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Introduccin

2.La ltima exposicin Laura Bas Futuris t a

p.6 p.10

3. Las Vanguardias y sus instalaciones Ana Serra


4. Happenings
Yolanda Cataln

p.16 p.22 p.31 p.38 p.43

5 . El P op Art y s u s esculturas Hb r i d a s

Irene Pont

6. Ma rcel Brood t h a e r s Danie l B u r e n 7 . Los Minimalistas


Irene Monlleo

Amanda Garca

8 . Arte Conceptual

Ana Mateo

9. b o l t a n s k y y el archivo

p.46 p.51 p.57

Andrea Tolsada

10. Rebeca Ho r n Y Louise Bour g e o i s

Marta

11.Cambio en los soportes del arte e integracin de la mujer.Jenny Holzer y Barbara Kruger

Natalia Coleto

1 2 . Flix Gonzalez Torres Y Group M a t e r i a l

p.64

Nacho Ramos

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ILYA

KABAKOV

Gina Rosado

p.68

14.Conclusin Bibliografa

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Reparto de tareas

I n t r o d u c c i n

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2 .La ltima exposicin s u rreali sta

Laura Bas

El futurismo es un movimiento artstico que tiene origen en Italia con Filippo Marinetti. En 1909 se crea un manifiesto que se publica en Pars dnde se menciona la consolidacin de dicho movimiento. Se va difundiendo hasta llegar a nivel mundial. Este movimiento viene directo del cubismo; y es el primero en reconocerse como movimiento. La cualidad que ms valora es la originalidad. Las obras que nacen del futurismo se caracterizan por su colorido y formas al igual que por su mana de representar la velocidad y el movimiento. En 1912 llega a Rusia con el manifiesto Bofetada al gusto del pblico; de este movimiento surgieron varias corrientes distintas en Rusia. Las obras surgidas del futurismo ruso comprenden como objetivos los mismos que el italiano; la diferencia es que en el caso de Rusia el movimiento fue ms literario que plstico, de cierta forman reinventaron el movimiento ya que muchos artistas rusos de la poca no estaban de acuerdo con Marinetti y su forma de ver el futurismo. En este mismo ao Tatlin y Malevich participan en la exposicin El rabo del burro defendiendo tanto el primitivismo popular y el futurismo. Los futuristas rusos fueron socialistas en su mayora y ya en 1913 abuchearon, por burgus, a Marinetti en su visita a Mosc. Cuando comenz la I Guerra Mundial Rusia se encontraba sumergida en una incesante batalla contra Alemania y Austria. La llegada de la guerra debilita los poderes del Zar Nicolas. Durante esta guerra se decidi que San Petersburgo era un nombre demasiado germnico para la ciudad y se le cambi por el de Petrogrado el 31 de agosto de 1914. Finalmente en 1917 sale del poder el Zar tras una revolucin rusa. Poetas y pintores se unen para consagrar as obras increbles. Los futuristas son los primeros en preocuparse de que el arte no sea algo qe tan slo se observe. Estos deseaban ir ms all de las paredes de un museo y por tanto se reunieron todo tipo de artistas de la poca para que el espectador pudiera estar en el centro de la accin pintada, buscar reacciones reales. Marinetti (creador del futurismo) deca que prefera un abucheo a un aplauso mediocre, puesto que el primero tiene mucho ms sentimiento; por lo tanto en las exposiciones haca de todo como poner pegamento en las butacas. Ultima exposicin futurista 0.10. 1915, Petrogrado. En 1915 el movimiento futurista en Rusia llega a su poca de esplendor. El cubo-futurismo y otros movimientos artsticos ya se encuentran consolidadados y despus de la guerra se retoman. A finales de este ao Tatlin y Malevich como artistas del movimiento ruso moderno exponen en la exposicin futurista; con muchas obras entre ellas Cuadrado negro de Malevich que caus gran sensacin entre el pblico. Por otra parte Tatlin expone ensamblajes que fueron creados por este artista que es algo revolucionario en esa poca, y que haba expuesto anteriormente. La exposicin estuvo a punto de suspenderse por las diferencias entre Tatlin y Malevich. Segn otros muchos artistas de esa exposicin cuadrado negro de Malevich rompe con todo el arte antiguo y marca una nueva era de arte moderno.

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Kazimir Severnovich Malvich (11 de febrero de 1878 - 15 de mayo de 1935) fue un pintor ruso que cre el suprematismo. Siente la necesidad de formarse acadmicamente y va a Mosc en 1904. Entra siendo un impresionista y sale siendo un neo impresionista un ao ms tarde. Su primera exposicin fue en 1907 dnde estuvo compartiendo paredes con artistas como Kandinsky; en esta exposicin muestra grandes influencias del fauvismo y del expresionismo. En 1915, tras varias exposiciones y el manifiesto del futurismo italiano, Malevich trabaja en 0.10 La ltima exposicin futurista en la cual expone 39 obras, entre ellas cuadrado negro Curiosamente cuando Malevich mostr por primera vez este cuadro lo emplaz en la interseccin entre dos paredes, la hermosa esquina, lugar tradicionalmente reservado a la colocacin de los iconos religiosos en la tradicin ortodoxa. Por otro lado la eleccin de la forma cuadrada no es fruto del azar ya que, por tradicin, junto con el crculo, esta es la representacin de la perfeccin matemtica, la forma cero; puesto que ella expresa la neutralidad absoluta. El pintor pretende con el suprematismo deducir los elementos que aparecen al mnimo y establecer formas simples como una cruz o un cuadrado. Contina intentando dar a conocer el movimiento creado por l y junto con Ivn Puni da una charla sobre cubo-futurismo y suprematismo. En 1921 intenta instaurar sus ideas en Mosc, donde da clase en una escuela de arte, pero sus ideas chocan contra el pensamiento del constructivismo instaurado en la capital rusa. En los ltimos quince aos de su vida lo echaron de su puesto de trabajo y comenz a experimentar en un laboratorio para el estado ruso dentro del arte. Vladmir Yevgrfovich Tatlin (28 de diciembre de 1885 Jrkov, Ucrania, 31 de mayo de 1953 Mosc) Pintor y escultor ruso que crea lo que hoy conocemos como ensamblaje. Fund el constructivismo en 1914. Tatlin destaca masivamente por su funcin de arquitecto a la hora de disear el monumento La Tercera Internacional (1920) que era un edificio ms alto que la torre Eiffel y habitable. El alto coste de este monumento supuso que permaneciese en un papel y no se construyera de verdad. pesar de la amistad que mantena con Malevich sus diferencias les llevaron a casi acabar con la 0.10 y a consecuencia de ello se distanciaron y dejaron de trabajar colectivamente. En los ltimos aos de su vida Tatlin se dedic a perseguir e investigar el sueo del ser humano que segn l era volar.

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El 24 de junio de 1920 se llev a cabo la primera gran FERIA DADA en cuyas salas se encontraban amontanadas las obras qe se expusieron, todos los espacios haban sido cubiertos por carteles, anuncios etc. Fue el acto ms espectacular del Dad montado en la galera de Burchardt y organiza por el artista Hausmann. All se expusieron casi doscientas obras Dada de toda Europa, queriendo provocar sobre todo poltica y militarmente. No era menos brutal la crtica poltica: el soldado alemn colgado del techo con cabeza de cerdo, llamado el Arcngel prusiano, y de Grosz, Alemania, un cuento de hadas fueron destruidos; todas estas obras aparecan junto a octavillas, grabados, fotomontajes, collages, muecos... Kurt Schwitters (Alemania 1887- Reino Unido 1948) Se trata de un pintor alemn creador del movimiento Merz. Este artista comenz a formarse como arquitecto pero tras familiarizarse con el expresionismo abandona la carrera para dedicarse al arte y a encontrar su propio estilo y manera de ver el arte. Tras comienzos impresionistas que ms tarde fueron expresionistas finalmente en 1918 Schwitters expone sus primeras obras cubo-futuristas en el Der Sturm. Sobre 1920 comienza a realizar sus primeros collages a base de materiales de desecho como son recortes de peridico, tickets de tranva, etc. Este movimiento se denomina Merz a causa del fragmento de la palabra Kommerz que apareca en un recorte de peridico incluido en uno de sus collages del comienzo. Schwitters hizo una gran aportacin al movimiento Dad puesto qe en 1920 comenz una obra de assemblaje compuesta por muchos materiales de desecho incluidos regalos y recuerdos cuyo dentro era una esculutura de l mismo. La obra fue creciendo hasta ocupar dos piso de altura en 1934. Es la llamada Columna Merz en estructura Merz (tal el nombre que el le da) en la cual trabaja por casi una dcada con todo tipo de materiales. Coloca en cavidades que va construyendo, tanto billetes de transporte como materiales encontrados en la calle. Cada una de las cavidades esta dedicada a alguno de los artistas plsticos de su poca y contena recuerdos muy ntimos de la persona (un mechon de cabello; la punta de una corbata; un trozo de ua; un lpiz de dibujo; una dentadura postiza y hasta un frasco con orina). Esta obra fue ocupando la casa de su propiedad y, cuando Schwitters ya no pudo hacerla crecer ms por falta de espacio, desaloj a los inquilinos del piso superior, agujere el techo y continu trabajando en su pieza. l mismo definira este proceso artstico como consecuencia del momento histrico en que le haba tocado vivir: La Gran Guerra ha terminado, en cierto modo el mundo est en ruinas, as pues, recojo sus fragmentos, construyo una nueva realidad.

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Se le tach de demasiado burgus como para formar parte del Dadasmo. En 1922 el fuerte impacto de la exposicin de arte ruso contemporneo comienza a mantener estrechos vnculos con el dadasmo. La palabra Merz dio ttulo a una revista que fund el alemn en 1923 y estuvo publicndose hasta 1932. En ella, Schwitters y sus colaboradores difundieron el espritu del dadasmo, corriente artstica a la que pertenece el pintor, adems de contribuir a la modernizacin de la tipografa y el diseo grfico. En 1937, la presin ejercida por el ejrcito nazi sobre l le forz a huir de Alemania e instalarse en Noruega, pas que tuvo que abandonar tambin tras la invasin alemana en 1940. Desde entonces vivi en Ambleside, Inglaterra. Durante estos aos combin sus obras Merz con una vuelta a la figuracin en paisajes y retratos, con los que no estaba muy familiarizado. Schwitters inspir muchas corrientes artsticas, desde el informalismo hasta el pop- art.

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3. Las Vanguadias y sus instalacione s

ANA SERRA

El tema el cual me ha sido asignado para el trabajo de grupo Instalaciones, ha sido Las Vanguardias y como estas han ido desenvolvindose y relacionndose con el tema de las instalaciones. Las vanguardias principales en este trabajo sern; El Surrealismo y El Dadasmo. Dos Vanguardias que tendran una gran repercusin en el mundo del arte como en el de la historia. Destacando en ellas grandes artistas como lo son Duchamp y Dal. Las vanguardias surgieron en Europa a principios del siglo XX y abarcaron todo el siglo de forma distinta y con distintas etapas solapadas y de forma evolutiva. En 1905 surgi el Fauvismo en Francia en torno a Matisse. Ms adelante surgira en Alemania a travs de un grupo de jvenes e ira evolucionando hasta el 1907 donde se disgregara el grupo y nos adentraramos a una nueva vanguardia y etapa del arte, el cubismo, con artistas tan reconocidos como Picasso o Braque. En Italia dos aos ms tarde (1909) surgira ya un Futurismo gracias a Marinetti. Un ao despus en el 1910 Kandisky nos mostrara su primera acuarela abstracta, mostrando a Rusia un nuevo estilo de arte y movindolos hacia el Rayonismo de Larinov y Gontcharova (1911-1914). A pesar de la primera guerra mundial (1914-1918) el arte vanguardista no se detuvo y se sigui desencadenando un hilo de nuevas vanguardias que daran origen a muchas otras. En Rusia, el artista Malevitch se inci en el arte de las vanguardias con el Suprematismo. Mientras que Suiza, no habiendo sido expuesta a las vanguardias hasta entonces, en el 1916 gracias a la guerra y un grupo de artistas refugiados surgi el Dadasmo, con Marcel Duchamp y sus ready made de 1914. Fundado en Amsterdam en el 17, el Neoplasticismo. Con la revista de Stijl (El Estilo) constituida por Mondrian y Doesburg. Dos aos ms tarde, surgi el Constructivismo Ruso influenciando a Alemania y formando as La Bahaus siendo suprimida en el 33 por el gobierno nazi. Pero a pesar de esta catstrofe la pintura sigui su curso y se cre a raz de esta censura un movimiento de carcter crtico y expresionista llamado Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad).Estas Vanguardias daran su fin con el Surrealismo iniciado por Andr Bretn en 1924 y continuadas por el famoso Salvador Dal. Cuando Pablo Picasso en 1912 decidi sustituir la representacin pictrica de una rejilla por una rejilla de verdad en el cuadro Nature morte la chaise cane y poco despus fue imitado por Braque, anunciaban la ruptura de la bidimensionalidad dando paso al collages o papiers colls. Esta experiencia pictrica promovi a un gran nmero de artistas a realizar obras tridimensionales. Ese mismo ao los pintores rompan toda norma tradicional y despezaban el cuadro o directamente se deshacan de l. Esto provocara que los artistas utilizaran las mismas salas de exposicin para hacer de ellas sus lienzos. Creando as las instalaciones. Dado en el caso de La ltima exposicin futurista de 1915, o donde se confrontaba y dialogaba con mltiples carteles y objetos expuestos como se hizo en La Primera Misa Internacional Dad de 1920. Esta exposicin o instalacin sera realizada entre mltiples artistas en Dad 1925 Berln. Se compondra por una muestra de carteles de Raoul Hausmann, John Heartfield y George Grosz. Todos estos colgados alrededor de las paredes de la instalacin. Luego Hannah Hch aportara dos muecas una de ellas colgada del techo produciendo un gran impacto al
La Primera Misa Internacional

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espectador. Max Ernst expondra junto a ellos su Dadafex Maximus, mientras que Johannes Baader finalizara la obra expuesta con Los avisos al pblico de superdad. Desde aquel entonces el mundo del arte recobrara un nuevo sentido para los artistas y algunos criticaran esta forma de expresin mientras que otros se adentraran poco a poco en el mundo de las instalaciones, a travs de ferias, arquitectura, exposiciones temticas influyendo en la distribucin espacial de la poca y en la forma de incluir el espacio como arte. Marcel Duchamp fue el precursor del Dadasmo, empezara en 1913 con un Rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina. Esto lo denominara un ready- made a la inversa: servirse de un Rembrandt como tabla de planchar dira este. Ms adelante refugiado en Zurich por culpa de la guerra se reuni junto a un grupo de rebeldes y decidieron rebelarse contra los burgueses que haban ocasionado aquel conflicto armado. Atacaron a travs del arte creando un tipo de antiarte. Un estado de nimo permanente contra la belleza eterna, contra las leyes de la lgica y contra la sociedad establecida por los burgueses. En 1938 Duchamp volvera a hacer otra instalacin digna de admiracin. Las ms bellas calles de Paris. Esta instalacin estaba compuesta por vitrinas, maniques y placas de calles parisinas, por las cuales accedas a la sala principal de la exposicin. All Duchamp haba colocado doscientos sacos de carbn, todos ellos colgados del techo, sobre cuadros y objetos, entre los cuales sobresala una estufa en el centro. Estos sacos seran para l, aquello que ms le gusto de la instalacin en su completo. Los espectadores entraban a la sala y el carbn dejara en ellos al salir un rastro negro en sus ropajes y rostros. Al igual que poco a poco los objetos, cuadros y el suelo de la sala se iran cubriendo del polvo del carbn, dando a la sala aquel toqu hostil y sucio. Aludiendo al a socia contaminante y a los medios de transporte que poco a poco contaminaran el mundo.

Las ms Bellas Calles de Paris 1938

Puesto que el hablar no serva para concienciar a la humanidad, el llevara a la humanidad a aquella lgubre sala donde poco a poco se contaminaran ellos mismos. Como si se tratase de una metfora utilizada para hacer entender a los espectadores burgueses del crimen que cometan da a da. La entrada a la instalacin se vera adornada con mltiples paisajes urbanos, decorado con carteles ficticios de seales encontradas por la ciudad de Paris e iban acompaados de diecisis maniqus vestidos. En el vestbulo principal se encontraran cuatro camas, con hojas muertas y polvo cubriendo el suelo de la exposicin. De fondo musical los llantos desgarradores de internos en un manicomio acompaado por la marcha alemana. Todo esto otorgara un ambiente pesimista y decadente para los espectadores. Pero durante la exposicin hubo algo que se le paso a muchos por alto. Marcel Jean dice Duchamp pens en instalar ojos mgicos para que las luces se encendiesen automticamente en cuanto un espectador pasase por enfrente del cuadro Pero la idea de Duchamp fue irrealizable. Man Ray (Artista dad Estadounidense) adapt la idea para la noche de la inauguracin, quit las luces y entreg a los visitantes linternas para contemplar las obras. Siendo esto un nuevo tipo de instalacin que impacto a los visitantes del museo. Una nueva forma de interactuar con la instalacin y la obra estaba siendo puesta a prueba.

