OP ART (ARTE ÓPTICO) "NUEVA TENDENCIA"

PINTURA ÓPTICA
Surge en EE.UU. hacia 1958.
La primera exposición oficial tiene lugar en el Museo
de Arte Moderno de Nueva York en 1965 y se tituló
"The Responsive Eye" (El ojo sensible). Ese mismo
año, Vasarely, cuyos experimentos ópticos se
remontan al año 1932, recibió el primer premio de la
Bienal de São Paulo.
En Europa, el op-art surgió a mediados de los años
sesenta como un movimiento denominado nueva
tendencia en el que se engloban varios grupos
diferentes de artistas.
El op-art tubo una gran aceptación popular, aunque
muchos críticos lo calificaron como "poco
inteligente". Muchos de los diseños de las obras "op"
fueron explotados con fines comerciales por la
industria de la moda, de los tejidos y de la
publicidad. Esta saturación del diseño "op"
contribuyó a la banalización y rápido envejecimiento
de este estilo artístico.

CARACTERÍSTICAS
-Ausencia de figuración o de referencias subjetivas
de carácter emocional.
- Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo,
movimiento aparente, muaré) mediante tramados,
líneas sinuosas paralelas, contrastes bi o
policromáticos, cambios de tamaño, inversiones de
figura y fondo, seriaciones, repetición y
multiplicación de estructuras, combinaciones de
formas y figuras ambiguas
- Diseños de formas geométrico-cromáticas simples,
lineales o de masa en combinaciones complejas.
- Composiciones estructuradas mediante espacios
geométricamente ordenados de diferente tamaño o
mediante módulos repetitivos y en variación.
- Composiciones abigarradas y meticulosamente
realizadas.
- Participación del observador: en muchos casos el
observador necesita moverse delante de la obra
para apreciar toda la gama de efectos ópticos.
- Ejecución de trazos definidos delineados con
precisión.
- A veces, utilización de láminas de plexiglás como
soporte de la pintura
- Colores planos de contornos netos (hard edge).
- Empleo frecuente de pintura acrílica para
conseguir colores impecablemente lisos y uniformes.

ARTISTAS
Victor Vasarely (Hungría; 1908), Berlewi, Jeffrey Steele, Julio Le Parc (Argentina,
1928), Eusebio Sempere (España; 1923-1985), Josef Albers (Alemania, 1888-
1976), Bridget Riley (Inglaterra, 1931), entre otros
 EXPRESIONISMO
PINTURA EXPRESIONISTA
El expresionismo surge en Alemania, en la primera
década del siglo XX, como oposición al positivismo
materialista imperante en la época, en un intento de
ofrecer una nueva visión de la sociedad basada en la
filosofía nietzschena (llena de nihilismo) y la
renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva
de lo esencial, atendiendo exclusivamente al
sentimiento vital sin someterse a ninguna regla.
El expresionismo es un movimiento que no sólo
atañe a las artes plásticas sino también a la música,
el cine y las demás artes.
En la evolución de la pintura expresionista alemana
existen tres momentos distintos. El primero se desarrolla en Dresde a raíz de la
constitución en 1905 del grupo Die Brucke (El Puente) y dura hasta 1913; el
segundo se desarrolla en Munich de 1910 a 1914 y está protagonizado por el
grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul) del que surgirá la primera pintura abstracta
(ver abstracción lírica); el tercero se desarrolla en el periodo de entre guerras
(desde comienzos de los años veinte hasta 1933, año en el que subió al poder el
nazismo) y está unido al concepto de "Neue Sachlichkeit" (nueva objetividad) con
un planteamiento muy distinto del expresionismo inicial desarrollado por los
grupos citados.
El expresionismo alemán se extendió a países como Holanda, Bélgica y Francia
El régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte degenerado", los
artistas de esta tendencia fueron proscritos y muchas de sus obras destruidas.

