Aparecida de Goiânia, _____de_____________________de____________.
Nome:________________________________Turma: ____________
Professor (a): ________________________________________________________
Disciplina: ARTES
Desenho Pictórico e Linear
Para começar, é sempre bom lembrar da
história. Há mais de 35 mil anos antes de
Cristo, o ser humano começou a fazer seus
primeiros desenhos nas paredes das
cavernas onde viviam. Esses artistas da pré-
história que decoraram abrigos e cavernas
exerceram seu talento no Paleolítico superior
sobre um período em torno de 25 mil anos:
do Auriaciano (ou Aurignaciano - 35 mil a.C.)
ao Madaleniano (em torno de 13 mil anos
a.C). Desde esses primeiros desenhos e
pinturas, nós temos buscado ampliar nossos
conhecimentos sobre o mundo em que
vivemos, e desenhamos e pintamos o que
vemos desse mundo.
O ser humano inventou a linha para traçar
seus desenhos, uma abstração que não
existe na natureza. Mas ao traçar desenhos,
seja no papel seja em outro meio qualquer, o
ser humano está descrevendo também,
através do desenho, o mundo que o rodeia.
Mas vamos dar um salto grande da pré-
história ao período do Renascimento italiano,
por volta dos séc. XIV e XVI. Nessa época,
se desenvolveu a arte de observação da
natureza, mas que pretendia ir além da
desordem das aparências para encontrar a
ordem subjacente no mundo. O modelo era a
antiguidade clássica da Grécia e de Roma e
seus ideais de Beleza e Perfeição. Naqueles
longínquos tempos, a beleza do corpo
humano era um ideal a ser buscado. Os
atletas se desenvolviam na cultura física, os
filósofos buscavam interpretar o mundo e
compreender a condição humana.
No Renascimento, o lugar do ser humano no
mundo voltou a ser valorizado. Não se
pintava a realidade como ela era, mas
buscando nela a Beleza e a Perfeição. Os
modelos humanos eram idealizados, as
composições dos quadros deviam ser claras,
limpas, buscando a Simetria. Tudo isso dava
à arte produzida nesse período uma
qualidade algo estática. As figuras, pintadas
ou desenhadas, estavam encerradas entre
fronteiras e obedeciam a regras rígidas
ditadas pela intelligentzia da época, em geral
os doutores da Igreja.
Foi quando Sandro Botticelli, um pintor
italiano, pintou o “Nascimento de Vênus”, por
volta de 1483. Como se pode ver neste
quadro, as figuras se encontram recortadas
em relação ao fundo. Os objetos estão
separados entre si. Todos se voltam para o
centro, onde se encontra a deusa grega
Vênus e seu corpo nu, perfeitamente
imaginado. Uma prova de que novamente,
mesmo em meio à moral da época, o corpo
humano voltava a ocupar lugar de destaque
no mundo das ideias, voltava a ter grande
valor.
Neste detalhe ao lado, podemos ver as linhas
traçadas por Botticelli, onde ele encerrou sua
Vênus. A pintura, em sfumato, é plana.
Sombras profundas, não há. A luminosidade
parece deixar tudo plano, tudo parte de uma
ordem que não pode ser mexida.
Mas em seguida… as sombras desceram de
vez sobre a terra, para susto de alguns. Mas
para os artistas, estas sombras trouxeram
novas possibilidades de penetrar ainda mais
fundo na realidade do mundo. No final do
século XVI, com o surgimento disso que ficou
depois conhecida como Arte Barroca, o
artista desejou mergulhar na multiplicidade
das coisas, nos fluxos da vida, no
movimento. Suas composições passaram a
ser mais dinâmicas, abertas. O movimento se
fazia presente nas artes, que agora
mostravam uma tendência a romper com no desenho, na pintura, na escultura, na
todas as fronteiras, mostrando uma arquitetura.
variedade de formas de expressão que eram,
inclusive, adaptáveis às culturas locais. O Em resumo, são na verdade duas visões de
Barroco, nascido na Itália, se espalhou pela mundo: uma, em que o mundo se encontra
Europa e pelo mundo. Aqui no Brasil, as encerrado entre linhas limítrofes e com
montanhas de Minas Gerais inspiraram o regras mais claras; a segunda, uma visão de
nosso maior artista barroco, o Aleijadinho. que tudo no mundo se relaciona e há que se
buscar ver a realidade como resultado de um
Caravaggio, na Itália, mergulhou conjunto de relações e que dá unidade a
profundamente nessa nova estética. Usou as tudo.
sombras mais densas a favor da luz, em
seus quadros. Montava suas composições O estilo Linear vê o mundo em linhas. O
em ambientes com pouca luz e era dali que sentido do objeto é buscado primeiro no
fazia com que emergissem as figuras. contorno dele e os olhos são conduzidos
através dos limites da forma. Limites firmes,
Até o começo do período do Barroco, nos ao qual tudo se subordina.
fins do século XVI, o desenho e a pintura
ocidentais seguiam o estilo linear, onde Exemplos de pintura e desenho linear:
predominava o uso de linhas - mesmo na
pintura - e as composições planas,
luminosas. Mesmo Leonardo da Vinci que em
um tratado sobre a pintura recomendava que
o artista não respeitasse os limites da linha,
ele mesmo pintava desta forma.
Michelangelo, o grande, inquieto e pródigo
artista do Renascimento também ele
respeitava as linhas. O mesmo aconteceu
com Sandro Botticelli, ou com Rafael di
Sanzio ou com outros grandes.

