Manual de Bolso Da Produção Musical Por Dennis Zasnicoff PDF

Índice
Apresentação......................................................................................... 3
Como Escolhemos Nossas Músicas Favoritas?.............................................4
A Influência de Cada Parte no Todo...........................................................5
Apresentando a Escala “Musipontos”......................................................... 6
As Etapas (e truques) da Produção........................................................... 7
1.Criação.......................................................................................8
2.Registro Original........................................................................ 10
3.Análises.................................................................................... 11
4.Experimentações....................................................................... 13
5.Gravação-Guia...........................................................................15
6.Captação das Bases................................................................... 17
7.Captação das Coberturas............................................................ 19
8.Overdubs e Rough Mix................................................................20
9.Mixagem...................................................................................22
10.Masterização........................................................................... 25
A Produção está Concluída!.................................................................... 27
Por Dentro da Escala Musipontos............................................................ 28
Cenário Musical - A Verdade Nua e Crua.................................................. 31
Avaliando Músicas com Musipontos......................................................... 33
O Papel da Tecnologia........................................................................... 35
Glossário............................................................................................. 37
Para se Aprofundar no Assunto............................................................... 37
© 2008-2011 Dennis Zasnicoff | audicaocritica.com | Alguns direitos reservados | p. 2

Proibida a comercialização e criação de obras derivadas. Consulte sobre licenciamento. Cite o autor quando utilizar o texto.
Apresentação
Conceber uma música é deixar um rastro de existência. Uma marca no
mundo, dizendo quem você é e o que pensa. Para muitos um hobby, para
outros uma profissão. Nossa criatividade não tem limites, mas nem sempre
está pronta para trabalhar, depende de inspiração, preparo e estado mental.
Costuma aparecer nas crises e presentear mais uns do que outros.
Muitas pessoas que conheço começam a fazer uma música e nunca
terminam. Talvez porque nunca sintam-se satisfeitas com o resultado, ou
estejam esperando por um estalo de criatividade - difícil caminho. Tantas
outras têm idéias fantásticas, mas não conseguem transformá-las em música
– formatada, clara e “consumível”.
Todos nós já ouvimos que a arte é "1% inspiração e 99%
transpiração". Este manual de bolso ensina técnicas e conceitos de produção
musical, trazendo à tona o funcionamento do mercado e os mecanismos por
trás da percepção dos ouvintes.
Nesta leitura, você aprenderá:
● Quais são as variáveis que determinam o impacto de uma

música
● Onde devemos concentrar esforços durante a produção musical
● Como avaliar uma música
● As particularidades de cenário atual
● A tecnologia no processo produtivo
● Os “truques” do produtor musical
● Conceitos básicos e avançados
● Termos e linguagem da Produção Musical
Se a inspiração aparecer durante a produção musical, ótimo! Mas não

deixe de fazer música porque acredita que não tem talento. Tão importante
quanto o talento é a dedicação - estudos, prática e consistência.
Este pocket guide pode ser um grande aliado nos momentos de
bloqueio criativo. Recomendo sua leitura integral como ponto de partida para
o planejamento da sua produção. Posteriormente, utilize-o como referência de
consulta para tópicos particulares ou reforço das técnicas. Estas técnicas são
universais e não foram criadas para nenhum estilo musical em particular. Se
você deseja fazer música, é amador ou profissional, esta leitura irá ajudá-lo!
Ao longo do texto, os termos sublinhados estão

definidos no Glossário do website.

Como Escolhemos Nossas Músicas
Favoritas?
Nossa percepção de uma música depende de vários fatores. Sem
dúvida, o gosto pessoal tem grande influência sobre o que escutamos,
compramos, baixamos e recomendamos - memórias da infância, situações
vividas, hábitos adquiridos, amigos e familiares.
A mídia também exerce um poderoso papel: a exposição constante a
determinadas músicas e artistas, de certa forma, força a nossa aceitação e
cria referências. O poder dos principais canais de comunicação é tão grande,
que pode-se popularizar virtualmente qualquer coisa: programas, histórias,
políticos, ideias, músicas, filmes, seriados, artistas. Com raras exceções, tudo
aquilo que é bombardeado pela mídia acada sendo aceito e valorizado (daí a
importância, ainda inegável, das grandes mídias e dos programas de maior
audiência no sucesso de um artista pop, goste ele ou não desta condição).
Há problemas neste cenário. O espaço e o tempo destes canais são
limitados – há muitos outros conteúdos de alta qualidade, que teriam todo o
potencial de se tornarem populares, mas não conseguem aparecer. “Pop”
deixou de ser sinônimo de “bom”. Pelo contrário, na música, tenho descoberto
muito mais originalidade, canções e artistas interessantes fora do circuito
tradicional, que frequentemente chamamos de alternativo ou underground.
Essa discussão merece um capítulo à parte e a intenção deste livro é tratar
sobre a produção musical. No entanto, algo me parece verdadeiro: elevar a
qualidade das produções é sempre um reforço para sua evidência,
popularidade, poder de conquista.0
Conforme nos afastamos da euforia da fama efêmera, no longo prazo,
as músicas que permanecem na nossa lista particular de favoritas têm
algumas características em comum, que podem ser identificadas.
Características que não dependem de massiva exposição para serem
apreciadas. Essas mesmas músicas que sobrevivem por gerações, não saem
de moda e sempre nos emocionam, são também as mais tocadas nas rádios,
as que mais influenciam, vendem e conquistam o grande público – ano após
ano. Elas vieram para ficar e não é por acaso que se destacam da média.
Se uma música nos parece interessante, cansativa,

memorável ou energética, podemos encontrar os
fatores que fizeram surgir esta avaliação. Isto é, na
verdade, o "segredo" por trás da Produção Musical.
Às vezes nos lembramos de um filme por causa do final

surpreendente. Gostamos de outro que tem uma cena de ação muito bem
feita, ou desistimos de assistir logo no início porque ele é "muito parado". O
mais comum, no entanto, é simplesmente gostar ou não do filme - do
conjunto, do todo. É interessante perceber como rapidamente fazemos uma
avaliação. Quando nos perguntam o que achamos da estréia de ontem,
podemos facilmente comparar com outros filmes e inclusive detalhar os
critérios: roteiro, direção, efeitos especiais.
Na música, porém, não temos este hábito. Críticos, produtores e
ouvintes “profissionais” talvez analisem diversos critérios. O grande público,
no entanto, simplesmente gosta ou não gosta, sem saber explicar porque.

Sim, alguns detalhes podem fazer toda a diferença e consagrar uma
obra. Mas isto é a exceção, não a regra! No filme, cada parte tem influência
no todo - fotografia, trilha sonora, atuação - e se todas forem produzidas
cuidadosamente, as chances de sucesso serão bem maiores do que
concentrar-se em apenas um elemento, tentando com que ele supere todas
as expectativas e ofusque os demais.
A Influência de Cada Parte no Todo

Como produtor musical, ouvinte e amante da música, sempre senti
falta de uma escala de avaliação que auxiliasse músicos e técnicos no
processo de produção. Algo que pudesse avaliar objetivamente uma música,
conforme a escutamos, não somente a composição ou a interpretação do
artista. Uma escala que considerasse tanto a qualidade de áudio quanto os
demais recursos técnicos e artísticos – gravação, arranjo, mixagem,
masterização – e que pudesse ser utilizada por diferentes profissionais, sem
precisarmos fazer cursos ou despender muito tempo para aprender a usar.
O mundo do vinho conta com diversas escalas de avaliação. Talvez a
mais conhecida e respeitada seja a escala de Robert Parker. Profundo
conhecedor de vinhos e dotado de uma capacidade e memória gustativas
únicas, Parker é capaz de analisar diversos critérios de um vinho e pontuá-lo
com uma nota que varia até 100 pontos. Embora sua nota sirva de referência
para muitos consumidores, influenciando diretamente consumo, preço e
popularidade de um produto ou produtor, sempre haverá aqueles que
discordam de sua avaliação, alegando que é impossível se comparar todos os
vinhos sob uma mesma escala, que haveria diferentes produtos para
diferentes propósitos – situações, públicos, culturas e faixas de preço (é claro
que as reclamações nunca se originam daqueles que receberam boas notas).
Polêmicas à parte, a maioria da indústria, do comércio e da imprensa
especializada parece concordar que um vinho bem pontuado é de fato um
grande produto, merecedor de tal avaliação. Suas notas são explicitamente
divulgadas nas lojas, revistas e websites. Outras escalas similares existem,
com menor popularidade.
Na minha opinião, lamento que esse método de avaliação usado por
Parker não possa ser utilizado por outras pessoas, até mesmo pelos
consumidores, refletindo em uma mesma pontuação. Claro, primeiramente
estas pessoas precisariam conhecer todos os critérios, além de possuir a
capacidade técnica para avaliar. No fundo, porém, o grande valor da nota é
ela ter sido dada pelo próprio Robert Parker.
Na música, seria muito útil aos profissionais e consumidores a
possibilidade de se avaliar uma canção de uma maneira mais objetiva. Afinal,
como dissemos, ao longo prazo, as músicas consideradas como as “melhores”
possuem algo em comum. Seria possível listar e categorizar essas variáveis?
Qual o peso de cada quesito?
Criei a escala musipontos originalmente para uso próprio, com a
intenção de facilitar o diálogo com os artistas, evitando que o gosto pessoal,
tanto meu quanto deles, pudesse interferir demasiadamente nas decisões.
Além disso, foi uma oportunidade de estudar diferentes fases da produção
musical, desmistificar a excessiva importância de algumas delas e
compreender um pouco mais sobre o que faz uma música ser uma boa
música, bem produzida. Com tempo e uso, os critérios de avaliação e a
influência de cada parte no todo se tornaram mais claros.

O método musipontos avalia uma produção de 0 a 10 (notas
tradicionais) para facilitar interpretações e comparações. Naturalmente, a
“nota” sempre dependerá de quem está avaliando, mas a metodologia
procura minimizar os julgamentos subjetivos, espelhando-se no
comportamento médio da população e nos aspectos objetivos, tanto artísticos
quanto técnicos. A idéia é que muitas pessoas possam entendê-la e utilizá-la.
Ao menos, através da escala, possam compreender melhor como funciona
uma produção musical. Possam parar para refletir sobre esforços, sucesso,
fracassos, dificuldades, competências.
A escala musipontos não pretende ser infalível e nem referência de
mercado, mas pode ser uma boa ferramenta para suas produções. Ela é
apresentada a seguir e aprofundada em detalhes no final do livro.
Apresentando a Escala “Musipontos”

Na produção musical, costumo repartir as prioridades da seguinte
maneira: de tudo que podemos fazer para contribuir no resultado final de
uma música...
● 40% provém da Composição
● 30% da Pré-Produção
● 20% da Gravação
● 10% da Mixagem / Masterização
---------
100% Total
De onde tirei esse modelo de proporções? É justamente essa resposta

que você deverá encontrar nos capítulos que seguem. Ao final, você deverá
concordar com os critérios ou pelo menos compartilhar da visão, criando seu
próprio método de avaliação que não deverá ser muito diferente. Ele surgiu
da análise de músicas durante anos de trabalho como produtor musical e
tantos outros como ouvinte questionador. De maneira alguma representa a
verdade absoluta, mas tem funcionado muito bem para muitas produções.
Nesta escala, cada uma das etapas acima pode contribuir com um
número limitado de pontos, somando o máximo de 10 musipontos. A
composição é avaliada de 0 a 4, a pré-produção pode ter de 0 a 3 pontos,
gravações recebem até 2 musipontos e no máximo 1 para a
mixagem/masterização.
Tenha em mente que 1 ponto é sempre uma GRANDE

melhoria. Cada musiponto adicional requer bastante
esforço, seja do ponto de vista artístico ou técnico.
Conseguir melhorar uma composição de 3 para 4 ou uma gravação de

