigência ainda maior planejados, como pode ser um mobiliário específico,
daqueles que procuram o projeto de um designer. É como as cadeiras, por exemplo. Existem profissionais
importante saber sobre paisagem, cidade, história, que trabalham so-
espécies e plantas e suas relações com o local do pro- mente nessa área
jeto, empreendedorismo, sustentabilidade, urbanis- e cabe dizer que,
mo e processos de instalação. para criação de
mobiliário, é im-
ILUMINAÇÃO portante saber sobre
A área de iluminação é um outro setor em ascenção no o Design em geral,
Design de Interiores, que exige alguns conhecimen- história, contex-
tos técnicos e tecnolgógicos mais aguçados. Cálculo to e conceito de
e softwares serão muito utilizados, também, conheci- criação, prática
mentos sobre conforto ambiental, iluminação natural de projeto e desen-
e artificial, luminárias, projetos cenográficos, de lazer, volvimento de pro-
obras públicas e saúde. Há, ainda, os conhecimentos duto; veremos mais a
sobre sustentabilidade, já que estamos falando de pro- seguir sobre o Design
jeto que consome energia, gestão e instalação. de Produto.

118
 DESIGN

DESIGN DE
MODA
Por que o homem se veste? A esta pergunta tão
essencial, foram muitas as tentativas de respos-
tas, mas estas sempre estiveram repertoriadas em
torno de três aspectos fundamentais: pudor, pro-
teção e ornamentação. Pudor para esconder sua
nudez, proteção contra as intempéries e adorno
para se fazer notar (CIDREIRA, 2005, p.39).

Por mais que possamos pensar que se vestir é algo

que o homem faz desde lá dos tempos primórdios,
podemos notar que a moda em si não surgiu naquela
época, pois, segundo Cidreira (2005), a moda é uma
construção cultural, localizada no tempo e no espaço,
e os povos primitivos desconheciam esse conceito.
Podemos dizer, então, que a moda apareceu no
fim da Idade Média, Século XV, no período do Re-
nascimento, mais precisamente, na França, por causa
da organização da vida nas cortes, depois, com a vida
urbana em crescimento, as pessoas começaram a ter
o desejo de imitar as roupas dos nobres.

Moda vem do latin modus, significando “modo”,

“maneira”. Em inglês, moda é fashion, corruptela
da palavra francesa façon, que também quer dizer
“modo”, “maneira” (PALOMINO, 2003, p. 15).

Então, a moda surge para ditar o modo ou a maneira

como as pessoas se vestem relacionadas ao seu com-
portamento, pensamentos, cultura, história, econo-
mia e política em que elas estão inseridas.
É a partir daí que a o Design de Moda se insere como
precursor principal da disseminação estética do homem.

119
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN

Segundo Matharu (2011), o Designer de Moda deve

ter entendimento sobre 3D, técnicas de fabricação,
habilidades comunicativas, de gerenciamento, com-
preensão dos métodos de produção e conhecimento
geral do mercado - identificando os desejos do clien-
te, analisando os sucessos e os fracassos e implemen-
tando mudança para o próximo ciclo.
Veja, então, as possíveis áreas para o profissional
de Design de Moda seguir:

DESIGN E CRIAÇÃO
Nessa área, o designer pode trabalhar como estilista,
a tão conhecida e cobiçada área da Moda, desenvol-
ver produtos, acessórios ou superfícies relacionados
à Moda, ser ilustrador ou joalheiro. Para trabalhar
com a área de criação, é necessário desenvolver habi-
lidades de criatividade, processos criativos, conhecer
sobre a história do Design, cores, materiais, indús-
O conceito de “estar na moda” se auto-explica e
se confunde. Tratar de moda implica lidar com tria e produção, além de estar sempre conectado às
elementos os mais complexos, especialmente transformações do mundo e da sociedade, cultura,
quando combinados. Entrando nesse assunto, economia, política e meio-ambiente.
tangemos valores como imagem, auto-imagem,
auto-estima, política, sexo...estética, padrões de
beleza e inovações tecnológicas, além de um ca-
leidoscópio de outros temas: desde condições cli-
máticas, bailes, festas, restaurantes ou uniformes
até cores (e a ausência delas), modelos, top mo-
dels, supermodels ou gente “normal”, mídia, foto-
grafia de moda, moda de rua, tribos (e a ausência
delas); música e diversão, mas também crise e
recessão, criatividade e talento. Dinheiro tam-
bém. E vaidade, competitividade, ego, modismos
e atemporalidades, história e futuro, excessos, ra-
dicalismos e básicos (PALMONIO, 2003, p. 8-9).

E nessa mistura de conteúdos, o profissional De-

signer de Moda trabalha com vários conteúdos e
conhecimentos, podendo atuar em áreas diferentes
dentro da própria Moda. É isso que vamos conhecer
um pouco neste tópico.

