não-ator, um levantamento histórico que

abrange mais de 40 filmes, começa em

24 de novembro
Por​ ​Jordan Raup​ em 01 de novembro de 2017 em​ ​Notícias
compartilhar:

Au hasard Balthazar
The Non-Actor, uma pesquisa histórica sobre a miríade de maneiras pelas quais os
cineastas usaram os chamados amadores para reimaginar a linguagem do cinema e
investigar - e talvez fundamentalmente mudar - a relação do médium com as realidades que
ele descreve, está chegando ao filme. Sociedade do Lincoln Center 24 de novembro a 10
de dezembro.
Questões relativas ao “real” assombraram o cinema desde o início, e muitas vezes foram
entrelaçadas com o desempenho. Os cineastas há muito experimentam o uso de atores
não-profissionais, não treinados, seja para injetar uma medida da realidade documental nas
ficções, para desconstruir a própria atuação ou para desafiar as convenções da
performance da tela e do realismo cinematográfico. O não-ator emergiu uma e outra vez
como um totem de renovação, central para muitos dos movimentos mais consequentes da
história do cinema, começando com os temas de Robert Flaherty e os princípios de
"tipagem" de Sergei Eisenstein, continuando com os homens do neorrealismo italiano nas
ruas, Robert Bresson modelos, e Superstars de Andy Warhol, e percorrendo o trabalho de
inovadores tão variados como Shirley Clarke, Straub-Huillet, Agnès Varda e Pedro Costa.
A linha de mais de 40 filmes abrange a história do cinema, desde os primeiros exemplos
como o filme final de FW Murnau, ​Tabu​ , filmado no Taiti, e o ​outubro de​ Sergei Eisenstein,
no centenário da Revolução Russa; a obras modernas, como o estudo de animais de Denis
Côté em um parque de safári, ​Bestiaire​ e a fascinante ​Frownland de​ Ronald Bronstein. As
raridades incluem uma impressão de 16mm do ​Jaguar​ de "etno-ficção" de Jean Rouch; O
retrato de Susumu Hani da escola de reforma juvenil ​Bad Boys,​ que ajudou a lançar a New
Wave japonesa; ​O​ conto de moralidade visionário de Spencer Williams, ​The Blood of Jesus
; e uma exibição gratuita no Anfiteatro do Centro de Filmes Elinor Bunin Munroe de três
filmes “Movie Queen”, feitos com moradores locais da cidade de Nova Inglaterra na década
de 1930 pela cineasta itinerante Margaret Cram.
Organizado por Dennis Lim e Thomas Beard.
Os ingressos já estão à venda​ e custam US $ 14; US $ 11 para estudantes e idosos (62+); e
US $ 9 para membros da Film Society.​ ​Torne-se um membro hoje!​ Veja mais e poupe com o
pacote de desconto para 3+ filmes ou com o All-Access Pass.
Agradecimentos:
Anthology Film Archives; Cinemateca Portuguesa; os Serviços Culturais da Embaixada da
França em Nova York; Harvard Film Archive; Institut Français; Istituto Luce Cinecittà; A
coleção Jones Film and Video, Southern Methodist University; Filme Histórico do Nordeste;
UCLA Film & Television Archive; Peter Watkins; Valeska Grisebach; Pedro Costa; Ronald
Bronstein; Teemour Mambety; Miguel Gomes
FILMES E DESCRIÇÕES
WRT = Walter Reade Theatre, 165 W. 65th St.
FBT = Centro de Filmes Elinor Bunin Munroe, Teatro Francesca Beale, 144 W. 65th St.
AMP = Centro de Filmes Elinor Bunin Munroe, Anfiteatro, 144 W. 65th St.
Au hasard Balthazar
Robert Bresson, França / Suécia, 1966, 35mm, 95m
Francês com legendas em inglês
Bresson pacientemente estuda as vidas de um burro e seu proprietário ocasional (Anne
Wiazemsky em seu papel de estréia) na França rural. Ao render um mundo oprimido por
relacionamentos cruéis e exploradores, ​Au hasard Balthazar​ evoca uma rica tensão entre o
rigor formal e as narrativas trágicas e paralelas personificadas por seus dois principais
não-atores. Bresson, que usava apenas não-profissionais em frente à câmera desde o ​Diary
of a Country Priest em​ 1951, teria ficado chateado quando Wiazemsky prosseguiu na
carreira de atriz (ela apareceu em ​La Chinoise​ e se casou com seu diretor, Jean-Luc
Godard, apenas um ano). depois de ​Au hasard Balthazar​ ). Falando em 1970 sobre o poder
do não-ator, Bresson declarou: "Eu quero que a essência de meus filmes não seja as
palavras que meu povo diz ou mesmo os gestos que eles executam, mas o que essas
palavras e gestos provocam neles".
Sábado, 25 de novembro às 4:00 pm (WRT)
Terça-feira, 28 de novembro às 4:00 da tarde (WRT)
Bad Boys / Furyo shonen
Susumu Hani, Japão, 1961, 35mm, 89m
Japonês com legendas em inglês
Para aparecer em seu primeiro longa-metragem de ficção - um retrato displicente e
indisciplinado dos internos da escola de reforma juvenil - depois de fazer vários
documentários, Susumu Hani procurou jovens amadores que haviam passado pela
detenção juvenil e os encorajou a improvisar no set. No centro do filme estava Hiroshi Asai,
um ladrão de 18 anos cuja prisão se torna a ocasião para uma sucessão de peças duras e
fascinantes: confrontos entre os meninos e seus oficiais e guardas; exercícios militares;
regimes de bullying; tentativas de fuga; e flashbacks da vida do detento no exterior. Deixado
de lado pelo seu distribuidor inicial e muito debatido após seu lançamento, ​Bad Boys​ teve
uma influência imediata na cultura do cinema japonês e ajudou a lançar a New Wave na
qual Hani continuaria a ter um papel importante. ​35mm de impressão cortesia do Harvard
Film Archive.
