DARK SIDE OF THE MOON OS SEGREDOS DA GRAVAÇÃO

& AFINS
Ano 6 - Número 61 - Maio 2019
www.teclaseafins.com.br

André
Mehmari
O músico
sem fronteiras

E mais
Makima Trio e sua Combustão Global
CD versus pen drive
Thelonious Monk - o monge louco do piano
Os osciladores na síntese subtrativa
Tensão ao tocar
“Beatriz”, de Edu Lobo e Chico Buarque
Vida de músico: você está pronto?

TIMBRES E TÉCNICAS COMO TOCAR COM BANDA NA IGREJA

 EDITORIAL

& AFINS
É
Ano 6 - N° 61 - Maio 2019
muito difícil poduzir uma
Publisher revista que se propõe a
Nilton Corazza falar de todos os instrumen-
publisher@teclaseafins.com.br
tos de teclas, e, além disso,
Gerente Financeiro de todo o universo que os
Regina Sobral rodeia. Aceitamos o desafio
financeiro@teclaseafins.com.br
há cinco anos, pautados e
Editor e jornalista responsável balizados por mais de uma
Nilton Corazza (MTb 43.958)
década de experiência em
Colaboraram nesta edição: outras publicações similares.
Alex Saba, Andersen Ribeiro, Obviamente, não é possível
Eneias Bittencourt, Miguel Ratton,
Rosana Giosa e Wagner Cappia
abordar todos os assuntos em todas as edições e, vez
por outra, algo nos escapa. Mas tentamos oferecer um
Diagramação panorama bem abrangente desse mundo, falando de
Sergio Coletti
arte@teclaseafins.com.br acústicos e eletrônicos, populares e eruditos, intérpretes
e compositores, técnicas e habilidades. Nossos
Foto da capa
colaboradores, cada um dentro de sua especialidade,
Divulgação
buscam oferecer o máximo de informações sem se
Publicidade/anúncios restringirem a determinado assunto. E, em relação a
comercial@teclaseafins.com.br
gêneros e estilos, procuramos a variedade dentro do
Contato que se costuma chamar de música de qualidade. Nosso
contato@teclaseafins.com.br entrevistado da matéria de capa desta edição consegue,
Sugestões de pauta ao mesmo tempo, agradar gregos e troianos, ou, melhor
redacao@teclaseafins.com.br dizendo, quem se apega aos rótulos “popular” e “erudito”,
seja de que lado for. Alheio à discussões de gêneros
Os artigos e materiais assinados são de responsabilidade musicais, André Mehmari produz música da mais alta
de seus autores. É permitida a reprodução dos conteúdos
publicados aqui desde que fonte e autores sejam citados e o qualidade, indiferente a estilos e, ao mesmo tempo,
material seja enviado para nossos arquivos. A revista não se abraçando todos eles. Dos palcos dos clubes de jazz às
responsabiliza pelo conteúdo dos anúncios publicados.
salas de concertos, e das rodas de choro aos discos, o
músico prova que a linguagem musical é mais rica e mais
Desenvolvido por envolvente do que qualquer rótulo e que o sucesso pode
se traduzir de muitas formas, principalmente na entrega
de arte com valor. Para isso, fazemos nossa parte, portanto,
aproveite cada página de sua revista e colecione cada vez
mais conhecimento. Boa leitura!

Rua Nossa Senhora da Saúde, 287/34

Jardim Previdência - São Paulo - SP
Nilton Corazza
CEP 04159-000 Publisher
Telefone: +55 (11) 961.804.505
2 / maIo 2019 teclas & afins
2
NESTA EDICAO
VOCE EM TECLAS E AFINS 4 42 sintese sonora
O espaço exclusivo dos leitores Síntese subtrativa - Osciladores
Por Miguel Ratton
INTERFACE 6
As notícias mais quentes do 48 estudio
universo das teclas Os segredos de Dark Side Of The Moon
Por Nilton Corazza
vitrine 12
Makima Trio e sua Combustão Global 52 acordeon sem limites
Por Nilton Corazza Tensão ao tocar
Por Eneias Bittencourt
livre pensar 14
CD versus pen drive 56 arranjo comentado
Por Alex Saba “Beatriz”, de Edu Lobo e Chico Buarque
Por Rosana Giosa
materia de capa 24
André Mehmari 64 mundo gospel
O músico sem fronteiras Tocar com banda - Timbres e performance
Por Nilton Corazza Por Andersen Medeiros

mestres 36 69 vida de musico

O monge louco do piano Você está pronto?
Por Nilton Corazza Por Wagner Cappia

teclas & afins maIo 2019 / 3

 Quer aprender a
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Vamos nos conectar?

Edição 60 tocar blues?
Maravilha! A capa conta a história do Zimbo. Parabéns.
(Fernanda Quinderé, por e-mail)
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Leandro Cabral. Tem muitaCD com método
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4. A cada edição, escolheremos um artista para figurar nas páginas de Teclas & Afins, com
direito a entrevista e publicação de release e contato.

Teclas & Afins quer conhecer melhor você, saber sua

opinião e manter comunicação constante, trocando
experiências e informações. E suas mensagens podem
ser publicadas aqui! Para isso, acesse, curta, compartilhe
e siga nossas páginas nas redes sociais clicando nos ícones acima. Se preferir, envie críticas, comentários
e sugestões para o e-mail contato@teclaseafins.com.br

teclas & afins maio 2019 / 5

interface

TEM QUE SER AZUL

O Trio Corrente do pianista Fabio Torres - ganhador do Grammy de

melhor álbum de jazz latino em 2014 por Song for Maura - gravou
seu sexto álbum, Tem que Ser Azul, em Milão, na Itália. Os shows de
lançamento ocorrem na Europa em junho e no segundo semestre
no Brasil, mas o trabalho já está disponível nas plataformas de
streaming e algumas faixas estão sendo conhecidas pelo público
durante os shows do grupo formado pelo pianista, o baixista Paulo
Paulelli e o baterista Edu Ribeiro. Entre os temas autorais do álbum, destacam-se o
maracatu “Cinco”, “Frevelli” e “Jobim passeando em Riviera”. O Trio ainda mostra sua
visão singular ao incluir “Amor Até o Fim”, de Gilberto Gil, “Retrato em Branco e Preto”
de Tom Jobim, e a faixa-título, de Messias Santos Jr., além de composições de Johnny
Alf, Djavan e Jacob do Bandolim.

6 / maio 2019 teclas & afins

 interface

SAGA BACH
Considerada uma das maiores intérpretes
da música de J. S. Bach, Angela Hewitt
continua sua saga de gravar e apresentar ao
redor do mundo toda a obra do compositor
alemão para teclado. Em março, a pianista
tocou e regeu dois concertos para
piano e orquestra de Bach com a Vienna
Tonkuenstler Orchestra na Musikverein,
em Viena, famosa sala de concertos
conhecida pela sua arquitetura acústica.
“Era tudo o que eu esperava e muito
mais”, disse a musicista. “Que sensação
fantástica finalmente estar naquele palco
histórico!”. Os próximos recitais incluem as
integrais das Toccatas, das Suítes Inglesas
e, obviamente, O Cravo Bem Temperado.

CALMA
A pianista Alicia Keys é mais uma artista a se curvar ao sucesso “Calma”, dos porto-riquenhos
Pedro Capó e Farruko, com direito a videoclipe gravado nas praias do país caribenho. “Eu
amo essa música”, afirmou a também cantora. “Estou muito animada de compartilhar o
remix de ‘Calma’”. Para os fãs, Alicia também gravou um making off.

teclas & afins maio 2019 / 7

 Conheça as publicações da interface

SOM & ARTE Eumir Deodato

E D I T O R A

INICIAÇÃO AO PIANO POPULAR

Volumes 1 e 2
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AMEN Inéditos na
TO área do piano
popular, são
livros dirigidos
a adultos ou
crianças que
queiram iniciar
seus estudos de
piano de forma
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PIANO POPULAR
Volumes 1, 2 e 3
Ensinam o aluno
a criar seus
próprios arranjos. FLORIPA JAZZ
De 13 a 19 de maio, Florianópolis recebe
uma série de shows e oficinas no Festival
Floripa Jazz. A programação inclui
atrações gratuitas e pagas, com ingressos
a partir de R$ 20. Entre os destaques da
programação paga, shows do tecladista
REPERTÓRIO PARA PIANO Eumir Deodato, do violonista Yamandu
POPULAR Costa, das cantoras Céu e Héloa e do
Volumes 1, 2 e 3 baixista Thiago Espirito Santo com o norte-
saxofonista americano Joshua Redman. Já
Trazem 14 entre as gratuitas, o guitarrista Luciano
arranjos prontos Bilu, o Johanna Hirschler Quartet e da
em cada banda Los Desterros. As atividades e shows
volume para ocorrem na Universidade do Estado de
desenvolvimento Santa Catarina (Udesc), na Universidade
da leitura das
duas claves (Sol e
Federal de Santa Catarina (UFSC), no
Sesc Prainha, no Centro Integrado de
@BlueNoteComunicação

Fá) e análise dos

arranjos.
Visite nosso site para conhecer melhor
os 3 Métodos e os 3 Repertórios
www.editorasomearte.com.br
Contato:
8 / maio 2019rosana@editorasomearte.com.br
Cultura (CIC), no Jazzinn, na Célula, no
Porão Delfino 146 e na Cervejaria Unika. A
abertura do festival será gratuita, com a Big
Band Udesc no campus da universidade
na capital catarinense.
teclas & afins
 interface

SAUDADE
Formado pelos músicos Fernando Merlino
(Hammond, piano e arranjos), Zé Luis
Maia (baixo) e Kazuo Yoshida (bateria), o
Órgão Bossa Trio - com a participação de
Norihito Nagasawa nos violões de algumas
faixas - gravou 13 músicas de grandes
compositores para lançar Tambor Sessions
Apresenta: Órgão Bossa Trio pela gravadora
Deck. Yoshida viu o órgão Hammond
vintage presente no estúdio Tambor ao
produzir alguns registros de bossa nova
– gênero que o inspirou a tocar bateria
– para o mercado japonês. “Me lembrei
do grande organista Walter Wanderley.
Quase 40 anos atrás, eu tocava com ele no
Japão. Dessa lembrança, o projeto nasceu
naturalmente”, explicou o japonês. O CD
traz clássicos da música nacional tocados
pelo trio, como releituras de “Chega de
Saudade”, “Só Tinha de Ser Com Você” e
“Ela é Carioca”, entre outros. O trabalho já
está disponível nas plataformas digitais.

teclas & afins maio 2019 / 9

interface

COLLAGE
A tecladista Lisa Coleman - que se
juntou à banda de Prince em 1980
para a turnê Dirty Mind e era membro
de sua banda de apoio Revolution -
acaba de lançar seu primeiro álbum
solo. Collage contém 11 improvisos de
piano instrumental, geralmente curtos.
“Toda vez que toco piano é pessoal,
emocional e um tanto misterioso”, disse
a tecladista. “Eu queria compartilhar
minha experiência e a exploração
disso com qualquer um que queira vir
comigo”. O trabalho já está disponível
nos principais serviços de streaming.

Integrante da banda Rolls-Rock desde

2008, o tecladista Cristiano Ribeiro acaba
de firmar mais uma parceria, desta vez
com a Tokai, fabricante de órgãos e pianos
digitais. O músico – que é colaborador
de Teclas & Afins - já excursionou pela
Europa e Estados Unidos tocando bossa
nova e jazz, e acompanhou artistas como
Altemar Dutra Jr, Beth Guzzo, Biafra,
Cassio & Cassiano, Dom & Ravel, Leid Zú,
entre outros. Cristiano também é artista
Casio, usando o PX5S, e adicionou o Tokai
TX5 ao seu setup. “O clonewheel TX5 cai

PARCERIA
como uma luva no meu trabalho com a
Rolls-Rock”, diz o músico. “Para o estilo da
banda, ele vai somar muito”.

10 / maio 2019 teclas & afins

VITRINE
COMBUSTÃO GLOBAL
Formado por Kiko Continentino (piano,
Rhodes, Hammond e teclados), Marcelo
Maia (baixo) e Renato Massa (bateria e
percussão), o Makima Trio acaba de lançar
Combustão Global. Ampliando o arsenal
sonoro do primeiro álbum, Fronteiras, este
segundo trabalho do trio explora ainda
mais as inúmeras e diferentes influências
de seus integrantes.
Mineiro de Belo Horizonte, Kiko Continentino,
que assina nove das dez faixas do álbum,
é pianista, arranjador e compositor (veja
matéria na edição 59 de Teclas & Afins)
e, além de projetos solo, faz parte da
banda de Milton Nascimento há 22 anos
e do Azymuth. O baixista Marcelo Maia é
brasiliense criado em Goiânia. Divide com
Continentino a composição de três faixas
do CD e assina uma. O baterista carioca
Renato “Massa” Calmon, “descoberto” por
12 / abril 2019
Robertinho do Recife, tocou com vários
artistas nordestinos (Fagner, Elba, Geraldo
Azevedo, Zé Ramalho etc.) e atuou do pop-
rock ao jazz-fusion.
O resultado da fusão dessas vivências
e influências não poderia ser mais rico.
Explorando os ritmos brasileiros, com a
contemporaneidade do jazz e pitadas de
estilos vintage, o Makima Trio consegue
produzir música de qualidade ao reunir
doses sob medida de virtuosismo,
estruturas harmônicas surpreendentes e
improvisos inspirados. Mais experimental
e, talvez por isso mesmo, mais universal
que o primeiro trabalho, o álbum traz
novidades ao formato trio, como backings
nas vozes femininas de Lucynha Lima,
Fernanda Guedes e Djane Borba, Jorge
Continentino nos metais, participação
de Paulinho Guitarra e intervenções de
teclas & afins
 VITRINE

Wendel Silva na percussão, Heitor Maia no

violão e Emmanuel Roque nos vocais.
Com um bem diversificado leque de estilos
e sonoridades, o trio surpreende ao fugir
de rótulos e preconcepções, em que até
o termo “instrumental” cai por terra e a
criatividade é a tônica. Pré-produzido
à distância – já que cada músico mora
numa cidade diferente - Combustão Global
também inova nesse aspecto: os músicos
trocaram ideias e músicas via internet
antes de se reunirem para gravar e, mesmo
com pouco tempo juntos, mostraram que
a sintonia entre eles é enorme. Para quem
curte algo mais “tradicional” – se é que esse
termo pode ser usado para o som do trio – os
destaques vão para “Arrocha Maori”, “Tokyo Com texto de apresentação de Marcos
Evening”, “Quinta Página” e “Salzburgo – Pé Valle, padrinho do trio e do Azymuth, o
Pequeno”. Para quem gosta de se aventurar, álbum está disponível nas plataformas
“Guitarrada Palestina”, “Xote Manhattan” e de streaming e, em breve, terá show de
“Makimalê Afrocaliente” são boas pedidas. lançamento. Sò nos resta aguardar.