Mas Ticiano… não! A Escola Veneziana, à

qual ele pertencia, era a escola da pintura
cheia de cor, que ousou ir mais longe do que
a Escola Florentina, que praticava um
desenho e uma pintura mais lineares. Ticiano
foi um dos pioneiros do estilo pictórico,
rompendo os limites da linha, abrindo mão de
descrever os detalhes do que via em prol do
que era essencial aos olhos. A importância
de Ticiano na história da arte deve-se ao fato
de que ele deixou para seus contemporâneos
e para a posteridade uma concepção de
pintura verdadeiramente revolucionária, pois
foi ele quem libertou a pintura dos limites da Estilo Pictórico
linha e da forma, dando todo o poder às
cores. O estilo Pictórico, por seu lado, confere à
forma um caráter indeterminado. Busca o
Linear e Pictórico movimento que ULTRAPASSA o conjunto
dos objetos. As formas isoladas têm pouca
Em seu livro “Conceitos fundamentais de importância, pois vale a Unidade do todo, o
história da arte”, Heinrich Wölfflin explica de conjunto do quadro. O pictórico emancipa as
forma bastante didática essas duas massas do degradée do chiaro-oscuro e do
concepções da arte, que pode estar presente sfumato, um jeito de pintar que alisa as tintas
e cria uma sensação de profundidade através
da passagem suave das sombras para a luz,
ou vice-versa. No estilo Pictórico, o visível
parece REAL aos olhos: o pintor reproduz a
aparência do objeto / da Realidade. Mas isso
não significa superficialidade, já que a
aparência é o resultado de um jogo de forças
distribuído em camadas em diversos níveis
de profundidade. O artista pictórico vê o
mundo como massas, não como linhas.
Rembrandt van Rijn (15/071606 - 4/10/1669)
Este artista holandês fez um esforço para
subtrair as figuras à zona tátil e eliminar o
que sobra. Para ele, os contornos não são
importantes. Cada detalhe está tão ligado ao
contexto maior que dá a impressão de
MOVIMENTO contínuo. Rembrandt usava
grossas camadas de tinta para mostrar o
movimento das massas em direção à luz.
Para ele quanto mais luz, mais densidade de
tintas. Na medida em que ele amadurecia em
idade e em produção artística, mais se
tornava um exemplo de que o progresso na
concepção pictórica pode caminhar
paralelamente em direção a uma crescente
simplicidade.
O estilo pictórico é o despertar para um novo
sentido da beleza, diz Wölfflin. Quando
Rembrandt pinta uma figura sobre um fundo
escuro, a luminosidade do corpo parece
emanar naturalmente do escuro do espaço.
Franz Hals (1580 ou 1585 — 10/8/1666) não
queria reproduzir mais do que o olhar
apreende do conjunto. Jan Vermeer
(31/10/1632 - 15/12/1675) em seu trabalho
lento e meticuloso de pintor, busca expressar
a fragilidade dos limites entre as formas, as
suaves e profundas distinções entre a luz e a
sombra.
O estilo pictórico mostra a realidade como ela
é apreendida pelo olhar do artista. É a arte