Quinta-feira, 7 de dezembro às 4:30 pm (FBT)
Sexta-feira, 8 de dezembro, às 18h30 (WRT)
Bestiaire
Denis Côté, Canadá / França, 2012, 72m
Nem todos os não-atores precisam ser humanos. “O cinema adora enobrecer os animais,
emplastrá-los com ênfase e cenários artificiais”, escreveu Denis Côté em torno do
lançamento de seu estudo sobre avestruzes, leões, cavalos, zebras, camelos e girafas em
um parque de safári em Quebec. Em ​Bestiaire​ ele olha longa e duramente para animais não
humanos com o mínimo de pretensão possível. Os resultados são emocionantes, variados e
às vezes tristes: pôneis e girafas emoldurados contra chapas de metal corrugado;
avestruzes olhando fixamente para fora de suas canetas; um bisonte se encontrando e
retornando o olhar da câmera; uma zebra se debatendo ao redor do celeiro. Nenhum
comentário ou dispositivo de enquadramento distrai do desempenho dos animais, ou do
choque da intimidade que eles criam.
Domingo, 3 de dezembro às 20h45 (FBT)
Segunda-feira, 4 de dezembro às 16h30 (FBT)
Garota Negra / La Noire de…
Ousmane Sembene, França / Senegal, 1966, 59m
Francês com legendas em inglês
A performance magnética e devastadora de Mbissine Thérèse Diop no filme de Ousmane
Sembene é, por sua vez, dura, rápida e verdadeira em seu objetivo. Diouana deixa o
Senegal com sonhos de uma existência mais despreocupada e glamourosa na França,
onde ela consegue um emprego como empregada doméstica e babá para um jovem casal
na Riviera Francesa. Ela é gradualmente amortecida pelas intermináveis ​rotinas, tarefas e
ritmos da vida no minúsculo apartamento, e pelas insatisfações sentidas pelo marido e pela
esposa, que projetam em sua “garota negra”. O conto perfeito de Sembene, escreveu
Manny Farber. , nomeando-o o melhor filme de 1969, “é diferente de qualquer coisa na
biblioteca de filmes: translúcido e sem truques, incrivelmente puro, mas espiritualizado.” Um
trabalho formativo e revelador, e um dos melhores de Sembene. ​Restaurado pelo World
Cinema Project da The Film Foundation em colaboração com o Sembene Estate, o Institut
National de l'Audiovisuel, os laboratórios Eclair e o Centre National de Cinématographie.
Restauração realizada no Laboratório Cineteca di Bologna / L'Immagine Ritrovata.
Segunda-feira, 4 de dezembro às 20h45 (FBT)
Quarta-feira, 6 de dezembro, às 14h30 (FBT)
O sangue de jesus
Spencer Williams, EUA, 1941, 35mm, 57m
Junto com Oscar Micheaux, Spencer Williams foi um dos grandes diretores de filmes de
corrida, filmes feitos especialmente para o público afro-americano durante a era da
segregação, e seu longa-metragem de estréia, ​The Blood of Jesus​ , gravado no Texas com
um elenco praticamente não profissional. um orçamento extremamente magro de US $
5.000, foi uma das produções mais amplamente vistas de seu tipo. A imagem diz respeito a
uma mulher que, perto da morte após ser acidentalmente baleada pelo marido, se descobre
em uma encruzilhada entre a vida após a morte celestial e a condenação. Com cenas como
o seu batismo no rio de abertura, ​O Sangue de Jesus​ permanece como um documento
significativo da experiência religiosa negra na primeira metade do século 20, e um registro
da vida cotidiana que Hollywood ignorou, mas também é o trabalho de uma singular e
estilista ousado, um autor que foi capaz de realizar composições visionárias com meios
limitados. ​35mm de impressão cortesia de The Jones Film and Video Collection, Southern
Methodist University.
Sábado, 2 de dezembro às 3:30 pm (FBT)
Quinta-feira, 7 de dezembro às 9:00 da tarde (FBT)

Outubro
Nascido em chamas
Lizzie Borden, EUA, 1983, 35mm, 80m
Um clássico feminista de ficção científica, ​Born in Flames,​ é ambientado no 10º aniversário
de uma revolução socialista na América, mas enquanto ​outubro​ de Eisenstein celebra o
decênio de 1917 com uma nota de triunfo, o filme de Borden imagina um mundo em que as
promessas de uma nova sociedade ainda precisa ser cumprida. Ouvimos relatos de motins
em erupção em toda a cidade enquanto órgãos partidários pregam o incrementalismo e as
autoridades estaduais acompanham de perto a atividade contra-revolucionária. Enquanto
isso, uma rede clandestina conhecida como Exército das Mulheres recuperou as ruas de
estupradores através da justiça vigilante organizada coletivamente, e as estações de rádio
piratas condenam o racismo e o sexismo ainda em greve, transmitindo mensagens para as
mulheres sobre as revoltas que estão por vir. Impulsionado por uma trilha sonora pós-punk
e apresentando um elenco não profissional que Borden esperava que refletisse o público
em potencial do filme, ​Born in Flames​ continua sendo uma alegoria emocionante e oportuna
de rebeldia, pronta para incendiar uma nova geração. ​Preservado pela Anthology Film
Archives com fundos de restauração da Hollywood Foreign Press Association e da The Film
Foundation.
Sábado, 25 de novembro às 8:00 pm (WRT)
Segunda-feira, 27 de novembro às 4:00 da tarde (FBT)
Um dia de verão mais brilhante / Gu ling jie shao nian sha ren shi jian
Edward Yang, Taiwan, 1991, 237m
Mandarim, Min Nan e Shanghainese com legendas em inglês
Um épico profundamente pessoal comparável em escopo e impacto aos filmes de
Godfather​ e ​Once Upon a Time nos Estados Unidos de​ Sergio Leone, o extraordinário filme
de memória de Yang se estende ao longo de quatro horas de tela e mais de 100 partes
faladas. Situado no início dos anos 1960 (anos da própria adolescência de Yang) e
inspirado na história real do primeiro caso de homicídio juvenil de Taiwan, o filme segue o
adolescente rebelde Xiao Si'r (o papel de estreia de Chen Chang, anos antes de aparecer
em ​Happy Together​ e ​Crouching Tiger , Hidden Dragon​ ) quando ele atinge a idade em
meio a gangues de rua rivais e a caça às bruxas “Terror Branco” do governo do Kuomintang
de Chiang Kai-shek. Poucos filmes mais prontamente lembram os grandes e vastos
romances do século XIX e seus retratos de indivíduos comuns pegos no turbilhão de uma
sociedade em transformação.