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MAIO 2019 / 13
livre pensar POR Alex Saba

CD versus
pen drive

Vinil, K7, CD, pen drive e streaming: as

formas de consumo de música variaram,
mas, em tempos de tantas mudanças, vale
mais um álbum na estante ou um milhão de
músicas em uma playlist?
14 / maio
janeiro
20192019 teclas & afins
 livre pensar

© Jerry Morton @unsplash.com

teclas & afins janeiro

maio 2019 / 15
livre pensar
Outro dia, um amigo - que usa a música
como terapia, tanto para ele quanto para
seus clientes, e com três CDs lançados
comercialmente - me ligou e disse que não
iria mais fazer CDs. Ele havia feito contato
com uma empresa que gravaria pen drives
com as músicas dele, que a venda de CDs
estava ultrapassada e que ele mesmo estava
se livrando da coleção de disquinhos dele,
como fizera com os LPs. Há alguns anos,
eu havia pensado nessa possibilidade, mas
a deixei de lado por alguns motivos que
acreditei fortes o suficiente para descartar
definitivamente a ideia. Vamos a eles!
Álbum conceitual
O primeiro motivo foi porque não penso
em um álbum como uma coletânea de
músicas feitas ao longo do tempo. Existem
os famosos “Best Of” para isso: você compra,
ou comprava, os maiores sucessos de um
artista. Mas, por melhores que sejam essas
Spotify: plataforma de streaming
16 / maio
janeiro
20192019
coletâneas, nenhuma é capaz de abranger
um álbum conceitual.
A ideia de um álbum que trata de um único
conceito, não é nova e nem se restringe a
um estilo. Você a encontra dos clássicos ao
popular. Nos clássicos, o conceito pode ser
mais amplo, como o de peças escritas para
quarteto, por exemplo. Uma sinfonia, por
si só, já é um conceito inteiro e fechado
sobre um tema. E o conceitual foi para o
jazz, em que muitos músicos foram e são
influenciados pelos clássicos, para o rock e
para o rock progressivo.
Mas vamos abrir um parêntese aqui: quando
o padrão do CD ou Compact Disc Digital
Audio surgiu, em 1980, sua duração era de 74
minutos. Não 60. Nem mesmo 70 minutos.
74 minutos! E por culpa de um homem
surdo, que criou as mais impressionantes
composições musicais já feitas, dentre elas
a “Nona Sinfonia em Ré menor, Op. 125”,
gigantesco e maravilhoso último trabalho
© Pankaj Patel @unsplash.com
teclas & afins

© Umberto Cofini @unsplash.com
de “Herr” Ludwig van Beethoven, nascido
em Bonn, na Alemanha.
No final dos anos 70, em 1979, Philips e
Sony começaram a trabalhar no primeiro
padrão de áudio de CD. A Philips queria
um disco de 11,5 centímetros, ao passo
que a Sony apostava num formato de 10.
Ambos eram suficientes para acomodar
os vinis da época, e o modelo da Sony era
capaz de armazenar 60 minutos de música
em estéreo em 16 bits com frequência de
44,056 Hz. Mas não era o bastante! Quem
disse isso foi Norio Ohga, furioso com o
áudio da época. Ele era um cantor de ópera
e, quando ouviu pela primeira vez um
gravador de fitas da Sony, enviou à empresa
uma carta criticando a qualidade do som.
Recebeu uma oferta de emprego, e sua
influência foi tão grande que ele chegou a
ser presidente da Sony nos anos 80. Mas,
naquela época, apenas supervisionava o
projeto e exigiu que o formato do CD fosse
capaz de tocar a “Nona Sinfonia” inteira.
De acordo com a Philips, a “performance
teclas & afins
livre pensar
mais longa conhecida tem duração de 74
minutos […] uma gravação em mono feita
durante a Bayreuther Festpiele em 1951
e conduzida por Wilhelm Furtwängler”.
Então, 60 minutos não aguentaria isso, e
ficou decidido que o ideal eram 74 minutos
- 12 centímetros. Pelo menos é isso que
algumas pessoas dizem.
Outros dizem que o famoso maestro
austríaco Herbert Von Karajan teria pedido
para o formato suportar a “Nona Sinfonia”
inteira. Karajan foi fundamental para tornar
o formato conhecido entre os audiófilos, e
teria colocado essa condição em troca de
seu apoio. No entanto, de acordo com a
Wikipedia, o chefe de engenharia da Philips,
Kees Immink, disse que a escolha pelos 12
centímetros foi por conta da neutralidade
do tamanho. Nem da Sony, nem da Philips.
Mas, prefiro acreditar que foi o alemão
maluco e o japonês nervoso que criaram
os 74 minutos...
Como podem ver, o CD foi criado para
uma peça conceitual - a “Nona Sinfonia”
janeiro
maio 2019 / 17
livre pensar
de Beethoven - e nos clássicos isso não se
discute. Entretanto, foi no rock progressivo,
ainda no tempo do vinil, que a ideia de
álbuns conceituais mais se difundiu. Desde
os anos 60, a banda Moody Blues sempre
lançou seus álbuns com todas as músicas
tratando de um mesmo contexto, muitas
vezes sem intervalo entre elas. As músicas
longas, ou intermináveis, para alguns, eram
um convite para a criação de um conceito.
“Tales From The Topographic Oceans”, do
Yes, originalmente um álbum de vinil duplo,
com apenas quatro músicas, baseadas na
biografia de Paramahansa Yogananda, é
um exemplo extremo disso.
No rock e na música popular, em sua maioria,
os álbuns são um apanhado das músicas
feitas em determinado período da vida do
artista, embalados em um único “pacote”
pelo produtor e oferecidos ao público. E a
embalagem me leva ao segundo motivo.
18 / maio
janeiro
20192019
© Krists Luhaers @unsplash.com
Embalagem
Muitas pessoas não estão nem um pouco
interessadas na embalagem porque,
na maioria das vezes, ela não tem
absolutamente nada de artístico: colocam
a foto do artista, da banda, do músico, a
lista das músicas, a ficha técnica – quando
colocam - e acabou. Entretanto, a ficha
técnica - com quem tocou o que e onde
- é de extrema importância para os mais
interessados na música como expressão
artística, e não apenas como pano de fundo.
Também na capa e no encarte está a
possibilidade de o artista contar alguma
coisa a mais, ter uma conversa mais
pessoal com seu fã. Quando Pink Floyd
lançou Wish You Were Here, álbum
sucessor do megassucesso Dark Side Of
The Moon, Storm Thorgerson, responsável
por muitas capas, incluindo as últimas da
banda, pensou em envolver o álbum com
teclas & afins
 livre pensar

um plástico preto onde não haveria nada apresentam a capa do CD ao qual

escrito. A intenção dele era de fornecer ao
fã, uma experiência única. Ele compraria
o disco e, só ele, sozinho em casa, abriria
o disco e veria a capa dentro do celofane,
criando então uma experiência única
– hoje equivalente ao famoso “unbox”,
relativamente comum no YouTube. Ideias
geniais como essa merecem respeito, não
só pela criatividade, mas também pela
deferência aos fãs. A gravadora não gostou
da ideia, então colocaram um selo sobre o
celofane com o nome da banda e o título.
Muitas bandas, aproveitam seus shows para
vender seus álbuns. Claro que o mesmo
pode ser feito com um pen drive, mas
garanto que ganhar um autógrafo do seu
artista favorito em um pen drive é muito
mais difícil.
Mas sem querer ficar apenas falando mal
da ideia de lançar músicas em pen drive,
ele traz uma outra utilidade, que é a de
usá-lo para gravar outros arquivos, como
textos, imagens etc. Por esse lado, ter um
pen drive com as músicas de um só artista
e seus próprios documentos, soa um pouco
estranha. Por que não aproveitar e reunir
logo todos os meus artistas favoritos em um
mesmo pen drive? Parece uma boa ideia,
já que o CD limita a quantidade músicas
que podem ser gravadas nele, pelo padrão
Reb Book que normatiza os CDs de áudio,
em 700Mb e, hoje, um pen drive comum
tem 4Gb, o que significa uma capacidade
5,71 vezes maior. Ou seja, sem compactar,
em um pen drive de 4Gb cabem pelo
menos 5 álbuns. Em se tratando de áudio
determinada música está vinculada, mas
não apresentam sequer os compositores e
muito menos a ficha técnica. A experiência
fica incompleta.
Qualidade
Há também uma outra questão: a qualidade
do áudio apresentado em outro meio que
não o CD. Muito se discute da própria
qualidade do CD quando comparado ao
vinil, o que está levando à ressurreição do
vinil em edições luxuosas com LPs pesados,
ou seja, feitos com vinil de alta qualidade,
de 80g. Mas o que dizer daquilo que você
ouve no celular via streaming? Tudo aquilo
ali é o famigerado MP3, um formato de
áudio compactado que funciona como
o famoso WinZip, que reduz o tamanho
de um arquivo ao comparar aquilo que
se repete nele e criando flags internas
para a descompactação. Mas o MP3 não
descompacta nada quando você ouve...
Ele compacta, reduz o tamanho e nada
mais. Existem outros formatos de áudio
© Nikita Kachanovsky @unsplash.com

compactado, é enorme a quantidade de

músicas capaz de lotar um pen drive.
Sem ir tão longe, a capa é a cola que
completa o trabalho, complementando-o
e sinalizando de que aquele é um produto
pronto e acabado. Os serviços de streaming

teclas & afins janeiro

maio 2019 / 19
livre pensar
compactado, mas todos partem do mesmo
princípio, a não ser o PONO, formato
pensado por Neil Young e que até hoje não
deslanchou. Quando você ouve um áudio
compactado, parte da sua experiência
sonora está comprometida, porque o
que você ouve ali não é o áudio como foi
gravado na íntegra. Várias frequências são
descartadas em prol do tamanho final do
arquivo. O lado inteligente dos compressores
é descartar aquilo que aparentemente não
fará falta ao ouvinte, partindo dos limites da
audição humana para corroborar essa ideia.
Mas, conforme já discutimos aqui, o ser
humano ouve por todo o seu corpo e não
apenas pelo ouvido, então, não há como
um compactador oferecer o mesmo som
daquilo que foi gravado em um estúdio.
O trabalho de tornar o áudio compactado
recai sobre os amplificadores. Existem
aqueles que eram comuns até os anos 80,
mas que continuam presentes, mas agora
embutidos nas televisões, nos rádios e nos
celulares. A porta final de saída são os alto-
falantes - e esses foram muito reduzidos
pela tecnologia, para caberem em aparelhos
cada dia menores. Mas, ao não moverem o
ar por onde o som é transmitido, não têm
a mesma capacidade de uma caixa de som,
20 / maio
janeiro
20192019
e retornamos aos amplificadores, para
entregarem aos minúsculos alto-falantes
áudio de qualidade. Em um período de alta
tecnologia, a priorização está na informação
e o áudio de qualidade foi deixado de
lado. No que se refere à música, a própria
informação, a ficha técnica a que me referi
acima, foi deixada de lado.
Os serviços de streaming, são ótimos e
facilitam muito a vida de todo mundo, mas
quanto tempo irão durar? Várias redes sociais
apareceram e morreram, como o Orkut.
Até mesmo o Google+ está encerrando
suas atividades. Alguém ainda lembra do
MySpace? O mesmo pode acontecer com os
serviços de streaming. E o que acontecerá
com as músicas que estão lá? Tudo o que
eles possuem foi lançado em CD. Uma
parcela mínima de artistas coloca músicas
que não fizeram parte de CD nenhum - o
equivalente ao single, que era vendido em
vinis compactos de uma ou duas músicas
por lado.
Fiquei com isso tudo na cabeça e resolvi
perguntar para quem vive disso. Fui a
diversas lojas de CD - sim, elas ainda existem!
- e conversei com proprietários e vendedores
sobre como andam os negócios. O resultado
foi surpreendente.
© Priyash Vasava @unsplash.com
teclas & afins

