Vestuario Producao de Moda PDF

Escola Estadual de
Educação Profissional - EEEP

Ensino Médio Integrado à Educação Profissional
Curso Técnico em Vestuário
Produção de Moda
Governador
Cid Ferreira Gomes
Vice Governador
Domingos Gomes de Aguiar Filho
Secretária da Educação
Maria Izolda Cela de Arruda Coelho
Secretário Adjunto
Maurício Holanda Maia
Secretário Executivo
Antônio Idilvan de Lima Alencar
Assessora Institucional do Gabinete da Seduc

Cristiane Carvalho Holanda
Coordenadora da Educação Profissional – SEDUC

Andréa Araújo Rocha
Escola Estadual de Educação Profissional [EEEP] Ensino Médio Integrado à Educação Profissional
APOSTILA DE PRODUÇÃO DE MODA
Vestuário - Produção de Moda 1

1.ÁREAS DE PRODUÇÃO DE MODA
2. DESFILE, CENOGRAFIA, TRILHA SONORA, ETC.

1.ÁREAS DE PRODUÇÃO DE MODA

A Produção de Moda, vai além do Estilista, o profissional trabalha com os
diversos setores da cadeia produtiva da Moda. Pode ser como autônomo ou
como trabalhador fixo, ele está presente no comércio, na indústria e nos
serviços.
I) Comércio
A atuação da produção de moda está nas vitrines, no layout, no visual
merchandising, em todos os setores de uma loja de moda, seja vestuário,
calçados, acessórios, mobiliário, entre outros.
Muitos empreendedores recorrem aos consultores de imagem para definir o
estilo e produtos que terá sua empresa. E através dessa definição, cria a
imagem adequada do espaço de forma que os produtos encontrados ali,
traduzam de forma criativa e atraente o desejo do consumo.
II) Indústria
Para a indústria o produtor transforma os produtos confeccionados em
consumo para o
comércio. Assim se o produtor de Moda trabalhar de forma harmônica com
todos os
envolvidos na cadeia produtiva terá oportunidades garantidas por toda vida. A
importância da imagem começa na concepção da marca. A matéria prima,
como: tecidos, fios, fibras, aviamentos também precisam trabalhar com a
imagem adequada de forma que o comprador tem uma visualização dos
benefícios que terá ao adquirir esse ou aquele produto. Muitas vezes uma
Imagem comunica de forma mais eficiente
do que um texto cheio de palavras difíceis e conceitos desconhecidos de
muitos.
III) Serviços
Nesse setor que está a maioria dos profissionais de Moda. Desenvolvendo
diretamente com o cliente, sua imagem e forma de expressa- la, seja no campo
pessoal como profissional.
- Personal Stylist;
- Consultor de Imagem;
- Visagista;
- Stylist;

- Produtores de eventos de Moda;

- Consultor
A Transformação da Criação em Imagem

Produtor de Moda. Uma profissão que, embora seja muito requisitada, nem
todos sabem exatamente qual é a função. Com a crescente evolução que a
moda enfrentou nas últimas décadas, a cada ano surgem mais eventos e
desfiles e a participação de um produtor de moda toma uma importância
notável.
Um bom produtor de moda tem de entender de tudo um pouco - cinema, arte,

música, tendências, maquiagem - e, principalmente, ter uma completa agenda
de prestação de serviços, pois ele é a figura central que costura o trabalho de
todos os profissionais e serve de ponte para os que trabalham na equipe. É ele
quem sabe qual o cabeleireiro indicado, entende o funcionamento das
agências de modelos, faz o casting e providencia transporte e alimentação
para todos.
"O produtor de moda é o profissional que busca elementos, modelos, roupas e

acessórios, para a realização de fotografia, filmes, desfiles visando alcançar o
ideal de beleza pré estabelecido por uma pauta específica. Seu papel cruza-se
com o dos produtores executivos, de figurinos e objetos, mas na maioria das
vezes ambas as funções é feita pelo produtor de moda", relata Edyr Moraes,
professor do curso livre de produção de moda no SENAC.
A produção de moda dá continuidade ao trabalho do estilista, encarregando -se

de viabilizar os meios para que a roupa, antes pesquisada e idealizada, possa
despertar o desejo de consumo, fechando o ciclo que faz a engrenagem da
moda funcionar, seja através de desfiles, figurinos de cinema, teatro e
televisão, exposições ou books de modelos. Ele tem como objetivo administrar
o desejo das marcas de projetar umas imagem final.
O desfile é mais do que apresentação de roupa, é a apresentação de um

ambiente definindo então o estilo próprio de cada estilista, de cada coleção. A
cor é um dos detalhes mais importantes do desfile para passar a sua magia e
encantar as pessoas.
Nos anos 60, com Mary Quandt, surgiu um novo profissional, o stylist, que tem
como função criar a imagem, junto ao estilista ou fotógrafo, de como a roupa
vai ser apresentada. No desfile, cuida da seqüência visual, acessórios e

caimento da roupa, além da construção da imagem de maquiagem e cabelo.

Essa é mais uma função que o produtor
de moda geralmente executa.
No início dos anos 70, o mercado editorial abriu portas para novos
profissionais, pois passaram a ser produzidas as fotos das capas das revistas
aqui no Brasil com as confecções locais, usando, a partir de então, a nossa
linguagem. Entre os produtores pioneiros estavam Constanza Pascolato e
Regina Guerreiro.
"A organização de um desfile é uma tarefa bastante árdua, quase sempre

estressante, - comenta Madson Oliveira, produtor de moda cearense que hoje
busca o mercado de São Paulo.- mas pode ser muito gratificante, dependendo
do profissional. É nesse ramo que o produtor mais se mostra, às vezes
assumindo também a função de stylist".
Para produzir junto com um fotógrafo o produtor tem de ter noções básicas de
foto - P&B, colorida, cromo... O produtor cuida de todo visual da modelo,
roupas, acessórios, maquiagem, deixando-a pronta para que o fotógrafo possa
agir. A foto de moda enfim deve vender um estilo e, indiretamente um produto.
É o fotografo quem registra a moda de cada época, documentado para a
posteridade a sua evolução.
Na área de publicidade, cinema e TV, a função do produtor não é mostrar a

roupa, e sim, criar o estilo de um personagem. É muito importante que o
cenário, a luz, a maquiagem e o figurino não anulem um ao outro. Em um vídeo
a qualidade visual é muito prejudicada. Sua produção deve ser simples,
acessível e com material com pouca definição. Trabalhar com idéias claras,
objetivas e diretas, explorando pouco os detalhes, apoiando-se no mais forte. O
vídeo chapa a imagem sem mostrar a textura do tecido, por exemplo. Ele altera
as cores, misturando o verde, o azul e o vermelho (este ressalta).
Para se fazer a produção do figurino é necessário primeiramente a execução

de um briefing, informações detalhadas de cada personagem, além de
conhecer o público alvo, sua faixa etária, horário de exibição e censura.
Quando se prepara um figurino, sua produção depende muito do horário com
que vai ser apresentado. Depois de uma produção perfeita , o trabalho ainda
não acabou. The show must go on!
A pós produção é um fator básico para que a relação do profissional com as

empresas que o apoiaram continue a vigorar em harmonia. Tudo que foi pego
emprestado deve ser devolvido em perfeito estado e o mais rápido possível.
Notas , comprovantes de gastos devem ser agrupados para serem entregues a
quem o contratou. Só depois desta pós é que se pode dar como finalizada a
produção e gozar da satisfação de mais um trabalho executado.