Domingo, 26 de novembro às 13:30 (WRT)
Sábado, 9 de dezembro às 4:00 da tarde (WRT)
Fechar-se
Abbas Kiarostami, Irã, 1990, 35mm, 98m
Persa e azeri com legendas em inglês
Na exploração magistral de Abbas Kiarostami da natureza da verdade e ilusão
cinematográfica, um jovem se apresenta como o célebre diretor Mohsen Makhmalbaf, e
entra intimamente na vida de uma família sob o pretexto de que ele está procurando locais
para um novo projeto de filme. Profundamente suspeito, o pai investiga o estranho, levando
à exposição e prisão do vigarista. Nesta fase, Kiarostami e sua equipe de filmagem da vida
real entram na história para filmar o julgamento do impostor. Eventos que precedem a
prisão do jovem são dramatizados e reconstruídos, mas com as pessoas reais “tocando” a
si mesmos. ​Close-up​ tem sido amplamente saudado como uma das maiores conquistas de
Kiarostami e um dos maiores filmes da década de 1990.
Sábado, 25 de novembro às 2:00 pm (WRT)
Terça-feira, 5 de dezembro às 14h30 (FBT)
Juventude em Colossal / Juventude em Marcha
Pedro Costa, Portugal / França / Suíça, 2006, 35mm, 155m
Português com legendas em inglês
Estar juntos novamente irá iluminar nossas vidas por pelo menos 30 anos. Costa combinou
várias cartas de imigrantes cabo-verdianos para casa e uma nota escrita pelo poeta
surrealista Robert Desnos à sua esposa pouco antes da sua morte para criar a carta no
centro de um dos seus filmes mais ricos e desconcertantemente complexos. O seu autor é
Ventura, um idoso imigrante cabo-verdiano que passa os seus dias visitando os residentes
de um bairro que já não existe. Sua esposa o deixou; seus “filhos”, como ele os chama,
foram em sua maioria transferidos para projetos habitacionais estéreis; e é na carta que ele
recita ao longo do filme que todas as suas esperanças foram embaladas. ​Colossal Youth​ foi
um segundo passo à frente de Costa após o inovador ​In Vanda's Room​ . Agora parece que
essa história sombria e profundamente triste de fantasmas permitiu que ele passasse dos
estudos geograficamente enraizados das Fontainhas para os espaços mentais abstratos e
irregulares em que seu trabalho mais recente acontece. ​35mm de impressão cortesia da
Cinemateca Portuguesa.
Domingo, 10 de dezembro, às 14h30 (WRT)
O mundo legal
Shirley Clarke, EUA, 1963, 16mm, 125m
Baseado no romance de Warren Miller sobre um adolescente que navega pelas violentas
guerras territoriais e hierarquias internas das gangues do Harlem, e com uma inesquecível
trilha sonora de jazz composta por Mal Waldron e encenada por Dizzy Gillespie, ​The Cool
World de​ Shirley Clarke é um marco dos primeiros tempos americanos cinema
independente. O filme foi produzido por um jovem Frederick Wiseman, e possui uma
qualidade de documentário como resultado de suas filmagens na cidade, elenco de atores
não-atores e performances parcialmente improvisadas. “Tudo o que fiz”, declarou Clarke no
final de sua carreira, “baseia-se na dualidade da fantasia e da realidade”, e ​The Cool World​ ,
assim como muitos dos trabalhos desta série, está constantemente girando entre os dois.
Sexta-feira, 1 de dezembro, às 18h30 (FBT)
Terça-feira, 5 de dezembro às 20h45 (FBT)

Vagabundo
Dusty e Doces McGee
Floyd Mutrux, EUA, 1971, 35mm, 92m
Pam e Larry, Tip, Kit Ryder, Dusty, Sweets, Armen e Bobby Graham são pessoas reais, eles
não são atores.​ Assim começa, com este aviso, o primeiro filme de Floyd Mutrux, um dos
poucos trabalhos da série a ser distribuído por um grande estúdio de Hollywood (a Warner
Bros. lançou o filme, brevemente, no verão de 1971). Um estudo impressionista da vida
carregada em Los Angeles, estrelado por viciados em heroína reais, ​Dusty e Sweets McGee
capta os ritmos lancinantes de marcar e atirar para cima através de uma mistura artística de
episódios com scripts e verdade. Quase impossível de ver por muitos anos, o filme tem seus
campeões. “Como uma elegia para a juventude desperdiçada”, escreveu o cineasta Thom
Andersen, “ ​Dusty and Sweets McGee​ é irresistível. Nós não éramos todos viciados em
heroína, mas todos nós desperdiçamos mais ou menos a nossa juventude - e sei que hoje
não é mais fácil para os jovens. É um clichê, mas os filmes americanos eram melhores
naquela época. Filmes sobre viciados e traficantes de drogas ficaram muito mais
chamativos desde ​Dusty e Sweets McGee​ , mas eles não conseguiram recuperar seu
lirismo, seu senso de admiração ou até mesmo seu humor. ”
Quinta-feira, 30 de novembro às 20h30 (WRT)
Domingo, 3 de dezembro às 3:00 pm (FBT)
Os exilados
Kent Mackenzie, EUA, 1961, 35mm, 72m
Negligenciado por décadas antes de seu relançamento em 2008 como uma
co-apresentação do escritor Sherman Alexie e do cineasta Charles Burnett, ​The Exiles​ , de
Kent Mackenzie, relata um dia na vida de um grupo de jovens nativos americanos que
migraram do Arizona para Los Angeles. . Situada em Bunker Hill, ou melhor, uma versão do
bairro que há muito desapareceu, a imagem vai de história em história, de bar em casa para
ruas repletas de neon, e o que gradualmente se desenvolve é um comovente, quase
documental e tratamento sem precedentes da cultura da juventude indígena urbana,
atravessado pela tristeza do deslocamento, mas também por lampejos de vibração. “Em vez
de liderar uma audiência através de uma sequência ordenada de problemas - decisões -
ação e solução por parte dos personagens”, explicou Mackenzie, “procuramos fotografar os
detalhes infinitos que cercam essas pessoas, deixá-los falar por si mesmos e deixe os
fragmentos se acumularem.