Especialização
Começando pelo fim, no caso, o tão falado
fim do CD: essa é uma notícia velha, mas
que parece não ter nenhum fundamento.
Há 10 anos ou mais que se fala nisso e nada
aconteceu. Todas as lojas são experientes
no mercado e estão abertas há pelo menos
25 anos, o que não é pouco para nenhum
comércio. Todas essas lojas, hoje, são
bastante específicas. Não há mais a loja de
CD genérica vendendo tudo quanto é estilo
musical. Fica difícil dar para a vovó o último
CD de Natal do Roberto Carlos, por exemplo,
já que essas lojas trabalham exclusivamente
com rock em todas as suas formas, do hard
ao heavy metal, do folk ao progressivo, do
blues ao jazz. Encontrar CDs de artistas
nacionais fora desses estilos é praticamente
impossível. Com alguma garimpagem você
vai conseguir na seção de promoções. Para
o pop e o popular, a única saída ainda são
algumas livrarias e a Lojas Americanas, que
teclas & afins
livre pensar
© Kevin Laminto @unsplash.com
já foi a campeã em vendas de CDs e hoje
mantém uma pífia coleção de títulos de
pouca expressão.
Há uma pequena diversificação dos produtos
oferecidos, mas sempre com relação ao estilo
da loja. Então o interessado vai encontrar
DVDs e Blu-rays musicais, camisetas e, o mais
incrível, discos de vinil, os LPs. Esses são, por
sinal, uma atração à parte para uma parcela
dos consumidores jovens. Na faixa etária de
18 a 27 anos, a procura pelos LPs chega a ser
maior do que dos CDs em algumas dessas
lojas pesquisadas.
Em sua maioria, os LPs são usados e de
grupos dos anos 70, o que demonstra que
os roqueiros, hoje com mais de 30 anos, não
haviam porque temer envelhecer, o que me
remete ao título de um álbum do Jethro
Tull: “Too old to rock´n roll: too young to
die” (muito velho para o rock´n roll: muito
novo para morrer), em que o compositor
Ian Anderson diz:
janeiro
maio 2019 / 21
livre pensar
O velho roqueiro usava seus cabelos longos
demais.
Usava as bainhas da calça muito apertadas.
Fora de moda até o fim, bebia cerveja
excessivamente light.
Cinto com fivela de caveira, sonhos de ontem.
Um profeta do apocalipse de cafés de beira de
estrada.
Sem anunciar mudanças em suas costuras
duplas.
Em seu brilho de filhinho de papai do pós-guerra.
Agora ele está velho demais para o Rock’n’Roll,
mas está jovem demais para morrer.
Uma vez ele teve uma Harley-Davidson e uma
Triumph Bonneville.
E contava seus amigos em velas de motor
queimadas e reza para que ele continue
contando.
Mas ele é o último dos garotos subornadores de
sangue azul.
Todos os seus companheiros estão cumprindo
pena:
Casado, com três filhos por aí pelo anel
rodoviário.
O propagado fim do LP foi seguido do boom
das vendas dos CDs e das decepções dos
fãs, das capas ao áudio, havia alguma coisa
a reclamar. Para as grandes gravadoras,
que depois do boom viram as vendas
despencarem com o surgimento do Napster,
da troca desenfreada de músicas online, o
LP tinha e tem a vantagem de não poder ser
digitalizado em sua plenitude. Os chiados e
os estalos, que eram o grande diferencial para
os CDs, acabaram perdendo a importância
e o LP está fazendo a sua volta, lentamente,
vindo “pelas beiradas”, influenciando novas
gerações, “fora de moda até o fim”.
Mas, e quanto aos serviços de streaming?
Pela propaganda oficial, é apenas isso o que
os jovens consomem em termos de música,
mas a percepção e experiência dos lojistas
22 / maio
janeiro
20192019
No fim das contas, venderam suas almas.
E alguns deles têm carros esportes
E se encontram no clube de tênis.
Para beber no domingo - trabalhar na segunda-
feira.
Eles jogaram fora seus sapatos de camurça azul
Agora estão velhos demais para o Rock’n’Roll e
jovens demais para morrer.
Então o velho roqueiro traz para fora a sua
motocicleta
Para completar mil quilômetros antes de se
aposentar
Na A1, perto de Scotch Corner como costumava
ser
E enquanto ele voa, lágrimas nos olhos,
suas palavras espalhadas pelo limpador de para-
brisas ecoam o ato final
e ele atinge a autoestrada a quase 120 sem
espaço para frear
E ele era velho demais para o Rock’n’Roll, mas ele
era jovem demais para morrer.
Não, você nunca é velho demais para o
Rock’n’Roll se é jovem demais para morrer.
mostra que de fato, esses serviços afetaram
o mercado, mas por outro lado também
servem para os clientes conhecerem
novos trabalhos antes de comprarem os
CDs. Especificamente em relação ao rock
progressivo, o público é mais fiel e valoriza
o produto musical como obra de arte e
exige uma boa qualidade sonora, pelo
desencanto com a baixa qualidade do áudio
dos arquivos baixados “gratuitamente” da
internet, e retornaram a adquirir CDs ou LPs.
Esse “gratuitamente” transcende os serviços
de streaming. Refere-se aos sites ou blogs
“piratas”, onde é possível baixar de graça,
qualquer música e até álbuns completos
em MP3. Mas, realmente a qualidade é
lamentável. Como comparar o áudio de um
computador, notebook ou celular com o de
teclas & afins
 livre pensar

um amplificador dedicado? Poucas pessoas Lojas consultadas

têm um desses na sala hoje em dia, mas Scheherazade
Rua Conde de Bonfim, 346 - Lj 209 - Tijuca - Rio de Janeiro (RJ) - Tel: (21) 2569.1250
quem tem percebe a diferença enorme em
Headbanger
termos de qualidade. Por outro lado, esses Rua Conde de Bonfim, 346 - Lj 212 – Tijuca - Rio de Janeiro (RJ) - Tel: (21) 2284.1034
blogs fazem um serviço de divulgação de
Renaissance Discos
álbuns raros que não foram lançados em CD Rua Conde de Bonfim 615, Lj 109 - Tijuca - Rio de Janeiro (RJ)
e que custam pequenas fortunas quando Tel/Whatsapp: (21) 9.9776.6973
E-mail: renaissance.claudio@gmail.com - Website: www.renaissancediscos.co
encontrados no formato do vinil, algo para
Rocksession
mais de R$ 500,00. Fechando a questão Rua Conde de Bonfim, Nº 80 - Subsolo Lj 15 - Tijuca - Rio de Janeiro (RJ)
das capas, há algo que sempre reclamei. As Tel: (21) 3168.4934 - www.rocksession.com.br

gravadoras, ao lançarem os antigos álbuns

em CD, amputavam das capas o que elas A questão é que, por questões contratuais,
tinham de melhor. Levamos muitos anos geralmente, uma série, filme ou
até que edições especiais aparecessem. documentário pode deixar de aparecer
Os japoneses então, criaram uma mistura na grade de programação. E aí? Como
de CD e LP com os mini LPs, que são CDs, fazer para assistir novamente um dos seus
geralmente remasterizados, mas com favoritos? Se você não tiver o DVD – a fita
principal atrativo, além de faixas bônus, a VHS realmente perdeu e se tornou objeto de
capa original, por mais complexa que seja, museu – você ficará apenas na lembrança.
como a do Yes Songs do Yes, Welcome back Por que o mesmo não pode acontecer com
my friends... do Emerson Lake & Power ou as músicas? Existe um contrato que reza que
Tommy do The Who (nesse caso, tanto a os serviços pagam ao artista ou gravadora,
versão do grupo quanto a versão sinfônica), um valor – mínimo e ridículo, por sinal – e
todos reproduzindo fielmente a capa o pagamento acontece porque você paga
original. É preciso uma lente para ler tudo mensalmente a eles. Mas nada impede que
em certos casos, mas o resultado é lindo. seu artista favorito, por questões de direito
O consumo de música continua firme e autoral, dentre outras, desista de colocar
forte. Mudou a forma como ela é consumida. suas músicas ali. Como você fica? A música
Muitas rádios mudaram sua programação que embalou sua adolescência não está
para notícias ou se segmentaram para mais lá. O que você faz?
assuntos religiosos, então restou, aos
que gostam de música, os serviços de
streaming, que funcionam como as rádios
de antigamente, da mesma maneira que
Netflix, Amazon Prime e outros serviços
de streaming de vídeo fazem com séries,
documentários e filmes.

Alex Saba
Tecladista, guitarrista, percussionista, compositor, arranjador e produtor com cinco discos solo e dois álbuns ao vivo,
um com o Hora do Rush e outro com o A&B Duo, com participação de Guilherme Brício, lançados no exterior pelo selo
Brancaleone Records. Produziu e dirigiu programas para o canal TVU no Rio de Janeiro e compôs trilhas para esses
programas com o grupo Poly6, formado por 6 tecladistas/compositores. Foi colunista do site Baguete Diário e da revista
Teclado e Áudio. www.alexsaba.com.br

teclas & afins janeiro

maio 2019 / 23
MATERIA DE CAPA

André Mehmari
24 / maio 2019 teclas & afins
 por nilton corazza

Sem fronteiras

Multi-instrumentista, mas
pianista por excelência.
Autodidata, com professores.
Compositor, arranjador,
produtor, erudito, popular,
jazzista, tudo isso e mais um
pouco. Esse é André Mehmari,
que refuta rótulos e faz música
com a mente e o coração abertos
teclas & afins maio 2019 / 25
materia de capa
André Ricardo Mehmari nasceu em Niterói,
no Rio de Janeiro, mas, por causa do
trabalho do pai, cedo foi para Ribeirão
Preto, no interior do Estado de São Paulo,
onde começou seus estudos musicais.
Precoce, desenvolveu rapidamente várias
habilidades musicais e descobriu que
tinha ouvido absoluto. Conheceu todo
tipo de música, do erudito ao popular,
do jazz ao choro, do pop ao lírico, muito
influenciado por sua mãe, pianista. Iniciou
a carreira profissional aos 11, tocando
em bailes. Aos 13, já integrava pequenas
formações instrumentais e tocava em
casas especializadas de jazz. Com 15
anos, já possuía cerca de 200 peças em
seu catálogo de composições. Um ano
mais tarde, participou como bolsista no
Festival de Inverno de Campos do Jordão
integrando a big band do festival dirigida
por Roberto Sion e, na edição seguinte,
26 / maio 2019
© Nilton Corazza @ Teclas & Afins
a classe de arranjo de Moacir Santos. Foi
para São Paulo e iniciou seus estudos
universitários de piano com Amílcar Zani na
Universidade de São Paulo (USP), mesmo
ano em que realizou seu primeiro concerto
como compositor no Festival Internacional
de Música Nova, em Ribeirão Preto.
Como compositor, ganhou duas vezes o
Prêmio Nascente, da USP/Editora Abril, nas
categorias composição popular, em 1995,
e composição erudita, em 1997. Em 1998,
conquistou o primeiro lugar no Prêmio
Visa de MPB Instrumental. A carreira,
então, se consolidou e os caminhos de
instrumentista e compositor passaram
a correr paralelos, com inúmeros pontos
de interseção. Participou de festivais no
Brasil (Chivas Jazz Festival e Tim Festival)
e no exterior (Spoleto Jazz USA e Umbria
Jazz), além de realizar turnês com Ná
Ozzetti, Joyce, Ivan Lins e atuar como
teclas & afins

solista na Orquestra Sinfônica do Estado
de São Paulo (OSESP), na Jazz Sinfônica e
na Banda Sinfônica do Estado de São Paulo
(BSESP). Como intérprete ou arranjador,
trabalhou com músicos como Dori
Caymmi, Tutty Moreno, Toninho Ferragutti,
Mônica Salmaso, Hamilton de Holanda,
Gabriele Mirabassi, Dimos Goudaroulis e
Nailor “’Proveta”, participando do registro
de cerca de 30 CDs. Em seus álbuns,
gravou arranjos e composições próprias
em diversas formações. Compôs trilhas
sonoras para balé e peças camerísticas
e orquestrais, estreadas por grupos de
câmara e orquestras do Brasil, como Sujeito
a Guincho, Quarteto de Cordas da Cidade
de São Paulo, Quinteto Villa-Lobos, OSESP,
BSESP e Orquestra Sinfônica Brasileira),
das quais se destacam a “Sinfonia
Elegíaca” (detentora do Prêmio Sinfonia
para Mário Covas), a “Suíte de Danças
teclas & afins
Andre Mehmari
Reais e Imaginárias” (encomendada pela
OSESP para o Concurso Internacional de
Regência), e “Cidade do Sol” (escrita para
a Sinfônica Heliópolis, por encomenda da
TV alemã Deutsche Welle).
Como intérprete, André Mehmari se destaca
pela atuação na área da improvisação.
Retomando a tradição clássica, realiza
recitais com improvisações sobre temas
sugeridos pela plateia, enquanto costura as
melodias por meio de seu bem estruturado
pensamento musical, e as reveste de sua
personalidade, virtuosística e, ao mesmo
tempo, lírica.
Popular ou erudito? Difícil e inútil tentar
rotular quem lança mão de habilidades
e conhecimentos adquiridos em árduo
estudo para interpretar, arranjar e compor,
seja para si mesmo ou para atender
encomendas de grupos e orquestras de
todo o mundo, seja lá em que estilo for,
© Divulgação
maio 2019 / 27
materia de capa
Conversamos com André Mehmari
no Estúdio Monteverdi, que o músico
construiu em meio à Serra da Cantareira,
para conhecer mais de seu pensamento e
tentar entender melhor sua música.
Você basicamente é autodidata, mas teve
professores. Como foi isso? Como foi sua
formação?
Nasci em 1977 e, no final dos anos 80, a
moda era menino estudar órgão e menina
fazer balé. Como eu já tinha manifestado
talento musical, tinha ouvido absoluto,
tocava de brincadeira em casa, alguém
deve ter falado para minha família “põe o
menino no curso de órgão”. E ali comecei
com 8 ou 9 anos, e fiz aquele método
mexicano da Yamaha. Então, já saí pronto
para o crime, para tocar nos bailes (risos).
Com 11 anos, eu já tocava em bailes. Eu
tinha um ouvido muito esperto, então a
28 / maio 2019
professora tocava uma vez a música para
mim e eu tocava na sequência. Eu fingia
que estava olhando a partitura, mas não lia
nada. Isso foi em Ribeirão Preto, no interior.
Mas, a figura central foi mesmo minha mãe,
que é a figura musical da família, sempre
cantou, tocou violão, acordeon, piano...
Quando meu pai soube que ela estava
grávida, deu de presente a ela um piano,
que era seu sonho de vida, de modo que,
quando eu nasci, já havia um piano em
casa. E comecei a nascer no banquinho
do piano: estourou a bolsa da minha mãe
quando ela estava tocando. Então, já
nasci estragado (risos). O que aconteceu
é que eu tinha piano em casa e comecei
muito cedo a abrir, tocar, procurar coisas...
Colocava o “vinilzão”, ficava tocando junto
com o disco e fui adquirindo vocabulário.
Aí fiz o curso de órgão, até certo ponto,
e voltei para o piano. Comecei a compor
© Divulgação
teclas & afins
 Andre Mehmari

e tocar jazz. A improvisação entrou na

minha vida muito cedo, sempre gostei de
improvisar. Na escola, tinha um órgão de
três teclados, e um pequenininho em cima
que tinha um som tipo lead, monofônico.
Lembro que eu, naturalmente, no meio de
uma música - “McArthur Park” - fui para o
tecladinho de cima e comecei a improvisar
lá, sem nunca ter ouvido jazz nem ter
visto YouTube, porque não existia isso na
época. Desde então, comecei a debandar
para esse negócio de improviso, passava
horas improvisando. Conheci uma pessoa
que chegou em Ribeirão Preto com uma
proposta de ensinar piano jazzístico, o
Fernando Leal. Fui aluno dele e ele me
apresentou todo mundo: Keith Jarrett,
Herbie Hancock, Chick Corea, Thelonious
Monk, Bill Evans, principalmente. Tudo
isso em cassete. Ele copiava para mim e
eu ficava mamando naquela música e me