DICAS PARA A PRODUÇÃO DE UM DESFILE:
1 Camareira no máximo para 2 modelos;

Na distribuição dos figurinos para a entrada na passarela, o modelo
deve retornar com a distância de 10 a 12 entradas, para que haja tempo
suficiente para a troca de roupa;
As araras devem estar encostadas nas paredes para que se tenha uma
visão total do que há no camarim;
Não se fuma, não se come, nem se deve maquiar dentro do camarim de
roupa;
Não é muito aconselhável ter um espelho dentro do camarim;
KIT PRODUÇÃO: tesoura, alfinete, primeiros socorros, calçadeira, pincel
piloto, canivete suíço, agulha e linha.
Produção de Moda nada mais é do que RELAÇÕES

PÚBLICAS...
A função do produtor de moda é entender de tudo um pouco - cinema, arte,
música, tendências, maquiagem - e, principalmente, ter uma completa agenda
de prestação de serviços, pois ele é a figura central que costura o trabalho de
todos os profissionais e serve de ponte para os que trabalham na equipe. É ele
quem sabe qual o cabeleireiro indicado, entende o funcionamento das agências
de modelos, faz o casting e providencia transporte e alimentação para todos.
Ele dá continuidade ao trabalho do estilista, encarregando-se de viabilizar os
meios para que a roupa, antes pesquisada e idealizada, possa despertar o
desejo de consumo, fechando o ciclo que faz a engrenagem da moda
funcionar, seja através de desfiles, figurinos de cinema, teatro e televisão,
exposições ou books de modelos.
O relações públicas também precisa conhecer manifestações culturais e

sociais, além de entender a realidade política-econômica e tendências
mundiais. O RP faz o elo de ligação entre funcionários, gestores, fornecedores
e consumidores. Organiza eventos para todos os públicos, inclusive desfiles.

Ele tem uma grande rede de contatos em todas as frentes, por este motivo
nunca fica na mão, seu principal objetivo é administrar o desejo das marcas de
projetar uma imagem final, preservando seus valores e respeitando, sempre,
seus princípios organizacionais.
Sendo assim, o produtor de moda nada mais é do que o relações públicas do

mundinho fashion.

Produção de moda
O que faz um produtor de moda?
Para que a moda seja lançada e aceita pelo consumidor é preciso que haja um
produtor. Tudo começa com a escolha dos modelos a serem lançados, as
grifes e os acessórios, depois vem a escolha das modelos que apresentarão
em desfile as roupas selecionadas, mas isso tudo seguindo sempre as
tendências da moda, e torcer para que agrade ao publico feminino que é o
maior consumidor da moda. Para isso é preciso que ele pesquise e busque a
produção dos acessórios , calçados e roupas que farão parte das fotografias e
dos desfile em passarelas.
Produtor de Moda
Como é a escolha dos modelos?
A cada nova estação o produtor seleciona modelos para apresentar as

coleções, de maneira que assim como os produtores, as modelos também
ganham seu dinheiro, pois é um trabalho digno e rentável para muitos. O
Casting é feito da seguinte maneira, o produtor marca um horário com as

agências que por sua vez enviam as modelos que passarão pela seleção onde
o produtor e sua equipe escolherão as modelos que farão o trabalho, seja
desfile, fotos ou comercial.
Perfil
A desenvoltura do trabalho
É necessário fazer uma pesquisa no passado para poder entender o que a

moda exige, seu conhecimento deve ser vasto tanto na musica, na história
como também na fotografia, não mal comparando, mas é como o trabalho de
um jornalista. As blusas, os bordados devem estar de acordo com o tema
proposto para cada estação por isso que o estudo é necessário, para que cada
peça de roupa possa contar um pouco da história que esta fazendo parte. É
também compatível com o trabalho feito nos grandes projetos de engenharia
civil que envolvem moda e casa.
O que é o desfile?
O desfile não é apenas uma apresentação de roupas, mas é a apresentação do

estilo próprio de cada estilista que esta mostrando as tendências de cada
estação. O que chama mais a atenção e marca cada criação, são as cores bem

definidas que deixam a mulher bonita com elegância e charme, só assim um

estilista consegue se consagrar no mundo da moda que é tão cruel. Pois assim
como ele te abre portas também fecha e cai no esquecimento. Para a produção
de um desfile é preciso centenas de profissionais e acaba se tornando uma
tarefa muito árdua e estressante.

Como produzir um figurino?
Para que a produção de um figurino seja feita é necessário que o produtor faça
um estudo sobre a personagem e sua personalidade, dessa forma as roupas e
até mesmo a cor dos cabelos é decidida, se será um vestido preto ou mais
colorido por exemplo, para poder passar para o publico o mais próximo da
realidade possível. É dessa maneira que o produtor de moda faz com que a
personagem seja ela no cinema, no teatro, na televisão ou até mesmo em
fotografia, possa representar bem o seu papel.
Produção de Moda?
Uma definição básica para o que é produção de moda : “ Uma composição

que organiza elementos na busca de um estilo, ou, mais concretamente, de um
certo clima global que traduz um estilo!”
Trabalhar com produção de moda é trabalhar com estética, proporção,

equilíbrio, habilidade, bom gosto, olhar e muito jogo de cintura – elementos de
unidos e bem dosados fazem parte da vida de um bom profissional em
produção de moda.
Entretanto, além do talento é preciso saber truques e técnicas, e mais do que

aparenta, ser um produtor exige um trabalho de execução braçal…
Vestuário – Produção de Moda

Mas especificamente a responsabilidade de um produtor é filtrar o conceito da

coleção, elaborar um layout, direcionar o estilo de acessórios que incluem
calçados, acessórios de cabelo, bijoux,etc., escolher locação, definir modelos,
direcionamento do make e hair e toda a logística da realização das fotos ou
evento.
Assim o conceito e tema da coleção é passado aos clientes de uma maneira

clara, direta e objetiva.
Stylist, produtor ou editor de moda?
Durante uma semana de moda, como o SPFW, não são apenas os designers e
suas criações ou as modelos que ganham destaque. Atrás de cada desfile há

um time de profissionais trabalhando intensamente para que os lançamentos
encantem os compradores, o público e a mídia.
Os stylists são alguns destes especialistas. O termo chegou ao Brasil na

década de 1990 para designar os já experientes produtores de moda. Devido à
dinâmica do setor, esta função cresceu em importância e ganhou novas
feições. No entanto, de lá para cá, vivemos uma confusão de terminologias e
funções.
O stylist é um criador de imagens de moda: pessoais, fotográficas ou em

movimento. Em desfiles, como os do SPFW, ele interpreta tendências e as
afina com a assinatura da marca, utilizando diversos recursos: o casting de
modelos, a trilha sonora, a edição de looks, a coreografia e a ambientação
cenográfica. O trabalho é em equipe, sempre!
Ah! O resultado desta criação é o que se chama de styling.
Já os produtores de moda são conhecidos como “sacoleiros fashion”, por

carregarem, literalmente, sacolas e mais sacolas de roupas. São eles que
descolam aquelas peças que o stylist tanto precisa para montar o look perfeito.
Sem este trabalho, o conceito da coleção ou do editorial se desfaz.
E os editores? São profissionais altamente especializados, assim como os