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El Museo Porttil fue una obra realizada desde 1938-42. Realmente la idea original fue de 1936, donde l quiso meter todas sus obras de tamao reducido dentro de una valija o caja metlica y que al abrirla esta representase un pequeo museo con todas sus obras expuestas de una forma ordenada y correcta. Desde aquel entonces tard cinco aos en juntar todos los materiales y preparar las reproducciones. A partir de 1941 empez a ensamblar las cajas y las maletas. El artista planeo hacer un total de 300 copias de cada una de las obras seleccionadas. Creando as los primeros veinte ejemplares de lujo y luego unos ms de la primera serie. Ms adelante creara 12 nuevas versiones que seran terminadas tras la muerte del artista. En 1942 Marcel Duchamp pona en prctica lo ocurrido en Berln (La Primera Misa Internacional Dad) en la habitacin de Whitelaw Reid Mansion New York, utilizando cordel enredado a lo largo de toda la habitacin como si se tratase de una tela de araa. Este mismo cordel no solo envolva la habitacin si no las dems obras expuestas en la sala, que componan Primeros Papeles del Surrealismo. Segn un artculo hallado en internet titulado El amo del Exilio que hace referencia a Duchamp, se nos relata los hechos ocurridos en Nueva York para hacer que Duchamp en cuestin a Primeros Papeles del Surrealismo llegu a la idea de manipular otras exposiciones. Como as hizo con la galera de Peggy Guggenheim que celebr coetneamente una exposicin del surrealismo con otro diseador distinto, con las pinturas expuestas sin marco para crear una conexin entre estas y el espectador. Duchamp en su diseo tuvo una idea completamente distinta, donde el espacio estaba surcado por piolines tendidos entre las paredes. Este ataque no fue realizado ms que para evitar la comodidad de ver el cuadro a los espectadores. Su espritu burln criticaba Marcel Duchamp Primeros Papeles del en aquellos momentos la comodidad y lujos de una manSurrealismo 1942 sin, aludiendo la hostilidad contra las facilidades del hogar y la patria. Sin olvidar en todo momento su espritu burln, se neg a aparecer en la exposicin y envo a varios nios para que jugasen dentro de la sala cada vez que un espectador se aproximase a un cuadro. De este modo aumentaba la incomodidad del lugar y el poco respeto haca la burguesa que acuda a aquella exposicin. La ideologa de un nuevo arte relacionado con la vida exalto y gusto mucho a la gran mayora de artistas, un arte con el que haban soado Romnticos y Revolucionarios. Este arte es comparado hoy en da como un lmite entre el arte y la vida donde todas las artes se unen en forma de manifiesto. Es ah donde el artista se da cuenta de que el arte no tiene por que reducirse a un espacio tan limitado ni concreto como el de un lienzo, si no que el arte tan expresivo como siempre, puede tener la capacidad de salir del lienzo y acaparar todo el espacio deseado. En 1935 Salvador Dal se integra en el mundo de las instalaciones y el arte a travs del Surrealismo y Ledoux. Este retratara una sala con la cara de Mae West, un espacio idealizado con aspecto morfolgico. Esta pintura servira ms adelante en 1938 como un boceto para la creacin de la verdadera sala, hoy reproducida en el Museo Dal de Figueres.

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La obra sera transmitida del cuadro a la arquitectura con la ayuda de scar Tusquets a finales de los aos setenta. Cada elemento constara de una gran importancia para conformar de este rostro un apartamento. El pelo representara una cortina que da paso a la entrada del aposento, los ojos seran dos cuadros que adornaran la estancia, la nariz con un reloj encima simbolizara lo hogareo representado a travs de una chimenea. Mientras que los labios no sera otra cosa ms que un sof para hacer de la estancia algo ms amueblada y menos pobre. Esta no sera la nica instalacin del artista Dal, durante su estancia en Nueva York a lo largo de los cuarenta acept hacer un escaparate para los almacenes Bonwit-Tellerle en La Quinta Avenida de Nueva York. All hara una representacin muy polmica en cuestin al da y la noche. En un lado un maniqu con una peluca roja dentro de una baera de Astracn. En el otro lado encontraramos una figura tumbada en una cama con baldaqun negro en cuya almohada ardan carbones. Pero a ltima hora se le hicieron unas modificaciones las cuales jams fueron aceptadas por el artista y este estrell la baera contra el vidrio en un acto de rebelin contra la obra. Sera realmente al final de la carrera de Dal cuando veramos un avance y desarrollo haca otros aspectos del arte. En 1960 el artista comenz a trabajar en un museo y teatro, que levantara en su casa (Figueres), de l se podra decir que le dedic un tiempo que jams haba gastado en otras obras suyas. Dejara de trabajar en esta obra al cabo de catorce aos (1974). Realizando nada ms que unas obras de menor importancia en el 80. Cuando entramos en la casa-museo de Dal, hacemos un recorrido por la vida del artista. Donde encontramos desde sus obras ms tempranas hasta obras que encontramos al final de su vida. Se podra decir que la casa en su completo es una exposicin o una instalacin, donde cada objeto y cada cosa del lugar tanto como obra o mismo espacio crean un ambiente y atmosfera distinta en cada lugar del museo. Esta casa-museo fue completamente decorada y pintada por el artista. Donde damos paso al recorrido de esta en una pequea plaza, donde ya encontramos una escultura que conforma un cuerpo a travs de los elementos naturales, como lo seran un rbol simbolizando el tronco, un huevo de oro para la cabeza, una manta cubriendo parte de este tronco y un brazo tambin de oro que sostiene la pesada cabeza. Alrededor de este cuerpo encontraramos esculturas de menos tamao y quiz por ello de menor importancia, como lo sern un busto y un relieve que simbolizara el pecho. El decorara cada sala a lo largo de los 14 aos que le dedic a la casa-museo. Siendo ahora visto como un mausoleo para su espritu y para todas sus obras recopiladas en este lugar. Devastado por la muerte de su mujer, Gala en 1982, Dal en la misma casamuseo creara un espacio dedicado a ella. Con una audiencia de estatuas de oro que rodearan el coche de Dal un Cadillac del 41 y detrs de este un pilar con un barco con lgrimas derramadas sostenido por la pareja. De este modo en un pequeo patio trasero de la casa, el dedicara su completo amor aquella que haba sido su musa, su amante y su fiel esposa y amiga. Adentrndonos ms en el museo, encontraramos un retrato de Abraham Lincon que de forma pixelada y a distancia uno tan solo detecta la imagen del presidente. Pero si nos acercamos a la imagen encontraramos nuevamente una pintura de la figura femenina de su amante, en varias posturas o distintas partes del cuerpo de esta.

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Cada sala una nueva instalacin y un nueve ambiente. Cada mueble hecho a mano por el mismo artista y con un simbolismo nico. Podramos concluir que esta sera sin duda la obra ms impactante de la historia de Dal sin lugar a duda. Pero a pesar de todo all no acabara la trayectoria del artista, su afn por introducirse en distintos mundos del arte le llevaron a la escenografa y a los cortometrajes como el que hizo junto a Walt Disney. Este se titulara Destino narrando la historia de un amor imposible entre una bailarina y un jugador de bisbol. Se aman, pero el tiempo representado por el Dios Griego Cronos se impone y les prohbe el amor, lo cual nos dicen de forma subliminal que es imposible escapar del destino. Pero este trabajo a pesar de los problemas obtenidos a lo largo de la produccin la cual llevo casi medio siglo. Es digno de destacar pero nada ms es otro arte digno de destacar en el currculo del artista. Finalmente de Dal nos quedara hablar de la gran aportacin que dio en el Ballet, creando escenografas para obras tan importantes como lo fueron Tristn e Isolda que utiliz Ramn Oller en el festival de Peralada. Pero el teln utilizado por el director, a pesar de muchas publicaciones, no fue el original utilizado. Esto se vera en un pequeo detalle del teln abajo a la izquierda donde una pequea bola se encontraba, la cual si hubiese sido el original no existira. La capilla de Bcklin pudo haber sido uno de los motivos de inspiracin para Dal en el segundo acto de Tristn Fou. En el cual Tristn emerge del mar. Una obra llena de simbolismos utilizados y que a simple vista poco visibles para el espectador pero aumentan el simbolismo y dramatismo de la escena. Simbolismos como la fuerza del mar donde se dice que representara los tres briosos caballos o quiz como dice un conocedor de Dal, que se puede ver la clara silueta de la cabeza del caballo. O por ejemplo los cipreses que representaran la muerte. Una de las teoras dichas para la inspiracin de Dal en cuestin al castillo con los caballos pudo haber sido, el Castillo de Alczar de Segovia o El Castillo de Neuschwanstein de Luis II de Baviera. De este modo entre ambos Dal pudo haber hecho una combinacin para el segundo acto, junto a los castillos y junto a la Capilla de Bcklin. Una fusin entre lo realista y surrealista para crear el segundo teln en 1944. Que representara el Castillo de Tristn Fou. Incapaces de descartar o rechazar ninguna posibilidad de quien fue el mayor inspirador para Dal a la hora de crear la escenografa, nos deleitamos con una mezcla y una duda que siempre gustar. Una vez visto el trabajo final, tras varios bocetos. Nos damos cuenta de la cantidad de detalles que encontramos en el teln. Dal agregara el ojo gigante situado a la derecha con dos lgrimas cayendo al mar. Un detalle que jams sali en los bocetos del artista. Damos importancia a unos colores tan vivos e intensos que representan el mar, un mar de Port Lligat, lugar donde tiene su casa en Casquetes y el

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cual ahora utilizara para representar el mar de Tristn. Finalmente en la cumbre y en lo ms alto del castillo se hace un honor a ngelus de Millet; donde se encuentra el coche de este florece una carretilla y a su lado, a la izquierda una nube que representara al campesino de la obra quiz en su estado ms humilde y vaporoso. A pesar de haber conseguido finalmente un teln, con distintas influencias e distintas artistas. Dal jams descart la idea de incluir en l los tres caballos briosos y esto se comprobara en numerosos bocetos realizados por el artista a lo largo del proceso de investigacin. Inspirndose en Herring, realiz cuatro escenografas para el segundo acto y en todas ellas represent a los caballos al ms puro y estilo Daliliano. La primera de todas sera la original y la cual se utiliz en el teatro de Nueva York, mientras que los otros seran utilizados en obras mucho menos importantes a lo largo del mundo. Esta se superpondra sobre el teln principal y cubrira un espacio en blanco que Dal haba dejado aposta para el recubrimiento con esta seccin realizada aparte. Todo estaba pensado al milmetro gracias a Dal y sera en el nico teln de este ballet en el que el intervendra, los otros no fueron ms que imitaciones del artista. Dando a entender as la gran fama que tuvo la escenografa del artista. El arte y sus instalaciones han tenido una gran repercusin en el mundo del arte, pero se debera destacar a Dal y a Duchamp por su intervencin abrupta en la sociedad Americana y sobre todo Europea. Una incursin que ha evolucionado y dado forma a distintos tipos de arte y movimiento revolucionarios en la sociedad. El dad se podra catalogar como uno y quiz el surrealismo pero con tanta importancia como el dad. Estilos que han sido prcticamente coetneos y han trabajado juntos dndose apoyo de forma casi inconsciente.

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Happenings

Yolanda Cataln

Los happennings provienen del afn por superar el arte tradicional que hasta entonces predominaba. En una sociedad mercantilista y sin sentido aparece como gesto agresivo en contra de ella. Esto conllevar a convivir con los espacios, a crear accin en ellos. El happening plantea la colectivizacin, desmaterializacin y amateurizacin de la obra de arte proponiendo una temporalidad abierta, fluyente. En un happening el objeto se convierte en un elemento constitutivo de la accin, apropiando la vida a travs de una accin. De dnde proceden? Los happenings nacen en Amrica. Sus orgenes vienen del neodadiasmo, sin mayores alcances polticos y sociales. Tambin ha proseguido experiencias de la pintura de accin y del automatismo de Pollock. En Amrica, los happenings sern paralelos al pop y sus ideas de comercializacin, contrarias a los happenings, este tipo de arte pasar mas desapercibido en America. En Europa su extensin tendr un mayor auge, intentando coger referencias de la historia para activar la autoactividad. Se empieza hablar de esta nueva forma de arte alrededor de los aos 50, con Jonhn Cage profesor en Black mountain college, con su msica al azar. Uno de sus de sus alumnos Allan Kaprow fue el primer artista en hacer un happening, con su instalacin. 18 happenings in 6 parts. Mientras en Amrica Kaprow en uno de sus representantes, en Europa estn J.J. Lebel, pero sobretodo Wolf Vostell con sus decollage/happening, empezaran a mostrarnos esta nueva forma de arte que romper con lo visto hasta ahora. Los happenings derivan del proceso directo de collage-decollage-ambiente. El happening parte del collage,no como tcnica compositiva limitada sino actuando con fragmentos, personas, espacios como parte de realidad natural o artificial. Un ejemplo de collage es Robert Rauschenberg, alumno de la Black mountain college , Jonh Cage tambin le inspiro con su msica ,su filosofa ser hacer un espectador mas abierto que reflexione sobre lo que le rodea y de si mismo. Rauchschenberg, en sus obras utilizar diferentes materiales y objetos, creando collages que salen de su soporte, materiales com otelas objetos encontrados, peridicos, etc.Los happening incorporan elementos en el assamblage o combine painting, utiliza la totalidad de un espacio y incorpora la accin de los espectadores. Utilizan una multiplicidad de materiales desde los plsticos hasta los cinematogrficos, dramticos, sonoros, tctiles. Los happenings van ms all, intentan embellecer objetos cotidianos de la calle, las plazas, de nuestro entorno, creando arte con ellos. Todo esto lo consiguen a travs de la accin, ven la vida como obra de arte.

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Los happenings es una forma de arte abierta, Sin un comienzo, ni un final estructurados, que a partir de diferentes materiales, no tiene que ser valorado como algo perdurable, si no como algo efmero, como un proceso . Es una obra basada en la improvisacin, donde hay una idea clara pero los detalles de la obra quedan reservados cuando se muestran al pblico. Se han hecho muchas descripciones acerca del trmino happening, pero una cosa si esta clara y es que no es una obra teatral, pues en el happening no se escenifica una accin, si no que es una escenificacin del material, como un collage de objetos, donde se incluyen movimientos y la accin humana. El happening se ver como algo improvisado, como algo casual que rompe con lo cotidiano del da a da, en medio de un mundo medido. En los happenings el espectador cambia a ser integrante de la obra, pero sin ser actor como en una obra de teatro, pero ahora no solo mira, si no que interacta. Pero sin dejar nunca de lado al autor de la obra que es el que toma la iniciativa, liberando los sentidos y el subconsciente. Un happening sin espectador queda muerto, haciendo que el espectador se integre se intenta romper con las barreras de arte-vida, con mecanismos estimulantes, factores sorpresa, improvisaciones. As veremos el happening como parte de nuestra vida, como nuestra realidad. Presentando otras formas de vida que el hombre no haba presenciado a travs de su conocimiento. El happenning tiene que verse como una forma que rompe con la normalidad, que nos intenta liberar de la sociedad calculadora que nos somete. Pero est claro que no causaran el mismo efecto todos los happenings, ya que cada uno est dirigido a una causa, no es lo mismo un happening poltico que otro de ritual.

4.1 Happenning Americanos


Como he dicho anteriormente Los happenings nacen en Amrica, paralelos a las obras pop, al mundo de los fetiches del consumo. La gente ser indiferente a este tipo de arte que intenta juntar el arte con la vida. Su mayor exponente ser Allan Kaprow.

Kaprow
Trabajo con collage y assamblages, fue de los primeros artistas que trabaj el happening gracias a John Cage, que fue una de sus inspiraciones, ya que le ayudo en su pensamiento de acercar el arte a la vida. Sus primeros happenings tenan lugar en espacios fuera del circuito artstico: gimnasios, apartamentos..como por ejemplo:Courtyard , realizada en un hotel.1962. Estuvo presente en varias exposiciones importantes tales como : Happenings & Fluxus o Hors limite Kaprow siente debilidad por lo encontrado, denuncia los objetos cotidianos, su fragilidad y obsolencia, sus obras se extienden por todo el espacio creando especies de capillas o grutas. Kaprow dir que cualquier objeto cotidiano, cualquier accin del da a da, se podr convertir en material, quitando as importancia al arte tradicional y imponiendo un nuevo lenguaje donde aporrear una madera, los efectos lumnicos, las proyecciones o cualquier otra accin ser el material de la obra, ya que a l le importa crear espacios donde se de importancia la accin vivida. Dir que los happenings son de carcter efmero, porque nuestra sociedad es un cambio permanente y esto hace que nuestras vidas cambien da a da al igual que los patrones sociales. Yard 1961 :Donde acumul una pila de neumticos en una sala. La fotografa mas famosa sale Kaprow con su pipa perseguido por un nio.

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18 happening in 6 parts: Este happenings se realiz en la Galera Reuben en Nueva York. Fue la primera vez que a una obra se le nombra como happening. Estaba totalmente guionizada y manipulaba al publico. Tan solo entrar ya te repartan un folleto informativo que te enseaba el recorrido y lo que haba que hacer. El happening se divida en varias salas donde se exponan trabajos anteriores de Kaprow , construcciones de paredes, escultures de ruedas, msica concreta, monlogos, proyecciones de diapositivas, movimientos de baile y un cuadro realizado durante la demostracin. Todo el happening estaba dirigido por campanas que indicaban el fin y el principio de las actividades.

4.2 Happenings europeos


A diferencia de Amrica en Europa los happenings tuvieron mas repercusin. Los han relacionado con el estado psquico, relacionando los happenings con los acontecimientos que nos rodean, con la sensibilidad y nuestro espritu. EL hombre con su vida psquica por encima de todas las cosas. Esta vida psquica va ligada a los rituales y la magia.

4.3 Happenings rituales


Se crearan los Happenins rituales, donde el proceso de creacin tendr mucha semejanza con el ritual, donde habr espectadores como fieles a ese ritual. Sentirn la necesidad de descubrir nuevos ritos .En muchos casos han hecho pequeas obras relacionadas con la cultura mstica de ciertos pueblos, como practicas primitivas aisladas en contextos cerrados de creencias religiosas. Tanto Lebel como el acionismo vienes apoyan este tipo de ritos, donde se intenta liberar los impulsos agresivos impuestos por la represin inconsciente diaria. Lebel dir que estas acciones , reinventan el mundo tomando contacto de l. Y que el happening intenta renovar el nudo laberntico de lo real, ante todo es liberacin del haz de nudos culturales. Las acciones alcanzaran un sentido sagrado.

