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 EL e
s
CUERPO c
u
HUMANO l
t
EN LA u
r
Bloque 5. 2° grado a
Desde tiempos muy remotos
podemos encontrar
representaciones escultóricas
del cuerpo humano, las cuales
han sido producidas en los más
diversos materiales, formas y
técnicas.

Sus creadores les han dado

diferentes usos y significados:
rituales, conmemorativos,
didácticos y estéticos, entre
otros.
En cada cultura los artesanos y
artistas representan al cuerpo
de maneras diferentes, pues su
concepción de las formas va
ligada muchas veces a la idea
que cada pueblo tiene de la
corporeidad.

En este bloque observaremos

esculturas del cuerpo humano
procedentes de África central,
India, Japón, Egipto, América y
Europa, que abarcan cerca de
cinco mil años de historia.
Aprenderemos a observar y a diferenciar las formas,
los estilos, las técnicas y los materiales en que
fueron elaboradas. También conoceremos algo acerca
de sus significados culturales y de los artistas que
las realizaron.

Prepárate para un fascinante recorrido por el arte

de representar el cuerpo humano en la escultura.
 Diosa Hindú, s. XI d. C.,
piedra, Col. Museo
CONTEXTO Británico, Londres
Las imágenes de mujeres de
exuberantes formas son comunes
en la estatuaria hindú pues
representan el estereotipo de
la perfección y la fertilidad.
Esta obra muy probablemente
procede de la región de
Rajasthán en el norte de
REPRESENTACIÓN
India. Hacia el siglo IV a. C.
Esta escultura probablemente
la expansión del imperio de
representa un ser celeste, su
Alejandro Magno llevó a India
movimiento sinuoso tanto como
las formas y principios del
sus amplias formas femeninas
arte clásico griego, lo cual
sugieren sensualidad. Es la
reforzó la tendencia
representación del cuerpo
naturalista del arte hindú.
entero de una mujer, ataviada
LENGUAJE ESCULTÓRICO
con ricas ropas que sin
Esta escultura fue realizada en
embargo se adhieren de tal
piedra hacia el siglo XI d. C.
forma al cuerpo que percibimos
y es muy probable que haya
todos sus detalles anatómicos.
estado adosada a la
La escultura presenta una
arquitectura de algún templo
postura desequilibrada por la
hindú como parte de la
notoria inclinación del torso
decoración exterior, colocada
hacia la izquierda. Los brazos
dentro de un nicho. Las formas
parecen estar en movimiento y
de esta obra son claras gracias
no hacer contrapeso al torso.
a los volúmenes contundentes y
Una de las piernas apenas se
espacios vacíos que las dibujan
flexiona levemente por lo que
con nitidez. La proporción se
hay un contraste entre el
acerca a la de un cuerpo humano
marcado movimiento de la parte
real aunque ciertos rasgos
superior y el reposo de la
parecen exagerados. En la obra
inferior.
existe una variedad de texturas
representadas por la tersura de
la piel en contraste con la
rugosidad del atavío.

SENSUALIDAD EN PIEDRA
 Triada de Micerino, Imperio
REPRESENTACIÓN Antiguo IV dinastía, granito,
LENGUAJE ESCULTÓRICO
A primera vista, la Col. Museo Egipcio, El
La piedra es el material Cairo.común
representación de las figuras
para la estatuaria egipcia, en
de este grupo escultórico
este caso la obra ha sido
pueden parecernos naturalista,
realizada en esquisto. Los
sin embargo, son idealizadas.
egipcios obtenían sus
La estatuaria egipcia siguió
materiales de las diversas
dos principios centrales de
canteras que abundan a lo largo
composición: la frontalidad y
del Nilo, los talleres de los
la simetría; ambos producto de
escultores solían ubicarse
la búsqueda de claridad y
cerca de ellas y luego la
orden. Al parecer fueron los
escultura era trasladada en
egipcios el primer pueblo en
barco a través del río hasta su
establecer un canon o regla de
destino.
proporción para la
representación del cuerpo En este altorrelieve sobresale
humano. Es interesante observar la figura del faraón casi como
aquí cómo fueron sugeridos los si formara un volumen exento.
hombros y sus clavículas en la La frontalidad así como los
figura del faraón, lo que brazos que corren paralelos al
demuestra un amplio cuerpo dotan a estas figuras de
conocimiento de la anatomía gran rigidez, sin embargo en el
humana, aunque el resto del caso del faraón las piernas no
CONTEXTO
cuerpo presenta menos detalle. están paralelas sino que una se
Asimismo,
Los loscreían
egipcios rasgosen
del
larostro
vida adelanta, lo que dota de un
no suelen
después deestar
la muerte y por eso leve movimiento a la figura.
individualizados.
daban mucha importancia a la
conservación del cuerpo e
imagen del faraón. El arte
egipcio es básicamente
funerario y gira entorno a la
figura del gobernante quien es
considerado un ser divino. Aquí
aparecen el faraón Micerino
(ca. 2530 a. C.-2500 a.C.),
acompañado de la diosa Hathor,
diosa del amor, de las artes
musicales, del baile, que
alimenta a los muertos y
protege a los ebrios, y una
personificación de una región
del Alto Egipto. FORMAS PARA LA VIDA ETERNA
CONTEXTO Dintel 24 de la estructura 23
En la arquitectura de varios de Yaxchilan, 600-900 d. C.,
pueblos mesoamericanos el piedra caliza, Col. Museo
relieve fue utilizado como Británico, Londres.
elemento decorativo de templos
y palacios. Los mayas lo
emplearon con profusión no sólo
en los muros
LENGUAJE de sus edificios,
ESCULTÓRICO REPRESENTACIÓN
sino también de manera
El relieve es un
independiente en medio
las llamadas En este relieve aparecen el rey
escultórico que
estelas, que eranselápidas
encuentra
quea maya Escudo Jaguar II y su
medio camino entre la pintura
se levantaban independientes dey esposa K’ab’al Xook en un rito
lo plenamente tridimensional,
un edificio. Este relieve sacrificial. Escudo Jaguar
pues a pesar
procede de lade que tiene
ciudad maya de sostiene una antorcha encendida
volumen, siempre estáde
Yaxchilan y es parte sujeto
una a sobre su esposa, que está
un plano bidimensional. El por
serie de tres comisionados hincada traspasando una cuerda
dibujo es una parte sustancial
el rey Escudo Jaguar II, espinosa por su lengua. Por las
que permite separar
probablemente las figuras
con fines fechas que han sido escritas en
del plano, a través de la
propagandísticos. Entre línea
los la lápida la escena se ubica en
que forma con claridad los
mayas la escultura también el año 709 de nuestra era.
perfiles, como se observa
tenía un carácter en
testimonial, El arte maya tendió en muchos
las siluetas bien recortadas
por lo que se representan de
momentos hacia el realismo en
los personajes.
hechos históricos y siempre se la representación, hecho
labran textos
La técnica deljunto
alto a los
relieve observable a través de los
relieves.
permite sugerir el volumen de numerosos detalles que fueron
las figuras que sin embargo son captados por el escultor,
planas. Esto lo puedes observar especialmente en el atuendo de
en la pierna derecha de Escudo los personajes. Aunque los
Jaguar. A su vez, en esta rostros no presenten rasgos de
lápida se utilizaron diversos individualidad, las
puntos de vista, de perfil y de proporciones de los cuerpos son
frente, y se puso especial cercanas a lo real, aspecto que
cuidado en plasmar las texturas distingue al arte maya del de
de los distintos materiales. otras zonas mesoamericanas.
Mira el labrado de sus
vestiduras y la semejanza con
los bordados que aún se
utilizan en la zona maya.