1 para 2, requer experiência, investimento, know-how e tempo. Mais adiante,
entraremos em detalhes sobre a Escala Musipontos e sua relação com o
mercado. Por hora, para facilitar o entendimento das etapas da produção
musical, podemos utilizar a seguinte classificação para musipontos:

1. Muito Fraca
2. Fraca
3. Abaixo da Média
4. Razoável (média de tudo que se produz)
5. Acima da Média (potencial de rádio*)
6. Notável (sucesso em um nicho de mercado)
7. Destaque (hit, paradas de sucesso)
8. Ótima (grande público)
9. Clássico (sobrevive a diversas gerações)
10. Referência (grandes e raros marcos na história)
(*tocar no rádio - aparecer nas paradas etc. - depende de outro fatores de pós-
produção, algumas músicas 4 já tocaram no rádio e muitas outras 6 ou 7 nunca, são
apenas referências para reforçar o valor de uma pontuação)
As Etapas (e truques) da Produção

Cabe ao produtor e ao artista (compositor, intérprete ou banda)
entenderem as limitações de cada etapa para então priorizarem os aspectos
mais importantes. Primeiro as primeiras coisas! E o resultado será
satisfatório, com bom aproveitamento de tempo, energia e recursos.
As 10 fases principais da produção musical estão explicadas em
detalhes na seqüência:
Composição
1. Criação
2. Registro Original
Pré-produção
3. Análises
4. Experimentações
5. Gravação Guia
Produção
6. Captação da Base
7. Captação da Cobertura
8. Overdubs e Rough Mix
9. Mixagem
10. Masterização
A terminologia aqui usada pode ser diferente daquela existente em

outras literaturas. A divisão que faço entre Composição, Pré-Produção e
Produção visa facilitar o entendimento de cada etapa, além de reforçar alguns
conceitos importantes de cada fase:

Composição: intimamente ligada ao artista, ao compositor, não
depende necessariamente de outros profissionais e não tem se modificado
muito ao longo dos anos – escrever uma música, antes de mais nada,
significa ordenar notas musicais e letras. Os estilos de trabalho variam
consideravelmente de compositor para compositor, mas nunca deixou de ser
uma atividade bastante árdua e especializada, para poucos, ao contrário do
que muitos pensam.
Pré-produção: possivelmente a fase menos conhecida e explorada,
ao mesmo tempo que é essencial para o resultado final de uma música. É o
momento de planejamentos e decisões, que requer uso de técnicas e
disciplina. Está normalmente associada a um produtor musical (que pode
atuar mais como arranjador, músico, técnico, gerente de projeto etc.) e não
necessariamente precisa se utilizar de estúdios ou instrumentistas
profissionais.
Produção: relacionada às interpretações, performances dos músicos,
gravação e edição de fonogramas. Ocorre dentro de estúdios e salas de
controle, englobando gravações, mixagens e masterização. Aqui começa o
registro definitivo do áudio, com valorização de espaços acústicos, técnicas,
equipamentos e técnicos.
1. Criação
Tudo começa com uma boa matéria prima. O fundamento de uma
música sempre foi e sempre será o seu conteúdo lírico e musical. Existem
inúmeras escolas de ensino, teorias e cursos superiores de Música, e
portanto, sobre a arte de compor, reger, arranjar e interpretar músicas.
Algumas dos conhecimentos essenciais de um bom compositor são:
● Harmonia
● Contraponto
● Ritmo
● Arranjo e Instrumentação
● Ouvido absoluto e/ou relativo
● Instrumentos e Timbres
● Vocabulário musical
● Tipos de rimas
Este manual não entrará em detalhes sobre a arte da composição, mas

posicionará esta etapa como o ponto de partida fundamental de qualquer
produção, definindo o seu papel e algumas técnicas utilizadas por
compositores.
Acho importante aproveitar este tema para colocar a idéia principal
deste texto: esta, e todas as demais etapas que veremos a seguir, exigem
dedicação e uma ampla faixa de conhecimentos e habilidades.

Muitas pessoas que conheço imaginam que compor é um dom, algo
com que nascemos. De fato, muitos artistas parecem ter o toque divino que
os separam dos demais, mas muito provavelmente esses mesmos artistas
possuem larga experiência e domínio do ofício, usaram e abusaram das
técnicas de composição para que um dia pudessem fazer uso de sua
inspiração e originalidade.
Sempre me lembro da minha experiência com Pablo Picasso. Quando
tive o primeiro contato com suas obras mais famosas, não fiquei nada
convencido das suas qualidades como pintor. “Rabiscos grotescos? Parece
coisa de criança!”, pensava. Tenho certeza que muitos também tiveram esta
impressão.
Depois soube que Picasso nem sempre pintou com aquele estilo. Era
um estudioso nato e tinha domínio sobre muitas técnicas da pintura, podia
retratar uma imagem qualquer com perfeição e caminhou por diversos ramos
das artes plásticas até desenvolver seu próprio estilo e genialidade.
Qualidades que ainda não consigo apreciar por completo, porque não sou
especialista nem consumidor frequente desta forma de arte, mas que são
inegáveis, haja visto o valor de suas pinturas e o reconhecimento mundial que
tem sua obra.
Compor é um processo técnico e repetitivo. A criatividade é importante
e pode ser aprimorada com exercícios diários. No Brasil, temos dezenas de
milhares de compositores. Destes, alguns milhares dedicam boa parte do dia
para a atividade de compor. Deste grupo, várias centenas fazem exercícios
regulares, estimulando as regiões do cérebro responsáveis por imagens,
analogias e descrições, escrevendo horas a fio.
Finalmente, deste pequeno universo, apenas poucas dezenas de
compositores consagrados (com composições de 3 ou 4 musipontos) são
responsáveis por mais da metade do que ouvimos todos os dias.
Quando o artista concentra-se na concepção da obra,

sem pensar nas fases seguintes, está fazendo o melhor
uso de suas habilidades.
Quero mostrar que compor é um trabalho árduo e especializado. Se

este é seu objetivo, vale a pena estudar as técnicas e se dedicar. Lembre-se:
dedicar-se, em qualquer profissão, significa estudar e praticar por anos e
anos.
Suas composições podem começar a atingir notas 2 ou 3 antes do que
você imagina. Saberá otimizar música e letras. Se você acha que nunca vai
atingir 3 ou 4 (nota máxima) nas composições e não está satisfeito com 2 ou
3 musipontos, talvez seja mais interessante utilizar composições de terceiros,
participando da produção como instrumentista, arranjador, produtor ou
técnico de som.
As editoras musicais são um bom ponto de partida para se buscar
compositores e composições. Elas são responsáveis por divulgar artistas e
repertórios, na busca por licenciamentos, remunerações para compositores.
Diversas gravadoras e produtores buscam talentos nas editoras.

Se você pretende se especializar em composição, procure estudar
como funciona a legislação dos direitos autorais, quais são os editores mais
influentes no seu mercado e o que fazer para registrar e divulgar o seu
trabalho. Mas acima de tudo, escreva, escreva muito! Rabisque, apague,
recomece. Antes de fazer sucesso com uma canção, um compositor
normalmente já terá escrito centenas delas.
As melhores composições possuem algo em comum:
● Representam sentimentos ou situações universais, facilmente

compreendidas por ouvintes que se identificam.
● São específicas, não sendo objetivas. O grande segredo do
compositor é conseguir passar uma mensagem clara através de uma
descrição particular, única, original, rica.
● Estão centradas sobre uma idéia genuína, um tema claro.
● Utilizam técnicas musicais e poéticas para ganhar interesse
(teoria da informação, sentidos do corpo, surpresa, recompensa,
humor).
Procure registrar suas idéias assim que elas acontecem. Muitas vezes,
isso ocorre pela manhã, quando nossa cabeça ainda está "vazia" e
despreocupada. Tenha sempre à mão lápis e papel, ou um gravador portátil
(muitos celulares possuem esta função). Este estalo é quase sempre o ponto
de partida de uma grande composição.
Como as pessoas se comportam? O que as interessa? Como VOCÊ
enxerga uma determinada situação? Provavelmente há muitas outras pessoas
que se identificam com o seu ponto de vista!
2. Registro Original
A música concebida precisa ser registrada de alguma forma. Tanto
para fins de proteção dos direitos autorais quanto para viabilizar uma
produção – poder ser revisitada, estudada, otimizada, analisada, comunicada
a outros profissionais. O registro pode acontecer de várias formas, sendo que
as mais comuns são: partituras, tablaturas, cifras, letras ou uma simples
gravação do áudio que registra apenas letras sobre melodia, melodia sobre
harmonia ou simplesmente ideias melódicas.
Em futuras reuniões com o produtor musical, o compositor ou
intérprete discutirá objetivos, expectativas, cronogramas, custos, alternativas,
referências e repertórios. Além de ser utilizado como ponto de partida para a
pré-produção, este registro também servirá para comunicar ao produtor e sua
equipe qual é a essência da música – sua mensagem, conteúdo lírico e
musical. Trata-se, portanto, do primeiro registro objetivo do compositor.
Quando gravado em formato de áudio, possui uma particularidade de
extrema importância – captou intenções espontâneas do artista, que são
importantes e não devem ser esquecidas durante as próximas fases.
É costume revisitar o registro original durante a

produção para não se distanciar do objetivo inicial.

Um produtor experiente saberá identificar quais são elementos do
registro original que devem ser trabalhados e não julgará a música como uma
produção final - afinal, ela só está começando. A qualidade do áudio, por
exemplo, pouco importa neste momento.
A gravação original normalmente é composta de voz e violão, voz e
piano ou algum instrumento de maior familiaridade para o compositor. Muitos
artistas preocupam-se em gerar um registro com boa qualidade de áudio.
Gravam várias versões, fazem alterações e colocam instrumentação.
Essas etapas deveriam ser deixadas para depois. Na verdade, o
resultado pode até ser negativo – o registro perde a intenção original e a
essência da composição, que é base para a pré-produção que se inicia agora.
O registro original não deve ser confundido com a gravação-guia, que será
explicada adiante.
O registro original, para todos os efeitos, é a expressão mais
espontânea e sincera do compositor.
A avaliação (e a quantidade de musipontos) de uma composição pode
ser feita através dele. Com prática, rapidamente sabemos se estamos diante
de uma composição fraca, boa ou excelente.
Curiosidade: depois que a música já está produzida,

como podemos avaliar uma composição isoladamente?
É só cantá-la ou tocá-la no violão. Uma boa composição
soará interessante, mesmo sem produção! As
composições com 3 ou 4 musipontos são as primeiras
candidatas a remixes e versões acústicas.
3. Análises
Esta fase inicia a Pré-Produção.
A Pré-Produção tem função muito clara no processo:

otimizar a composição através de um ponto de vista
alheio. Fazer com que a música tome forma e esteja
pronta para ser produzida (gravada, mixada).
São planejados cronogramas, recursos e alternativas. A princípio, as

etapas que seguem a pré-produção não deveriam voltar atrás para trabalhar,
por exemplo, letras, instrumentação, forma ou estilo. Estes aspectos podem e
devem ser decididos agora, na pré-produção, justamente para se evitar
futuros erros e frustrações.
No papel de compositores, é fácil termos uma visão bastante particular
da nossa obra. É como um filho, nós o protegemos e não queremos enxergar
seus defeitos.
Já na pré-produção, é altamente recomendado que uma outra pessoa
comece a acompanhar o processo produtivo, participando das decisões.

