Domingo

individual de Leandro Muniz

texto Tarcisio Almeida
direção artística Claudio Cretti
DOMINGO
entre Leandro Muniz e Tarcisio Almeida

vênus em leão e amor impróprio

romance is a ticket to paradise and hell
I’ve been there
and I like it
– I knew you were gonna break my heart –
mesmo assim
volto à viagem
(excerto de cinco poemas de amor - Leandro Muniz)
Em Domingo é impossível não pensarmos nas inquietações
suscitadas pela poética do tremor em Édouard Glissant que
nos lembra que “tudo começa sempre com poemas”. Em
todos os povos, o sustento da vitalidade radical se dá
primeiro pela imaginação de uma língua escolhida (e não
imposta) e de uma ação poética (criação) frente ao
atavismo que nos marca a ferro. Sendo este a própria a
fidelidade à imutabilidade da poesia e da língua, base do
aniquilamento de uns sobre outros, do passado sobre o
presente e das intensidades que nos abrem para futuros
inesperados. Quando esse poliglotismo vital nos habita,
somos generosamente obrigadas a lidar com o fato de que
nossa língua não é única e que é justamente essa
impossibilidade que nos traz o tônus para lidar com ímpeto
atávico de todos dias (e tempos). Essa língua rebelde e
desenfreada da poesia é o que possibilita o encontro
conosco, com nossos antecessores, sucessores e povos de
infinito quântico, dentro do todo-mundo. O pensamento do
tremor em Glissant é ao mesmo tempo a errância e o
inexpressável do mundo onde o pensamento por
mundialidade é o que garante ao vivo uma certa
continuidade frente ao pensamento de sistema e aos
sistemas de pensamento. O tremor é o háptico que nunca se
fixa e que se abre para o amanhã fazendo do todo-o-mundo
o objeto mais alto de sua poesia. O que escorre por essa
brecha é uma forma de agir e pensar desde o mundo
inextricável, sem reduzi-lo às nossas próprias pulsões ou
interesses enquanto habitantes de muitos mundos. O
inumerável é exatamente a abundância de mundo diante do
uno que concebe a própria falta de mundo e por isso
justifica-se na homogenia como resultado das relações. O
Todo-o-Mundo é um mundo em que “se entra em zonas de
vizinhanças, mais do que se adquirem caracteres formais” e
que por isso sua tradução derivaria sempre em um ato de
criação. Tudo isso se encontra, em forças e em tremor, tudo
está ali e germina nessa imensa anunciação. Em Domingo,
quando nos inclinamos sobre os panos de pintura por meio
da sensação, habitamos uma zona opaca e por isso não nos
perdemos no incomposto regulamentar – desejo de ordem e
mundialização. Pois o opaco é precisamente o que não pode
se encaixar em uma teoria de construção de sentido
pré-atribuída. O opaco é a relação. A poética que insiste em
que haja um “consentimento em não ser um único ser”.
Assumimos assim, em seu nível mais radical, uma forma de
dizer sobre os labirintos e refúgios que nos conduzem à
fissura do dique.
Tarcisio Almeida
Domingo
2021-2022
Instalação
Dimensões variáveis
Tecido, tinta acrílica, cabos de aço
Azulejo
2022
Instalação
12,43 m x 2,80 m
Tinta acrílica sobre parede
Camiseta rosa (da série Cascas)
2019-2022
80 x 70 x 5 cm
Pintura-objeto
Papel, tinta acrílica e cabide
 Tapetinho #6
2022
96 x 60 cm
Desenho
Bastão oleoso, grafite e papel
TA: Para começarmos gostaria de te propor um breve
roteiro de construção desse novo projeto. Ele recupera
diversos procedimentos que você já vem exercitando na
sua prática, mas, ao mesmo tempo, os aprofunda no
sentido de concepção e co-habitação de um espaço.
Como têm se dado essas relações?
