O Cubismo

O Cubismo foi um movimento artístico que se originou na Europa entre 1907 e 1908. Seus
precursores são Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1882-1963). Inicialmente,
eles buscaram inspiração na visão geometrizada de Cézanne, pois buscavam apresentar o
mundo por formas geométricas, mostrando todas as partes de um objeto no mesmo plano
como se estivessem abertos no quadro de maneira frontal para o ponto de vista do
espectador.

Considerada como a obra que deu início ao Cubismo, Les Demoiselles d'Avignon (1907) é a
obra que rompe definitivamente com a tradição clássica na pintura e com o ideal de beleza
ao apresentar uma nova maneira de se ver o mundo. Suas modelos apresentam-se
fragmentadas em planos irregulares. Duas usam máscaras africanas como referência á arte
africana, que influenciou o artista a desenvolver uma nova estética na arte.

O Cubismo dividiu-se em duas tendências, denominadas Analítico e Sintético. No Cubismo

Analítico, os artistas utilizavam apenas preto, cinza, tons de marrom e ocre para fazer suas
pinturas, pois que importava era escolher um tema e apresentá-lo de todos os lados
simultaneamente. Porém, nessa corrente, os pintores fragmentaram a figura a ponto de se
tornar impossível o reconhecimento das figuras apresentadas.

Pintada em 1911, O Poeta, de Picasso, é um bom exemplo do Cubismo Analítico pois sua
leitura só é possível a partir da análise do título da obra. Além disso, a forma fragmenta-se
de tal maneira que a imagem do referido poeta torna-se abstrata na composição.

A outra tendência dentro do Cubismo foi a colagem. Também conhecido como Cubismo
Sintético, nessa tendência, os artistas desenvolveram a técnica de colagem ao introduzir
letras, palavras, números, vidros, metal e pedaços de madeira, todos reais ou pintados,
para transmitir fragmentos do cotidiano das pessoas. Eles buscavam novos efeitos plásticos
e outras formas de atingir os limites sensitivos visuais que a pintura possa sugerir,
adicionando o sentido do tato a elas.

Observe na obra Guitarra (1903). de Picasso, a forte sugestão de colagens (técnica

chamada de papier collé) obtida pela fragmentação e sobreposição das figuras. Os pintores
do cubismo sintético buscaram tornar as figuras mais reconhecíveis em relação à tendência
analítica, contudo não de maneira realista.

A pintura de Picasso, o nome maior do Cubismo

Em 1907, a obra Les Demoiselles d'Avignon causou uma revolução no mundo da arte ao
iniciar uma forma de composição centrada na destruição da harmonia das formas com urna
fragmentação da realidade. Além disso, Picasso também foi um dos artistas mais produtivos
de sua época com trabalhos em pintura, escultura, gravura e na produção de objetos.

Uma de suas pinturas mais famosas foi concebida em 1937. No mural Guernica, o artista
representa com grande expressividade o bombardeio da cidade basca de Gernika
(Espanha) pela viação alemã, no qual morreu grande parte da população, que consista em
trabalhadores, mulheres e crianças.

Para representar esse fato, o artista utilizou o branco, o : preto e tons de cinza para pintar
fragmentos da realidade, como os clarões, partes de figuras sugestivamente humanas
e animais com desespero e violência em seus rostos.
Antes de mergulhar de cabeça no Cubismo, Picasso passou por duas fases importantes de
sua carreira conhecidas como Fase Azul e Fase Rosa. Na primeira, que se estendeu de
1901 a 1904, pintou cenas com pessoas humildes de semblantes melancólicas e tristes.
Nessas composições, predominam tons de azul com temas sobre solidão, morte e
abandono.

Perceba na obra Os pobres na praia, pintada em 1903, que as pessoas, embora muito
próximas, não se olham. Além disso, parecem estar recolhidas ao frio e a uma tristeza
profunda. Depois que se apaixonou por Femand Oliver, que seria uma de suas esposas,
sua pintura começou a apresentam tons mais avermelhados e temática circense. Na Fase
Rosa (1905-1907), Picasso pinta o universo do circo com predominância de tons de
vermelho, laranja e rosa.

Em Acrobata e o jovem Arlequim (1905), não há mais a predominância de tons de azul e as

pessoas retratadas são trabalhadoras do circo. Destaca-se o artista em vermelho.

O Abstracionismo

A principal característica da pintura abstrata é a falta de relação entre forma e cor e as

formas e cores de uma obra que imita a realidade. Por isso, em uma composição abstrata,
não temos representação de uma cena da realidade natural ou imaginada como a histórica,
mitológica e/ou religiosa. O primeiro artista a aplicar temáticas não-figurativas em suas
obras foi o pintor russo Wassily Kandinsky (1866-1944). Sua obra A Batalha, realizada em
1910, é considerada o marco inicial do Abstracionismo.

