Paris Photo 2007/ Portfolio

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Fotografia e “Champagne”
“ Visitar o Salão Paris Photo é participar numa experiência
inebriante onde fotografia e glamour se combinam para criar um
mundo pleno de códigos complexos, indecifráveis aos olhos do
cidadão comum. Um universo onde a qualidade é um requisito, a
De la série Lieux, Léa Crespi, Paris, 2004

discrição um imperativo e o dinheiro o motor que faz transitar de

mão em mão obras artísticas de fotógrafos de todo o mundo.
”
Texto de Susana Paiva
Fotografias gentilmente cedidas por Paris Photo 2007
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 Paris Photo 2007/ Portfolio
S
ão múltiplas as razões que levam, ano após
ano, milhares de pessoas de todo o mundo a
deslocar-se ao Carrousel do Louvre, espaço
onde desde há 11 anos se realiza uma das mais
conceituadas feiras internacionais de fotografia. Para
as 83 galerias este ano aí representadas, oriundas de
17 países, o objectivo é inequívoco e bastante claro:
vender o maior número de obras dos artistas que re-
presentam ao melhor preço possível. Já para o público
que gravita em torno dos diferentes espaços expositi-
vos a motivação nem sempre é a mesma.
Muitos visitantes consideram que em anos ímpares,
quando o “Mois de la Photo” – a grande bienal Pa-
risiense de fotografia – não se realiza, o Salão Paris
Photo constitui um espaço alternativo para se ver
boa fotografia. No entanto, não obstante o razoável
preço do bilhete de acesso – 15 euros para o pú-
blico geral e metade desse valor para estudantes e
grupos de visitantes –, o Paris Photo está longe de
ser um local privilegiado para a fruição da fotografia
dado que frequentemente em pequenas áreas expo-
sitivas, envoltas em
Concebido como um evento
tapetes sonoros de
36 comercial cujo público-alvo são os risos e conversas
coleccionadores de fotografia, o eufóricas, se exi-
Paris Photo organiza-se segundo bem dezenas de
os códigos do mercado da Arte. obras que, compe-
«Garden», Anni Leppälä, 2007
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tindo ferozmente entre si, impedem o olhar pausado
e atento que cada fotografia merece.
Claramente concebido como um evento comercial
cujo público-alvo são os coleccionadores de foto-
grafia institucionais e privados, o Paris Photo orga-
niza-se segundo os códigos gerais do mercado da
Arte que cada participante depois se encarrega de
personalizar mediante as suas práticas profissionais
e convicções pessoais.
Nem sempre é fácil descortinar a lógica subjacente
a cada um dos expositores dado que grande maioria
das galerias apresenta uma selecção desconexa das
obras que representa, quiça aquelas que julga mais
vendáveis. Poucos são os expositores que, como a
Galeria Yvon Lambert, optam por exibir apenas um
ou dois autores. Talvez por isso, não nos abstraindo
da qualidade das imagens que apresenta, a galeria
se destaque no meio de toda a cacofonia visual. Aí
as séries “The Other Side” (1971-1974), da autoria
de Nan Goldin, e “Intimate” (1979 -1986), de Andy
Warhol ganham uma visibilidade extraordinária e
brilham no seio de uma das mais concorridas alas
do Salão.
37
Para a premente sensação de caos geral muito con-
tribui a multiplicidade e diversidade de dimensões
das fotografias expostas, percorrendo quase todas
as escalas imagináveis, do imensamente pequeno ao
«Cockfosters», Rut Blees Luxemburg, 2007
«Venus #3», Ruud van Empel, 2007
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 Paris Photo 2007/ Portfolio
extraordinariamente grande, bem como os diferen-
tes estilos e suportes que tão bem reflectem o largo
espectro que a feira promove – da fotografia do sé-
culo XIX à fotografia contemporânea, passando pela
fotografia moderna.
Descortinar no seio da Paris Photo a lógica do mer-
cado da fotografia é tarefa ingrata. A maioria das ga-
lerias opta por não afixar o preço das obras à venda
obrigando os interessados a dialogar e negociar face
a face com o galerista. Para galeristas como Agathe
Gaillard, proprietária da mais antiga galeria exclusi-
vamente dedicada à fotografia em Paris e membro do
comité de selecção dos participantes do Paris Photo,
a não afixação dos preços não só ajuda à especu-
lação financeira como parece obnubilar a realidade
que muitos pressentem – a da aplicação de diferen-
tes preçários de acordo com a natureza do compra-
dor. “Chez Agathe”, como todos se referem ao espa-
ço expositivo da Galeria Agathe Gaillard, não há lugar
a equívocos e a tratamentos diferenciados – os preços
encontram-se todos afixados e aos clientes mais inex-
perientes até é facultada, numa folha de papel amare-
lo, um excerto da definição de “fotografia original” de
38 acordo com o esta-
Descortinar na Paris Photo
belecido em 1982
a lógica do mercado da fotografia
pela “Associação
é tarefa ingrata.A maioria das para a Defesa e
galerias opta por não afixar Promoção da Foto-
o preço das obras à venda. grafia Original”.
«Salme», Susanna Majuri, 2007
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Talvez seja a sua franqueza, por muitos proclamada
“honestidade”, que faça com que o seu espaço esteja
sempre cheio de visitantes. Aos amigos mais próxi-
mos oferece um copo de champanhe – do genuíno
«Vectorscape - 118», Hirofumi Katayama, 2003
“Champagne” que abunda em quase todos os espaços
«Village de montagne», Loan Nguyen, 2004
expositivos neste dia zero de exposição à porta fecha-
da, acessível apenas por convite e regulado segundo
áreas profissionais. Entre as 4 e as 7 da tarde desfilam
no Salão todos quantos o visitam por razões exclu-
sivamente comerciais, excepção feita aos jornalistas
que são livres de circular desta a primeira abertura de
portas. Depois entre as 7 e as 10 da noite a entrada é
facultada aos restantes convidados – artistas, amigos
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e outros sortudos que terão acesso privilegiado às
obras em exposição.
Ao público geral restará esperar pela manhã do dia
seguinte, quando terá lugar a abertura oficial dos 4
dias do certame, para ter acesso à compra de tudo
aquilo que não tenha sido adquirido ou reservado
pelos milhares de profissionais que por lá circularam
na véspera.
É logo na primeira hora do dia zero que Agathe
Gaillard vende a primeira obra no certame deste ano.
Trata-se de “Seville 1933”, uma fotografia de Henri 39
Cartier-Bresson, impressa nos anos 60 e autenticada
com carimbo pelo seu autor. São os primeiros onze
mil euros que Agathe contabiliza, por enquanto um
magro contributo para amortizar o enorme investi-
mento que significa participar no certame. No seu
«Pemex IV», Oswaldo Ruiz, 2006
«JP-22 08», Taiji Matsue, 2005
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 Paris Photo 2007/ Portfolio
Para Agathe Gaillard, espaço os valores
concorrida galerista, a não das imagens va-
afixação dos preços das riam entre os mil
e os doze mil eu-
obras em exposição ajuda à
ros, sendo a ima-
especulação financeira. gem mais cara uma
outra fotografia também da autoria de Henri Car-
tier-Bresson. Considerada uma galerista que vende a
preços moderados – num certame em que o preço
médio de venda por imagem é cerca de quatro mil
euros –, há na galeria de Agathe umas quantas pre-
ciosidades que merecem bem o investimento. Entre

«Sombre», Miguel Rio Branco, 2005

elas contam-se uma prova de contacto, datada de 1
de Janeiro de 1972, de “Martinique”, da autoria de
André Kertèsz, no valor de nove mil euros, e dois re-
tratos particularmente interessantes, um de Patrice
Chéreau, em 1982, e outro de Margarite Yourcenar,

«Dairyland, Provincetown», Joel Meyerowitz, 1976

em 1987, ambos da autoria de Carlos Freire. Com o

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valor unitário de mil e oitocentos euros, os retratos
de Carlos Freire tem a particularidade de apresentar
«Tokyo», Francesco Jodice, 2003

40 41

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depoimentos manuscritos pelo seu autor onde este

descreve a experiência do encontro com o sujeito
fotografado. No passe-partout do retrato de Ché-
reau pode ler-se claramente: “Muito impressionado
pelas necessidades técnicas mínimas da tomada de
vista, Chereau fala do seu desejo de um dia realizar

«Chandigarh replay», Stéphane Couturier, 2007

um filme a preto e branco. Nanterre 1982”.
Com uma postura bastante diferente de Agathe
Gaillard, só após alguma insistência se consegue
saber, junto da Galeria nova-iorquina Charles Co-
wles, qual o valor de venda a público de uma das
magistrais obras que o canadiano Edward Burtynsky
captou nas pedreiras de mármore do Alentejo. Um
valor bastante acima da média que o galerista não
deseja ver publicado na Imprensa.