VOLUMEN Y PLANIMETRÍA
 Vaso retrato de un rey, 250-
REPRESENTACIÓN 550 d. C., cerámica, cultura
La cerámica Moche se Moche, col. Museo Nacional
CONTEXTO de Antropología, Lima.
distingue
La culturapor el
mochica se
desarrolló entreque
realismo con el los
trataron
siglos IIla figura
y VII d. C., en
humana. Entre
una zona costeralosy
objetos producidos
desértica del antiguopor LENGUAJE ESCULTÓRICO
esta
Perú. cultura destacan La cerámica es uno de los
una serie
Gracias de irrigación
a la recipientes medios más comunes de la
modelados en formaun
artificial fueron de escultura precolombina. Se
cabezas humanas. La
pueblo agricultor que realiza a partir de barros de
fuerte en
innovó expresividad de
la metalurgia distintos tipos que, al
los rostros, así como
con el uso extensivo del la cocerse, alcanzan una dureza
individualidad que
cobre y el invento de que da perdurabilidad a las
manifiesta
nuevas cada pieza
técnicas, como por formas. En la América antigua
han hecho pensar
ejemplo el dorado. que se el barro era modelado con las
trata de verdaderos
Debemos considerar que su manos sin la ayuda de torno, lo
retratos.escultórica
cerámica Esta no cual posiblemente influyó en la
debió tener unaes
interpretación función gran libertad de formas que se
apoyada porsino
utilitaria los más bien aprecia en las cerámicas. Las
hallazgos arqueológicos
ritual, esta suposición vasijas-retratos como ésta son
de apoya
se vasijasenque
que, al huecas por dentro y muchas de
representan
encontrarse enal un
mismo ellas han sido pintadas,
personaje en diferentes
contexto arqueológico, adquiriendo así mayor realismo.
edades. Es muyestá
habitualmente posible Aunque son de dimensiones
asociada a tumbas. sean
que estos retratos menores que el natural, sus
de gobernantes. En este proporciones son coherentes con
caso, en el tocado de la las de un hombre real. Quizás
figura aparecen un par de su aspecto más destacado sea la
cóndores, símbolos del gran expresividad que cada una
poder en la iconografía muestra a través de gestos y
andina. detalles individualizados.

REYES DE BARRO

CONTEXTO
La época clásica griega abarca
del 490 al 338 a. C. En este
periodo la escultura suele
tener una función
conmemorativa, ya sea de una
hazaña militar, deportiva, o
con un sentido mitológico. Los
griegos privilegian la
representación de la figura
humana, al considerarla como
una expresión de la belleza
ideal, tanto física como
espiritual. El Discóbolo ha
sido atribuida a Mirón, un
artista del siglo V a. C.
LENGUAJE ESCULTÓRICO
La obra original fue hecha en
bronce pero a la actualidad sólo
han llegado copias romanas
realizadas en mármol. Al parecer
la composición de esta figura fue
realizada a base de triángulos
que podemos observar en las
piernas y los brazos. La postura
da lugar a muchos vacíos que
parecen ser tan importantes como
la masa para dar la impresión de
movimiento. Esta figura presenta
ya el canon de proporción ideal
griego, en el que la longitud del
cuerpo corresponde a siete
cabezas.
Mirón, El Discóbolo, 460-
450 a. C. , mármol, Col.
Museo Británico, Londres
REPRESENTACIÓN
El Discóbolo representa a un
atleta en el momento de lanzar
su disco. La originalidad de
esta obra se encuentra en la
postura, que representa un
movimiento enérgico. A
diferencia de las esculturas
realizadas en el periodo
arcaico, aquí la figura se
desplaza en el espacio en una
amplia curva que dibujan los
brazos, mientras que las
piernas aparecen flexionadas a
fin de realzar el movimiento.
En el periodo clásico, al
que pertenece esta
obra, los artistas alcanzaron
un gran conocimiento de la
anatomía humana. Sin embargo,
no plasman la gestualidad que
correspondería a la acción
desarrollada, sino que
muestran rostros impasibles e
idealizados en una búsqueda de
la armonía, la serenidad y el
equilibrio.
ATLETA EN MOVIMIENTO
 Hagesandro, Atenodoro y
Polidoro de Rodas, Laocoonte
y sus hijos,175-150 a. C.,
mármol,, Col. Museo Pío
Clementino, El Vaticano.

LENGUAJE
REPRESENTACIÓN
ESCULTÓRICO
Este
En esta
conjunto
escultura
escultórico
todo es
movimiento
narra ely mito
expresividad,
del castigo la
marcada musculatura
que los dioses enfatiza
griegosel
esfuerzo
infringieron
y demuestra
al CONTEXTO
sacerdote
el gran
conocimiento
Este troyano
grupo Laocoonte
que los procede
escultórico ygriegos
a sus
habían
del periodo helenístico a
hijos, alcanzado
por haberrespecto
tratado de
la
del
anatomía
impedir del
que cuerpo
la ciudad
arte griego, fijado entre el humano,
de
descrita
Troya
323 y elfuese
aquí con
invadida
30 a.C. minuciosidad.
En esa por los
época
¡Observa
griegos.
como se
El destacan
padre
los artistas se preocupaban por y sus
las
hijos
costillas
son atacados
de Laoconte,
representar de forma realistapor dos
las
venas
serpientes
resaltadashasta
el cuerpo, e
asíincluso
sucumbir.
como laslos
El grupo
tendones
muestrade los
posturas
emociones o el carácter de los pies!
A pesar de su verismo
personajes. atormentadas
El esta obra
Laocoonte con
fue
es muy
musculaturas
teatral, y exageradas,
para
descubierta en 1506 en Roma y lograr
dataespecialmente
su
delefecto,
primer los enartistas
siglo la figura
antes no
de
dudan en deformar
de Laoconte,
la realidad,
cuyas
la era cristiana.
Losdimensiones
por ejemplo
artistas sealexageran
italianosreducir en
Miguelel
tamañoaras
de los
de una
hijos
Ángel y Rafael fueron dos de mayor
del
sacerdote
expresividad.
los primerosconental
El de
ver dramatismo
laque este
obra e
aparezca
de
identificarla, gracias En
lamás
escena
impresionante.
es reforzado a
esta obra por
descripciones loslosvacíos
gestos
antiguas son
y muy
que la
de
importantes
contorsióny ayudan
de los a
cuerpos.
generar
ella existían.
Estos
un efecto
rasgos
dinámico,
caracterizan
lo mismo
la
que
escultura
la composición
griega del en diagonal
periodo
evidenciada por helenístico.
la figura
principal. La escultura fue
trabajada por todos sus lados,
lo que demuestra un interés por
el detalle, a pesar de que se
pensó para una mirada frontal