stylists. Precisam ter um repertório que permeia o design, as artes, a música,
conhecimento técnico em fotografia e efeitos visuais. Devem saber identificar
tendências comportamentais e de moda, conhecer o mundo das celebridades,
localizar novos talentos, buscar o inusitado, e ainda, desenvolver imagens
surpreendentes. São anos de treinamento, pesquisa e estudo.
Então, caro leitor, o stylist e o editor de moda possuem a mesma função

prática?
Sim, porém, o editor, além de ser um termo mais utilizado no mercado

impresso do que nas mídias digitais e nos desfiles, sugere que, ele é o
responsável somente pela edição dos looks de moda. Já o termo stylist nos
induz a interpretar sobre uma maior abrangência, e por isso, o adotamos.
Qual a diferença entre stylist e personal stylist?
Existem dois profissionais da moda que vestem pessoas, que olham tudo que
os estilistas produziram e pensam “essa saia vai ficar incrível com essa blusa”,
que trabalham com combinação de peças e coordenação de estampas, mas
que são bem diferentes entre si. Esses profissionais são os stylists e os
personal stylists.
Os stylists trabalham com desfiles e editoriais de moda em revistas, catálogos

e na publicidade. São eles que fazem aquelas montações glamurosas em que
a roupa combina perfeitamente com o cenário, os casaizinhos fazem jogo de
cores entre si e o mundo conspira a favor.
A modelo funciona como uma projeção do público final. Se o público muda, a

roupa tem que mudar, mas se a modelo muda, a roupa não necessariamente
será outra.
O foco do stylist não e a pessoa que está vestindo a peça, mas as que podem
se identificar com aquela produção. Um styling é bem sucedido quando fala
para o público da marca ou da revista. Para isso, vale fazer uma bainha falsa
com pregador na calça, vale que o sapato não seja nada confortável para se
passar dez horas em pé, vale que aquele cabelo maravilhoso não seja aprova
d´água e que a saia arreste no chão.
O foco do stylist não e a pessoa que está vestindo a peça, mas as que podem
se identificar com aquela produção. Um styling é bem sucedido quando fala
para o público da marca ou da revista. Para isso, vale fazer uma bainha falsa
com pregador na calça, vale que o sapato não seja nada confortável para se
passar dez horas em pé, vale que aquele cabelo maravilhoso não seja aprova
d´água e que a saia arreste no chão.
O objetivo é emocionar, fazer pensar, inspirar, causar vontade. Muita gente sai
de um desfile comentando “quem vai usar isso?”, mas ningu m disse que era
para usar aquelas roupas daquela forma e daquele jeito! O stylist dispõe as
peças da melhor maneira possível para o desfile, para apresentar um conceito.
A vida prática não entra nessa história!
Fazer styling é criar um personagem, uma pessoa que não existe, mas para a
qual a equipe vai tecendo uma história.
Já o personal stylist trabalha com a vida real. Para ele, nada no mundo importa,

só aquele cliente em particular. Não importa se todo mundo está usando tal
peça ou se o sapato tal é incrível se a peça em questão não orna o cliente ou
se o sapato é super desconfortável e a cliente caminha o dia todo.
A personal stylist Paula Martins explica que a função do personal é pegar a

moda e traduzir, garimpar, para uma pessoa específica. “O personal tipo um
filtro que recebe toda a informação de moda e deixa passar apenas o que tem
a ver com a cliente”, explica Paula.
Para a também personal stylist Chris Francine, a tarefa mais importante do

personal é revisitar o guarda-roupa da pessoa e descobrir novas possibilidades
lá dentro: “Eu não nego que a parte de comprar a minha favorita, mas o mais
importante é alertar a cliente para todas as possibilidades que o guarda-roupa
dela tem, para o n mero incrível de combina es que a gente pode tirar dali”.
Bia Paes de Barros já trabalhou tanto quanto stylist quanto como personal e
acha que a principal diferença é que o stylist foca um momento enquanto o
personal tem que fazer um trabalho que funcione para a vida toda.
O que um stylist faz?

Veste modelos para editorias de moda em revistas, peças publicitárias e
desfiles. No caso dos desfiles, alguns stylists trabalham em conjunto com o
estilista durante todo o processo, desde a escolha dos tecidos, shapes e do
casting até a montagem dos looks que vão para a passarela. Em outros, o
stylist é recrutado na etapa final, quando as peças já estão prontas e precisam
ser combinadas para ganhar vida.
O que um personal stylist faz?

Trabalha com consultoria de imagem, cria uma identidade visual para o cliente,
revisita o guarda-roupa propondo novas combinações, deixa a pessoa mais
segura sobre suas próprias roupas, ajuda a fazer compras, arrumar a mala,
organizar o guarda-roupa, ensina sobre manutenção das peças, proporções
que vão disfarçar o que o cliente não gosta e valorizar o que ele acha legal.
Geralmente, o trabalho do personal começa com uma entrevista na qual o
cliente explica a demanda e o profissional tenta captar o estilo da pessoa.
Depois, tem visita ao guarda-roupa, compras e montagem de look
Imagens de Produções de Moda





2. DESFILE, CENOGRAFIA, TRILHA SONORA, ETC.
PASSO-A-PASSO DA PRODUÇÃO DE MODA

1.Contato com o cliente
2.Pauta e cliente
2.1 Reunião de pauta e briefing
2.2 Revistas Especializadas
2.3 Revistas Customizadas
2.4 Catálogos
2.5 Look Books
2.6 Publicidades
2.7 Sites
2.8 Desfiles
2.9 Filmes para TV
2.10 Avaliando perfil do cliente e montando orçamento
3.Cronograma de trabalho e pesquisa

3.1 O que e um cronograma? Como executá-lo.
3.2 Pesquisa: a importância e como executar.
3.3 Pesquisa direcionada: referencia de imagens e marcas
4. Produção de moda
4.1 Iniciando uma produção de moda
4.2 Carta de produção e cheque caução
4.3 Produção nas lojas e empresas
4.4 Romaneio
4.5 Organizando o material produzido
4.6 Organizando o local de trabalho

5. Edição e prova de roupa

5.1 Editar – significado e importância
5.2 Onde e como editar os looks
5.3 Pontos importantes na edição
5.4 Fotografando e creditando os looks editados
5.5 Material editado e material não aproveitado
5.6 Prova de roupa
6. Dinâmica de trabalho
6.1 Check List
6.2 Foto
6.2a – organizando camarim
6.2b – acompanhando uma foto
6.2c – documentos necessários
6.3 Desfile
6.3a – organizando camarim
6.3b – acompanhando um desfile
7. Equipe de apoio
7.1 Equipe – conceito e importância
7.2 Equipe para trabalhos fotográficos
7.3 Equipe para desfiles e filmes para TV
7.4 Como “brifar” a equipe de apoio?
7.5 Material do staff
8. Crédito, devolução e finalização

8.1 Desmontando a cena de trabalho
8.2 Creditando um editorial
8.3 Creditando uma publicidade
8.4 Devolução da produção
8.5 Montando um portfólio
CENOGRAFIA
Cenografia e a uma arte, técnica e ciência de projetar e executar a instalação
de cenários para espetáculos. Alguns autores confundem com um segmento da
arquitetura. Entretanto, a arquitetura cênica ou arquitetura cenográfica se
ocupa mais especificamente da geração dos cenários arquitetônicos internos

ou externos.
A cenografia e parte importante do espetáculo, pois conta a época em que se

passa a historia, e conta o local em que se passa a historia, pelo cenário
podemos identificar a personalidade dos personagens.