4.5 Happening y la poltica


En Amrica habr un formalismo en sus happenings, en cambio en Europa se han enfrentado a diversos temas polticos, esto ha creado conflictos. Por ello me centro en los happenings en Europa que han tenido un mayor nivel poltico que en Amrica. Se tiende a hacer uno happening de carcter popular y revolucionario. A unas obras maximalistas al no tener unos lmites establecidos. En muchos casos los temas polticos se han usado para explorar el lado esttico, pero ese no es su fin. Los polticos y los artistas nunca han estado muy de acuerdo con los happenings. Mientras los polticos

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quieren una lucha directa del pueblo excluyendo as la vida artstica, los artistas quieren una provocacin potica y artstica. Estas diferencias han llegado hasta el punto de que la polica interviniera en la realizacin de happenings interrumpindolos( hoks, Berlin). En muchos casos, en el intento de relacionar vida arte, no se ha tenido en cuenta que el arte es un reflejo de nuestra vida, este es otro de los motivos por el que se enfrenta a la poltica. Pero el arte puede llegar a ser poltico, un arte que estimule a las masas, como critica de la situacin, pero siempre se tergiversara el significado, dando a entender que se utiliza la poltica en el arte con el fin esttico y formal. Dos de los artistas mas relevantes en la historia de los happenings Europeos son J.J.Lebel y Wolf Vostell

J.J Lebel
J.J. Label crear el primer happening Europeo, llamado Lenterrement de la Chose. EN 1960 realizado en Venecia Donde Lebel toma una posicin en contra de la guerra de Argelia y la tortura por la coorganizacin del evento anti-demanda en Pars, Venecia y Miln en 1961. Happening dirigidos al libertinaje sexual. EJ: La France- ataca el gaullis a a travs de una imagen pornogrfica de un semidesnudo femenino. O la religieuse- que abogaba la libertad sexual, censurada por religiones y polticos. Lebel mantiene diferencias entre vida y arte entre la esfera poltica y artstica. En su afn de diferenciar arte y poltica, decidi abandonar el arte y tomar las calles y su lucha, donde aprendi a ver, mas aun, las contradicciones entre arte y politica y creo una posicin el anti-arte. J.J. Lebel y su lado ms poltico. La soborna, del Odeon, del Barrio Latino. Enn un primer momento crearan un ambiente de happening, donde ocupan un Barrio creando un ambiente de fiesta hasta que hay una lucha entre policas y estudiantes trasmutados en gladiadores, donde dar importancia a los conflictos sociales y dejara de lado lo artstico. Este happening seria un ejemplo de apropiacin tanto simblica como real de un espacio urbano.

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Wolf Vostell
Artista Aleman que trabajo en varios campos, como los happenings, los decollage, las instalaciones, fluxus y videoarte. Es uno de los protagonistas de este movimiento( happenings) en Europa. Vostell en sus trabajos critica a la sociedad que nos oprime a partir de los materiales. Que los destruye, hacindolos inservibles, intentando relacionarlos con echos de la vida cotidiana. Intenta que sus obras produzcan shock al espectador, que reaccione. shock-art. Donde de un mismo objeto o fenmeno intentan contradecir su lado positivo y negativo. Como en In ulm, un ulm und um ulm herum, donde se pueden ver a madres con mascaras de gas y los cochecitos de los nios en un garaje subterrneo aludiendo al espacio inhumano de una ciudad.(foto 10) Vostell definir los happening como una forma de conocer los objetos de sacarles nuevos usos a esos objetos. Como una forma de conocerse a si mismo, nuevas maneras de comportarnos con esos materiales. Para el el arte ser un nuevo modelo de vida. Decollage/happenings, es una de sus obras. Donde recurre a acontecimientos o fenmenos sociales tanto presentes o pasados, tiene una gran influencia del dadaismos de Colonia. Trabajar con el decollage plstico desde la perspectiva de la destruccin. You. Varios artistas ocuparon un parcela, Donde el pblico , a partir de zonas laberinticas, tenia que llegar a una piscina y una pista de tenis, donde 30 o 40 artistas recreaban situaciones extremas, llevando mascaras de gas, tirando bombas de humo.

Donde desembocan los happenings? Como he dicho antes una de sus vertientes es el accionismo vienes. El acionismo vienes alcanzara una relacin con las interpretaciones erticas psicoanalticas. Sus acciones shock irn relacionadas con al exaltacin de los instintos, en este caso instinto de destruccin, sin llegar a la teatralidad donde un elemento debe contagiar a los dems. Pero adems los happenings llevarn a un pensamiento de anti-arte, que desembocara al fluxus. El fluxus al igual que el happening creer en la improvisacin, en lo casual, pero la diferencia es que el fluxus tendr esa idea de anti-arte, de acabar con los privilegio de las Bellas Artes y la profesionalizacin del arte y su cultura. Otra derivacin son las performance que significa arte en vivo. En la performance la accin pasa en un lugar concreto, en un tiempo determinado. Se opone a la pintura o la escultura ya que es el sujeto el elemento constitutivo de la obra. A diferencia de las performance los happenings buscan la improvisacin, la espontaneidad del pblico. Con los happenings vendrn una serie de cambios, tanto en la sociedad, como en la poltica y la for-

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ma de ver el artista y sus obras. Unas obras que acercarn el arte a la vida y al espectador, usando el espacio como elemento escultrico, con diversidad de temas, a modo de crtica o no. Los happenings pueden ser de agrado o desagrado esttico/formal, el espectador libera su creatividad oculta, liberando sus sentidos y su subconsciente. Las propuestas del happening se pueden resumir en cinco : -Nueva teora del gusto, sin seguir modas ni lo esttico, rompiendo con lo que se considera bello, creatividad sin lmites. -Ruptura con la mercantilizacin que conlleva a un cambio de espacios menos sacralizados -Abolicin del privilegio de aprovecharse de los artistas. -Libertad con ciertos temas tabs (sexualidad, etc) y con temas del subconsciente -Superacin de la aberrante separacin entre sujeto-objeto.

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5. El Pop Art y sus e s culturas Hbrida s

Irene Pont

El pop art es una tendencia artstica que se desarroll sobre todo en Gran Bretaa y en EEUU desde finales de la dcada de 1950 hasta los primeros aos de 1970. Se caracteriza por emplear imgenes y elementos de la cultura popular y de la de masas, as como los procedentes de la sociedad de consumo, en especial los objetos producidos en serie. El trmino hbrido referido al arte, se entiende como la obra artstica que combina distintos estilos o elementos de ellos, sin una clara unidad de concepto o realizacin. Tal como hemos visto, el pop art no solo mezcla todos los estilos artsticos, sino que utiliza todo tipo de tcnicas y materiales para elaborar obras con objetos de uso comn. Esta mezcla y este carcter hbrido se manifiesta especialmente en las obras escultricas de esta tendencia artstica. -Pre pop es en la que algunos autores se separan del expresionismo abstracto, como Rauschenberg. Robert Rauschenberg, Monograma (1955). Estocolmo, Museo de Arte Moderno El estadounidense Rauschenberg integra en sus obras objetos de todo tipo obteniendo una mezcla heterognea que se convierte en una crtica a la sociedad de consumo en la que vivimos.

(Rauschenberg-bicicletas) objetos cotidianos.

Rauschenberg fue la bisagra entre el expresionismo abstracto y el Pop Art. La experimentacin con nuevas tcnicas, su apuesta por los objetos de la vida cotidiana como nuevos materiales y el gran tamao de sus obras caracterizan la obra de este reformador del arte estadounidense. Una de sus obras ms destacadas y chocantes es Monograma en el que, sobre un lienzo en horizontal, se posa una cabra disecada con un neumtico a modo de flotador. Una de las obras ms influyentes del creador. Se considera que Rauschenberg tambin es el creador o inventor de los combine paintings o collages. Combinados entre escultura, pintura, mezcla de objetos con tal de crear una obra. Cabe destacar una de sus primeras creaciones, Cama (1955), un pequeo catre con almohada, sbanas y manta que Rauschenberg haba adquirido durante sus aos de estudiante y que transform en obra de arte al colocarlo en posicin vertical y pintar sobre l.

(Rauschenberg-Monograma 1955)

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Tambien podemos mencionar otra obra importante y emblemtica como Canyon de 1959. Se trata de un guila negra disecada con las alas en posicin de vuelo saliendo de un lienzo en cuya superficie se mezcla la pintura al leo, un tubo de pintura, un cojn, trozos de papel, folios impresos y reproducciones fotogrficas. Aunque en el panorama artstico del pop art norteamericano no fueron demasiados los artistas que trabajaron la escultura, los que lo hicieron desarrollaron una obra de gran inventiva y muy individual. El escultor ms importante es sin duda, Claes Oldenburg. En 1961, abri un negocio en Nueva York donde venda reproducciones en escayola de hamburguesas, sndwiches, helados y otros tipos de comida. Mas tarde construy versiones gigantescas de estos objetos, realizndolos con vinilo relleno de espuma de caucho. Muchas de sus esculturas gigantescas fueron ridiculizadas por el pblico antes de ser asumidas como aportaciones originales al paisaje urbano.

Rauschenberg Cama(1955)

Hay que destacar sus obras ambientales como son The Street (en el que se rene la escultura y la arquitectura) y The Store (colores, objetos y todo tipo de tcnicas). En 1960, presenta su primera obra individual, The Street, en la reuna figuras hechas de materiales baratos (telas, cartn, papel) para construir una peculiar evocacin de la calle donde tena su estudio. Con ella l mismo se convirti en una especie de empresa, como burla a las mercantilizacin del arte y el museo burgus.
Rauschenberg Canyonde 19

Un ao despues expuso su segundo trabajo, The Store, un espacio atestado de ropa, alimentos y otros objetos hechos fundamentalmente con alambre, yeso y tela pintados en brillantes colores. El intento de lograr un efecto realista era evidente, pero los objetos se parecan ms a sus imgenes publicitarias que a ellos mismos. No obstante, la mayor novedad de la muestra fue su concepto de instalacin que obligaba al espectador a meterse, literalmente, dentro de su obra para poder contemplarla, as como el hecho de que Oldenburg ralizaba simultneamente las ventas, elaborando y reponiendo los artculos segn los iba vendiendo, convirtiendo as el acto creativo en part de una performance.

(Claes Oldenburg-hamburguesa gigante)

Obra de Oldenburg-Espacio pblico)

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(Oldenburg-The Street)

(Oldenburg-The Store)

(Oldenburg Vitrina de pasteles, The Store) Mas tarde efectu las llamadas esculturas blandas utilizando vinilo y lonas para objetos como accesorios de cuarto de bao y electrodomsticos. Estas obras transforman el objeto cotidiano, gracias al cambio de escala y de material, cambiando el concepto de escultura tradicional que consista en encerrar la forma en un material rgido.

Muy distinta es la obra de otro de los escultores del pop norteamericano, George Segal. La obra de este autor se caracteriza por realizar imgenes humanas a partir de calcos moldes directos de yeso que modela directamente sobre el cuerpo. Se trata de figuras en actitudes y actividades cotidianas que pueden encontrarse solas o en grupos situados en un ambiente formado por objetos reales (La Gasolinera, Cine, La ventana del restaurante).Esos personajes de yeso aparecen en unos casos sin pintar y en otros, pintados de un solo color brillante, poniendo de relieve el anonimato de la persona y la alienacin a la que es sometida en la sociedad actual. Al igual que Oldenburg, tambin efectu obras de environment (composicin artstica en un ambiente, en un espacio habitable por el espectador).

(Oldenburg-Escultura blanda).

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(Segal - Afeitndose una pierna)

(Segal The Dancers, 1971)

(Segal Three Figures and Four Benches, 1979) (Segal The Holocaust, 1984)

Richard Hamilton, considerado el padre del pop art ingls. Form parte del Independent Group junto a otros artistas clebres. Una de sus obras ms conocidas y de hecho es la considerada la primera obra pop art de la historia del movimiento es Qu es lo que hace las casas de hoy tan diferentes, tan atractivas? de 1956, creada y presentada en Londres, en la exposicin This is Tomorrow. El cartel muestra a una mujer desnuda con una lmpara a modo de sombrero y a un culturista con un enorme chupa-chups con la palabra Pop(de ah es de donde proviene el propio nombre de pop) en la mano, ambos rodeados de aparatos de uso diario como un televisor y una aspiradora. Es una puesta en escena del nuevo mundo del consumo y la publicidad, que haba cambiado por completo la percepcin de las cosas. Es una escultura que ofrece todo un repertorio de novedades, todo lo que va a constituir el tema del arte durante unos aos: el confort, los electrodomsticos, el magnetofn, la comida enlatada, los medios de comunicacin, la televisin, el cine, los comics, los automviles, los chicos musculosos y las chicas estupendas. Otra exposicin destacada fue Parallel of Life and Art (1953), organizada por Paolozzi y los Smithson(integrantes de Independet Group), en la que se exhibieron reproducciones fotogrficas de distinta procedencia: estudios de movimiento, rayos X, material antropolgico, grafitis, arte de los nios, etc. Las imgenes colgaban de paredes y techos sin orden jerrquico alguno. Por su contenido, tosco, e incluso vulgar, la exposicin caus un cierto revuelo.

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(Vista de la exposicin This is Tomorrow)

(Richard Hamilton - Qu es lo que hace las casas de hoy tan diferentes, tan atractivas? 1956.)

(Parallel of Life and Art, 1953)

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ALLEN JONES Allen Jones ha sido el objeto de estudio de la crtica feminista a la historia del arte que comienza a fraguarse en los aos 70. En 1973, Laura Mulvey publica un artculo en el cual abre un camino para una crtica de arte cercana al feminismo. Con este artculo se inicia una fructfera relacin, sobre todo para el contexto francs, entre feminismo y psicoanlisis, pues Mulvey utiliza el psicoanlisis para estudiar las obras de Allen Jones. Mulvey indica que, al presentar Jones ante nuestros ojos a estas mujeresobjeto, con esttica cercana al sado-masoquismo, espectacularizadas, est mostrando su propio fetichismo y tambin el de la sociedad occidental. Jones nos est hablando de sus propias fantasas y, sobre todo, de sus propios miedos. Representa en realidad a un hombre asustado ante la mujer, que se aparece ante l como representacin del miedo a la castracin.

(Allen Jones- Mujeres Mobiliario)

(Mobiliario-La naranja mecnica)

En la pelcula Naranja Mecnica de Stanley Kubrick, basada en la novela del mismo nombre, de Anthony Burgess, el punto de reunin de los Drugos en donde consumen leche con drogas tiene un mobiliario peculiar: Estos muebles estn basados en el conjunto Chair, Table y Hat Stand de Allen Jones, no fueron sus diseos, sin embargo, es una referencia obligada al hablar de su trabajo. Los muebles creados por l son los anteriores.

Edward Kienholz

Fue un artista estadounidense especializado en instalaciones. Su trabajo fue sumamente crtico de diversos aspectos de la vida moderna. Realiz numerosas obras en colaboracin con su esposa, Nancy Reddin Kienholz. Las mismas son genricamente identificadas como Kienholz. Su estilo era muy adelantado a su poca y desde entonces las obras de esta pareja de esposos y artistas han dado la vuelta al mundo en diferentes museos y galeras. Segn las palabras de su esposa, aprendiz y colaboradora Nancy Kienholz, las instalaciones de Edward siempre criticaban con cierto humor negro, a veces satrico y sarcstico, a la vida del hombre moderno, sus hbitos, sus vicios, sus fortalezas y debilidades. Al hombre moderno en todas sus facetas. La neta las instalaciones de esta peculiar pareja son bastante impactantes, algunas son crudas y otras surreales; hay que verlas a detalle para verdaderamente poder apreciarlas.

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(Edward Kienholz-Instalacion)

Una obra destacada de Kienholz es The Portable War Memorial, de 1968. Significa, literalmente, el memorial de guerra porttil. Este retablo busca evidenciar el contraste entre la realidad de un conflicto blico y su glorificacin. No olvidemos que por esos aos campeaba un boom de monumentos y pelculas en homenaje a los veteranos de la segunda guerra mundial, posiblemente con objeto de preparar la moral de quienes iran a la de Vietnam. Kienholz relata dicho contraste presentndonos una composicin deliberadamente absurda, donde conviven las mesitas de un tpico restaurant americano y el clebre Monumento al Cuerpo de Infantera de Marina del cementerio militar de Arlington, Washington D.C. Adems, aparece la fotografa de un puesto de hot-dogs justo al lado del muro de los cados y, ms lejos, la efigie del To Sam instando al ciudadano a enrolarse.
(Kienholz - The Portable War Memorial, 1968)

Cabe destacar una de sus primeras obras que le lanz a la fama, fue Asiento trasero de Dodge del 38, una obra de 1964 que consiste en un coche con la carrocera destrozada y dos amantes mutilados en un macabro abrazo sexual. l lo consideraba un recuerdo de su adolescencia en la pequea ciudad de Idaho, pero la censura oficial confirm que la memoria poda servir de marco de una alegora absolutamente contempornea de las atrofiadas vidas y esperanzas que puede transportar en hot-rod, un coche preparado brutalmente consumido, el vehculo en el que precisamente se encarnaban los sueos mgicos de la clase trabajadora.

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(Kienholz-Asiento trasero de Dodge del 38, 1964. Coutry Museum of Art de los Angeles. Pintura, fibra de vidrio y harapos, Dodge de 1938, tela metlica, botellas de cerveza, cristal artificial, figura vaciada en yeso, 1,6x6,1x3,6m.)

LICHTENSTEIN: tiene un monumento gigante en el Museo de la Reina Sofa, en el edificio Nouvel, titulado Brushstroke.
(Lichtenstein Brushstroke) (Lichtenstein Barcelonas Head)

O como otro monumento similar, en plaza Antonio Maura de Barcelona, que se titula Barcelonas Head. Se hizo con motivo de los Juegos Olmpicos de Barcelona y para homenajear a Gaud, por eso se cubri el monumento de mosaico. Roy Lichtenstein ha realizado unos sorprendentes trabajos de ilusin ptica donde juega con la perspectiva. Como House I de 1998, fabricada y pintada en aluminio, perteneciente a la coleccin de la National Gallery Sculpture Garden, en Washington D C. y House II de 1997, fabricada y pintada en fibra de vidrio, y se encuentra en LongHouse Reserve, East Hampton New York. Se trata de dos instalaciones planas que posicionadas correctamente y desde un ngulo de visin adecuado cobran volumen, haciendo creer al espectador que ve una casa entera, mientras que slo dispone de dos paredes.