LM: Faz tempo que penso no domingo como um dia de
experiências interessantes para o meu trabalho. Para
aqueles que podem descansar, existe um clima de preguiça,
muita atividade doméstica e esse sentimento misto entre o
tédio e a ansiedade de começar a semana de novo. O ciclo
dos dias me atrai profundamente. Entre a organização e a
vertigem. Essa exposição só tem trabalhos novos e muito
contextualizados entre si, mas são operações que já
apareceram na minha prática, só que a cada vez ganham
diferentes corpos. Comecei os Varais em 2018. Na época,
eu replicava com pintura as estampas de embalagens de
sacos de pipoca ou de lanches, daí achei que poderia
estender isso para os tecidos. Eles dinamizam o espaço e
me interessa pensar formas de expor. Um varal é essa
situação limítrofe entre o modo de usar o objeto na casa e
lidar com/criar uma situação expositiva ambígua, porque
você tem uma frente e um verso, mas ainda se trata de uma
superfície plana, uma lâmina. Também tinha o Google
Imagens, porque ele dava um erro e você primeiro
via um bloco de cor, depois a imagem, então a ideia de
fazer só campos de cor de um dos lados do tecido e do
outro as imagens veio daí. Sou bem organizado no
processo de pesquisa e reflexão sobre quais imagens usar,
mas a ação de pintar muda tudo e é sempre muito
subjetivo quando acho que está pronto. Mais do que criar
um estilo, gosto de lidar com essa plasticidade infinita da
tinta. A mínima diluição, o uso de um pincel diferente,
raspagens, coberturas, qualquer decisão muda
completamente o conjunto. Penso cada Varal em relação
ao contexto expositivo, tanto em termos de paleta quanto
de imagens e estampas, embora eu sempre use tricoline
com 2 metros de altura - as larguras variam de acordo
com a indústria -, porque é uma escala que gera
associações com o corpo e evoca narrativas. Também
sempre tento pendurar em alturas parecidas, entre 2,20 e
2,40 metros, no máximo. Nesse caso, eu achei que todas
as estampas e cores deveriam ser diferentes e a
montagem um pouco incongruente, com ângulos que não
se encontram, formando um espaço descontínuo. Acho
que pintura tem sempre um dado psíquico, porque você
tem a marca de um corpo e eu quis lidar com essa
dispersão que estou sentindo hoje. Tenho um rigor na
construção, mas o que me atrai é o difuso e não
discursivo, embora eu escreva e fale muito como parte da
minha prática, já que atuo como artista e curador, crítico e,
frequentemente, professor. A paleta dos tecidos foi
informada pelo desenho Tapetinho #6. É muito brasileiro
esse objeto, o tapete feito de restos de malha tramadas. E
amo tramas. Visualmente. Filosoficamente. É curioso
porque tudo isso implica tempo. Não acho que eles são
representações de tapetes, mas emulações do modo de
fazer: desenho como quem trama os fios, sobrepondo e
unindo as linhas. E qual é o limite entre essas coisas, na
verdade? Perguntas que só se multiplicam e isso também
me interessa: operações sintéticas, mas altamente
polissêmicas. Mais do que falar “sobre” me interessa a
sensação da coisa e como o ritmo, a velocidade, a relação e
a intensidade (que pode ser tênue) são modos de
comunicar. Ainda acho que faço arte por um desejo de criar
memória sobre as coisas que vivo e de como materiais
muito triviais condensam experiências sociais (de classe,
raça, gênero), mas, em especial, existenciais. Marcar
presenças e toda a dimensão política disso… E acho tudo
muito ambíguo. Os trabalhos têm dois lados, são imagens e
objetos, seriais e únicos, regulares e irregulares. Fico
pensando nas múltiplas experiências que formam meu
corpo que me fazem pensar e trabalhar assim. Desde morar
na Zona Norte, perto do mato, portanto com uma outra
experiência com a cidade de São Paulo, até as coisas que
leio, com quem convivo e de como, no fundo, estou
tentando escapar das sobredeterminações sobre meu
corpo e minha subjetividade. Liberdade é uma experiência
que me move, o que se reflete nas formas instáveis e nas
múltiplas possibilidades que os trabalhos sempre têm, em
geral séries, mas não progressivas e nunca concluídas.
TA: Você parece se colocar diante do cotidiano sem o
desejo de representá-lo. Ou melhor, como se escapando
desse desejo fosse possível abrir espaço para se
relacionar com as coisas ao redor pela sensação
provocada por esse encontro. Como dar conta da
presença das coisas pela sensação? Esse modo de
relação com o cotidiano pode ser pensado em aspectos
metodológicos?
LM: A presença das coisas. A textura dos dias. Objetos são
só sedimentações de relações e processos, não é? Talvez
o cotidiano me interesse porque ele é inexorável. Para além
dos grandes acontecimentos, tem sempre a comida, os
fluxos do corpo, o pó que se acumula. O cotidiano dentro
do espaço doméstico implica uma quantidade absurda de
trabalho e isso tem novas configurações no nosso
momento histórico, neoliberal, permeado pela internet e
por empregos remotos. Estou com 29 anos e moro
sozinho desde os 16, então isso informa meu olhar. O
dia-a-dia tem ‘dores e delícias’, ‘rigores e delírios’, tudo isso
me interessa. Fazer escolhas, aceitar perder e não ter
medo disso. O cotidiano também me faz pensar na morte.