Para os gregos antigos, a cenografia era a arte de adornar o teatro e a
decoração de pintura que resulta desta técnica. Para o Renascimento, a
cenografia foi a técnica que consiste em desenhar e pintar uma tela de fundo
em perspectiva. Já no sentido moderno, e a ciência e a arte da organização do
palco e do espaço teatral. A palavra se impõe cada vez mais em lugar de

decoração, para ultrapassar a noção de ornamentação e de embalagem que
ainda se prende, muitas vezes, a concepção obsoleta do teatro como
decoração.
A cenografia marca bem seu desejo de ser uma escritura no espaço

Tridimensional (ao qual seria mesmo preciso acrescentar a dimensão temporal),
e não mais uma arte pictórica da tela pintada, como o teatro se contentou em
ser ate o naturalismo. A cena teatral não poderia ser considerada como a
materialização de problemáticas indicações cênicas: ela se recusa a
desempenhar o papel de “simples figurante” com rela ão a um texto

preexistente e determinante.
Entre os profissionais envolvidos nas atividades de cenografia estão cenógrafo,
Cenógrafo assistente, cenotécnico, contra-regra, pintor, maquinista, forrador,
estofador aderecista, pintor de arte, maquetista.

Vocabulário Fashion: Cenografia de desfil

Colaboração para o UOL

A passarela de um desfile é muito mais do que apenas o espaço por onde caminham as modelos -
assim como a luz e a trilha sonora, ela serve para expor ao público o clima e o ambiente imaginado
pelo estilista para apresentar sua coleção. É, assim como as roupas, uma imagem que deve ser bem
elaborada e impactante.
Alguns criadores optam por uma passarela simples, pretas ou brancas, mas há quem prefira cenários
que reforcem a imagem proposta para a coleção. Nome de respeito na área, José Marton é recordista
de projetos temporada de lançamentos de Inverno 2007, assinando os cenários da Forum, Triton,
Alexandre Herchcovitch (feminino), Iódice, Neon, André Lima, Vide Bula, Cori e Zoomp. Abaixo ele
explica tim-tim por tim-tim como se planeja um bom projeto cenográfico.
Primeiro passo:
"Briefing com o estilista. Peço para que ele exemplifique seu desejo, com palavras e imagens. O stylist
da marca muitas vezes está presente nestas primeiras reuniões".
Segundo passo:
"Aprofunda-se o briefing com o stylist. Vejo a cartela de cores da coleção, que conta muito na hora de
propor o cenário, e procuro saber as sensações que se quer passar no desfile. Por exemplo: se a
intenção é despertar um frescor, vou pesquisar materiais que produzem esta sensação".
Terceiro passo:
"Execução da maquete, que geralmente é feita numa escala 1:50, ou seja, cinquenta vezes menor que
o tamanho natural. Este modelo facilita a visualização da proposta pelo cliente. E eu sempre indico que
se olhe na altura do olhos, e não de cima, para se tem uma visão realmente das proporções. Procuro
usar os materiais que vou empregar, ou pelo menos, uma representação destes. Esta é parte mais
importante do processo, porque ali se decide por onde entram as modelos, o ritmo do desfile, a entrada
do público, localização do pit dos fotógrafos. Um cenário é bom quando o desfile é bem visto tanto por
cinegrafistas e fotógrafos, quanto pelo o público presente na sala".
Quarto passo:
"Detalhamento do projeto, orçamento e logística de montagem. Dada a aprovação, as partes do cenário
entram em linha de produção. Muitas vezes, tenho quatro cenários sendo fabricados simultaneamente.
Com muitos clientes temos tempo para isso, mas há casos em que se têm apenas sete dias, o que é
muito pouco".
Quinto passo:
"A montagem do cenário é decidida pelo horário em que a marca desfila. Se ela é o primeiro desfile de
uma sala, temos a noite toda para montar. Quando é a segunda, muitas vezes temos apenas duas
horas.
Finalizado este processo, temos a afinação da luz, o ensaio do desfile, e finalmente a apresentação."
(Fonte: Site UOL ESTILO)

TEXOS RELACIONADOS AO ASSUNTO

PS. Sobre a passarela da Água de Coco
10.06.2010
Ah, a magia dos desfiles de moda. Ha muita coisa entre o espectador sentado
na fila A e as roupas que o levaram ate lá. Para a Água de Coco, que mostrou
sua coleção de primavera-verao 2010/11 agora ha pouco no SPFW, ha mais
ainda. O top cenógrafo Marton pegou Blog LP pela Mao e nos mostrou a
montagem da sala de desfile, instantes dele começar. E verdade, seu inicio
estava previsto para as 17hs. Mas quando o relógio dizia que era hora de
começar, ainda se ouvia o bate-e-estaca da equipe cenotécnica e o diretor do
desfile estava no chão, com um paninho, ajudando a enxugar a água que havia
vazado pela longa e brilhante passarela branca.
Montagem do cenário da Água de Coco
Sim, água. Eram 4 mil litros dela, no total. O projeto de Marton incluía
espelhos d’água cuja superfície era na mesma altura da passarela (o que, de
certa forma, deu um medinho nas modelos do casting, que desfilaram todas
sobre salto altos); uma estrutura de partes de isopor desalinhadas com
aparência de pedra, de onde essa água saiu em determinado momento; mais
um enorme painel de leds ao fundo, que exibia uma paisagem – uma
referencia ao tema da coleção, os patrimônios históricos e naturais do Brasil.
Tudo montado ao longo de 24 horas, com uma equipe de aproximadamente 40
pessoas. Hoje ainda tem desfile na sala 02 do prédio da Bienal. Quanto tempo
vai levar pra desmontar isso tudo, Marton? “Uns 30 minutos. Desfazer a magia,
quem diria, e muito mais fácil do que fazê-la.
ILUMINAÇÃO
-Características da luz: intensidade, natureza, direção e cor.
-Clima da imagem (relação entre luz principal, de compensação e de fundo)
-Fotometria (relação de iluminação) e exposição com histograma
-Luz natural, flash e continua (tungstênio, HMI e kinolight), características e

diferenciais
-Acessórios de iluminação
-Procedimento para iluminação em estúdio
-Pratica de montagem de iluminação
-Esquemas de iluminação:
Fotometria: aprendendo a medir a luz
Como o nome já diz, fotografia significa escrever com a luz. Nesse aspecto a
câmera fotográfica funciona como o olho humano. Na realidade nos nao vemos
os objetos e sim a luz refletida destes que chegam ate nossos olhos. Dessa
maneira o que passa pela lente da câmera fotográfica e a luz refletida dos
objetos. Medir a quantidade exata de luz necessária para formar a imagem no
sensor ou filme fotográfico e o que chamamos de fotometria. A maioria dos
iniciantes, fotógrafos amadores e muitos profissionais, confiam totalmente na
medição automática das câmeras. Algumas compactas digitais nem possuem
um modo manual para o próprio fotografo fazer as regulagens, mas as
medições automáticas podem cometer erros, assim como as regulagens
automáticas do White Balance. Existem situações em que o próprio fotografa