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Otro monumento interesante que cabria nombrar es Modern Head 1974-1989. Lichtenstein vio el parecido entre los humanos y las mquinas y eso fue lo que marc principalmente su trayectoria artstica.

(Lichtenstein Modern Head)

Andy Warhol: El valor de esta obra es ms teatral que plstico,porque depende de la habilidad de Warhol el colocar los objetos en un ambiente adecuado y no de los objetos mismos.Su relacin con las instalaciones minimalistas es clara.Durante los aos sesenta,Carl Andre y Robert Morris investigaron este tipo de manifestacin artstica ,debatindose entre dos extremos compositivos el absoluto orden y el absoluto desorden.Warhol parece elegir aqu una frmula original e intermedia.Las cajas colocadas en filas, se mueven de repente o experimentan un suave giro.

Andy Warhol Caja de Brillo1964(Pastillas de jabn)

Conclusin: POP ART es el resultado de un estilo de vida y una manifestacin plstica de la cultura de la poca. Es un movimiento cultural que viene a romper con lo tradicional hasta el momento, en el cual los principales temas son los intereses del pueblo, ajenos por completo a la naturaleza. Se caracteriza por la tecnologa, el capitalismo, la moda y el consumismo donde los objetos dejan de ser nicos para ser pensados como productos en serie, donde la belleza es susceptible en ser encontrada en cualquier objeto cotidiano.

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6. Marcel Broodthaers y Daniel Buren

Amanda Garca

Una instalacin artstica es un gnero de arte contemporneo que comenz a tomar un fuerte impulso a partir de la dcada de 1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de exposicin, a menudo la obra es transitable por el espectador y este puede interaccionar con ella. Se han sealado como los orgenes de este movimiento a artistas como Daniel Buren, Marcel Broodthaers son artistas que han trabajado en uno u o otro sentido la instalacin. Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los ms nuevos medios de comunicacin, tales como video, sonido, computadoras e internet, o incluso energa pura como el plasma. Algunas instalaciones son sitios especficos de arte, slo pueden existir en el espacio para el cual son creadas. Marcel Broodthaers. A d e m s d e a r t i s t a p l s t i c o , f u e poeta, cineasta y fotgrafo. Sede dic a cuestionar el papel de la obra de arte y de la institucin que la acoge, no solo por salirse de la norma sino por criticarla abiertamente, es hoy considerado uno de los artistas esenciales del siglo XX. Marcel Broodthaers centra en el mbito del museo su estudio sobre las definiciones del arte y sus sistemas de circulacin, partiendo del rechazo del marco tradicional de la institucin. En su obra juega con la estabilidad de las categoras artsticas, y subvierte las relaciones tradicionales entre el objeto artstico y los sistemas de presentacin y recepcin. Interroga al museo a partir de las relaciones de la obra y el entorno social; es decir, interroga a la funcin misma de la obra y del pblico Quisiera a continuacin examinar una pieza muy clebre de la obra artstica de Broodthaers para exponer este doble movimiento de afirmacin y autodestruccin que lleva a cabo en su trabajo por medio de la imagen. La interrogacin central de su obra gira una y otra vez en torno a la problemtica de la industria cultural, la incesante mercantilizacin de las producciones culturales y de conocimiento. En 1968 Marcel Broodthaers inaugur un museo ficticio en Blgica, nada mejor para reflexionar sobre la industria cultural en un tiempo en el que la cultura-espectculo se mide por el nmero de museos diseados por arquitectos estrella. Se trataba de: U n m u s e o q u e n o t e n a c o l e c c i n y que no organizaba exposiciones temporales. E l a r t i s t a c r e l a p i e z a e n s u c a s a y la concibi como si de un museo itinerante se tratara. Pero de lo que se trataba realmente era de presentar la posibilidad de repensar la idea de museo y hacerlo desde la opcin de la ficcin. E r a u n m u s e o d e f i c c i n : Coloc diversos y sencillos objetos en una sala, dibuj la palabra museo en el cristal que daba a la calle, y escribi unas cartas de invitacin en las que hablaba de su inauguracin y puesta en marcha. l mismo, pronunci un solemne discurso de apertura, al que despus sigui una discusin en la que asistieron 60 personalidades del mundo civil y militares as escribi l mismo al hacer de reportero falso ante los medios de comunicacin. En una pared de la exposicin haba tarjetas postales, pegadas con celo, con reproducciones de pinturas y dibujos del siglo XX; en otra haba cajas de embalaje estampadas con las palabras Picture, Handle with Care,

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Painting Fragile, y en la calle haba aparcado un camin de mudanzas. En el catlogo de la exposicin figuraban varias cartas, una de ellas un inventario de objetos, otra un borrador de la idea de una exposicin futura, otras reflexiones entrecortadas, dirigidas al visitante y a los amigos, sobre el arte, as como propuestas tericas para pensar sobre las postales y las imgenes que aparecan en el museo: este museo es una reflexin especfica sobre el arte que se expresa a travs de un espacio abierto en la calle y cerrado por un jardn. Entre 1968 y 1969 asistieron al museo msicos que interpretaron conciertos de Vivaldi y Paganini entre las cajas de embalaje y junto a diapositivas de imgenes de arte del XIX y de caricaturas de Grandville. El museo se traslad a Dusseldorf, y all prosigui Broodthaers con ms cartas dirigidas a ministros, personalidades clebres del momento. Las cartas abiertas llevaban el sello de su departamento de guilas. Seccin siglo XIX que era el nombre que le puso al museo. La imagen y el smbolo del guila la emple para definir las representaciones habituales la cultura y el mito, as como la conversin de la cultura en pura mercanca. Pero la cosa no qued aqu, pues luego colg crteles para anunciar la puesta en venta del museo, e hizo un nuevo traslado en autobs de todos los objetos e incluso de los invitados del museo a Amberes. En Amberes organiz una carrera ciclista por las inmediaciones de su museo ficticio. El museo lleg despus hasta la playa, y hay fotos en los que se ve a Broodthaers y a sus amigos cavando en la arena y poniendo carteles indicando que ah mismo haba un museo. En una de las ltimas versiones del proyecto, Section de figures, expuesta en Dusseldorf en 1972, Broodthaers organiza a modo de gabinete de curiosidades objetos e imgenes de diferentes fuentes que tienen la imagen del guila como concepto unificador parodiando los valores del museo. Se trata de un carcter mercantilista y exclusivista que todo museo, por democrtico que parezca, siempre padece. El mismo ao (1972) celebra la clausura oficial de su Museo en la Documenta 5 de Kassel, donde expone la Seccin de Publicidad. All explora los nexos entre el guila en la Historia del Arte y en la publicidad, a travs de la presentacin de objetos, fotografas, proyecciones de diapositivas. Para Broodthaers el guila es el smbolo de la publicidad en s. Que en la publicidad mantiene todo su carcter de sugestividad mgica al servicio de la produccin industrial . Marcel Broodthaers desarroll las diferentes secciones de su Museo de Arte Moderno, Departamento de guilas, descrito por el mismo cmo una parodia poltica de los eventos artsticos y una parodia artstica de los eventos polticos. La obra, que se present en sus diferentes secciones, es una gran burla a los estamentos de veracidad, originalidad, aura y valor comercial que sustentan en buena parte el mundo del arte contemporneo. E l M u s e o e s a n t e t o d o u n a respuesta poltica a la mercantilizacin del arte y al poder clasificatorio y regulador de las instituciones oficiales. En la obra de Broodthaers se denota un inters por otorgar a la palabra la misma categora que a la imagen. El lenguaje se entiende como un sistema de representacin y de realidad por s mismo. Estos trabajos investigaban nuevas formas de disposicin de las palabras en el espacio y su utilizacin como obra de arte, segn un procedimiento potico. Broodthaers present en 1975 la exposicin LAngelus de Daumier en el Centro Nacional de Arte Con-

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temporneo de Pars, cada una de cuyas salas tena el nombre de un color. La Sala blanca era una reconstruccin, con la mxima fidelidad posible de un conjunto realizado en 1968 en Bruselas, resultado de una accin de protesta que marcaba el mundo artstico belga del momento y que culmin con la ocupacin del Palacio de Bellas Artes. En la primera versin instal en su taller una especie de museo abierto al pblico, de manera que por una parte subverta la nocin de la institucin oficial, y por otra cuestionaba la relacin entre el museo y la obra, ya que las obras quedaban reducidas a meras reproducciones y a la condicin de mercanca. En la segunda versin de La Sala Blanca, un espacio reconstruye un lugar preexistente. En este caso, arte y lenguaje se unen literalmente y el discurso del artista se traslada a los muros del habitculo reconstruido a escala real, recubiertos de palabras que hacen referencia al mundo del arte.

La Pluie.1969 Cine. L a c i n t a m u e s t r a l a incapacidad de una persona a la hora de escribir un texto en tinta china. La lluvia del exterior le impide escribir coherentemente, pero an as su mpetu por expresarse de manera escrita, no decae. El negro intenso de la tinta china se diluye con el agua -aplicada intencionadamentemientras el protagonista se mantiene sin inmutarse, ante la importante cantidad de agua que se le avecina. Actualmente esta y otras obras flmicas de Broodthaers forman parte de la Coleccin del Macba, que a menudo exhibe las piezas en bucle, en proyectores de 16mm. Respecto a la obra de Broodthaers, podemos decir la apropiacin del rol del artista como autor cmo curador ( iniciados por l) son los aportes que han tenido una mayor resonancia y efecto de su trabajo. Broodthaers abre el camino para los artistas que quieren acercarse al contenido del museo como materia prima, afectando indirectamente tambin el rol del curador, como pudo verse en diferentes exposiciones organizadas durante la dcada pasada.

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Daniel Buren es un artista conceptual francs. A veces se le considera un minimalista abstracto, y se le conoce sobre todo por el uso de rayas de gran tamao, regulares y en contraste, para integrar la superficie visual y el espacio arquitectnico, especialmente histrico, arquitectura destacada. Explora todas las disciplinas, desde la pintura hasta el cine, y es a partir de 1965 cuando centra su trabajo en la repeticin de las famosas lneas verticales con las que trata de impactar en el espectador a la vez que reduce a la mnima expresin los elementos visuales.

OBRAS: En 1967 propuso nunca dos veces lo mismo, una obra que denomino instalacin evolutiva consistente en cubrir cualquier pared, aunque en este caso, una habitacin, con un papel de pared con rayas paralelas de 8,7 cm de ancho. Quien elige la/s superficie/s donde colocar el papel es el dueo de la obra, no el artista, y puede realizarlo con total libertad, a excepcin de dos reglas: En cada caso, en cada pared, la obra tendr un color diferente. Nunca podr estar instalada en 2 lugares a la vez. Comenz colocando cientos de carteles a rayas alrededor de Pars y ms tarde en ms de cien estaciones de metro, llamando la atencin pblica a travs de estos actos de estilo vandlico sin autorizar. En otro gesto controvertido, bloque la entrada de la galera con rayas en su primera exposicin individual. La razn de que el artista ceda una parte fundamental de la obra, se basa en que es el emplazamiento del signo, su posicin, no puede ser mas que personal. Es decir, que lo que cuenta realmente e s la eleccin del espectador, porque l es quien altera la interpretacin del signo, y en este sentido, algo tan repetitivo como una serie de rayas exactamente iguales , se nos puede mostrar en cada caso como una nueva obra, porque el signo esta en constante evolucin y movimiento de un trabajo a otro. Las rayas verticales de color solo tienen sentido en relacin con el contexto; de esta manera el autor consigue invertir la estructura tradicional del objeto que propone un arte dominado por el lugar de exposicin por la maquina musestica, por los organizadores de exposiciones que son los principales depredadores del objeto artstico, dominado por el mercado, desde el momento en que tiene un precio, etc. Esta nueva propuesta artstica otorga importancia a las condiciones del arte, su contexto fsico y cultural y pone en cuestin tanto su autonoma visual como ideolgica. Esta obra se trata de un caso extremo de desmaterializacin y de complicidad con el espectador, pero nos muestra con claridad algunos problemas entre el artista y su nueva actividad.

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A partir de 1970 aplica ese obsesivo lenguaje a la produccin de instalaciones para lo que no duda en intervenir espacios pblicos sin ninguna clase de permiso, lo que le acarreara problemas con la polica en ms de una ocasin. Buren es, seguramente, uno de los antecedentes ms slidos del Street Art.

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En 1975 inicia una nueva etapa en la que crea sus obras en el mismo lugar donde se exhibirn. Se trata de instalaciones muy ligadas a la arquitectura y el entorno paisajstico y las denomina cabane eclate. Algunos de esos trabajos dan origen a virulentas disputas en la calle y en los medios de comunicacin, como ocurri en 1986 con Deux Plateaux, una instalacin de 3.000 metros cuadrados con la que intervino uno de los patios del Palais-Royal de Pars. El venerable edificio del siglo XVII que mand construir el cardenal Richelieu se vio invadido por decenas de columnas de distintos tamaos que Daniel Buren cubri con sus caractersticas rayas blancas y negras. Esa obra que estuvo a punto de hacer caer a todo un ministro de Cultura cuenta ahora con la declaracin de Monumento Nacional.

Una de las obras ms recientes de Daniel Buren ha sido en Bruselas. Se trata de una nueva sucesin repetitiva de elementos arquitectnicos decorados a su vez con una sucesin repetitiva de colores. Son ochenta y nueve mstiles amarillos de alturas variables pero cuyos extremos aparecen todos sobre un mismo plano horizontal. A estos mstiles van unidos unas banderolas que se mueven con el viento. Estas banderolas presentan tringulos azules y tringulos rayados entrecruzados. La sucesin de rayas blancas alternadas con las rayas de color, en este caso el azul, es la marca de fbrica de Buren.

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El viento sopla donde se quiere Esta obra, realizada en la playa de De Haan, trata de inspirar la ilusin de un bosque en la playa. Se trata de unos tubos que muestran la direccin del viento, con rayas multicolores, como los tejidos de las sillas de playa en verano. El visitante puede pasear entre ellos como en un oasis de colores el viento juega a travs del flujo y reflujo del mar del Norte y la luz de las astas de la bandera. y

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7 . Los Minimalistas
Irene Monlleo
El minimalismo surge en los aos sesenta en Estados Unidos. El minimalismo como corriente esttica deriva de la reaccin al pop art. Algunos dicen que en el minimalismo menos es igual a mas y otros que una mayor autonoma de medios presupone un mas elevado fin, por lo tanto Donald Judd defini los objetos con la con la capacidad de no significar nada y de estar desnudos de toda organizacin de significado y forma. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversacin conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador. Al usar figuras primarias y estables resueltas con materiales y colores industriales hicieron que se mirara a los escultores minimalistas como los herederos del cubismo, neoplasticismo y constructivismo. Una de las caractersticas de los artistas minimalistas es que no solo miraban el espacio de trabajo como un marco delimitado sino como toda la superficie que miraban sus ojos ya sea una galera o un museo. Debemos nombrar como uno de los primeros exponentes del minimalismo a Robert Morris. Este autor delimita el concepto de anti forma que supone el fin del arte como representacin. Adems tambin esta considerado uno de los artistas mas innovadores del minimalismo. Los minimalistas reducen al mximo los elementos propios del arte, los volmenes y formas en escultura. D e forma similar a la escultura procede en la arquitectura o en la pintura. Las caractersticas que definen a los minimalistas son las siguiente: Ausencia de contenido formal o de estructuras relacionales. Abstraccin total: las obras operan slo en trminos de color, superficie y formato. Carcter opaco (negacin de calquier efecto ilusionstico) y literal (conforme a su verdadera naturaleza, la pintura es slo pigmento especfico sobre una superficie especfica). Mxima sencillez. Cualidad casi inmaterial. Superficies enfticas monocromticas, generalmente pintura blanca sobre fondo blanco o de otros colores apenas modificadas con lneas y puntos casi imperceptibles, por marcas cerca del borde o por pincelazos. Utilizacin directa de los materiales que son mnimamente manipulados. Empleo de distintos materiales a fin de explotar la interacin de sus caractersticas fsicas. Creacin de contrastes como brillante-mate, suave-spero, opaco-transparente, y grueso-fino. Aplicacin de la pintura empastada con efectos de jaspeado o a base de gruesas pinceladas paralelas, a fin de acentuar el carcter literal. Comnmente, telas de gran formato sin marco. En general, predominio de formatos y colores neutros. Como autores importantes de dicho arte debemos destacar a Matta-Clark y a Dan Graham. En primer lugar hablaremos de Gordon Matta-Clark (Nueva York,1943-1978), hijo del pintor surrealista

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chileno Roberto Matta, conocido por sus cuttings, transformaciones de edificios mediante cortes o extracciones de fragmentos, y considerado como uno de los artistas conceptuales ms importantes de la segunda mitad del siglo XX. Matta-Clark no estudi ni arte ni arquitectura tras abandonar la secundaria. En 1962 parti de Nueva York a Francia a estudiar Literatura Francesa en la Universidad de Paris-Sorbonne. Cabe sealar que estos radicales de la cultura y la poltica desarrollaron el concepto de desvo, o la reutilizacin de elementos artsticos preexistentes en un nuevo conjunto. Estos conceptos ms tarde formaran parte de su trabajo artstico-arquitectnico. Cuando regres a Nueva York empez a esturiar arquitectura en la Universidad Cornell, aunque nunca ejerci como tal, pues el mismo se consideraba ms que un arquitector un decostructor. Matta-Clark opera la des-composicin como proceso entropolgico de desmantelamiento de elementos: paredes, suelos, ventanas, puertas. Matta-Clark situado en el marco ideolgico de la hermenutica marxista propona la transformacin de las organizaciones ciudadanas en un moderno proyecto de emancipacin, mediante acciones de belleza convulsa, propias de los tiempos de crisis, buscaba socavar las bases sistmicas del capitalismo tardo y lo haca cuestionando el concepto mismo de propiedad. As sus investigaciones con el grupo Anarquitectura plantean cuestiones histricas y filosficas de amplio alcance sobre la naturaleza del espacio social y de la propiedad, sobre el profundo nexo entre propiedad e identidad, as como la relacin entre el concepto de propiedad y las condiciones de su uso, su consumo y, an ms importante, su transformacin en desecho. Us distintos tipos de formato para documentar sus trabajos, incluyendo filmacin, vdeo, y fotografa. Sus trabajos incluyeron actuaciones, reciclaje de piezas, trabajos sobre el espacio y las texturas. As mismo us diversos juegos de palabras como medio de re-conceptualizar los roles y relaciones preconcebidos y condicionados socialmente (desde las personas a la arquitectura). l demostr que la teora de la entropa se aplica al lenguaje como as mismo al mundo fsico, y que ese lenguaje no es una herramienta neutral sino que es portador de valores sociales y vehculo de ideologas. Este proceso de consumo y desecho explorado por el pop y el conceptualismo permitir a Matta-Clark construir ese originalsimo entramado reticular de poltica y arte mediante el cual irrumpir en la escena artstica de Nueva York emplazando crticas institucionales a partir de experiencias colectivas en el espacio urbano. Su preocupacin se centr en los nuevos modos de vida y las nuevas subjetividades e identidades polticas posteriores a 1968: trabajando con basuras, ofreciendo oxgeno a los transentes de Nueva York, abriendo un restaurante gestionado y dirigido por artistas, poniendo en tela de juicio la propiedad privada del suelo o subindose a la Clocktower para, colgado de su reloj, proceder a afeitarse, ducharse y lavarse los dientes. Segun Matta-Clark la casa es as un dispositivo de memoria, extrae de cada habitante sus pensamientos inconscientes y les da cuerpo: entidades fantasmticas nacidas de los recuerdos, que resurgen en el presente, y que se producen como un intento de vincularnos a ella, de acercarnos. Pero la memoria le ha sido enajenada. Los edificios son entidades fijas en la mente de la mayora. La idea de un espacio mutable es tab especialmente en la casa de uno. Los que tienen una casa, por norma general, no hacen mucho ms que conservar su propiedad. As, para poder ver las intervenciones de Matta-Clark haba que caminar, internarse en ellas, ser tragado por ellas, hasta que la dimensin, la forma, el color mismo de los objetos exteriores perdiera su fuerza, su rotundidad, y con ello, nuestra capacidad de actuar sobre ellos, de dominarlos. A comienzos de la la dcada de los 70, como parte del grupo Anarchitecture, Matta-Clark se interes en la idea de entropa, las brechas metamrficas, y los espacios residuales/ambiguos. Fake Estates fue un proyecto comprometido con el tema de la propiedad de la tierra y el mito del sueo americano -de que todos y cada uno pueden volverse terratenientes- por ser dueo de la propiedad.