Mas não me interesso pelo ‘encantamento do mundo’, nem
pelo sentimento de ‘serendipity’, que é essa espécie de
surpresa em meio a regularidade da vida, muito menos por
‘revelações e epifanias’. Mas a vibração das coisas me
interessa. Acho que a vida é muito curta, talvez por isso não
me interessa a representação, que além de uma estrutura
política limitada, sempre implica uma ausência do objeto.
Acho que opero por analogias, emulações, paralaxes… A
coisa é a coisa, mas também é outras coisas. E como a
gente vê as coisas? Quase como esse paradoxo de como
você ouve a voz na sua cabeça e como os outros ouvem
você. Há um desencontro, mas a gente tenta. Contato,
comunicação. Nesse sentido, me interesso muito pelo toque.
O cinza na tinta é diferente do cinza no tecido, embora
tenham o mesmo pigmento. Cor me ajuda a pensar porque é
um fenômeno completamente relacional, material, instável,
contingente. O cotidiano também passa por aí: é uma
experiência muito estética. Que condensa sua vivência de
classe, gênero, raça, seu estado psíquico. E tudo isso se
informa e se transforma mutuamente.
TA: Em nosso diálogo nós sempre mantemos uma certa
atenção aos relativismos apaziguantes das ideias bem
como a uma lógica binária de construção do pensamento.
Sabendo que essa atenção está em nosso horizonte, como
podemos pensar as espessuras políticas e estéticas de
uma perspectiva da experiência artística guiada pela
sensação? Como a figuração absoluta nos modos de
conceber e receber as práticas de arte nos distanciam de
uma demora com as experiências do mundo e da
possibilidade de vivenciar a diferença sem separação?
LM: Acho que se não idealizamos nem romantizamos a
sensação, o primeiro ponto é que fugimos do binarismo
ocidental ‘mente x corpo’ e todas as consequências
trágicas disso na vida, como a divisão de gênero e raça ou
a separação entre “teoria e prática”. Se fugimos dessa
dicotomia, podemos entender que a forma como sentimos
é resultado de uma série de interações sociais e se reflete
nas coisas que pensamos e como vivemos. E vice-versa.
Sabendo disso, como me mover ativamente nessa
dinâmica? Diferença sem separação, porque o mundo é
um fluxo. Tudo isso traz de novo a questão do tempo. A
suspensão temporal me interessa. O vento e a luz nos
tecidos, uma parede desenhada inteira com um pincel fino.
Não porque a dilatação temporal seja uma salvação, é
mais uma questão de saúde mesmo. De entender e
respeitar os ritmos do corpo e do que faz o coração bater
de verdade. Nós lidamos com muitas contingências
estando no Brasil em 2022 e trabalhando com arte. Mas há
esses momentos que fazem valer a pena, reverberar e
abrir espaços de indeterminação nos quais a gente possa
sentir outras coisas e deixar que isso nos informe, nos leve
a entender outros sentidos, a construir conhecimento de
outros modos, abrir espaço entre as vértebras e oxigenar as
ideias.
TA: Como o rigor e o delírio aparecem na exposição
Domingo?
LM: Além da instalação com os varais que dá nome à
mostra e do desenho-pintura Tapetinho #6, também tem a
Camiseta rosa da série Cascas. Feita de vários pedacinhos
de papel colados, ela é apresentada em um cabide e tem
uma pintura com um grid preto. Diretamente na parede,
também tem um desenho de um grid. Esse tem uma
medida de 15 x 15 cm, remetendo a azulejos, mas me
interessa, antes de tudo, a ideia de um mapeamento
daquele espaço, que fica meio vazio, meio coberto por um
padrão. Grids supostamente dizem respeito ao rigor. E no
meu trabalho eles são todos tortos ou maleáveis. Delírio,
desejo. Talvez também seja essa minha tentativa de fuga
da dicotomia. Pesquiso cor porque amo cor. Pesquiso
questões raciais na arte porque vivo isso e fico pensando
em como manter minha liberdade em meio a um mundo
esquadrinhado. Escrevo sobre arte porque faço arte. Mas
essa associação rigor e delírio, rigor e desejo pode ser
explosiva, porque é necessariamente multivocal e ambígua.