CARACTERÍSTICAS
- La pintura es concebida como una manifestación
directa, espontánea y libre de convenciones de la
subjetividad del artista basada en una necesidad interior
(de carácter instintivo y exaltada en Die Brucke y de
carácter espiritual y sosegada en Der Blaue Reiter).
- Liberación del contenido naturalista de la forma
mediante la libre interpretación de la realidad (las
imágenes son creadas, no copiadas), para así expresar el
mundo interior, subjetivo, del artista.
- Utilización de diversos recursos en la interpretación
subjetiva de la realidad: desproporción y distorsión de
las formas según un impulso interior; esquematización o
reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un
sentimiento vital de depuración de lo objetivo (por este
camino Kandinsky llegará a la abstracción total).
- Utilización del color y el trazo para subrayar (expresar) simbólicamente unos
estados de ánimo.
- Destrucción del espacio tridimensional.
- Acentuación de la fuerza expresiva de las imágenes mediante el empleo de
formas simples de carácter plano o con poco efecto de volumen.
- Aglomeración de formas y figuras.
- En general, predominio de trazos violentos, empastados y agresivos en Die
Brucke y de líneas curvas y trazos más sosegados en Der Blaue Reiter.
- Colores intensos y contrastados (aplicados abruptamente en Die Brucke y de
forma más meditada en Der Blaue Reiter).
- Ausencia de carácter decorativo.
- Temática con especial atención a escenas de desnudos en el campo o
bañándose, escenas urbanas agobiantes y representaciones armónicas de la
naturaleza.

ARTISTAS

Alemania:
Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Max Beckmann (1884-1950), Ludwig Meidner,
Emil Nolde (1867-1956), Oscar Kokoschka (1886-1980), Sutin, Wassili Kandinsky
(1866-1944), Franc Marc (1880-1916), Alexei von Jawlensky (1864-1941), Paul
Klee (1879-1940).
A pesar de ser el expresionismo un movimiento principalmente alemán, existen
artistas en otros países europeos cuya obra puede incluirse dentro de esta
corriente. Algunos de los más interesantes artistas expresionistas no alemanes
son:
Bélgica:
Constant Permeke (1886-1952), Jan Toorop (1858-1928).
Francia:
Henri Matisse (1869-1957), André Derain (1880-1954), Amadeo Modigliani (1884-
1920), Pablo Picasso (1881-1973), Robert Delaunay (1885-1941), Raoul
PINTURA FAUVISTA
Se desarrolla en Francia durante los años
1903 a 1907.
La primera exposición tiene lugar en París
en el Salón de Otoño de 1905 y alcanza su
climax en 1906 en el "Salon des
Indépendants".
La denominación deriva de la palabra
"fauves" (fieras), término con el que el
crítico Louis Vauxcelles denominó a un
grupo de pintores, encabezado por Matisse,
que practicaban un estilo vigoroso de
pintura alejado de todo principio académico

CARACTERÍSTICAS
Carácter lírico y expresivo potenciado mediante el
color.
- Intento de conjuntar o equilibrar el mundo real y el
mundo interior.
- Búsqueda de lo esencial y simple.
- Predominio de dos corrientes temáticas:
interpretación libre, intuitiva, vital y totalmente
subjetiva de la naturaleza con reminiscencias
naturalistas (los paisajes y escenas fluviales de
Derain) y escenas líricas de gran carga imaginativa
(Matisse).
- Plasmación de lo real de manera subjetiva: el artista
trata de captar lo esencial interpretando la naturaleza
y sometiéndola al espíritu del cuadro.
- Énfasis cromático mediante colores puros,
saturados, principalmente planos, realzados por la
línea de los contornos y sin referencia al tema o a su
figura (a veces colores muy distintos o contrarios a los reales).
- Síntesis formal.
- Eliminación de la perspectiva espacial.
- Supresión de la definición de las formas basada en el claroscuro.
- Figuración con base en lo creativo y temperamental, con eliminación de lo
superfluo.
- Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y africana)
- Relaciones de colores arbitrarias establecidas de manera instintiva e intuitiva,
con predominio de colores complementarios
- Creación de espacios pictóricos de carácter ornamental basados en motivos
decorativos tomados de papeles de pared o piezas de artesanía.