Na composição, as formas e as cores não mais imitam a realidade. Embora ainda exista um
tema, não se identificam claramente os elementos do mundo real retratado de forma
naturalista. Como ele via a pintura como uma forma próxima da música, denominou-a de
música cromática. Com o tempo, o Abstracionismo passou a ser seguido por diversos
artistas dominando o mundo da Arte, o que levou a se dividir em duas tendências: o
Abstracionismo Sensível e o Abstracionismo Geométrico. O Abstracionismo Sensível,
também chamado de Informal. é uma tendência que trabalha com formas e cores, criadas
livremente pelo artista, para sugerir elementos com pouca ou nenhuma relação com a
realidade. Kandinsky foi o artista que mais se destacou nessa modalidade de arte abstrata.

Composição 6, de Kandinsky, é o maior exemplo do Abstracionismo Informal. As formas e

cores escolhidas para compor o quadro foram selecionadas arbitrariamente pelo pintor. Não
há na obra nenhuma semelhança com objetos e seres da realidade. Trata-se de uma
pintura pura. No Abstracionismo Geométrico ou Formal, as formas em conjunto com as
cores devem ser organizadas com o propósito de demonstrar uma concepção
geométrico/matemática. Como exemplo dessa corrente, temos a obra do pintor holandês
Piet Mondrian (1872-1974), que buscava representações das coisas e seres através de um
conjunto de linhas retas - verticais, horizontais e diagonais.

Em Composição com vermelho, amarelo e azul, realizada em 1921, Mondrian delimita o

espaço a partir de concepções geométricas e cálculos matemáticos. As cores são
resumidas nas primárias, como o vermelho, amarelo e azul. e organizadas em quadrados e
retângulos delimitados por linhas pretas. Essa tendência desenvolvida pelo artista foi
denominada Neoplasticismo.
Em 1937, um grupo de artistas norte-americanos fundou a Sociedade dos Artistas
Abstratos. Eles desenvolveram um estilo de abstracionismo original. Dez anos depois,
Jackson Pollock (1912-1956) criou um estilo de pintura chamado action painting (pintura de
ação gestual). Aplicando uma técnica denominada dripping (gotejamento), Pollock usava
baldes perfurados e trinchas para gotejar e borrifar tinta nas lonas, usadas como telas.

Pollock "entrava" nas telas e, com movimentos rápidos e bruscos, pingava tinta sobre a lona
para formar suas composições.

Perceba que a obra Number One, de 1950, é o resultado da técnica de gotejamento

(dripping), criada pelo artista e de sua expressão gestual (action painting).

O Futurismo

O Futurismo foi um movimento artístico que surgiu na itália e inicialmente estava ligado â
Literatura. O primeiro Manifesto Futurista foi lançado em 1909, pelo poeta italiano Filippo
Tommaso Marinetti, e publicado no Jornal Le Figaro.
Um ano depois, em 1910, foi lançado o segundo Manifesto Futurista, este especialmente
direcionado à pintura, assinado por Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla e Gino
Severini. Nesse documento, exaltavam o futuro através da velocidade, principal símbolo do
desenvolvimento, e a mecanização cada vez maior da indústria, acompanhada do aumento
da complexidade social que se instalava nos centros urbanos.
Nesse contexto, expressa-se na pintura futurista o movimento veloz das máquinas, que é
obviamente maior que o da natureza. Para isso, eles utilizavam linhas retas e curvas
coloridas para representar a velocidade mecânica. Essas explorações tiveram grande
repercussão no Dadaísmo, no Concretismo, na tipografia moderna e no design gráfico
pós-moderno.

Na obra, o movimento do carro é concretizado pelos ângulos agudos que se formam em

direção a um ponto em comum; as cores são fortes e expressam a velocidade do próprio
veículo. Observe a proximidade do estilo do artista com a arte abstrata. O artista futurista
não está interessado em pintar um automóvel, mas em captar a forma plástica da
velocidade descrita por ele no espaço.
Umberto Boccioni (1882-1916) é o mais célebre futurista europeu. Sua escultura Formas
Únicas de Continuidade no Espaço é um marco do movimento futurista e da cultura do
modernismo europeu. Sinônimo de vanguarda e inovação, coloca-se na linha frontal na
História de Arte da primeira metade do século XX.

