Como fazer animação 3D – Um Guia

Passo a Passo
Conheça o passo a passo de como fazer
uma animação 3D
Nesse artigo, vamos falar um pouco sobre os princípios básicos de como fazer uma
animação 3D. Apesar de serem processos semelhantes, vamos abordar as etapas para
o formato de animação 3D.

Ao ler cada passo, você pode ter uma ideia de como fazer uma animação 3D, ao
mesmo tempo que poderá imaginar em que etapa a sua carreira artística pode se
encaixar. <3

Vale dizer também, que cada tópico desse artigo abre espaço para mais um artigo
inteiro, por isso vou deixar as etapas bem resumidas, só pra gente ter uma ideia
mesmo.

Simbora? =)

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Assuntos desse Artigo:

1. Pré-Produção
2. Produção
3. Pós-Produção

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Pré-Produção
A Pré-Produção é a parte do planejamento de uma animação 3D. Nessa parte
definimos a história, os conceitos, estilo, sensações e todo o direcionamento para a
execução da sua história.

Os artistas que trabalham nessa área geralmente são: Roteirista, Artista de

Storyboard, Artista de Concept de Personagens, Artista de Concept de Cenário, Editor
de vídeo.
Ideia
Todas as histórias começam com uma ideia ou conceito inicial.

Para ficar mais prático, vamos imaginar que a ideia da nossa animação é um
passarinho que tem medo de altura. Apesar de ser boa, ainda não conseguimos
concretizar uma história apenas com ela. Para isso, partimos para o roteiro.

Roteiro
O roteiro é o que vai guiar toda a história a partir da ideia inicial. Ele vai dar um
começo, meio e fim para a sua animação de forma escrita e detalhada. É quase como
um livro de história, só que com suas próprias regras, indicando os diálogos dos
personagens com suas formas de falar e o que irá compor cada cena.

Concept Art / Arte Conceitual

Do roteiro é tirada a ideia central da animação e a partir daí são desenvolvidos os
conceitos visuais que deverão passar a mensagem com clareza. É um tipo de
ilustração que se especializa em desenvolver a estética visual de tudo antes do filme
passar a ser reproduzido.

Se estamos falando de uma história que acontece no Faroeste do século XIX, o

concept artist deverá representar tudo dessa época para que a mensagem seja
passada de forma convincente (afinal, a menos que a gente queira fazer uma
mistureba na vida, não se espera um personagem de Iphone em uma época que nem
existia celulares, não é mesmo?)

Storyboard
Agora que temos de forma clara como a nossa animação 3D deve parecer, precisamos
organizar tudo para contar a história para o público. O Storyboard é um guia feito com
uma série de desenhos que representam todas as cenas da animação.

Com ele conseguimos entender visualmente como a história será contada, como os
personagens deverão interagir, quais enquadramentos deverão ser feitos, entre outras
coisas. Sua estrutura se assemelha muito como a de uma história em quadrinhos sem
falas.

Animatic
De forma bem simples, o Animatic é uma versão animada do Storyboard. Com ele você
já consegue ter um entendimento muito maior da sua animação 3D e ajustar as coisas
que ainda não estão fluindo bem antes de passar para as etapas mais complicadas.
Além de mostrar as imagens do storyboard em sequência, o Animatic pode ter uma
prévia dos sons e das vozes (caso houver)
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Produção
Apesar de nenhum planejamento passar pela guerra sem sofrer alterações durante o
caminho, podemos dizer que 90% do filme já foi definido na pré-produção. Enquanto
que a pré-produção é como anotar a receita do bolo e separar os ingredientes, a
produção é colocar a mão na massa para fazer o bolo acontecer.

Os artistas que trabalham nessa área geralmente são: modeladores, riggers, atores,
dubladores, animadores, artistas de visual development, artistas de iluminação e
render.

Modelagem
Uma das minhas partes favoritas do processo, a modelagem é a criação do mundo da
sua história no computador. É como um desenho tridimensional, ou uma escultura
digital.

Na modelagem você cria os personagens, cenários e objetos de acordo com os

conceitos criados na Pré-Produção. De todas as áreas do 3D, a modelagem tende a
ser a mais artística e menos técnica, e, apesar de alguns estúdios terem preferências
por modeladores que também ilustram, você não precisa saber desenhar para ser um
bom modelador.

Rigging
Rigging é o processo de criar um “esqueleto” digital. Sem ele, é impossível você fazer
os movimentos que quiser dos personagens e objetos de forma convincente. Para
desenvolver um bom rig, você precisa entender que animações e expressões o seu
personagem terá, visto que ele é uma parte ultra essencial para que a animação 3D
aconteça da forma que ela deve acontecer.