O produtor musical normalmente começa a agregar nesta fase. Este
profissional possui um distanciamento natural da composição e tende a julgar
com maior clareza o possível impacto da música no público.
As análises mais comuns realizadas nesta fase são:
● Identificar qual o "estilo de produção" e concentrar-se nele

durante todo o processo. Uma música pode possuir um elemento
marcante e repetitivo, lírico ou musical (Hook, Riff), pode querer
destacar um ritmo ou levada (Groove), possuir um forte conteúdo
poético e narrar uma história (Letras), caminhar para um clímax
musical (Chorus) etc.
● Estudar a complexidade da produção para se estimar custos e
prazos, bem como metas factíveis.
● Escalar e contratar eventuais profissionais adicionais - técnicos
e músicos.
● Analisar os elementos principais quanto à sua clareza e
eficiência (ex.: título, tema, forma, início, contorno).
● Avaliar aspectos psicoacústicos da música, como equilíbrio,
economia, variedade, contraste e foco.
Planejar o equilíbrio tonal: uso do espectro sonoro
●
(instrumentação e arranjo), congestionamento e inteligibilidade.
● Otimizar a distribuição espacial e temporal - elementos
próximos e distantes, panorama horizontal, "tamanho" de cada
instrumento, profundidade, intimismo, punch, naturalidade.
● Tomar decisões conscientes para que se possa seguir adiante e
não voltar mais ao assunto. Saber produzir é saber quando parar. O
processo pode nunca ter fim, sempre haverá possibilidades e dúvidas.
Aliás, este é um dos principais motivos para se contratar um produtor.
O papel do produtor é visualizar o resultado final da música, que

provavelmente só estará claro (e audível) ao término da produção,
estimulando decisões que contribuam para o objetivo estabelecido. Portanto,
uma relação de confiança entre os artistas e o produtor é fundamental para o
sucesso das próximas etapas.
Uma ferramenta muito útil durante as análises é o uso de referências.
A grande maioria das composições baseia-se em algum elemento já existente.
É praticamente impossível ser 100% original.
As referências escolhidas pelo artista/intérprete (ou

aquelas trazidas pelo produtor) guiam a produção e
ajudam a manter o foco.
Obviamente, as referências devem ser usadas com cuidado para não

caracterizarem plágio. Tratam-se de músicas (ou discos) previamente
lançadas que possuem algum elemento marcante – um timbre, uma levada,
um instrumento, uma maneira de se cantar, um efeito sonoro ou estilo
musical.

Nem todos os produtores seguem um padrão durante as análises. Em
alguns casos, justamente porque já desenvolveram a habilidade de escutar a
composição visualizando o resultado final da produção. Em outros casos (diria
até na maioria deles) acreditam que analisar cada um dos detalhes seria uma
perda de tempo.
Minha visão é que tempo de pré-produção nunca é tempo perdido!
Aproveite que o “taxímetro” do estúdio não está rodando, ainda não há
pressão da gravadora (ou de quem quer que esteja financiando) e tudo ainda
pode ser modificado com certa facilidade. Seguir um roteiro de análises é
talvez a melhor maneira de se desenvolver o que chamo de “diagnóstico da
primeira audição”.
Pode parecer estranho existirem pessoas na produção levando horas
para analisar os diferentes aspectos de uma composição, enquanto que os
ouvintes simplesmente escutarão a música, sem ouvidos críticos.
Esta é talvez a maior resistência de alguns produtores: “Os ouvintes
não pensarão nisso, não sabem analisar esses critérios.” Ingênuo engano! O
público é bastante crítico, embora não pense conscientemente durante uma
avaliação.
Apreciar ou criticar é fácil – gosto, não gosto. Como consumidores,
passamos anos e anos desenvolvendo nossos critérios de avaliação, através
de inúmeras experiências, lembranças e referências. Querendo ou não, somos
excelentes críticos! A dificuldade é criticar vestindo o chapéu de produtor,
poder conscientemente criar algo que cause uma determinada reação. Como
muitos dizem, com toda razão: criticar é fácil, difícil é fazer melhor. Ainda que
você trabalhe com produção musical, durante a maior parte do tempo você
estará escutando, não produzindo – aprendendo a julgar e não a ser julgado.
Quando faço uma avaliação no meu site, explico minha análise do
ponto de vista do produtor. A “audição crítica” requer prática e foco, para que
eu não me comporte como um ouvinte. No entanto, no final das contas, se
avalio, por exemplo, uma música com nota 6, muito provavelmente a maioria
dos ouvintes também concordará que se trata de uma produção notável, mas
ainda sem potencial de virar um hit.
4. Experimentações
Neste momento, as análises já estão documentadas e diversas
decisões foram tomadas. Até agora, o processo ocorreu através de reuniões e
discussões entre artista e produtor. A próxima fase começa a fazer uso de
áudio no estúdio e/ou técnica. Versões são gravadas para se testar tonalidade
e andamento, estudar complexidade e alternativas.
É uma espécie de ensaio da gravação e da mixagem, para que músicos
e técnicos possam testar arranjos, formas e variações, retirando qualquer
dúvida ainda existente após as análises. Ao mesmo tempo, são realizadas
algumas gravações que serão úteis durante o desenrolar do processo.
O registro original da composição (em áudio) pode ser utilizado como
base para as versões experimentais, economizando-se tempo.
Por questões de agilidade, o próprio produtor ou outra pessoa da
equipe pode tocar alguns instrumentos ou mesmo cantar nas versões guias.
Neste caso, o artista não deveria se sentir "traído" de maneira alguma.

Na verdade, se o compositor não é exatamente um bom intérprete,
sua música seria muito melhor valorizada se interpretada por outros músicos.
Outras vezes, a formação original da banda pode ser modificada durante as
gravações, para o bem da música - este sempre é o objetivo maior. Existem
excelentes músicos de estúdio que não desempenham bem ao vivo e vice
versa.
Ser um artista é muito mais do que entregar uma boa performance:
composição, imagem pública, presença de palco, visual, histórico, carisma –
aspectos não necessariamente relacionados à produção musical.
As experimentações são uma oportunidade de testar o

entrosamento da equipe e a confiabilidade de
equipamentos e processos. Já que a qualidade do áudio
não é prioridade, a equipe pode se concentrar na
mensagem musical.
Durante os experimentos, traçar o contorno emocional da música é

outro recurso valioso. O contorno emocional indica graficamente como as
informações musicais entram e desaparecem ao longo da música. Está
bastante conectado ao arranjo, à Teoria da Informação e à Teoria Gestalt.
Que emoções e com que intensidade cada sessão da música oferece? O
contorno é estável e cansativo ou apresenta variações, picos e respiros
interessantes?
Rapidamente, a quantidade de testes pode se tornar grande e, assim,
é muito importante documentar todas as versões: data, equipamentos
usados, principais variações, duração, andamento, tonalidade, forma, letras,
harmonia, reações dos ouvintes.
Com os recursos atuais, facilmente o áudio pode ser picotado e
misturado com outros elementos para agilizar os testes, como batidas
diferentes, estilos modernos e antigos, elementos originais ou datados,
timbres criativos ou clássicos. Se o artista ainda não possui uma identidade
musical, este é um bom momento de construí-la.
Quando ouvimos Santana, reconhecemos que é Santana. The Police,
Dire Straits, Steely Dan, Iron Maiden, Elvis Presley, Bach, Jack Johnson e
Norah Jones. São todos exemplos de grande personalidade musical que
muitas vezes surgiram de experimentações.
É cada vez mais difícil se criar uma identidade musical. Um melhor
caminho talvez seja encaixar-se em um estilo ou nicho de mercado. Mais uma
vez, as referências se tornam grandes aliadas: “gostaria que soasse como
U2", "adoro a percussão daquela música do Jethro Tull", "queria um ritmo
marcante como Down on The Corner do Creedence". As referências ajudam a
equipe a eliminar alternativas, a compreender as intenções do artista. Além
disso, auxiliam o público a se identificar com faixas e artistas, aceleram a
adoção de músicas.
Durante esta fase, é muito prático e eficaz utilizar programação MIDI,
bibliotecas de loops e samplers. Timbres e ritmos podem ser alterados e
"votados" pela equipe. Convide amigos e desconhecidos para testes de
audição para ter uma boa idéia do que a música está passando, antes que as
horas de estúdio sejam agendadas.

A mensagem está clara? Soa como plágio ou lugar comum? É muito
alternativo, de difícil digestão? Qual a primeira reação do público?
A primeira reação pesa muito no sucesso de uma

música. Infelizmente, ela tende a desaparecer para
aqueles envolvidos na produção, cada vez que escutam
a música mais uma vez.
Ao final das experimentações, o produtor deverá ter diagnosticado

profundamente alguns critérios como: clareza, simplicidade, ênfase,
coerência, especificidade e repetição - elementos importantes, embora
inconscientes, para a percepção (e avaliação) dos ouvintes.
Durante os experimentos, deve-se tomar o cuidado para que o artista
não considere as versões-teste como uma produção final. Por várias vezes
tive dificuldade para explicar ao cliente que aquilo que ele estava ouvindo não
deveria ser julgado como produção finalizada, pois ainda estávamos na pré-
produção. Timbres que soam como karaokê, notas fora de tempo, loops e
efeitos “baratos” somente estão ali para o estudo de possibilidades.
É uma questão de recursos: por que gastar tempo buscando o melhor
timbre na sua biblioteca de loops ou quantizando todas notas no groove se
provavelmente aquilo não será reaproveitado? No entanto, é preciso um
mínimo de “realismo” para que se possa comunicar a proposta.
Para cada versão, faça um mixdown do áudio e salve a sessão do seu
software com um nome diferente. Envie o áudio para o artista (ou produtor) e
peça para ele comentar. Ele pode usar o áudio para gravar outro instrumento
por cima, editar a forma, testar vocais.
Por diversas vezes acabei utilizando 90% do tempo total de uma
produção para a pré-produção. Essa é a hora de explorar instrumentos e
idéias que estão engavetadas. É muito provável que, em algum momento, a
equipe se manifestará: “É isso!”. Uma descoberta, um detalhe, que parece dar
forma à música, clareando a visualização do resultado final. Este estalo de
descoberta e confiança tende a ocorrer várias vezes durante a produção,
preste atenção neles pois podem resolver grandes problemas. Agora é hora
de fazer uma gravação-guia!
5. Gravação-Guia
Naturalmente, todas as experimentações e as várias gravações
realizadas durante a pré-produção caminham para uma gravação-referência,
um mix que resume todas as ideias e contém uma estrutura candidata à
forma final. Esta será a versão final da pré-produção.
Às vezes, esta gravação-guia consegue atingir um resultado tao bom
(artístico e técnico) que passa a fazer parte do CD demo (demonstração), do
EP ou mesmo do LP do artista*. Principalmente quando não há orçamento
para se seguir adiante com a produção, ou quando é importante uma rápida
divulgação.
(*EP e LP no sentido de quantidade de faixas, provavelmente o formato será CD ou

arquivo digital MP3 para download)

O CD demo deverá incluir de 3 a 5 canções. O repertório
deveria representar o artista da melhor maneira
possível – estilo, versatilidade e técnica.
Uma demo é útil na divulgação do artista para rádios, casas de show,

editoras, selos, produtores, investidores. O problema é que centenas de CDs
são enviados diariamente para estes caçadores-de-talentos e acabam
esquecidos numa grande pilha. Quando escutados, podem ser rapidamente
descartados se os primeiros segundos da música principal não se mostram
interessantes e muito bem produzidos.
É por isso que, hoje em dia, uma demo está mais para uma produção
final do que para uma gravação-guia.
Na fase das gravação-guia, melhor seria seguir adiante, acabar a
produção de sua música e só então lançar o CD demo, que certamente terá
mais chances de se destacar!
Com a gravação-guia em mãos, é fácil envolver outras

pessoas, expor o trabalho para gravadoras e receber
críticas. No final do dia, a guia comunica as intenções do
artista e da equipe de produção, permitindo que selos e
editoras tenham uma boa idéia do potencial da canção.
A gravação-guia, bem como toda a documentação que a acompanha,

pode ser utilizada pelo compositor (intérprete ou banda) para gravar, mixar e
masterizar em um momento futuro, em outro estúdio ou cidade,
preferencialmente com participação do mesmo produtor.
Eventualmente, até com outra equipe de produção. Se uma gravadora
se interessar pela música, ela poderá oferecer adiantamentos, financiar os
custos de produção, fornecer estúdios e técnicos e até mesmo interferir
diretamente na produção (afinal, está pagando).
Neste momento, a pré-produção está finalizada e irá garantir uma
produção sem grandes falhas ou frustrações. É hora de seguir para o estúdio.
Na fase de captação, artistas e técnicos podem se concentrar na performance.
Com a pré-produção concluída, gastarão menos tempo e dinheiro dentro das
salas de gravação, atingindo resultados surpreendentes.
Utilize a gravação-guia para avaliar a Pré-Produção, afinal, todas as
decisões e informações musicais estão contidas nela. Quantos musipontos
você daria?
Se ainda não considera que atingiu 2 dos 3 pontos, que tal gastar um
pouco mais de tempo antes de iniciar as sessões de gravação? Procure testar
outros arranjos. Lembre-se que retirar elementos costuma ser mais eficiente
do que adicionar.
A música está longa ou curta? Tem um foco claro ou muitas coisas
interessantes ao mesmo tempo que podem confundir o ouvinte? A
composição é boa, se sustenta sozinha ou exige muito da produção?