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En 1974, llev a cabo una desconstruccin literal, removiendo la fachada de una casa abandonada en el Love Canal, y traslad los restos de murallas a Artpark, para su trabajo Bingo. Para la IX Bienal de Pars de 1975, realiz la pieza titulada Conical Intersect, mediante el corte de un gran agujero con forma de cono a travs de dos casas antiguas que databan del siglo XVII en el distrito comercial conocido como Les Halles, el cual estaba siendo derribado con el propsito de construir el luego controvertido Centro Pompidou. Muere de un cncer de pncreas el 27 de agosto de 1978. Nombraremos algunas de sus obras como:

(Conical Intersect, 1975)

(Splitting, 1973)

(Days End, 1975)

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En segundo lugar y mas brevemente hablaremos de Daniel Dan Graham naci en Urbana, Illinois, el 31 de marzo de 1942. Cuando el tenia 13 aos se mud a Westfield (Nueva Jersey), all encontr la inspiracin para ms tarde realizar su serie de minimalistas Casas fotografas para los Estados Unidos (1967). Sus trabajos siempre estaban firmemente basados en la prctica del arte conceptual. Muchas de sus instalaciones y performances estn conformadas por espejos, reflejos, proyecciones y la generacin de imgenes de los propios espectadores que asisten a sus eventos artsticos. Los espejos en las creaciones de Dan Graham persiguen provocar una autoconciencia de s o crear ambientes en los que el espectador puede verse a s mismo contemplndose a s mismo. La obra de Dan Graham consiste mayormente en preparar las condiciones para que el espectador pueda convertir la imagen de s mismo en el contenido primordial de las instalaciones. La imagen de uno mismo como obra de arte. En Public Space/Two Audiences(1976) (un espacio dividido por una pared de cristal, que era duplicado por un espejo dispuesto al fondo), antes de entrar a las habitaciones, los espectadores acordaron permanecer all durante 30 minutos. Este lapso de tiempo, tal vez demasiado largo para estar en un espacio vaco en compaa de otros (posiblemente desconocidos) espectadores, induca a una comunicacin que iba ms all de las palabras, ya que las habitaciones, separadas por la pared de cristal, hacan imposible cualquier intercambio de sonidos.

Otra de las obras de dicho autor que debemos nombrar es la de Video-Architecture-Television (1980) En aquellas instalaciones que se centran en las implicaciones sociales de la televisin, representadas en espacios de exposicin privados y pblicos, Graham se refiere a la funcin semitica del video en la arquitectura relacionada con la ventana y el espejo.

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8 . Arte Conceptual

Ana Mateo

Tendencia artstica aparecida hacia 1965, que se aparta del concepto tradicional de creatividad y que, mediante la reduccin del objetivo, tiende a un anlisis sistemtico de las condiciones bajo las que existe el arte como sistema. La idea est sobre la materia, las puras ideas pueden ser obras de arte. Los procesos ideolgicos que realiza el artista son accesibles al espectador gracias a textos, diagramas y fotografas circunscritos a la obra o a la instalacin, en los que se define el sentido de sta. El arte conceptual, se aparta de la concepcin tradicional de creatividad y, mediante la reduccin de lo objetivo, tiende a un anlisis sistemtico de las condiciones bajo las que existe el arte como sistema. El arte conceptual se desarroll a finales de la dcada de los sesenta e inicios de los ochenta del siglo XX. Los orgenes se encuentran en la obra de Marcel Duchamp, artista que afirmaba que el concepto era ms importante que el objeto artstico. La caracterstica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. As pues, el arte conceptual es una forma de expresin que intenta evitar el estmulo ptico a favor de los procesos intelectuales que el pblico es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artstica se fija en los ambientes cromticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza. Los artistas del arte conceptual se valen de mtodos inusuales y diversos para presentar la idea de su obra. Eligen fotografas, vdeos, documentales escritos, grabaciones y muchos otros materiales que les sirven para documentar o explicar eventos que ocurren fuera de los museos. Uno de los ejemplos tempranos del arte conceptual es Una y tres sillas, una creacin de Joseph Kosuth, artista estadounidense que en 1965 crea una obra con una silla como protagonista central. La obra en cuestin consiste en una silla plegable de madera, una fotografa de una silla y una ampliacin fotogrfica de la definicin de silla extrada del diccionario. Con ello este artista conceptual busca que el pblico conteste en cul de los tres elementos se encuentra la identidad del objeto.

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Joseph kosuth Es un artista estadounidense. Formado bsicamente en el campo artstico, llev a cabo estudios de filosofa y antropologa. Su trayectoria demuestra su conocimiento y afinidad con los mtodos de investigacin propuestos por los filsofos del lenguaje. Artsticamente parte de la obra de M. Duchamp, al considerar que el arte conceptual se inicia con el primer ready-made, en cuanto paso de la apariencia al concepto. La obra de 1969 Art after Philosophy es su principal manifiesto y el lugar donde desarrolla la base terica de sus obras. Sus creaciones ms conocidas llevan por ttulo Investigaciones, y consisten en dispositivos que examinan realidades mediante el uso del texto, de acuerdo con su voluntad de explorar la naturaleza del arte y conducirlo a su desmaterializacin. Pese a su intencin inicial de superar la existencia mercantilista del arte, actualmente su obra se exhibe en los ms importantes museos del mundo. ZERO & NOT 1985 Se trata de un texto de psicopatologa de la vida cotidiana escrito por Freud en 1901, traducido al idioma del lugar en que se muestra, ampliado y tachado por una gruesa lnea negra, con este texto se cubren las paredes de la sala donde se encuentra la instalacin. En este tipo de instalaciones, el espectador se ve relacionado con su investigacin e interpretacin del arte conceptual. Con las interpretaciones de la negacin y la ausencia del nuevo pensamiento contemporneo, los aspectos ms experimentales tienen una influencia limitada en la obra, mientras que se quiere conseguir que el espectador sea capaz de descifrar los elementos y referencias tericas que se muestran, por ello las instalaciones requieren un espectador creativo. El artista Robert kosuth pretende hacer explicita la naturaleza tautolgica del arte, y para ello, emplea el propio lenguaje como medio de exploracin del contexto social y cultural desde el cual concibi su obra. Five words in blue neon, esta realizada mediante cinco palabras en nen.

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Kosuth, toma los experimentos lingsticos de Gertrude Stein, toma del poema de la escritora esta sola lnea: five words in a line Para finalizar, la definicin de kosuth del arte es, que la nica pretensin del arte, es el arte mismo. El arte es la definicin del arte. En conclusin, el arte conceptual es un movimiento artstico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento ms importante que el objeto o el sentido por el que la obra se cre. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales y hay algunos casos que la obra de arte, es la idea en s misma.

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9. b o l t a n s k y y el archivo
Breve introduccin a Christian Boltanski

Andrea Tolsada

Christian Boltanski es un artista francs. Boltanski es fotgrafo, escultor y cineasta, pero es conocido principalmente por sus instalaciones. Su formacin fue autodidacta, comenz a pintar desde muy joven. La muerte, la vida, el recuerdo y la identidad suelen ser temas recurrentes en su obra. La cul est marcada por una intencionalidad de archivo y memoria que va ms all de lo explcitamente presente. La esttica en Boltanski tiene un ritmo inusual y emplea todos los recursos, en la realizacin de sus obras recurre a los materiales frgiles como: las fotografas antiguas, la ropa usada, los objetos personales y los cotidianos usados, los recortes de peridicos, las cartas, etc. Todo ello lo utiliza como testimonio de lo breve de la vida.

Christian Boltanski y El Archivo Christian Boltanski es uno de los artistas que mantiene en sus obras una relacin entre el arte y la historia a travs del archivo. La razn de la profunda vinculacin del artista con la poltica es biogrfica: Boltanski naci en una familia marcada por el Holocausto justo cuando la Segunda Guerra Mundial estaba por terminar. En una entrevista declar que entre 1969 y 1971 se dedic a reconstruir su infancia a partir de las fotografas. Se hizo conocido a finales del 1960 por sus cortometrajes de vanguardia y ms tarde tambin por sus pelculas y esculturas. Aunque las obras que lo han hecho ms clebre fueron sus instalaciones gracias al uso del archivo como dispositivo para preservar una memoria histrica que no tiene que perderse. En los aos 70, tambin se dedic a la reconstruccin de objetos que le haban pertenecido entre 1948 y 1954. Sus instalaciones trabajan el tema de la ausencia. Boltanski pone en claro que cada actual ausencia es la marca de una presencia anterior, de algo que ha desaparecido (o que se ha hecho desaparecer) y que sta desaparicin ha dejado un vaco, un hueco lleno de huellas, ndices y signos que hay que recuperar para reconstruir lo que se ha intentado borrar de la historia. Por lo tanto, nos preguntamos qu es un archivo? Un archivo consiste exactamente en la reunin de los restos que han quedado, de aquellas marcas e indicios que nos puedan ayudar a reconstruir las narraciones perdidas, tal como pueden ser fotografas, ropas usadas u objetos y documentacin. Cada una representa la marca de una ausencia. Es interesante notar como en este artista la realidad y la voluntad de preservar la historia del olvido se mezclen continuamente con la ficcin, es decir con un nivel de intervencin en la realidad de los hechos que, sin subvertirlos, abre una importante reflexin sobre la naturaleza de la historia

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misma. Cada acontecimiento, observado desde la perspectiva de Boltanski tiene una narracin y cada narracin es algo en parte independiente de la manera en que las cosas han ocurrido.

Instalaciones de Christian Boltanski Signatures La instalacin Signatures fue creada por el artista francs Christian Boltanski especficamente para el Aljub de Es Baluard. El artista recoge las marcas que los trabajadores, a mediados del siglo XVII, realizaron en las piedras con las que construyeron el Baluarte de Sant Pere, lugar donde se encuentra el museo Es Baluard, recuperando as la memoria de estas personas annimas. Concebidas como signos de luz y acompaadas del eco de los latidos de corazn emergen de forma intermitente de la niebla, continuando con algunos de los ejes sobre los que se desarrolla la obra de Boltanski: el archivo, la memoria y la muerte. La instalacin Signatures est relacionada con los smbolos que estn grabados en las piedras de los muros del Aljub y del baluarte. Estos signos corresponden a una tipologa de marcas empleadas por los canteros para identificar el trabajo realizado por cada uno de ellos y poder determinar as el salario que les corresponda.

Boltanski tom para su instalacin una veintena de las marcas lineales reproducidas en nen y se encuentran sustentados cada uno de ellos en un soporte que lo mantiene elevado. Para emerger como signos de luz rompiendo la penumbra general de la sala del aljibe.

Personnes

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La instalacin fue exhibida por primera vez en el Grand Palais de Pars, una mega instalacin titulada Personnes (personas). Se trata de una obra audiovisual que explora al individuo, su identidad y la relacin que establece con la memoria o desmemoria a lo largo de su existencia. La instalacin fue objeto de una accin denominada dispersin y consisti en invitar al pblico asistente a desmontarla y llevarse los diferentes elementos que la compona distribuyendo los fardos de ropa sobre el suelo en un esquema compuesto por cuadrculas en series perfectamente alineadas, a los pies de un pirmide donde una gra depositaba en un ciclo infinito ms toneladas de ropa. De fondo como banda sonora se oan sonidos repetitivos que hacan referencia a un entorno industrial. El visitante estaba ante un escenario en el que poda comenzar a andar entre las aglomeraciones de ropa por inercia, atrado por el elemento central de la exposicin, que sin dejar de observarle le gua a su centro, donde conmocionado ante su simbologa palidece convertido en masa, como todos, como nadie, en el todo, en la nada. Disperso.

Chance La obra fue expuesta en el pabelln francs de la Bienal de Venecia. La sala principal fue compuesta como la sala de estampacin de un peridico, una estructura de metal haca correr ediciones de nios, fotos de bebs recin nacidos sacadas de un peridico polaco. Una especie de mquina que creaba en serie nios lanzados a la vida humana dispuestos a recorrer el camino hacia un destino ignorado. De repente, una campana sonaba y en las salas adyacentes unos nmeros en rojo indican las muertes por minuto, los que estaban en verde, mostraban los nacimientos. Como muestra Boltanski en su obra todo es cuestin de chance, unos nacen y viven y otros mueren. Pero la vida tambin es juego y Boltanski deja jugar al pblico hacindola participar en la propia obra, apretando un botn para haciendo coincidir las tres partes de la cara de un beb o de un adulto, pero nunca sin acertar y acabando por configurar una especie de Hombre Elefante. Est obra es una muestra donde el azar y las leyes insondables deciden, son una muestra inquietante de nuestro destino.

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Sombras La instalacin Sombras de Boltanski se present en Pueblas en el Museo de Santa Rosa, el cul curiosamente es un ex-convento en el que se recluan jvenes embarazadas o que simplemente representaban la vergenza para sus familias, las cules vivan como una masa sin conocimiento de s mismas en relacin con la sociedad. La iluminacin no fue lastimera ni tampoco la oscuridad fue macabra sino suave, la luz tenue que se degradaba a una oscuridad quiz incmoda y estremecedora pero tambin apacible (indicando el trmino del sufrimiento vivido) dentro de los lmites de su referencia temtica: la muerte, que acecha en cada rincn oscuro. Este juego de luces y sombras crearon un ambiente ambiguo. Los hbitos de monja colgaron desde los altos techos del lugar imprimiendo elevacin y espritu fantasmal a los grupos de objetos de fotografas y bombillas, muy caractersticos del estilo del artista. Las ventanas sirvieronn de marco a voltiles telas con retratos impresos de las jvenes novicias. A pesar de que estuvieron colocadas como cortinas adquirieron densidad y significado en el espacio junto con la luz que se filtraba por ellas. De los muros se despedan imgenes llenas de contenido como el encuentro con las rejas y la celosa por donde el mundo

exterior era filtrado.

Los nombres de las novicias y monjas consagradas se escucharon etreamente en el mbito espacial del convento de Santa Rosa del siglo XVII como huellas auditivas. Con esta instalacin audiovisual cala la presencia de quin lo observa y se encuentra en ella, marcando el sigiloso desplazamiento por el lugar conventual donde tantas mujeres abrazaron los hbitos y los votos de clausura en una vida dinmica de oracin y recogimiento apartados del mundo. Las jvenes eran obligadas a votos y disciplinas de control corporal y espiritual condensado en una urna con un montculo de cabellos. Este mundo oculto donde el interior atormentado deba ser disciplinado se busca en la representacin imaginaria de vida estricta con los espectros e imgenes caricaturescas que como sombras se extienden en varios elementos de la instalacin cerrando un ciclo entre la santidad y la maldad. El ex-convento de Santa Rosa est situado en una zona urbana a unas calles del centro histrico y con un carcter tradicional de habitantes que con el paso del tiempo no ha perdido aquella identidad. Esos muros del ex-convento han presenciado otras realidades. En el siglo XIX pas a tener varias funciones desde la de hospital, cuartos de vecindad y lavadero comunal hasta su recuperacin como Museo por el estado de Puebla. Pero la vida monstica de encierro y dedicacin oculta se mantiene en el recuerdo y vibra latente en la memoria de la colectividad. Muchas vidas de jvenes mujeres, novicias, marcaron este espacio histrico. Christian Boltanski, fue invitado por la Secretara de Cultura a realizar una instalacin para Puebla, eligi este lugar como espacio operativo de su estrategia en una arqueologa esttica de los habitantes de Puebla. La intencin de la obra es muy definida y pone al alcance de los habitantes una manifestacin contempornea.

