Período Clássico (música)

O período clássico foi uma era da música clássica entre aproximadamente 1730 e 1820 e
situa-se entre os períodos barroco e romântico. A música clássica tem uma textura mais clara
do que a música barroca e é menos complexa. É principalmente homofônico, usando uma linha
melódica clara sobre um acompanhamento de acordes subordinados, mas o contraponto não
foi de forma alguma esquecido, especialmente mais tarde no período. Também faz uso
do estilo galant que enfatiza a elegância leve em lugar da seriedade digna e grandiosidade
impressionante do barroco. A variedade e o contraste dentro de uma peça tornaram-se mais
pronunciados do que antes e a orquestra aumentou em tamanho, alcance e poder.
O cravo foi substituído como instrumento de teclado principal pelo piano. Ao contrário do cravo,
que dedilha as cordas com penas, os pianos batem nas cordas com martelos revestidos de
couro quando as teclas são pressionadas, o que permite ao músico tocar mais alto ou mais
suave (daí o nome original "fortepiano"; em contraste, a força com que um executante toca as
teclas do cravo não altera o som). A música instrumental foi considerada importante pelos
compositores do período clássico. Os principais tipos de música instrumental foram sonata,
trio, quarteto de cordas, quinteto, sinfonia (executado por uma orquestra) e o concerto solo,
que apresentava um músico virtuoso tocando uma obra solo para violino, piano, flauta ou outro
instrumento, acompanhado por uma orquestra. A música vocal, como canções para um cantor
e piano (nomeadamente a obra de Schubert), obras corais e ópera (uma obra dramática
encenada para cantores e orquestra) também foram importantes durante este período.
Os compositores mais conhecidos desse período são Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus
Mozart e Franz Schubert; outros nomes notáveis incluem Carl Philipp Emanuel Bach, Johann
Christian Bach, Muzio Clementi, etc. Beethoven é considerado um compositor romântico ou um
compositor do período clássico que fez parte da transição para a era romântica. Schubert
também é uma figura de transição, assim como Niccolò Paganini e tantos outros. O período é
às vezes referido como a era do Classicismo vienense, já que Gluck, Haydn, Salieri, Mozart,
Beethoven e Schubert trabalharam em Viena.

Classicismo
Em meados do século XVII, a Europa começou a se mover em direção a um novo estilo de
arquitetura, literatura e artes, geralmente conhecido como Classicismo. Este estilo procurou
emular os ideais da Antiguidade Clássica, especialmente os da Grécia Clássica. A música
clássica usava formalidade e ênfase na ordem e hierarquia, e um estilo "mais claro" e "mais
limpo" que usava divisões mais claras entre as partes (notavelmente uma melodia única e clara
acompanhada por acordes), contrastes mais brilhantes e "cores de tons" (alcançado pelo uso
de mudanças e modulações dinâmicas para mais chaves). Em contraste com a música rica em
camadas da era barroca, a música clássica moveu-se para a simplicidade ao invés da
complexidade. Além disso, o tamanho típico das orquestras começou a aumentar, dando às
orquestras um som mais poderoso.
O notável desenvolvimento de idéias na "filosofia natural" já havia se estabelecido na
consciência pública. Em particular, a física de Newton foi tomada como um paradigma: as
estruturas deveriam ser bem fundamentadas em axiomas e ser bem articuladas e ordenadas.
Esse gosto pela clareza estrutural começou a afetar a música, que se afastou da polifonia em
camadas do período barroco para um estilo conhecido como homofonia, em que a melodia é
tocada sobre uma harmonia subordinada. Este movimento significava que acordes tornou-se
uma característica muito mais predominante da música, mesmo que interrompesse a
suavidade melódica de uma única parte. Como resultado, a estrutura tonal de uma peça
musical tornou - se mais audível.
O novo estilo também foi incentivado por mudanças na ordem econômica e na estrutura social.