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Igualmente prudente na comunicação dos valores
das obras à Imprensa, a fim de evitar futuros equívo-
 Paris Photo 2007/ Portfolio
Representando artistas como cos com os clientes,
Helena Almeida, a Galeria é também a Galeria
Filomena Soares, a
Filomena Soares exibe a quase
única galeria portu-
totalidade dos autores portugue-
guesa representada
ses presentes no certame. no Paris Photo e
que este ano repete a experiência iniciada na passa-
da edição. Um regresso a Paris que se deve, segundo
Bruno Múrias, relações públicas da galeria, sobretudo
a uma experiência anterior “muito satisfatória a todos
os níveis”, e na altura muito saudada por permitir a
visibilidade de alguma da obra fotográfica actualmente
produzida em Portugal. Representando artistas como
Helena Almeida – autora da mais cara obra em ex-
posição –, Vasco Araújo, João Penalva, Júlia Ventura e
Rodrigo Oliveira, a galeria exibe a quase totalidade
dos autores portugueses presentes no certame. Ex-
cepção a esta representação são os trabalhos de Rita

«Ouve-me» Helena Almeida, 1979

Magalhães e de Edgar Martins representados respec-
tivamente pela Galeria Fucares, de Madrid, e pela The
Photographers Gallery de Londres.
Exibindo, numa área equivalente a dois módulos ex-
positivos, cerca de 20 obras do acervo de 30 que
42 43

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transportou para Paris, a galeria opta pelo sistema
de substituição das obras vendidas permitindo as-
sim uma visibilidade pública a um maior número de
obras e artistas.
Admitindo que a participação num certame desta
natureza envolve despesas muito elevadas que é ne-
cessário rentabilizar, Manuel Santos, director da ga-
leria em parceria com Filomena Soares, garante que
«Katlego Mashiloane and Nosipho Lavuta», Zanele Muholi, 2007

“nunca aposta para perder” revelando desta forma

confiança na cotação internacional dos artistas que
representa. Outra coisa não seria de esperar por
parte da galeria que, dependendo exclusivamente de

Mosteiro de Tibaes Braga I, Candida Hofer, 2006

investimento privado, projecta já no próximo mês
de Março 2008 participar num feira no Dubai, e que
há oito anos leva a Arte Portuguesa à Arco, em Ma-
drid, e mais recentemente, nos últimos cinco anos,
marca presença como a única galeria portuguesa na
Frieze Art Fair, em Londres. �
Próxima edição:
Paris Photo 2008
13 a 16 de Novembro
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Carrousel du Louvre, Paris
www.parisphoto.fr
 Fazal Sheikh, Fondation Henri Cartier-Bresson

Fazal Sheikh
S.O.S. Humanidade
“Vencedor da edição de 2005 do prémio bienal Henri
Cartier-Bresson, Fazal Sheikh apresenta «Moksha» e «Ladli»,
dois projectos realizados na sequência da distinção e recente-
mente editados em livro pela Steidl, até ao próximo dia 26
de Agosto na Fondation Henri Cartier-Bresson.
”
Texto e entrevista de Susana Paiva
Fotografias de Fazal Sheikh, gentilmente cedidas pela FHCB

N
as obras que Fazal Sheikh actualmente ex-
põe em Paris, recorrendo à imagem e à
palavra, testemunha-se, com grande fron-
talidade e extraordinária força e poesia, a
condição feminina na Índia, particularmen-
te no caso das crianças e viúvas. Em «Moksha» traça-se
30 o retrato de um conjunto de mulheres que abandonadas 31
após enviuvarem, e em certos casos vítimas de maus-tra-
tos por parte dos seus familiares, rumam à cidade santa
de Vrindavan e, em comunhão com outras mulheres, aí
devotam a sua vida ao deus Krishna. Desde há 500 anos
que a cidade santa de Vrindavan, no norte da Índia, tem
sido um refúgio para as viúvas indianas desapossadas de
tudo. Rejeitadas pelas suas famílias, e condenadas por
uma lei que lhes nega quaisquer direitos, algumas aí de-
cidem rumar, em condições muito difíceis, fazendo por
vezes perigar a sua vida. O seu maior desejo é o de alcan-
çar «Moksha» – o paraíso – onde se libertarão e viverão
rodeadas pelos seus deuses para sempre.
Em «Ladli» – significando «filha bem amada» – o projecto
versa as crianças indianas do sexo feminino que, na socie-
dade indiana tradicional, são vistas como um fardo dado
a sua família ter de constituir um importante dote para
que estas se casem – frequentemente durante a infân-
cia – e integrem com dignidade a família do seu esposo.
Dado este costume oneroso as raparigas são frequente-
mente sujeitas, desde o nascimento, a sevícias inimaginá-
������� veis e frequentemente abandonadas em orfanatos. Nos
Ashram
últimos anos, sobretudo devido à evolução das técnicas
 Fazal Sheikh, Fondation Henri Cartier-Bresson
de investigação pré-natais, o aborto de fetos femininos
aumentou exponencialmente como forma de evitar o
custo de um dote, indispensável para o casamento da
rapariga. «Gastar 500 rupias hoje, economizar 50.000
amanhã» é o que afirmam frequentemente os pais que
optam pelo aborto das filhas.
Nascido em Nova Iorque em 1965, de ascendência que-
niana e indiana, Fazal Sheikh tem visto o seu trabalho
recompensado com diversos e prestigiados prémios que
lhe vêm permitindo continuar a sua linha de trabalho
pessoal, socialmente empenhada. O seu talento de fo-
tógrafo, e também escritor, têm-lhe permitido abordar
os sujeitos não como vítimas simbólicas mas sim como
personalidades individuais cujos rostos, nomes e vívidos
testemunhos atestam bem o grau de intimidade e pro-
fundidade das suas abordagens.
Do seu trabalho, visto como um alerta tranquilo, ressalta
a beleza e extraordinária poesia com que retrata os sujei-
tos, não obstante as terríveis formas de violência que es-
tes relatam. É virtualmente impossível ficar impassível pe-
rante a contrastante candura dos retratos de «Moksha»
e os violentos relatos das mulheres fotografadas. O sere-
no rosto de Renuka, abandonada pelos seus filhos após
32 enviuvar, ganha uma nova dimensão quanto escutadas as
suas palavras – «Sonho com os meus rapazes, sonho que
os alimento e que brinco com eles. Gostaria de ser capaz
de esquecer o passado mas continuo com o coração des-
troçado. Quando sonho com Krishna, quando danço com
ele, quando canto e o adoro, não sofro mais.»
Em «Ladli» são os rostos das crianças – tristes, densos
e lacerados – que lançam o primeiro alerta. As cicatrizes
que ostentam nos corpos são as marcas mais visíveis, em-
bora menos profundas, de todo o seu sofrimento. Os seus
duros depoimentos confirmam o suspeitado – histórias
de abandono, maus-tratos físicos e frequentemente venda
para fins de prostituição. Relatos que nos obrigam a re-
pensar a imagem de uma Índia socialmente estável sobre-
tudo na actual época de grande crescimento económico.
...
Magazine Artes – Confesso que fiquei muito im-
pressionada com o projecto «Moksha», e isso
porque na altura desconhecia «Ladli»... Há uma
enorme violência nesse trabalho, uma violência
silenciosa que nos atinge fulminantemente por
uma tão subtil abordagem. Mesmo sabendo de
antemão que se trata de um ambiente hostil, vio-
lento, a verdade é que a observação directa dos
retratos, tão dignificantes, tão pacíficos, não a de-
nuncia.Apenas quando começamos a ler os depoi-
mentos daquelas mulheres, tão fortes, tão sofridos,
nos damos realmente conta da enorme violência
que os retratos encerram. Por outro lado, o outro
trabalho – «Ladli» – creio que é explicitamente
mais violento, mais revelador ao primeiro olhar
da dor e sofrimento daquelas crianças...
Fazal Sheikh – Eu não caracterizaria necessariamente o
trabalho de «Moksha» como violento. O que penso ser
curioso é que normalmente, no legado das imagens de
guerra, as pessoas se focalizam no «momento do trau-
ma» e não na tomada de consciência de que muitos de
nós passam por diversos traumas durante a vida, que to-
dos somos o total das nossas experiências e não apenas
o indivíduo que experiencia um dado trauma. «Moksha»,
para mim, é a ideia de que podemos realizar uma podero-
sa imagem de uma mulher que relata a sua vida, e depois
que esse relato possa encerrar uma grande violência. Mas
não desejo, de forma alguma, reduzir essa pessoa a um
episódio de violência na sua vida. Esse trabalho é também
o espaço de evocação, da expressão do conforto que
essas mulheres obtêm naquele lugar, no facto de estarem
juntas, num ambiente que as tranquiliza.
De certa forma elas estão ali, pacificamente, à es-
pera da morte.
Quando se teve uma vida muito difícil é claro que a es-
������� �������
Tamana Jamuna Sarkar
perança é a vida após a morte, a procura da liberdade, a
libertação desse ciclo que trouxe dor. Quanto a «Ladli»,
tem razão, é um trabalho mais assertivo.
Mais explícito, mesmo. Em «Moksha» podemos
fazer duas leituras muito diferentes, uma se ape-
nas virmos os serenos rostos das mulheres fo-
tografadas, e outra se lermos, a par e passo, os
seus depoimentos. Nesse caso a sensação é a de
um enorme murro no estômago. Em «Ladli» a
simples observação das imagens, mais «carnais»,
mais sofridas, é o bastante para nos demonstrar
a dor das crianças fotografadas. E depois, quando
lemos os terríveis relatos da violência a que fo-
ram sujeitas, apenas confirmamos o terrível sofri-
mento que antevíramos já no primeiro olhar.
Uma sensação dura mais tempo quando resulta da com-
plexa composição de vários níveis – e não de um único
e brusco depoimento –. uma vez que assim se encontra
impregnada de outros elementos como a beleza, a trans-
cendência ou a religião. Aí, cria-se, na minha opinião, algo
que perdura mais, que tem uma outra ressonância. No
caso de «Ladli» o objectivo é, ao olhar nos olhos da-
quelas crianças, criar poderosas imagens que transmitam
compreensão e um enorme respeito pelas suas duras vi- 33
das. O que é interessante é que os livros também funcio-
nam dessa mesma maneira, se vir o primeiro – «Moksha»
– é muito mais um objecto de emoções, enquanto o se-
gundo é bastante mais clássico. Foram concebidos para
ser «edições companheiras» mas acabaram por resultar
muito diferentes na sua estrutura.
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Renuka
 Fazal Sheikh, Fondation Henri Cartier-Bresson
Pode dizer-me como se interessou tanto pela
condição feminina na Índia?
Em 2000 voltei à fronteira da Somália, onde oito anos an-
tes havia trabalhado, maioritariamente sobre os homens,
e dei-me conta de que 80% eram mulheres e crianças
e que poderia ser interessante desenvolver um projecto
sobre pessoas a quem geralmente não se dá voz, nesse
caso as mulheres e as crianças. Foi assim que cheguei à
ideia de uma série de projectos nos quais estes se in-
cluem, que viriam a ser sobre as mulheres e as crianças.
Uma coisa que sempre me interessou foi atravessar fron-
teiras. Quando fiz o meu primeiro livro sobre o Quénia
as pessoas relacionaram-no com as minhas raízes, com o
facto de ter um pai queniano como justificação para a re-
�������
alização desse trabalho. Diziam que estava bem fazer esse
trabalho pois tinha sido feito por um queniano, ignorando
que eu estava a trabalhar em diferentes áreas linguísticas
e sob diferentes perspectivas religiosas. Acabamos muitas
vezes por artificialmente compartimentar dizendo que
apenas uma mulher somali pode fazer isto ou aquilo... A
mim interessa-me confrontar essas barreiras e fazer estes
dois projectos foi um verdadeiro desafio pois eles negam
o género como barreira para a realização de um certo
34 trabalho. O que realmente conta, no final, é o trabalho
que fazemos e não as nossas origens ou género.
Mas sendo a Índia uma sociedade patriarcal não
acredita que o facto de ser homem possa ter aju-
dado a cativar o interesse das mulheres fotogra-
fadas e entrevistadas para «Moksha»? Sobretudo
sendo mulheres abandonadas e maltratadas...
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Sonal
Gulafshah
O que me surpreende é que sempre que as pessoas falam
da Índia entram numa espécie de «onda yoga hippie» e
sendo verdade que há coisas maravilhosas na Índia tam-
bém é verdade que essa é uma das sociedades mais pa-
triarcais e que ser mulher na Índia pode ser realmente di-
fícil... Há pelo menos que ter em conta as duas facetas...
Sobretudo porque a Índia está a ter um cresci-
mento económico extraordinário...
E celebremos isso mas tenhamos consciência que há
problemas sérios que têm de ser equacionados. Toda a
gente diz «Índia, está tudo perfeito!» – Mentira! É incrível
como funciona... Nos Estados Unidos também se igno-
ram esses problemas pois é importante estar ligado eco-
nomicamente à Índia. Porquê focar então esses outros
níveis da sociedade? Isso enlouquece-me... Para mim, é
impensável não o fazer e faz-me acreditar cada vez mais
que tenho de continuar a realizar projectos desta natu-
reza. Há alguns anos a imagem que tínhamos da Índia era
de desespero total e as pessoas eram vistas como algo
diferente de nós, como vítimas. E de repente, com a Índia
num novo cenário económico, formou-se a ideia de que
esse desespero, esses problemas desapareceram. A visão
popular da Índia é agora de grande glória... Penso que, no
mínimo, devemos manter estas questões em aberto...
Então o seu trabalho é um alerta silencioso...
Esperemos que não demasiado silencioso... É mais um
alerta calmo. O meu trabalho não é concebido da mesma
forma que outros trabalhos e, tendo consciência que po-
derá não chegar a tantas pessoas, penso que chegará de
uma forma mais profunda, mais duradoura, deixando es-
paço para a imprescindível interpretação individual. �
 31
Anjos do deserto
S
ão poéticas e elucidativas
as palavras com que Elisa-
betta Balasso descreve o

