.

Em primeiro lugar, a sinfonia foi cultivada com extraordinária intensidade durante a maior
parte do século: o Catálogo de 18 do século Symphonies (veja LaRue, 1959, 1988) contém mais
de 13.000 obras distintas. Na Europa, no momento não havia quase um estabelecimento
musical principesco, eclesiástico, cívica ou mesmo privado que não possuía um estoque de
sinfonias A área principal da produção sinfônica era, sem dúvida, Viena e do resto da
Monarquia de Habsburgo. . Um segundo aspecto importante é a continuidade do
desenvolvimento da sinfonia, com início no final do século 17 com as necessites esqueléticos
de instrumentação, textura e contraste ritmo e em última instância, para a matriz equilibrada
de procedimentos que resumem o estilo clássico. natureza pública da sinfonia, juntamente
com o fato de que ele não depender de virtuosismo soloistic para atingir o seu efeito, deu-lhe
um peso e significado que parecia chamar para obter os melhores esforços de um compositor.

A sinfonia permeado um amplo espectro de vida do século 18. Ele forneceu um elemento
importante das funções do Estado, cívicos e institucionais, a partir de instalações e outras
cerimónias oficiais para banquetes e recepções. Sinfonias também foram um componente
padrão de serviços da igreja católica. O uso mais característico da sinfonia, no entanto, foi
como parte de um dos tipos variados de ocasiões nós amontoar sob os "concertos" rubrica.
Um tipo de show foi a "academia" ou concerto privado em um palácio, mosteiro ou residência
privada. Em O uso mais característico da sinfonia, no entanto, foi como parte de um dos tipos
variados de ocasiões nós amontoar sob os "concertos" rubrica. Um tipo de show foi a
"academia" ou concerto privado em um palácio, mosteiro ou residência privada. De crescente
importância ao longo do século foi o concerto público, que vão desde concertos ale- e das
câmaras de café e muitas séries amador para a subscrição formal e benefício concertos comum
na segunda metade do século.

Sinfonias no século 18 são exibidos em um grande número de títulos diferentes, além de

'sinfonia' e seus cognatos, como overture (também introduzione, Intrada, prelúdio), sonata
trio, quarteto ou Quadro, quinteto, concerto, concertino, parthia , divertimento, cassação,
serenata e pastorale.

As primeiras sinfonias concertos são marcados para uma orquestra de cordas sozinho, com
cravo e muitas vezes fagote assumida como parte do grupo contínuo. Embora quatro partes
são a norma (dois violinos, viola e contrabaixo, este último compreende, pelo menos,
violoncelo e contrabaixo), trios sinfonias para dois violinos e baixo são bastante comuns nas
fases iniciais da sinfonia. Sinfonias a 4 continuar a ser cultivada até o final do século,
especialmente de compositores que trabalham em centros provinciais menores, mas também
em circunstâncias especiais por figuras bem conhecidas como CPE Bach, cuja seis sinfonias
para orquestra de cordas de 1773 foram escritas para Gottfried van Swieten .

. Horns poderia ser substituído por ou aumentada por pares de trompetes e tímpanos. Da
mesma forma, oboés poderia ser substituída por flautas, quer para toda a sinfonia ou para o
movimento lento sozinho. Fagotes levou cada vez mais um papel mais concertante, clarinetes
e começou a fazer a sua aparição em sinfonias na década de 1750. No entanto, a expansão da
orquestra ao pleno final de tamanho Clássico. ) foi irregular, em vez de consistente, e todo o
desenvolvimento está intimamente ligada às contingências locais.

. Com relação à forma de grande escala, o fast-lento-rápido (ou fast-slow-moderado)

sequência de movimento familiar do concerto barroco e overture forneceu o padrão básico
para a sinfonia cedo. Segundo movimentos de sinfonias primeiros são, em geral, a relativa
menor ou tônico, o dominante, ou a tônica, com o subdominant vindo à tona depois de cerca
de 1750.

Uma pergunta surge familiarizado sobre a introdução do minueto e trio para a sinfonia como o
terceiro movimento de quatro, para as quais foi pedida prioridade em nome de ambos
Mannheim e Viena. Pode-se notar aqui que o argumento de que a sinfonia quatro movimento
resultante da adição de um tal movimento no final de um ciclo rápido-minueto lenta não pode
ser mantido: dos minuetos 'da maioria dos primeiros sinfonías correspondem ao Tipo mais
rápido italiano, sem trio, não o tipo francês mais imponente, com trio encontrado em sinfonias
quatro movimentos de Stamitz partir de meados da década de 1740. . O mais importante é
alguma versão do formato binário em larga escala, quer dos simples, assimétrico, arredondado
(isto é, com plena recapitulação) ou tipo de sonata. Ambas as partes de um movimento como
esse são normalmente repetido, embora depois de cerca de 1.770 a repetição da segunda
parte (desenvolvimento e recapitulação) é frequentemente descartado. Sonata forma como
encontrado na sinfonia do século 18 deve ser entendido como abrangendo uma ampla gama
de variantes; na verdade, é uma forma menos do que um conjunto flexível de procedimentos e
técnicas característicos. Estes incluem o contraste e a modulação direcional entre tônico e
áreas-chave relacionadas dominantes ou outro; diferenciação e especialização funcional de
material temático; desaceleração do ritmo harmônico para articular e estabilizar áreas
temáticas; desenvolvimento e mudanças que envolve a modulação de material; recapitulação;
e orquestração e diferenciação textural que aumentam seletivamente esses procedimentos.