alimentando de inspiração. E aquilo mudou
para sempre minha vida. Parei com os bailes,
porque eu não dava mais conta de seguir,
e comecei a me relacionar com os músicos
mais velhos da cidade que tocavam jazz,
música brasileira boa, Toninho Horta e
toda essa estética instrumental. Comecei a
compor. Compunha todo dia. Isso na época
dos 13, 14, 15 anos. Eu tocava muito na
única casa de jazz que havia em Ribeirão
Preto, chamada Café com Jazz. Depois
disso, vim para São Paulo, estudar na USP,
com 17 para 18 anos, no curso de piano
clássico.
Você logo demonstrou ter ouvido absoluto.
Como é isso para um músico?
Não tem “on/off”. Não dá para desligar na
hora que você está naquele restaurante
ouvindo música ruim e fica aparecendo
a partitura...(risos). O ouvido absoluto
teve um papel crucial na minha formação,
© Divulgação
principalmente nessa área autodidata,
de tocar com disco, de ler uma partitura
orquestral e saber do que se trata, de, por
exemplo, imaginar um som, procurar no
teclado e já saber que é aquele som. O ouvido
absoluto catalisa o desenvolvimento do
músico, de certa forma, por essa facilidade
do contato do mundo das ideias e do som.
A ponte é mais rápida. Mas, por exemplo,
para eu tocar um instrumento transpositor,
como a trompa ou a clarineta, é um inferno.
Então, tenho que pensar sempre em Dó.
Não posso tocar Dó e ouvir Fá. Quem
tem ouvido relativo tem mais facilidade
de transpor uma canção. Se eu aprendi
a música inteira em Ré Bemol e tiver que
tocar em Ré, vou sofrer para me libertar da
cor do tom original. Mas o ouvido absoluto
foi detectado em um estágio muito inicial

teclas & afins maio 2019 / 29

materia de capa
© Divulgação
da minha vida musical, com 8 ou 9 anos.
Foi a professora de órgão que começou
a desconfiar que eu tinha esse negócio e
me colocou de costas e começou a tocar,
e eu sabia as notas! Aí, ela detectou. Não
foi algo treinando, mas uma coisa que se
desenvolveu dessa maneira.
Outra questão é a leitura. Como foi, depois,
adquirir a facilidade da leitura musical?
Esse é um ponto importante. A facilidade
me deixou “capenga” do outro lado. Fiquei
com um solfejo muito precário, muito ruim,
e tive que correr atrás depois. Tive que
estudar. Houve um estágio ali em que eu
falei “opa, opa, opa...”. Então, solfejo, Pozzoli!
Aí me reaproximei do código escrito de
modo que a música clássica entrou mais
forte na minha vida. Antes era só por meio
30 / maio 2019
de gravações. Meu pai comprava aqueles
vinis “Clássicos pelos Clássicos”, que eu
ouvia e amava, de Vivaldi a Stravinsky,
todo mundo! Retomei o material escrito,
comecei a escrever as minhas músicas com
maior requinte na notação, e partituras
de piano mais complexas, não só cifra e
melodia. Eu compunha todo dia, como
estudo. Nessa época, uma escola de música
em Ribeirão Preto me encomendou um
método, um livrinho de peças fáceis, mas
interessantes, com harmonia, melodia, que
não fosse uma coisa mecânica, “chata”. Foi
muito legal fazer isso com 16 anos.
E quando você veio a São Paulo para fazer
piano erudito, houve um choque?
Não houve. Lá em Ribeirão, tive contato
com alguns professores de piano clássico
- eu chamo de piano clássico para facilitar
a conversa, mas isso é um longo assunto...
Esses professores - embora excelentes, e
que me adoravam porque eu era talentoso
e queriam me ver progredir, e faziam o
trabalho de todo o coração - tinham um
conceito, que até hoje a gente vê no ensino
de piano clássico, de que o improviso é algo
superficial, inútil, que deve ser evitado por
que é perda de tempo... Mentira! Eu vivo
disso, vivo de improviso, de criar música, de
fazer um concerto inteiro de improvisação
sobre temas que o público sugere, ou seja,
balela! Mas isso era totalmente reprimido.
Eu era, obviamente, um cara de muita
personalidade já nessa idade e não aceitava
isso, racionalmente e irracionalmente,
porque eu adorava improvisar. Imagine
um pássaro que gosta de voar e de repente
alguém fala para ele que não é para voar,
mas para ficar só andando. Eu tive instrução,
toquei Bach, tudo que sei de contraponto
começou ali tocando Invenções a Duas
Vozes e, depois, O Cravo Bem Temperado...
teclas & afins

Toquei Bartók, que eu amava. Toquei
românticos, Schumann, Brahms... Na USP,
o professor Amílcar Zani, viu que eu já era
meio que um caso perdido para música
de concerto. Ele já sabia que eu não ia
seguir aquela carreira padrão, de tocar o
repertório padrão, depois os estudos de
Chopin, depois solo com orquestra, depois
ganhar 30 concursos até ser alguém... É
incrível como é ridículo isso: um pianista
pode ter o talento que for, mas tem que
ganhar algum curso famoso senão não é
ninguém. Eu nunca gostei desse negócio,
de competição, e fiz um outro caminho.
Então ele já sabia que não ia seguir isso e
perguntava: “André, o que você quer tocar?”.
Eu amava - e amo! - Brahms. Então, vamos
tocar os Intermezzi de Brahms, vamos
tocar sonatas de Beethoven – que, além do
interesse pianístico, me trazia um interesse
como compositor -, vamos tocar Stravinsky,
coisas que eu tinha impulso natural de
tocar. Então, a gente fez um percurso que
teclas & afins
Andre Mehmari
não era muito o que ele faria com os alunos
de um curso normal para um virtuose. Não
tinha foco na técnica, por exemplo. Eu
não era um cara que estudava horas por
dia de técnica, nunca fui. Sempre fui meio
rebelde nesse sentido, e indisciplinado. E
o pianista clássico tem que ter essa coisa
quase de atleta, e eu sempre fui mais ligado
à criação, queria sempre compor muito,
fazer arranjos, aprender orquestração,
outro caminho mesmo.
Há pianistas que acreditam no estudo da
técnica pura e outros que acreditam no
desenvolvimento técnico dentro do estudo
do repertório...
Exatamente! A técnica me veio por meio
do repertório. E repertório bom, repertório
incrível: Sonata Opus 5, de Brahms, que é
dificílima, pesada! Sonatas de Beethoven!
E contraponto através de Bach. Eu não me
lembro de ter investido horas em técnica
pura, Hanon, Czerny, Beringer, nada disso.
© Nilton Corazza @ Teclas & Afins
maio 2019 / 31
materia de capa
Todo o “dedo” me veio através das horas
de improvisação e do repertório em si que
me dava muito prazer estético além de me
dar técnica.
Hoje ainda é assim?
Ainda é assim e cada vez mais, porque
eu invisto a maior parte do meu tempo
criando música, compondo... Eu sou um
compositor que recebe encomendas,
então, tenho menos tempo ainda para esse
aspecto mecânico.
Como é acompanhar desde uma cantora
como Monica Salamaso a um instrumentista
clássico como Antonio Menezes, passando
por Hamilton de Holanda e tantos outros,
mantendo seu DNA em cada performance?
A chave para responder essa pergunta
é modificar o termo “acompanhar”. O
Piano e Voz, com a Ná Ozetti, é a prova
cabal de que piano e voz não precisa ser
acompanhamento de voz. A primeira faixa
do disco é “Pérola aos Poucos”, do José
Miguel Wisnik, com um contraponto a duas
vozes estrito. O piano toca uma voz e a Ná
canta a voz dela. Ou seja, aquilo é a profissão
de fé daquele disco: a igualdade de papéis.
Historicamente na música brasileira, o
cantor sempre foi, ou é, o herói romântico,
Elis, Orlando Silva, quer dizer, o cantor
era aquele representante, aquela voz, que
tinha um entorno dando suporte a ela. No
meu caso, é mais o diálogo constante de
criar uma teia de informações em torno da
canção, que é rica e não meramente um
acompanhamento. Tem contraponto, tem
história, tem coisas de afeto, que eu trago
da música barroca, que eu transponho
para uma canção do Zé ou do Caymmi, ou
do Nelson Cavaquinho, que seja... Isso é
uma digital minha desde sempre, seja com
o Hamilton, com o Danilo Brito, com quem
32 / maio 2019
tenho um duo agora - que é músico de
choro e que é um outro timbre, porque ele
é muito puro do choro e eu não. Eu não sou
um especialista, então é muito interessante
porque trabalho com especialistas, mas
não sou. E eu vejo que meu DNA está em
todos os trabalhos por eu estar aberto ao
diálogo, mas muito mais do que isso, por
eu estar aberto a ouvir o outro, o que o
outro traz. Em nenhum momento desses
trabalhos eu estou me impondo. Já que
tenho “tanta personalidade musical”, por
que não deu tudo errado, por que eu não
briguei com todo mundo? Porque eu adoro
“acompanhar”, entre aspas mesmo, adoro
ouvir o que o outro está dizendo e interagir.
Mas o resultado da interação não é um
acompanhamento, mas uma reflexão. Os
duos são formações pelas quais eu tenho
enorme apreço, porque é um diálogo.
Até por isso muitas pessoas me procuram
para fazer duos, porque sabem que eu vou
respeitá-las nas suas individualidades e
vou criar música junto com elas e não criar
um embate ou um desafio de quem toca
mais rápido...
Você toca popular, jazz, erudito, compõe
nas três vertentes. Você já afirmou que não
está “entre” o erudito e o popular. Como vê
essa questão?
Esse é o conceito mais errado que alguém
pode ter de mim. Nem estou na fronteira! Eu
faço tudo plenamente, nada pela metade.
Eu recebo encomenda das melhores
orquestras do Brasil e toco com os melhores
representantes da música instrumental
brasileira, da canção, da MPB... Então,
eu estou “entre” alguma coisa? Acredito
que não! Eu sou o André em todos esses
ambientes, obviamente trazendo coisas
diferentes para cada ambiente desses. Mas
eu não me sinto “entre”, não me sinto tendo
teclas & afins
materia de capa

André Mehmari

© Divulgação

teclas & afins maio 2019 / 33


que fazer uma escolha ou “entre” uma
escolha. Quando eu comecei a compor, lá
pelos 13, 14 anos, me perguntavam: “Você
vai seguir o clássico? Vai seguir o popular?”.
Aquela pergunta simplesmente não fazia
sentido para mim. Não que eu ficasse
angustiado e pensava “meu Deus, tenho
que decidir”, como se fosse um vestibular
entre medicina e engenharia. Nada disso,
nunca! Acredito que porque eu sempre
ouvia minha mãe tocando Chopin e Jobim
no mesmo piano, eu achava que música
é música! Ninguém falava para mim “isso
é bom, isso é ruim, isso é popular, isso é
erudito”... Eu tocava tudo, e ainda toco.
Meu negócio, minha matéria, é a música. E
o que marca meu conceito de música é que
eu não vejo o mundo da música dividido
em dois grandes blocos incomunicáveis
como se pensa em alguns ambientes.
34 / maio 2019
Andre Mehmari
Isso é um conceito meio caduco. Já se
demonstrou que isso não pode ser assim
tão categórico. Existem correntes, mas
não são duas, são centenas, milhares. O
músico não vai tocar Monteverdi como
toca Stravinsky, não vai tocar Caymmi
como toca Pixinguinha, não vai tocar
Beatles como toca Duke Ellington. Mas
não são dois grandes blocos, um brigando
com o outro. Não existe isso. Na época de
Mozart, não existia isso, ele se inspirava
em temas do povo. Enfim, acredito que
minha visão musical é humanista, não
tenho essa de julgar o que é “alto” e o que
é “baixo”. Posso me emocionar tanto com
uma grande sinfônica tocando a nona de
Mahler quanto um violeiro que pega a
viola e toca um negócio que é bonito de
chorar. Porque é assim. Música é verdade.
Tendo verdade, está valendo!
© Divulgação
teclas & afins
MESTRES POR NILTON CORAZZA