“ É do reino do maravilhoso que saem os personagens fotografados por Horst

Friedrich, verdadeiros “anjos do deserto” como lhes chamou a escritora venezuelana
contacto entre os autores
e os habitantes do deserto venezue-
lano – “viemos de longe, da capital ou
de além mar, de lugares míticos dos
Elisabetta Balasso, co-autora do livro “Doña Maria und Ihre Träume”, uma das mais
quais quem lá estava apenas tinha ou-
telúricas obras fotográficas e literárias da actualidade.
”
vido falar. Chegamos às terras áridas e
encontramos paisagens calcinadas pelo
Fotografias gentilmente cedidas por Horst Friedrich vento, árvores iluminadas e uma bebida
Texto de Susana Paiva cheia de espírito, que convoca as som-
bras transparentes do desejo, e que não
acalma a sede mas magnifica e produz
eventos excepcionais. Chegamos e co-
nhecemos os habitantes – anjos com
rugas profundas e preciosos corações
plenos de sabedoria e hospitalidade. E
assim comprovamos que a realidade é
bem mais mágica do que qualquer lite-
ratura, quando se penetra suavemente
no tempo do deserto”. Nas palavras ini-
ciais de “Dona Maria e os seus sonhos”
se encerra, com grande mestria, o mis-
tério e a beleza de todos quantos habi-
tam as esquecidas paisagens do deserto
venezuelano, território onde o tempo
parece ter outra dimensão.
“O tempo está parado em casa de Dona
Ruperta, presenças fantasmagóricas pa-
recem aguardar nas esquinas que fica-
ram escuras, tão fiéis e resignadas como
um cão enfraquecido. Nada sucede, e
no entanto tudo está cheio de sentido
- o pau que serve de bastão para espan-
tar os animais, tão seco como os seus
braços, apoiado na parede; o pedaço
de queijo de cabra sobre o pratito de
barro; a pequena cadeira de criança, em
que Ruperta se senta nas noites em que
não consegue dormir; as gretas na terra
das paredes que parecem querer dizer-
nos algo que não conseguimos compre-
ender. A casa respira com a respiração
pausada e profunda de um adormecido,
quem sabe sonhando por Dona Ruperta,
sonhando os sonhos que ela esqueceu”.
Foi este o ambiente telúrico que o fotó-
grafo alemão Horst Friedrich encontrou
quando, há cerca de doze anos, viajou

pela primeira vez ao deserto venezuela-
no. Lia na altura o romance «Cem Anos
de Solidão», de Gabriel García Márquez,
e estava longe de imaginar que iria en-
contrar o mesmo realismo mágico em
terras venezuelanas.
“Não se ouve nada mais do que o ven-
to. Nem cabras nem pássaros, apenas o
vento. Um céu sólido, azul infinito igual à
cafeteira pousada sobre a laje de pedra
assente na terra. O céu dissolve-se nu-
mas nuvens brancas ali onde a terra seca
se esmigalha em rectos cactos, em yabos
de mil ramificações e em cujís retorci-
dos”. Percorrendo, a partir de Caracas,
um cenário espantoso para lá dos An-
des chegou ao estado de Lara, e depois
a Falcón, na costa, onde conheceu Dona
Maria, Margarita, Eustiquio e família bem
como tantos outros habitantes, “pesso-
as especiais que fabricam um artesanato
precioso”, afirmou Horst. “São persona-
gens, são heróis... Esta gente é incrível,
interessante, forte. São pobres, mas fe-
lizes, pois têm sabedoria. Claro que às
vezes gostariam de ter uma vida melhor
mas, por exemplo, Eustiquio tem um te-
lemóvel e eu de vez em quando telefo-
no-lhe e ele fica feliz”.
Tendo viajado múltiplas vezes a esses
dois estados no noroeste da Venezuela,
Horst fez-se sempre acompanhar da sua
Hasselblad, uma máquina fotográfica ale-
mã de médio formato, com a qual retra-
tou os habitantes das povoações visita-
das. Nem sempre a aproximação foi fácil
pois quando inquiridos alguns populares
recusavam a oferta de serem fotografa-
dos por Horst mas ainda assim este não
desanimava. No ano seguinte voltava a
inquiri-los, estreitando, pouco a pouco,
os laços de amizade que lhe permitiriam
uma aproximação incondicional. Assim
foi com quase todos os populares. Al-
guns resistiram durante três anos mas
acabaram por dar corpo e rosto às ima-
gens de Horst e por, mais tarde, parti-
lharem as suas histórias com Elisabetta
Balasso.
“São seis os filhos mas deviam ser nove.
33
A voz entrecortada e trémula, os olhos
húmidos, pois é difícil recordar as dores
da mulher, o medo, a fatalidade, a re-
signação. O tempo suspendeu-se, o sol
cristalizou, a abelha deteve o voo en-
quanto o homem contou a sua história.
Custou-lhe muito, mas seguiu valente-
mente, como se fora necessário, como
se fosse um dever, e não o era, não nos
devia nada, não era indispensável contar-
nos nada; e agora não sei o que fazer,
dá-me pudor este fio de água cristalino
e secreto, correndo debaixo das pedras,
este desenho de águas subterrâneas,
este passarito ferido entre as mãos.
Conta-me tudo e eu fico devastada
com as experiências de sofrimento que
o marcaram, com todas essas mortes
sempre presentes, novamente presen-
tes enquanto as rememora, presentes
no pátio de trás, onde desde então se
erguem duas cruzes brancas”.
Construído numa simbiose perfeita en-
tre os universos imagéticos e literários,
“Dona Maria e os seus sonhos” é um
exemplo maior daquilo que ainda hoje
se pode criar no âmbito da fotografia
documental. Justamente aclamado como
um projecto ao nível dos desenvolvidos
no Estados Unidos da América por fo-
tógrafos como Walker Evans e Robert
Frank, este trabalho de Horst Friedrich
consagra-o como um dos grandes no-
mes da fotografia documental, sedimen-
tando aquilo que já se intuía na publi-
cação, em 1999, do seu primeiro livro
“Troubadours of Allah” (Trovadores de
Alá), também editado pela alemã Fre-
derking & Thaler.
Repleto de poesia e excelentes imagens,
“Dona Maria e os seus sonhos” dignifica
todos quantos aí estão retratados, trans-
portando-nos para um universo humano
de extrema pureza, difícil de imaginar no
mundo em que vivemos hoje.
“O filho mais novo de Eustiquio olha o
céu, procurando nas estrelas a conste-
lação que nos guia: O coração de Maria
e Jesus, disse-me, assinalando os dois
corações desenhados na noite”, escreve
Elisabetta Balasso como a contrabalan-
çar o insustentável peso das palavras an-
teriores: “O céu ilumina-se aos poucos,
acende-se e apaga-se seguindo a navega-
ção das nuvens. Mais próximo da terra
voa uma mosca, suspensa por asas tão
rápidas que só se distingue uma sombra
de cada lado do corpo. Não muito longe
ouve-se um compacto zumbido de en-
xame. De resto, o silêncio é tão espesso
que pesa no ar”. Um peso que Horst e
Elisabetta souberam retratar com gran-
de beleza e sensibilidade e que certa-
mente perdurará como um dos mais
belos livros da nossa década. �
«Doña Maria und Ihre Träume»
(Dona Maria e os Seus Sonhos)
de Horst A. Friedrichs e Elisabetta Balasso
192 páginas, aproximadamente 120
fotografias a cor e a preto e branco
Formato: 24,0 x 34,0 cm
Editora: Frederking & Thaler
www.horstfriedrichs.com
 35
«Green Light Against Grey, New York, 1955»
Saul Leiter na Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris
Poeta da selva urbana
“ As 84 anos de idade, 60 dos quais dedicados à fotografia, Saul Leiter apresenta em
Paris a sua primeira exposição retrospectiva na Europa. Uma oportunidade única para
apreciar, até 13 de Abril na Fondation Henri Cartier-Bresson, a obra do fotógrafo cuja
falta de ambição artística ocultou do grande público, durante cerca de 50 anos, um
dos mais brilhantes e modernos Olhares da segunda metade do século XX.
”
Texto de Susana Paiva
Fotografias de Saul Leiter gentilmente cedidas por Fondation Henri Cartier-Bresson