CASTIGO DE LOS DIOSES

 Miguel Ángel Buonarroti, El
esclavo moribundo, 1513,
REPRESENTACIÓN
mármol,
El Esclavo moribundo Col. Museo del
representa
LENGUAJE ESCULTÓRICO
un cuerpo desfalleciente, alParís.
Louvre,
Miguel Ángel consideraba que que aún no abandona la fuerza
dentro de cada bloque de mármol vital, por lo que sus brazos
habitaba ya una escultura, y están en tensión mientras la
que su trabajo era sacarla a la cabeza y el resto se encuentran
luz. Esta obra se ciñó relajados. Aquí no hay
claramente al espacio actitudes dramáticas sino una
determinado por el bloque calma serena. Su autor, Miguel
rectangular del cual surgió; la Ángel Buonarroti, conocía la
obra completa parece formar una anatomía gracias a sus
volumen compacto en lugar de múltiples disecciones de
inundar el espacio. Al cadáveres; este profundo
respecto, es destacable que el conocimiento se ve reflejado en
movimiento de los brazos no el realismo anatómico de sus
CONTEXTO
excede este marco rectangular. obras, que sin embargo se
El joven esclavo probablemente alejan de la realidad tanto
Las esculturas humanas en
represente el alma humana como se acercan al ideal de
piedra tienen como limitación
prisionera de la cárcel del perfección.
que el apoyo está en delgados
cuerpo, según las ideas
tobillos, mientras la parte
filosóficas del Renacimiento.
superior es notablemente más
En 1505 el papa Julio II, le
pesada. Para soportarla se
encargó al artista florentino
colocan elementos en la parte
un proyecto para su mausoleo,
baja de la figura.
quien proyectó una obra de gran
envergadura cuya el
Intencionalmente realización
artista no
se
interrumpió
terminó la talla
en numerosas
de ese
ocasiones.pues le interesaba
elemento,
ese efecto, conocido como non-
Finalmente, el monumento fue
finito, así como dejar marcas
colocado en 1545 sin esta
de sus herramientas en el
figura, tallada en 1513.
mármol.

IDEAL DE PERFECCIÓN

CONTEXTO
El Luohan llega a la
iluminación a través de sus
méritos y virtudes. En los
templos y monasterios, estas
figuras suelen colocarse en
grupo, alrededor de la imagen
de Buda. La secta budista Zen,
que da gran importancia a la
relación del maestro con el
pupilo, alentó el culto al
Luohan.
LENGUAJE ESCULTÓRICO
Esta escultura, labrada en
madera, posiblemente proceda
del norte de China en donde
se realizaban obras de
estilo similar. Está
realizada en un sólo bloque
de madera, es decir sin
ensambles. La escultura
tiene una composición
marcadamente cuadrangular y
es un volumen sólido sin
huecos, incluso en el
espacio entre brazos y
piernas las formas continúan
gracias al drapeado de los
paños. A pesar de su actitud
de reposo su postura no es
rígida sino llena de
vitalidad.
CONCENTRACIÓN Y VIDA
Luohan, 1279-1368, madera
tallada y pintada, Col.
Museo Victoria y Albert,
Londres
REPRESENTACIÓN
Esta imagen representa un
Luohan, un miembro del
panteón budista chino que
corresponde a un monje
guardián del budismo. El
personaje se encuentra
reclinado sobre una
especie de banco y en una
actitud resuelta. Su
cuerpo está de frente,
mientras la cabeza gira
hacia un costado, y con
las manos parecen ejecutar
un gesto ritual. La
evasión de la mirada hacia
el espectador, así como el
gesto concentrado del
rostro parecen mostrarnos
la capacidad de meditación
del personaje, muy de
acuerdo con su significado
religioso. En la escultura
china encontramos con
frecuencia obras como
esta, que nos demuestran
un gusto por el realismo
en la representación del
cuerpo humano.

LENGUAJE ESCULTÓRICO
La obra parece moverse con un
ritmo ascendente debido a la
ubicación de las figuras,
solución que permitió al
artista utilizar un sólo
bloque de mármol rectangular
para todo el conjunto. Otro
elemento del lenguaje
escultórico es la textura,
aquí las superficies han sido
pulidas finamente hasta
conseguir una sensación de
tersura que simula la suavidad
CONTEXTO
de la piel. La talla ha sido
En la mitología griega Hades,
realizada con gran cuidado
el señor del inframundo, raptó
reproduciendo los más mínimos
a Proserpina del mundo de los
detalles como venas y pliegues
vivos para hacerla sus esposa.
de la piel y con el mismo
Gracias a la intervención de
cuidado fueron trabajados
Zeus, ésta tenía permiso de
todos los lados de la obra.
permanecer entre los vivos un
tercio del año, para después
volver al mundo de los muertos.
Esta escultura debió tener un
significado alegórico, del que
existen varias
interpretaciones. Una de ellas
se basa en los versos del papa
Urbano VIII grabados en la
base, que se cree constituyen
una advertencia sobre lo corto
de la vida y los peligros de la
muerte.
Gian Lorenzo Bernini, El
rapto de Proserpina, 1621-
22, mármol, Col. Galería
Borghese, Roma
REPRESENTACIÓN
Esta obra representa el rapto
de Proserpina por Hades. Su
autor, Bernini, era muy
valorado por el realismo de sus
esculturas, que podían dar la
impresión de que no se trataba
de un pedazo de piedra, sino de
carne viva. ¡Observa como las
manos de Hades se hunden en el
cuerpo de Proserpina!
Las figuras desnudas de este
conjunto se encuentran en
franca lucha, moviéndose en
direcciones contrarias. Sus
cuerpos asumen posturas de gran
desequilibrio, que son
contrastadas con la figura del
monstruo Cerbero a los pies de
Hades, quien sirve de símbolo y
a la vez de sostén del peso de
las figuras. Además del
dramatismo y teatralidad, en
esta obra podemos ver que hay
un interés por representar un
momento de acción concreta.
MÁRMOL QUE PALPITA
 Edgar Degas, La pequeña
bailarina de catorce años,
1881, bronce, seda, tul, Col.
Museo D’Orsay, Paris