. Um deles é um tipo de binário, em que o retorno para o tónico para o recapitulação é

marcado pelo retorno do secundário, em vez de o tema principal. Aqui rotulado forma binária-
sonata, este tipo foi especialmente comum na sinfonia cedo. A segunda variante é o tipo de
movimento em que a recapitulação começa em uma chave que não seja a tônica,
normalmente a subdominante. O último procedimento é, por sua vez, uma versão de um ciclo
da capo ou relacionadas em que alguns ou todos do primeiro movimento retorna depois o
movimento lento.

explicação tradicional para a gênese da sinfonia, encontrados em inúmeros livros e estudos

mais especializados, foi que os três-movimento de abertura ópera italiana ou sinfonia do tipo
atribuído a Alessandro Scarlatti foi simplesmente transplantada do teatro para a câmara, onde
assumiu vida independente, como a sinfonia 'concerto'. Ainda mais diretamente relacionada
com a sinfonia é o gênero pouco conhecido designado vària como o concerto ripieno (ou seja,
"concerto para o ripieno '), ripieno concerto (termo do próprio Vivaldi) ou concerto a ou a 5 (o
último agrupamento 4 geralmente incluindo um segunda parte viola; ver Wolf, 1983). Estas
são as obras orquestrais (ou seja, com peças duplicando), geralmente para cordas e continuo
sozinho, que, apesar da designação 'concerto' não têm partes de solo (ou puramente uns
insignificantes). Um progenitor importante final da sinfonia é a abertura da ópera italiana.
Também é relevante notar que a abertura no período anterior a cerca de 1740 abrange uma
gama enorme do ponto de vista estilístico: aberturas podem ser encontrados que
correspondem a cada tipo descrito no levantamento anterior, incluindo muitos de três
movimento trabalha com primeiros movimentos binários . Ao mesmo tempo, a teoria de que
a abertura da ópera foi a principal base para a sinfonia tem como um de seus pontos mais
fracos, o facto de os dois gêneros foram destinados para bastante diferentes locais e tipos de
público, ao passo que as circunstâncias do desempenho e do social função de concertos
ripieno e (em muitos casos) sonatas foram precisamente aqueles dos primeiros sinfonias.

Seculo XIX

Por toda a sua variedade exterior, as exposições sinfónicas do século 19, a coerência notável
como um gênero, desde os primeiros sinfonias de Beethoven até as sinfonias meio-período de
Mahler. A identidade do gênero repousa em parte em critérios externos de tamanho e
estrutura: compositores consistentemente designado como uma sinfonia um trabalho para
uma orquestra de médio ou grande porte, que consiste geralmente em três, quatro ou cinco
movimentos (mais comumente quatro). Estes movimentos geralmente seguem o padrão de (1)
um movimento de abertura prolongado, muitas vezes em forma de sonata, às vezes precedida
por uma introdução lenta; (2) um movimento lento lírico, normalmente em forma de sonata,
ABA, ou tema e variações; (3) um movimento scherzo de inspiração dança, em compasso
ternário; e (4) um final rápido. A ordem dos dois movimentos intermediários às vezes era
revertida, e houve, naturalmente, outras exceções a esse padrão na prática, mas permanecem
exceções.