Quarta-feira, 29 de novembro às 20:45 (FBT)
Sexta-feira, 1 de dezembro às 16h45 (FBT)
Apartamento é lindo
Sadie Benning, EUA, 1999, 50m
Precedido por:
Peggy and Fred in Hell: o prólogo
Leslie Thornton, EUA, 1985, 19m
Enquanto desenvolvia suas idéias em torno da tipologia e dos não-atores, Eisenstein muitas
vezes olhava para as tradições teatrais anteriores e, em particular, para o uso de máscaras,
performances baseadas “não na revelação do caráter, mas no tratamento dele, porque uma
pessoa entra em cena”. com um passaporte de caráter definido. ” ​Flat Is Beautiful de​ Sadie
Benning centra-se em uma mistura melancólica entre a identidade de gênero na classe
trabalhadora de Milwaukee. Renderizado em Super-8 e Pixelvision, o featurette onírico de
Benning toca como o mais estranho after-school de todos os tempos, uma brilhante
exploração dos modos como a vida interior pode - ou não pode - ser lida em um rosto
congelado, no qual todos os membros o elenco ostenta um papel diferente, um rosto
desenhado à mão. É aqui emparelhado com o prólogo de ​Peggy e Fred no Inferno de​ Leslie
Thornton, uma crônica profundamente idiossincrática do homônimo Peggy e Fred, duas
crianças mapeando um curso através de uma paisagem pós-apocalíptica repleta de detritos
do século XX.
Sábado, 2 de dezembro às 7:00 pm (FBT)
Frownland
Ronald Bronstein, EUA, 2007, 35mm, 106m
Ronald Bronstein conheceu Dore Mann - o ator não profissional que acabaria encarnando o
pária desequilibrado e gago no centro de seu longa-metragem de estréia - em um funeral.
"Ele se apresentou a mim como meu primo", lembrou Bronstein, "o que não era bem
verdade". Mas eles eram, de fato, parentes distantes, e Mann se comprometeu com
Frownland​ com uma intensidade feroz, mergulhando no papel desse autodescrito. troll ”,
que mora com um arrogante colega de quarto em um apartamento miserável de Brooklyn e
vende cupons de benefícios por invalidez de porta em porta. Filmado com uma equipe
pequena e um estilo ​desorganizado​ em 16mm, ​Frownland​ parecia totalmente diferente de
qualquer outra coisa quando estreou no South by Southwest. Foi um despacho de um canto
sombrio, mas energicamente excitante do mundo. E o apego de Bronstein a desajustados
sociais problemáticos não diminuiu desde então; ele co-escreveu o ​Good Time​ dos Safdie
Brothers, para o qual ​Frownland,​ em retrospecto, parece ser um importante predecessor.
Segunda-feira, 4 de dezembro, às 18h30 (FBT)
Alemanha ano zero
Roberto Rossellini, Alemanha / Itália, 1948, 35mm, 73m
Italiano com legendas em inglês
Em 1947, Roberto Rossellini estava procurando em Berlim por um adolescente alemão não
profissional para interpretar o personagem central nesta visão sombria de um menino à
deriva nas ruínas do pós-guerra da cidade. Uma noite, ele visitou o circo em uma cotovia
("ele estava curioso para ver os elefantes brincalhões", escreveu seu biógrafo) e viu
Edmund Meschke, "um verdadeiro menino de circo" que foi criado por "um palhaço e uma
montaria". Ele resolveu fazer uma audição - principalmente porque ele se parecia muito com
o filho de nove anos que Rossellini perdeu para apendicite no ano anterior. Uma visão
impiedosa de uma criança pega entre os desenhos de um nazista pedófilo, negociantes
negros obscuros e sua própria família doente, a ​Alemanha Ano Zero​ dividia o público na
época com sua intensidade de foco. Desde então, parece que parece ser o filme mais
radical, intransigente e pessoal de Rossellini. ​35mm de impressão cortesia do Istituto Luce
Cinecittà.
Domingo, 26 de novembro, às 20h30 (WRT)
Sábado, 2 de dezembro às 13:30 (FBT)

Panchali
O Evangelho Segundo São Mateus
Pier Paolo Pasolini, Itália, 1964, 35mm, 137m
Italiano com legendas em inglês
A versão de Pasolini do Evangelho, elogiada tanto por platéias de arte quanto por grupos
religiosos, foi filmada em cenários naturais no sul da Itália, abandonando a grandeza mítica
em favor de uma representação que enfatiza o radicalismo político da vida de Cristo, com
um estilo visual documentários contemporâneos e pintura renascentista. O uso de
não-atores foi, em particular, essencial para o projeto. "Eu não sei o que é, mas o olho da
câmera sempre consegue expressar o interior de um personagem", explicou Pasolini ao
cineasta James Blue. “Essa essência interior pode ser mascarada através da habilidade de
um ator profissional, ou pode ser 'mistificada' através da habilidade do diretor por meio de
truques cortantes e diversos. No ​Evangelho​ eu nunca fui capaz de fazer isso. O que eu
quero dizer é que o fotograma ou a imagem no filme filtra o que esse homem é - em sua
verdadeira realidade, como ele é na vida. ” ​35mm cortesia de impressão do Istituto Luce
Cinecittà.
Sexta-feira, 24 de novembro às 9:00 da noite (WRT)
Quarta-feira, 29 de novembro às 15h30 (FBT)
Jaguar
Jean Rouch, França, 1954/1967, 16mm, 89m
Francês com legendas em inglês
Na primeira experiência sustentada de Rouch no tipo de “etno-ficções” que seria influente
para tantos cineastas, três jovens do Níger decidem emigrar para Gana: cada um é
descendente de guerreiros, mas o desafio mais imediato é encontrar empregos decentes.
Depois de uma árdua jornada, os três atravessam a fronteira para Gana, onde se separam.
Ilo, que trabalhara como pescador, dirige-se para a costa; lam, que conduziu o gado, tenta a
sorte como comerciante de perfumes no maior mercado da África. E Damouré se torna um
“jaguar”, um jovem dedicado aos prazeres da vida urbana. Suas vidas continuarão a
atravessar, separar e depois se reunir novamente; Rouch improvisou grande parte do filme,
seguindo sugestões feitas por seu trio de não-atores baseados em suas próprias
experiências. ​Impressão de 16mm cortesia do Institut Français.
