RENASCIMENTO NA ITÁLIA
Chamou-se de renascimento o movimento cultural desenvolvido na Europa PIERO DELLA FRANCESCA: A GEOMETRIA DO HUMANO (1410-1492)
entre 1300 e 1650. Tal nome sugere um súbito reviver dos ideais Greco-romanos, o que
não é de todo correto: mesmo no período medieval o interesse pela cultura clássica não
desapareceu. Exemplo disso é Dante Alighieri (1265-1321), poeta italiano que
manifestou entusiasmo pelos clássicos. Também nas escolas das catedrais e dos
mosteiros, autores latinos e filósofos gregos eram muito estudados.
HUMANISMO: O ESPÍRITO DO RENASCIMENTO
Podemos, entender humanismo como a valorização do ser humano e da
natureza em oposição ao divino e ao sobrenatural, ideias muito presentes na Idade
Média. Os artistas do Renascimento expressaram sempre os maiores valores da época:
a racionalidade traduzida no rigor científico, na experimentação e na observação da
natureza – e a dignidade humana.
A ARQUITETURA
No período românico construíram-se templos fechados. A arquitetura gótica
buscou a verticalidade. Já o arquiteto do Renascimento buscou espaços em que as
partes do edifício parecessem proporcionais entre si. Procurou, ainda, uma ordem que
superasse a busca do infinito nas catedrais góticas.
Um dos primeiros arquitetos a expressar esses ideais foi Filippo Brunelleschi
(1377-1446). Exemplo de artista completo, foi pintor escultor e arquiteto, além de
dominar conhecimentos de matemática e geometria. Destacou-se como construtor e
teve participação decisiva na construção da catedral de Florença – Igreja de Santa
Maria Del Fiore. A construção dessa catedral começou em 1296, em 1369 as obras
haviam terminado, mas o espaço a ser ocupado por uma cúpula continuava aberto. Em
1420, coube a Brunelleschi projetá-la.
Brunelleschi baseou-se em estudos do Panteão e de outras cúpulas romanas
para construir a igreja de Santa Maria Del Fiore sobre o tambor octagonal, isto é, de oito
lados, formados pelas paredes de pedra já existentes. Construída ao longo de quatorze
anos, ficou tão integrada ao edifício que parece ter sido concebida no projeto original da
igreja.
A PINTURA
No fim da Idade Média e no Renascimento, predomina uma interpretação
científica do mundo. Sobretudo na pintura, isso se traduz nos estudos da perspectiva
segundo os princípios da matemática e da geometria. O uso da perspectiva conduz a
outra tendência do período: o uso do claro-escuro, que consiste em pintar algumas
áreas iluminadas e outras na sombra. Esse jogo de contrastes dá aos corpos uma
aparência de volume. A combinação da perspectiva e do claro-escuro, por sua vez,
contribui para dar maior realismo as pinturas, isto é, torna-as mais próxima da realidade.
Outro aspecto da arte do Renascimento, em especial da pintura, é a formação
de um estilo pessoal. Mais livre em relação ao rei e à Igreja, o artista é como vemos
hoje: um criador independente, que se expressa contando apenas com sua capacidade
de criação. Daí haver no Renascimento, inúmeros artistas de prestígio, com
características próprias.
A pintura não tem por função principal representar um acontecimento ou
transmitir emoções, como alegria, tristeza, sensualidade. Sua obra apresenta, muitas
vezes, uma composição geométrica combinada ao uso de áreas de luz e sombra.
Em sua obra O Duque e sua Esposa, é evidente a intenção do artista em
reduzir as figuras às suas forma geométricas. Há ainda um aspecto interessante: cada
personagem está isolada em um painel de madeira, mas a mesma paisagem ao fundo
estabelece a unidade entre elas. As figuras estão de perfil e parecem ter volume e
relevo. A aproximação entre a figura humana e as formas geométricas: o rosto feminino
assemelha-se a uma esfera, e o masculino a um cubo.
BOTTICELLI: A LINHA QUE SUGERE RITMO
Sandro Botticelli (1445-1510) é considerado o artista que melhor transmitiu, no
desenho, um ritmo suave e gracioso às figuras. Seus quadros – com temas tirados da
Antiguidade grega ou da tradição cristã – buscam expressar o ideal de beleza do artista.