120
 DESIGN

CONSULTORIA
Essa é uma área que não trabalha diretamente com
a criação, e sim com o usuário dos produtos finais
da Moda. Podendo ser personal stylist, consultor
de Moda, consultor de imagem, personal shopper,
agente de modelo e colorista.
Para trabalhar com consultoria, é necessário um
ótimo relacionamento interpessoal, conhecimento
de comportamento humano e estilos, já que, mais do
que escolher uma roupa considerada da moda atual,
é importante conhecer o cliente de maneira pessoal,
sua história, sua forma de pensar, o contexto em que
está inserido, para guiá-lo a uma melhor forma de se
comportar no seu dia a dia.

TEATRO E TELEVISÃO INDÚSTRIA

Outra área cobiçada pelos Designers de Moda é a área
de figurinista, podendo atuar no mercado da arte,
como o teatro, as novelas e os filmes. Nesse área, as-
sim como na criação, é necessário um conhecimento
abrangente não só da Moda, mas, principalmente, ter
aptidão para pesquisar e conhecer outras áreas, já que,
em se tratando de uma produção de uma peça de teatro
ou uma novela, por exemplo, existe todo um contexto
histórico, o comportamento das personagens, cenário,
que devem estar em relação com o figurino criado.
COMUNICAÇÃO
Considerada a área que mais cresce na atualidade,
a comunicação em Moda vem obtendo um papel
muito importante na sociedade, devido à explosão
de meios de comunicação e redes sociais disponíveis
hoje em dia. Como exemplo, temos o blogueiro, o
colunista, o jornalista, o editor, o assessor de impren-
sa e relações públicas, ou seja, todas essas áreas que
exigem uma habilidade de se expressar, falar em pú-
blico, expor ideias e ideais por meio das mídias.
O Designer de Moda que atua na indústria trabalha-
rá como tecnólogo têxtil, obtendo conhecimentos
sobre fios, malhas, tecidos, tinturaria e maquinário.
Além do conhecimento das tendências de mercado da
moda que serão atingidas pela produção da indústria.
PRODUÇÃO
O profissional que atua na área de produção já tem
o produto final e vai trabalhar para que esse produto
chegue da melhor forma possível ao consumidor da
Moda. São esses os vitrinistas, os responsáveis pelo
merchandising e direção de marketing. É importante
aqui estudar e desenvolver as melhores formas de se
estabelecer a relação do produto com o consumidor.
INFORMÁTICA
Nesse setor, os conhecimentos de Moda são os mes-
mos, porém há a necessidade de conhecimento de
tecnologias e softwares para desenvolvimento das
áreas, como ilustrador, desenhista técnico, modelis-
ta, design de estampa, colorista.

121
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
CONFECÇÃO
Esse é o setor em que se coloca “a mão na massa”.
O profissional pode trabalhar como modelista, cos-
turar, ser desenhista técnico, pilotista, tecnólogo de
vestuário e gerente de produção. Quando uma co-
leção é desenvolvida, por exemplo, após passar pela
etapa de pesquisa e criação, ela vai ser executada e é
aqui que entra o trabalho desses profissionais.
ADMINISTRATIVA
O setor administrativo é o responsável pela parte
racional e comercial do Design de Moda. O
empresário, administrador, gerente de moda e de
produto vai gerenciar e administrar a relação do
produto com o mercado, conforme as transformações
desse mercado, de uma marca ou uma empresa. Nessa
área, é necessário desenvolver um conhecimento de
marketing, administração e economia.
122
MARKETING
Nessa área, pode-se trabalhar como produtor de
moda, de desfile, fotógrafo, cabelo e maquiagem. São
áreas do marketing da moda, em que o profissional
trabalha para entregar, da melhor forma possível, um
novo produto da Moda. Um lançamento de marca,
uma nova coleção, uma nova tendência e/ou conceito.
PESQUISA
Na área de pesquisa, pode-se trabalhar como coo-
lhunting, curador de moda, historiador e professor,
são áreas relacionadas à pesquisa de moda, em que
todas as outras áreas são necessárias para o estudo, o
conhecimento e o ensino. Além de saber do passado
da Moda, é importante saber dos movimentos atuais
e das possíveis transformações da Moda em si, da
sociedade como um todo e das influências que uma
tem sobre a outra.
 DESIGN

Figura 1: Áreas de Moda

Fonte: adaptado de Fagundes (2015, online).

É interessante conhecermos as áreas de atuação de dos a ver em desfiles famosos. Vai muito além disso
um Designer de Moda, para quebrarmos o paradig- e existe um contexto de pesquisa, desenvolvimento e
ma de que a Moda está relacionada somente ao esti- conhecimento muito importante dentro do Design
lista e todo aquele glamour que estamos acostuma- da Moda em nossa sociedade.