Terça-feira, 28 de novembro às 8:30 pm (FBT)
Honra do cavaleiro / honra de Cavalleria
Albert Serra, Espanha, 2006, 35mm, 95m
Catalão com legendas em inglês
Lluís Carbó era um antigo ex-instrutor de tênis de Banyoles, a pequena cidade no norte da
Catalunha onde Albert Serra cresceu, quando o cineasta catalão o contratou para
interpretar Don Quixote em seu primeiro longa-metragem - uma reimaginação travessa,
surpreendente e ferozmente minimalista de Cervantes. Usando uma câmera Panasonic
“não pura HD”, Serra atirou no cavaleiro errante (Carbo) e em seu escudeiro Sancho Panza
(Lluís Serrat, também não-ator) passando por deslumbrantes paisagens pastorais,
entregando-se aos momentos de quietude e esplendor que eles criaram. O resultado foi
uma seqüência de vinhetas hipnotizantes que poderiam ter sido os momentos entre as
grandes peças de ​Don Quixote​ . Ao mesmo tempo desconcertante e magistral, ​Knight's
Honor​ marcou a chegada de uma das grandes mentes originais do cinema contemporâneo.
35mm de impressão cortesia do Harvard Film Archive.
Domingo, 3 de dezembro às 18h45 (FBT)
Terça-feira, 5 de dezembro às 16h30 (FBT)
Saudade / Sehnsucht
Valeska Grisebach, Alemanha, 2006, 35mm, 88m
Alemão com legendas em inglês
A diretora alemã Valeska Grisebach leva seu tempo. Desde sua estréia em 2001 ​Be My
Star​ , ela fez três filmes, incluindo a recente seleção do NYFF55, ​Western​ , todos os atores
principais e envolvem extensas entrevistas preparatórias com as pessoas das regiões em
que ela filma. Para escrever ​Longing​ , seu retrato doloroso de amor e traição em uma
pequena cidade alemã, ela perguntou a vários casais de Berlin-Brandenburg sobre suas
vidas pessoais. Fora de suas respostas, ela criou uma rica história sobre um metalúrgico e
bombeiro que coloca seu casamento feliz em sua infância em perigo quando ele se vê
caindo - contra todas as expectativas - em um caso com uma garçonete na cidade vizinha.
Luminoso, franco e totalmente despretensioso, ​Longing​ é uma das grandes tragédias
domésticas do cinema contemporâneo.
Quarta-feira, 6 de dezembro às 18h30 (FBT)
Sexta-feira, 8 de dezembro, às 16h30 (WRT)
História de Louisiana
Robert Flaherty, EUA, 1948, 35mm, 78m
Embora as concepções populares de documentário associem a forma, em grande parte, a
cabeças falantes ou a um estilo de observação de parede, um dos progenitores da forma,
Robert Flaherty, trabalhou de maneira decididamente diferente, filmando cenários
encenados com seus temas que eram geralmente típicos. do seu meio. ​Louisiana Story​ ,
seu último filme (e um favorito pessoal de outra figura-chave da série, Robert Bresson), uma
espécie de idílio bucólico definido com uma pontuação animada de Virgil Thomson, segue
um jovem cajun e seu guaxinim de estimação enquanto eles flutuam ao longo do Bayou,
ameaçado pela ameaça rasteira de jacarés que deslizam silenciosamente pela superfície da
água. A produção, no entanto, foi encomendada pela Standard Oil, e essas imagens
pastorais de pântano são justapostas com o chicote e o zumbido das máquinas de uma
operação de perfuração recém-chegada, proporcionando a tensão animadora da obra. “Sua
beleza singular”, disse Siegfried Kracauer sobre os filmes de Flaherty, “é uma recompensa
para pacientes esperando até que as coisas comecem a falar. Há muito tempo investido
neles e, claro, a paciência vai junto com a sensibilidade à interação lenta entre homem e
natureza, homem e homem ”.
Sábado, 2 de dezembro às 20h45 (FBT)
Quarta-feira, 6 de dezembro às 16:00 (FBT)
Touki Bouki
Los Muertos
Lisandro Alonso, Argentina / França / Holanda / Suíça, 2004, 35mm, 78m
Espanhol e Guarani com legendas em inglês
Atravessando o sertão argentino, longas cenas de beleza desordenada se misturam a
imagens de horror natural no filme de Lisandro Alonso. O delgado fio da trama envolve um
assassino condenado (Argentino Vargas) e sua viagem rio acima para ver sua filha depois
de 20 anos de prisão. O filme é essencialmente um registro da sobrevivência de Vargas,
atendendo às necessidades básicas impassíveis à medida que surgem. Embora uma
sequência tenha a certeza de obter a cabra do espectador sensível (trocadilho intencional),
Alonso oferece nada menos do que ele exige: imersão visceral na existência precária de
seu protagonista, aproveitando seu estilo reduzido para acentuar e estimular a fisicalidade
da passagem do tempo.
Domingo, 3 de dezembro às 5:00 pm (FBT)
Infância nua / L'Enfance Nue
Maurice Pialat, França, 1969, 35mm, 82m
Francês com legendas em inglês
Maurice Pialat já estava com quarenta e poucos anos quando fez sua estréia histórica sobre
um filho adotivo problemático e agressivo saltando de casa em casa. Michel Terrazon, que
interpreta François de 10 anos com uma combinação fascinante de violência, carinho e
ternura, era um não-profissional chamado a desempenhar uma infância bem diferente da
mais estável que ele teve. Outras figuras do filme mais ou menos se tocaram: o casal de
idosos que o acolhe; o lojista que lhe vende cigarros; um número de profissionais de
puericultura que conhecemos à medida que sua história turbulenta se desenrola. “Muitos
cineastas antes e depois da Pialat tentaram atingir esse nível de absoluta proximidade entre
ficção e documentário, ator e personagem, cenário e lugar”, escreveu Kent Jones sobre
Naked Childhood​ - mas apenas ele “conseguiu sustentar tal equilíbrio ao longo de toda uma
filme. ” ​35mm cortesia de impressão do Institut Français.