E
scutar Saul Leiter discur-
sando sobre o seu próprio
trabalho é simultaneamente
uma experiência descon-
certante e uma imensa lição de humilda-
de. Ouvi-lo confessar que nunca imaginou
ver o seu trabalho exposto num museu
ou que jamais ambicionou criar obras de
Arte causa perplexidade a todos quantos
observam as suas extraordinárias fotogra-
fias de rua impregnadas de uma poética
onde pontuam silhuetas em fuga, aponta-
mentos inesperados de cor e enquadra-
mentos improváveis.
Compreender tamanha modéstia, tama-
nha falta de ambição artística é a principal
chave para descodificar o universo de Saul
Leiter, autor que ainda hoje admite, com
franco sorriso, que a sua maior preocupa-
ção foi sempre “conseguir pagar as contas
de electricidade, algo que nem sempre foi
possível”.
Nascido em 1923 em Pittsburgh, nos Esta-
dos Unidos da América, filho de um famoso
rabino, Saul Leiter decidiu, aos 23 anos de
idade, abandonar os estudos em Teologia
e mudar-se para Nova Iorque a fim de se
consagrar totalmente à sua paixão pela pin-
tura. Será pela mão de alguns pintores com
quem privou nessa época, nomeadamente
com Richard Pousette-Dart, que Saul Leiter
se começará a interessar pela fotografia. Na
sua memória resta ainda bem vívida a forte
impressão causada, em 1947, pela exposi-
ção de Henri Cartier-Bresson no MoMA,
evento a que ainda hoje atribui a causalida-
de da sua escolha profissional.
Pleno de estímulos e munido de uma Lei-
ca começou assim a deambular pelas ruas
de Nova Iorque, fotografando-as a preto e
branco. Em 1948 entra numa loja de foto-
grafia e inesperadamente decide comprar
um rolo a cores, acção que se viria a reve-
lar determinante na sua prática fotográfi-
ca, não parando desde então de alternar
entre ambos os suportes.
Foi o trabalho a preto e branco de Leiter
que primeiro prendeu a atenção de Stei-
chen, na época conservador de fotografia
no Museu de Arte Moderna (MoMA) em
Nova Iorque, e que, em 1953, seleccionaria
25 fotografias suas, exibindo-as na exposi-
ção colectiva “Always the Young Stranger”.
No entanto, a sua grande mestria, patente
sobretudo na forma revolucionária como
utilizava a cor, teria que aguardar 4 anos
antes de ser revelada ao público nova-ior-
quino no âmbito da conferência “Experi-
mental Photography in Color” proferida
por Steichen no MoMA em 1957.

Catálogo da exposição
Prefácio de Agnès Sire
© Saul Leiter/ cortesia Howard Greenberg Gallery, New York”

Entrevista de Sam Stourdzé

a Saul Leiter
50 fotografias a preto e branco
e 50 fotografias a cores
Edição cartonada com sobrecapa impressa
20x24 cm, 144 páginas
Editado por Steidl, Paris

“Snow, New York, circa 1960”
© Saul Leiter / cortesia Howard Greenberg Gallery, New York”
Com uma visão pragmática da vida e con-
centrado na sua sobrevivência Saul Leiter
torna-se, por intermédio de Robert Frank
que lhe havia apresentado Alexey Brodovi-
tch – na altura director artístico da revista
“Harper’s Bazaar” –, num bem sucedido
fotógrafo de moda espelhando, ao longo
de duas décadas, as suas obras “dignas de
museus e não de páginas de revistas” em
publicações de moda como a “Esquire” e
a própria “Harper’s Bazaar”.
O seu trabalho mais pessoal, centrado
na fotografia de rua, acabará por per-
manecer esquecido aos olhos do mundo
até meados dos anos 90, altura em que
a galeria nova-iorquina Howard Gre-
enberg lhe consagra uma exposição de
fotografias a preto e branco. Será esta
exposição, em 1993, juntamente com a
publicação de “Early Color”, em 2006
– pela mão de Martin Harrison na Steidl
–, que voltarão a concentrar na sua obra
a atenção por parte dos especialistas in-
ternacionais.
Hoje, na celebração desta brilhante re-
«Snow, New York, 1958»
© Saul Leiter / cortesia Howard Greenberg Gallery, New York”
37
descoberta, a Fondation Henri Cartier-
Bresson apresenta oportunamente, em
dois pisos do seu edifício na zona de
Montparnasse, uma exposição comissa-
riada por Agnès Sire onde através de dois
núcleos expositivos, a cores e a preto e
branco, se revelam uma centena de ima-
gens da autoria de Saul Leiter. Realizadas
entre 1947 e 1960, as imagens apresenta-
das a público são na sua maioria impres-
sões de época, emprestadas pela Galeria
Howard Greenberg e por coleccionadores
privados, onde se revelam “silhuetas em
trânsito, sombras, visões misteriosas e in-
directas entre romantismo e filme negro”
tão características do Olhar do fotógrafo
que elegeu a “selva urbana” como sujeito
do seu trabalho pessoal revelando assim o
seu extraordinário universo “poético, oní-
rico e calmante, sobre o qual plana a doçu-
ra da melancolia”. � «Saul Leiter»
Colecção Photo Poche
Saul Leiter Edição brochada
Fondation Henri Cartier-Bresson, em Paris 64 páginas
Até dia 13 de Abril Editado por Actes Sud