Thelonious Monk
36 / MAIO
janeiro
20192019 teclas & afins

O “monge louco”
Reconhecido como um dos mais inventivos
pianistas do jazz, Thelonious Monk atingiu tal
originalidade que poucos conseguiram imitá-lo
Thelonious Monk é considerado um
autêntico mestre da música norte-
americana. Suas composições são
citadas entre as mais importantes do
repertório jazzístico e sua vida é tema
para documentários, biografias, estudos,
tributos e até a criação de um instituto em
seu nome (que, infelizmente, foi rebatizado),
para incentivo das novas gerações. E era
essa sua intenção: dividir conhecimento e
exigir, sempre, novidades em troca.
Biografia
Thelonious Sphere Monk nasceu em 10
de outubro de 1917, em Rocky Mount, na
Carolina do Norte, Estados Unidos. Quando
tinha quatro anos, sua família mudou-se
para Nova York. O menino logo se destacou
como estudante, atleta e prodígio musical.
Aprendeu trompete por algum tempo,
mas suas atenções logo se voltaram ao
piano. Aos nove, iniciou as aulas no novo
instrumento. Ainda adolescente, já se
apresentava em festas e igrejas e vencia
concursos amadores.
Aos 18, Monk abandonou os estudos,
pouco antes de se formar, para dedicar-se
profissionalmente à música. Por dois anos,
viajou e tocou com um líder religioso.
Ao voltar, formou seu próprio quarteto e
passou a se apresentar em bares e pequenos
clubes de jazz.
teclas & afins
MESTRES
Em 1941, o baterista Kenny Clark o contratou
para a vaga de pianista no badalado clube
Minton´s Playhouse, no Harlem. Esse,
segundo os estudiosos, foi o local onde a
“revolução” do bebop teve início. As longas
jam sessions que ocorriam ao longo da
madrugada reuniam a nata da nova geração
do jazz. As inovações harmônicas de Monk
muito auxiliaram essa revolução. E suas
composições logo se tornaram as favoritas
entre seus amigos músicos.
Apesar de sua importante contribuição
para o desenvolvimento do jazz moderno,
Monk permaneceu desconhecido durante
os anos 40 até o início dos 50. Em 1944,
foi contratado por Coleman Hawkins
e participou de sua primeira gravação.
Inicialmente, tanto a crítica quanto os
músicos foram hostis em relação ao som
que produzia. Ainda assim, conseguiu seu
primeiro contrato com a gravadora Blue
Note, que, na época, era pequena. Sua
primeira produção como líder aconteceu
quando já tinha 30 anos de idade.
Apesar dos álbuns de Monk pela Blue Note
serem considerados dos mais importantes
em sua discografia, na época foram um
fracasso comercial. As críticas ao seu estilo
limitavam suas oportunidades de trabalho.
Monk tinha que aceitar quaisquer que fossem
as condições. Ainda assim, manteve-se fiel
à sua visão musical. Para piorar a situação
janeiro
MAIO 2019 / 37
MESTRES
financeira, em 1951 teve sua permissão
para tocar em clubes de jazz de Manhattan
suspensa, por envolver-se com drogas, algo
que, na verdade, não aconteceu. Nos seis
anos seguintes, tocou, esporadicamente,
em algumas apresentações e clubes em
cidades vizinhas. Dedicou-se à composição
e participou de gravações pela Prestige.
Algumas delas, que incluíam Sonny
Rollins, Miles Davis e Milt Jackson, foram
consideradas memoráveis.
Em 1953, Monk cruzou o Atlântico pela
primeira vez, para participar do Paris
Jazz Festival. Ali, conheceu a baronesa
Pannonica de Koenigswarter, membro da
tradicional família inglesa de Rothschild
e patrocinadora de vários jazzistas
nova-iorquinos. Ela seria uma amiga
muito próxima pelo resto de sua vida.
Durante sua estadia na Europa, gravou
seu primeiro disco-solo pelo selo Vogue.
38 / MAIO
janeiro
20192019
Esse álbum o estabeleceu como um dos
mais criativos pianistas do século. Dois
anos mais tarde, assinou contrato com
uma nova gravadora, a Riverside, onde
realizou uma série de discos considerados
soberbos. Sua estreia pela Riverside foi
uma gravação com o inovador baixista
Oscar Pettiford e construída em volta de
versões de Monk para músicas de Duke
Ellington. O LP resultante, Thelonious
Monk Plays Duke Ellington, foi preparado
para levar Monk a um público maior
e, assim, pavimentar o caminho para a
aceitação de seu estilo único.
O álbum Brilliant Corners, de 1956, é
lembrado como o primeiro sucesso de
Monk e também sua obra-prima. Conta
a história que a complexa música-título
(que trazia o lendário saxofonista tenor
Sonny Rollins) foi tão difícil de executar
que a versão final foi feita a partir de três
teclas & afins
 MESTRES

takes diferentes. mostrava o quanto era mal-compreendido.

Em 1957, conseguiu sua permissão para Quem o conhecia, sabia que era dedicado
tocar em Manhattan de volta, e iniciou à música e à família.
uma nova e bem-sucedida etapa em sua Durante os anos 60, gravou discos de grande
carreira. Ao lado de outro gênio, John sucesso. Apesar disso, a Columbia passou
Coltrane, tocou durante um bom tempo a dar mais atenção aos jovens ouvintes de
no Five Spot Café, reduto de talentos rock. Ao final da década, com o declínio
do jazz da época. Por suas colaborações da comercialização de seus lançamentos,
com Coltrane, Johnny Griffin, Sonny foi definitivamente dispensado. Nos anos
Rollins, Art Blakey, Clark Terry e Gerry seguintes apresentou-se pouco e gravou
Mulligan, entre muitos outros, finalmente ainda menos.
recebeu críticas positivas e passou a Seu quarteto desfez-se e Monk
ser reconhecido e valorizado. Em 1962, desapareceu, fazendo pouquíssimas
assinou contrato com a maior gravadora apresentações em sua última década de
da época, a Columbia Records. vida. Sua última gravação de estúdio foi
feita perto do fim de sua turnê com “The
Além da música Giants of Jazz”, que incluia Dizzy Gillespie,
Embora já consagrado por sua música, Sonny Stitt, Art Blakey, Kai Winding e Al
Monk exercia grande fascínio sobre a McKibbon. Com sinais de depressão e
mídia por seu comportamento excêntrico. péssimo estado de saúde, Monk, então,
Histórias sobre suas atitudes, dentro ou passou seus últimos anos de vida na casa
fora dos palcos, muitas vezes ofuscavam de sua velha patrocinadora, a Baronesa
comentários mais sérios em relação ao Nica de Koenigswarter. Monk não tocou
seu trabalho. Mas chamá-lo de recluso, piano nesse período, apesar de haver um
ingênuo, lunático e tantas outras coisas, em seu quarto, e falou com pouquíssimas

teclas & afins janeiro

MAIO 2019 / 39
MESTRES

pessoas. O pianista sofreu um AVC e assimilar mudanças radicais em meio a

morreu em 17 de fevereiro de 1982, após costumes estabelecidos. Mas, felizmente, a
uma parada cardíaca. genialidade de sua obra superou as lendas
a respeito de seu comportamento.
Obra Dentre muitas das inovações de
A visão musical de Monk sempre esteve Monk, podem ser citadas a utilização
à frente de seu tempo. Surpreendia tanto de progressões de acordes pouco
em suas execuções no tradicional estilo convencionais, o deslocamento rítmico
“stride” como no free-jazz e avant-garde. de frases e a incansável busca por novas
Por suas consagradas composições, divide melodias e sonoridades. Muitas vezes,
atualmente, com Duke Ellington, a posição tem-se a impressão de que há muitas
de maior compositor americano do século notas “fora do lugar”, que, a princípio,
20. Compôs vários temas que hoje são não deveriam funcionar com o acorde
considerados standards, como “Epistrophy”, do momento. Mas ele as executa
“’Round Midnight”, “Blue Monk”, “Straight propositalmente com tanta convicção,
No Chaser” e “Well, You Needn’t”. que não há como contestá-las. E era essa,
Ele não era apenas original por seu estilo justamente, sua intenção. Mostrar que a
de tocar e compor. Destacava-se por suas música deve ir além das convenções e que
roupas, pela linguagem e economia de não deve haver limites para a criatividade.
palavras, pelo humor e até pela maneira Para ele, não bastava criar mais uma música
como dançava ao lado do piano. Isso o bonita e agradável aos padrões comuns.
levou a ser considerado excêntrico e, Precisava ir além, modificar, criar, buscar
até mesmo, louco. A verdade é que foi novos caminhos. Foi assim em toda sua
mal interpretado por muitos ao longo vida. E era isso que esperava em troca das
da carreira. De fato, não era simples pessoas com quem convivia.

40 / MAIO
janeiro
20192019 teclas & afins
 MESTRES

Thelonious Monk

teclas & afins janeiro

MAIO 2019 / 41
sintese sonora Por Miguel Ratton

Síntese subtrativa –
Oscilador
Numa estrutura de síntese subtrativa, o oscilador é o
primeiro módulo ou elemento no processo de construção do
sinal sonoro. É ele que gera o sinal inicial a ser manipulado
posteriormente pelos demais módulos. É no oscilador que
se determina a nota musical a ser produzida, em termos
de altura (afinação). Também no oscilador é possível criar
alguns efeitos que podem produzir resultados bastante
interessantes tanto em relação à execução quanto em
termos de sonoridade propriamente dita

O sinal inicial gerado no oscilador é composto
de uma onda fundamental, cuja frequência é
a afinação da nota que está sendo executada,
e também dos harmônicos dessa frequência,
isto é, sinais com frequências múltiplas
inteiras da fundamental. A combinação dos
harmônicos determina a forma de onda
e, em termos sonoros, o timbre, como já
abordamos em edições anteriores.
Em geral, o oscilador de um sintetizador
é capaz de produzir mais de um tipo de
forma de onda, de tal maneira que se
possa ter diferentes alternativas de sinal,
com harmônicos pares, com harmônicos
ímpares, ou com ambos. Assim, como
cada uma dessas formas de onda tem
uma característica sonora específica, cada
uma produzirá um resultado diferente ao
ser processada posteriormente pelo filtro.
Portanto, quanto mais opções de formas de
onda – ou timbres iniciais - mais versátil será
o sintetizador (Figura 1).
O processo fica mais rico e proporciona
resultados ainda mais interessantes quando

Figura 1 – Exemplo de oscilador com três formas de onda diferentes Figura 2 – O sintetizador virtual (VST) TAL Elek7ro

42 / maio 2019 teclas & afins


se tem mais de um oscilador. Com dois
osciladores, por exemplo, é possível “dobrar”
o sinal, produzindo a mesma forma de onda
nos dois, mas com uma pequena diferença
em suas frequências, de tal maneira a obter
um efeito de batimento, que “encorpa” o
som, dando uma percepção de um som
mais “cheio”, ou “fat sound”. Com dois ou
mais osciladores também é possível somar
ondas diferentes, tornando mais complexa
a composição harmônica do sinal a ser
processado pelo filtro. Outras possibilidades
são a combinação de ondas afinadas em
regiões (oitavas) diferentes, ou afinadas em
intervalos de notas (terças, quintas etc.).
Praticando com as ondas
Para experimentar alguns dos efeitos
que podem ser obtidos com um ou mais
osciladores do sintetizador, vamos usar o
sintetizador virtual Elek7ro, um plug-in VST
que pode ser obtido gratuitamente no site
da TAL (tal-software.com).
O Elek7ro simula digitalmente um
sintetizador analógico típico, e possui ao
todo três osciladores, sendo que OSC1 e
OSC2 possuem quatro formas de onda,
ajuste de semitom e ajuste fino, e SUB só
possui duas formas de onda e ajuste de
semitom, mas serve perfeitamente ao nosso
propósito. Na verdade, estes experimentos
podem ser realizados em qualquer outro
sintetizador que possua dois osciladores
com ondas iguais, seja virtual, digital ou
analógico (Figura 2).
Para estes experimentos, não usaremos
ainda os recursos do filtro, dos envelopes e
do LFO2, assim como também não usaremos
o ruído (NOISE). Portanto, esses parâmetros
devem ser ajustados conforme mostrado
na Figura 2, para que não interfiram sobre
o som que desejamos ouvir. Só usaremos os
osciladores 1, 2 e Sub, e o LFO1.
teclas & afins
sintese sonora
Figura 3 – Ajustes no Elek7ro para produzir uma onda dente-de-serra no
oscilador 1, e a sua imagem no osciloscópio
Exemplo sonoro 1 – dente de serra no oscilador 1
Usaremos também outro plug-in já
apresentado anteriormente, o s(m)exoscope
que nos permite visualizar a forma de onda.
Ele pode ser obtido gratuitamente no site
www.smartelectronix.com.
As formas de onda básicas (senoide,
triangular, pulso e dente-de-serra) já foram
apresentadas no artigo publicado na edição
55 de Teclas & Afins. Então, agora, vamos
explorar algumas combinações desses sons
elementares e perceber que mesmo com
poucos recursos é possível produzir timbres
interessantes.
Multiplicando os dentes
Vamos começar explorando a dobra de
ondas dente-de-serra. Essa forma de
onda é bastante rica em harmônicos, e
tem uma sonoridade bem interessante,
principalmente quando trabalhada por
um filtro passa-baixas com ressonância
(veremos isso futuramente). Mas podemos
dar mais vida a essa onda simplesmente
dobrando o seu som, usando para isso dois
osciladores. A Figura 3 mostra os ajustes
no Elek7ro para obter uma onda dente-
de-serra no oscilador 1. Ouça o som dessa
maio 2019 / 43
sintese sonora
onda para usar como referência.
Agora, vamos ajustar o oscilador 2 para
produzir uma onda dente-de-serra idêntica à
do oscilador 1, mas vamos alterar levemente
sua afinação (aproximadamente 1%) em
relação à onda do oscilador 1. Observe que
o ajuste fino da frequência do oscilador 2
está um pouco fora do centro, para produzir
uma diferença de cerca de 1% em relação à
frequência do oscilador 1 (Figura 4).
Compare este som com o som de uma
onda dente-de-serra pura. Por causa da
pequena diferença de frequência, ocorrem
continuamente efeitos de batimento em
seus harmônicos, de tal maneira que, em
alguns momentos, alguns harmônicos se
somam e outros se cancelam. O resultado é
um som mais “cheio”, semelhante ao efeito
conhecido como “chorus”, uma sonoridade
encorpada, com uma ondulação contínua
e dinâmica.
Experimente variar o ajuste fino da afinação.
À medida que se aumenta a diferença entre
as frequências (para cima ou para baixo), o
som vai ficando desafinado, criando tensão,
e até causando sensação de desconforto.
Figura 4 – Ajustes no Elek7ro para produzir duas ondas dente-de-serra
com uma pequena diferença (1%) de afinação entre elas, e a sua imagem
no osciloscópio
Exemplo sonoro 2 – dente de serra no oscilador 1 + dente
de serra do oscilador 2 (com diferença de 1% entre as
frequências)
44 / maio 2019
Agora experimente triplicar a onda dente-
de-serra, usando os osciladores 1 e 2 e mais
o oscilador Sub, todos eles produzindo a
mesma onda, mas com pequenas diferenças
de frequência (Figura 5).
Perceba que o timbre ficou ainda
mais encorpado, mais dinâmico e,
consequentemente, bem mais interessante.
É importante ressaltar que quanto
mais ricas e mais dinâmicas forem as
sonoridades produzidas nos osciladores,
mais interessantes ainda ficarão ao serem
processadas posteriormente no filtro.
Outra possibilidade é somar ondas iguais,
mas em regiões de oitava diferentes. Vamos
ajustar o oscilador 2 para produzir uma onda
dente-de-serra idêntica à do oscilador 1, mas
vamos ajustar sua afinação para uma oitava
abaixo em relação ao oscilador 1. Nesse
sintetizador, o botão SEMI permite descer
ou subir a afinação em até 12 semitons
(1 oitava). Com esse botão na posição
central, o oscilador fica na região padrão.
Experimente também variar o ajuste fino da
afinação (Figura 6).
Ainda explorando o ajuste de semitons,
Figura 5 – Ajustes no Elek7ro para produzir três ondas dente-de-serra
com pequenas diferenças de afinação entre elas, e a sua imagem no
osciloscópio
Exemplo sonoro 3 – dente de serra no oscilador 1 + dente
de serra do oscilador 2 + dente de serra do oscilador Sub
teclas & afins