Quinta-feira, 30 de novembro, às 18h30 (WRT)
Domingo, 3 de dezembro às 13:00 (FBT)
Outubro / Oktyabr
Sergei Eisenstein, União Soviética, 1928, 35mm, 103m
Legendas em russo com legendas em inglês
O grandiosamente orquestrado filme de Eisenstein sobre a Revolução Russa,
encomendado pelo seu 10º aniversário, foi uma de suas tentativas mais ambiciosas de
encontrar uma forma para suas teorias de montagem. Se há uma estrela de ​outubro​ , é a
massa, o protagonista coletivo. Eisenstein observou que esse filme "é pura 'tipologia'", uma
referência à noção de que o papel de um intérprete não era transmitir uma situação
psicológica, mas sim telegrafar um tipo, um conjunto de associações morais ou políticas,
através de sua aparência física. . ​Outubro​ é um exemplo supremo de como uma vontade
política insurrecionária pode ser combinada com um programa estético igualmente radical, e
está sendo apresentada no centenário dos “dez dias que abalaram o mundo”. Uma ​cortesia
de 35mm do Harvard Film Archive.
Quarta-feira, 29 de novembro, às 18h30 (FBT)
Sexta-feira, 1 de dezembro, às 14h30 (FBT)
Othon
Jean-Marie Straub e Danièle Huillet, Itália, 1970, 88m
Francês com legendas em inglês
O primeiro filme a cores de Straub-Huillet, ​Othon​ ( ​Les yeux ne veulent pas en tout seps
fermer, ou Peut-être qu'un jour Rome permettra de choisir à turnê​ ), adapta uma tragédia de
Corneille menos conhecida de 1664, que por sua vez foi baseado em um episódio de intriga
da corte imperial narrado em ​Histórias​ de Tácito. O figurino é clássico, e o elenco
não-profissional vestido de toga realiza o texto original em francês do drama em meio às
ruínas do Monte Palatino, em Roma, enquanto o ruído da vida urbana contemporânea
ecoava ao fundo. Suas linhas são executadas com um nivelamento fantástico e
freqüentemente através de fortes acentos; a linguagem em ​Othon​ torna-se não apenas uma
expressão, mas uma coisa em si, um elemento cuja clareza aqui nos alerta para qualidades
do trabalho que poderiam estar subordinados. “Se a todo momento é possível manter os
olhos e ouvidos atentos a tudo isso”, escreveu Straub, “é possível até achar o filme
emocionante e notar que tudo aqui é informação - até mesmo a realidade puramente
sensual do espaço que os atores interpretam. deixe vazio no final de cada ato. ”Um
lançamento da Grasshopper Film.
Terça-feira, 28 de novembro, às 18h30 (FBT)
Quinta-feira, 30 de novembro às 4:00 da tarde (WRT)
Nosso Amado Mês de Agosto / Aquele Querido Mês de Agosto
Miguel Gomes, Portugal / França, 2008, 147m
Português, Inglês e Francês com legendas em inglês
A confecção de um filme; a turnê de um grupo pop familiar; o romance florescente entre
dois primos; as variedades de vida, cultura e economia em Portugal rural: para seu segundo
longa-metragem, Miguel Gomes tecia material suficiente para quatro ou cinco filmes em um
panorama que era ao mesmo tempo relaxado e amplo, pungente e sedutor. O próprio
Gomes interpreta um cineasta discutindo com seus produtores sobre o filme que assistimos,
que a princípio parece ser um documentário - pessoas que ele conhece pelo país diz à
câmera sobre seus meios de subsistência - mas evolui para uma história de amor fictícia
executada com inesquecíveis tristeza por um pequeno grupo de não-atores. ​Nosso Amado
Mês de Agosto​ continua a ser um ponto alto na carreira de Gomes: um road movie solto,
desgrenhado e astutamente inteligente pelo qual você não pode deixar de se apaixonar.
Sábado, 9 de dezembro, às 20h30 (WRT)

Infância nua
Oxide / Niu pi
Liu Jiayin, China, 2005, 105m
Mandarim com legendas em inglês
No primeiro filme de Liu Jiayin, ao longo de 23 filmagens cuidadosamente coreografadas,
vemos o jovem cineasta, seus pais e seu gato interpretarem uma versão finamente fictícia
da vida que compartilham em um apartamento apertado em Pequim, onde seu pai faz
bolsas de couro. . Liu fez ​Oxhide​ quando tinha 23 anos e ainda na Academia de Cinema de
Pequim, e a atenção imersiva e precisa do filme à vida urbana da classe trabalhadora
trouxe grande aclamação internacional. Ele foi seguido por uma sequela mais longa, ainda
mais rigorosamente confinada, ​Oxhide II​ . "Enquanto minha família estiver por perto",
escreveu Liu, " ​Oxide​ continuará. Pode ser no apartamento, mas podemos sair. Nós
podemos ir a um parque. Enquanto estivermos lá, não importa onde estamos, é tudo de
Oxide​ ... é um assunto que continuará porque a vida continuará. ”
Quarta-feira, 6 de dezembro às 20h30 (FBT)
Panchali
Satyajit Ray, Índia, 1955, 115m
Bengali com legendas em inglês
Situado quase inteiramente em uma aldeia remota de Bengala, a estréia de Satyajit Ray
mudou a paisagem do cinema de arte indiana e desvendou sua voz artística duradoura para
o mundo. Baseado no romance de Bibhutibhushan Bandyopadhyay e inspirado pelo
neorrealismo italiano, assim como as obras do cineasta francês Jean Renoir, ​Pather
Panchali​ centra-se no jovem Apu (Subir Banerjee, no seu primeiro e único papel no cinema)
e na família que molda a sua juventude em encantadora e maneiras comoventes.
Acompanhado pelos ragas incomparáveis ​do compositor Ravi Shankar, Apu atravessa a
aldeia com admiração, observando curiosamente os altos e baixos da vida rural. Apesar de
um orçamento apertado e uma equipe de novatos e não-atores - incluindo o diretor de
fotografia de primeira viagem Subrata Mitra e o diretor de arte Bansi Chandragupta - Ray
construiu um filme de modéstia e eloqüência.
Sexta-feira, 24 de novembro, às 13h30 (WRT)
Domingo, 26 de novembro às 6:00 da tarde (WRT)
Il Posto
Ermanno Olmi, Itália, 1961, 35mm, 93m
Italiano com legendas em inglês
Tal como acontece com os primeiros neorrealistas italianos, Ermanno Olmi geralmente
optou por trabalhar com não-atores e freqüentemente filmado no local, mas tais estratégias
são usadas aqui para retratar a vida durante a era da rápida expansão econômica após a
recuperação pós-guerra. O filme acompanha Domenico, um protagonista de olhos
arregalados, enquanto ele viaja para Milão para seu primeiro emprego. Lá, ele se apaixona
por uma jovem, Antonietta, candidatando-se a um cargo na mesma empresa, um rubor de
desejo romântico contraposto à enervação espiritual do labirinto que empurra o papel de
seu escritório. “Para mim”, comentou certa vez Olmi, “o cinema é um estado de espírito e
um processo de análise de uma série de observações detalhadas”, e essa atitude está
muito presente em ​Il Posto​ , um olhar terno e inabalável na passagem. na idade adulta e na
burocracia capitalista, com todas as suas decepções concomitantes.