CONTEXTO
Esta obra ESCULTÓRICO
LENGUAJE fue expuesta por REPRESENTACIÓN
Degas
Edgardmodeló
Degas esta
en laescultura
sexta
La pequeña bailarina de catorce
cuando ya había
exposición comenzadode
impresionista a
años es la imagen de Marie von
perder la1881,
París en vistayyfue
muestra las
la única
Goethen alumna de la Escuela de
huellas del
escultura trabajoen
expuesta directo con
vida del
Ballet de la Ópera de París.
las manos.
artista, queTanto por esta
es mejor conocido
Esta obra revolucionó la
característica como porFue
por su obra pictórica. el
escultura moderna, pues además
hecho de introducir
rechazada objetosque
por los críticos
del realismo de su
reales, esta obra
la consideraron inspiró
fea a
y aclamada
representación, por primera vez
artistas vanguardistas de
por sus compañeros
se incluyeron objetos del mundo
épocas posteriores.
impresionistas, que quedaron
real en la realización de una
cautivados por el realismo
escultura, una falda de tela
alejado de toda idealización
verdadera y una cinta de seda
con que fue trabajada.
rosa en el cabello. La
bailarina se encuentra en una
postura relajada, de pie y con
los brazos sueltos a la
espalda; uno de los aspectos
que llaman la atención es la
expresión su rostro, que con la
cabeza levantada y los ojos
entreabiertos, aparece
indiferente a quien le observa.

EL ADIÓS DE LA BELLEZA
 Enrique Hernández,
Tocador Eduarda, s/f, yeso,
madera y cristal, Col.
Eduarda Gurrola
REPRESENTACIÓN
LENGUAJE ESCULTÓRICO
En esta obra se utilizan
El Tocador Eduarda es un
objetos extraídos del mundo
ensamblaje que reúne fragmentos
real, pero no son empleados
de un mueble, un cepillo y
para dar una sensación de
figuras realizadas en yeso. La
verismo sino para crear un
pieza se acerca más al relieve
ambiente desconcertante, más
que a la escultura exenta, pues
cercano al mundo de los sueños
el cuerpo fragmentado parece
que al de vigilia. Este aspecto
emerger del plano que nos
liga las piezas de Enrique
recuerda a un espejo. Esta
Hernández con el arte-objeto
relación lúdica entre el plano
realizado por los artistas
y el volumen suele interesar a
surrealistas que privilegiaban
los escultores actuales.
las manifestaciones del
inconsciente.
CONTEXTO
Enrique Hernández fue
arquitecto además de
escultor, nació en la ciudad
de México en 1943 y a partir
de 1977 comenzó a
experimentar con el
ensamblaje. Sus obras pueden
inscribirse en una tendencia
de los años ochenta de
recuperar la importancia del
objeto en la escultura, pues
en la década anterior se le
había despreciado en favor de
la experimentación con el
espacio.

LOS ENIGMAS DEL SUEÑO

 Ron Mueck, Hombre grande,
REPRESENTACIÓN
2000, resina de polyester
La obra de Mueck pertenece
pintada a la Col.
sobre fiberglass,
corriente hiperrealista en
Museo y Jardín Escultórico
donde Hirshhorn,
el manejo de losD.C.
Washington,
materiales busca engañar
nuestros sentidos. Observa la
piel de este sujeto, sus venas,
sus uñas, seguramente te
preguntarás si está vivo. A
pesar de su gran tamaño, este
personaje aparece indefenso en
su desnudez y arrinconado en
una esquina; la postura cerrada
sobre si mismo y la mirada
perdida, son los elementos que
nos sugieren introspección y
soledad.

LENGUAJE ESCULTÓRICO
Mueck realiza sus esculturas
CONTEXTO
con materiales sintéticos como
la Ron Mueck nació
silicona, en Melbourne,
el fiberglass y el
acrílico, a los quela
Australia, pero mayor parte de
añade
su trabajo
cabello humanoartístico
y ropa. Alo ha
este
realizado en Londres.
artista le interesa plasmar Su
formación
emociones original proviene
individuales en cada del
mundo de los efectos
uno de sus personajes, en especiales
una
para cine y televisión,
especie de exploración de los otra de
sus etapas creativas la
sentimientos humanos. Sus obras tuvo
siempre están dedicadas a la para
realizando los personajes
las series
figura humana televisivas El show de
y oscilan entre
los muppets y Plaza
la escala más pequeña al Sésamo. Su
participación en trabajos
natural y la monumentalidad,
publicitarios
generando así unalo llevó a elaborar
reflexión
figuras cada vez más realistas,
acerca de lo que consideramos
realidad o fantasía. desde todos
que se vieran bien
los ángulos. A partir de 1996 se
ha dedicado plenamente al trabajo
artístico.

ENTRE LA REALIDAD Y LA
FICCIÓN
 Cabeza de Oba, ca. 1550,
bronce, Col. Museo
Metropolitano de Arte,
Nueva York

LENGUAJE ESCULTÓRICO
REPRESENTACIÓN
La escultura fue realizada en
Se trata de la cabeza de un oba
bronce y sus dimensiones se
o rey del reino Benin de
CONTEXTO corresponden con el tamaño
Nigeria. Es una representación
natural. Presenta un juego
naturalista
Los peroreino
líderes del no sedetrata de
Benin, interesante de luces y sombras
retratos sino una imagen
en Nigeria, remontan sus a través del contraste entre la
idealizada
orígenes del dinastía
a una rey, a quien se
fundada textura lisa del rostro y la
le muestra no con la apariencia
en el siglo XIV. El título de intrincada superficie de la
que o
oba tuvo
reyal
semorir, sino
pasa al en su
hijo cabellera y el collar,
edad juvenil. Estas figuras
primogénito de cada rey cuando que
elementos que fueron tratados
eran realizadas para rendir
este muere. Entre las primeras con mucho detalle. La depresión
homenaje a los
obligaciones dereyes muertos
cada nuevo rey de los ojos llama la atención
siempre representan la
se encuentra la de honrar cabeza.
a su por su mayor abstracción,
El adorno
padre de retrato
con un la cabellera, así
fundido en quizás allí existieron
como el collar hacen referencia
bronce que es colocado en un incrustaciones de piedras para
al coral,
altar quedel
dentro simboliza
palacio.unEste
enfatizar el realismo.
reino marino ancestral.
altar juega un lugar importante
en el ritual palaciego y se
entiende como la manera de
incorporar la influencia de los
últimos reyes en el nuevo
gobierno. El bronce se obtenía
a través del comercio costero
entre este pueblo y Europa.