123
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
DESIGN
EFÊMERO
Os projetos efêmeros são aqueles que são transitó-
rios e passageiros, que crescem no mercado de forma
explosiva no século XXI. Esse tipo de projeto tem-
porário pode ser executado por profissionais da área
de Design de Interiores, utilizando-se dos mesmos
princípios e processos de projeto e execução, inclu-
sive, essa área foi incluída em algumas matrizes de
ensino do curso, por se tratar de uma área em grande
crescimento no mercado e com possibilidades muito
interessantes de atuacão e criação.
Como o nosso mundo caminha em constante
mudança e inovação, cada dia mais rápido, os pro-
jetos efemêros têm sido muito valorizados, pois são
de forma intensa e, em prática, projetados, trazendo
o olhar das pessoas pra algo que sai da monotonia,
124
da rotina. Ou seja, os projetos efêmeros são espa-
ços que não estavam ali ontem e, talvez, não estejam
amanhã, mas que bem projetados ficarão marcados
na memória daqueles que o viram.
PROJETO DE STAND
Começamos com projetos de vitrine, que são os
projetos feitos em lojas comerciais, para divulgar em
o lançamento de novas coleções, novos produtos e
marcas, eventos, estações e promoções. São peque-
nos cenários montados na entrada da loja e, para de-
senvolvê-los, é importante pensar no projeto de for-
ma a agregar ao produto em destaque os materiais,
as texturas, a iluminação, os objetos e os possíveis
manequins.
 DESIGN

Depois, temos os projetos de stands, que podem

ser fixos, são mais conhecidos como quiosques,
em shoppings, ou stands, em exposições e even-
tos temporários. No stand, o projeto desenvolve,
também, uma estrutura específica e, quando se
trata de eventos e exposições, a ideia é trabalhar a
criatividade para algo diferente, inovador, que faça
o olhar das pessoas se prenderem ao projeto, inte-
ragirem e reconhecerem o conceito da marca em
divulgação.
Vemos, também, os cenários, que podem ser
projetados em diversas áreas, como filmes, novelas,
shows, tv, teatros e eventos. Vale dizer que é neces-
sário projetar pensando em materiais de fácil manu-
seio, pois estes dependem de montagem e desmon-
tagem de forma rápida e eficaz e, também, serão
reutilizados em novos espaços e momentos. Isso, po-
rém, não descarta a importância de um bom projeto,
pensando nos materiais, na tecnologia e nos objetos
a serem utilizados.
As exposições e os eventos podem ser relaciona-
dos à cultura, à música, à arte, às pessoas, à história
Fonte: <https://s-media-cache-ak0.pinimg.com/originals/db/39/9d/
e a vários outros assuntos. São projetos temporários db399d685100a41849246ab0e9881841.jpg>.

que exigem um conhecimento que vai bem além do

Design e de projetar em si, procura interação e re-
lação com o público bem mais intensa e de forma
criativa.
Por último, as intervenções urbanas, que são
criadas em espaços públicos nos mais variados te-
mas, provocam reflexão, crítica, interação, melho-
ria de espaços e diversão para as pessoas que ali
circulam. Geralmente, essas intervenções são rea-
lizadas pelos designers, arquitetos, artistas, que, de
alguma forma, sentem a necessidade de expressar
algo, mostrar opções de mudança para uma vida
melhor. Fonte: <http://papodehomem.com.br/25-intervencoes-urbanas-de-cair-o-queixo/>.

125
HISTÓRIA DA ARTE E DO DESIGN
DESIGNGRÁFICO
O Design gráfico é a mais universal de todas
as artes. Está em toda parte, explicando, deco-
rando, identificando - impondo significado ao
mundo. Está nas ruas, em tudo que lemos, sobre
os nossos corpos. Interagimos com o design da
sinalização de trânsito, da publicidade, das re-
vistas, dos maços de cigarro, dos medicamentos,
do logo da nossa camiseta, da etiqueta de ins-
truções de lavagem da nossa jaqueta (NEWA-
RK, 2009, p.6).
Segundo Newark (2009), o design realiza diversas
126
funções, como classificar e diferenciar, informar,
atuar em nossas emoções e dar forma aos nossos
sentimentos em relação a tudo que nos cerca. Nosso
mundo, hoje, não vive mais sem o Design gráfico,
pois, sem ele, nosso contato, nossas informações
voltariam a ser escassas e não sobreviveríamos,
nossa comunicação seria difícil como antigamente
e, devido ao crescimento populacional e ao desen-
volvimento tecnológico e industrial, a falta do De-
sign gráfico seria inviável.
 DESIGN

O pai do termo “Design Gráfico” foi o americano, TIPOGRAFIA

William Addison Dwiggins, que, em 1922, escreveu O designer aqui trabalha com o desenvolvimen-
que era necessário utilizar o senso prático em um to de tipos, criação e desenho de fontes. Os tipos
layout e esquecer a arte, pois a função do design é poderão ser usados em impressos, como jornais,
transmitir uma mensagem clara e prática. revistas e livros, anúncios e, também, em marcas,
Para Paul Rand: identidade visual e sinalização. É importante co-
nhecer sobre as famílias tipográficas e as partes
[...] o design gráfico, em síntese, lida como es-
pectador, e como o objetivo do designer é ser
existentes em uma fonte.
persuasivo ou pelo menos informativos, con-
clui-se que os problemas do designer apresen-
tam dois lados: an