Figura 6 – Ajustes no Elek7ro para produzir duas ondas dente-de-serra,
com uma delas ajustada para uma oitava abaixo
Exemplo sonoro 4 – dente de serra no oscilador 1 + dente
de serra do oscilador 2 uma oitava abaixo
vamos agora afinar o oscilador 2 para sete
semitons acima do oscilador 1. Para isso, vá
girando devagar o botão SEMI no sentido
horário, até chegar em sete semitons.
Isso produz uma sensação de que há
dois instrumentos tocando, e funcionará
melhor conforme a melodia executada e a
harmonia de base (Figura 7).
Experimente usar o oscilador Sub com
ajustes diferentes de semitom. Experimente
alterar também o ajuste de semitom do
oscilador 1. Os resultados poderão ser
muito interessantes também.
Enquadrando os pulsos
Os experimentos propostos até aqui com a
Figura 8 – Ajustes no Elek7ro para produzir no oscilador 1 uma onda do
tipo pulso com 50% de largura, e a sua imagem no osciloscópio
Exemplo sonoro 6 – onda pulso 50% no oscilador 1
teclas & afins
sintese sonora
Figura 7 – Ajustes no Elek7ro para produzir duas ondas dente-de-serra,
com uma delas ajustada para sete semitons acima
Exemplo sonoro 5 – dente de serra no oscilador 1 + dente
de serra do oscilador 2 ajustado para 7 semitons acima
forma de onda dente-de-serra também se
aplicam a outras ondas (Figura 8).
Agora vamos ajustar o oscilador 2 para
produzir uma onda pulso idêntica à do
oscilador 1, mas vamos alterar levemente
sua afinação (aproximadamente 1%) em
relação à onda do oscilador 1, da mesma
maneira que fizemos no exemplo de duas
ondas dente-de-serra (Figura 9).
Assim como fizemos com a onda dente-
de-serra, experimente alterar os ajustes
de afinação (FINE) dos osciladores, assim
como os ajustes de semitom, para ouvir
diferentes resultados.
Para concluir este artigo, embora o assunto
não termine por aqui, já que há muitas
Figura 9 – Ajustes no Elek7ro para produzir duas ondas do tipo pulso com
uma pequena diferença (1%) de afinação entre elas, e a sua imagem no
osciloscópio
Exemplo sonoro 7 – pulso 50% no oscilador 1 + pulso 50%
no oscilador 2 (com diferença de 1% entre as frequências)
maio 2019 / 45
sintese sonora

outras possibilidades, vamos produzir

alterações na largura da onda pulso.
Primeiro, experimente fazer esse ajuste
manualmente, usando o botão PW (“pulse
width”) do oscilador 1. Não use o oscilador Figura 10 – Alterando manualmente a largura do pulso (PW) é possível
obter diferentes timbres
2 neste caso (Figura 10).
Agora vamos usar um recurso mais
avançado, que é a “modulação” da largura
do pulso automaticamente pelo LFO1.
Este recurso permite obter, com um só
oscilador, um som bem encorpado, muito
semelhante ao obtido pela dobra de duas
ondas. Para fazer isso, use o oscilador 1
com a forma de onda pulso e, em seguida,
configure apropriadamente o LFO1: a onda Figura 11 – Modulando continuamente a largura do pulso por meio do
moduladora é senoidal (SINE) e o destino LFO
do LFO1 é a largura do pulso do oscilador
1 (PW1). Ajuste a velocidade de modulação Exemplo sonoro 8 – largura do pulso modulada
continuamente pelo LFO
(RATE) e a intensidade da modulação
(INTENSITY), para que o som fique como
desejado.
No próximo artigo continuaremos
experimentando os osciladores com os
LFOs. Até lá!

Referências
HOWARD, David; ANGUS, Jamie. Acoustics and Psychoacoustics.
Elsevier. London, UK, 2006.
JARRE, Jean-Michel. Oxygene, Part 2. Disques Dreyfus. France, 1976.
KUNZ, Patrick. TAL-Elek7ro Tutorial. Togu Audio Line. Switzerland,
2009. Disponível em https://tal-software.com/downloads/docs/
TAL-Elek7ro-UserManual.pdf

Miguel Ratton
Engenheiro em eletrônica, e há mais de trinta anos atua no segmento de tecnologia musical, realizando projetos de
equipamentos e sistemas, manutenção de sintetizadores e prestando consultoria técnica. É autor de vários livros sobre
MIDI, áudio e sintetizadores. Para saber mais, visite ratton.com.br e facebook.com/m.ratton.eng.tec

46 / maio 2019 teclas & afins

bit.ly/EK-50

WWW.KORG.COM.BR
ESTUDIO POR nilton corazza

Os segredos de
Dark Side Of The Moon
Efeitos inusitados e inéditos, técnicas
arrojadas e muita criatividade fizeram do
álbum da banda Pink Floyd um marco na
história da produção fonográfica

A banda inglesa Pink Floyd iniciou suas
atividades na década de 1960 como um
conjunto de rock que, gradualmente, foi
desenvolvendo seu lado experimental e
psicodélico até a gravação do primeiro disco,
The Piper at the Gates of Dawn, em 1967. Já
durante a turnê, o guitarrista David Gilmour
substituiu o compositor e líder do grupo,
Syd Barrett, que perdeu sua sanidade por
causa do abuso de drogas. Com a saída de
seu principal membro, a banda passou por
um grande período de busca por uma nova
identidade. Vários álbuns e turnês depois,
eles atingiram o auge de suas carreiras –

48 / maio
janeiro
20192019 teclas & afins
 ESTUDIO

segundo eles próprios – com a criação de

Dark Side of The Moon.
Detalhes
O disco abre com o som de um coração
batendo, acompanhado de algumas falas e
sintetizadores. Esses sons permeiam o disco
todo e “amarram” as faixas, mantendo uma
coesão sonora que se interrompe apenas
no meio do álbum, por causa dos dois
lados do disco de vinil. O coração batendo
foi gravado com o bumbo da bateria
processado e é um dos primeiros samples
em loop do rock. Ele pode ser ouvido ao
longo de todo o disco – algumas vezes
em destaque, outras em volume quase
imperceptível.
Muitas músicas apresentam experimenta-
ções inovadoras de estúdio. Uma delas é Dark Side of The Moon
“On The Run”, faixa instrumental em que Dark Side of The Moon, da banda inglesa
foi usado um dos primeiros sintetizadores Pink Floyd, é o álbum recordista de
portáteis comercializados, o EMS VCS3. tempo nas paradas britânica e americana
Com ele, era possível tocar um pequeno e o terceiro mais vendido na história
trecho em um teclado e repeti-lo indefini- da música. Lançado em 1973, o disco
damente, acelerando-o e alterando sua so- ficou quase 14 anos entre os 200 mais
noridade com osciladores. vendidos nos Estados Unidos e, ainda
Essa é a essência e o segredo dessa música, hoje, vende a média de quase dez mil
que buscava, segundo a banda, o “som do cópias por semana.
futuro”. Mas não é a única ferramenta para a
sonoridade atingida. Além do VSC3, foram coletiva, todas as letras são do baixista
usados vários efeitos diferentes, como o Roger Waters. Ele gravou a maior parte
som de uma pessoa correndo em volta de das criações em um estúdio portátil antes
um microfone no estúdio e muitos outros de levar as versões finais do texto para a
de guitarra, que soam como sintetizadores banda. O original de “Money”, por exemplo,
ou processos alternativos. Outra pode ser encontrado na internet.
experimentação muito bem-sucedida é a Algumas técnicas de estúdio foram
da música “Money”. Graças ao riff de baixo, aperfeiçoadas durante a produção.
poucos ouvintes percebem que ela tem Uma delas foi a gravação de vozes
uma pulsação pouco usual para uma banda repetidamente. Utilizada originalmente
de rock. Fora o solo de guitarra, em que o para aumentar a força de uma única voz,
grupo toca em 4/4, a música é em 7/8, e foi usada juntamente com muito reverb
certamente, é um dos maiores sucessos para ampliar a espacialidade, já que, nesse
comerciais em compasso alternado. período, ótimos compressores estavam
Apesar do disco ser uma grande criação sendo amplamente empregados. A voz

teclas & afins janeiro

maio 2019 / 49
ESTUDIO
Rck Wright, David Gilmour e o sintetizador EMS VCS3
do guitarrista David Gilmour pode ser
claramente ouvida fazendo harmonias
com ela mesma na maioria das músicas.
Acompanhado pelo tecladista Richard
Wright, esse efeito criou a sonoridade de
voz da banda nesse período.
Uma operação cirúrgica de corte e colagem
de fita resultou nos loops de moedas e
caixas registradoras ouvidos em “Money”.
Para obter o tempo correto das amostras,
um gravador de rolo foi adaptado para
tocar um trecho de fita circular, que
atravessava a sala por conta de seu
tamanho, dando a volta sustentado por
um tripé de microfone. O mesmo processo
foi utilizado para obter o delay na faixa “Us
and Them”, que nenhum reverb da época
poderia produzir.
Outra incrível manobra para produzir sons
inéditos à época foi a introdução de “Time”.
Para obter o efeito de vários relógios
50 / maio
janeiro
20192019
tocando juntos, vários reprodutores de rolo
foram espalhados pelo estúdio, com sons
de diferentes relógios. Uma orquestração
organizada pelo engenheiro de som
Alan Parsons resultou em uma cacofonia
organizada de alarmes.
As músicas foram desenhadas para criar
um conjunto, estabelecendo a premissa
de disco conceitual para o Pink Floyd
que seguiria nos principais discos de sua
carreira. Para aumentar a coesão, Roger
Waters elaborou um baralho com questões
escritas, e entrevistou várias pessoas
presentes às gravações – porteiros,
técnicos de som e até Paul McCartney,
que gravava na sala ao lado. No baralho,
questões simples como “o que você comeu
ontem?” até a preferida de Waters, “quando
foi a última vez em que você foi violento?”.
O produto dessas entrevistas são as frases
que atravessam o disco todo.
teclas & afins
 ESTUDIO

Não havia nenhuma automação na mesa

de som e organizar esse mar de canais de
efeitos e instrumentos demandou toda
a banda na console durante a mixagem.
Um grande painel era criado, com a
instrução dos canais ao longo da música.
No fim, a mixagem era muito parecida
com uma performance, com várias pessoas
controlando faders em tempo real.
É importante perceber que nenhuma música
do disco é extremamente complexa. Ao
contrário. A tentativa da banda era sempre
deixar espaço – o que era preenchido com
efeitos e timbres inéditos. Assim, muito mais
do que a maioria dos discos, Dark Side of
The Moon tem sua essência extremamente
ligada ao trabalho realizado em estúdio
de utilização criativa de equipamentos e
pesquisa sonora. Por sua qualidade técnica,
ainda é utilizado por muitos produtores e
audiófilos como referência sonora. Mapa multimídia para as apresentações ao vivo de Dark Side of the Moon

teclas & afins janeiro

maio 2019 / 51
acordeon sem limites Eneias Bittencourt

© Flavian Hautbois @ unsplash.com

teclas & afins


Tensão ao tocar
Afinal... que tensão é essa?
Como costumo dizer, nem só de música vive
um músico... Muito se fala em tensão ao
tocar, assunto recorrente principalmente
no meio acadêmico. Mas, ouvindo alguns
relatos e procurando observar a orientação
de alguns professores, percebo que o termo
“tensão” não é muito bem empregado,
apesar de, na maioria das vezes, ser
entendido até certo ponto.
Descobri que a referida “tensão”, na
verdade, é inocente nessa história, e que
o ideal seria uma adequação nos termos.
Vejamos o que significa “tensão” em
diferentes ramos da ciência.
Eletricidade - Alta tensão: tensão muito
elevada, superior a 1.000 volts em corrente
alternada e a 1.500 volts em corrente
contínua; diferença de potencial entre dois
pontos de um circuito elétrico;
Medicina (fisiologia) - Tensão alta.
Hipertensão; Tensão arterial: pressão do
sangue sobre a parede das artérias (tensão
sistólica ou máxima, que corresponde
à sístole ventricular, e tensão diastólica
ou mínima, que corresponde à diástole
ventricular); Tensão pré-menstrual:
conjunto de sintomas sentidas por
algumas mulheres nos dias que antecedem
a menstruação, como é o caso de tensão
mamária, dor de cabeça, irritabilidade,
insónia, ansiedade, fadiga, etc.; síndrome
pré-menstrual;
Psicologia - Tensão de espírito. Grande
preocupação; em psicologia social,
representa o pródromo de um conflito mais
ou menos agudo, numa família ou num
teclas & afins
acordeon sem limites
grupo, entre coletividades ou entre nações;
Física - Tensão dos gases. Pressão que
os gases exercem sobre as paredes dos
recipientes; Maior valor da pressão que um
vapor pode suportar sem se condensar;
Tensão superficial: Ação de força que tende
a diminuir a extensão da superfície livre dos
líquidos, e cujo valor é o da força tangencial
à superfície, por unidade de comprimento.
As mãos e os pulsos
Nossas mãos são os mais úteis de nossos
órgãos de movimento, e são ferramentas
muito desenvolvidas. As máquinas podem
ser construídas para copiar alguns dos
movimentos das mãos, mas não é possível
copiar a enorme variedade de suas
habilidades. As mãos podem mover-se
delicada e vagarosamente, ou rapidamente
com força considerável.
Com nossos dedos e polegares, podemos
segurar objetos de qualquer forma, e, por
causa de nossos braços comparativamente
compridos, temos um longo alcance. A
importância das mãos é tanta, que uma
grande parte do cérebro é usada para
controlá-las. Grande número de pequenos
músculos tem que ser controlados e estão
ligados ao cérebro por muitos nervos. Vários
tipos de articulações são encontrados na
mão e no braço, para permitir movimentos
livres, mas vigorosos. Articulações simples
do tipo dobradiça permitem aos dedos se
movimentarem para cima e para baixo, mas
o polegar é articulado mais livremente, de
modo que ele pode mover-se diretamente
sobre a palma da mão. Este polegar “oposto”
maio 2019 / 53
acordeon sem limites
Art Van Damme: movimento estranho
é que faz nossas mãos tão ágeis em pegar
objetos. Tente pegar uma moeda sem usar
o polegar e você se certificará.
No pulso, há muitos ossos pequenos
e quase quadrados que permitem à
mão girar. O pulso também pode rodar
quando os dois longos ossos do antebraço
giram na articulação do cotovelo. Todo o
nosso corpo precisa de músculos para se
mover. Existem músculos voluntários e
involuntários. Quando um músculo está
completamente relaxado, ele é muito mole,
mas alguma tensão, ou tono, é necessária
para manter o músculo sadio. Alguns sinais
nervosos estão sempre passando para cada
par de músculos opostos, mantendo-os em
suave contração. Sem o uso constante, eles
se tornam flácidos e fracos, e se atrofiam.
Isso acontece frequentemente quando um
braço ou perna quebrada é mantida rígida
pelo gesso enquanto o osso se recompõe.
54 / maio 2019
O músculo perde a sua massa, mas logo
recupera o tamanho original por meio de
exercícios. Uma abordagem científica do
ramo da medicina, explora o que ocorre
quimicamente. Eis um trecho de um estudo:
“Portanto, tudo começa quando o nível de
estresse aumenta e o corpo recebe mais
hormônios que afetam diretamente os
músculos, causando a tensão muscular.
A circulação sanguínea acaba recebendo
menos oxigênio e nutrientes, refletindo
na sensação de fadiga acompanhada de
fortes dores”. Este texto se refere às tensões
musculares manifestadas com dores. Vejam
que essas dores não tem nada a ver com
o movimento, força. Aí o termo “tensão” é
utilizado para enfatizar as dores musculares.
Analisando estas informações fica
evidente o óbvio: tensão está relacionada
à movimento que está relacionado à força!
Mas afinal, de qual tensão estamos falando
quando tocamos nosso instrumento?
A verdade é que o termo utilizado em
ergonomia musical é insatisfatório ao
ser definido com apenas uma palavra. A
confusão também envolve a LER (lesão por
esforço repetitivo).
A LER pode se instalar por força em excesso
e de maneira desordenada em relação à
fisiologia do órgão em questão. É impossível
você executar um arpejo por mais de uma
oitava com uma considerável abertura dos
dedos sem ter que exercer força! Em física,
tensão é resultado da força! Viram como fica
confuso? Algumas aberturas de acordes
exigem que você faça força! Isso é tensão?
Isso deve ser corrigido e evitado como
dizem alguns professores? Como conseguir
uma boa abertura de dedos com a mão
relaxada? Como escrevi no início, de certo
modo compreendemos quando alguém
é advertido quanto à “tensão” ao tocar.
Acontece que, na verdade, essa “tensão” se
teclas & afins
 acordeon sem limites