REALEZA DE BRONCE
LENGUAJE ESCULTÓRICO Auguste Rodin, Cupido y
REPRESENTACIÓN
CONTEXTO Psique, 1905, mármol, Col.
Rodin
Estos fue un artista que
cuerpos
Auguste Rodinentrelazados
nació en París en Museo del Hermitage, San
destacó por
representan su alejamiento
a una pareja de del Petersburgo
1840, fue contemporáneo y amigo
neoclasicismo
amantes, que imperaba en
a los queimpresionistas
Rodin
de los pintores
la escultura
relacionó de su época. Este
como Edgard Degas, y tanmito
con un antiguo
artista
griego, dejaba
el amor parte de lay
trasgresor comodeellos.
CupidoEstudió
escultura
Psique. sin concluir,
El modelado de los
en la Escuela de Artes
actitud
cuerpos que resultó
es poco
Decorativas lo detallado,
que le valiópues
el
revolucionaria,
sudesprecio
anatomía de
está pues ponía en
apenas
los escultores que
evidencia
sugerida. la artificialidad
separabanLas
lasfiguras
bellas parecen
artes de
del trabajo
emerger del artístico
bloque y lo
de artes
mármol de
lo que hoy llamamos
revaloraba
manera un al
tantodejar huellas
caótica, de
aplicadas. Lo innovador de su
su proceso. Susuna
confundidas obras partían
lenguaje leenvalió masa
gran de
aprecio
de figuras
formas modeladas en
entre imprecisas.
los jóvenes El contraste
artistas del
arcilla
lumínico y la huella de este
siglo XXqueda enfatizado
que encontraron por
trabajo directo
lainspiración
vitalidad de con las manos
en las
sus obras.
quedaba plasmado en la obra
extremidades inferiores,
final, a través de
mientras que la parte surcos y
superior
repliegues, aún en el
presenta mayor languidez. mármol o
bronce, aportando con ello
juegos de luces y sombras.
Otro aspecto importante en su
obra es el vacío como
contraparte de la masa, y el
diseño de la obra desde varios
puntos de vista, así el
espacio circundante se vuelve
un elemento fundamental.

LUZ Y CAOS
 George Segal, Rock and Roll
REPRESENTACIÓN Combo, 1964, figuras hechas de
LENGUAJE ESCULTÓRICO vendas mojadas en yeso elástico,
La escultura de George Segal con guitarra eléctrica, batería y
CONTEXTO
Las obras figuras
presenta de Segalhumanas de base de madera, Col. Museo de
Arte Moderno, Frankfurt
suelen ser
tamaño Segal combinar
natural, unaenespecie de
George nació
objetos cotidianos
facsímiles humanos, y ubicadas
Nueva York en 1924, donde
esculturas.
en espacios Estas
estudió artescotidianos
plásticas.de la
últimas
clase son realizadas
media estadounidense y
Hacia 1953 su obra
con una técnica
acompañadas por que
objetos reales
adquirió un fuerte impulso
descubrió
con los aqueen se
1961 y en
crea una de
gracias la influencia
la cual el modelo es
Allan Kaprow, precursor En
especie de ambientación.
cubierto
and con
Rollvendas
Rockhappening
del . combo
En unobservamos
empapadas hidrostone
en escultórico
principio se dedicó a la con
un conjunto ,
un tipo de yeso
una mujera desnuda, elástico
pintura, partir decuyaestapose
pero fuerte,
recuerda los gracias al de
movimientos
influencia llevó sus
cual consigue una
los bailes juveniles de los
experimentos a las tres
réplica
años de su modelo.
sesenta, acompañada de
dimensiones. En 1958
Cuando
dos el yesounseca
músicos, se de pie
hombre
realizó sus primeras
retira
tocandoa la
través de y otro
guitarra
esculturas con personajes
costuras
sentado dejadas en la
la batería,
de yeso, ejecutando
lienzo de canevá
espalda o el costado,
ylos instrumentos
alambre, musicales
acompañados de son
finalmente
objetos el escultor
reales.
objetos cotidianos. El
trabaja directamente
tipo de temas que aborda
sobre la superficie de
este artista lo han ligado
la obra para acentuar
al movimiento de arte pop
algunos rasgos. Este
desarrollado en los años
tipo de esculturas
60 del siglo XX, que
parecen conservar el
parodiaba el consumismo
testimonio de una
masivo y otros valores de
persona real, tal como
la sociedad moderna.
haría una huella.

LA ESCULTURA COMO HUELLA

LENGUAJE ESCULTÓRICO Niki de Saint Phalle, Nana
Aunque la escultura de Saint Negra, 1968/69, poliéster
Phalle parte del mundo real, pintado, Col. Museo Ludwig,
sus figuras resultan en Colonia
esquematizaciones del cuerpo
humano en las que se han
eliminando los detalles.
Sus contornos son bien
definidos y sus formas
rotundas, mientras que el REPRESENTACIÓN
desenfado de sus posturas les
Una parte de la obra de Niki
dan un carácter lúdico y
de Saint Phalle se distingue
alegre.
por el atrevido uso del
Como muchos artistas modernos
color. En ella representa a
Niki experimentó con materiales
personajes femeninos con
sintéticos no utilizados en la
cuerpos desproporcionados:
escultura tradicional, como el
brazos cortos y sin manos,
poliéster.
senos y caderas enormes y
cabezas extremadamente
pequeñas, vestidas con traje
CONTEXTO de colores contrastados y
En la producción de Niki brillantes. Su particular
sobresalen sus Nanas, que son estética la hermana con otros
estas imponentes figuras artistas del siglo XX que han
mediante las cuales quiso tendido hacia la
hacer una critica al dominio representación del cuerpo
masculino. Representan una monstruoso.
diosa o matrona emparentada
con las venus prehistóricas,
llenas de júbilo y de poder.
El arte de esta artista
francesa constituyó, en un
inicio, una manera de escapar
de su difícil realidad, y
posteriormente se vinculó con
los movimientos feministas
desarrollados en los años 70
del siglo XX.

LA VENUS DE NIKI
 Fuego-soplador, Italia 1ª
mitad del siglo XII, bronce,
REPRESENTACIÓN Col. Museo de Historia del
Arte, Viena
CONTEXTO
Este es un soplador medieval
que representa una figura La especulación respecto a la
antropomórfica desnuda, en función de este objeto medieval
cuclillas y con una mano sigue estando abierta: mientras
haciendo sombra sobre los ojos. algunos creen que era una pieza
Este objeto de uso cotidiano ordinaria del menaje de una
muestra los rasgos humanos de casa y que simplemente servía
manera sintética con una para para aventar fuego, otros
desproporción de las partes del piensan que servía para la
cuerpo muy evidente. demostración de experimentos
con energía de vapor. La pieza
se llenaba de agua y soplaba
vapor por los pequeños agujeros
de la nariz y boca. Por el
énfasis que otras piezas ponen
en la representación de los
LENGUAJE ESCULTÓRICO órganos genitales, se han
relacionado con ídolos
Esta figura tiene volúmenes prehistóricos de la fertilidad.
ovoides tanto en la cara como
en el cuerpo, mientras que las
extremidades están formadas por
piezas tubulares. Sus formas se
destacan claramente a través de
un contorno bien definido y una
configuración asimétrica, como
puede verse por la postura de
los brazos.
Su aspecto es del todo distinto
a las esculturas de carácter
público que se realizaban en
esa época, las cuales mantenían
un mayor naturalismo. Está
realizada en bronce, una
aleación hecha a partir de
cobre y estaño, de gran dureza
y durabilidad.