tem que decidir quais regulagens usar, senão corre o risco de perder a imagem
que esta fazendo.
Três fatores são importantes para realizar a fotometria: o ISO, a velocidade do
obturador e a abertura do diafragma. Quando a câmera esta no automático ela
decide quais valores empregar nessas variáveis levando em conta a quantidade
necessária de luz. Mas, vamos ver o que muda quando usamos o
modo manual.
Fotômetro
E o aparelho que mede a quantidade de luz existente no ambiente e fornece as
regulagens necessárias para a camera capturar a imagem. Existem fotometros
externos e toda camera possui um fotometro interno. Atraves desse aparelho
podemos mudar as variaveis segundo nossas necessidades e obter uma leitura
se a exposicao esta correta.
Velocidade ISO
O ISO (International Standards Organization, uma espécie de ABNT
internacional), e o padrão escolhido para delinear a sensibilidade das películas
(filme). Muitos outros padrões existiram, como o ASA (Americano) e o DIN
(Alemão). Quanto maior o ISO do filme, maior e a sua sensibilidade a luz,
porem pior e a qualidade de imagem. Isso se dava porque os filmes mais
sensíveis possuíam grãos de prata maiores, que causavam uma granulação na
foto. Então o ISO 50 era usado em dias com muito sol ou em estúdio por conta
de sua alta qualidade de imagem e cor, enquanto o ISO 3200 e utilizado em
situações com pouca luz, gerando imagens granuladas. Nas digitais esse
padrão foi mantido, mas o mesmo problema da qualidade da imagem se
mostrou. Em ISOs mais elevados as imagens acabam gerando uma aberração
cromática chamada de ruído.
Obturador
O obturador e uma cortina que se abre e fecha permitindo a entrada da luz.
Sua velocidade e medida em frações de segundos. Quanto menor a
velocidade, maior e a quantidade de luz que atinge o sensor ou o filme. A
velocidade do obturador e importante em momentos onde a ação se desenrola
de maneira rápida. Objetos em movimento necessitam de uma alta velocidade
de obturação (a partir de 1/500 avos de segundo) para que não saiam
borradas, enquanto objetos em repouso podem usar velocidades mais lentas.
Muitas câmeras compactas não possuem um obturador mecânico, sendo que a
velocidade de captura e simulada pela ativação do sensor. Algumas DSLR da
Nikon possuem um obturador hibrido, onde a velocidade de captura e
conseguida através do acionamento mecânico e do sensor, conseguindo assim
um menor desgaste do obturador e um conseqüente aumento de sua vida util.

Diafragma
E uma iris dentro da lente. Ela funciona mais ou menos como a nossa pupila.
Com muita luz ela se fecha e com pouca luz ela se abre. Seu tamanho e
medido em f/stops e quanto menor o numero maior e a abertura. Então uma
lente em f/2,0 esta com o diafragma bem aberto, para ser usado em situações
de pouca luz e um diafragma em f/32 esta bem fechado, usado em situações
com muita luz. A abertura do diafragma influencia diretamente a profundidade
de campo, que e aquele desfoque que ocorre atrás do assunto focado. Se o
diafragma estiver bem aberto você vai ter pouca profundidade de campo e tudo
que estiver na parte da frente e na parte de trás do objeto fotografado vai estar
desfocado. Com o diafragma bem fechado toda a foto vai ficar nítida.
Compensação de Exposição
Embora nem todas as câmeras compactas possuam um modo manual, quase
todas elas possuem o recurso de Compensação de Exposição. Ele e
representado nas câmeras digitais como um quadrado dividido na diagonal. Em
uma das metades do quadrado temos o símbolo positivo e na outra metade o
negativo. Também pode ser representado no painel de controle da câmera pela
sigla EV. Esse recurso existe para que o fotografo minimize situações onde o
fotômetro interno da câmera possa a vir a se enganar. Se o objeto fotografado
ficar muito escuro na imagem, e só colocar a compensação de exposição em
+1 e a câmera vai deixar entrar um pouco mais de luz para realizar a foto. O
contrario também e possível sendo que nas fotos muito claras e necessário
regular a compensação para -1.
Mas como isso tudo funciona?
Essas três variáveis trabalham juntas e, dependendo da situação, o fotografo
deve escolher as regulagens mais adequadas. Por exemplo:

Vamos imaginar que estamos em uma peca de teatro. Essa e uma situação
bem complicada. Pouca luz e a proibição de usar o flash. Nessa situação você
tem que usar uma velocidade de obturador onde as pessoas em movimento
não fiquem borradas. Aumentando a velocidade de obturação
conseqüentemente uma quantidade de luz menor vai entrar pela lente. Nesse
caso e necessário abrir mais o diafragma. Mas, quanto mais o diafragma e
aberto, menor vai ser a profundidade de campo. Nesse caso o ISO e elevado
(1600 ou 3200) para que eu possa ter um diafragma em uma abertura media
(f/3,5) e um obturador em velocidade necessária para congelar os movimentos
(1/90). Se a câmera estivesse no automático essas regulagens seriam bem
diferentes e as fotos não seriam satisfatórias.
No fim tudo e regulado para que uma mesma quantidade de luz passe pela
lente, dependendo da situação temos que ter uma prioridade nas regulagens.
Cabe ao fotografo e não a câmera decidir que velocidade, abertura e ISO
utilizar.
Curiosidades.
- As lentes mais claras, com diafragma f/2,8 costumam ser as mais caras,
justamente por permitir fotografias em ambientes mais escuros, utilizando ISOs
mais baixos;
- Geralmente as lentes de menor qualidade são mais nítidas no centro do que
nas bordas. Ao usar um diafragma em f/16 e possível aproveitar só a area
central da lente, o que aumenta a nitidez da mesma.
- As cameras mais modernas (e consequentemente mais caras) estao
melhorando muito a qualidade das imagens em ISOs mais altos. A Canon Eos
5D possui uma qualidade otima em ISO 1600.
- A pouca profundidade de campo pode ser usada de modo muito criativo,
principalmente em retratos, dando uma qualidade especial no desfoque no
FOTOGRAFIA
Uma sintética visita à história da fotografia de moda
Analisada pelo ponto de vista da linguagem fotográfica, a Fotografia de Moda
pode ser dividida em 3 grandes períodos :
FOTOGRAFIA CLÁSSICA – AS ORIGENS DA MODA
Cronologicamente vai desde o 1914 (considerada a data de nascimento da
FdM) ate os 1950s.
Socialmente trata-se de um período bastante homogêneo, onde a figura
feminina e co-protagonista em uma sociedade burguesa e masculina.
Este grande período abrange vários estilos como o pictorialismo do Baron
Adolphe de Meyer, a teatralidade de Horst e Cecil Beaton, o construtivismo de
George Hoyniguen Huene, o surrealismo de Man Ray e Erwin Blumenfeld, o
fotojornalismo e a fotografia instantânea ao ar livre de Martin Munkacsi.
Características de referencia visual de todo este período são a composição das
imagens segundo o padrão clássico da arte figurativa (perspectiva real), e a
utilização da postura corporal da modelo para induzir a sensação desejada no
espectador. Principais fotógrafos deste período: Baron de Meyer, George
Hoyningen Huene, Horst P Horst, Steichen, Cecil Beaton, Man Ray, George
Platt Lynes, Martin Munkacsi.
FOTOGRAFIA MODERNA: DE 1950 A 1980 -