À medida que o século XVIII avançava, a nobreza se tornou a principal patrocinadora
da música instrumental, enquanto o gosto do público preferia cada vez mais óperas cômicas
engraçadas e leves. Isso levou a mudanças na forma como a música era executada, a mais
importante das quais foi a mudança para grupos instrumentais padrão e a redução da
importância do contínuo - a base rítmica e harmônica de uma peça musical, tipicamente tocada
por um teclado (cravo ou órgão) e geralmente acompanhado por um grupo variado de
instrumentos de baixo, incluindo violoncelo, contrabaixo, violão baixo eteorbo. Uma forma de
rastrear o declínio do continuo e de seus acordes figurados é examinar o desaparecimento do
termo obbligato, que significa uma parte instrumental obrigatória em uma obra de música de
câmara. Em composições barrocas, instrumentos adicionais podem ser adicionados ao grupo
contínuo de acordo com a preferência do grupo ou do líder; nas composições clássicas, todas
as partes eram especificamente anotadas, embora nem sempre notadas, de modo que o termo
"obbligato" tornou-se redundante. Em 1800, o basso continuo estava praticamente extinto,
exceto pelo uso ocasional de uma parte do continuo do órgão de tubos em uma missa religiosa
no início do século XIX.
As mudanças econômicas também tiveram o efeito de alterar o equilíbrio entre disponibilidade
e qualidade dos músicos. Enquanto no barroco tardio, um grande compositor teria todos os
recursos musicais de uma cidade para recorrer, as forças musicais disponíveis em uma cabana
de caça aristocrática ou pequena corte eram menores e mais fixas em seu nível de habilidade.
Isso foi um incentivo para ter partes mais simples para os músicos tocarem e, no caso de um
grupo virtuoso residente, um incentivo para escrever partes idiomáticas espetaculares para
certos instrumentos, como no caso da orquestra de Mannheim, ou partes de solo virtuoso para
violinistas ou flautistas particularmente qualificados. Além disso, o apetite do público por um
fornecimento contínuo de música nova herdou do barroco. Isso significava que as obras
deveriam ser executadas com, no máximo, um ou dois ensaios. Mesmo depois de
1790, Mozart escreve sobre "o ensaio", com a implicação de que seus concertos teriam apenas
um ensaio.
Como havia uma ênfase maior em uma única linha melódica, havia maior ênfase na anotação
dessa linha para a dinâmica e o fraseado. Isso contrasta com a era barroca, quando as
melodias eram tipicamente escritas sem dinâmica, marcas de fraseado ou ornamentos, já que
se supunha que o intérprete improvisaria esses elementos na hora. Na era clássica, tornou-se
mais comum os compositores indicarem onde queriam que os executantes tocassem
ornamentos, como trinados ou voltas. A simplificação da textura tornou esse detalhe
instrumental mais importante, e também tornou o uso de ritmos característicos, como fanfarras
de abertura que chamam a atenção, o ritmo da marcha fúnebre ou o gênero minueto, mais
importantes para estabelecer e unificar o tom de um único movimento.
O período clássico também viu o desenvolvimento gradual da forma sonata, um conjunto de
princípios estruturais para a música que reconciliava a preferência clássica pelo material
melódico com o desenvolvimento harmônico, que poderia ser aplicado em todos os gêneros
musicais. A sonata em si continuou a ser a principal forma de solo e música de câmara,
enquanto mais tarde, no período clássico, o quarteto de cordas se tornou um gênero
proeminente. A forma sinfônica para orquestra foi criada neste período (isso é popularmente
atribuído a Joseph Haydn). O concerto grosso (concerto para mais de um músico), forma muito
popular no período barroco, começou a ser substituído pelo concerto solo, apresentando
apenas um solista. Os compositores começaram a dar mais importância à habilidade
do solista em mostrar habilidades virtuosas, com escalas rápidas e desafiadoras e corridas de
arpejo. No entanto, alguns concerti grossi permaneceram, o mais famoso dos quais sendo
a Sinfonia Concertante para Violino e Viola em Mi bemol maior de Mozart.

Características principais
No período clássico, o tema consiste em frases com figuras e ritmos melódicos contrastantes.
Essas frases são relativamente breves, normalmente com quatro compassos de comprimento e
podem ocasionalmente parecer esparsas ou concisas. A textura é principalmente
homofônica, com uma melodia clara acima de um acompanhamento de acordes subordinado.
Isso contrasta com a prática na música barroca, onde uma peça ou movimento normalmente
teria apenas um tema musical, que seria então trabalhado em várias vozes de acordo com os
princípios do contraponto, enquanto mantém um ritmo ou métrica consistente por toda parte.