Não por enfatizar uma dicotomia entre os termos, mas
porque eles se tornam indissociáveis. Me interessa pensar
criticamente que é uma exposição realizada em um lugar
chamado Casa de Cultura do Parque, com uma arquitetura
modernista. Ao mesmo tempo, fico curioso com os
processos de identificação e contato que isso pode
produzir. E embora as operações sejam todas altamente
descritíveis e cheias de assuntos e conceitos que poderiam
ser analisados em sua espessura histórica, me interessa o
silêncio dessas imagens e poder compartilhar o fato de que
o mundo me gera dúvidas com momentos dispersos,
indiretos e oblíquos de compreensão. Mas, talvez essa
mistura de rigor e delírio esteja na base de como vivo os
dias e talvez eu faça arte, seja em qual atuação for, por um
desejo de tornar isso público.
TA: Zofir Brasil, um dos artistas centrais em minha
pesquisa e que é também responsável por ritualizar parte
dos nossos encontros, trabalhou até o seu falecimento em
1991 "prolongando a vida das coisas" desejando
desobedecer o tempo dado à matéria e à materialidade da
cultura. Ele lidava com objetos a partir de deslocamentos
ou mesmo como insumos. Esse prolongamento aparece
também com diferentes estratégias nos suportes do Bill
Traylor, Noah Purifoy, Cicero Alves dos Santos e tantos
outros nomes que temos trocado nesses últimos anos.
Como você tem elaborado essa questão dentro da sua
prática?
LM: No outro dia, em uma conversa com a Cinthia Marcelle,
ela me falou que “quem apropria é branco”. Lembro também
de um comentário seu sobre o Marepe, de que o uso dos
objetos na prática dele não se tratava exatamente de
“apropriação”. Fico feliz em você trazer esses nomes.
Poderíamos fazer uma lista imensa de corpos que nos
habitam e vozes que nos falam. And ghosts are always
travelling. Na arte também me interessa essa possibilidade,
virtual que seja, de conversar com os mortos e tenho
pensado em ‘correspondência como método’ como uma
forma de definir meu modo de operar nas minhas diferentes
atuações. Acho que nossa experiência no mundo em que
vivemos é o material do nosso trabalho, então a comida que
como, as pessoas que amo, as roupas que uso ou a tinta
que compro têm que ser pensados em suas interações,
afinal, os materiais (físicos, culturais ou psíquicos) não
somem, apenas deslocam-se e tudo isso informa nossa
imaginação enquanto trabalhadores da cultura. Mas, em
termos de processo, para mim há um momento em que
olho para as coisas e vejo associações com outras coisas,
daí nascem os trabalhos. Em geral é
quando algo trivial se conecta com a história, o íntimo com
o público, ou o micro com o macro, o que acho que é uma
das grandes potências da nossa prática: condensar essas
conexões levando a pensar em outros sentidos.
TA: Em algum dos nossos horizontes o que estamos
perseguindo é a possibilidade de "errar e tentar" evitando
a condenação dos discursos a priori dados às nossas
formas de vida. Sabemos também que toda prática
carrega um conjunto de discursos sejam eles sociais,
históricos, materiais… Como defender uma prática "não
discursiva" em relação a esses textos de antemão?
LM: Sinto que na arte contemporânea temos essa
necessidade hiper discursiva, que se reflete mesmo nas
formas de circulação das obras, sempre atravessadas por
statements. Eu escrevo sobre arte e sou o maior defensor
de interpretações rigorosas sobre os trabalhos e acho que
há uma série de complexidades novas no nosso contexto,
desde a globalização, até a internet e um modo de
circulação muito controlado por interesses privados e
financeirizados. O não discursivo também diz coisas. Mas
talvez coisas não programadas, não determinadas, que
não sabemos de antemão e que talvez só vamos entender
a posteriori. Nós dois fazemos análise e uma das
primeiras coisas que aprendemos nesse processo é que
há uma grande parte de nós que simplesmente não
conhecemos. E aí a grande questão: para além das imagens
que supostamente representam minha experiência no
mundo - o que se agrava no caso de grupos historicamente
oprimidos -, minha sensibilidade, como bicha, preto,
trabalhador da cultura, dono de casa, etc etc etc, não atina
com os discursos prontos sobre quem eu sou. Como
elaborar isso e criar algum lugar comum para podermos
conversar? Só vamos saber se continuarmos tentando.