6. Captação das Bases
Aqui começa a produção propriamente dita, na forma de gravações em
estúdio e/ou programações no computador. Quanto maior o domínio sobre os
aspectos técnicos do estúdio, maior será a atenção dada à interpretação –
que é o grande foco das fases de captação. O intérprete pode fazer toda a
diferença em uma produção, como de fato acontece toda hora com cantores
que parecem ter o “timbre perfeito” para aquela canção. Lembre-se, a seleção
dos intérpretes, os testes e as decisões já deveriam ter sido feitos durante a
pré-produção.
Com exceção de alguns estilos musicais e situações especiais, o
processo de gravação é sempre do tipo multi-pista seqüencial. Cada
instrumentista ou grupo de instrumentistas registra sua parte, a qual será
usada como fundo musical (playback) para a gravação do próximo e assim
por diante. Quem começa e qual o playback do primeiro músico?
As bases costumam ser os primeiros elementos gravados.
Muitas vezes chamadas de "cozinha", constituem os

elementos rítmicos, de tempo e marcação, como
bateria, baixo e violão.
A gravação das bases independe dos solistas (vocais e instrumentos

melódicos de destaque). No entanto, são essenciais para a boa performance
dos mesmos, que virá a seguir. Como um vocalista conseguiria gravar sem
escutar ritmo e harmonia? Qual o momento exato para a entrada do solo de
saxofone? Todo solista precisa escutar a base da música para poder encaixar
sua execução precisamente no ritmo e na harmonia.
A base rítmica inicia a fase de gravações, podendo utilizar um click
(metrônomo) como referência de tempo. Está difícil? Utilize a gravação-guia
como playback, mais uma utilidade para ela! Se tudo correu bem na pré-
produção, a guia está exatamente no tempo, na tonalidade e na forma final
da produção.
Em diversos estilos musicais, a base precisa soar orgânica. A gravação
seqüencial corre o risco de soar artificial e portanto é comum que o baterista,
o baixista e os demais instrumentistas da base gravem juntos, ao mesmo
tempo, na mesma sala, buscando uma maior naturalidade na performance.
A qualidade acústica da sala e o conhecimento dos técnicos pesam
muito na gravação das bases. Na verdade, em todas as captações, incluindo
cobertura e overdubs, que veremos na sequência.
O estúdio deve ser encarado como mais um

equipamento. A diferença é que ele está sempre
funcionando, não tem controles e não pode ser
desligado!
O som que escutamos interage diretamente com a sala e pode sofrer

grandes alterações.

Um tratamento acústico adequado cria um ambiente propício para uma
audição precisa, permite maior controle sobre as gravações e o equilíbrio
sonoro. Uma sala problemática esconderá todo o potencial daqueles
monitores de referência ou daqueles microfones que você acabou de comprar
e não custaram barato.
Melhor gastar tempo dentro do estúdio, testando posicionamentos,
instrumentos e equipamentos, do que perder ainda mais tempo na técnica
durante a mixagem, correndo o risco de nunca atingir o resultado esperado.
As técnicas de microfonação têm um impacto enorme sobre o
resultado final da produção.
Faça o teste: caminhe pelo estúdio enquanto está falando, perceba
como cada posição gera um som distinto. As diferenças podem ser tão
notáveis quanto uma equalização. O som muda como se estivéssemos
aplicando efeitos durante a mixagem.
Antes de experimentar modelos de microfones ou selecionar
equipamentos e plugins que serão aplicados ao áudio, escolha
cuidadosamente a posição do instrumento e do microfone dentro da sala. A
característica acústica da sala determinará quais são as possibilidades (já
experimentou gravar sua voz no banheiro?). Em outras palavras, a
microfonação equivale a utilizarmos diferentes equipamentos nas etapas
subseqüentes. Captar o timbre que se deseja neste momento é a melhor
maneira de se evitar ajustes futuros que não serão tão eficientes quanto uma
acústica realista e natural.
Produtor e técnicos devem estar muito familiarizados com o estúdio e
seus equipamentos para que possam se concentrar na sonoridade, utilizando
seu know-how de gravação. Os equipamentos têm um peso muito menor do
que se costuma imaginar, ficando atrás da acústica, até mesmo da qualidade
da energia elétrica em alguns casos.
No mundo do áudio profissional, sobretudo no Brasil, existe um super-
valorização de equipamentos e softwares. Não caia nesta armadilha! Primeiro
vem o conhecimento, depois as instalações (acústica e elétrica), por último,
os equipamentos. Você ficará surpreso em saber que muitas das grandes
produções que hoje escutamos foram realizadas com equipamentos
extremamente simples, em salas nada ideais. Porém o know-how dos músicos
e dos técnicos falou mais alto.
Você saberá dizer se a base está bem captada se os outros
instrumentistas não tiverem dificuldades para acompanhá-la tocando suas
partes. A levada é compatível com a intenção da música? Os tambores da
bateria foram afinados? (acredite, é raro que se lembrem disso.) A harmonia
conhecida de todos? Todas as sessões da música possuem os acordes
cifrados, em uma partitura, tablatura ou qualquer outra forma de
representação?
Durante as captações seguintes à base, um novo arranjador poderá
participar do processo, adicionando ou substituindo instrumentos, pela falta
de disponibilidade de músicos ou devido a problemas com algum instrumento.
Dessa forma, alguns solistas que não participaram da pré-produção
precisarão ter acesso a todas as informações musicais que sejam necessárias
para suas performances. Documente, anote, organize-se.
Uma base bem gravada é a fundação da música e irá sustentar as
demais performances. O tripé fundamental da música pop moderna é
composto por Caixa-Bumbo-Baixo. Dedique especial atenção à captação
destes elementos (ou aqueles que façam estes papéis).

7. Captação das Coberturas
Solistas e instrumentos melódicos podem agora registrar suas partes
com naturalidade e emoção, encaixando-as perfeitamente sobre a base.
Como o esqueleto da música já está gravado, outros

estúdios e até mesmo instrumentistas de outras
localidades podem participar das coberturas. Esta
possibilidade traz flexibilidade para o projeto.
(isso é especialmente verdade para instrumentos raros, orquestração e naipes que

requerem salas especiais ou artistas especializados)
Vocais podem ser gravados em uma sala enquanto o guitarrista

registra um solo delicado e demorado em outra. Outros elementos menos
fundamentais, que trazem "tempero" e personalidade para a música, também
são gravados nesta fase. Frequentemente, são os Pads harmônicos de fundo
(conhecidos como "cama"), percussões complementares, backing-vocals,
cordas de orquestra, samplers, sintetizadores diversos.
Para que possam escutar a base ao gravar suas linhas, os solistas
receberão um mix de fundo nos seus headphones (ou monitores). É essencial
que este mix tenha um volume adequado e destaque os elementos mais
importantes para aquele solista. Um percussionista pode precisar de mais
bumbo, um vocalista deseja ouvir o piano um pouco mais alto e com reverb.
Um erro comum é enviar um mix muito baixo ou muito alto para o vocalista,
que tenderá a cantar desafinado. O mesmo acontece quando o músico não
consegue escutar a si próprio (“aumenta o retorno!”). Infelizmente, poucos
técnicos e produtores gastam o devido tempo preparando os mixes que
influenciarão diretamente as performances dos artistas.
Quando possível, preferimos gravar as coberturas no mesmo estúdio
das bases, o que irá garantir maior homogeneidade acústica. Nem sempre
percebemos esta vantagem durante as gravações, mas ela torna-se bastante
óbvia nas próximas etapas.
No mundo ideal, todos os instrumentistas tocariam

juntos e um único par de microfones captaria a
“mixagem” final em estéreo. Não precisaríamos dividir
as gravações em etapas e nem realizar mixagens.
Na prática esta situação é improvável, até mesmo impossível em

alguns estilos musicais. Em gravações “ao-vivo”, perdemos o controle das
partes, dependemos de uma performance perfeita dos músicos, há problemas
de vazamentos entre microfones e falta de uma acústica adequada na sala.
Este estilo de produção “minimalista” ainda é bastante comum em
algumas gravações audiófilas de jazz e música erudita, conferindo uma
naturalidade incrível. Vale lembrar que não só os artistas, mas técnicos e
produtores, precisam ter domínio total sobre o processo de gravação para se
fazer uma gravação audiófila “ao vivo”.

8. Overdubs e Rough Mix
Frequentemente, algumas das trilhas gravadas precisam de ajustes.
Uma audição detalhada poderá revelar ruídos de captação, erros de tempo ou
notas desafinadas. Talvez o vocalista estivesse resfriado ou pouco inspirado, a
pele de um tambor da bateria pode ter desafinado ou um cachorro apareceu
latindo bem no meio da bridge.
Os overdubs são regravações de passagens que

precisam ser melhoradas*. Corrigem erros de captação
e permitem a “colagem” de partes para a composição de
uma frase musical perfeita.
(*tecnicamente, podem se referir a qualquer gravação realizada sobre outras)
Quando a linha melódica é complexa ou rápida demais para ser

executada com perfeição em um só take, o processo de overdub permite que
um trecho seja gravado repetidas vezes, em loop. Posteriormente, técnico e
produtor podem montar um take perfeito com as melhores partes de cada
trecho gravado. Esta técnica é conhecida como comping.
Uma sessão de overdub oferece atenção especial ao solista. Grande
parte da equipe está concentrada em uma só performance, um instrumento,
um microfone. Vários takes podem ser gravados em loop enquanto existe
comunicação em tempo real com o artista - comentários, avaliações,
sugestões.
Um perigo é o overdub soar fora de contexto, porque normalmente os
takes são gravados em salas (acústicas) diferentes da originalmente usada
para as bases ou coberturas, com grande espaçamento de tempo. Além disso,
o uso de fones de ouvido e a ausência de outros instrumentistas na sessão de
gravação podem criar um “isolamento” para o músico, dificultando sua
performance. Quanto mais acostumado com o ambiente de estúdio, melhores
as chances do artista desenvolver sua gravação sem dificuldades.
O mix que o artista escuta durante o overdub está agora bem
completo, com base e cobertura. Mas ainda não se trata da mixagem final,
que tomará bastante tempo e atenção na próxima fase. Assim, este “mix
rascunho”, ou rough mix, pelo menos permite que a gravação ocorrendo
neste momento se encaixe no contexto. Os efeitos aplicados sobre o rough
mix e o próprio overdub (como compressão e reverberação) são ouvidos pelo
músico em tempo real, nos seus headphones, ajudando a melhorar sua
interpretação.
O rough mix, ou “mixagem rascunho”, auxilia na

gravação dos overdubs e ainda tem outras utilidades.
Este rough mix é resultado de uma mixagem rápida, simples e

intuitiva, geralmente com participação de muitas pessoas na sala de controle
(técnicos e músicos). Por este motivo, representa o sentimento espontâneo
da equipe durante as sessões de gravação e deverá ser revisitado
regularmente durante a mixagem, para que conceitos e idéias importantes
não sejam perdidos.