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Todos los elementos que compusieron la instalacin desaparecieron cuando finaliz su tiempo en Febrero de 2003, fueron destruidos. La intencin del trabajo era ser una obra interdisciplinaria entre la pintura clsica y el teatro y as como en la obra teatral, en cada lugar la obra cambia, se adapta al lugar-espacio en el que se recrea. Hay cierto pesimismo vitalista en la obra de Christian Boltanski al aferrarse a la transitoriedad del ser humano como afirm: Somos nicos, no sustituibles, pero sustituidos. Sus objetos hurgan simblica y objetualmente en la interseccin de lo individual y lo colectivo centrando su discurso en la reliquia, los objetos que pierden identidad y en la vanidad. Enfatiza la fragilidad del ser humano: El olvido. Pasamos a ser piezas olvidadas en la dinmica de cambio de la humanidad. Apunta a nuestro deseo de permanencia, pero seala la muerte y la identidad que construye la colectividad que es la que persiste. Christian Boltanski afirm de su instalacin que se situ en el interior de la historia de Puebla, defini un fondo y una memoria comn pasando desde lo particular a lo colectivo: Hubo gente antes y habr gente despus de nosotros. Las sombras recuerdan el pasado pero tambin anticipan que somos huella de nuestra muerte al ser creadores de sombras con nuestra corporeidad frente a la luz. Christian Boltanski es un claro exponente de una creciente tendencia en la actualidad artstica que plantea abiertamente las relaciones de la gente y los espacios dados, el arte como etnografa. Un artista con vocacin humanitaria, con un inters y compromiso por la existencia y condicin humanas. El artista asume el nuevo papel de modelo creador situndose como habitante de una cultura que va ms all de lo local abordando niveles de investigacin en medio de procesos filosficos, fenomenolgicos y sociales de nuestro tiempo. Con su actuar entra en lo especfico de una cultura. Explora y cuestiona las relaciones con las instituciones, el poder, los media, el lugar y el contexto buscando transformar la realidad. l mismo confiesa ser un trabajador del arte que realiza una labor esttica-sensible y cuestiona el progreso del arte. Llega a un sitio, explora, sintoniza, y, quizs utilizando elementos de su vocabulario anteriormente empleados intenta componer un discurso esttico asequible que transmita su mensaje y haga al visitante sentir con el corazn. No es un arte que precise informacin colateral para acceder a l. El personaje comn, desconocedor de estrategias contemporneas se sentir arrastrado emocionalmente por la instalacin. Como l mismo dijo: Lo que trato de hacer con mi trabajo es plantear preguntas, hablar de cosas filosficas, no por historias a travs de palabras sino por historias a travs de imgenes visuales. Hablo de cosas efectivamente muy simples, comunes a todos. No hablo de cosas complicadas. Lo que intento hacer es que la gente se olvide que es arte y piense que es vida. Para dar esta impresin de vida me sirvo de medios artificiales, del arte; no es la realidad, hago teatro; trato de que el espectador en ese momento olvide que est en un museo. Christian Boltanski.

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10 . Rebeca Horn Y Louise Bourgeois


Rebecca

Marta Angela Fuentes


Horn

Hablamos de una artista alemana de instalaciones y tambin otras especialidades (dibujo, performance, escultura, cine, poesa, fotografa), considerada dentro del activismo femenino. Para entender el contenido conceptual de sus obras, debe nombrarse el hecho de que, a los veinte aos, debido a una intoxicacin al trabajar con fibra de vidrio, ingres en un sanatorio por un ao. Sus primeras obras surgieron de la intencin de sofocar la soledad que sufra all interna, comunicarse a travs de formas corporales. El trabajo de Horn ha estado muy vinculado al Body Art de los aos sesenta, como artista que trabaja el tema del cuerpo, muy a menudo, recurre al mbito de lo mecnico para metaforizarlo. Indaga sobre los valores de ste y sus transformaciones. Tambin, decir, que tras su ao interna en el hospital, algunos de sus bocetos representaban extensiones de su cuerpo, situaciones en las que se mezclaba la imposibilidad del movimiento con la intencin de abarcar todo el espacio en total. (Finger Gloves, 1972). Aparte de ello, es una artista conocida por el uso de la narrativa y lo potico en sus obras, cargadas de alusiones sexuales y dolor al deseo (al igual que Bourgeois). Como artista de Performance bebe de la fuente del Happening, pero sus obras se presentan ante un pblico generalmente pasivo. Muchos de sus trabajos no introducen al espectador en la accin. Instalaciones como El unicornio o Mascara de lpiz de plomo son obras que se representaron sin pblico y estaban perfectamente sistematizadas, no se dej en ellas nada al azar: -El unicornio: Horn dise esta prtesis en forma de cuerno para que una amiga suya se la colocara y andase por el bosque doce horas campo a travs. En palabras de la artista, una conciencia elctricamente desapasionada, camina entre un sol brillante, mientras el trigo acaricia sus caderas; alguien a quien nadie puede parar ni hacerla salir de su trance. Se une en esta obra algo importante de Horn, lo potico-mitolgico, la autoexposicin y la alusin sexual. -Mscara de lapices: Performance grabada en video. Juega con la esttica sadomasoquista. Se trata de una mscara de correas negras que se cruzan en el rostro, parece que surgen unos agresivos pinchos de ella hacia todas partes, pero el engao es que se trata de lapices. La performance incluye a la artista acercndose a un soporte, lo que se dibuja en l es la direccin de los movimientos de su cabeza. Aqu alude al concepto de extensin del cuerpo a travs del objeto, el afn de abarcar el espacio mediante dicha extensin: prolongacin de uno mismo.

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Decimos de Horn que es una artista que busca la expresin de las emociones, fobias y la sensibilidad a travs del cuerpo. Entonces se lanza al mundo de la metfora, el ensueo y la leyenda a travs de la mquina, volvindose sto uno de los puntos de inters que estimularn su reflexin. La habitacin de la destruccin mutua, 1992. Sobre la violencia.

Una pistola apunta al principio de la sala, donde se coloca un espejo, y la imagen de la pistola se repite continuamente. Esas dos personas se estn apuntando en un bucle de violencia donde no se conoce al iniciador de la disputa Quin apunta a quin? Da igual, porque esos dos portadores se matarn el uno al otro. Es un bucle ridculo y bruto. El simbolismo potico de la artista adopta una relacin con respecto a vivencias personales o hechos histricos, como Concierto contrario (1987) que trata de la guerra del golfo. Se podra decir que aunque el mensaje de Horn no quede claro para el espectador su simbolismo penetra en el que observa y provoca una sensacin de meditacin y turbacin. Louise Bourgeois Prxima a los crculos del expresionismo abstracto de los aos cuarenta y cincuenta y clasificada en la abstraccin excentrica de los sesenta, atravesando el feminismo, la trayectoria de Bourgeios no es fcil de explicar evolutivamente. Ms que nada por que su obra gira en torno a unas obsesiones que se repiten sucesivamente, los motivos son iguales aunque distintos, y no pueden ordenarse en un hilo estilstico o cronolgico. Como ella dice, su trabajo se basa en la repeticin, porque repetir es una forma de redescubrir el dolor y de enfrentarse a l. Las obsesiones de Bourgeois vienen, definitivamente, del hecho de que su padre fuera infiel a su madre con su institutriz. Su trabajo tendr varias vertientes que surgen de sta misma raz: -El papel de la madre y la mujer de la casa (comparacin con su madre), una figura

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lgica, protectora, perfecta, que mantiene todo en orden y sufre los males en silencio. -El hombre como conquistador que cae en el deseo, autoritario, jactancioso, mentiroso... -La casa, el lugar de la incomunicacin y de todos los dramas familiares. Los primeros trabajos de la artista tratan sobre unos dibujos en los que introduce la casa y el cuerpo de la mujer. Las femme-maison hablan del caracter opresivo de la vida domstica, que encasilla a la mujer como ama de casa. En torno al movimiento de liberacin de la mujer, sus trabajos llaman poderosamente la atencin sobre las feministas. Estos dibujos sern los primeros que traten sobre la oposicin entre lo inanimado y lo orgnico, lo rgido y lo maleable, lo frgil y lo solido, que ser simbolo de repeticin en su trayecto. Vemos como el cuerpo se ajusta a la casa, que la cie y oprime. Los brazos diminutos que surgen del edificio puede tratarse de un auxilio o de un saludo, al igual que otra lectura de la obra indica que la casa infantiliza a su ocupante, lo que hace que exista una relacin entre el espacio domstico y la infancia.

Posteriormente, Bourgeois tratar con ms esperanza su obsesivo trauma con la necesidad de la ayuda entre los frgiles. Los ciegos guiando a los ciegos es un buen ejemplo. Sus vivencias infantiles quedan reflejadas en la obra: ella tena que mostrarse ciega frente a la situacin de infidelidad en casa. La relacin con una fotografa de la infancia de Bourgeois guiando a su padre que camina sobre un bastn y la remembranza de cmo sola esconderse bajo la mesa del comedor para contemplar el baile de piernas de sus padres le provocaba sensacin de desproteccin y exclusin del mundo adulto. Es una obra abstracta, y su ttulo alude al Evangelio de San Lucas: Puede un ciego guiar a otro ciego? No caern los dos en el hoyo? Estos ocho pares de piernas parecen sostenerse y equilibrarse mutuamente. Es la vulnerabilidad humana, y en cambio, la posibilidad de la ayuda mutua en la fragilidad.

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Posteriormente, la artista va a centrarse cmo no en sus obsesiones, pero creadas a partir de una contraposicin constante: lo duro y lo blando, lo orgnico y lo inanimado, lo rugoso y lo pulcro. De esta experiencia nacern obras como las guaridas, y los montculos con erupciones y excrecencias. Las guaridas son lugares protegidos en los que refugiarse. Sus cavernosos interiores recuerdan al vientre materno. Los montculos con erupciones van a tener lecturas ambiguas, y tratarn sobre la fusin del gnero, que luego dar paso al prototipo de hombre feminizado que ironizar Bourgeois.

Soft Landscape

Cumul

Hada Costurera

Jano florido es arquetipo de una serie de pensamientos que inmortalizar la artista en sus esculturas. Trata de la coexistencia de los gneros, y precisamente en los ochenta el arte del momento se llen de figuras hermafroditas, identidades hbridas; as la autora se convirti en un modelo de rabiosa actualidad. Se trata de una alusin sexual, la unin entre ambos lados consiste en dos falos unidos por una abertura rugosa y de aspecto vaginal. El ttulo alude al dios Jano, representado normalmente con dos caras opuestas. Su naturaleza de suspensin indica pasividad, pero su masa expresa resistencia y permanencia. Tras obras de caractersticas similares (montculos, figuracin-abstraccin, contraste de superficies, alusin sexual) lo ms destacable de su carrera ser La destruccin del padre (paroxismo de su trauma, materializa todo su dolor) y las Cells, instalaciones facilmente clasificables por ser habitaciones o celdas habitadas por objetos que haran de sus traumas todo tipo de metforas.

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La destruccin del padre ser una macabra carnicera imaginaria en la que la artista regresa a la escena del crimen, a esa mesa de comedor que permanece en su memoria, durante hipcritas y fras charlas familiares, para consumar el parricidio. Bourgeois deca que en su imaginacin, durante la comida, su padre presuma y se engrandeca, y cuanto ms grande se haca ms pequeos se volva el resto de la familia. As que de repente, en una fuerte tensin, agarraban al padre, lo desmembraban y derrotaban, y tenan tanto exito en ello que acababan devorndole. La destruccin del padre es una escultura de tamao claustrofbico baada por una potente luz roja, y en el centro hay una gran mesa cubierta de protuberancias globulares de latex. Recuerda a los cmulos de la decada anterior (cumul I). Se tratan las asociaciones metafricas: senos, nalgas, vientres... Es la materializacin del motivo iconogrfico que obsesiona a la artista desde hace aos (la casa). Una prolongacin de sus guaridas, pero a gran escala.

Las Cells, Celdas o clulas? Bourgeois explora el concepto de escultura expandida cuando realiza para el Carnegie International una serie de Cells enumeradas del I al VI. Slo con el ttulo se muestra ya la ambivalencia de la casa y sus metforas, a caballo entre la biologa y la arquitectura (Cell en ingls vale para celda tanto como para clula, una relacin entre la prisin y el origen y unidad mnima de la vida). En palabras de la autora Todas las Cells tratan sobre el placer del voyeurismo, la excitacin de mirar y ser mirado. Todas las celdas son objeto de violacin por parte del espectador cuando entra en ella buscando en el enigmtico entorno qu encontrar para darle sentido a lo que estamos viendo. En Cell I, por ejemplo, se vislumbra entre la rendija de dos puertas un pasillo, pero la entrada est tapada por una silla de hierro, lo que nos provoca la ansiedad del voyeur Qu hay ah detrs? Histeria y deseo. Obra ms importante de las Cells.Una barrera de puertas metlicas impide la visin del interior, as que el espectador penetra en la celda. Esto acenta el efecto sorpresa que produce la instalacin que hay dentro. Sobre una cama cubierta por una sabana en la que se lee Je taime (motivo repetido ya en otras obras como signo de perdn o expiacin) yace un cuerpo masculino totalmente arqueado, la postura es grotesca y provoca tensin. La histeria se atribua a un desequilibrio humoral femenino. As, en vista de algn caso de histeria masculina, a dicha

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persona se la tildaba de afeminado. Como dice la artista, ...Se trata de dotar de voz a esa presencia oculta, el hombre histrico, as como cuestionar la identificacin tradicional entre la histeria y el sexo femenino... ...Este es el arco de la histeria, el placer y el dolor se mezclan en un estado de felicidad. El arco es sexual, es un sustituto del orgasmo en alquien que no tiene acceso al sexo.

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del arte e integracin de la mujer.Jenny Holzer y Barbara Kruger Natalia Coleto


No es ninguna novedad afirmar que la vinculacin del arte a cuestiones feministas o de gnero es cada vez ms frecuente. Por fortuna, cada vez son ms las mujeres artistas que alcanzan reconocimiento dentro y fuera de sus respectivas fronteras y muchas de ellas enfocan su creatividad en defender o ensalzar el rol femenino. An as es difcil no hacerse preguntas como : Por qu oficialmente no existen mujeres artistas de la talla de Miguel ngel, Rembrandt o Picasso? Por qu en la historia del arte occidental, hasta bien entrado el siglo XX, prcticamente no hay mujeres innovadoras o exitosas? Por qu no se recuerdan mujeres artistas geniales? Por qu la mayora de las mujeres artistas vivieron a la sombra de sus maridos, amantes o mentores artistas? En cuanto a esto ha habido una labor de ocultacin y de representacin a un papel secundario de la mujer en el arte. En este sentido no se trata de recuperar slo a mujeres, sino a todas aquellas personas que han hecho aportaciones importantes a la historia del Arte, y sin embargo se han visto relegadas a un segundo lugar. Entre el final de los aos 50 y principio de los 60 hay una a revolucin poltica y cultural en el arte. La instalacin en el arte tiene que tener en cuenta una serie de apreciaciones y agrupar todos sus significados. Entre estos est el espacio, el cual ser el contenido especfico, es decir, el centro de la obra realizada. Otro de ellos es incluir la experiencia artstica del espectador, al igual que incorporar el espacio en la construccin representativa. A parte de esto, el florecimiento y la difusin del pensamiento feminista, caus una influencia directa sobre el medio artstico, gener un arte conscientemente feminista y comprometido. As, en el campo artstico, la enorme mayora de las obras las producan los hombres, para un pblico masculino y con mensajes que reflejaban los sueos, expectativas y fobias de los hombres. Aunque el acceso de mujeres al estudio formal del arte no estaba prohibido, haba polticas que de hecho limitaban su desarrollo profesional. La preocupacin de las feministas acerca de la condicin de las mujeres est estrechamente ligada a otros acontecimientos y movimientos que sacudieron la conciencia del mundo, como el movimiento por los derechos civiles de la poblacin negra en Estados Unidos, la guerra de Vietnam, el lanzamiento al mercado de los anticonceptivos, la experimentacin con drogas psicotrpicas, los movimientos estudiantiles y hasta la llegada del ser humano a la Luna. El feminismo fue uno de los eslabones del despertar social de grupos hasta entonces marginados de los espacios de poder. No se refiere solo al arte realizado por mujeres sino que aborda los temas de gnero y altera los valores tradicionales del arte. Refleja la vida y las experiencias de las mujeres para transformar las ideas patriarcales de la sociedad. Abordan temas como: las funciones biolgicas femeninas, la maternidad, la violacin, el racismo, las condiciones de trabajo, sexualidad. El arte feminista no est ligado a ningn estilo en particular sino que se trata de destacar a la mujer. Algunas manifestaciones tienen un estilo muy tradicional ( la pintura, la escultura, bordado, telas, papel ), otras opinan que estas tcnicas fueron contaminadas por el patriarcado y otras se interesaron por nuevas formas de expresin. El nuevo espectador de la instalacin se convierte en usuario, puesto que se relaciona con la obra y se incluye en el proceso artstico de esta. Debido a esto, se requiere un espectador ms profesionalizado, ya que se encuentra con innumerables problemas en la recepcin de la obra. Entre ellos encontramos que sea una propuesta universal, y la relacin con el pblico o la influencia que puede adquirir socialmente ( en cada caso producen diversas respuestas). Una parte de las esculturas adquiere un carcter efmero, y estas son minusvaloradas por los espectadores, consideradas con falta de sentido emocional y difcil mantenimiento para los coleccionistas. Desde el S. XIX hasta ahora se observa un gran cambio en la concepcin de la escultura. Las barreras entre arte, pintura, escultura, y arquitectura (artes puras o aplicadas) empiezan a ser vulneradas, aun-