Sábado, 25 de novembro às 18:00 (WRT)
Segunda-feira, 27 de novembro às 2:00 da tarde (FBT)
Parque punitivo
Peter Watkins, EUA, 1971, 35mm, 91m
Filmado em um estilo documentário, com os não-atores lançados em parte de acordo com
suas simpatias políticas, ​Punishment Park​ imagina um futuro próximo onde o devido
processo na América foi suspenso como resposta à crescente agitação civil, e o destino dos
dissidentes políticos é determinado pelo tribunal. Senão enfrentando longos períodos de
prisão, os recém-condenados optam por três dias no Parque Nacional Bear Mountain, onde
devem atravessar um impiedoso terreno desértico para conquistar sua liberdade, ao mesmo
tempo em que manobram policiais e membros da Guarda Nacional, para quem sua captura
é exercício de treinamento horrível. O filme de Watkins pode ser uma fantasia distópica de
outra época, mas sua visão de brutalidade patrocinada pelo Estado continua a
corresponder, de maneira inquietante, à nossa. ​35mm de impressão cortesia do UCLA Film
& Television Archive.
Quinta-feira, 30 de novembro às 2:00 pm (WRT)
Domingo, 10 de dezembro às 8:15 pm (WRT)
Putty Hill
Matt Porterfield, 2010, EUA, 85m
Precedido por:
Chorar Quando Acontece / Llora Cuando Te Pase
Laida Lertxundi, EUA, 2010, 16mm, 14m
Em ​Putty Hill​ , o retrato fervorosamente observado de jovens de Matt Porterfield em um
subúrbio de Baltimore se unindo após a morte de um amigo, os atores interpretam versões
de si mesmos, dramatizando suas dificuldades e prazeres a serviço da ficção. "Estou
interessado em adolescentes regulares em um determinado ambiente", explicou Porterfield
em uma entrevista. “Eles fazem parte do ambiente como a piscina do quintal, o playground
ou a pista de skate. É tudo parte da mise-en-scène, crianças reais deste lugar real. Eu olho
para alguém como Bresson como um tipo de pastor em termos de seu instinto de trabalhar
com não-profissionais em seus filmes, a ideia do valor disso, a abertura. ”Laida Lertxundi
prefere trabalhar com não-atores também, embora o A narrativa de ​Cry When It Happens
apenas flerta com legibilidade, apresentando não uma história, mas uma experiência
enigmática e emocionalmente ressonante com as convenções da sintaxe visual do filme e
nossas expectativas associadas.
Quinta-feira, 7 de dezembro, às 18h30 (perguntas e respostas com Matt Porterfield)
(FBT)
Tabu
FW Murnau, EUA, 1931, 35mm, 86m
“Todas as coisas que você está fazendo agora com cenários artificiais”, explicou Murnau à
tripulação de ​The Last Laugh​ , “farei um dia em um dia natural”. Isso acabaria acontecendo
com o filme final do diretor, ​Tabu​ ( ele morreu em um acidente de carro apenas uma
semana antes de sua estréia). Em forte contraste com suas magistrais produções de
estúdio anteriores, ​Tabu​ , baseado em uma história concebida em colaboração com Robert
Flaherty, foi filmado no Taiti com um elenco principalmente local. A narrativa é notoriamente
direta, relativa ao romance malfadado de um jovem casal que foge de sua terra natal
quando seu amor é proibido, e possui a força duradoura e elegante de uma fábula.
Desimpedido, enfim, dos fardos da produção cinematográfica comercial - e dos costumes
sexuais ocidentais - Murnau encontrou tremenda expressão poética nas imagens mais
simples, como a quebra de uma onda ou a fatia de uma lâmina. ​35mm de impressão
cortesia do UCLA Film & Television Archive.
Sábado, 2 de dezembro às 17:00 (FBT)
Sexta-feira, 8 de dezembro às 14h30 (WRT)

Um dia de verão mais brilhante

Touki Bouki
Djibril Diop Mambéty, Senegal, 1973, 35mm, 89m
Wolof com legendas em inglês
Seguido por:
Mil Sóis / Mille soleils
Mati Diop, França, 2013, 45m
Wolof com legendas em inglês
“Paris… Paris… Paris…” Ouvimos Josephine Baker cantar o nome da capital em um loop
ao longo do sonho pós-colonial de Djibril Diop Mambéty de um filme, um refrão constante
que pontua as aventuras de Mory, um pastor que cruza em uma motocicleta adornada com
um crânio de vaca e Anta, um estudante universitário. Esse par de forasteiros, estranhos
em seu próprio país, sonha em deixar o Senegal para uma nova vida na França e abrir
caminho para o dinheiro para a viagem, mas o passado nem sempre é tão facilmente
deixado para trás. ​A Thousand Suns​ , um retrato de Magaye Niang, o ator não profissional
que atuou na direção de ​Touki Bouki​ , foi dirigido pela sobrinha de Mambéty, Mati Diop.
Fusão de documentário e fantasia, Diop segue Niang de uma exibição do filme para a sua
fazenda no Senegal como o velho homem chega a um acordo com o passado desaparecido
que ele anseia eo futuro que ele ainda espera que seja possível. Touki Bouki foi ​restaurado
em 2008 pela The World Cinema Foundation na Cineteca di Bologna / L'Immagine Ritrovata
em associação com a família de Djibril Diop Mambéty.​ ​Financiamento de restauração
fornecido pela Armani, Cartier, Qatar Airways e Qatar Museum Authority.
Domingo, 10 de dezembro, às 17h30 (WRT)
Três rainhas do filme​ ​(TRT: 97m)
Rainha do cinema, Lubec, Margaret Cram, EUA, 1936, 28m
Filme Queen, Lincoln, Margaret Cram, EUA, 1936, 37m
Rainha do cinema, Middlebury, Margaret Cram, EUA, 1939, 32m
Durante toda a década de 1930, Margaret Cram dirigiu o mesmo filme várias vezes.