Durante os takes, é essencial que o músico tenha total conhecimento
da forma da música, suas entradas e saídas, letras e harmonia, para que o
processo não se prolongue e nem se torne cansativo. A boa comunicação
entre técnico e artista agiliza bastante as gravações e, para tanto, são
utilizados gestos previamente combinados e microfones de talkback. Muitos
overdubs, sobretudo aqueles que não dependem da acústica de uma sala
grande e viva, acontecem dentro da própria técnica e isso colabora bastante
para o entrosamento entre técnico, artista e produtor.
Um ambiente agradável, confortável e criativo retira a pressão do
artista e do técnico, favorecendo a música. Técnicos devem ter especial
cuidado para não interferirem na performance do artista com erros de
operação, preocupando-se em testar e instalar equipamentos com
antecedência.
Da mesma forma, artistas devem respeitar as limitações tecnológicas
(mesmo que aparentemente não existam) entregando uma performance
ensaiada, de alta qualidade, pois raramente “consertar na mixagem” é a
melhor saída. Há um limite do que se pode fazer durante a mixagem. Vale
sempre lembrar que a gravação (performance, captação) tem muito mais
influência no resultado final do que as fases seguintes, como edição e
mixagem.
Nem sempre as etapas de captação (base, cobertura e overdubs)
precisam ser encaradas como processos independentes. Muitos artistas
desempenham nitidamente melhor quando tocam juntos. Mas, naturalmente,
quanto mais complexo o arranjo ou quanto maior a dificuldade de cada frase
instrumental, mais caminhamos para gravações independentes e isoladas.
Neste cenário sequencial, o aluguel do estúdio pode ser planejado para cada
uma das etapas e somente os músicos essenciais para cada take precisam
estar presentes naquele período de gravação.
O produtor (ou técnico) pode realizar um mixdown das trilhas já
gravadas para que todos possam escutar em casa, no carro ou no próprio
estúdio. É uma boa ideia exportar a sessão do software (DAW) para o
desenvolvimento de rough-mixes fora do tempo de estúdio.
O setup de gravação - conexão de cabos e equipamentos, preparação
da sessão no computador, seleção de microfones, posicionamento de
instrumentos e amplificadores, técnicas de microfonação – costuma tomar
muito tempo. Idealmente, um assistente de já estaria familiarizado com as
necessidades de cada faixa e take através de uma reunião prévia com o
produtor. Alguns estúdios oferecem uma tolerância de tempo para montagem
e desmontagem, outros permitem a realização do setup na noite anterior.
Informe-se com o seu estúdio e certifique-se de que o produtor está a
par de todos os detalhes que envolvem a operação – horários de
funcionamento, taxas especiais em horários alternativos, pausas para
refeições, políticas de acesso de pessoas, equipamentos disponíveis e seu
estado de funcionamento, disponibilidade de um técnico de gravação,
formatos de áudio, vazamento de ruídos, backup de arquivos e transferência
de dados.
A música deveria soar relativamente bem logo após as gravações, no
rough mix, sem precisar de muitos efeitos, equalização etc. Demorei muito
tempo para aprender esta lição. Se não soar bem* neste momento, é sinal de
que ainda é preciso realizar outras gravações, possivelmente voltar à pré-
produção e adiar as sessões de mixagem.
(*”bem” não significa “finalizado” ou “comercial”, com prática, aprendemos a julgar os
takes nesta fase da produção, entendendo que não precisam soar lapidados, mas sim
convincentes)

Todas as trilhas foram analisadas do começo ao fim? Há consistência
nos takes, principalmente entre aqueles de um mesmo instrumento ou voz?
A avaliação das gravações pode ser feita através da audição do rough
mix. Elas merecem 0, 1 ou 2 musipontos? Nas suas primeiras produções, é
bem difícil conseguir um som “profissional”. Não existe uma receita, senão
seria fácil ensinar e aprender. O som final é resultado de muitos fatores:
músicos, sala, instrumentos, equipamentos, posicionamento, técnico...
9. Mixagem
sta etapa só deve começar quando todas as captações estiverem
concluídas, editadas e compiladas. Mixar, na verdade, nada mais é do que
misturar.
Cada gravação foi registrada em uma trilha distinta no

computador ou fita. Durante a mixagem, várias trilhas
tocam ao mesmo tempo enquanto o técnico mistura a
proporção (volume), a posição (esquerda, fundo, etc.) e
os efeitos de cada uma delas, buscando clareza,
impacto, interesse.
A mixagem não precisa ser estática! Um instrumento podem variar de

intensidade durante a música, mudar de posição, parar de tocar ou soar com
outro timbre em algumas partes da música. Essa imensa gama de
possibilidades faz com que cada mix seja diferente do outro.
A grande lei da mixagem é que cada elemento precisa ter um
propósito bem definido, para se evitar congestionamento de informações. Via
de regra, menos é mais. Nossa tendência é adicionar para enriquecer,
enquanto que retirar pode ser o melhor caminho quando se deseja criar
variedade e interesse.
Durante as gravações, provavelmente técnico e produtor fizeram
alguns rough mixes para facilitar overdubs e coberturas. Estes mixes possuem
um grande valor e podem ser usados como referência durante a mixagem,
assegurando que a proposta original não seja esquecida. Se o rough mix não
estiver suficientemente desenhado para servir de base para a mixagem que
se inicia, o produtor criará um neste momento.
Um excelente indicador da qualidade da pré-produção (e das
gravações) é conseguir fazer um rough mix em poucos minutos, no qual
todas as trilhas estejam audíveis e claras, sem a necessidade de explorar
intensamente recursos da mesa (real ou virtual). Se o rough mix está soando
bem então as trilhas devem estar mais do que prontas para serem mixadas.
Se houver tempo, peça que cada músico da banda faça sua própria
mixagem. Os resultados podem ser surpreendentes! Há diversos casos de
produções que acabaram utilizando um rough mix como versão final da
mixagem, porque não conseguiram criar uma mais interessante depois.
Mixar é um processo tanto artístico quanto técnico. O engenheiro
(técnico) de mixagem, juntamente com o produtor, pode levar a produção
para caminhos totalmente distintos e até irreconhecíveis. Por isso é
importante revisitar, de tempos em tempos, o registro original, a gravação-
guia, o rough mix e as referências fornecidas pelo artista.

Quatro diferentes domínios são explorados durante a mixagem:
Volume, Espectro, Panorama e Profundidade. Qualquer atividade realizada
durante o mix, inevitavelmente vai interferir em um ou mais destes domínios.
O conceito de “mixagem” costuma ser confundido com criação,
gravação, até mesmo com a produção. Na verdade, trata-se apenas de uma
das etapas e deveria ser realizada na ordem proposta neste manual. Se a
mixagem começar a modificar profundamente a forma ou a instrumentação
da música, estará de fato fazendo o papel de pré-produção, podendo
influenciar muito mais no resultado final, mas normalmente de uma maneira
negativa.
Um dos aspectos mais importantes da mixagem é a correta
monitoração, afinal técnico e produtor farão muitas decisões baseadas no que
estão ouvindo. O que escutam deve representar com fidelidade o que está
gravado. Pode parecer óbvio, mas é comum o sistema de monitoração (sala,
amplificadores, monitores, posição de audição) ser menos do que aceitável,
refletindo em erros que serão revelados mais tarde, na masterização.
Uma monitoração deficiente modifica a percepção de timbres,
profundidade, panorama, detalhamento, ruídos, efeitos, equilíbrio. Mais uma
vez, o desempenho acústico da sala se mostra a variável mais importante,
juntamente com ouvidos bem treinados.
O técnico tem papel crucial no fluxo da mixagem. Um profissional
experiente conhece as linguagens do meio e pode se comunicar facilmente
com artistas e produtor. A economia de tempo e esforço é grande, ainda mais
se há domínio sobre os equipamentos. Sua atenção deve estar voltada para
os aspectos técnicos da produção, e não ao funcionamento de hardware e
software. Há produtores que sempre trabalham com o mesmo técnico, pois
reconhecem as vantagens de uma boa interação dentro da sala de controle.
A familiaridade do técnico com a sala, bem como as

características acústicas da monitoração, têm grande
peso no resultado. Não é por acaso que as produções
caseiras não costumam soar tão bem.
Além de volumes (níveis) e panorama (esquerda-centro-direita), os

processamentos mais comuns durante a mixagem são:
● Equalização – corretiva e criativa, retira excessos ou

compensa faltas. Modifica o equilíbrio entre as freqüências (graves,
médios, agudos), destacando elementos, corrigindo timbres ou
evitando o congestionamento no espectro sonoro. Nossos ouvidos têm
dificuldade para separar informações e a mixagem precisa auxiliar
neste processo. EQ é uma das ferramentas disponíveis durante o mix.
● Compressão – basicamente, controla as variações de volume
de uma trilha ou conjunto de trilhas. Alguns estilos musicais pedem
maior uniformidade – pouca diferença entre os sons baixos e altos -
daí o nome “compressão”. Compressores são comumente mal
utilizados e podem acabar com a dinâmica natural da música.

● Reverb/Delay – os sons naturais que escutamos resultam da
soma do som direto com reflexões do ambiente. Algumas reflexões
são mais notáveis, outras formam um “rastro” de som. Estas
informações influenciam diretamente na nossa percepção de distância,
tamanho de sala, naturalidade etc. Delays e reverbs artificiais podem
melhorar o realismo, a espacialidade e o impacto de instrumentos,
muitas vezes colocando-os numa mesma “sala virtual”.
O mix final é avaliado pela equipe de produção e pelos artistas numa

sessão de audição. Profissionais da gravadora também costumam participar
desta sessão. O áudio final, normalmente em estéreo, é gravado com alta
qualidade em um formato confiável e de fácil manipulação pelo engenheiro de
mixagem.
Antigamente, o mixdown (ou bounce) era realizado em tempo real,
através de um console de mixagem. As trilhas, já editadas e sincronizadas
entre si, eram tocadas simultaneamente enquanto o engenheiro de mixagem
(auxiliado por outras várias mãos) operava os inúmeros controles de volume,
panorama, mandadas de efeitos, equalizadores e compressores.
Com a evolução dos consoles, várias destas operações passaram a ser
automatizadas. As variações durante a música, sobretudo os faders de
volume, podiam ser planejadas e programadas com antecedência. Durante a
gravação do mix final, estes controles moviam-se “sozinhos” através de
motores, facilitando o trabalho e melhorando a precisão do mix.
Hoje em dia, além de podermos automatizar virtualmente qualquer
controle dentro do computador, também não é mais necessário que se utilize
um console de mixagem grande, caro e faminto de manutenção regular. Há
quem ainda prefira fazer a mixagem “out of the box”, ou fora do computador.
Nesses casos, o computador funciona como um gravador multi-pista
(fornecendo as trilhas para o console) e como um gravador estéreo
(recebendo o mixdown de volta).
As razões para se utilizar um console externo podem ser variadas.
Muitos engenheiros trabalharam anos e anos com um determinado console e,
de fato, tendem a ser muito mais práticos, rápidos e precisos quando utilizam
suas mãos, ao invés de mouse e teclado. Outros alegam que a qualidade do
áudio é incomparável, recusando-se a mixar digitalmente.
Particularmente, não acredito na diferença de qualidade de áudio.
Conforme vimos anteriormente, diversos fatores influenciam no resultado
final, e não apenas uma das etapas, ou um equipamento em particular. Minha
sugestão é que o técnico utilize o método com o qual se sente mais
confortável. Também é possível utilizar superfícies de controle externas que
“simulam” um console de mixagem e trazem os benefícios dos dois mundos.
Este registro da mixagem final, copiado e arquivado, chama-se de
“master mix”. No futuro, as eventuais remasterizações para formatos variados
(incluindo aqueles que ainda nem existem), serão feitas a partir dele. Quanto
melhor a qualidade de áudio do master mix, maiores e melhores as
possibilidades de masterização para diferentes formatos e públicos: CD,
SACD, vinil etc.
Um dos erros mais comuns durante mixagem é adiantar-se e tentar
“masterizar” o mix final na mesma etapa. Assim como não é recomendado
cortar o próprio cabelo, a masterização deve ser feita por um outro
profissional que esteja menos envolvido no processo de produção e ofereça
uma visão externa, treinada, mais objetiva e sem influências.