Nesse vídeo você consegue ver um pouco como funciona o Rigging de um

personagem:

Previz (Pré-visualização)
Depois que a modelagem e o rigging de toda a sua animação 3D estão prontos,
fazemos o Previz de tudo. Um Previz nada mais é do que um Animatic mais avançado,
só que, ao invés de você utilizar ilustrações de como as cenas deveriam ser, você
passa a fazer as cenas com tudo que já está pronto da animação 3D. Enquadramentos
e movimentos de câmera também já estão inclusos nessa etapa. Dessa forma você
ainda consegue fazer alterações em alguma cena antes de perder muito tempo com
ela.
O vídeo abaixo mostra a diferença entre a Previz (ou Pré visualização) e uma cena
finalizada:

Vozes
Se a sua história tiver narrativa, será necessário a escolha de atores para fazer as
vozes dos seus personagens.

Os motivos principais pelas vozes serem gravadas antes da animação dos

personagens, é porque as vozes são usadas para sincronizar a animação 3D.

Conforme essa etapa foi evoluindo, os estúdios também passaram a gravar vídeo dos
atores durante a atuação para incorporar na animação 3D também alguns gestos
corporais e atitudes, deixando o personagem ainda mais natural à voz escolhida.

Animação
Em um artigo aqui do Artgeist, comentamos sobre alguns programas de animação que
são padrões na indústria.

Independente do programa que você escolher, a animação é o processo de dar vida a

sua história. Enquanto que na animação tradicional 2d os animadores tinham que
desenhar cada quadro de animação (lembrando que cada segundo possui pelo menos
24 quadros), no caso da animação 3D, o artista define as poses principais da cena (key
poses e breakdowns) e o programa vai preencher os quadros restantes (conhecidos
como inbetweens)

É nessa parte em que o maior tempo é gasto para a produção da sua história.

Textura e Iluminação
Agora estamos chegando nos finalmentes da animação 3D.

Apesar de ser uma área mais técnica, uma boa textura, iluminação e render são
essenciais para dar aquele visual incrível que tanto vemos nas grandes telas.

É nesse momento que você transforma a sua animação 3D em algo convincente para o
seu público. Se você precisa mostrar que o seu personagem tem pelos em certas
áreas, por exemplo, o artista de textura vai precisar desenvolver uma textura de pelos
convincente para representar a sua ideia.
No caso do filme Zootopia, os artistas de textura foram estudar mais de 100 tipos de
pelos a nível microscópico para entender o seu funcionamento para fazer as texturas
mais incríveis possíveis.

Render
Vamos dizer que o render é como a “revelação final da imagem”. Enquanto que a
produção toda é como o botão REC de uma gravação de vídeo, o render é uma etapa
antes do play. É o seu equipamento salvando todo o arquivo que você gravou com
todos os acabamentos que você definiu.

É nessa etapa que muitas empresas decidem contratar as famosas Render Farms
(literalmente, “fazendas de render”, onde são montados vários computadores de última
geração para renderizar cada quadro) para acelerar o processo, visto que o processo
de renderizar apenas 1 cena pode levar horas e, dependendo da complexidade, até
mesmo dias.

Uma curiosidade: Para renderizar Toy Story 3 foram necessários cerca de 800.000
horas de renderização (algo equivalente a 33.333 dias, 1095 meses ou 91 anos. Agora
imagine quanto processamento foi necessário para reduzir 91 anos de render em
menos de 1 ano. Sem as render farms, as grandes produções como conhecemos,
seriam impossíveis.

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Pós Produção
Nessa fase, o filme está 90% finalizado! Agora que a parte mais difícil já passou, está
na hora de montar tudo para deixar a animação 3D assistível para o público

Os artistas que trabalham nessa área geralmente são: Editor de áudio, editor de
vídeo, editor de motion graphics, editor de efeitos especiais, editor de fotografia e
tratamento de imagens.

Composição Final
Na composição final juntamos tudo que foi produzido e finalizado da produção. Agora é
hora de juntar as cenas renderizadas, as vozes, efeitos especiais e efeitos sonoros e
colocar tudo em uma timeline só para que o vídeo seja visto sequencialmente.

Os programas utilizados nessa etapa mais conhecidos pela indústria são o Adobe After
Effects, Adobe Premiere e Final Cut.
Exemplo de composição final

Considerações Finais
Em uma média de tempo que você gastaria fazendo uma animação 3D, estima-se que
30% do tempo é utilizado na pré-produção, 50% na produção e 20% na pós-produção e
as etapas que mais costumam consumir tempo é a animação e o render.

Quero em breve fazer um artigo explicando mais detalhado sobre cada etapa da
criação de uma animação 3D, mas enquanto esses artigos não chegam, sintam-se
livres para comentar o que mais vocês gostariam de ver por aqui!

Tentei explicar da forma mais simples possível, e caso tenham alguma dúvida ou
sugestão, deixem nos comentários que ficarei muito feliz em responder <3