INFLUENCIAS
Del impresionismo, la teoría de los colores, la alegría cromática, las escenas de la
vida cotidiana, paisajes, interiores, retratos y bodegones
- Del postimpresionismo, la zonificación, la plenitud del color, el sentido
decorativo de Gauguin y la vivencia intensa de la naturaleza de Van Gogh (éste
influyó de forma notable en Matisse).
- Del expresionismo alemán, el color puro y vigoroso, la ausencia de modelado, el
trazo directo y enérgico, el sensualismo dinámico y la plasmación subjetiva del
artista.
- De culturas exóticas, la riqueza de color y las referencias formales (Matisse viaja
por Marruecos, de donde nacen sus famosos cuadros de Odaliscas).
ARTISTAS
Francia:
Henri Matisse (1869-1954), Maurice Vlaminck (1876-1958), André Derain (1880-
1954), Albert Marquet (1875-1947), Kees van Dongen, Raoul Dufy (1877-1953).

CUBISMO
El Cubismo, es la teoría estética aplicable a las artes plásticas (incluido el diseño) que se caracteriza por el
empleo y el dominio sobre otros conceptos de figuras geométricas como pueden ser los rectángulos, los
triángulos y los Cubos de donde toma su nombre el movimiento Cubista ."

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, quien interpretó así a la utilización de
cubos en el arte de Pablo Picasso y Georges Braque, en cierta medida de una forma peyorativa.

Características conceptuales
El cubismo presenta los objetos tal y como son concebidos por la mente y como existen, no como son vistos.

Existen tres etapas en el cubismo:

• El Cubismo primitivo o Período Cézannesco (1907-1909): representado por las señoritas de avignon.(Pablo
Picasso)
• Cubismo analítico (1910-1912): presenta una descomposición de objetos simples en colores ocre, verde
oscuro y gris.
• Cubismo sintético (1913- 1914): emplea signos plásticos que se comparan con metáforas poéticas en el
aspecto pictórico tiene mucha relación con el cubismo primitivo. Se caracteriza por la ruptura de todo
procedimiento imitativo.

El cubismo tuvo una gran influencia por las teorías relativistas de Albert Einstein, el cual, estableció que es
imposible determinar un movimiento. Un objeto puede parecer estar quieto o moviéndose según la perspectiva
desde la cual se considera.

El cubismo:
Se inicia con la obra "las señoritas de Avignon" de Pablo Picasso.
[ En éste cuadro, su parte derecha se apoya de forma exclusiva en
el dibujo, y el conjunto aparece totalmente desprovisto del efecto
del "claroscuro" ]
Los autores de esta corriente son austeros con el color; utilizan
colores neutros, grises, marrones. Los dos autores principales de
esta corriente son Pablo Picasso y Braque. Se renuncia a la
perspectiva tradicional, a los colores reales, a ver las figuras
desde el punto de vista único. Temas menos importantes que el
tratamiento. Buscan figuras cotidianas: tren, automóvil. Se exalta
el plano, se rescatan escenas interiores. Pintura figurativa que
"destroza" las formas. Se crea al gusto del pintor, se rompe con
los tabúes del arte occidental, no se pinta con normas. El pintor
más famoso es Pablo Ruiz Picasso que pinta en 1907 "las
señoritas de Avignon", en la que se elimina la profundidad y es
una representación dimensional lo que se llama el Cubismo
Puro.

Movimiento Cubista:
El Cubismo tuvo como centro neurálgico la Ciudad de París, y como Jefes
y maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan
Gris y los Franceses Georges braque y Fernand Léger. La realidad del
movimiento efectivamente se inicia con el cuadro "Las Señoritas de
Avignon" (Demoiselles D'Avignon) .- Como elementos precursores del
cubismo debemos destacar la influencia de las esculturas africanas y las
exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne
(1907).