GLAMOURIZAÇÃO DA MODA
A 2a guerra mundial obrigou as mulheres a entrar ativamente na vida social, o
que provocou grande emancipação da figura feminina. Nada nos papeis sociais
masculinos e femininos foi mais igual ao período anterior a segunda guerra.
Esta enorme mudança social influencia também a figura feminina na
representação da fotografia de moda. A mulher não e mais um *elegante
cabide*, um manequim que assume poses para representar a condição social
que o rico marido pode oferecer, mas um ser pensante, individual com uma
personalidade real, e profunda. Ela tem *atitude* e isso deve aparecer na
representação fotográfica.
O fotografo que mais representa esta mudança e Richard Avedon, considerado
o precursor desta nova visão da mulher. O período MODERNO e muito rico e
engloba momentos diferentes. Temos a época do New Look de Cristian Dior,
os fotógrafos da Swinging London, o período da emancipação sexual da
mulher, e finalmente a apoteose e completa glamorização do fenômeno da
moda dos anos 1980. A composição fotográfica utiliza o padrão clássico da
perspectiva com o objetivo de criar a tridimensionalidade na imagem. A modelo

passa a adquir movimento e aparece em um mundo real, ela pensa, age e tem
paixões. Os modelos são escolhidos pela personalidade e o fotografo procura a
expressão desta personalidade nas suas fotografias. A figura da mulher e glamourizada e
ressaltar a beleza e o objetivo principal do fotografo. Fotógrafos
deste período são: Richard Avedon, Irvin Penn, David Bailey, Guy Bourdin,
Helmut Newton, William Klein, Debora Tuberville, Sara Moon, Herb Ritz, Bruce
Weber, Peter Lindberg, Steven Meisel.


FOTOGRAFIA PÓS MODERNA: DE 1980 até hoje – DESGLAMOURIZAÇÃO

DA MODA.
Acontece a segunda grande revolução juvenil, a partir de 1967, quando os
jovens se rebelavam contra um sistema político e depois de 1977, quando os
jovens se revoltam contra o mundo da imagem. No âmbito da fotografia de
moda a grande indigestão de imagem, a extrema falsidade da imagem da
modelo comparada com a realidade da vida de muitas delas, e o desejo de
uma nova forma de expressão leva alguns fotógrafos a procurar um novo estilo
fotográfico. Primeiro objetivo e quebrar com todos o paradigmas, as regras os
padrões aplicados ate hoje. Os conceitos de composição, iluminação, atitude
do modelo, padrão de beleza utilizados ate aquele momento são totalmente
renegados. O objetivo da fotografia e revolta, provocação e choque. As
ferramentas técnicas utilizadas são composição e iluminação que induzem a
sensação de bi dimensionalidade, dominantes de cor que deixam o tom de pele
desagradável, luz que cria sombras nos olhos, posturas corporais
deselegantes, expressões de modelo sofridas ou falta de expressão.
Paralelamente cores vividas e surreais, cenários oníricos, situações
improváveis. Algumas imagens são emblemáticas desta época: a mais famosa
e uma imagem de Juergen Teller que mostra uma modelo famosa nua,recém acordada,
descabelada, fumando, em um apartamento nada glamouroso
. Outras imagem de Jurgen Teller são de um jovem se jogando do teto de um
prédio, e um terno caríssimo segurado em um cabide queimando.
Paralelamente David Lachapelle mostra um close de uma mulher chiquérrima
fazendo o gesto de cheirar droga… só que no lugar do comum pó branco
estava uma carreira de diamantes, ou a imagem varias vezes apresentada de

uma cena medieval com castelo e cavalo mas com uns tons caricaturais e
cores irreais.
Esta época também traz vários outros estilos como punk, tecno-surrealismo,
heroin chic, sexy-trash. Fotografos desta epoca são Corinne Day, Juergen
Teller, David Lachapelle, Terry Richardson, Mario Sorrenti.

SOM – TRILHA SONORA

Uma trilha sonora , conhecida em ingles como soundtrack e, tecnicamente falando, "todo o
conjunto sonoro de um filme, incluindo alem da musica, os efeitos sonoros e os diálogos." Isso
também inclui pecas de um programa de televisão ou de jogos eletrônicos.
Pode incluir musica original, criada de propósito para o filme, ou outras pecas
musicais, canções e excertos de obras musicais anteriores ao filme. A definição
de "trilha sonora" se expandiu na década de 1990, com coletâneas do tipo
"Music Inspired By". Alguns exemplos bem sucedidos dessa tendência foram
as trilhas de O Corvo (nos EUA) e Trainspotting (no Reino Unido).
Um filme pode popularizar uma obra musical já existente, mas menos
conhecida pelo grande publico. 2001 - Uma Odisséia no Espaço deu uma
popularidade sem precedentes ao poema sinfônico Assim falou Zaratustra, de
Richard Strauss. O filme Elvira Madigan, de Bo Widerberg, ao utilizar o
concerto para piano n.o 21 de Wolfgang Amadeus Mozart, popularizou de tal
forma esse tema musical que, apesar de já existir ha muito, passou a ser
cognominado de Elvira Madigan.
As edições das bandas sonoras em álbum tem sido lançadas de dois modos:
ou se trata da edição da banda sonora de um filme ou são seleções de varias
pecas de um certo autor criadas especificamente para alguns filmes - como,
por exemplo, Bernard Herrmann, Ennio Morricone ou Nino Rota.
Historia
Desde a primeira e histórica projeção dos irmãos Lumiere, em 1895, as
imagens da 7° arte já tinham um acompanhamento musical. Porem, o fundo
musical era geralmente uma improvisação solo feita por pianistas ou
organistas, e a musica raramente coincidia com as narrativas da tela. A partir
de 1910 começaram a ser editadas partituras para piano e orquestra, que
transmitiriam os "climas" apropriados para cenas especificas. No entanto, o
problema de sincronização entre cena e trilha sonora ainda não tinha sido
resolvido. Só na década seguinte se chegou a uma solução para este
impasse, com a encomenda dos primeiros scores, ou seja: musica incidental
feita exclusivamente para determinado filme.
Sonoplastia
Sonoplastia é a comunicação pelo som. Abrangendo todas as formas sonoras
- musica, ruídos e fala, e recorrendo a manipulação de registros de som, a
sonoplastia estabelece uma linguagem através de signos e significados.
Sonoplastia (do Lat. sono, som + Gr. plastós, modelado) e um termo exclusivo
da língua portuguesa que surge na década de 60 com o teatro radiofônico,
como a reconstituição artificial dos efeitos sonoros que acompanham a ação.
Esta definição e extensiva ao teatro, cinema, radio, televisão e web. Antes
designada como composição radiofônica, tinha por função a recriação de sons
da natureza, de animais e objetos, de ações e movimentos, elementos que
em teatro radiofônico tem que ser ilustrados ou aludidos sonoramente. Incluía
ainda a gravação e montagem de diálogos e a seleção, a gravação e
alinhamento de musica com uma função dramatúrgica na ação ou narração. O
sonorizador, auxiliado por um contra-regra que produzia efeitos sonoros em
directo (foley effects / bruitage), tais como a abertura de uma porta a chave e o
consequente fechamento, passos caminhando em pisos de diferentes