EL CUERPO COMO OBJETO MÁGICO

 Hoa Hakananai’a, Polinesia
ca. 1000 d. C., piedra, Col.
LENGUAJE ESCULTÓRICO Museo Británico, Londres.

El modelado de esta figura

muestra un marcado geometrismo.
Está hecha en un sólido bloque de
piedra rectangular y sus
volúmenes se mantienen dentro de
esa forma básica, incluso las
extremidades que podrían
incursionar fuera del núcleo de
la escultura, se mantienen
firmemente unidas a él. Esta
escultura es similar a muchas
otras que eran colocadas por los
habitantes de Pascua de forma
vertical y en grandes plataformas
de piedra. Por lo regular tienen
dimensiones colosales, que
REPRESENTACIÓN
superan los dos metros de altura.
Esta escultura es un ejemplar
CONTEXTO
típico de las famosas figuras
de la Isla de Pascua conocidas La Isla de Pascua, situada en el
como moai. Representan cuerpos océano Pacífico, es conocida por sus
humanos estilizados – con figuras colosales de piedra colocadas
tendencia a sintetizar las en filas frente al mar. Alrededor del
formas naturales- y con una año 1000 de la era cristiana y hasta
escasa individualidad. El la segunda mitad del siglo XVII
énfasis está puesto en la fueron labradas por los isleños, para
cabeza en donde los rasgos del rendir homenaje a los ancestros. Su
rostro se marcan profundamente, realización declinó cuando el culto
mientras que los brazos están al hombre pájaro adquirió mayor
pegados al cuerpo y se importancia entre los isleños y la
encuentran apenas sugeridos. La mayoría fueron destruidas
cavidad ocular está hundida y intencionalmente. Esta obra fue
las cuencas orbitales son recogida durante una expedición
prominentes, su nariz, boca y inglesa en 1868 y originalmente se
mentón se destacan firmemente encontraba pintada de rojo y blanco,
con rasgos angulares. En la pero perdió su color durante su viaje
parte posterior suelen estar por mar a Inglaterra.
tallados diversos símbolos.

GIGANTES DE PIEDRA
 Pareja, cultura de occidente,
CONTEXTO barro, Col.ESCULTÓRICO
LENGUAJE Museo Nacional
de Antropología, México,
En el México precolombino Estas esculturasD.F. son de
existió una tradición cerámica pequeñas dimensiones con
importante desarrollada por volúmenes amplios y
muchas culturas, entre las que macizos. Hay una evidente
destacan los pueblos del preponderancia del torso y
occidente mesoamericano. La una síntesis en los rasgos
cerámica servía tanto para faciales. Los rostros son
realizar utensilios domésticos inexpresivos y en ningún
REPRESENTACIÓN
como obras de carácter ritual, caso se refieren a
como
La las cerámicas
escultura cerámicaescultóricas
del individuos concretos sino
características de la “cultura
Occidente de Mesoamérica suele a estereotipos. El barro
de Tumbas de
representar laTiro”
figuray la
humana es la materia prima de
“tradición
desnuda Teuchitlán”.
o con Muchas
escasas ropas, el estas obras acompañado de
de estas piezas escultóricas
cuerpo decorado con pintura o una sutil policromía.
han sido yencontradas
relieves en escenas en de tumbas
la
con cámaras excavadas de manera
vida cotidiana. Esta figurilla
subterránea
representa a yuna hombre
las quey se
una
mujer abrazados en un gesto que
accede a través de un pozo de
llega
gran a tener la
ternura; hasta 22 metros
mujer, que
de profundidad.
parece estar embarazada, lleva
a los labios del hombre alguna
bebida. Sus rostros son
idénticos, con ojos
almendrados, narices
prominentes y labios muy
delgados; en los cuerpos
encontramos las distinciones
anatómicas aunque apenas
sugeridas. No se trata de
imágenes realistas, pues aunque
son figurativas, muestran
deformación de las proporciones
del cuerpo, tal como se ve en
la imagen esquemática del
guerrero, con sus cortas
extremidades. El concepto de
belleza en estas obras no
coincide con el arte
occidental.

CUERPOS DE BARRO
 El Adolescente,
LENGUAJE s. IX-XI,
ESCULTÓRICO
piedra arenisca, Col. Museo
En las culturas que carecían
de Antropología, de
México,
herramientas metálicas como
D.F. las
de Mesoamérica, la escultura en
piedra se realizaba a través de
técnicas de desbastado y
abrasión, golpeando la
REPRESENTACIÓN superficie hasta pulverizarla y
luego frotándola con abrasivos.
Esta escultura en piedra es Este proceso es laborioso e
conocida como El Adolescente, imprime una cualidad especial a
tal vez porque sus formas las obras, en las que se
anatómicas son suaves, como los perciben cortes profundos y
de una persona joven. Es una leves depresiones que no
CONTEXTO
figura frontal y de escaso interrumpen la continuidad de
movimiento, asimétrica con los La producción
las escultórica
masas principales. Suelende
brazos moviéndose en sentidos Mesoamérica no se limitó al
ser obras de poco volumen sin uso
opuestos. Tiende a la de la cerámica,
grandes tambiénEn
proyecciones. hayEl
geometrización aunque conserva ejemplos de la madera, el
Adolescente apreciamos unahueso
las proporciones del cuerpo y y muy marcada
distintos tipos de rocas
verticalidad y un
detalles como la deformación en cuya talla se distinguieron
movimiento contenido, así como
craneana, que observamos en el pueblos
el juego decomo el mexica
diversas o el a
texturas
perfil. El rostro es un tanto huasteco. Podía tener diversos
lo largo del cuerpo, pues gran
plano Y de una expresividad usos, parte
a veces
de era
ésteconmemorativa
se encuentra
serena, con rasgos poco de sucesos históricos
labrado con bajorrelieves como que es
individualizados. frecuente entre los pueblos
dan la apariencia de una piel
mayas o ser imágenes simbólicas
tatuada.
de las creencias
mesoamericanas, como parece ser
este caso. Los símbolos que el
personaje lleva tatuados en el
cuerpo hacen referencia al
maíz.

JUVENTUD ETERNA
 Alfredo Zalce, La bailarina,
LENGUAJE ESCULTÓRICO s/f, metal, Col. Fernando
Muñoz
EnCONTEXTO
esta obra Zalce jugó con las
características distintivas de
laAlfredo Zalce
escultura, lanació en
tridimensionalidad y el a
Pátzcuaro, Michoacán,
principios
volumen. del siglo parece
La bailarina XX y formó
un
parte de la segunda generación
dibujo recortado: las líneas
de contorno
del la Escuela
hanMexicana de
sido grabadas REPRESENTACIÓN
Pintura. Fue pintor,
claramente y prácticamente escultor y
grabador y miembro fundador de La bailarina parece estar muy
carece de volumen, sin embargo lejos de la búsqueda de
alorganizaciones
doblar la figura artísticas tan
hacia tres semejanza con la realidad. El
puntos en el espacio la obra del
importantes en la historia
cuerpo se conforma de elementos
arte mexicano
recupera como la Liga de
su esencia
Escritores y Artistas laminares que dejan ver
escultórica. claramente el perfil de la
Revolucionarios (LEAR) y el
LaTaller
obra fue realizada
de la Gráfica en metal,
Popular. figura, cuyos detalles se
aprovechando las posibilidades encuentran calados. Es
que la tecnología industrial ha interesante observar que el
dado a los escultores para cuerpo se proyecta en varias
tratar los materiales. En este direcciones, desarrollando en
caso se partió de planchas de el espacio amplios movimientos.
metal, seguramente Esta obra es ejemplo del mayor
prefabricadas y recortadas. interés por los problemas
formales que tuvieron los
artistas desde fines del siglo
XIX y sobre todo a lo largo del
siglo XX.