11.Cambio en los soportes

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que sigan habiendo obras basadas en la tradicin. Aparece la instalacin, pero su concepto es muy ambiguo y se ve imposible de encasillar como otra disciplina. Se trata de una poca de procesos de experimentaciones y conquistas: liberacin de los esquemas tradicionales de la escultura (desaparece el pedestal) ; invasin al mbito expositivo, se abre al terreno pblico y se adapta a las circunstancias del entorno ; disolucin de los lmites que define la disciplina escultrica, integracin multidisciplinar. La instalacin es una obra que se extiende en el espacio, y es por lo tanto transitable. No es ya una representacin o reproduccin sino la instauracin de una realidad en una situacin espacial. El espacio en este caso es un ente expresivo, que demanda de los espectadores una actitud ms participativa. JENNY HOLZER Surge un arte activista, como un hibrido del mundo del arte y del mundo del activismo poltico y popular, cuyo objetivo es incitar o efectuar un determinado cambio social. Esta prctica se apropia de los emplazamientos urbanos y de sus tcnicas de publicidad urbana para aproximarse al publico, incluyendo as los medios de comunicacin y la cultura de masas. Nace a mediados de los 70, y con vinculaciones al arte conceptual, como proyectos e iniciativas independientes a los circuitos artsticos convencionales. Se puede decir que el arte conceptual era el ms impactante, puesto que incorpora palabras con imgenes y pareca negar y cuestionar la primaca del objeto. A su vez, estos medios conceptuales favorecieron la participacin de las mujeres en el arte. En este sentido, las mujeres artistas tuvieron un papel fundamental en la exploracin y definicin del arte, entre este la instalacin, abriendo un gran espacio multidisciplinar. Entre estos artistas podemos nombrar a Jenny Holzer ( Nueva York, 1950). A partir de 1977 la artista sustenta sus trabajos en dos argumentos fundamentales: la naturaleza social del lenguaje y su condicin de mujer. La obra de Jenny Holzer no da respuestas, sino que trata de plantear inquietantes interrogantes que tienen mltiples respuestas posibles, tantas como espectadores-lectores, en funcin de las opiniones y vivencias de cada uno de nosotros. La brevedad de unos mensajes cortos en ocultan significados profundos que se plantean como un interrogatorio que obliga al espectador a pararse, leer, comprender y reflexionar incluso en la propia calle, ya que Holzer utiliza edificios y otros elementos urbanos (bancos, fuentes, espacios publicitarios), que ms tarde hablaremos, para proyectar sus mensajes. Los temas que toca Holzer entran de lleno en temas tabes en las sociedades occidentales como son el sexo, la violencia, el amor, la guerra y la muerte. Al principio no era considerada como una artista sino como una activista poltica. De su obra se ha dicho, que la palabra adquiere nuevos significados, el texto es revalorizado y replanteado como un elemento esttico ms: la literatura se vuelve visual y el arte plstico se vuelve discurso. Segn esta artista Han sido las mujeres quienes han hecho el arte ms desafiante en la ltima dcada. Desde el punto de vista psicolgico, su trabajo es mucho ms extremo que el de los hombres Despus de pasar una etapa como pintora abstracta influida por gente como Morris y Mark Rothko, y coincidiendo con su traslado a Nueva York, inicia su primera serie como artista conceptual con Truisms [Tpicos] (1977). Se trataba de mensajes breves, pero de un profundo significado, tocando temas tabes en las sociedades occidentales (y que podra considerarse actuales hoy da) como son el sexo, la violencia, el amor, la guerra y la muerte.. Entre ellas podemos encontrar frases como: un hombre relajado no es necesariamente un hombre mejor; sumisin absoluta puede ser una forma de libertad. Poco a poco los soportes que va utilizando se van ampliando, proyectando sobre el mobiliario urbano, fachadas de edificios, soportes publicitarios El texto se acaba convirtiendo en un elemento esttico visual, y las artes plsticas adoptan un carcter discursivo. La literatura se vuelve visual y el arte plstico se vuelve discurso. Holzer utiliza la palabra como arma para sacudir la conciencia social adormecida en esta sociedad de

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consumo y bienestar. La preocupacin de Holzer, con llegar a un pblico grande y amplio capturando la atencin del espectador, es evidente en sus proyectos con LED en los espacios pblicos como Times Square. Holzer ha ampliado su repertorio tecnolgico para incluir proyecciones que alcanzan los edificios desde la distancia, instalaciones multimedia en tres dimensiones pantallas LED, proyectos web, y videos para MTV. Una de las obras de esta serie que caus gran conmocin fue en 1982, sus frases aparecieron en Times Square utilizando como soporte una pantalla electrnica en la que aparecan frases como Protect me from I want (Protgeme de lo que quiero), Abuse of power comes as no surprise (El abuso de poder no llega de sorpresa), Absolute submission can be a form of freedom (La sumisin total puede ser una forma de libertad).

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Otra de sus instalaciones, con similares caractersticas a la anterior se encuentra en el Museo de Arte Contemporneo de Chicago, en el que hace un ejercicio interesante: pone informacin en pantallas de LED relacionada a la Guerra que Estados Unidos llevaba a cabo con Iraq. Se encuentran documentos que en algn momento han sido confidenciales para el gobierno de Estados Unidos pero que despus fueron desechados, obviamente con la informacin ms relevante completamente eliminada ,haban informes oficiales militares de cmo realizar torturas, correos electrnicos con informacin de posicionamiento militar, as como conversaciones entre vctimas de la guerra con reporteros, o hasta la transcripcin de conversaciones de radio entre soldados estadunidenses. De la misma temtica que en la anterior encontramos una instalacin llamada Lustmord (1994), fue realizada a causa de los acontecimientos durante la guerra que hubo en la ex Yugoslavia. En el que podemos encontrar huesos humanos, algunos envueltos con bandas de plata con textos grabados sobre ello, ordenados y presentados sobre grandes mesas de madera, articulado todo ello con uno de los compromisos ms transparentes de la artista que son en los aspectos fsicos y psicolgicos de la violencia y los traumas que acontecen. El texto se desplaza por sobre mltiples pantallas delgadas de colores brillantes, a veces intermitente, y difcil de leer, aludiendo a frases tambin sobre la guerra y violencia.

Su obra Textos de amor y prdida (1996-97) es el ejemplo de integracin de las tres experiencias caractersticas en la instalacin de esta artista (espacial, perceptiva y lingstica). La articulacin espacial, capacidad expresiva y precisin lingstica , est al servicio de una obra de arte. Actualmente se encuentra en la parte baja del Guggenheim de Bilbao, como coleccin permanente. Se trata de nueve pantallas lineales verticales (de 12m de altura) en las que circulan diversas frases escritas en euskera, espaol y francs. Las pantallas alineadas disponen de dos diodos luminosos por las dos caras (azul en una y en la otra roja), de manera que dividen el impresionante espacio semiabierto en el que se ubican. Desde fuera el espectador percibe la zona interior como espacio reflejado y solamente al entrar en l se puede comprobar cmo se va abriendo el lugar. De nuevo incide en el el sexo, la violencia, el amor, la guerra y la muerte. Si se observa desde el piso de arriba las frases de amor y prdida se entrelazan. La incorporacin de palabras y frases en distintos medios y tcnicas, lejos de unificar su produccin artstica, se integran en la potica de cada una de sus obras de forma sorprendente. BARBARA KRUGER Las intervenciones artsticas en el espacio urbano, pueden incluir todo tipo de propuestas. La finalidad es traspasar las barreras culturales, polticas y econmicas que les separan a los diversos sectores de la poblacin e Inventar nuevas formas de representacin. Podemos afirmar que poseen una actitud intervencionista aquellas propuestas artsticas que, tras reconocer las inestabilidades y contradicciones de la sociedad del momento, tratan de informar sobre ellas y cambiarlas conforme a la idea de justicia social. Al hablar de intervenciones nos referimos a un arte de contexto, tratan de realizar una crtica radical desde dentro y pretenden articular la conciencia forzando conexiones sociales apropindose de alguna manera del espacio cotidiano (pblico).

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Barbara Kruger ( Nueva Jersey, 1945 ) a travs de sus trabajos nos habla de los modelos publicitarios y su relacin con la manipulacin de los mensajes para la incitacin al consumo, y estilos de vidas ajenos, diferentes. La obra de Kruger, desde su madurez, es interdisciplinar y comprende tanto la escritura y la imagen, como el diseo y la edicin. Adems de aparecer en museos y en galeras de todo el mundo, el trabajo de la artista apareci tambin en vallas publicitarias, posters, parques pblicos, estaciones de trenes, y en otros lugares pblicos (vinilos de los autobuses urbanos.. ). A Kruger le interesa trabajar en esa dicotoma de espacio pblico y privado . Utiliza imgenes de mujeres para explicar cmo la mirada estableca las distancias y converta a la mujer en un ser pasivo. El arte de Kruger es inconcebible fuera del movimiento feminista y de las complejas situaciones sociales en los aos 70 que confirieron nueva visibilidad a las mujeres artistas. Como Kruger, muchas mujeres dieron vuelta hacia la fotografa, oponiendo los medios mecnicos simples de la creatividad celebrada en los medios tradicionales de la pintura y de la escultura y predominantemente masculinos. La masculinidad y la feminidad lleg a ser visto como el producto de la adaptacin a las normas sociales de la sexualidad. Barbara, por su parte, se enfrentaba con sus imgenes mordaces y provocadoras a un espectador masculino con el nico propsito de convertirse en la propia conciencia de la sociedad. De forma con las implicaciones radicales para los artes visuales, las discusiones convergieron en la poltica de la imagen. En la mayora de los textos, Kruger, como otros, ha expresado su deseo de no ilustrar la teora. Sin embargo, el significado y el lenguaje, encontraron su camino en el trabajo de estos artistas. Esta artista expresa sus preocupaciones sobre temas feministas y crticos con la sociedad a travs de imgenes y texto y en consecuencia, es capaz de captar la atencin del espectador. Revela conceptos con tal impacto que el espectador se ve obligado a examinar ms a fondo sus opiniones o su propia y percepciones en relacin con estas cuestiones. Sus cdigos visuales, compuestos por la superposicin de imgenes con cierto tono publicitario y un texto que evoca una voz crtica, se centran en las estructuras ideolgicas de los sistemas de control, la medicina, las representaciones del cuerpo, la identidad sexual, las emociones, el trabajo, el poder y el abuso de poder. El trabajo de Kruger se dirige directamente hacia los preceptos ms anclados en nuestra sociedad con la intencin de darles la vuelta y demolerlos con el tono aforstico de sus mensajes. Estos aforismos; a diferencia de los Tpicos de Jenny Holzer, (ya que ella tambin incluye texto en su obra) que parten de ser algo que ya se sabe para pasar a la sabidura popular ; Kruger hace dao, en el sentido de que son palabras corrosivas que van contra lo que est establecido, son la voz de la conciencia generalizada de la sociedad. El texto que acompaa a las imgenes evoca la voz de una crtica moral, helada, inteligente, sarcstica y algo despectiva que actan con el papel de la conciencia. La obra de Kruger muestra una extraordinaria coherencia caracterizada por la omnipresencia del lenguaje. El lenguaje domina en el acto de la comunicacin, y la artista juega con su potencial y su ambigedad de una forma tan significativa que podramos considerarlo el punto clave de su obra. El leguaje es poder. Fuera de las Instalaciones, pero creo que importante en la produccin artstica de Kruger, encontramos obras como Your body is a battleground (1989). Se trata de un cartel, muy importante, es un trabajo que se puede convertir en un lema y en slogan de una revolucin, y por tanto, se trata de un soporte que se escapa de la nocin tradicional de arte. Fu diseado para apoyar el derecho al aborto. Por un lado denuncia la bsqueda de la mujer de ser completa tal y como la mentalidad patriarcal lo impone, por otro reclama el derecho de la mujer sobre su propio cuerpo, un cuerpo real y vivido. El color de sus obras es preferiblemente el blanco y negro, aunque en algunas ocasiones se emplee el rojo. La imagen es la cara de una mujer dividida simtricamente a lo largo del eje vertical. El cartel que convoca oposiciones convencionales -positiva y negativa, blanco contra negro, el bien contra el negro, el bien contra el mal. Para Kruger el mensaje es muy serio , a travs de la superficie se inscribe, Tu cuerpo es un campo de batalla. Entre sus instalaciones podemos encontrar Picturing Greatness [Grandeza de imaginar] (1988) Se trata de abordar de una manera crtica a la construccin artstica de grandeza, pero de manera

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sistemtica no de sustitucin. Segn Kruger no se trata de decir esto apesta, porque no tengo todo , es ms como:. Esto es problemtico, y el cambio podra ser productivo. Su crtica apunta a interceptar los cdigos estticos que confieren el valor de creatividad, originalidad, y la grandeza de la obra maestra que proporciona un argumento de venta para los productos estticos. Kruger ha expresado reiteradamente su deseo de deconstruir la nocin de la gran artista dentro de su guarida caracterstica, la galera. Tambin se ha presentado este sabotaje en el museo. En las etiquetas de la pared de acompaamiento Kruger escribe sobre retratar grandeza puede ser lo que significa el aspecto de un artista. Tanto en los ojos , la boca , ropa , el gesto y cmo nos mira. Quiere decir que las obras de arte son a menudo las construcciones destinadas a ocultar la naturaleza social de la actividad artstica.

Esta instalacin sin ttulo realizada en 1991, aqu Kruger utiliza los mismos recursos grficos que en sus carteles. Textos impactantes en rojo y blanco sobre imgenes en blanco y negro. El texto que aparece al fondo, superpuesto a la imagen duplicada de una mujer que grita, dice: Toda violencia es la ilustracin de unos estereotipos patticos. Los roles que tradicionalmente se han atribuido tanto a la mujer como al hombre continan ejerciendo su influencia aun cuando somos conscientes de que son errneos. Segn estos estereotipos la fuerza es smbolo de poder y los sentimientos son algo ridculo que pertenece al mundo femenino y que el hombre no debe nunca mostrar. Cuando resolvemos nuestros conflictos a travs de la violencia nos encontramos repitiendo inconscientemente estos estereotipos y perpetuando unas maneras errneas de entender la vida y al individuo. Tanto hombres como mujeres que usan la violencia no hacen ms que repetir actitudes que han conocido anteriormente en otros y que han asimilado errneamente. Debe un hombre golpear para ser hombre? Debe una mujer aguantar los golpes por el hecho de ser mujer? Debemos estar atentos pues superar los estereotipos no significa, en ningn caso invertirlos y forzar a hombres y mujeres a cambiar sus papeles. Cada individuo deber establecer sus propios modelos de conducta a partir del respeto a los dems y las normas de convivencia social. Entre otras de sus Instalaciones est Power Pleasure Desire Disgust, (1997). Se trata de la primera pieza de carcter multimedia de Barbara Kruger. La autora bombardea con un arsenal de palabras, imgenes, sonidos, mensajes hablados que captan todos nuestros sentidos. Los elementos estticos son ahora eliminados y reemplazados por constantes textos que cambian, siendo proyectados en las paredes, el suelo e incluso superpuestos a las imgenes en movimiento. La habitacin donde est instalada la obra se halla en completa penumbra y oscuridad, los nicos puntos de luz son los proyectores. Todos los elementos disuelven la rgida arquitectura de la sala y la convierten en una habitacin que respira. Se convierte en un organismo vivo y perceptivo. En relacin a los videos en movimiento que incluye la autora como novedad, nos enfrentamos a una serie de individuos cuyas voces expulsan una serie de emociones, palabras que no han sido pasadas por ningn filtro tico o moral. Caminando a travs de la instalacin, encontramos tres tneles, donde unas cabezas hablantes nos devoran prcticamente. El discurso coloquial de los videos es familiar, directo e informal y completamente alejado de lo ceremonial. Lo que pronuncian esos desconocidos podran ser monlogos que dan voz a nuestras propias frustraciones, a pensamientos que nunca nos atreveramos a poner en palabras, o a situaciones reales, donde no hay un control social, no hay inhibiciones ni vergenza. La artista nos

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acerca situaciones comunes, muchas ya experimentadas por todos. Kruger expone en esas convenciones del lenguaje dndoles un lugar completamente distinto al que pertenecen, de esta manera el espectador emerge en un contexto que no est acostumbrado a ver desde fuera. Kruger nos envuelve en un bombardeo de emociones, las cuales el rango de las emociones est dominado por la agresin, la arrogancia, la rabia, la impotencia, el sarcasmo, la humillacin, la sumisin, el insulto y el desprecio. El apocalptico ambiente de la sala, generado gracias al carcter infinito de la pieza (sin principio ni fin), causa un persistente sentimiento de impotencia y no nos deja ni un momento de paz intelectual para intentar absorber lo que estamos viendo. Esta dramaturgia dirigida a atrapar y cautivar por completo al pblico, toma el ejemplo de los medios de comunicacin a partir de su tratamiento iridiscente de la palabra y la imagen, su velocidad y poder de la sugestin.

Para finalizar con el trabajo me gustara destacar la adaptacin del arte a las nuevas tecnologas y a la sociedad del momento, la evolucin y desarrollo en s mismo. A parte de esto, destacar el gran esfuerzo y persistencia de todas las mujeres que luchasn y siguen con ello por la lucha de unos derechos igualitarios para todos, que sin embargo, hoy en dia es alimentada por los estereotipos sexistas que impone la sociedad de consumo (publicidad). Pese a que estas obras pretenden escapar del espacio cerrado del museo, no se pueden valer sin este mismo, para que circule y sea conocida. An as, consigue escapar de la concepcin tradicional del arte y clasicismo, por una parte es una gran evolucin, pero por otra presenta una gran crtica que la perjudica.