Cineasta itinerante com sede em Boston, ela ganhava a vida viajando para cidades da Nova
Inglaterra e produzindo seus cenários de Movie Queen com as pessoas que moravam lá.
Em cada iteração, o personagem homônimo é uma estrela de Hollywood voltando para sua
cidade natal e visitando empresas próximas, o drama que surge quando a Rainha do
Cinema se torna alvo de uma trama de quadrinhos e é finalmente resgatada por um herói
local. Uma vez filmado, o material foi rapidamente processado e montado para que pudesse
ser mostrado a todos os envolvidos, concedendo aos participantes a chance de ver a si
mesmos e seus vizinhos nas fotos - ersatz ersatz de tela, mesmo que apenas por uma
noite. Este programa de três dessas bobinas oferece um raro vislumbre de um gênero
pouco conhecido de cinema amador, que alcança uma curiosa pungência através da
repetição de seu design.
Terça-feira, 28 de novembro às 7:00 da tarde (AMP)
Vinte anos depois / Cabra Marcado Para Morrer
Eduardo Coutinho, Brasil, 1984, 35mm, 119m
Português com legendas em inglês
Em 1964, Eduardo Coutinho estava trabalhando em um filme sobre João Pedro Teixeira,
que foi assassinado pela polícia como resultado de seus esforços para organizar
trabalhadores agrícolas no nordeste do Brasil. A diretora lançou atores não-atores na
produção, incluindo a viúva de Teixeira, que interpreta a si mesma, mas a filmagem foi
interrompida logo após o golpe militar do mesmo ano; filmagens foi apreendido, um número
de participantes presos. O projeto foi retomado 20 anos depois, quando o país estava em
transição para a democracia, mas começava a assumir uma forma diferente: Coutinho
incorporou o material anterior, além de novas entrevistas com os originalmente envolvidos e
reflexões sobre as injustiças do intervalo, produzindo um ensaio reflexivo, sexualmente
desafiador, sobre o compromisso político e a vida sob a ditadura.
Quinta-feira, 7 de dezembro às 2:00 pm (FBT)
Sexta-feira, 8 de dezembro às 20h30 (WRT)
Umberto D.
Vittorio De Sica, Itália, 1952, 88m
Italiano com legendas em inglês
Triagem com:
História de Caterina / Storia di Caterina
Cesare Zavattini & Francesco Maselli, Itália, 1953, 30m
Italiano com legendas em inglês
Carlo Battisti, professor de lingüística de Florença, fez uma das mais icônicas e comoventes
performances do cinema mundial no estudo transcendentalmente melancólico de Vittorio De
Sica sobre um pensionista idoso e sem dinheiro que lutava para ganhar a vida em Roma
com seu fiel cachorro Flike. A quinta colaboração de De Sica com o escritor Cesare
Zavattini, ​Umberto D.​ teve um desastroso lançamento inicial, mas veio a ser reconhecido
como o grande canto do neorrealismo italiano, e um dos filmes mais perfeitos e
emocionalmente devastadores que o movimento já produziu. . A ​história de Caterina​ , de
Zavattini e Francesco Maselli, um segmento do filme " ​Love in the City"​ , apresenta Caterina
Rigoglioso, uma jovem mãe solteira à deriva com seu filho nas ruas de Roma, depois de ter
sido rejeitada por sua família, reencenando esse episódio angustiante. seu próprio passado.
Essa visão fascinante e instável do neorrealismo levada a um ponto limite sugere os riscos
e as recompensas de tentar, como fez Zavattini, garantir que "não houvesse brecha entre a
vida e o que está na tela". ​Tanto a cortesia Istituto Luce Cinecittà.
Sexta-feira, 24 de novembro às 4:00 da tarde (WRT)
Quarta-feira, 29 de novembro às 13:00 (FBT)
Vagabundo
Agnès Varda, França, 1985, 105m
Inglês, francês e árabe com legendas em inglês
Um dos dispositivos favoritos de Varda, usado em filmes de ​La Pointe Courte​ para
Documenteur​ , é estruturar seus filmes em torno de personagens fictícios que atuam como
tolos para os não-atores que os cercam. Mas foi apenas em ​Vagabond​ , uma de suas
características mais célebres, que ela filmou aqueles não-atores tentando - e falhando -
descobrir o personagem principal do filme. Mona, interpretada em uma performance de alta
carreira por Sandrine Bonnaire, deixou seu emprego no escritório urbano para uma vida na
estrada. As pessoas com quem ela entra em contato - um rico acadêmico; um pastor
filosófico; um trabalhador tunisiano; uma condessa envelhecida que precisa de companhia -
é uma seção fascinante e reveladora da França moderna que Varda já montou, mas o foco
do filme está diretamente na própria Mona: uma jovem de força de vontade para quem a
liberdade começa sentido, é o seu próprio fim caro.
Sexta-feira, 24 de novembro às 18h45 (WRT)
Terça-feira, 28 de novembro, às 13h30 (WRT)
Vinil
Andy Warhol, EUA, 1965, 16mm, 66m
Precedido por:
Eu, uma atriz
George Kuchar, EUA, 1977, 16mm, 9m
Embora existam numerosos exemplos nesta série em que o não-ator é lançado em um
esforço para ampliar o realismo em um filme, o cinema underground americano dos anos
1960 e 1970 sugere um caminho na direção oposta, no qual a ironia ajuda para obliterar
qualquer pretensão em direção ao realismo. Em ​I, An Actress,​ George Kuchar, que com seu
irmão Mike começou a inspirar riffs de 8mm em filmes de Hollywood quando era
adolescente no Bronx, é visto em uma de suas mais memoráveis ​apresentações solo,
dirigindo um teste de estudante antes de pegar o rédeas e realizando a cena a si mesmo,
levando o espectador a divinas alturas de overacting. Em ​vinil​ , Warhol, como em outras
partes de sua filmografia, mostra uma espécie de grau de atuação zero, uma versão
adaptada a Ronald Tavel de ​A Laranja Mecânica​ . Edie Sedgwick, aparentemente supérflua
para a ação de simulação de violência em exibição no quadro fixo e lotado, teve uma
espécie de reviravolta em seu papel de estréia em virtude de sua presença na tela sozinha,
com toda sua indiferença cativante.