Escutar a Natureza
Fotografias de Robert Adams
gentilmente cedidas por
Fondation Cartier pour l’Art Contemporain
«On the Edge», de Robert Adams
Patente até 27 de Janeiro
Fondation Cartier pour l’Art Contemporain
www.fondation.cartier.com
R
aras vezes fotografia e
consciência ecológica se
conjugam tão perfeitamen-
te como na obra de Robert
Adams. Actualmente em Paris, a Fondation
Cartier pour l’Art Contemporain apresen-
ta “On the edge”, a sua primeira exposi-
ção individual em França onde, através de
fotografias e livros, se traçam e revelam
quarenta anos de sucessivas mutações da
paisagem do velho Oeste americano.
É nos livros que melhor se revela a força
da obra de Robert Adams. A sua eloquên-
cia espelha-se caleidoscopicamente nas 34
monografias que até hoje publicou e onde
desde 1970, com o precioso auxílio da sua
mulher Kerstin, Adams tem vindo a ensaiar
novas narrativas para as suas séries foto-
gráficas. Contrariamente a muitos dos seus
contemporâneos que utilizam os livros me-
ramente para catalogar os seus trabalhos,
Robert Adams encontrou na edição um es-
paço de expressão onde activa plenamente
o poder literário do medium, permitindo
às suas imagens interagirem, dialogarem e
criarem novas e efectivas ligações com vis-
ta à agudização da percepção e à extensão
da vivência estética.
Não receando protagonizar uma possível
contra-corrente na fotografia contemporâ-
nea, Robert Adams tem sido um ardente
defensor dos valores tradicionais da es-
tética, sem medo de promover a “beleza”
33
como virtude a aspirar. Nas suas belas ima-
gens revela-se ainda, com grande ímpeto e
fulgor crítico, a raiva que o fotógrafo sente
perante as práticas anti-ecológicas do seu
país, sobretudo no que concerne à siste-
mática destruição das paisagens naturais
do Oeste americano.
Em entrevista concedida a Thomas Weski
em Maio de 2004, Adams relata o início da
sua actividade fotográfica em 1964 como
“uma resposta emotiva à paisagem”, refle-
xo das suas preocupações ecológicas numa
“América bárbara onde a ganância é vista
como uma virtude”. Para o fotógrafo, que
recorda ter tido o privilégio de experien-
ciar o natural desde a infância, pela mão do
seu pai, a fotografia de paisagem ganhou
força simbólica no seu activismo e expres-
sa hoje, com grande eficiência, as suas opi-
niões políticas.
Na exposição “On the Edge”, actualmente
patente no piso inferior da Fondation Car-
tier pour l’Art Contemporain, em Paris,
Robert Adams expressa a preto e branco,
através de 150 fotografias e cerca de qua-
renta livros, as suas actuais preocupações
ecológicas, criando um denso e contras-
tante universo fotográfico que oscila entre
o desespero e o optimismo. Bom exemplo
disso é a imagem onde um tronco decepa-
do e desenraizado se revela solitário numa
idílica paisagem da costa americana. �
Por Susana Paiva
 35

Uma resposta emotiva à paisagem.

 37

A preto e branco cria-se um contraste entre o desespero e o optimismo.

Raras vezes fotografia e consciência ecológica se conjugam tão perfeitamente.

 Kai Wiedenhöfer
Kai Wiedenhöfer
O novo Muro da Vergonha
� ��� �� ��� � � �
“ uma década, Kai Wiedenhöfer, hoje com 41 anos, es-
Vencedor em 2005 da bolsa de fotografia editorial Getty Images
com o projecto “Sharon’s Wall: Holly Land, Divided Land”, o fotógrafo
alemão Kai Wiedenhöfer publicou recentemente, pela Steidl, o livro “Wall”
reunindo 51 imagens que documentam a construção de 650 quilómetros
de muros, vedações, diques e outras barreiras ao longo da fronteira entre
o Estado de Israel e a futura entidade Palestiniana. Um vívido testemunho,
pleno de imagens desconcertantes, que enfatiza o lado humano do conflito,
revelando famílias divididas por uma barreira incompreendida.
”
Texto de Susana Paiva
Imagens de Kai Wiedenhöfer, cortesia Steidl
34
F
oi Christian Schimdt, escritor baseado em
Zurique, quem pela sua insistência conven-
ceu Kai Wiedenhöfer a regressar a Israel e
aos territórios ocupados da Palestina. Cor-
respondente no Médio Oriente durante mais do que
tava relutante em regressar.
Desde os 13 anos, idade em que lera um livro sobre
os conflitos políticos no Médio Oriente, que se sentia
fascinado pelos problemas da região. Inevitavelmente,
na primavera de 1989, acabou por viajar rumo a Jeru-
salém a fim de produzir um portfolio fotográfico para
a sua candidatura universitária. Foi com esse portfolio
que acedeu ao curso de fotojornalismo na Folkwang
School, em Essen, onde concluiu os seus estudos em
1991.
Ainda enquanto estudante Wiedenhöfer visitou duas
vezes Jerusalém, focando o seu trabalho nos aspectos
religiosos e nos problemas da ocupação, reflectidos no
quotidiano da Cidade Santa. Acabada a universidade, e
compreendendo a Considerado um fotógrafo com
necessidade de fa- “uma lente tendencialmente
lar o idioma local anti-Israelita”, Kai dedicou
caso quisesse con-
os 3 últimos anos a fotografar
cretizar o sonho de
a construção do muro...
trabalhar no Médio
Oriente, Kai rumou a Damasco, Síria, onde aprendeu a
falar árabe no Arabic Teaching Institute for Foreigners.
Munido das ferramentas mínimas necessárias, Kai
Wiedenhöfer estabeleceu-se então no Médio Orien-
te, trabalhando como fotógrafo para a agência Suíça
“Lookat Photos”. Considerado não raras vezes como
um fotógrafo com “uma lente tendencialmente anti-
Israelita”, Kai dedicou os 3 últimos anos a fotografar
a construção do muro fronteira que divide o Estado
de Israel dos territórios Palestinianos, revelando os
dramas humanos daqueles que coabitam diariamente
com a construção. “Erigido com um único propósito –
o de manter os terroristas Palestinianos, que desejam
assassinar cidadãos Israelitas, fora”, segundo o Minis-
35
36 Optando por fotografar com tro dos Negócios do imagens extraordinariamente eficazes. Um poderoso 37
uma máquina panorâmica 6x17, Estrangeiros Israe- documento que perdurará e onde ecoarão as palavras
lita, “Israel, uma so- do fotógrafo alemão – “O que resta do muro de Berlim
Wiedenhöfer criou imagens que
ciedade democráti- serve como recordação constante do conflito político
agudizam visualmente a extensão
ca, está a construir que separou a Alemanha durante mais de 25 anos. E
horizontal e vertical do muro. essa vedação para nesse muro, num graffiti, pode ler-se ainda «O muro da
proteger cidadãos de ataques mortais, não para im- vergonha ergue-se agora em Israel»”. �
pedir contactos pacíficos com o outro lado”. Livro “Wall” de Kai Wiedenhöfer
Na capa de «Wall», numa fotografia captada em 2004, 104 páginas, 30 cm x 20 cm, capa dura
Abu Adnan Schawarib, de 70 anos, passeia ao longo do publicado por Steidl
muro em Nazlat Isa. Do outro lado encontra-se Baqa ar- ISBN: 3-86521-117-8
Rarbiya, uma localidade habitada por Palestinianos com (www.steidlville.com)
cidadania Israelita. “A barreira cortou a cidade separan-
do famílias. 105 lojas e 7 casas foram destruídas para
construir o muro. Aí 25% da barreira de separação está
construída a seguir à fronteira reconhecida internacio-
nalmente. O resto entra profundamente nos territórios
Palestinianos ocupados, dobrando praticamente a exten-
são da fronteira”, escreve Wiedenhöfer no seu livro.
Tendo optado por fotografar este projecto com uma
máquina panorâmica 6x17 cm emprestada por um ami-
go, Wiedenhöfer criou panoramas que agudizam visual-
mente a extensão horizontal e vertical do muro, crian-
 Edward Burtynsky

Paisagens manufacturadas
“Visualizar uma obra de Edward Burtynsky é partilhar da
certeza de estar perante um trabalho minuciosamente pensado,
magistralmente executado, onde a falha não tem lugar. As suas
fotografias, tecnicamente perfeitas, fascinam pela terrível beleza
com que traduzem o frágil (des)equilíbrio entre aquilo que
a Natureza produz de mais precioso e o Homem tão insistentemente
explora, funcionando como espelhos onde, tão claramente,
se reflecte o mundo em que vivemos.
” Texto de Susana Paiva
Imagens de Edward Burtynsky, cortesia Mongrel Media e Steidl

N
o stand que a editora Steidl exibe na Pa-
ris Photo todo o espaço é exíguo para
folhear os dois livros onde as fotografias
44 de Edward Burtynsky brilham. «China», de 45
2005, e «Quarries», de 2007, são álbuns fotográficos, tec-
nicamente irrepreensíveis – editados segundo o mesmo
grau de exigência que Burtynsky põe nas suas imagens –,
onde magníficas reproduções traduzem o melhor que o
fotógrafo canadiano tem produzido nas duas últimas dé-
cadas. Inútil observá-los fugazmente, folheando-os sobre
o joelho ou recorrendo ao auxílio de apenas uma mão.
Os seus livros, tal como as grandes impressões fotográfi-
cas que produz, necessitam da tranquilidade da contem-
plação, do silêncio que promove a concentração e obriga
a mergulhar nas paisagens captadas e que traduzem na
perfeição o efeito de séculos de acção humana sobre os
recursos naturais do planeta.
Nascido em 1955, em St. Catharines, Ontário, Bur-
tynsky atribui o seu interesse pelas intricadas rela-
ções entre indústria e Natureza à observação, desde
tenra idade, da dinâmica da empresa General Motors
estabelecida na sua terra natal. Fascinado pela acção
humana na paisagem, Burtynsky completa os seus
estudos em Fotografia na Ryerson University, em To-
������� ronto, e em Artes Gráficas no Niagara College, em
“Shipyard #11”, Shipyard at Qili Port, Zhejiang Province, China Welland, fundando, em 1985, o Toronto Image Works
 Edward Burtynsky