A obra Bebendo na Fonte Greco-romana, foi pintada para decorar a casa de
um dos membros da família Médici, de Florença, essa obra tem como tema
personagens mitológicas. Ao centro está a deusa Vênus. Acima dela, Cupido dispara
suas setas que despertam o amor. A direita estão Zéfiro – o vento oeste na mitologia
grega – e, com um ramo de flor nos lábios, a ninfa Clóris, que ele captura e transforma
em Flora, a mãe das flores – a jovem de veste floridas. A esquerda estão três graças,
que formam um ciclo repetido eternamente: Aglaé representa a ação de doar, Eufrosina,
a de receber, Talia, a de devolver. Ao lado delas está Mercúrio, mensageiro dos deuses.
Como Botticelli apreciava alegorias, muitos significados podem ser atribuídos a essa
obra. Aparentemente as figuras não tem muita relação entre si, mas as vemos como um
conjunto. O que as une é a suavidade dos gestos e a paisagem em tons escuros, que
contribui para destacar as figuras claras em primeiro plano.
LEONARDO DA VINCI: O CONHECIMENTO CIENTÍFICO E BELEZA ARTÍSTICA
Da Vinci (1452-1519) teve múltiplos interesses e habilidades. Aos 17 anos, e
Florença foi aprendiz de Ferrocchio, escultor e pintor consagrado. Em 1482 foi para
Milão, onde fez um projeto urbanístico completo para a cidade: uma rede de canais e
um sistema de abastecimento de água e de esgotos, ruas alinhadas, praças e jardins
públicos. Assim como canais para transporte de mercadorias; ruas por onde pudessem
passar carroças transportando produtos necessários aos moradores; ruas e espaços
destinados apenas aos pedestres; ruas cobertas para protegê-los da chuva e onde eles
fizessem suas compras do dia-a-dia. Ele não se preocupou apenas com a beleza da
cidade, mas também com a limpeza e a saúde pública.
Por volta de 1500 o artista passou a dedicar-se a estudos de perspectiva,
óptica, proporções e anatomia. Nessa época, fez milhares de desenhos com anotações
e os mais diversos estudos sobre anatomia humana, proporções de animais,
movimentos, plantas de edifícios e engenhos mecânicos.
Da Vinci pintou pouco: o afresco mural Última Ceia e cerca de quinze quadros,
entre os quais destacam-se Mona Lisa, e A virgem e o menino. Dominou com sabedoria
o jogo de luz e sombra e criou uma atmosfera que, partindo da realidade, estimula a
imaginação do observador.
A obra a Última Ceia, feito para o refeitório do mosteiro de Santa Maria dele
Grazie, em Milão, esse afresco mural representa a última refeição de Jesus com os
doze discípulos, no momento em que ele anuncia que será traído por um deles. Da Vinci
mostra, por meio do rosto e dos gestos, principalmente das mãos, a reação de cada
discípulo. É possível perceber a impressão de movimentos na cena: é como se todos se
interrogassem, tivessem suspeitos, quisessem afastar de si qualquer suspeita. Compare
o contraste entre a inquietação dos apóstolos e a imobilidade de Jesus. Note, ainda dois
outros aspectos: primeiro, a impressão de profundidade criada pelos detalhes no forro
da sala e pelas janelas abertas ao fundo; segundo, a claridade na parte direita da cena
em oposição à parte esquerda. Sua intenção, com tais recursos, foi integrar
perfeitamente o mural ao refeitório, como se a sala representada na pintura fosse uma
continuação da sala real e a luz que ilumina a parte direita da pintura viesse das janelas
que havia a esquerda, no refeitório.
A obra Mona Lisa também conhecida como Gioconda, é a mais famosa pintura
do mundo e também a obra mais visitada do museu do Louvre, em Paris. Alguns
visitantes, porém, se decepcionaram ao constatar que ela mede apenas 77 cm de altura
por 53 cm de largura. O que mais chama a atenção é o sorriso misterioso da figura
feminina. Muitos se perguntam: ela está mesmo sorrindo? Talvez Da Vinci quisesse
provocar essa dúvida. Mais do que isso, note o efeito de profundidade e luminosidade
obtido pelo artista. Observe a impressão de profundidade dada pelos contornos cada
vez menos nítidos das montanhas, à medida que se distanciam do primeiro plano. A
água também se torna menos nítida, conforme se afasta do primeiro plano. A paisagem
de fundo, com traços e cores pouco preciosos, cria contraste com a figura feminina em
primeiro plano. Observe a fisionomia, com traços bem nítidos, as mãos e o colo. Veja
como a pele reflete bastante luminosidade em contraste com as roupas escuras. Tudo
isso mostra a capacidade de Da Vinci como pintor. Ainda assim, o que intriga o
observador é que, embora os traços da figura sejam nítidos, os sentimentos expressos
em seu rosto são imprecisos.