SILUETA BAILANDO
REPRESENTACIÓN
Las esculturas de alambre de
Alexander Calder pueden ser
descritas como dibujos en el
espacio. En ellas no existe un
interés por explorar el
volumen, el modelado, la luz y
sombra, en fin los aspectos
fundamentales que son la
materia propia de la escultura.
Sin embargo constituyen una
investigación entorno al
espacio tridimensional. Sus
figuras están hechas a base de
líneas continuas con un trazo
caligráfico. Aunque el tema
principal que Calder desarrolló
en este tipo de obras es el
circo, también realizó retratos
como éstos, que se acercan
mucho a la caricatura.
Alexander Calder, Jimmy
CONTEXTO Durante, 1928 alambre, Col.
Jean Lipman y Sin título, 1930,
Alexander Calder nació en una alambre, Col. Calder
familia de artistas Foundation
estadounidenses: su madre fue
pintora y su padre escultor. Si
bien estudió ingeniería, desde
niño completaba sus juguetes
con figuras realizadas por él
mismo con alambre u otros
materiales, que ya prefiguraban
sus esculturas profesionales.
Este artista revolucionó el
arte escultórico a partir de la
experimentación con el
movimiento. Calder es conocido
principalmente por los móviles,
que son esculturas abstractas
realizadas con alambre y
láminas de distintos
materiales, que al estar
suspendidos en el aire
adquieren movimiento.
LENGUAJE ESCULTÓRICO
Lo que más llama la atención de
estas obras es su linealidad.
Calder se basa en un proceso
escultórico denominado
construcción, que reúne
diversos componentes y
materiales en una forma.
GRAFÍAS EN EL ESPACIO
 Jean Arp, Torso femenino,
1953 a partir de un modelo
CONTEXTO de 1930, mármol, Col.
Museo Ludwig, Colonia
Jean (o Hans) Arp fue poeta
además de pintor y escultor.
Perteneció a diferentes grupos
artísticos contestatarios de
comienzos del siglo XX, como el
movimiento Dadá, El Jinete Azul
o El Cabaret Voltaire.

REPRESENTACIÓN
La escultura de Jean Arp es
abstracta y está inspirada en
las formas orgánicas que se
observan en los seres vivos,
por ello su escultura ha sido
calificada como “biomórfica”.
En Torso femenino el artista
interpreta un fragmento del
cuerpo humano, motivo que ha
sido representado desde la
antigüedad.
LENGUAJE ESCULTÓRICO
Los volúmenes de toda la
escultura son redondos y el
dibujo es de líneas suaves y
curvas, enfatizado por su
textura lisa. La obra fue
tallada en mármol a partir de
un modelo de yeso.

Esta obra tiene dos áreas

claramente definidas, la
inferior con una clara
reminiscencia naturalista,
mientras que la superior tiene
una apariencia mucho más
abstracta.

FIGURA EN ABSTRACCIÓN
 Figura femenina, 2600-2400
REPRESENTACIÓN a. C., mármol, Col. Museo
Las figuras-ídolo de las islas Metropolitano de Arte,
Cícladas presentan una Nueva York.
abstracción geométrica muy
marcada. Carecen de rasgos
individuales: los ojos y bocas,
si es que aparecen, son
pequeñas hendiduras, las manos
y pies suelen estar apenas
sugeridos y los brazos cruzados
sobre el pecho son muy
delgados. Las partes del cuerpo
están configuradas por cuerpos
geométricos,
CONTEXTO un óvalo para la
cara, una pirámide como nariz. LENGUAJE ESCULTÓRICO
Las
El islas
torso loCícladas
conformason
un un
archipiélago ubicado
trapecio con los pechos entre Asia La forma de esta figura
Menor, las costas griegas
marcados por el volumen, y la femenina es cerrada, es decir,
isla de Creta. Su situación
mientras el pubis está que prácticamente no existen
geográfica destacado
claramente propició, con
desde el
líneas espacios vacíos en su interior.
cuarto
incisas.milenio a. C., el El mármol fue cuidadosamente
desarrollo de una cultura pulimentado, lo que propició
basada en el tráfico comercial que los volúmenes de la figura
intercontinental. Los se redondearan.
pobladores de estas islas
comerciaban los recursos que
les eran abundantes como el
cobre, el plomo, la obsidiana,
la plata, el oro y
principalmente el mármol.
Probablemente esta cultura
practicó un culto relacionado
con los ciclos agrícolas al
cual están relacionadas este
tipo de figurillas femeninas
desnudas. Varias han sido
encontradas en cuevas y tumbas
y se cree que fueron hechas
para estar recostadas.

HUMANIDAD GEOMÉTRICA
 Figura femenina (minsereh),
siglo XIX, madera, Col.
Museo Británico, Londres

CONTEXTO
Entre los pueblos de Sierra
Leona, en la costa occidental
REPRESENTACIÓN
de África, se realizan estas
figurillas que llevan por
En esta representación de una
minsereh
nombrejoven llama. Entre dichos la
la atención
pueblos existen tres tipos de de los LENGUAJE ESCULTÓRICO
estilización geométrica
sociedades: Poro para los
rasgos y su decoración. La Los volúmenes de esta figura
hombres,
individualidad delpara
Sande o Bundu las no es
rostro son claros y contundentes, su
mujeres y la Yassi
importante que ello
y por admitelos ojos aspecto es estático y el único
gente ydeboca
ambos sexos. En la
apenas se encuentran movimiento que se sugiere es el
sociedad Sande las
señalados. El mujeres usan
cuello muestra de los brazos sujetando los
máscaras que en otras culturas
los anillos que en algunas pechos. Es probable que este
están sociedades
sólo reservadas a losse
africanas gesto tenga un sentido
hombres.
acostumbran utilizar como simbólico, como énfasis de la
símbolo son
Las minsereh de belleza.
de uso A pesar de feminidad. La técnica
exclusivo de la sociedad Yassihacia
que la escultura tiende escultórica principal en que ha
la síntesis
cuyo líder de las
es siempre unaformas, sido realizada la obra es la
mujer. Estas figuras están tratadas
ciertas partes fueron talla en madera, aunque se
con sumo
asociadas con eldetalle, como el
comportamiento encuentra adornada con collares
sexual de los miembros de la sobre el
peinado y los grabados y bandas.
cuerpo,
comunidad lo que le
y castigan da un
a quien
carácter descriptivo.
transgrede las reglas, la líder
siempre las consulta cuando la
ley Yassi se ha roto.