46 47

�������
“Nickel Tailings #34”,Sudbury, Ontario, Canada
 Edward Burtynsky
– um centro educacional e de produção artística na
área da imagem analógica e digital – onde inicia um
extenso trabalho fotográfico que se constitui hoje
como testemunho da relação evolutiva do Homem
com a Natureza, perfeitamente espelhada nas paisa-
gens industriais que constrói.
Dedicando o máximo de tempo de maturação possí-
vel a cada um dos seus projectos, Burtynsky acaba de
editar «Quarries», um livro onde se reúnem imagens
de pedreiras – essas “arquitecturas invertidas”, como
gosta de lhes chamar – captadas durante mais de
uma década em países de vários continentes, entre
os quais pontua Portugal com dez imagens realizadas
em diversas pedreiras do sul do país.
Dos seus trabalhos mais notáveis destaca-se o pro-
jecto desenvolvido na China, esse gigante cujo cres-
cimento não conhece barreiras ecológicas, e que a
premiada realizadora canadiana Jennifer Baichwal re-
�������
Three Gorges Dam Project, Feg Jie #5, Three Gorges Dam Project,Yangtze River, China
48
gistou em 16 mm. Em «Paisagens Manufacturadas»,
filme projectado pela primeira vez no Festival de
Cinema de Toronto em Setembro de 2006, Jennifer
Baichwal acompanha Edward Burtynsky através da
China, enquanto este fotografa os efeitos da massiva
revolução industrial que o país protagoniza. Aproxi-
mando-se da postura de Burtynsky, o filme promove
a reflexão sobre o impacto humano no planeta, evi-
tando julgamentos simplistas ou soluções redutoras,
deixando ao espectador a responsabilidade individu-
al da tomada de consciência.
Rodado maioritariamente na China, o documentário
proporciona a observação dos métodos e técnicas
empregues por Edward Burtynsky na obtenção das
suas imagens, enfatizando as suas capacidades diplo-
máticas de negociação e de acesso a locais onde ja-
mais outro fotógrafo acedera. Particularmente belas
e dramáticas, aparentando um cenário apocalíptico,
49
�������
“Shipbreaking #49”, Shipbreaking in Chittagong, Bangladesh
�������
“Bao Steel #8”, Bao Steel in Shanghai, China
 Edward Burtynsky
�������
Noah Weinzweig (China line producer, at left) and Edward Burtynsky in the Tianjin suburbs, China, Photo by Peter Mettler �������
“Manufacturing #18”, Cankun Factory, Zhangzhou, Fujian, Province, China
50
�������
“Dam #6”, Three Gorges Dam Project,Yangtze River, China �������
“China Recycling #9”, Circuit Boards for recycling in Guiyu, são as imagens obtidas no local de implantação da
Guangdong Province, China «Three Gorges Dam» -- a maior barragem do mundo,
50% maior do que qualquer outra existente e res-
ponsável pela deslocação compulsiva de cerca de um
milhão de habitantes daquela região.
Reconhecendo que a grande força das imagens de
Burtynsky reside «na sua recusa em as tornar didác-
ticas» Baichwal acaba por desenvolver, em «Paisagens
Manufacturadas», uma obra que prolonga de forma
poética e eficaz as metafóricas imagens de Burtynsky
dando assim a percepcionar, num belo estilo, o dile-
ma da nossa existência moderna – o continuo desejo
de ter uma maior qualidade de vida não obstante a
tomada progressiva de consciência das consequên-
cias naturais que daí advenham. �
51
«China», de Edward Burtynsky
180 páginas, 80 imagens a cores
38,1 cm x 30,5 cm, capa dura com sobrecapa impressa
Editado por Steidl em Novembro de 2005
«Quarries», de Edward Burtynsky
176 páginas, 80 imagens a cores
38,1 cm x 30,4 cm, capa dura com sobrecapa impressa
editado por Steidl Photography International em Setembro de 2007
«Manufactured Landscapes», sobre a obra de Edward Burtynsky
Realização de Jennifer Baichwai
Estreia em sala em França – Novembro de 2007
Documentário, 1h26m, cor
Canadá, 2006

Gérald Bloncourt no CCB
“ Partiram clandestinamente de Portugal rumo a França, fugindo à miséria
e opressão. Para trás deixaram família e amigos envoltos em saudade. Suportaram
os tortuosos caminhos da emigração sonhando com um glorioso regresso a Portugal e
lutando “por uma vida melhor”.Tudo isso documentam as imagens de Gérald Bloncourt
patentes, até ao próximo dia 18 de Maio, no Museu Colecção Berardo, em Lisboa.
”
Texto de Susana Paiva
P
ara Bernardette Caille, co-
missária da exposição «Por
Uma Vida Melhor» que reú-
ne no Museu Colecção Be-
rardo, em Lisboa, cerca de 50 fotografias
de Gérald Bloncourt em torno da temá-
tica da imigração portuguesa clandestina
em França, não existem dúvidas acerca
da importância e pertinência da mos-
tra. «A exposição fala de uma realidade
que durante muito tempo os franceses
ignoraram. As duras condições de so-
brevivência dos emigrantes portugueses
clandestinos em França, nas décadas de
50 e de 60, é um assunto do qual ainda
hoje pouco se fala, apesar de existirem
no país autores como o José Vieira, do-
cumentarista português residente em
França desde 1965, que apresenta nes-
ta mostra dois dos seus documentários
e excertos de um terceiro em fase de
edição e cuja cinematografia aborda sis-
tematicamente a temática da imigração
portuguesa em França».
Assunto esquecido ou apenas talvez do-
loroso de mais para recordar, alicerçado
na culpa – de todos quantos tiraram di-
videndos da precariedade e consequente
fragilidade da imensa massa laboral por-
tuguesa em busca da legalização –, e na
vergonha – daqueles que, sujeitando-se
às terríveis condições que a clandestini-
dade impunha, silenciaram a dura realida-
de dos “bidonvilles”, periféricos bairros
de lata privados de electricidade, sanea-
mento e água canalizada onde entre tá-
49
buas e chapas metálicas se erigiam as
precárias habitações de milhares de fa-
mílias portuguesas –, as reais condições
de vida dos emigrantes portugueses em
França captaram a atenção de Gérald
Bloncourt ainda na década de 50, altu-
ra de que datam as suas primeiras ima-
gens temáticas. No entanto, foi apenas
em 1964, ano em que Bloncourt tomou
conhecimento do “bidonville” de Cham-
pigny-sur-Marne, nos arredores de Paris
– um dos maiores bairros de lata então
habitado por famílias portuguesas –, que
o seu trabalhou adquiriu a proximidade
e intensidade que hoje se pode testemu-
nhar na sua exposição.
Inicialmente recebido com desconfian-
ça e hostilidade no seio do “bidonville”,
Bloncourt teve a felicidade de encontrar
no bairro de lata português um homem
que conhecera anteriormente e que se
revelaria a chave certa para a imersão
naquele mundo secreto e proibido. Com
permissão para regressar e fotografar li-
vremente, Gérald Bloncourt desenvolveu
um extenso trabalho documental sobre
o quotidiano dos portugueses, trabalho
que enriqueceu com a abordagem foto-
gráfica de outros momentos capitais no
processo da emigração clandestina. Ain-
da hoje recorda, com emoção, a dureza
da única viagem que fez “a salto” entre
Portugal e França, seguindo um pas-
sador que guiava através dos Pirenéus
um pequeno grupo de emigrantes clan-
destinos, e da qual resultariam apenas
duas imagens obtidas clandestinamente
e mostrando o grupo de costas tal era
o receio de identificação por parte dos
seus elementos.
Foi por uma dessas imagens, datada de
1965, que Bloncourt resolveu começar a
sua exposição fotográfica patente no Mu-
seu Colecção Berardo onde revela com
sensibilidade, mas sem grandes preocupa-
ções estéticas, a dura caminhada da emi-
gração portuguesa clandestina em França,
esses “filhos dos grandes descobridores”
que sonhavam um dia regressar gloriosa-
mente a casa. Um trabalho que, não pre-
tendendo ser moralizante, devia permitir,
nas palavras de Bernardette Caille, “uma
reflexão sobre as indignas condições com
que no passado a França recebeu a mão-
de-obra portuguesa e que hoje, um pouco
por toda a Europa, não se hesita em repe-
tir perante as novas e crescentes vagas de
emigração”. �
«Por Uma Vida Melhor»
Fotografias de Gérald Bloncourt
Projecção dos documentários «Gente
do Salto» e «Os Anos da Lama»,
de José Vieira
Museu Colecção Berardo
Centro Cultural de Belém, Lisboa
Todos os dias, das 10h00 às 19h00
Horário alargado à 6ª feira, até às 22h00
Entrada gratuita
 33
Portfolio Joakim Eskildsen
Cantos nómadas
“ Entre 2000 e 2006 Joakim Eskildsen e Cia Rinne
percorreram sete países, da Europa à Ásia, documentando
a vida de diversos grupos étnicos colectivamente
designados por Ciganos.Agora no livro “The Roma
Journeys [Le romané phirimàta]”, materializam em
imagens, palavras e sons a intensa experiência de partilha
do quotidiano das inúmeras famílias ciganas com que
ao longo de sete anos privaram.
” Texto de Susana Paiva
Fotografias de Joakim Eskildsen, gentilmente cedidas pela editora Steidl