refere a músculos que estão participando que deve ser analisado individualmente.
da ação sem necessidade. Não é raro ter de Quem duvida que, se Art Van Damme na
chamar a atenção de alunos - ao executarem sua adolescência tivesse um professor
um trecho mais “difícil” do estudo ou peça rigoroso e inflexível, ele não poderia até
- por levantarem a ponta do pé, enrolar a mesmo ter optado por outro instrumento?
perna esquerda no pé da cadeira, abrir ou Falamos de mãos. Vamos agora para o
fechar o fole descontroladamente, afora ombro esquerdo, um problema para
as expressões faciais. Tudo isso pode ser muitos.
efeito de expressão, sentimentos à flor da
pele. Mas, se a causa for de ordem motora, Ombro
ou seja, falta de coordenação, esta deve Dor no ombro esquerdo pode se agravar
ser corrigida. e levar a uma LER. Esse problema seria
Art Van Damme, um notável acordeonista eliminado ao tocar sentado. Mas, sabemos
de jazz americano que viveu entre 1920 que nem sempre é possível. Parece que parte
e 2010, tinha um jeito bem peculiar ao da expressão e da interação com o público
tocar em pé. Ao fechar o fole, ele escorava fica comprometida. Um instrumento de
o teclado - na parte superior - com um pouca qualidade aliado a uma captação
movimento esquisito do ombro direito. de som com pouco ganho ou retorno
Não sei ele sofria de alguma LER por conta insatisfatório são fatores que podem
disso. O fato é que, quem o conheceu, fazê-lo ter de forçar, puxar em demasia o
percebeu que isso não o atrapalhou em fole do acordeon. Exercícios físicos são
nada no tocante à sua virtuosidade ao importantes - um pouco de musculação
instrumento. - assim como pausas para alongamentos.
Tensão como resultado de força é Instrumento ergonomicamente encaixado
necessária. Os cuidados que devemos no corpo, correias adequadas, tamanho
ter são se essa força está sendo aplicada do instrumento, emocional tranquilo,
na quantidade certa e observar se a preparado, adrenalina, mas com
postura global está alinhada de maneira relaxamento, enfim, são muitas as variáveis.
confortável. E esse conforto se deduz Até a próxima, e bons sons a todos!
depois de 15 a 20 minutos, em média.
Ansiedade também é confundida com
tensão. Alunos sedentos por tocarem
logo são tensos emocionalmente falando.
Como venho dizendo, a “tensão” observada
e corrigida ao tocar um instrumento é, na
verdade, um conjunto de procedimentos
© Divulgação - Clever Barbosa

Eneias Bittencourt
Gaúcho, é escritor e editor de material didático e luthier de acordeon. Atuou como músico profissional, arranjador e
produtor musical. Dedica-se a desenvolver soluções didáticas e técnicas para acordeon. Em 2007 lançou seu primeiro
livro, “Acordeon sem Limites”, que dá início à retomada da produção didática para acordeon no Brasil, então estagnada
por mais de 20 anos. É proprietário do primeiro site dedicado a aulas online para acordeon no Brasil.
www.aprendacordeon.com.br - leandroeneiasbittencourt@hotmail.com

teclas & afins maio 2019 / 55

arranjo comentado
“Beatriz”
Destaque na trilha sonora de O Grande Circo Místico, a
canção é uma das mais emblemáticas e de difícil execução
vocal da música brasileira
Chico Buarque e Edu Lobo uniram-se para
criar a trilha sonora de O Grande Circo
Místico por encomenda do Ballet Guaíra,
do Paraná, em 1982. A ideia veio do poema
surrealista de mesmo nome de Jorge de
Lima, escrito em 1938 e publicado no livro
A Túnica Inconsútil, inspirado em um fato
real acontecido na Áustria, no século 19. A
partir do tema, Chico Buarque e Edu Lobo
criaram a trilha sonora para a apresentação
do balé, contando musicalmente, a saga
da família austríaca proprietária do Grande
Circo Knieps e do amor entre um aristocrata
e uma acrobata, que vagavam de cidade
em cidade, apresentando os seus números
circenses.
O sucesso do espetáculo musical originou
uma longa turnê e um álbum clássico
e imprescindível da MPB, lançado em
meados de 1983, que reuniu grandes
cantores como Gal Costa, Gilberto Gil,
Simone, Tim Maia, Jane Duboc e Zizi Possi,
além dos próprios autores. Tinha formato
de álbum sofisticado, com encarte luxuoso,
com direito a desenhos de Naum Alves de
Souza para cada canção, além de ilustrar a
capa. A direção artística foi de Edu Lobo,
que dividiu os arranjos com Chiquinho
de Moraes. Depois da primeira faixa do
trabalho, “Abertura do Circo”, surge aquela
que seria a mais emblemática das canções
do álbum, a valsa “Beatriz”. Edu Lobo fez a
música em tempo relativamente curto, ao
contrário de Chico Buarque, que tardou a
finalizar a letra. No poema de Jorge de Lima,
56 / maio 2019
por rosana giosa
existia a personagem Agnes, a equilibrista.
Chico Buarque não conseguiu criar sobre
o nome - mudou-o para Beatriz – e a
transformou de equilibrista em atriz. Assim,
em uma homenagem a Beatrice Portinari,
de Dante, ele a pôs no sétimo céu, fazendo
uma das suas mais sofisticadas canções. A
composição foi uma das últimas do bailado
a ser concluída.
De entonação difícil, em razão da tessitura,
dos intervalos melódicos e das modulações,
a faixa ganhou interpretação na voz de
Milton Nascimento, que afirma: “’Beatriz’
é minha”. A escolha do intérprete foi
resolvida de imediato pelos autores, pois
somente ele, com a naturalidade de que é
capaz de fazer a passagem da voz normal
para o falsete, poderia gravar a canção.
No momento da gravação, Milton ficou no
estúdio apenas com o pianista Cristóvão
Bastos, e a versão escolhida foi a realizada
na terceira tomada. Posteriormente, foram
acrescentadas umas pinceladas de cordas
pelo arranjador Chiquinho de Morais.
Sem jamais ter entrado em paradas de
sucesso, “Beatriz” acumulou prestígio ao
longo do tempo, impondo-se por sua beleza
como um clássico da moderna música
teclas & afins
 arranjo comentado

brasileira. Tempos depois, Edu Lobo e Chico

Buarque perceberam uma coincidência: a
nota mais grave da canção cai na palavra
“chão”, e a mais aguda, na palavra “céu”.

O arranjo
Esta é uma canção ternária, extremamente
melódica, quase declamada, com pulsação
meio livre para uma interpretação mais
emocional. Sua melodia é bastante
desenhada e sua harmonia muito rica, de
forma que, por si, esta canção já encanta
e emociona, sem precisar de muito arranjo
ou de muita criatividade.
Introdução - Aqui foi reproduzida a
introdução original da gravação, por ser
muito linda e marcante, quase que parte
integrante dessa música; B - O tema cresce e a melodia é preenchida
A1 - O tema se apresenta com uma esquerda ainda mais com acordes para imprimir maior
em arpejos de colcheias e semínimas, como peso e mais densidade a esse momento;
em geral acontece em todas as canções. A3 - Se repete como no A2 e se encaminha
Alguns acordes preenchem a melodia; para a Coda;
A2 - A esquerda agora se movimenta mais, Coda - A introdução se repete, agora
basicamente em colcheias durante todo o acrescentando mais um compasso e
tempo, dando mais movimento ao tema; preparando o final.

teclas & afins maio 2019 / 57

arranjo comentado

“Beatriz”
Arranjo: Rosana Giosa Edu Lobo - Chico Buarque

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58 / maio 2019 teclas & afins

 arranjo comentado

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         

A7sus4 A7( A+7



 

    
 
 
  

 

 
 
24

 
              
     
    
      
 
 

  
 
 
  

  
  
      
 
     
   
          


A2

    
   
Gdim/D Dmaj7 Em7

 
       
 
             
28

       

  
   
  

  
     
           
  
  
  
    
  

  
 

 

  
 

  
           
              

D6/F 
      
Gmaj7
 

 
 

   
 

 


 

 
   

             
32

 
  
    
                            
          
         

teclas & afins maio 2019 / 59

arranjo comentado

G  dim B  dim
    
D/A

       
 
 
  
  
 

 


 
   
  
  
   
36

  
 
   
  
    
    
  
 
 


 
                          
         
         

F  m7/C 
  
Bm7

 


        
D7/C



 
 
 
    
 
   
               

          
40

 
 
  
   
  
   
        



    
  
     

      
          

 9)
  
       

A7sus4 A7( A+7



 

         

               
 
44


      
    
                 
    
          
  


B6 B6  E  maj

B
            
7(6/9)



   
      
 
 

   
   
  
48

 


  
      
  
    
  
 

 
 

 
 

    
    

        



        
 

  
 
 

 

 
 

 

 

    
 
    
  
 
        
   
 
60 / maio 2019 teclas & afins
 arranjo comentado

B B  +7 E  maj7(6/9) A7
    
    
       
                  
52

 
  
    
 

    

     

 
       
   
         

  
  
       
         
         
        
 

D  maj7 C7 B  maj7

          
F+7

 
 


  
   

 

   

56

    
               
     
   
   
    
 
 


 
   
   



   
 
           
   
  

      

   

B  maj7 A  7sus4
              
 9)


Am7 A7(



  

 
 
 
    
  

   
 
60

 
       
             
    
         
                    
    
             



  
A3

  
Gdim/D Dmaj7 Dmaj7 Em7


 
 
     

 
 
     
64

    
                
  
   
  

 

   
 
  
           
  
 
  
   
  

  
 

 

  
 

  
           
              

teclas & afins maio 2019 / 61

arranjo comentado

D6/F 
   
  
 
    
Gmaj7


  
 
    
 
 
  
     
     
68

  
         
    
                            
          
         

G  dim B  dim
     
 

       
D/A

   
 
    
 

 

   
 
  
  
72

   

 
  
 
          
    
     

   
 
 


 
                
 


 



       
 
      

         
        

F  m7/C 
   
 
 


 
 
 
 
 


 

  

 
 
   

 
 
 
   
 
Bm7 D7/C

 

  


  
 
 
  
  
 

  
  
 
 

   
76


 
           
   
  
  
     
  
    
    


 
 

 
 

 
 

  

  
       
          

 9)
         
A7sus4 A7sus4 A7( A+7



       

            
   
80

 
   


  
   
    
                    
    
   

         
  

62 / maio 2019 teclas & afins
 arranjo comentado

D6/F 
Coda

   
       
G9 Em7 A7sus4 Dmaj7

 

  

 
 
 
      
84

 
             
  



 
      
                  

     
     
         
   
   
G  D /F 
   
          
  
9 6 Em 7 A sus 7 4 D 6/9

             

88

 
             gg  
      gg 
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Rosana Giosa
Pianista de formação popular e erudita, vive uma intensa relação com a música dividindo seu trabalho entre
apresentações, composições, aulas e publicações para piano popular. Pela sua Editora Som&Arte lançou três
segmentos de livros: Iniciação para piano 1, 2 e 3; Método de Arranjo para Piano Popular 1, 2 e 3; e Repertório
para Piano Popular 1, 2 e 3. Com seu TriOficial e outros músicos convidados lançou o CD Casa Amarela, com
composições autorais. É professora de piano há vários anos e desse trabalho resultou a gravação de nove CDs
com seus alunos: quatro CDs coletivos com a participação de músicos profissionais e seis CDs-solo.
Contato: rosana@editorasomearte.com.br

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teclas & afins maio 2019 / 63

mundo gospel POR andersen medeiros

Tocar com banda:

timbres e performance
Não basta saber acordes, escalas, campo harmônico, riffs,
improvisação, conhecer diversos estilos musicais, ter um
repertório robusto com muitas músicas, ter muita habilidade
e ainda um teclado com muitos timbres, se o músico não
souber como utilizar tudo isso.