superfícies, ou o galope de um cavalo efetuado com casca de coco percutida,
ou ainda auxiliado por um operador de som que manipulava os discos de
efeitos sonoros de 78 RPM, controlava a mistura dos vários elementos sonoros
com a voz gravada.
A sua posterior associação a televisão e ao cinema documental toma subtis
variações e formas, recorrendo ai com maior incidência a seleção de musicas
para o acompanhamento de seqüência de imagem, ou como musica de fundo
de uma narração.
Todo o som utilizado em uma construção sonora audiovisual tem o objetivo de
ilustrar/destacar movimentos ou ações que ocorrem na seqüência de uma
cena, dialogo, locução, etc. ´ A montagem do áudio na sonoplastia pode conter
elementos que reforcem a naturalidade do que esta ocorrendo, ou fazer com
que o receptor tenha uma percepção diferente do que seria o som natural
daquela ação.
Para a realização de criações sonoras, podemos classificar os efeitos sonoros
em dois tipos:
Efeitos editoriais - São eventos sonoros que não exigem grande complexidade
de obtenção e manipulação, por exemplo: ruídos de computador, buzinas,
assovios, etc.
Efeitos principais - São eventos sonoros que necessitam um trabalho de
produção e pesquisa mais elaborados. Muitas vezes a criação daquele som
demanda um grande tempo para ser alcançada e demanda um grande esforço
criativo do sonoplasta. Por exemlo: som de uma nave espacial que percorre
velocidades enormes, sons de animais extintos, etc.
DJ (disc jockey)
DJ mixando composições.
Um disc jockey (DJ ou dee jay) e um artista profissional que seleciona e roda
as mais diferentes composições, previamente gravadas para um determinado
publico alvo, trabalhando seu conteúdo e diversificando seu trabalho em
radiodifusão em freqüência modulada (FM), pistas de dança de bailes, clubes,
boates e danceterias.
Etimologia do termo
O termo disc jockey foi primeiramente (e ainda e) utilizado para descrever
primeiramente a figura do locutor de radio que introduziam e tocavam discos de
gramofone, posteriormente, o long play, mais tarde compact disc laser (CD) e
atualmente, empregam o uso do mp3. O nome foi logo encurtado para DJ.
Hoje, diante dos numerosos fatores envolvidos, incluindo a composição
escolhida, o tipo de publico alvo, a lista de canções, o meio e o
desenvolvimento da manipulação do som, ha diferentes tipos de DJs, sendo
que nem todos usam na verdade discos, alguns podem tocar com CDs, outros
com laptop (emulando com softwares), entre outros meios. Ha também aqueles
que mixam sons e vídeos (VJs), mesclando seu conteúdo ao trabalho
desenvolvido no momento da apresentação musical. Ha, no entanto, uma vasta
gama de denominações para classificar o termo DJ.
Técnicas e estilos
No radio, os DJs contribuíram para a consolidação do movimento Rock and
Roll a partir da segunda metade dos anos 50, como a maior manifestação
cultural da juventude do século XX; nomes de artistas tão dispares como Elvis
Presley e The Beatles, não teriam alcançado o estrelato não fosse o empenho
dos DJs originais. Nessa mesma época começavam a surgir os DJs
jamaicanos, conhecidos como seletores, que inicialmente tocavam
principalmente discos estadunidenses de R&B nos sistemas de som, e faziam
sucesso principalmente entre a população menos privilegiada que não tinha
condições de ter radio ou toca-discos.
Com o advento da discoteca em meados dos anos 70, os DJs também
ganharam fama fora do radio e foram para as pistas de dança. Nas pistas, os
DJs que atuaram ate o meio da década de 1990 utilizavam apenas discos de
vinil em suas apresentações. Em que pese o fato de já existirem CDs antes
disso, não haviam equipamentos que permitissem o sincronismo da musica
entrante com a musica em execução (ajuste do pitch para posterior mixagem).
A forma como esta ação de mixagem e realizada, alias, e o principal diferencial
entre os profissionais desta área.
Um DJ tem a percepção musical de saber quais composições possuem
velocidades (mensuradas em batidas por minuto) próximas ou iguais, de forma
que uma alteração em um ou dois por cento da velocidade permite com que o
compasso das mesmas seja sincronizado e mixado, e o publico não consiga
notar que uma faixa esta acabando e outra esta iniciando, pois as duas faixas
estão no mesmo ritmo, métrica e velocidade.
DJs das décadas de 1980 e 1990 sincronizavam a composição mixada
(entrante) regulando a velocidade do prato do toca-discos, com o cuidado de
fazer com que a agulha não escapasse do sulco do vinil (que na pratica faz
com que a musica "pule") e também com que o timbre da voz da musica não
ficasse, por demais, alterada com a velocidade muito alta ou muito baixa do
prato. Esta alteração da velocidade era possível em toca-discos que possuem
o botão chamado pitch. O toca-disco mais famoso, nesta época, era o Technics

SL-1200 MK-2, que ate hoje e vendido e procurado por profissionais e amantes
do vinil pela robustez e forca que o seu motor de tração direta apresenta.
Apos a popularização do CD, fabricantes como Pioneer, Technics e Numark
desenvolveram aparelhos do tipo CD player com recursos próprios para DJ.
Conhecidos como CDJs, possuem botões especiais para alteração de pitch, de
retorno da faixa, de marcação de ponto (efeito cue) e looping. O timbre da
musica passou a ser controlado (opcionalmente) por um acionador especifico,
normalmente conhecido como Master Tempo. Com este recurso, mesmo que a
composição esteja extremamente acelerada (ou desacelerada), o timbre da
voz, teclados, guitarras, etc. e mantido, driblando de certa forma a capacidade
de percepção do publico, em notar que determinado som esta tocando em
velocidade diferente da normal. Alem disso, não ha mais o risco de o disco
pular, apesar de o cuidado em se limpar as mídias de CD ser o mesmo, pois
uma mancha em uma mídia óptica pode prejudicar e ate interromper a canção
em execução. Outra facilidade destes equipamentos e marcar o ponto de inicio
da musica (designado cue point). Assim, um DJ com um simples toque no
botão pode retornar ao ponto de partida poucos segundos antes de mixar a
musica sobre a que esta sendo executada.
Atente-se aqui para o fato de que, alem do talento musical obrigatório a um DJ
em se conhecer aproximadamente o tempo das composições que ele pretende
mixar durante sua apresentação, o mesmo também deve conhecer onde,
quando e se uma composição ou determinada versão desta possui uma região
(geralmente sem vocal, com batidas secas e pouco ou nenhum aparecimento
de guitarras e teclados) popularmente conhecida como quebrada, onde e
possível entrar a próxima composição sem que o resultado fique confuso (com
dois vocais de canções diferentes "falando" ao mesmo tempo, por exemplo).
Este capricho e obrigatório para profissionais que fazem mixagens ao vivo,
tanto com vinil quanto com CDs.
O DJ e, no fim das contas, um animador de eventos. Este deve conhecer
canções o suficiente para saber como e quando mixá-las, deve sentir a
vibração do publico que o esta ouvindo, e saber mudar um estilo na hora certa,
para que a pista não esvazie. Deve ser o mais eclético possível, ou deixar
bastante claro ao seu publico e ao seu contratante qual e seu estilo ou
tendência. Existem DJ especializados em raves. Outros, que se dedicam a
canções que já fizeram sucesso a oito, dez ou vinte anos atrás.
VITRINISMO
O vitrinismo e considerado hoje uma área do chamado Visual Merchandising,