Como resultado, a música clássica tende a ter uma textura mais clara e clara do que o barroco.
O estilo clássico baseia-se no estilo galant, um estilo musical que enfatiza a elegância leve no
lugar da seriedade digna e grandiosidade impressionante do barroco.
Estruturalmente, a música clássica geralmente tem uma forma musical clara, com um contraste
bem definido entre a tônica e a dominante, introduzida por cadências claras. Dinâmicas são
usadas para destacar as características estruturais da peça. Em particular, a forma sonata e
suas variantes foram desenvolvidas durante o período clássico inicial e eram frequentemente
usadas. A abordagem clássica da estrutura contrasta novamente com o barroco, onde uma
composição normalmente se moveria entre a tônica e a dominante e vice-versa, mas por meio
de um progresso contínuo de mudanças de acordes e sem uma sensação de "chegada" à
nova tonalidade. Embora o contraponto tenha sido menos enfatizado no período clássico, não
foi de forma alguma esquecido, especialmente mais tarde no período, e os compositores ainda
usavam o contraponto em obras "sérias" como sinfonias e quartetos de cordas, bem como em
peças religiosas, como missas.
O estilo musical clássico foi apoiado por desenvolvimentos técnicos em instrumentos. A adoção
generalizada de temperamento igual tornou possível a estrutura musical clássica, garantindo
que as cadências em todas as tonalidades soassem semelhantes. O forte piano e depois o
pianoforte substituíram o cravo, permitindo um contraste mais dinâmico e melodias mais
sustentadas. Durante o período clássico, os instrumentos de teclado tornaram-se mais ricos,
mais sonoros e mais poderosos.
A orquestra aumentou em tamanho e alcance e tornou-se mais padronizada. O papel de baixo
contínuo de cravo ou órgão de tubos na orquestra caiu em desuso entre 1750 e 1775, deixando
a seção de cordas os sopros se tornaram uma seção independente, consistindo
de clarinetes, oboés, flautas e fagotes.
Embora a música vocal, como a ópera cômica, fosse popular, grande importância foi dada à
música instrumental. Os principais tipos de música instrumental eram sonata, trio, quarteto de
cordas, quinteto, sinfonia, concerto (geralmente para um instrumento solo virtuoso
acompanhado por orquestra) e peças leves como serenatas e divertimentos. A forma Sonata
se desenvolveu e se tornou a forma mais importante. Foi usado para construir o primeiro
movimento da maioria das obras de grande escala em sinfonias e quartetos de cordas. A forma
de sonata também foi usada em outros movimentos e em peças únicas e independentes, como
aberturas.
Wolfgang Amadeus Mozart (27 de janeiro de 1756 – Viena, 5 de dezembro de 1791) foi um
prolífico e influente compositor austríaco do período clássico.
Mozart mostrou uma habilidade musical prodigiosa desde sua infância. Já competente nos
instrumentos de teclado e no violino, começou a compor aos cinco anos de idade, e passou a
se apresentar para a realeza europeia, maravilhando a todos com seu talento precoce.
Chegando à adolescência, foi contratado como músico da corte em Salzburgo, porém as
limitações da vida musical na cidade o impeliram a buscar um novo cargo em outras cortes,
mas sem sucesso. Ao visitar Viena em 1781 com seu patrão, desentendeu-se com ele e
solicitou demissão, optando por ficar na capital, onde, ao longo do resto de sua vida,
conquistou fama, porém pouca estabilidade financeira. Seus últimos anos viram surgir algumas
de suas sinfonias, concertos e óperas mais conhecidos, além de seu Requiem. As
circunstâncias de sua morte prematura deram origem a diversas lendas. Deixou uma
esposa, Constanze, e dois filhos.
Foi autor de mais de seiscentas obras, muitas delas referenciais
na música sinfônica, concertante, operística, coral, pianística e camerística. Sua produção foi
louvada por todos os críticos de sua época, embora muitos a considerassem excessivamente
complexa e difícil, e estendeu sua influência sobre vários outros compositores ao longo de todo
o século XIX e início do século XX. Hoje Mozart é visto pela crítica especializada como um dos
maiores compositores do ocidente, conseguiu conquistar grande prestígio mesmo entre os
leigos, e sua imagem se tornou um ícone popular.