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1 2 . Flix Gonzalez Torres Y Group Material


Nacho Ramos
Flix Gonzlez Torres (1957-1996) Artista Americano centrado en el campo de la escultura y la instalacin de arte. Flix Gonzlez Torres era conocido por las instalaciones tranquilas y esculturas que realizaba. Empleaba todo tipo de materiales, ya fuesen cadenas de bombillas, pilas de papel o envoltorio de caramelos. En dichas obras se muestra una referencia a la experiencia que tuvo con el SIDA. En 1987 se integr al grupo de artistas Group Material, artistas que trataban temas como la participacin poltica y cultural , el SIDA o la esttica del consumo entre otros. En 1989 fue invitado junto al resto del grupo por la Galera de matriz en el Berkeley Art Museum y Pacific Film Archive para tratar el tema del SIDA. Muchas de las instalaciones que Flix Gonzlez realizaba , permiten al espectador coger un pedazo de la obra , como en su trabajo de dulces envueltos apilados en la esquina de un espacio expositivo que el espectador puede coger y con ello contribuir a la lenta desaparicin de la escultura a lo largo de su exposicin. En 1989 present Untitled (Memorial Day Weekend) y Untitled (Veterans Day Sale), expuestos conjuntamente como Untitled (Monuments): como bloques de pilas de papel impreso con contenido relacionado con su vida privada, a partir de la cual se invita al espectador a tomar una hoja. En lugar de ser un monumento slido, las pilas pueden ser dispersadas, agotadas, y se renueva con el tiempo. Sin embargo, Untitled (1991) es una pila nica de 161 serigrafas firmadas y numeradas que se mantienen juntas. Las obras de Flix Gonzlez pueden ser interpretadas como una metfora de la vida para el proceso de morir, como bombillas que se desvanecen o los montones de caramelos que se dispersan. Aunque sus obras tambin pueden representar la continuacin de la vida con la posibilidad de la regeneracion, como la sustitucion de dichas bombillas o la reposicin de los caramelos apilados. Una de sus obras ms conocidas, Untitled (1991), fue una valla publicitaria instalada en veinticuatro lugares a lo largo de Nueva York de una fotografa en blanco y negro de una cama desocupada, hecha despus de la muerte de su socio Ross Laycock a causa del SIDA . Adems, la instalacin de Untitled (Placebo) (1991) consisti en una alfombra de seis por tres metros de caramelos envueltos de plata brillante.

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Las obras tienen el peso ideal , el cual puede variar durante el curso de una exposicin. La gran parte de las obras de Flix Gonzlez tienen como ttulo Untitled ( sin ttulo) entre comillas seguido a veces de un ttulo entre parntesis. En una entrevista se le pregunt que cual era su pblico, a lo que l contest que su publico habia sido Ross, y que el resto de la gente acababa de llegar. Finalmente falleci en 1996 en Miami a causa de problemas con el SIDA. Group Material Es un colectivo de artistas asentado en Nueva York entre 1979 y 1996 en el que han ida cambiando los miembros que lo componen. Este grupo de artistas trataban temas como la participacin politica y cultural , el SIDA o la esttica del consumo entre otros. Group Material se inici porque, como artistas, estaban desesperados por la idea de que su trabajo pudiera no ser mostrado, o de que pudiera ser visto como una mera mercanca y que sus obras no fueran comprendidas. Group Material, de esta manera, fue el resultado de una colaboracin nacida de la necesidad de dinero y de espacio que se inscribe en la tradicin de hacerse un espacio: una habitacin propia; una galera.

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Observaban la calle y el museo como lugares en los que se poda reavivar el dilogo sobre cul habra de ser la naturaleza de los lugares que permitiesen albergar tanto la experiencia epifnica como la accin poltica, lugares en los que se pudiera reconfigurar los conflictos entre lo privado y lo pblico. DA ZI BAOS (1982) fu una intervencin que tomaba como modelo los carteles compuestos solo por textos escritos que proliferaron durante el movimiento de los muros de la democraciaen China,

constituyendo un paisaje de reflexin social en el cual la crtica puede ser entendida como base de la democracia. En AIDS (SIDA)Timeline todo sucede de manera fluida. Es un ejemplo en el que conviven pinturas, un mrbido reportaje periodstico e informacin sobre quines se beneficiaban del sida. Su propsito era combinar la opinin con la emotividad, contrastar los presupuestos del Estado con la letra de la cancin Its Raining Men.A traves de obras como AIDS (SIDA)Timeline se define la visualidad de los estudios culturales a travs de una mezcla radical de los elementos. Lo que intentaban era inventar una coalicin entre lo esttico y lo poltico que vean como punto de partida para poder reinventar la exposicin de arte. En sus procesos de trabajo han alterado las jerarquas de soportes y medios, otorgando el mismo rango de obras de arte a psters, pelculas, conferencias, carteles publicitarios o discusiones, como una propuesta heterognea que caracteriz la dinmica del grupo. Finalmente decidieron tratar la democracia diseando cuatro experiencias temticas relacionadas : -primero la educacin , la poltica y las elecciones -segundo la participacin cultural -tercero el sida -y cuarto un estudio de caso

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Cada una de ellas estara construida segn un conjunto de principios de organizacin visual diferente al resto. Cada una tendra pblicos diferentes, as como se habran de aplicar principios de representacin visual diversos para cada diseo que podran o no evocar otras formas de percepcin colectivas previas. Con cada una de esas exposiciones lo que construyeron fueron contextos en los que otros podan participar, contextos que organizaban para mostrar que las formas artsticas se producen en correspondencia con realidades sociales ms amplias en las cuales se vive. Group Material pretenda llegar a la conclusin de que incluso un espacio sin fines de lucro no es ajeno por su formato de galera para representar una alternativa real. El grupo abandon el espacio en 1983 y aplic una nueva prctica en torno a la distribucin, el uso de espacios pblicos y de transporte as como los medios de publicidad como sitios para la exposicin y la direccin.

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13.

ILYA

KABAKOV

Gina Rosado

Ilya Kabakov es un artista conceptual ruso que naci en Ucrania. A lo largo de ms de 40 aos de carrera ha experimentado sobre una amplia gama como son pinturas , dibujos, instalaciones e, incluso , textos tericos. En estos ltimos aos , sus instalaciones trataban sobre la cultura visual de la Unin Sovitica. Kabakov se convirti en miembro de pleno derecho en 1965 a la Unin de artistas de la Unin Sovitica . Esta posicin era de prestigio en la URSS y trajo consigo importantes beneficios materiales. Trabaja mediante el uso de biografas ficticias inspiradas en sus propias experiencias. Su intencin es la de explicar el nacimiento y la muerte de la Unin Sovitica, la cual dice que es la primera sociedad moderna a desaparecer. El artista, en la Unin Sovitica descubre varias cosas comunes a toda sociedad moderna y, al hacerlo, analiza la separacin entre el capitalismo y el comunismo La obra de Kabakov viene marcada por su formacin como artista grfico y por su observacin de la vida de los ciudadanos bajo el rgimen comunista. Pertenecientes al arte conceptual, sus creaciones nacen del anlisis social y se insertan en el movimiento activista que incita al espectador a la reflexin y la toma de posicin Kabakov se ha convertido en unos de los ms reconocidos artistas del arte de la instalacin en las dos ltimas dcadas. Las famosas instalaciones de Kabakov son construcciones complejas, no exentas de stira e irona, en las que se combinan objetos, imgenes y textos recreando entornos deprimentes de viviendas comunitarias, clnicas mentales, aulas escolares y lugares de trabajo. En las instalaciones de Ilya Kabakov siempre observamos la presencia de la memoria , a veces con elementos autobiogrficos como por ejemplo en el antiguo espacio de una casa, que despus fue ruina y luego dio paso nicamente a la huella de la rutina la cual es la memoria y la historia de otros. Muchas veces tambin incluye vivencias del pasado que dejan una sensacin de desolacin y tristeza. Pasado que conecta con la esperanza . Cada tiempo, cada espacio.. tienen imgenes simblicas que representan un anclaje a determinadas ciudades y casas. Algunas de las instalaciones de Kabakov se presentan mostrndose a s mismo como proyectos pblicos, dirigidos directamente al espectador en general, tratndose de un teatro para un pblico diverso en cuanto a la profundidad de su conocimiento del arte. As, las reacciones frente a la obra de Kabakov pueden ser de sorpresa o desconcierto pero nunca de indiferencia. Kabakov, tras reflexionar sobre la relacin de espacio y tiempo crea lo que l llama instalacin total. Esto es que es concebida de tal forma que el mismo espectador, adems de los diversos elementos que la constituyen, es atrapado por la instalacin y se encuentra en el interior. Se ve manipulado por la instalacin, convirtindose de alguna manera en su vctima; sin ser por ello menos espectador ya que , por un lado, observa y aprecia la instalacin y, por otro, analiza las asociaciones de ideas, pen-

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samientos y recuerdos que la instalacin total ha originado en l, cuando es , a la vez sumergido en la atmsfera creada. La instalacin total, podemos afirmar que nos devuelve la ilusin de la realidad de los lugares a los que el autor nos conduce. Dentro de la instalacin, el espectador se ve frente a un nuevo entorno inesperado, el cual es ese conjunto que constituye un todo coherente; confrontado a objetos ntimamente ligados a este entorno , y al espectador-vecino que tambin se encuentra en la sala. Un espacio totalmente reorganizado implica que el entorno en el que el espectador de la instalacin se va a desenvolver, ha sido modificado por completo o es un objeto de una construccin enteramente nueva. Esto provoca un primer impacto; el espectador un segundo antes de entrar en la instalacin, deambula por un entorno conocido. La instalacin total es el lugar de una accin cuajada, donde se ha producido, se produce o puede producirse un acontecimiento. Algunas de sus instalaciones: LA NAVE DE SIWA LA NAVE DE LA TOLERANCIA Fue un proyecto realizado en Siwa, Egipto en diciembre de 2005. La exposicin fue organizada por Albion Gallery, Londres y Sociedad de Amigos de Siwa Este proyecto propone la construccin de un barco egipcio antiguo de dimensiones de 20x70 metros con una altura de mstil de 13 metros y su posterior lanzamiento en el agua. En este proyecto, los nios de las escuelas de los alrededores participarn en la preparacin de la instalacin de forma ms directa. En las escuela los profesores ensearon a los alumnos diapositivas mostrando los barcos antiguos, les explicaron su construccin y los propsitos y se organizaron y repartieron entre todos las tareas para lograrlo, pudiendo ser copiados de las representaciones o improvisando sobre ese mismo tema. Una vez lista la organizacin y enseanza del tema, se inform a los alumnos que en verano habra una nave en la orilla y que cada uno de ellos deban hacer un dibujo para participar en la construccin y decoracin de la misma. Las condiciones era que deban ser dibujos realizados de blanco, rosa , azul y piezas de tejido sinttico de dos tamaos: 100x84cm y 110x110 cm. Las telas llevaran varillas de madera tanto en la parte superior de la pieza como en la inferior.

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Todos los alumnos deben contar con pinturas y pinceles y dicho trabajo debe verse como una improvisacin libre, en principio dentro del tema de Barcos y Naves, pero en su defecto de cualquier cosa que quieran representar. Dos semanas antes de la inauguracin de la instalacin, un grupo de constructores deben levantar la estructura de la nave de bamb y encajarla a una balsa tambin de bamb. La balsa ir colocada sobre una serie de pontones inflados , por lo que la balsa flotar. Todo el proceso de construccin se realiza en la costa cerca del lago , de manera que toda la gente puede ver su proceso de creacin. Una vez construido el canal, es el momento de unir los dibujos de los alumnos. Estos dibujos se colocarn de forma extendida entre los palos del canal formando el puerto y los lados de las cubiertas. La vela tambin ser fabricada por dichos dibujos. Para la realizacin de estas fases, se contar con la participacin de los nios. Para la celebracin de la inauguracin de la instalacin, se propone colocar en la cubierta principal velas, las cuales iluminarn desde abajo toda la construccin. Lo principal de este proyecto es el acto del lanzamiento. El arrastre del barco al agua se realizar despus de haber colocado los postes largos debajo de la balsa y irn acompaados de msica y bailes desde mucho antes. Se prevee que si hay viento, el barco navegue lentamente en la noche, brillando con la luz de las velas. Despus de la llegada del barco a la orilla, se arrastra fuera del agua y todos los dibujos pueden ser recogidos para conservarlos en las escuelas y la estructura puede quedarse en la tierra como recuerdo del encuentro de los nios y su pasado.

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THE RED WAGON Esta instalacin se exhibi en 1991, en la Kunsthalle de Dsseldorf, Alemania. Se trata de una instalacin simple comparada con otras. La instalacin esta compuesta de 3 partes ensambladas como una unidad completa de 17 m de largo, 3.5 m de ancho y 7 m de alto. En esta instalacin, el espectador encuentra una rampa de madera sin terminar y una serie de escaleras y plataformas y ha de ser capaz de explorar la construccin y deber descubrir la escalera final , la cual se dirige hacia arriba en diagonal pero no lleva a ninguna parte. El exterior de la instalacin est decorado con pinturas realistas socialistas. El pasar por la madera sin pintar, a un americano le puede recordar a una casa remolque pero a un ruso le recuerda a un vagn de ferrocarril de Rusia. Dentro de dicho vagn oscuro podemos disfrutar de la msica y, al cruzar el umbral, el espectador se topa con un mural el cual representa una ciudad idlica Sovitica, pacfica y prspera con un cielo azul lleno con una exhibicin area de los biplanos con globos de aire. Uno ve un hermoso paisaje pintado con bosques interminables en perspectiva. En el plano frontal se puede ver gente disfrutando de ese paisaje. Frente al mural, encontramos bancos que permiten al espectador descansar mientras esperan que ocurra algo ,pero , sin embargo no ocurre nada. (Esta fase constituye el principal de los contenidos de los de la carreta) Por ltimo, en la parte trasera hay una puerta final a la que hay que acceder a travs de unas escaleras cortas por las cuales son difciles de pasar y hay que agarrar con fuerza las rejas par ano caerse. Dicha puerta lleva al espectador a un cuarto lleno de montones de basura, trozos de papel rotos, cajas vacas... El espectador est familiarizado con toda esta basura ya que ve que todo lo que hay ha sido utilizado despus de las dos fases anteriores de la instalacin: la escalera y el vagn. A diferencia de la mayora de las instalaciones de Kabakov , no nos ofrece una narracin la cual aclare la configuracin. Esta instalacin la realiza Kabakov con el propsito de representar la historia de la poca sovitica la cual ya haba llegado a su fin en 1985. Para representarlo, piensa que lo mejor es describirlo como una especie de puente. Un primer perodo corresponde a la primera parte, la ascendente, y trata de la fe y la esperanza de construir un futuro luminoso. La segunda fase trata del perodo del paraso estalinista sovitico entre 1936 y 1963; esta fase es representada como la seccin media del puente, su parte horizontal y llana. Por ltimo, la tercera fase correspondera al perodo desde 1963 hasta 1985 cuando todo iba inevitablemente descendiendo hacia el fin . Trata de una poca de decadencia acelerada marcada por la cada de cuatro fundaciones en la que la Unin Sovitica pareca vivir eternamente. Los tres perodos mencionados se corresponden con las tres etapas del desarrollo del arte sovitico en el s XX. Siendo as, primero la Vanguardia seguida del Realismo Socialista y finalmente, el Arte Oficial. Por ello, toda la historia sovitica podra describirse como un puente, una combinacin especfica y la fusin de los tres estilos de arte.

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Kabakov propone la instalacin La red Wagon como la solucin donde el espectador debe ir a experimentar directamente el principio, el medio y el fin. Fracasa en el intento de alcanzar el cielo por lo que muestra un perodo frustrante de vivencia en el que nicamente se acaba encontrando en medio de montones de escombros y basura. LA TRAGEDIA DEL DIABLO La tragedia del Diablo trata de una instalacin escenogrfica. Fue instalada en Munich, Alemania el 22 de Febrero del 2010 y cuenta con la msica de Peter Etvs, Bayerische Staatsoper. En esta instalacin, se muestra a un Lucifer que gua a Adan y Eva por un mundo de conflictos e incertidumbres; un mundo entre ciencia ficcin y virtualidad. An pensando que lo tenemos todo bajo control, al final Lucifer siempre est en juego. La tragedia radica en que el diablo se convierte tambin en la tragedia el diablo se convierte tambin en la tragedia del hombre, que ya no puede atribuir el mal, resultando entonces en su propia persona.

EL PALACIO DE LOS PROYECTOS Se trata de una instalacin concebida en 1998 para el espacio de arte Roundhouse, Londres. La instalacin consta de la imitacin de la estructura del edificio , perfectamente ubicada dentro de un anillo central de las columnas, y es un recinto ms pequeo en forma de espiral, brillando e iluminando de modo tenue desde el interior la Rotonda. Est construida de madera, acero y tela . El edificio diseado por Kabakov es similar al monumento de Tatlin, Monumento a la Tercera Internacional . Pero el de Kabakov est diseado con menos ambicin y es ms funcional. El texto dice: la instalacin muestra y analiza una verdad aparentemente conocida e incluso trivial. El mundo se compone por una multitud de proyectos; los realizados, los medio-realizados y los no realizados en absoluto A pesa de la inmediata referencia al proyecto utpico de la Unin Sovitica, se dijo que esta instalacin se refiere a todo el mundo . El texto sigue y promete al espectado que, en el palacio de ms de 60 proyectos, uno es , quizs, el proyecto del propio espectador y dar sentido y significado a su vida. El texto insiste en que la vida vale la pena solamente si se tiene un proyecto de cualquier tipo.

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Como conclusin, podemos decir que de la puesta de escena de Kabakov , con la estrategia de la instalacin total, aprendemos ha mirar dentro de nosotros mismos y, sobre todo a analizar las asociaciones que percibimos de ideas, pensamientos y recuerdos.

Kabakov lo explica bien en la siguiente frase: el principal motor de la Instalacin Total, lo que la hace funcionar, es el engranaje de asociaciones, de analogas culturales o cotidianas y de las memorias personales (Kabakov, 1995: 275).

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C O N C L U S I N

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B I B L I O G R A F A
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Reparto de tareas
1. Recopilador de bibliografas Amanda Garca

2. Escritor de la introduccin

Laura Bas, Irene Monlleo

3. Maquetador del trabajo escrito

Natalia Coleto

4. Corrector del texto

Gina Rosado

5. Recopilador y escritor de conclusiones

lvaro Maci, Irene Pont

6. Recopilador de imgenes

Yolanda Cataln

7. Corrector de imgenes

Ana Mateo

8. Editor de todo el material

Nacho Ramos

9. Realizador del Power Point

Ana Serra, Marta Fuentes

10. Organizador presentacin oral

Andrea Tolsada

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