Todo músico precisa extrair o melhor de Estilo musical

cada timbre, fazendo uso dele na hora certa Quando se altera o estilo de uma
e de forma correta de acordo com o que ele música, não só a performance pode ser
pede, mas tudo depende da situação ou do modificada, mas também os três elementos
contexto em que o músico está inserido, se fundamentais: melodia, harmonia e ritmo.
sozinho ou com banda. Por exemplo, se uma música de compasso
quaternário simples for modificada para o
Dinâmica estilo de blues - que tem em sua essência
No que diz respeito à dinâmica, a um compasso composto e na harmonia a
performance do músico vai depender da aplicação da sétima menor ou dominante
parte em que a música está. Gostaria de -, naturalmente a melodia e os movimentos
conjecturar de forma bem simples sobre de performance serão alterados por causa
as partes da música para nos ajudar a do ritmo e da harmonia.
entender como se portar musicalmente. A
divisão atual da música cantada na igreja - Prática com banda
e em outros segmentos – é: estrofe, refrão O que vamos falar aqui é algo voltado
e ponte. Gosto de pensar que essa divisão especificamente para a performance
é como se a música estivesse transmitindo dos timbres. Nosso interesse em falar
a mesma mensagem de formas diferentes, apenas sobre os timbres é fundamentado
em que a estrofe faz uma introdução (com na realidade deficiente que vivemos
uma dinâmica suave), o refrão seria o atualmente na igreja, em que os músicos
ponto culminante (em que a mensagem é não se olham enquanto tocam e, muitas
transmitida com todas as forças) e a ponte vezes, não se escutam, o que faz que
seria a parte onde se dá ênfase na mensagem toquem a mesma coisa gerando conflitos.
(com uma abordagem intermediária, Posso citar aqui uma das cenas que
apontando de volta para o refrão). presenciei repetidas vezes: um pianista/

64 / maio 2019 teclas & afins


tecladista tocando na banda de uma igreja,
que, ao mesmo tempo, entrou em conflito
com baixo, violão e guitarra. Ele estava
usando o timbre de Piano tocando na região
médio-grave do teclado, o que conflitava
com o baixo, com a distorção da guitarra e
com as batidas do violão. E, para completar,
estava usando um timbre que não favorecia
em nada o momento da música. Acredito
que esse problema acontece pelo fato de
que na relação entre aluno e professor,
em geral, o conteúdo estudado é sempre
relacionado ao instrumento como um
todo, mas limitado à prática individual do
instrumento e não coletiva. E isso ocorre em
todos os instrumentos.
Em grandes universidades de música, como a
Berklee nos Estados Unidos, cada aluno, não
importando o instrumento, é direcionado
para a prática de banda com um instrutor,
onde terá músicos de outros instrumentos.
teclas & afins
mundo gospel
Desse modo, todos aprendem a como se
portar ao tocar em grupo. Quando um músico
toca seu instrumento acompanhando o
solo de alguém, tanto vocal quanto de
outro instrumento, ele está desenvolvendo
a prática de acompanhamento. Nesse caso,
será necessário explorar ao máximo as
frequências do instrumento para preencher
a ausência delas nos outros instrumentos.
Isso se aplica de igual forma a qualquer outro
instrumento de harmonia, como o violão
ou a guitarra, quando o músico precisa ser
mais virtuose para preencher a necessidade
rítmica, harmônica e até mesmo melódica,
aplicando dedilhados ou levadas na região
médio-grave, riffs ou frases nas regiões médio
e agudo, e mantendo o ritmo com grooves
para suprir a ausência dos instrumentos de
percussão.
Como exemplo muito claro de tudo isso
que estamos falando, temos o cantor João
© Tyler Milligan
maio 2019 / 65
mundo gospel

Alexandre, que faz apresentações apenas um deles, aplicando em músicas com estilo
com o seu violão, e o faz de forma sensacional, romântico, como é o caso das músicas que
com um virtuosismo completo. Apesar de chamamos de “Adoração”. Nesta edição,
ser uma demonstração com violão, em uma vamos abordar várias situações que
revista que fala de teclas, expressa muito ocorrem em músicas que chamamos, na
bem tudo que falamos. igreja, de “Celebração” ou “Louvor”, que são
Outra demonstração da liberdade que um músicas mais ritmadas. No cenário musical
músico tem ao tocar o seu instrumento atual, podemos perceber que, em geral,
sozinho, podendo explorar todas as regiões o estilo que predomina nos “Louvores” e
do timbre de piano e preenchendo o “Celebrações” é o pop rock, e é esse estilo
vazio deixado pela ausência dos outros que vamos utilizar nas aplicações.
instrumentos, pode ser vista em uma
performance minha e do saxofonista Tutorial de timbres e performance
Abdenego da Guia. Esse é o tipo de Vamos trabalhar com uma progressão de
performance que não se pode fazer quando quatro acordes na tonalidade de Lá maior
se toca com uma banda. (A - E - F#m - D), que vamos separar em
dois momentos de dinâmica semelhantes
Celebração, Louvor e Adoração a estrofe e refrão de uma música de
Há algumas edições, falei sobre três “Celebração” e divididos em vários formatos
timbres - Piano, PAD e Strings - dando uma de banda. Vamos trabalhar com os timbres
noção sobre algumas formas de usar cada de Piano Rhodes, E. Piano, Pad e Organ.

João Alexandre: e xemplo de virtuose acompanhador

66 / maio 2019 teclas & afins


Abdenego da Guia e Andersen Medeiros: piano preenchendo espaços
Estrofe
Nesta parte inicial do tema, queremos
reproduzir a dinâmica suave e discreta da
música, em que a bateria está moderada
sem muitas evoluções. Vejamos as possíveis
situações em que um tecladista pode se
encontrar.
Banda completa - Neste caso, se deve
suprimir qualquer aplicação na região grave
para não chocar com o contrabaixo. Deve-
se também evitar as levadas ou dedilhados
para não chocar com o violão ou guitarra.
Aparentemente, não sobra nada para o
teclado, no entanto, o ambiente é propício
para o uso do PAD e o Piano Rhodes
obedecendo e respeitando a performance
de cada instrumento.
Baixo e bateria – Aqui, o tecladista tem
liberdade para criar levadas e frases para
suprir a ausência do violão e da guitarra,
mas continua evitando os graves por causa
do baixo.
teclas & afins
mundo gospel
Teclado e bateria - Esta é a situação que
mais exige do músico, onde ele precisa
ser mais pianista que tecladista, e é
quando o virtuose se realiza e o iniciante
ou intermediário sofre. As duas primeiras
situações eram mais confortáveis para
músicos iniciantes ou intermediários -
pelo fato de não ser necessário tanto
virtuosismo -, mas, por outro lado, o
tecladista avançado precisa suprimir
sua habilidade para preservar o melhor
resultado coletivo.
Refrão
Podemos preservar as mesmas situações
de aplicação que reservamos para a estrofe
com a diferença de que o timbre agora
será Organ.
No vídeo tutorial, podemos ver a aplicação
das possibilidades citadas acima e as
possibilidades de performance
para cada timbre, como os
tipos de movimentos, frases ou
levadas.
maio 2019 / 67
mundo gospel

Conclusão No fim das contas, não adianta ter tanto

Sem dúvida, a lição que extraímos conhecimento, habilidade ou virtuosismo
desse conteúdo é que saber tocar não é se o som não agrada. O músico não precisa
suficiente: é necessário saber se portar em ter apenas conhecimento e habilidade,
cada contexto musical usando o timbre mas também percepção e sentimento
apropriado e aplicando os melhores para saber se portar em qualquer contexto
movimentos. Já ouvimos falar de músicos musical com timbres e performance.
que mesmo sem muito estudo conseguem
tirar do instrumento uma sonoridade
fascinante e, às vezes, infinitamente melhor
que outros com muito conhecimento.

Andersen Medeiros
Pianista, arranjador e compositor, iniciou seus estudos de piano clássico no curso de extensão da UFAL – Universidade
Federal de Alagoas, em seguida migrou para o estudo do piano moderno, em 2010 e 2013 foi palestrante do Congresso de
louvor e adoração – LOUVAÇÃO para músicos em igrejas do Estado de Alagoas. Em 2014, em viagem missionária à Cuba teve
participação na orquestra norte americana “Celebration” conduzida pelo maestro Camp Kirkland. Hoje, atua como professor
do site PianoFlix, uma plataforma de ensino para piano solo e acompanhamento por ouvido. Ensina piano online por skype à
alunos no Brasil e no exterior, pianista e líder de músicos na Igreja Batista Koinonia em Maceió, e pianista da banda TLB – The
Last Band, um projeto embrionário de jazz moderno.
www.pianoflix.com.br

68 / maio 2019 teclas & afins

vida de musico
Você está pronto?
Pois bem, viramos a chave, mas e agora, o que vem depois?
Na edição anterior de Teclas & Afins, falamos
sobre o árduo processo de “virar a chave”
para o mundo da música. Excetuando
alguns poucos privilegiados, aqui no
Brasil, uma grande parte dos músicos
inicia a carreira em atividades formais e, a
certa altura, migra para a carreira musical.
O processo, como eu disse, tem inúmeros
desafios, porém, com persistência e uma
boa dose de coragem e sangue frio é bem
possível chegar onde você quer.
Pois bem, viramos a chave, mas e agora,
o que vem depois? A primeira pergunta
que precisamos ter em mente é: “Eu estou
pronto?”. Bem, geralmente a resposta é
“não”. Se for “sim”, reavalie e peça para
pessoas do ramo te ajudarem a responder,
ou use o poder da observação para isso.
Compare-se com seus ídolos - não no
palco, mas fora dele -, saiba como eles
trabalham, suas posturas, suas rotinas de
estudos, esteja próximo de quem já cresceu
teclas & afins
por WAGNER CAPPIA
(e passou todos os perrengues), olhe para
você e responda: “Eu estou pronto?”.
Mas, o que é afinal estar pronto? Como eu
disse acima, apesar de toda dificuldade, se
você trabalhar duro, é muito possível que
chegue lá. Estar pronto significa que, uma
hora ou outra - usando uma expressão que
acredito fazer muito sentido -, “o telefone
vai tocar”. Nessa hora, não haverá tempo
para “correr atrás”, nem para desculpas por
que você está “na correria”. Ou você está
pronto, ou dará lugar para o próximo da fila.
Sim! Duro assim! Sem segundas chances,
sem “brodagens”, sem “molecagens”.
Sejá lá qual for sua especialidade, o
instrumento, a voz, não importa, você
precisa estar muito bem treinado para
assumir um compromisso hoje e resolver o
problema. Não é amanhã nem o mês que
vem: é hoje. Um grande amigo meu, que
este ano sobe ao palco do Rock´n´Rio (e
já pisou no Lollapalloza e outros eventos
© Elena G @unsplash.com
maio 2019 / 69
vida de musico universo progressivo

©Christian Spie @unsplash.com

monstruosos), recebeu uma ligação em colaborativa e não somente por interesse
uma segunda-feira, para um ensaio teste pessoal. Deve haver disponibilidade, troca,
na terça-feira. Nesse ensaio, ele deveriaparceria... Assim, as pessoas certas (que
tocar um set completo de músicas do são parceiras, disponíveis etc.) estarão ao
artista, além de utilizar um pad digital seu redor e, melhor, podem e vão agregar
para reproduzir a sonoridade exata de valor à sua persona. Mas nunca se esqueça:
cada música (pad esse que ele não tinha enão adianta ter uma relação próxima com
sonoridades essas que foram enviadas com alguém influente se você não está pronto,
erros de edição grosseiros para que ele ou, pelo menos, não deixe claro quem você
corrigisse e utilizasse). Foi uma noite longa,
é e em que estágio está. Não podem haver
mas, no dia seguinte, ele estava lá, pronto,
surpresas, geralmente negativas, o que fará
com pad, timbres corrigidos, tocando tudoque aquele contato incrível se torne um
o que precisava. ponto de resistência igualmente incrível
para sua escalada. Seja limpo, sempre.
Networking Para criar um networking, é preciso ser
Além da competência musical, foi alguém, em evidência ou não, mas alguém,
necessária uma habilidade de organização ter uma persona delineada. O artista
dos trabalhos, foco e um elemento que é não pode ser comum, não precisa ser
vital: networking. Ninguém é ninguém necessariamente extravagante, mas não
sozinho nesse meio. Nem - e muito menos pode ser comum.
- um artista solo, antes que você pense Não existe uma regra para isso. Não se pode
nisso. O networking leva tempo para ser - ou não se deve - focar nas pessoas pela
construído, trabalhado de forma limpa e sua evidência apenas para tirar proveito.

70 / maio 2019 teclas & afins

 vida de musico

Ser colaborativo com todos a sua volta,
“celebridades” ou não, é o que fará seu
networking poderoso e fará que os mais
experientes te respeitem pelo que você é e
executa, não pela sua lábia.
Mas, de novo, um poderoso networking
não vai ajudar muito se, quando o telefone
tocar, você não estiver pronto. Estude muito.
Estude música, técnica, comportamento,
tendências, referências (por cronologia),
novos artistas, produções, estilo,
visual, redes sociais, seja obcecado por
informação relevante. Não tenha preguiça,
nunca! Invista em equipamentos, roupas,
acessorios, conhecimento e estude, estude
mais e mais, pois um dia irão te perguntar
como foi quando o telefone simplesmente
tocou e era o manager de um grande artista
do outro lado da linha. Espero de coração
que a sua resposta seja: “demorou anos
para eu me tornar alguém da noite para o
dia, mas neste dia, eu estava pronto”.

Wagner Cappia
Iniciou seus estudos em piano clássico em 1982, com formação pelo Conservatório Dramático Musical
de São Paulo. É sócio-diretor do Conservatório Ever Dream (Instituto Musical Ever Dream), tecladista,
compositor e arranjador da banda Eve Desire e sócio-proprietário e responsável técnico do estúdio
YourTrack. Músico envolvido na cena metal, procura misturas de estilos que vão desde sua origem natural
na música erudita até a música contemporânea, mesclando elementos clássicos e de ambiente em suas
composições. Especialista em tecnologia musical, performance ao vivo para tecladistas, coaching para
bandas, professor de piano, teclado e áudio.
www.cappia.com.br - www.evedesire.com - www.institutomusicaleverdream.com

teclas & afins maio 2019 / 71