Pintura Metafísica

O século XX inicia-se com as incertezas políticas que levariam à primeira grande guerra na
Europa. A isso, somam-se as pesquisas no campo dos estudos psicanalíticos de Sigmund
Freud. Esses fatores levaram o ser humano a refletir sobre sua frágil condição em relação à
realidade.
Nesse sentido, surge a Pintura Metafísica na Itália, em 1911, e perdura até 1920. Seu
advento foi com Giorgio de Chirico (1888-1978), ao propor obras que visam a uma
atmosfera sobrenatural misturada com elementos figurativos e atmosfera insólita.
De Chirico abusava da perspectiva e dos arcos da arquitetura clássica para compor cenas
misteriosas com personagens sombrios.

O Dadaísmo

A Primeira Guerra Mundial (1914-1918) despertou em diversos intelectuais e artistas da

época um sentimento de revolta pelo horror trazido pelo conflito armado que envolviam seus
países. Eles reuniram-se em Zurique, na Suíça, exilados, com o intuito de criar um
movimento literário que se propunha a expressar o desprezo pela Ciência, a Religião e a
Filosofia, pois essas formas de conhecimento não foram capazes de deter a guerra.

O movimento originou-se em 1916 com o nome "Dadaísmo”. Originário de "Dadá", o termo

foi escolhido aleatoriamente pelo poeta húngaro Tristan Tzara (1896-1963), que, segundos
alguns historiadores da arte, foi achado quando ele abriu um dicionário de francês e
apontou espontaneamente a palavra "dada", que na língua francesa refere-se a "cheval"
(Cavalo). Porém, o nome do movimento não tinha um real significado a seus seguidores,
pois, para eles, a arte não possuía sentido, uma vez que o mundo se mostrava ilógico e
irracional devido à grande guerra.
Os dadaístas sugeriam que o fazer artístico não deveria ser pensado, apenas executado.
Isso significa que a arte é fruto de um automatismo psíquico; escolhendo e combinando
elementos ao acaso. Ao fazer isso, não buscavam a plasticidade de suas obras, mas uma
sátira ao pensamento racional e seus valores tão prezados, mas que levarão a algo
irracional como a guerra. Marcel Duchamp (1887-1968) foi o pintor e escultor francês que
abusou do experimentalismo e das provocações para conduzir às ideias mais radicais na
arte. Ele criou os ready-mades, que são objetos industrializados escolhidos ao acaso e que,
após uma leve intervenção, recebem um título e adquirem a condição de objeto de arte.
Com essa proposta, abriu caminho para movimentos artísticos posteriores, como o OpArt e
o Pop Art das décadas de 1950 e 1960.

O ano de 1917 foi importante para o movimento, pois, quando a Fonte de Duchamp foi
rejeitada como objeto artístico, desenvolveu-se uma nova percepção do que seria arte a
partir de então. Tratava-se de um mictório comum com assinatura e data (R.Mutt, 1917), o
qual ele mesmo chamou de Fonte.

O Surrealismo

O Surrealismo é fruto do movimento Dada. Surgiu na França em 1924, com a liderança do

poeta e escritor André Breton (1896-1966), que escreveu o primeiro manifesto do
movimento. Neste, faz a associação direta da produção da arte com o automatismo
psíquico puro.

Essa combinação cria uma arte irracional e despreocupada com a estética. Os surrealistas
conceituam a obra de arte como fruto do ilógico e das manifestações do absurdo, expressão
dos sonhos e alucinações, criando, assim, suas obras como fruto do inconsciente do artista.
O movimento divide-se em Surrealismo Figurativo e Surrealismo Abstrato. Na forma
figurativa, as composições apresentam elementos reais em temas irreais. Entre os pintores
surrealistas figurativistas, temos Salvador Dali (1904-1989).
Autor de A persistência da memória, uma das mais aclamadas obras dessa vanguarda,
tinha como filosofia a desconstrução da realidade que nos cerca, recusando, dessa forma, a
lógica normativa que comanda a vida cotidiana.

Pintada em 1927, A persistência da memória é um marco no Surrealismo por apresentar

elementos do mundo em um conjunto que mistura a realidade da vida com a fantasia da
obra. Na tendência abstrata, destacou-se Joan Miró (1893-1983) como o maior
representante de obras não figurativas e lúdicas.Suas composições brincam com o universo
da diversão infantil associado aos elementos da vida de maneira abstrata..

Interiores holandeses l, pintado em 1928, depois de uma viagem à Holanda, foi a primeira
de uma série de obras que interpretam pinturas de grandes mestres holandeses do século
XVII. Baseado na obra O tocador de alaúde (1661), de Hendrick Sordgh, Miró transforma a
obra em uma tela repleta de animação e cores vibrantes, onde os elementos abstratas da
composição dançam e se divertem.