FERTILIDAD LABRADA
 Umberto Boccioni, Formas
únicas en la continuidad del
espacio, 1913, bronce, Col.
Galería Tate, Londres
REPRESENTACIÓN
El entusiasmo por la LENGUAJE ESCULTÓRICO
electricidad, los autos y los
A pesar de su estilización,
nuevos descubrimientos del
esta figura presenta un cuerpo
siglo XX se refleja claramente
anatómicamente correcto. Los
en esta obra, donde la figura
músculos de las piernas y
humana adquiere formas
CONTEXTO glúteos están colocados
aerodinámicas. Boccioni plasma
adecuadamente. La escultura
no sólo Boccioni
Umberto un cuerpofue
dinámico,
el miembro parece desplazarse claramente
sino también
fundador una anatomía
del futurismo, un en el espacio lo que constituye
poderosa, gracias
movimiento a la
artístico de una paradoja, ya que por
exageraciónoriginado
vanguardia de las formas. Ello
en Italia definición ésta es estática.
refleja
hacia las Los
1912. ideas plasmadas en
artistas Para su realización Boccioni
los textos tenían
futuristas futuristas
granrespecto
interés partió de la idea de un cuerpo
al la
en hombre mecanizado.
industrialización, la en movimiento que modifica su
urbanización y la mecanización propia forma.
del mundo; sus miembros tenían
cercanía con los artistas
cubistas, pero se desarrolló de
manera independiente. Boccioni
fue uno de los artistas que se
vio involucrado en la primera
guerra mundial, de la que
esperaba una suerte de
renovación del mundo, y murió
en combate en 1916.

¡AERODINAMISMO!
 Alberto Giacometti, Tres
hombres caminando II, 1949,
bronce, Col. Museo
Metropolitano de Arte, N.Y.
CONTEXTO
REPRESENTACIÓN
El cuerpo humano es un
Este es un conjunto
motivo constante en la
escultórico que
obra de Alberto
representa tres hombres
Giacometti, y este tiene
caminando en direcciones
tres temas principales:
opuestas. Sus cuerpos
el desnudo femenino de
son muy estilizados, con
pie, la cabeza o busto y
una marcada
el hombre caminando.
desproporción de las
Nació en el seno de una
formas naturales; su
familia artística de
rasgo más distintivo
Suiza en 1901, estudió
probablemente sea la
en Ginebra y en París
extrema delgadez, aunque
donde formó parte del
también llama la
movimiento surrealista,
LENGUAJE ESCULTÓRICO atención la apariencia
al que perteneció desde
escamosa de sus
Giacometti desarrolló un 1927, convirtiéndose en
superficies que crean la
estilo escultórico propio una de sus principales
sensación de volumen.
a partir de la representantes. Hacia
experimentación con la 1947 inició la
percepción y la experimentación con la
perspectiva. Le interesaba escultura en bronce. En
la observación del objeto 1962 obtuvo el gran
en su totalidad desde el premio de escultura en
primer golpe de vista. Por la Bienal de Venecia y
ello disminuyó el tamaño falleció en 1966.
de sus obras y eliminó
cualquier detalle.
Así, sus esculturas
adquirieron la apariencia
de la imagen remota,
aquella que se ve a la
distancia. Según sus
propias palabras,
pretendía alcanzar “no la
apariencia de la realidad
sino la plena semejanza”.
FIGURAS EN LA DISTANCIA
 Germán Cueto, Máscara II,
1924, cartón pintado, fierro y
REPRESENTACIÓN plástico, Col. Museo Andrés
Las máscaras de Germán Cueto Blastein, México D.F..
tienen dimensiones superiores
al natural pues no fueron
hechas para ser usadas, sino
para ser expuestas como LENGUAJE ESCULTÓRICO
esculturas en relieve. En esta
obra vemos claramente una Esta máscara fue realizada con
tendencia hacia la abstracción cartón pintado, cortado y
que mantiene los rasgos doblado, más canicas de
esenciales de lo humano, pero plástico para los ojos. Su
completamente deformados para diseño es bastante complejo,
conseguir mayor expresividad. con relieves y hundimientos,
Es probable que las máscaras de que si bien recuerdan los
Cueto hayan recibido alguna rasgos de un rostro humano, se
influencia de las realizadas encuentran completamente
por pueblos tribales de África, distorsionados. Esta obra
que tanto impacto tendrían en destaca también por la riqueza
las vanguardias artísticas de de su policromía.
inicios del siglo XX, así como
CONTEXTO
de las máscaras del arte
popular mexicano.Cueto nació en
Germán Gutiérrez
México en 1893. Perteneció a un
movimiento artístico llamado
Estridentismo, encabezado por
el poeta Manuel Maples Arce a
partir de 1921 e inspirado en
los postulados del futurismo
italiano. Cueto fue precursor
del abastraccionismo en la
escultura, lo mismo que
artistas como Arp, Kandinsky o
Fernand Leger, al lado de los
cuales participó en una gran
exposición parisina en 1930.
Cuando volvió a México su
estética se alejaba del arte
nacionalista, por lo que su
obra no fue apreciada sino
hasta épocas muy recientes.
UN CHAMÁN EN LA VANGUARDIA
 Buddhapada (los pies de
Buda), siglo I a. C., piedra,
Col. Museo Británico,
Londres

CONTEXTO
En los comienzos del budismo en
India, Buda no fue representado
como una figura humana sino a
través de símbolos. Su huella o
Buddhapada representaba el
REPRESENTACIÓN
fundamento de lo trascendente. LENGUAJE ESCULTÓRICO
Estael
Allí representación de Buda
loto de los pies de las
procede de la stupa
divinidades y gurús es o templo Estas huellas estilizadas de
budista de Amaravati. En cada
reverenciado. Buda fueron creadas en un bajo
pie fue representado el relieve de piedra. A su
darmachakra, símbolo de la alrededor, y dentro del
“rueda de la ley” puesta en relieve, fueron grabados
movimiento por Buda en su signos esquemáticos con líneas
primer sermón. En los talones incisas. Los dos pies son
está el símbolo del triratna absolutamente simétricos.
que representa las tres joyas
del budismo: el Buda mismo, su
dharma o enseñanzas y el
sangha o comunidad de monjes
budistas.

SÍMBOLOS DIVINOS
 Secretaría de Educación Pública
Programa de Artes Visuales para secundaria.
Material didáctico para el profesor.

Segundo grado, bloque 5:

“El Cuerpo humano en la escultura”.

Coordinación del proyecto: José Antonio

Espinosa.
Realización: Davayane Amaro Ortega.