MICHELANGELO: A EXPRESSÃO DA DIGNIDADE HUMANA
Aos 13 anos, Michelangelo (1475-1564) foi aprendiz de Domenico Ghirlandaio,
consagrado pintor de Florença. Depois, frequentou a escola de escultura mantida por
Lourenço Médici, também em Florença. Entre 1508 e 1512, trabalhou na pintura o teto
da Capela Sistina, no Vaticano, para qual concebeu grande número de cenas do antigo
Testamento.
Na obra A Criação do Homem Rafael representa duas figuras: Deus
representado por um homem de cabelos brancos e corpo vigoroso e cercado por anjos,
estende a mão para tocar a de Adão, representado por um homem jovem, de corpo forte
e harmonioso. As duas figuras expressam o ideal de beleza do renascimento.
RAFAEL: A SIMPLICIDADE E A HARMONIA
Rafael Sanzio (1483-1520) é considerado o pintor renascentista que melhor
desenvolveu os ideais clássicos de beleza: harmonia e regularidade de formas e cores.
Tornou-se muito conhecido por pintar as figuras de Maria e Jesus e seu trabalho
transformou-se em modelo para o ensino de pintura em muitas escola mais tradicionais.
O afresco pintado no palácio do Vaticano, tem no centro os filósofos gregos
Platão e Aristóteles; a seu redor, outros sábios e estudiosos. Depois que nosso olhar
passeia pelo conjunto de figuras e busca identificar aqui e ali outras personagens, nossa
atenção volta-se para o amplo espaço arquitetônico representado na pintura. São
admiráveis a impressão de profundidade e a beleza monumental das arcadas e
estátuas. Eis, aí, o valor artístico da arte de Rafael: o modo de representar o espaço e
ordenar as figuras com equilíbrio e simetria.
A ESCULTURA
Na escultura italiana do Renascimento destacam-se Michelangelo e Andrea Del
Verrochio. Verrochio (1435-1488) trabalhou em ourivesaria, o que influenciou sua
escultura: algumas de suas obras possuem detalhes que lembram o trabalho de um
ourives – artesão que trabalha com peças de ouro. Entre elas destaca-se Davi,
escultura da personagem bíblica que venceu o gigante Golias, poderoso soldado de um
exército inimigo do povo de Israel. Quando a observamos, inevitavelmente a
comparamos ao Davi de Michelangelo, pois as duas figuras são exatamente diversas
entre si.
O Davi de Verrocchio, em bronze, retrata um adolescente ágil e elegante, em
sua túnica enfeitada cujo os detalhes lembram o trabalho em ourives. Já o Davi de
Michelangelo em mármore, apresenta-se como um jovem adulto. Observe suas mãos
colossais, que sugere força e a capacidade de trabalho e de luta. Note a cabeça e o
rosto, que expressam decisão e autoconfiança. É a imagem de um homem decidido a
contar com a própria capacidade de enfrentar com dignidade os desafios da existência.
Na escultura, a criatividade de Michelangelo manifestou-se ainda em outros
trabalhos, como Pietá, conservada atualmente na basílica de São Pedro, em Roma.
Esculpida em mármore quando o artista tinha 23 anos, esta obra mostra um
surpreendente trabalho nos detalhes, que podemos ver nas vestes de Maria que o
artista manifesta seu gênio criador: desafiando a passagem do tempo, ele retrata a mãe
de Jesus como uma mulher jovem. Sua expressão dócil contrasta com a dor do ato de
recolher o corpo do filho morto na cruz.
ATIVIDADES
1. O Renascimento caracterizou-se pelo humanismo. Nesse contexto, quais os
principais valores que os artistas da época procuram expressar?
2. Na arquitetura românica prevaleceu a ideia de solidez, com as chamadas
“fortalezas de Deus”. Na Gótica, a verticalidade, a busca dos espaços infinitos.
Responda:
a) Quais foram as ideias predominantes na arquitetura renascentista?
b) De que modo essa visão da arquitetura traduz o espírito da época?
3. Na pintura renascentista, um traço marcante é o realismo. Que recursos
técnicos, aperfeiçoados e utilizados pelos artistas da época, contribuem para
esse resultado?
4. 6 que podemos apontar de comum entre Brunelleschi e Da Vinci?Em que
medida essa característica comum expressa o espírito renascentista?