Não se preocupe caso a mixagem não esteja soando tão alta ou
finalizada quanto um CD comercial. Evite utilizar compressores e limitadores,
sobretudo no barramento master L+R. Às vezes, o som está bom no estúdio
mas não soa tão bem no carro. Melhor do que tentar corrigir estas
deficiências, o que pode tomar muito tempo, inclusive prejudicar o áudio
ainda mais, encare-as como algo normal do processo e siga para a próxima
etapa.
10. Masterização
Se a produção caminhou bem até este momento (e somente se
caminhou bem), este último musiponto (mix+master) é fundamental! Sendo
apenas um ponto, nunca poderá elevar uma produção de 4 para 8, mas pode
sim transformar uma música 5 em 6 ou outra 7 em 6 – neste último caso, um
verdadeiro desperdício. Costumo dizer que a função da mixagem e da
masterização é fazer jus à produção, simplesmente não estragar o que foi
feito nas etapas anteriores.
Na verdade, uma produção 7 que tenha uma deficiente masterização
(ou mixagem, nota 0 no último quesito) é de fato uma produção 8. Considero
que o ponto de mix/master é quase uma obrigação. Trata-se de um ponto que
pode ser conseguido, em último caso, com dinheiro - basta contratarmos bons
profissionais. Por outro lado, nem sempre o dinheiro poderá melhorar a nota
de uma composição.
A masterização é talvez uma das atividades mais especializadas e
menos compreendidas na produção musical. Muitos acreditam que seja a
principal responsável pela sonoridade final de um CD. Outros imaginam que é
uma etapa desnecessária, a qual somente as grandes produções burocráticas
tenham acesso. Pior ainda é pensar que pode ser realizada por algum plugin
mágico.
Pecar na masterização é como servir um sofisticado prato da culinária
francesa em um marmitex de alumínio - não faz o menor sentido e
certamente desvaloriza o produto. Teremos uma apresentação prejudicada,
menor interesse, pior experiência de consumo, até mesmo outra percepção
de sabores.
A masterização tem várias funções e algumas das principais são:
● Uniformizar as faixas de um disco para que soem como partes

de uma mesma obra, sem diferenças abruptas. Ex.: volumes e
equilíbrio tonal.
● Melhorar a inteligibilidade e o punch do áudio, sem causar
distorções.
● Preparar a mídia master para ser duplicada, adicionando
códigos e informações técnicas, arte, encarte, tags etc.
● Verificar a confiabilidade e compatibilidade das cópias com
equipamentos reprodutores dos consumidores.
● Testar a “tradução” do áudio em diferentes sistemas de
reprodução, simulando a experiência final de diversos usuários.
● Minimizar as possíveis falhas de mixagem.
● Consertar erros de edição (ruídos, clicks, pops).
● Definir a seqüência das músicas no disco (contorno emocional).

● Agregar fade-ins e fade-outs nos extremos das faixas.
● Converter com alta qualidade o áudio para os formatos
desejáveis (CD, vinil, MP3, SACD, DVD).
● Criar versões alternativas, com outros timbres e durações
(rádio, club, audiófila, cinema, TV).
Para realizar todas estas tarefas, o experiente engenheiro de

masterização precisa de sala e ferramentas especializadas, capazes de revelar
todos os detalhes do áudio. Não vamos nos enganar – mesmo que possamos
realizar nossas próprias gravações e mixagens, dificilmente seremos capazes
de masterizar com qualidade. Trata-se uma atividade muito especializada,
como deveriam ser todas as demais atividades, e talvez por isso as produções
antigas tivessem uma qualidade média superior.
Equipamentos próprios para a masterização oferecem

uma precisão “cirúrgica” que raramente existe nas
salas de mixagem. Por outro lado, ouvidos treinados são
capazes de identificar problemas e encontrar soluções.
A isenção emocional do masterizador vem a calhar, tornando-se uma

das principais razões para contratarmos um terceiro. Sempre recomendo que
a masterização seja entregue a um especialista. Ele não esteve envolvido na
produção e seus julgamentos serão mais objetivos, representando mais
fielmente a futura percepção do consumidor. O produtor pode e deve
acompanhar a sessão de masterização (que costuma levar poucas horas),
para garantir que as decisões técnicas não comprometam as intenções
artísticas do projeto.
Em termos de áudio, a masterização tem a função de

fazer a música soar “finalizada”, entregar uma
sonoridade que costuma dividir os amadores dos
profissionais.
Poucos segundos de audição podem revelar se a masterização foi

cuidadosa e precisa. A maneira mais fácil de fazer este julgamento é notar se
o som é natural, favorecendo a música, sem interferir. Uma arte
“transparente” que não deveria ser notada (mais uma vez, isso significa que o
mix já deve soar muito bem antes da masterização).
Como dissemos no começo do livro, para todos nós é muito mais fácil
fazer julgamentos do que criar produtos para serem julgados. Tentar prever a
reação do público não é nada fácil. A masterização é um ótimo exemplo desse
fenômeno. Não precisamos ser especialistas em dinâmica, equilíbrio tonal e
nem possuir um sistema Hi-End para perceber se uma música está soando
“profissional” ou não. A grande dificuldade está no sentido oposto: fazer as
modificações necessárias com precisão e rapidez, sem comprometer outros
elementos da música, de modo que os ouvintes avaliem o resultado final
como bom e profissional.

Demorei muito tempo para entender e aceitar esse dilema. Foi
somente depois de projetar minha própria sala de masterização, fazer testes,
ajustá-la, masterizar diversos trabalhos e me frustrar várias vezes que
percebi a importância dessa etapa. Mesmo assim, havendo orçamento do
cliente, prefiro delegar esta etapa para um profissional especializado,
principalmente quando participei das gravações e da mixagem.
Há alguns anos, aprendi uma técnica reveladora sobre a masterização.
Nossa audição é extremamente complexa (a ponto de alguns fenômenos
percebidos pelo cérebro ainda não estarem completamente explicados), mas
uma coisa parece ser bem conhecida sobre o comportamento dos ouvintes:
preferimos os sons mais altos!
Trata-se de uma ilusão, um truque do cérebro. No começo gostamos,
mas após alguns segundos de audição, outros fatores começam a influenciar
em nossa percepção e eventuais distorções ou problemas de equilíbrio
começam a gerar fadiga auditiva, diminuem o interesse do ouvinte. Eis o que
aprendi: sempre comparar dois trechos de áudio no mesmo volume!
A Produção está Concluída!

Com o produto em mãos, o artista pode agora divulgar e vender seu
trabalho.
As etapas que seguem a produção (conhecidas como pós-produção)
envolvem temas como marketing e distribuição. Eventualmente, podem ser
gerenciadas por agências especializadas, departamentos de selos ou
produtores executivos. Música que não é ouvida não é música! Seu produto
precisa ser divulgado, com criatividade e consistência, seja qual for seu
público, sua ambição ou orçamento.
Antes de mais nada, informe-se sobre os procedimentos para registro
do fonograma. As composições já devem estar registradas, evitando disputas
futuras sobre a autoria. Agora estamos lidando com uma nova manifestação
da composição, uma produção específica, em um determinado arranjo e
interpretação, onde participaram diversos profissionais, músicos e técnicos.
Tudo isso caracteriza um fonograma e um responsável (produtor fonográfico).
Essa master pode e deve ser registrada, inclusive recebendo um
número único de identificação mundial, conhecido como ISRC (International
Standard Recording Code).
Muitos artistas se esquecem de dar os devidos créditos à equipe de
produção, no encarte do CD, no site ou no arquivo MP3. O requerimento de
ISRC exige um listagem de participantes, porém, mais importante, é
compreender direitos e deveres, discutir participações, porcentagens e
direitos conexos entre todas as partes - autor, intérprete, técnico, produtor,
gravadora etc. Eventualmente, contratos serão necessários, bem como
assessoria jurídica. Advogados especializados em direitos autorais podem
ajudar nestas questões, que nem sempre são claras.
No meu entendimento, mais do que garantir as merecidas rendas para
cada participante da produção, a clareza contratual e as discussões deixarão
todos os envolvidos confortáveis com as decisões. Isso é muito importante
para a confiança e a dedicação em trabalhos futuros.
A pós-produção deve se concentrar na exposição do produto. De nada
adianta ter um CD em mãos, com produções de alto nível de qualidade
técnica e artística, se apenas poucas pessoas terão acesso.

Ofereça downloads gratuitos, talvez apenas de uma música, de trechos
ou versões de baixa qualidade de áudio. Distribua CDs gratuitos, faça com
que seu produto seja escutado por pessoas influentes que trabalham em
rádios e gravadoras. Ele precisa de uma boa apresentação gráfica, um release
do artista com contatos e informações sucintas e claras. O que mais pode ser
adicionado à música para se criar diferenciação? Encartes, fotos, vídeos,
convites para um show? Quais são as revistas, publicações, sites e programas
de TV que poderiam se interessar?
A Internet é democrática mas precisa ser utilizada com sabedoria. Por
um lado, os meios digitais criaram uma concorrência sem precedentes,
bombardeando os consumidores com todo tipo de informação e produtos de
qualidade variada. Por outro lado, permitiu que artistas e produções que
estão fora do circuito mainstream pudessem ser expostos, em busca de um
público interessado. O grande segredo é encontrar esse público, conseguir
sua atenção e ter uma chance de ser escutado.
Na seqüência, mais detalhes sobre a Escala Musipontos

e sua aplicação nas músicas atuais.
Por Dentro da Escala Musipontos

Discutidas as etapas da produção, acredito que seja mais intuitivo
entendermos os pesos e a influência de cada fase na avaliação final da
música. Como vimos, do resultado final:
● 40% provém da Composição

● 30% da Pré-Produção
● 20% da Gravação
● 10% da Mixagem / Masterização
---------
100% Total
Neste ponto, não deve ser difícil compreender porque a composição

pesa tanto. Afinal, ela sempre foi e sempre será a matéria prima da música.
Infelizmente a pré-produção não costuma ser tratada com uma etapa
isolada, estando embutida parcialmente na composição, gravação e até na
mixagem. Como vimos neste manual, recomendo que ela seja encarada como
um processo à parte. Os benefícios são grandes e imediatos. Ao longo do
livro, imagino que você tenha percebido a importância e o funcionamento da
pré-produção.
A fase de gravação pode enriquecer uma produção, através das
nuances da interpretações, da qualidade do áudio e dos procedimentos que
focam na performance dos artistas. Naturalmente, o que foi criado
(composição) e ajustado (pré-produção) é mais importante do que o registro
em si. De fato, cada fase tem o poder de “destruir” tudo o que já foi feito,
mas nunca salvar o que foi mal feito.