D
esde 1975, ano em que
o fotógrafo Josef Kou-
delka publicou pela
editora Aperture o len-
dário «Gypsies», que nenhuma outra
obra fotográfica sobre a comunidade
cigana se constituía como uma verdadei-
ramente referência internacional. Apesar
de alguns trabalhos sistemáticos e con-
sistentes na área como o do britânico
Nigel Dickson, que ao longo de 12 anos
fotografou diversas comunidades ciganas
na Europa e nos Estados Unidos da Amé-
rica e que, em 2003, publicou pela Actes
Sud o interessante «Sara – Le pèlerinage
des gitans», obra dedicada à anual pere-
grinação cigana em honra da sua santa
padroeira na localidade francesa de
Saintes-Maries de la Mer, foi necessário
esperar cerca de três décadas para que
o mercado editorial voltasse a publicar
nova obra de referência, desta feita atra-
vés do renovado olhar do fotógrafo di-
namarquês Joakim Eskildsen.
Publicado pela Steidl, «The Roma Jour-
neys [Le romané phirimàta]» é uma obra
excepcional onde, longe de produzirem
um trabalho documental linear, Joakim
Eskildsen, através da fotografia, e Cia
Rinne, do ensaio e da recolha sonora e
musical que deu origem ao cd integrado
na edição, reformulam o género criando
não só uma obra de importante valor
documental mas sobretudo um trabalho
onde a valência estética impera.
Numa obra onde se traça o quotidiano
dos Roma, Sinti, Calé e outros grupos
étnicos colectivamente referenciados
como Ciganos, existe ainda em «The
Roma Journeys» espaço para a afirma-
ção da sua diferença revelando-se, de
forma brilhante, como a maior minoria
da Europa se difunde através do globo,
vivendo em micro universos onde cada
grupo étnico é marcado por um idioma
e cultura específicas. Há, nas brilhantes
imagens de Eskildsen, uma força e es-
tranheza que evidenciam traços de in-
dividualidade e solidão no seio de uma
comunidade sobre a qual durante muito
tempo assumimos que o colectivo se
sobrepunha ao indivíduo. Há nas suas
fotografias, sobretudo nas imagens a co-
res, uma luz improvável e estranhamente
bela onde amanhecer e crepúsculo se
tornam predominantes, reforçados aqui
e ali por pequenos focus de luz artifi-
cial que nos remetem para o plano da
 35
irrealidade. É assim, pela poética combi-
nação do poderoso universo imagético
de Joakim Eskildsen e da incisiva prosa
de Cia Rinne, que a obra editada pela
Steidl veemente veicula a forma dis-
criminatória como os Roma tem sido
perseguidos e expulsos um pouco por
toda a Europa, sujeitos à escravatura na
Roménia e até proibidos de se expres-
sar na sua própria lingua. Parafraseando,
em jeito de conclusão, Günther Grass
que no prefácio denuncia a injusta des-
criminação a que esse povo tem sido
sujeito: «No seu permanente estado de
dispersão, eles, os Roma, são de facto
Europeus no sentido em que, aprisiona-
dos nas nossas estreitas nacionalidades,
deveríamos ter em mente que a nossa
Europa unida não se deveria desenvol-
ver num monstro burocrático, num co-
losso económico todo-poderoso. Pelo
menos num nível, na sua mobilidade que
desafia fronteiras, os chamados Ciganos
estão um passo à nossa frente. Eles de-
veriam ser os primeiros a receber passa-
portes Europeus, garantindo-lhes direito
de residência da Roménia a Portugal.
Nascidos Europeus, eles estão, nos seus
séculos de experiência, em posição de
nos ensinar como cruzar fronteiras, de
abolir as fronteiras dentro e à volta de
nós e de criar uma Europa sem frontei-
ras que não seja apenas um sujeito de
vazio orátorio mas um real estado da
situação». �

«The Roma Journeys

(Le romané phirimàta)»
Fotografias de Joakim Eskildsen
Prefácio de Günter Grass
Introdução de Cia Rinne e Joakim Eskildsen
Ensaios e gravação sonora de Cia Rinne
Edição musical de Sebastian Eskildsen
416 páginas, imagens a cores e a preto e branco,
23.3 cm x 26.6 cm
Capa dura com CD de gravação de som e música gravada
durante a viagem
ISBN: 978-3-86521-371-6
www.steidlville.com
 27
Sophie Calle
Objectivar a dor criando Arte

“ Autora de algumas das mais singulares e desconcertantes obras de arte

plásticas da actualidade, Sophie Calle foi, com «Prenez soin de vous», a
representante francesa na última edição da Bienal de Veneza. Agora, de regresso
a Paris, exibe na Bibliothèque Nationale de France a referida obra, criando com
mestria novas oportunidades de atestar como pode o sofrimento ser objectivado
e, mais importante do que isso, transformado em obra de Arte.
”
Texto de Susana Paiva
Fotografias gentilmente cedidas por Bibliothèque Nationale de France
Retrato de Sophie Calle da autoria de Jean Baptiste Mondino

H
á 30 anos que Sophie
Calle transforma publi-
camente a sua intimi-
dade e vida afectiva em
obras de arte, prática que lhe tem valido
tão grande número de admiradores quan-
to de críticos. Debruçando-se sobre a sua
esfera íntima, onde ao público não é possí-
vel traçar fronteira entre real e imaginário,
talvez nunca venha a ser possível alcançar
consenso sobre a validade da sua obra. De
qualquer modo talvez não seja condição
necessária o público saber a veracidade
das suas premissas, digam elas respeito a
rupturas amorosas, perda de entes queri-
dos ou outros desaires emocionais, dado
todos elas reflectirem uma certa universa-
lidade em que cada um dos espectadores
se poderá projectar.
É precisamente nesse grande espaço de
reflexão e projecção que reside o magne-
tismo da obra de Sophie Calle, o segredo
do seu sucesso e, em última instância, a ra-
zão pela qual, ainda que subsista a dúvida
da credibilidade, nos sentimos tão atraí-
dos pelas suas desconcertantes propostas
artísticas. Há na sua obra a dimensão de
uma humanidade por vezes obnubilada
pela Arte, um espaço para o humano tal
como ele é, com as suas fragilidades, as
suas feridas afectivas mas também com a
sua generosidade e enorme capacidade
criativa para ultrapassar adversidades. Em
«Prenez soin de vous», derradeiras pala-
vras de uma inesperada e dolorosa carta
de ruptura que Sophie Calle recebeu via
correio electrónico, a artista comprova
isso mesmo ao fazer interpretar a referida
carta por 107 mulheres de diferentes ida-
des e profissões..
Longe de se tornar num objecto estéril
onde, através do coro das mais de 100
vozes, se destila a mágoa de uma mu-
lher face à incapacidade de responder à
carta do seu amante, o projecto que So-
phie Calle agora expõe na Bibliothèque
Nationale de France (BNF) revela-se um
objecto maior onde a pluralidade de in-
terpretações dá lugar, entre tragédia e
comédia, a interessantes performances
29
em campos artísticos tão diversos como
a literatura, a dança, o canto lírico e o tea-
tro sem esquecer todas as outras que são
fruto de análise de disciplinas científicas
ou territórios académicos como os da
consultoria matrimonial, da psiquiatria, da
grafologia ou do direito.
Instalada na histórica Sala Labrouste, in-
fra-estrutura da BNF fechada ao público
nos últimos dez anos, a exposição co-
missariada e instalada in situ por Daniel
Burren – comissário da exposição original
apresentada durante a Bienal de Veneza
de 2007 e seleccionado por Sophie Cal-
le entre os mais de 200 candidatos que
responderam ao seu anúncio nos jornais:
«Sophie Calle, artista seleccionada para
representar a França na 52° Bienal de
Veneza, procura um candidato entusiasta
para comissariar a sua exposição. Pedem-
-se referências. Honorários a negociar»
– materializa com elegância os vídeos,
fotografias e livros produzidos no âmbito
do projecto, deixando ao visitante a sen-
sação de mergulhar num universo pessoal
ao qual apenas ele tem acesso.
Entre os múltiplos registos desta falsa in-
timidade pontuam interpretações de mui-
tas figuras públicas, entre as quais Maria
de Medeiros e Mísia – ambas a residir em
Paris –, que criam performances antagóni-
cas, onde à tranquilidade da actriz Maria
de Medeiros lendo a carta deitada numa
chaise longue se contrapõe o inflamado
registo de Mísia, onde segundo a fadista
se revela impossível a interpretação à luz
do fado da referida carta de ruptura. Dois
bons exemplos da teoria que a artista en-
quanto agente provocador parece querer
afirmar – que na esfera das emoções e dos
afectos não há racionalização e homoge-
neização possível. �
Sophie Calle
«Prenez soin de vous»
Bibliothèque nationale de France
58 Rue de Richelieu, 75002 Paris
3a a sábado, 10h-20h, domingos, 12h-20h,
horário alargado à 5ª, até às 22h
Até 8 de Junho
 31
«Topologies», de Edgar Martins
Morfologias do real
“ Tal como em Robert Adams é nos livros que melhor se revela a força da obra de
Edgar Martins.As suas séries fotográficas ensaiam poderosas narrativas e, tal como em
Adams, encontram na edição um espaço de expressão onde se activa o poder literário
do médium, estimulando a interacção e um diálogo criadores de novas e efectivas
ligações que agudizam a percepção e extensão da vivência estética do leitor. Ideias de
força que não passaram despercebidas à Aperture Foundation que edita agora o seu livro
«Topologies», uma excelente obra disponível mundialmente já a partir deste mês.
”
Texto de Susana Paiva
Imagens gentilmente cedidas por Edgar Martins