Pablo Picasso y George Braque establecieron estrechas relaciones

artísticas en el año 1907 el mismo año en el que el marchante de Arte
Kahnweiler abrió en París la Galería de Arte que serviría como santuario
al grupo de pintores Cubistas. en 1908 el ya afamado grupo "Bateau
Lavoir" (nombre derivado del estudio y vivienda donde residían Picasso,
Gris y el escritor Max Jacob) inició las reuniones en las que participaron
todos los llamados "Dirigentes del Cubismo" incluidos los pintores Henri
Matisse y André Derain junto con Gertrude Stein y Guillaume Apollinaire
poeta y publicista del efervescente movimiento cubista.
Jean Cocteau y el Mexicano Diego Rivera acudían de tanto en tanto a las reuniones del grupo del cubismo.
Braque aportó una importante severidad en las formas y consiguió sujetar entre sus lienzos el color y las formas
que provenían de la corriente postimpresionista, mientras que su compañero Picasso realizaba grandes trabajos
en los dibujos que consiguió adaptar en su pintura bidimensional.

La problemática principal del cubismo en sus principios y por ende en su desarrollo ha consistido en poder
representar el volumen de los colores sobre las superficies planas. Bajo la base de la cristalización geométrica de
las pinturas de Cézanne tanto Braque como Picasso realizaron sus trabajos de definición bajo la perspectiva de
poder mantener las propiedades de los objetos representados y la estabilidad en los espacios cerrados, sin lugar a
la perspectiva clásica o a las modificaciones de los volúmenes derivados de la luz o el encuadre de las obras.
Por lo general el Cubismo aborda escasos temas de la pintura paisajística y se centraron primordialmente en las
naturalezas muertas, los instrumentos musicales y con Picasso la derivación y descomposición de los planos de la
figura humana
 DADAISMO
El Dadaísmo nació en Alemania y Suiza durante la Primera Guerra Mundial, y después de la conflagración se
trasladó a París. No era tanto un movimiento artístico como una actitud, una actitud de revuelta y de desprecio,
de disgusto frente al orden social existente, caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de poder, y
frente al arte tradicional, que había quedado invalidado por el hecho de que la sociedad lo consideró respetable.
El bigote y la inscripción obscena en la "Mona Lisa" ilustra perfectamente esta actitud. Los Dadaístas
experimentaron diversos estilos artísticos, algunos de los cuales serían desarrollados posteriormente por los
Surrealistas. En el período de entreguerras, el Surrealismo (asentado en París y altamente cosmopolita) dominó
el mundo del arte y jugó un papel importante en la literatura y en el cine. A partir de mediados de los años 40,
muchos de sus reclutas más relevantes vinieron de América

Dadaísmo

Durante una reunión en el café Cabaret Voltaire de Zurich, Suiza (1916), un grupo de jóvenes intelectuales,
inconformistas, contrarios a la primera guerra mundial decide construir un movimiento artístico y literario
completamente revolucionario.

Lo denominaron dadaísmo, proviene del término "dada" que significa en francés "caballito de juguete". El
movimiento se desarrolla en Europa y en los Estados Unidos en la segunda década del sigo XX. y defiende la
libertad del hombre, la espontaneidad y la destrucción. Su propósito se opone a los conceptos tradicionales del
arte y a una ideología burguesa.

El grupo esta compuesto por el pintor y escultor Hans Arp, los escritores alemanes Ball y Hulsenbeck, el poeta
Rumano Tzara, autor del manifiesto Dada de 1918, y algunos otros artistas plásticos como también el rumano
Janco, entre otros. Sin embargo el movimiento tiene un antecesor, el francés Duchamp, quien en 1913 presenta
su "Rueda de Bicicleta", que supone el inicio de la desmitificación de la obra artística.

Estilo postmoderno

Este estilo tiene un doble código. Por un lado, se mantiene vinculado al estilo
racionalista y acepta algunas posiciones del tardo moderno para comunicarse
con una élite cultural; por otro lado, intenta comunicarse con el público en
general y que éste lo acepte. La posición postmoderna es atractiva porque,
intentando ser aceptada, llega a alcanzar unos resultados sorprendentes y
espectaculares. Entre los arquitectos más representativos de este estilo están:
Michael Graves, Robert Venturi y Ricardo Bofill.

La Novia por Marcel Duchamp

El dadaísmo obtuvo su nombre al azar. Empezó entre la década de 1940 y 1950.