O peso de mixagem / masterização pode parecer pequeno, mas deve-
se notar que, em nosso contexto, a mixagem deveria somente “mixar”, e não
realizar atividades que foram esquecidas ou mal realizadas nas fases
anteriores.
Da mesma forma, masterizar significa apenas formatar um produto
para um determinado público.
Vimos que um ponto a mais na avaliação de uma música pode fazer
toda a diferença, colocando-a em um grupo seleto de produções. Quanto mais
anterior a etapa, mais difícil será conseguir um ponto adicional. Em outras
palavras, é mais fácil (rápido, barato, acessível) conseguir um bom mix do
que realizar boas gravações.
Na ordem de prioridades, uma música bem pré-produzida e bem
gravada será facilmente mixada e masterizada, atingindo uma boa pontuação.
Por outro lado, uma excelente masterização de um mix perfeito de uma
música nada interessante terá uma baixa pontuação.
Recapitulando, cada etapa tem um certo peso na avaliação final:
● Composição – 0 a 4 pontos
(muito simples, simples, boa, ótima, genial)
● Pré-Produção – 0 a 3 pontos
(nula, razoável, bem feita, impecável)
● Gravação – 0 a 2 pontos
(experimental, amadora, profissional)
● Mixagem / Masterização – 0 ou 1 ponto

(deficiente, consistente)
________________
Máximo: 10 pontos
O estudo da escala nos faz perceber o seguinte:
● A composição é o elemento de maior peso no resultado final e

aquele que mais pode contribuir para a avaliação final da música.
● Ao mesmo tempo, depende das próximas etapas para atingir
uma soma alta de musipontos. Isoladamente, uma composição não
pode passar de 4 pontos.
● Cada etapa é menos importante que a anterior, embora seja
fundamental para a avaliação final.
● A maior quantidade de esforço, tempo e investimento deve ser
alocada às primeiras fases. Quando estas atingirem seu máximo
potencial, é hora de seguir para a próxima, na tentativa de agregar
musipontos.
● Para uma determinada produção, deve-se conhecer o potencial
e limite de cada etapa, buscando o melhor equilíbrio entre esforço e
resultado. Pra que contratar o melhor engenheiro de mixagem da
cidade se nunca chegaremos a 5 pontos?

● Quanto mais pontos uma etapa receber, maiores as chances de
conseguirmos uma boa pontuação na seguinte. Cada etapa influencia a
próxima. Em outras palavras, uma pré-produção dificilmente atingirá 3
musipontos se a composição vale 1.
Para fins práticos, vamos considerar que não existem notas quebradas.
Assim, cada música tem 10 graus de avaliação (1, 2, ...10). Não consigo
imaginar uma música que tenha 0 (zero) musipontos, embora você deva
concordar comigo que algumas que conhecemos estão bem próximas!
Exemplos:
● Uma composição primordial (4), que não foi pré-produzida (0),
relativamente mal gravada (1) e bem mixada (1), somaria apenas
4+0+1+1=6 musipontos, o que é um grande desperdício de talento!
● Uma composição razoável (2) e muito bem produzida (2 pré +
2 rec + 1 mix/master) atingirá uma nota 2+2+2+1=7, definitivamente
se destacando da média de mercado.
●Uma composição fraca (0) pode até ser bem produzida (4), mas
nunca será mais do que "mediana" (esta parece ser a receita atual:
investir muito nas últimas etapas, inundando o mercado com produtos
similares, enjoativos, supérfluos e descartáveis).
● Uma produção top (7 ou mais musipontos) requer excelência
técnica e artística em todas as etapas. Não basta ser apenas uma boa
composição ou ser masterizada na Sterling Sound.
● Quando uma excelente composição (4) é bem pré-produzida
(3), o resultado é ótimo (7), mesmo que não esteja muito bem mixada
ou masterizada. Porém, um cuidado adicional nestas últimas etapas
poderia consagrá-la como um clássico.
Muitas de nossas canções preferidas estão longe de ser referências de

um áudio limpo, bem gravado ou mixado. No entanto, são produções
equilibradas - com boas pontuações em todas as etapas – e, antes de mais
nada, músicas interessantes!
Aproveite para praticar, ligue o rádio na sua estação favorita. Você

consegue identificar músicas que se encaixam nos exemplos acima?
Uma composição genial: ____________________________________
Por que é genial?
________________________________________________________
Outra razoável que poderia ser melhor produzida: ________________

Que falhas de produção são notáveis?
________________________________________________________
Uma fraca que se destaca pela produção: _______________________

Por que esta produção funciona?
________________________________________________________

Cenário Musical - A Verdade Nua e Crua
A escala musipontos foi concebida de maneira que as notas sigam um
padrão de distribuição normal. Este tipo de distribuição é bastante comum na
estatística e representa com boa fidelidade diversos fenômenos naturais.
Por exemplo, se estudarmos o peso de 1500 pessoas selecionadas ao
acaso em uma população,
teremos um gráfico parecido
com este:
A maior densidade (ou
ocorrência) acontece em
torno de 70kg, caindo
simetricamente conforme nos
afastamos da média no centro
do gráfico (70kg). Esse tipo
de curva ou decaimento
caracteriza uma “distribuição
normal”, um dos modelos
estatísticos mais comuns e
naturais. Uma distribuição
normal, como esta, tem
algumas particularidades:
A grande maioria dos valores encontra-se em torno da média

●
(88% das pessoas pesam entre 55 e 85kg).
● Nos extremos, a proporção de valores é pequena: abaixo de
48kg=1,2% e acima de 92kg=1%.
● Embora 70kg seja o valor mais comum (média), ele não é
exatamente a “média aritmética” da população. Ou seja, o peso das
pessoas não varia de 0 a 140Kg, existem casos acima disso e nenhum
abaixo de 20kg.
Da mesma forma, no caso da Música, existe uma nota média ao redor

da qual a grande maioria das canções se encontra. Há poucas músicas com
nota muito alta ou muito baixa e quanto mais distante da média, menor é a
ocorrência. Qual seria esta nota média?
Como vimos, não é porque as notas variam de 0 a 10 que a média é
necessariamente “5”. Existe um valor que é o mais frequente, onde há maior
ocorrência de músicas.
Minha teoria é que a nota média tem diminuído

consistentemente nas últimas décadas. Não seria o
momento de reverter a situação?
A qualidade média das músicas lançadas no mercado está cada vez

menor. Não é difícil entender este fenômeno se nos dermos conta de que a
cada dia, existem mais pessoas produzindo música e menos especialização. A
consequência natural é que a média diminua, embora obviamente, ainda
existam várias canções excelentes.

Se voltássemos à época de Mozart, veríamos que compositores,
instrumentistas, arranjadores, maestros e demais profissionais da Música
costumavam estudar por muitos anos, dedicando-se integralmente à
profissão.
Relativamente, havia poucas pessoas produzindo música e acesso
restrito às escolas e aos mestres. Não era nada fácil se encontrar músicos e
instrumentos. A exigência do público certamente era maior, enquanto
patrocinadores abonados incentivavam a criação musical. Mesmo assim, boa
parte da obra de Mozart nunca conseguiu destaque, sendo praticamente
desconhecida até o presente.
Atualmente, qualquer pessoa com acesso a um computador pode
rapidamente aprender a criar música. A quantidade de estilos e a liberdade
criativa são muito menos limitadas. Existem inúmeros nichos de mercado e
graus de exigência, as músicas podem ser mais descartáveis e,
proporcionalmente, poucos profissionais chegaram a estudar técnicas de
produção a fundo. O resultado inevitável é a baixa qualidade média.
Se você pedir para amigos e parentes escreverem uma lista de
músicas preferidas, é muito provável que a muitas delas sejam da década de
60 (ou até mais antigas), várias dos anos 70 e 80, algumas dos anos 90 e
outras poucas do século XXI. Isso também explica a grande quantidade de
remixes de músicas famosas que estamos vivenciando nos últimos anos.
Repare nas músicas das festas de casamento, dos grandes eventos
públicos - os clássicos são eternos e dificilmente são substituídos por músicas
mais modernas. É raro encontrar músicas atuais muito bem avaliadas (seja
na escala musipontos, por críticos especializados ou indicadores de paradas
de sucesso). As chances de se serem escutadas no futuro e se tornarem
clássicos praticamente não existem. Na verdade, muitas delas caem no
esquecimento após poucas semanas.
Não acredito que este seja um problema particular da Indústria
Fonográfica. Provavelmente nos alimentamos com menos qualidade do que há
alguns anos atrás. Temos menos tempo para nos dedicarmos a estudos e
projetos específicos. A cada dez filmes que assistimos, recomendamos apenas
um para os nossos amigos.
O momento é de reflexão: continuar este movimento de banalizar as
artes e a qualidade de vida (que parece ser cíclico na história da humanidade)
ou resgatar valores, preparando o terreno para uma reviravolta nos próximos
anos?
Muitas vezes a dificuldade é justamente avaliar. Como saber se algo é
bom ou ruim quando não temos referências? Como um jovem de 14 anos
pode julgar uma gravação se suas referências são MP3 extremamente
comprimidos reproduzidos em fones de ouvidos baratos? Como ele poderia
avaliar uma composição, seus recursos musicais e poéticos, se as bandas que
escuta tocam sempre os mesmos acordes, com o mesmo som e estilo?
Na qualidade de apreciadores da música, temos a responsabilidade (ou
mesmo a obrigação) de educar o próximo. Entregar referências para que
façam seus próprios julgamentos. A citação “sorte dos ignorantes, que se
contentam com pouco” talvez seja verdade. Mas para mim, sorte mesmo é ter
a oportunidade de sempre conhecer coisas novas, comparar, aprender, ser
impactado por uma música, um livro ou um filme que marca um momento.
Por que transformar “vivência” em “sobrevivência”?
Que tal começarmos a avaliar músicas sob uma nova ótica, criando
nossas próprias referências e julgamentos? Incentivar o debate e
desenvolvimento do mercado? Continue lendo!

Avaliando Músicas com Musipontos
Dividindo a linha de tempo entre passado e presente, a distribuição de
musipontos para as músicas existentes poderia ser aproximada pelos gráficos
abaixo. Naturalmente, trata-se de apenas de uma teoria, concebida por
observações, pesquisas e experiências.
A curva preta
representa a densidade (ou
ocorrência) de músicas com
uma determinada nota.
Repare, por exemplo, que no
passado, 40% das músicas
tinham nota 6. Hoje em dia,
apenas 5% delas atingem
esta pontuação na escala.
A região destacada
como “TOP 20%” é o grupo
das melhores e mais
conhecidas músicas
existentes em uma
determinada época. Note que
este grupo engloba todas as
músicas a partir de uma
determinada nota, até o
máximo de 10 musipontos.
No gráfico inferior (época
atual), pode parecer que não
existem músicas com mais
de 7 pontos. Elas existem,
mas a porcentagem é muito pequena para ser visualizada nesta escala. Em
outras palavras, no passado a música precisaria de pelo menos 7 pontos para
aparecer nas posições altas das paradas de sucesso. Hoje em dia muitas
músicas 5 ocupam estas posições.
As top 20% têm uma particularidade importante: representam a
grande maioria do que é exposto ao público, pelas rádios, TVs, sites, lojas do
varejo etc. Seriam os tradicionais hits, que hoje em dia duram apenas 2
meses, por falta de uma nota suficientemente alta.
Este fenômeno é conhecido como Lei de Pareto. Esta lei explica, por
exemplo, porque 20% do seu tempo de trabalho gera 80% dos resultados. Ou
então, que 20% dos produtos de uma loja geram 80% de sua receita. Aqui
está um fenômeno comum em diversas áreas da ciência que também
funciona na música.
Em qualquer que seja a mídia, o espaço disponível para a exposição de
canções é limitado e é por isso que as rádios tocam, em média, 20% do
repertório durante 80% do tempo. Este seleto grupo, que tem alta exposição
ao público, está em constante mudança, variando conforme a época.
Estar entre as top 20% aumenta consideravelmente as chances de
sucesso, mas não significa que a música seja excelente nem mesmo que
sobreviverá por muito tempo. Repare no gráfico como as top 20% de
antigamente possuíam notas melhores. Estar fora do topo não é
necessariamente ruim, muitas músicas menos conhecidas encontram seus
nichos fiéis e acabam gerando bastante renda e reconhecimento para o
artista.