do “parece ser”. A pintura, em seu conjunto,
tem movimento, ritmo, amplitude além da
forma. O artista renuncia à ideia anterior
sobre a cor local. As cores servem ao
movimento. Elas são um novo ideal de
beleza. A sombra já não é dominada pelo
preto, mas por tons mais intensos. Luz e
sombra são parte da mesma coisa.
À distância, tudo está completo. Próximo, só
podemos enxergar as pinceladas do artista.
As raízes do Impressionismo do século XIX
na França já tinham sido lançadas pelos
artistas holandeses. Eles já haviam
descoberto o caráter pictórico da Natureza: a
beleza das roupas rotas de um mendigo, de
uma casa em ruínas, das águas inquietas de
praias e cachoeiras, das nuvens em perene
autocriação, das multidões se movimentando
nas feiras e praças…
As ideias de Heinrich Wölfflin se refletem
também nas do pintor realista norte-
americano David Leffel, que complementa: o
pintor não pinta “coisas”, pinta a luz nas
coisas. Ele não vê seu modelo como um
conjunto de detalhes separados, mas em
termos de movimentos de massa. Não pensa
em características especificas como “boca”,
“nariz”, ou “olhos”; mas vê massas movendo-
se para dentro e para fora. Vê movimento
entre a luz e a sombra, que vai dando
materialidade ao modelo. A realidade é a
referência permanente do artista. Ele não
pinta o que não está lá, ou o que ele não vê,
mas aquilo que para ele é significativo da sua
observação do mundo. Através do seu olhar,
ele mostra como “pensa” o mundo, qual é
sua atitude, sua capacidade de ver e de
sintetizar o que vê
Tudo isso para dizer o seguinte: eu sou parte
hoje dos que fazem pintura Realista e
pictórica aqui em São Paulo, onde conheço
pelo menos quatro ateliês de pintura realista
em plena atividade. Mas não só aqui. A
pintura realista retoma um fôlego muito
importante em diversos lugares do mundo.
Só para citar alguns, do meu conhecimento e
experiência: Rússia, França, Espanha e
Estados Unidos. Nos EUA, onde ainda se
pratica a pintura acadêmica e começa a criar
grande força o Hiperrealismo, a pintura
realista conta hoje com os mais importantes
mestres, o que não deixa de ser curioso, uma
vez que a Guerra Fria produziu lá o
Expressionismo Abstrato em contraposição
ao Realismo. Muitos destes velhos artistas
norte-americanos, que ainda estão vivos e
produzindo muito, passaram por toda aquela
fase de perseguição do macarthismo que
identificava pintura realista com comunismo.

A pintura Realista pictórica é a coisa mais

apaixonante que existe para mim! Nada dá
mais prazer intelectual do que enxergar a
possibilidade de romper os limites, ir além
das formas, ultrapassar as bordas do mundo,
buscar o que há mais lá dentro, no fundo,
escondido dos olhos dos apressados.

Muitas vezes é necessário romper limites,

mas isso sempre exige coragem! Inclusive
para nadar contra a maré do Mercado.