Por esses critérios externos sozinho, no entanto, pode-se legitimamente definir uma sinfonia
como um 'sonata para orquestra ", quando na realidade as diferenças entre os dois gêneros
são profundas. A sinfonia foi consistentemente valorizado pela sua capacidade única de unir o
maior número possível de instrumentos de tal forma que ninguém voz predomina e todos
contribuem para o todo. O concerto, por sua vez, embora decididamente de natureza pública,
nunca teve o prestígio da sinfonia por causa da propensão esteticamente suspeito do gênero
em direção virtuosa exibição. Realizado por um grande número de jogadores em uma variada
gama de instrumentos e projetada para um grande encontro de ouvintes, a sinfonia passou a
ser visto como o mais monumental de todos os gêneros instrumentais. O tom abrangente da
sinfonia foi entendida para representar as emoções ou idéias não meramente do compositor
individual, mas de toda uma comunidade, seja ela uma cidade, um estado, ou a toda a
humanidade. . Segundo Koch (1802), a sinfonia 'tem como objetivo, como o coro, a expressão
de um sentimento de uma multidão inteira' As muitas interpretações programáticas de
Beethoven Sétima Sinfonia, por sua vez, evocam imagens de algum tipo de reunião
comunitária, tais como uma dança de camponeses ou de casamento (primeiro movimento),
uma cerimônia sacerdotal (segundo movimento), uma dança (scherzo) e um bacanal ( final). A
distinção entre sonata e sinfonia foi estendido para o público, bem como, que por sua vez teve
ramificações importantes para o estilo sinfônico. Até o segundo trimestre do século 19 a
sonata era essencialmente um gênero nacional, a ser realizada tanto pelo prazer de o
performer sozinho ou, no máximo, para um pequeno círculo de amigos. A sinfonia, pelo
contrário, tinha de preencher espaços cada vez maiores e apelar para um público diversificado,
especialmente a partir do final do século 18 em diante. No final do século 18 e, em seguida,
mas particularmente na esteira do Beethoven, a Sinfonia surgiu como uma projeção
institucional das crenças e aspirações de compositores, intérpretes e público. Observação
muito citada de Mahler no início do século 20 que uma sinfonia deve ser 'como o mundo' ecoa
uma longa tradição que viram a sinfonia como o mais cósmico de todos os gêneros
instrumentais. Esta tendência para o cósmico é mais imediatamente evidente no crescente
tamanho da orquestra sinfônica. No início da pontuação padrão do século 19 para a ('grosse')
sinfonia grande chamado para cordas, sopros duplo (flautas, oboés, clarinetes, fagotes), dois
chifres, dois trompetes e tímpanos. Novos instrumentos foram introduzidos de forma
constante ao longo do século. Trombones, tradicionalmente restritos aos domínios da igreja e
teatro, aparecem no final da Quinta Sinfonia de Beethoven, o 'Storm' movimento de sua sexta
e no final de sua Nona. Piccolo, fagote dobro e certos instrumentos de percussão, como o
drum bass, triângulo e címbalos, anteriormente reservada para o efeito especial (por exemplo
Militar Sinfonia de Haydn e no final da Nona de Beethoven) tornam-se cada vez mais comum
durante a segunda metade do século 19, com sinfonias de Mahler os constituindo um
verdadeiro compêndio de instrumentos de orquestra. Que Mahler deve usar tais instrumentos
improváveis como chocalhos e bigornas fala não só para o seu próprio estilo pessoal, mas
também à tradição mais ampla da sinfonia como um gênero abrangente. Para além destas
alterações de natureza estritamente técnica, e em parte como resultado da expansão de
possibilidades orquestrais, o próprio timbre tornou-se uma característica distintiva para
symphonists. Muito além de questões de forma, harmonia ou construção temática, o timbre
das sinfonias de Berlioz é distinta da encontrada nas sinfonias de Bruckner, que por sua vez é
totalmente diferente do que a encontrada em sinfonias de Brahms, Tchaikovsky ou Mahler.
Toda grande sinfonista do século 19 sentiu uma certa obrigação de criar um som orquestral
distinta dentro do gênero.

Por causa do prestígio estético da sinfonia, e por causa das exigências técnicas pura de
escrever um, esse gênero foi quase universalmente reconhecido como um marco da proeza de
composição já no primeiro trimestre do século 19. Foi amplamente sentiu que um compositor
não poderia (ou pelo menos não deveria) passo em frente com um trabalho nesse gênero, até
que ele tinha mostrado o domínio suficiente de formas menores e menos exigentes de
composição De uma maneira estranha, os pobres incentivos econômicos de composição
sinfónica ajudou a adicionar à aura do gênero como a mais alta forma de música instrumental.
Qualquer um de compor uma sinfonia, afinal, dificilmente poderia ser acusado de perseguir o
ganho comercial.

Ironicamente, o número de locais de desempenho para sinfonias começou a aumentar

exponencialmente nos terceiro e quarto décadas do século 19, assim como a produção e
difusão de novas obras no gênero diminuiu. Sinfonias, juntamente com oratórios, constituiu o
repertório central dos muitos festivais de música que surgiram na Alemanha durante a
primeira metade do século 1. Misturas com outros gêneros são evidentes ao longo do século;
Nona Sinfonia de Beethoven abriu a porta para tais cruzamentos genérico. Exemplos notáveis
incluem híbridos com o concerto. Cantata, ); ópera, e até mesmo o poema sinfônico. O caráter
"sinfônico" de muitas peças que nominalmente se encontram fora do gênero é evidente em
obras como Sadko de Rimsky-Korsakov. com o subtítulo" Três Symphonic Sketches', em que os
restos de forma sinfónico são ainda claramente discernível (uma introdução lenta de um
movimento de abertura rápida, seguida por um scherzo e, um final culminative rápido).
Symphonic forma e amplitude são também frequentemente evidente em concertos, mesmo
quando não indicado em títulos. Os concertos de Schumann, Brahms e Dvořák, por exemplo,
todos mostram uma tendência no sentido de uma melhor integração das solista e orquestra e
desvie de uma estética de virtuosismo por amor de virtuosismo, preferindo uma profundidade
de tom mais tipicamente associada com a sinfonia. A sinfonia exerceram influência
demonstrável na suíte orquestral também. Este gênero desfrutou de um breve mas vigorosa
retomada na segunda metade do século nas mãos de Volkmann, Brahms, Dvorák e
Tchaikovsky. Também digno de nota é o fenômeno da sinfonia de órgãos, como a cultivada por
Charles-Marie Widor.

Sec XX