Talvez por isso eu não consigo me fixar em uma única
linguagem ou mesmo prática. Ultimamente tenho escrito
poesia. Amo música. Sou um grande interessado pela
linguagem, por isso arte. Mas os meus momentos favoritos
nesse universo são quando a própria linguagem mostra
seus limites, ainda que tente comunicar coisas. Se
pensarmos nas relações entre as imagens nos tecidos, por
exemplo, ao mesmo tempo que evocam narrativas,
discursos, são completamente não narrativas, arbitrárias,
então existe uma tensão. Eu sempre pensei que mais do
que criar um estilo, me interessava produzir um conjunto
diverso de trabalhos (pinturas, objetos, textos, etc) e da
relação entre eles, talvez surgir algum sentido. E, do
conjunto de pequenas narrativas, apontar para o silêncio
subjacente a elas. Te contei que, no outro dia, estava
lavando louça e ouvindo uma palestra do Fred Moten
quando ele disse “Music is my mother language”. Talvez se
conecte com o que você pergunta. Mas há uma questão
prática de viabilização de projetos, textos, exposições etc.
Embora o sistema da arte movimente muito dinheiro, não
raro os artistas são onerados. Então além da possibilidade
de compartilhar o não discursivo de uma pintura de
florzinhas ou de uma camiseta pendurada, também me
interessa esse espaço na minha vida diária, para não
sucumbir a uma vida profissional de puras demandas e
talvez tentar manter a arte como um lugar de
singularidade e exceção.
TA: Talvez o que esse debate, que extrapola os limites da
estética, nos diga, é sobre a urgência de imaginação de
outros parâmetros de análise e relação com o próprio
objeto/ação estética. Poderíamos pensar numa ética da
sensação como uma ferramenta possível? Como algo
que rompe com a dimensão do "hiper visível" para fazer
irradiar uma outra possibilidade?
LM: A primeira imagem que me ocorreu foi a dos micélios
dos fungos. Para que o cogumelo brote, há uma rede
imensa de filamentos sob a terra, fazendo o trabalho de
transporte de nutrientes e de comunicação entre as partes.
Também tenho pensado muito nos polvos, porque me
sinto um pouco assim. A ideia mais óbvia é de lidar com
vários braços no mundo, mas há outras camadas.
Polvos se camuflam em forma, cor e movimento,
emulando outros animais, pedras ou algas. Cada tentáculo
pode agir autonomamente, então o corpo não é definido por
um eixo centralizado orientado pela visão frontal. Eles
podem ter veneno, podem mover-se rápida ou lentamente e
há um caso curioso de polvos que saem de uma poça d’
água, andam sobre a areia, para chegar em outra em busca
de alimento. Também poderíamos pensar no trabalho das
formigas e suas arquiteturas subterrâneas sempre mais
fortes do que a parte que vemos na superfície. Sentir de
outros modos implica pensar de outros modos. Sem dúvida
a hiper visibilidade tem consequências trágicas na vida:
ansiedade nas redes sociais, instrumentalização das
relações, fear of missing out e a crença de que as imagens
e os discursos valem por seu valor de face. Tudo isso
oblitera o trabalho silencioso e invisível que estrutura os
dias. Tenho me interessado pelo exercício da presença, que
é uma expressão que ganhei de uma amiga e me marcou
profundamente. Isso implica que estar aqui é escolher
perder todo o resto e entender que há sempre algo que não
capturo, que há sempre algo inconcluso e oculto, mas,
especialmente, que as coisas têm outros lados.

Setembro de 2022
Leandro Muniz (São Paulo, 1993) atua como artista e curador.
Mestrando no departamento de teoria e crítica de arte da ECA-USP e
graduado em artes visuais pela mesma instituição, é assistente
curatorial no MASP. Foi repórter na revista seLecT entre 2019 e 2021 e
fez parte do grupo de estudos Depois do Fim da Arte, coordenado por
Dora Longo Bahia. Já expôs em espaços e projetos como o Museu de
Arte do Rio, Galeria Aura, DAP Londrina, Espaço das Artes USP, Sesc,
Fábrica Bhering, Casa Alagada, Ateliê397, entre outros. Em 2022,
apresenta a individual 'Domingo', na Casa de Cultura do Parque, em São
Paulo. Foi curador das mostras 'Pulso' (Bica plataforma, 2021),
'Torrente' (Galeria Karla Osório, 2020), 'Esquadros' (Partilha, 2020),
'migalhas' (Galeria O Quarto, 2019), 'Lampejo' (Galeria Virgilio, 2019),
'Disfarce' (Oficina Cultural Oswald de Andrade, 2017), entre outras. Seus
textos podem ser encontrados em publicações e portais como Arte que
acontece, Relieve Contemporáneo, Terremoto e Revista Rosa, além de
catálogos e exposições. Ministra regularmente cursos e conferências
em espaços como MASP, Pinacoteca, Plataforma Zait e EBAC.
CASA DE CULTURA DO PARQUE AMARÍLIO JR. MARIVALDO FERREIRA
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