E
dgar Martins não receia o
«belo». Tal como o fotógra-
fo Robert Adams não receia
protagonizar uma possível
contra-corrente na fotografia contemporâ-
nea, produzindo imagens que enfatizam va-
lores tradicionais da estética com a «beleza»
como virtude a aspirar. Nas suas imagens,
simultaneamente clássicas e contemporâne-
as, Martins consegue recapitular a história,
criando imagens que utilizam as mais antigas
estratégias pictóricas para expressar uma
forma nostálgica de ver e registar a paisa-
gem, e ser um criador do seu tempo ao im-
buir o seu trabalho de espantosas qualidades
abstractas e de uma carga política traduzida
na ansiedade reveladora do tempo em que
vivemos.
As suas séries apresentam frequentemente
características distintas que revelam diferen-
tes níveis de envolvimento com as tradições
históricas. Algumas fotografias são provas do
mundo tal como o conhecemos enquanto
outras, na opinião de John Beardsley, «obs-
curecem o seu sujeito através de um ilusio-
nismo que tange a magia». As fotografias dos
grandes maciços gelados mostram a sua ten-
dência para a tradição pictorialista, revelando
o artista que, tal como um explorador, cria
um inventário de montanhas, rios e campos
gelados com recurso a uma paleta de cores
onde apenas pontuam o cinzento, o castanho,
o branco e por vezes o azul.Algumas das suas
imagens apresentam-se em apenas dois tons,
onde sépia e cinzento parecem sugerir ima-
gens coloridas manualmente o que, de certa
forma, é verdade já que o tons creme do céu
são obtidos através de uma pré-exposição da
película à luz, produzindo assim um efeito de
véu que acaba por ser percepcionado como
uma suave tonalidade sépia.
Obtendo as imagens com recurso a uma
lente grande angular numa câmera gran-
de formato montada em tripé, técnica um
pouco anacrónica que Edgar Martins reco-
nhece ser «uma forma pouco espontânea
de trabalhar, muito estática e premeditada»,
esta metodologia serve na perfeição os seus
projectos cujo discurso teórico é tão forte e
consistente como a técnica fotográfica.
Nas imagens dos fogos florestais, captadas
em Portugal em 2005 e em 2006, Edgar
Martins atinge na sua obra o apogeu dos
efeitos da pintura, sobretudo na imagem
onde o verde da vegetação é invadido por
chamas, vendo-se o seu reflexo na água.
Contudo, neste caso, a sua intenção não é
apenas pictórica, existindo subjacente uma
ansiedade reveladora dos efeitos da seca
e do extremo calor, indícios que poderão
ser lidos como sinal da clara mudança cli-
mática global, bem como consequência de
uma má gestão florestal, conivente com a

«Landscapes Beyond AA»

������� «Landscapes Beyond Part 2»
������� «Landscapes Beyond Part 2»
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«Landscapes Beyond Part 2»

«The Accidental Theorist 2»
������� «The Accidental Theorist 20»
�������
�������
«The Rehearsal of space 9» plantação maciça de eucaliptos, espécie que
�������
para além de esgotar os recursos do solo
se apresenta como altamente inflamável.
Não obstante a beleza das suas imagens dos
fogos florestais, é na série «The Accidental
Theorist», reunindo imagens captadas em
2005 e 2007, que o documentarista Edgar
Martins se transforma em ilusionista, mate-
rializando o estado entre sonho e desper-
tar que André Breton caracterizou no seu
manifesto de 1924 como «um género de
realidade absoluta, uma surrealidade se assim
se pode dizer». Revelando as incongruên-
cias e inconsistências de quando, à noite, a
cidade encontra o oceano, Martins trabalha
«num terceiro espaço – entre realidade e
representação». Há ainda, nas suas imagens
nocturnas da praia, um outro subtil elo com
o surrealismo – a presença do «object trou-
vé», o objecto encontrado, que segundo
«The Accidental Theorist 22»
������� «The Accidental Theorist 23»
�������
�������
33
«Hidden 1»
«Hidden 3»
�������
Breton podia liberar a imaginação artística, �������
«The Rehearsal of space 10»
exprimindo o maravilhoso e constituindo-se
como um dos atributos de uma beleza que
apelidou de convulsiva.
Seja em «Landscapes Beyond», «The Burden
of Proof», «The Rehearsal of Space», «The
Accidental Theorist», «Approaches» ou em
«Hidden» – as seis séries que Edgar Martins
apresenta na obra que acabou de editar - a
realidade é que todas as imagens publicadas
cabem no conceito de “topologia” que es-
colheu para titular o livro, ora porque reme-
tem para o estudo das propriedades das for-
mas geométricas que se mantêm invariáveis
sob certas transformações – como dobrar,
esticar ou torcer – ora porque remetem
para o estudo das modificações que ocor-
rem ao longo do tempo, mostrando assim
como essas alterações afectam a história de
um lugar. �
«Hidden 4»
«Topologies», de Edgar Martins
Capa dura com sobrecapa impressa, 75 imagens
em quadricromia, 136 Páginas. Editado por Aperture, Nova Iorque
www.aperture.org
 Exhibition Road

C
oncebo ser o dever de toda a pessoa educada
estudar e observar cuidadosamente o tempo
em que vive», declarou o Príncipe Albert no
� ��� �� ��� � � � discurso proferido a 11 de Outubro de 1849,
na cidade de Londres, durante num banquete concedido por
Lord Mayor. Nesse discurso, acentuando a importância da
ciência, bem como as suas relações com a arte, apresentava
«The Great Exhibition», o grandioso projecto expositivo ma-
terializado, dois anos mais tarde, em Hyde Park. Mercê dessa
visão, «plena de ambição intelectual, inventividade e energia»,
e graças ao enorme sucesso da Grande Exposição de 1851,
cujos lucros foram investidos na compra de 400 metros qua-
drados de terreno em South Kensignton, nasce “Exhibition
Road”, «um centro nacional permanente para a educação
pública». Em poucas décadas, com o apoio da Comissão da
Exposição de 1851, o local tornou-se a casa de um extraor-
dinário conjunto de reputadas instituições. Hoje, South Ken-
signton é um dos maiores e mais importantes centros artís-
ticos e científicos de educação pública a nível mundial.Aí, no
coração de South Kensington, se reunem três importantes
museus nacionais: o Natural History Museum, o Science Mu-
seum e o Victoria and Albert Museum. No mais, aí se encon-
tram três universidades – o Imperial College, o Royal College
42 of Art e o Royal College of Music –, e múltiplas instituições 43
culturais, incluindo o English National Ballet, o Royal Albert
Hall e a Serpentine Gallery. Conjuntamente, estas instituições
de índole variada atraem todos os anos cerca de dez milhões
de visitantes, tornando a área um dos destinos culturais mais
importantes de Londres. Representando o espectro total da
criatividade humana, através das artes e das ciências, essas
instituições representam igualmente o compromisso nacio-
Exhibition Road nal de acesso público à cultura e educação – algo que já os
Victorianos sabiam essencial para uma sociedade saudável.

Onde arte Actualmente, volvidos mais de 150 anos, “Exhibition Road”

- actualmente conhecida como a “auto-estrada da educação”

e ciência - superou as expectativas de todos quanto o projectaram

e, mais do que um centro de educação nacional, transfor-

se cruzam mou-se numa prestigiada referência internacional, atraindo

Texto e fotografia de Susana Paiva
visitantes de todas as nacionalidades que enchem, dia após
dia, o Victoria & Albert e os Museus de História Natural e
da Ciência. Três universos gigantes onde, gratuitamente, mi-
lhões de visitantes de todas as idades se deslumbram com as
colecções permanentes enquanto muitos outros não pres-
cidem de visitar as exposições temporárias onde, como no
caso do Museu de História Natural, brilha o universo dos
dinaussauros mecânicos e o famigerado T-Rex. �
 Exhibition Road

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44 45
 Exhibition Road

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 Documenta 12
Documenta 12
O museu dos 100 dias
Encerradas as portas da 12ª edição da Documenta, no
passado dia 23 de Setembro, a pacata cidade de Kassel
regressa à normalidade enquanto decorre a contagem
decrescente para a inauguração da próxima edição,
32 agendada para 9 de Junho de 2012.
Considerada como uma das mais importantes manifes-
tações de arte contemporânea a nível mundial, a Docu-
menta realiza-se desde 1955 em Kassel na Alemanha, re-
gendo-se por critérios de alternância, a cada cinco anos,
da equipa artística, que este ano contou com os alemães
Roger M. Buergel e Ruth Noack, ele como director ar-
tístico, ela enquanto comissária da exposição.
Fundada no período pós-II Guerra Mundial pelo artista e
educador Arnold Bode, como forma de abrir a Alemanha
ao mundo, o evento cedo assumiu por missão mostrar
arte contemporânea das mais diversas regiões do mun-
do relacionando entre si as diferentes obras expostas.
Concebida como uma experiência estética e educacio-
nal, a Documenta 12 apresentou exposições em diver-
sos locais e estruturas da cidade das quais se destacam
os seculares Museum Fredericianum e Neue Galerie,
bem como os modernos Documenta-Halle e Aue-Pa-
villon – uma estrutura efémera de 9500 metros qua-
drados, construída especialmente para aumentar o es- 33
paço expositivo normalmente oferecido pela cidade.
Também designada, dada a sua duração, como “museu
dos 100 dias”, a Documenta apresentou nesta edição
mais de 500 obras de arte, realizadas por 109 artistas
de 43 países, e beneficiou de um orçamento 19 milhões
de euros, metade dos quais suportados pela cidade de
Kassel, pela região de Hesse e pela Federal Cultural
Fondation. Com um crescimento de 16% de entradas
pagas relativamente à última edição, foram contabiliza-
das 754.301 visitantes na Documenta 12 tendo o even-
to sido coberto por 15.537 jornalistas originários de
52 países.
Texto e fotografias de Susana Paiva
 Documenta 12

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 Documenta 12

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