Estos pintores utilizan figuras amorfas. Además, usan mucho el simbolismo.
Estas obras no tienen explicación por sí mismas, sin la ayuda del autor. Utilizan
colores lisos, pero sordos.

El dadaísmo empezó solo siendo un movimiento literario. A consecuencia de esto, la tendencia que predomina es
la de otorgar nuevos significados a las imágenes que representan cosas. No adoptaron la postura del que rechaza
todo tipo de valor a una obra d e arte cuando la encuentra literaria. En las pinturas se advierte un afán de no-
estilo, una voluntad de antiforma que procede de la intención manifiesta de agrupar a todos los que se sientan
disconformes con el mundo ordenado, no que los que propongan imponerle una nueva norma. Acoge artistas que
solo pueden ser considerados en franca rebeldía, y admite formas que hasta cierto punto contradicen los
postulados de destrucción que lo guían.

El dadaísmo surge como el producto de la desilusión de la Primera Guerra Mundial, de la derrota y de la

carnicería tan espantosa que hubo. Pensaban que la civilización que había producido esos horrores debía ser
barrida y comenzar otra nueva. Es un movimiento nihilista que desconfía del orden y de la razón. Produjo un
"antiarte" basado en cosas carentes de sentido, en aras del absurdo humor amargo. Los integrantes del dadaísmo
innovaron el empleo original de papier collé, que derivó hacia el collage y el fotomontaje. Para los dadaístas, el
uso del collage consistió en la agrupación dinámica de fragmentos de imágenes en la que aparecen por obra del a
zar nuevas estructuras, cuyo sentido estético no procede de la suma de los componentes, sino del espíritu de
totalidad que se logra con ella. Cada fragmento tiene un valor formal, y un valor de contenido propio, y el collage
se transforma en un dinámico y absurdo juego de imágenes fragmentadas que revelan metáforas inesperadas.
Así, el collage se vuelve un método de exploración de la realidad y un procedimientos para expresarla que explica
la inmediata influencia que tuvo sobre aquellas formas modernas qu e requieren un dinamismo más acentuado
que la pintura.

También se valieron de objetos hechos de carácter comercial, a los que

desplazaba de su función original modificándolos o agregándoles
formas extrañas como si los hubiese guiado la idea de que una
surrealidad se esconde tras las cosas más comunes que nos rodean. Los
dadaistas pensaban que no hace falta llegar a la creación absoluta para
trascender, y que basta descubrir el modo de hacerlo entre los objetos,
como algo que presta sentido a lo común y trivial. Tendían a restar
importancia al valor espiritual de cada objeto para otorgárselo al
conjunto.

Paisaje Dadá por Giulio Evola

Otra definición

Dadá o Dadaísmo, movimiento que abarca todos los géneros artísticos y es la expresión de una protesta
nihilista contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente
durante la I Guerra Mundial e inmediatamente después. Se dice que el término dada (palabra francesa que
significa caballito de juguete) fue elegido por el editor, ensayista y poeta rumano Tristan Tzara, al abrir al azar
un diccionario en una de las reuniones que el grupo celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich. El movimiento
Dadá fue fundado en 1916 por Tzara, el escritor alemán Hugo Ball, el artista alsaciano Jean Arp y otros
intelectuales que vivían en Zurich (Suiza), al mismo tiempo que se producía en Nueva York una revolución
contra el arte convencional liderada por Man Ray, Marcel Duchamp y Francis Picabia. En París inspiraría más
tarde el surrealismo. Tras la I Guerra Mundial el movimiento se extendió hacia Alemania y muchos de los
integrantes del grupo de Zurich se unieron a los dadaístas franceses de París. En 1922 el grupo de París se
desintegró.

Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de
codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios
deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y
sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los
valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la
calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y
escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales
similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un
secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades. Aunque los dadaístas utilizaron técnicas
revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición
romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.

Como movimiento, el Dadá decayó en la década de 1920 y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras
destacadas de otros movimientos artísticos modernos, especialmente del surrealismo. A mitad de la década de
1950 volvió a surgir en Nueva York cierto interés por el Dadá entre los compositores, escritores y artistas, que
produjeron obras de características similares.