Estatisticamente, as canções com 8 ou mais musipontos (região verde
do gráfico) tendem a se tornar clássicos - agradam várias gerações e nunca
desaparecem. Aquelas com 3 ou menos pontos podem ser consideradas muito
fracas, experimentais, sem qualquer possibilidade de serem apresentadas
como produto finalizado.
Embora a média tenha abaixado relativamente pouco nos últimos
anos, as conseqüências são muito maiores do que parecem:
● No passado, as top 20%, ou 200 em cada 1000 músicas,
possuíam 7 ou mais musipontos. Atualmente, apenas 0,2% - 2 em
cada 1000 - atingem esta nota e podem causar repercussão, atraindo
gravadoras e movimentando um bom volume de vendas. Vender mais
do que 1 milhão de cópias é raríssimo hoje em dia, mesmo porque boa
parte deste grupo possui apenas 5 musipontos. A nossas referência de
boa música - aquilo que escutamos todos os dias - definitivamente
caiu de nível.
● Antes, surgia um clássico a cada 200 músicas produzidas. Hoje,
são necessárias mais de 335.000 músicas lançadas no mercado para
que uma se torne “imortal” (0,0003% das produções). Dependendo do
mercado, isso pode significar meses ou anos de lançamentos até que
uma música deste porte apareça. De fato, quantas músicas lançadas
no último ano podem ser consideradas um clássico?
O ritmo de produção aumentou – o volume de lançamentos
●
quase triplicou nos últimos anos - mas não dá conta de criar
megaproduções com a mesma frequência de antes. Em 2009, foram
mais de 100.000 títulos (álbuns) - aproximadamente 1 milhão e 200
mil músicas novas no mercado - mas nem por isso tivemos músicas
mais duradouras, lucrativas ou influentes.
● Com o aumento de oferta e a queda de qualidade, diminuem os
orçamentos de produção e o ciclo se mantém, cada vez pior.
Atualmente, 1/3 das produções é lançado por selos independentes,
que não possuem o mesmo poder de financiamento. Em média, um
álbum lançado não vende mais do que 15.000 (majors) ou 500
(independentes) cópias.
● Apenas 0,5% das músicas era considerada muito fraca. Nos
tempos atuais, 30% dos lançamentos teriam avaliação menor ou igual
a 3 na escala musipontos. Não é um exagero dizer que 1 em cada 3
músicas atuais é claramente descartável. Mesmo as mais populares,
com milhões de downloads e pageviews no YouTube, dificilmente são
produções de 8 ou 9 pontos.
Concluímos que uma queda de 2 pontos da nota média

implica numa ocorrência MUITO menor de boas
produções no mercado. Lojas, sites, TVs e rádios
contam hoje com um acervo de qualidade inferior.
Conseguir um ponto a mais pode significar sair de um grupo onde

estão 70% das músicas e migrar para o grupo das 30% melhores. Mais um
ponto e fará parte do seleto clube das top 5%, com altíssima exposição,
potencial de renda e tempo de vida! Vale a pena investir na produção? Sem
dúvida! Mais do que nunca, para cada uma das etapas, é importante planejar,
preparar orçamento, contratar profissionais e definir cronogramas.

Lembre-se:
● 5 musipontos já é um bom resultado! Esta deveria ser a meta
de qualquer produção levada a sério. Raramente artistas e produtores
iniciantes atingem 6 ou 7 pontos.
● Conseguir avaliar uma música com precisão não é o objetivo da
escala, mesmo porque, durante uma avaliação, sempre haverá um
pequeno fator subjetivo e contextual. Ainda assim, a margem de
dúvida deveria ser de apenas 1 ponto.
Ser disciplinado durante o processo de produção é a uma ótima
●
oportunidade de não se perder pontos, até mesmo ganhar mais um. A
colaboração entre profissionais poderá melhorar uma composição,
trazer boas ideias para a pré-produção ou garantir excelência durante
gravações, mixagens e masterização. Um ponto pode fazer toda a
diferença.
Uma música avaliada como 7 deve ser uma música 7, em
●
qualquer época, para qualquer avaliador sensato. Talvez seja 6, talvez
seja 8, o tempo dirá, mas nunca 5 ou 9. A escala musipontos não
depende de preferências pessoais, estilos musicais, números de
vendas ou popularidade. Com prática, você poderá avaliar uma música
inédita no rádio em poucos segundos, sabendo dizer se é 5, 6, 7, 8 ou
9.
(a propósito, comece a reparar nos repertórios das rádios, a maioria das estações
concentra a programação em torno das músicas 7 e 8, eventualmente tocando algumas
5 e 6 - principalmente via jabá ou em programas de nicho - e tomando o cuidado para
não saturar o ouvinte com muitas 9 e 10)
O Papel da Tecnologia
A tecnologia deveria ajudar na qualidade das músicas, certo? Eu
acredito que sim, mas o fato é que ela não tem conseguido realizar essa
missão com tanta eficácia. Entendo que muitas pessoas envolvidas na
produção musical encaram a tecnologia como um substituto para criatividade
e trabalho. Este é um grande engano.
A tecnologia é apenas uma ferramenta, que acelera

processos e diminui custos. Os livros não estão
necessariamente melhores porque existem impressoras
a laser ou corretores ortográficos.
Ter acesso à Internet não nos faz especialistas em todos os assuntos.

Ainda precisamos estudar, praticar, desenvolver técnicas e talentos.
Algumas gravações de décadas atrás ainda emocionam e soam tão bem
quanto se pode esperar. Talvez um dia a tecnologia melhore nossa audição ou
seja “inteligente” a ponto de criar, compor e produzir melhor do que os
humanos, mas certamente ainda não chegamos lá.
Ao invés de comprar, baixar, instalar e experimentar diversos softwares
e plugins de produção musical, procure se especializar naqueles com os quais
você já tem familiaridade. A imensa oferta de tecnologias e equipamentos -
microfones, interfaces de áudio, monitores, DAWs - é tentadora! O problema
é o tempo que gastamos para selecionar, para aprender a usar e aproveitar
cada um deles.

Procure adquirir software e hardware profissionais, que atendam o
mínimo de qualidade e funcionalidades, sem dar um passo maior que a perna.
Digo por experiência própria. No passado, por diversas vezes comprei
equipamentos que não eram prioridade, me tomaram um bom tempo de
aprendizado e acabaram deixados de lado, substituídos por outros mais
intuitivos que também possuem boa qualidade.
Um Home Studio deveria possuir pelo menos um bom microfone multi-
uso a condensador. Não economize nos cabos, eles deverão durar muito
tempo, com conectores confiáveis. Armazene-os com cuidado, evitando torcer
a trama dos fios. Alguns pedestais, um filtro anti-pop, uma interface com
duas entradas MIC (pré-amplificadas) e um teclado controlador MIDI pequeno
(mais sobre isso no vídeo gratuito “Escolhendo os equipamentos para o Home
Studio”).
Este kit básico já nos permite realizar uma grande variedade de
trabalhos, sobretudo na fase de pré-produção. Escolha um pacote DAW e
insista nele! A familiaridade com seus recursos e atalhos pode significar muito
mais criatividade e fluxo de trabalho.
Em algum momento, você sentirá falta de algo e então saberá o que
mais comprar. A maioria dos seus equipamentos continuará sendo útil. Invista
na acústica de sua sala! Este é o principal equipamento e pode custar menos
do que um simples microfone. Controle de ruídos e dos modos ressonantes,
difusão do campo sonoro, absorção das reflexões primárias, ajuste do tempo
de reverberação, um bom par de monitores de referência. Um fone de ouvido
de boa qualidade pode ser um grande aliado para edição e audição de trilhas,
principalmente quando a acústica da sala é muito deficiente.
Mais do que nunca, as técnicas da Produção Musical precisam ser
estudadas e aplicadas, na busca por reconhecimento e longevidade. O cenário
é favorável para quem produz boas músicas, atualmente uma boa produção
tem mais chances de aparecer do que antigamente. Resgatar o nível médio
significa criar mais espaço para as grandes produções e menos exposição
para o conteúdo de baixa qualidade que compete por nossa atenção.
Você está pronto para esta missão?
Espero que esse Manual tenha sido uma boa leitura!

Continue estudando sobre a Produção Musical para
desenvolver cada vez mais suas habilidades.
Para dúvidas, críticas e sugestões, por favor entre em contato comigo

através do AudicaoCritica.com.


Manual de Bolso Da Produção Musical Por Dennis Zasnicoff PDF

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Índice

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Nesta leitura, você aprenderá:

● Quais são as variáveis que determinam o impacto de uma

Se a inspiração aparecer durante a produção musical, ótimo! Mas não

Ao longo do texto, os termos sublinhados estão

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Se uma música nos parece interessante, cansativa,

Às vezes nos lembramos de um filme por causa do final

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A Influência de Cada Parte no Todo

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Apresentando a Escala “Musipontos”

De onde tirei esse modelo de proporções? É justamente essa resposta

Tenha em mente que 1 ponto é sempre uma GRANDE

Conseguir melhorar uma composição de 3 para 4 ou uma gravação de

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As Etapas (e truques) da Produção

A terminologia aqui usada pode ser diferente daquela existente em

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Este manual não entrará em detalhes sobre a arte da composição, mas

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Quando o artista concentra-se na concepção da obra,

Quero mostrar que compor é um trabalho árduo e especializado. Se

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● Representam sentimentos ou situações universais, facilmente

É costume revisitar o registro original durante a

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Curiosidade: depois que a música já está produzida,

A Pré-Produção tem função muito clara no processo:

São planejados cronogramas, recursos e alternativas. A princípio, as

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● Identificar qual o "estilo de produção" e concentrar-se nele

O papel do produtor é visualizar o resultado final da música, que

As referências escolhidas pelo artista/intérprete (ou

Obviamente, as referências devem ser usadas com cuidado para não

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As experimentações são uma oportunidade de testar o

Durante os experimentos, traçar o contorno emocional da música é

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A primeira reação pesa muito no sucesso de uma

Ao final das experimentações, o produtor deverá ter diagnosticado

(*EP e LP no sentido de quantidade de faixas, provavelmente o formato será CD ou

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Uma demo é útil na divulgação do artista para rádios, casas de show,

Com a gravação-guia em mãos, é fácil envolver outras

A gravação-guia, bem como toda a documentação que a acompanha,

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Muitas vezes chamadas de "cozinha", constituem os

A gravação das bases independe dos solistas (vocais e instrumentos

O estúdio deve ser encarado como mais um

O som que escutamos interage diretamente com a sala e pode sofrer

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Como o esqueleto da música já está gravado, outros

(isso é especialmente verdade para instrumentos raros, orquestração e naipes que

Vocais podem ser gravados em uma sala enquanto o guitarrista

No mundo ideal, todos os instrumentistas tocariam

Na prática esta situação é improvável, até mesmo impossível em

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Os overdubs são regravações de passagens que

(*tecnicamente, podem se referir a qualquer gravação realizada sobre outras)