ou seja, a técnica de mercado que se baseia em seduzir o cliente por meio do
elo visual. E criar uma aparência que estimule, de forma consciente ou não, o
consumidor a comprar. Estudiosos do vitrinismo dizem que uma exposição bem
elaborada dos produtos pode ser responsável, de uma maneira geral, por algo
entre 50% a 75% das vendas ( índice aumenta ou diminui de acordo com o
segmento do varejo). Subestimar o poder das vitrines e um erro se levarmos
em conta que elas são parte de uma nova forma de consumir: hoje, as pessoas
buscam nas compras sensações diferentes, diversões, estímulos, e não
apenas a satisfação de suas necessidades pessoais.
Apesar disso, muitos lojistas não têm acesso a informações sobre a área e não
sabem exatamente o que uma vitrine pode fazer na imagem de uma empresa.
E por isso que nos preocupamos em preparar esse material especial para
você. Boa leitura e ótimas vendas!
A Importância do Merchandising
Relembrando
Só para relembrar, Kotler (o “pai” do assunto) diz que marketing e o conjunto
de ações que engloba a identificação das necessidades do consumidor, o desenvolvimento de
produtos (ou serviços) que atendam a essas necessidades, a definição dos preços cobrados
nesses produtos (ou serviços), a sua adequada distribuição e, finalmente, a promoção desses
produtos (ou serviços), de modo a tornar mais fácil a venda. Ou, falando mais resumidamente, o
marketing consiste em:
- identificar as necessidades do consumidor;
- desenvolver produtos que atendam a essas necessidades;
- calcular o preço;
- planejar os pontos-de-venda;
- promover o produto;
Sempre com o intuito de facilitar a venda ao consumidor. Cada um dos tópicos
acima se divide em outros, que devem ser cuidadosamente analisados pelo
profissional de marketing. Nesse fascículo, nos vamos nos ater a um deles
mais especificamente: a promoção do produto. A promoção pode ser feita de
diversas formas, sendo a propaganda a mais conhecida. Mas também ha
outros meios, como por exemplo a assessoria de imprensa e o merchandising.
E é uma das ferramentas do merchandising que mas nos interessa agora: a
vitrine.
Duvidas?
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O que é merchandising
O Merchandising e qualquer técnica, ação ou material promocional usado no
Ponto de venda que proporcione informação e melhor visibilidade a produtos,
marcas ou serviços, com o proposito de motivar e influenciar as decisões de
compra dos consumidores. Ele e a ferramenta responsável pela apresentação
destacada de produtos na loja, criando espaço e visibilidade, de maneira tal
que acelere sua rotatividade. Isso pode ser feito pela apresentação externa da
loja (fachada e vitrines) e apresentação interna, com a disposição dos moveis e
utilização de outros materiais de comunicação (pôsteres, adesivos de chão,
displays de chão e de balcão, faixas de gondola, etc.). Em resumo, o merchandising ajuda a
trabalhar o ponto-de-venda por meio da decoração para
ambientar os produtos e a comunicação na loja, de forma a induzir e motivar os
clientes a compra.
A Apresentação Externa da Loja

Os aspectos externos da apresentação da loja são extremamente importantes
para atrair o consumidor, pois são responsáveis por causar a primeira
impressão que ele tem sobre a qualidade e o tipo de loja. E importante lembrar
que a imagem que o ambiente externo passa tem que ser compatível com que
está dentro da loja. Por isso, e importante considerar aspectos como
visibilidade, tamanho, estilo arquitetônico, material de acabamento, fachada,
comunicação externa, vitrines e conservação da loja, que são o que projetam a
sua imagem. Desses aspectos, um dos mais relevantes, e que agora veremos
mais a fundo, são as vitrines.
A Apresentação Interna da Loja

Assim como e importante usar estratégias para atrair o publico na área externa
da loja também e necessário utilizar algumas técnicas para fazer com que o
cliente, que já esta dentro dela, permaneça o maior tempo possível e realize as
compras. A apresentação interna da loja faz com que o cliente seja envolvido,
através do uso de vários elementos, como layout, temperatura, cores, aroma,
iluminação e som. Como o consumidor e sensorial, portanto será atraído por
esses estímulos. As vitrines internas da loja tem a função de encantar o cliente
que já foi atraído pela vitrine externa, e assim mostrar a maior quantidade
possível dos produtos que a loja oferece.
A Vitrine
A vitrine tem como principal função atrair o cliente para o interior da loja. Por
isso, ela e considerada o cartão de visita. As vitrines externas da loja são uma
oportunidade a mais de fazer com que o cliente que passa preste atenção a
sua loja, portanto devem ser atraentes para estimular o cliente no momento
decisivo da compra. Deve ser um espaço formador de imagem e uma área de
exposição e demonstração para os novos lançamentos de mercadorias,
usando cenários e temas que possuam correspondência a imagem de sua loja.
Falando de outra forma, as vitrines procuram não só apresentar uma amostra
representativa do tipo de produtos que a loja oferece, mas também estimular
que os consumidores entrem na loja.
A Importância da Vitrine
A vitrine, aliada a uma boa comunicação visual, e uma poderosa ferramenta de
marketing direto e pode fazer a diferença frente a concorrência. Especialistas
em comunicação visual no varejo estimam que uma vitrine bem feita possa ser
responsável por uma fatia entre 30% e 40% das vendas.
A importância de saber como apresentar bem seu produto ao cliente e ainda
maior para as pequenas e medias empresas. Isso porque, na maioria das
vezes, elas não terão a mesma possibilidade das grandes redes varejistas de
investir em outras formas mais caras de marketing, como propaganda.
Por isso e tão importante apostar nessa ferramenta para alavancar as vendas
e, sempre que possível, buscar informações e capacitação na área.
Duvidas?

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Tipos de Vitrine
As vitrines podem ser classificadas de acordo com a sua forma e posição.
• Vitrine frontal: são aquelas que ficam na frente da loja, e que por isso tem
maior exposição. São também conhecidas como vitrine de rua.
• Vitrine de transito: essas vitrines são construídas ao longo da entrada e
dentro da loja, sempre em áreas de grande movimento de consumidores.
• Vitrine central: são as vitrines em relevo feitas para serem vistas de todos os
lados. Justamente por isso, são localizadas em ponto estratégico no
estabelecimento. Ou ainda pelo seu formato.
• Vitrines fechadas: como sugere o nome, e parecida com um box. Ainda são
comuns de se encontrar.
• Vitrines abertas: são as vitrines que não seguem o mesmo padrão das vitrines
fecha das. Esse tipo de vitrine esta cada dia mais presente em shoppings, em
lojas de tamanho reduzido e também as grandes lojas de departamento.
As Partes de Uma vitrine
Uma vitrine pode ser composta de três partes. O piso, que e simplesmente o
piso da loja, ou um tablado que levanta e da destaque a ela. As laterais, que
são os painéis que compõem as paredes laterais. O fundo, que e o plano de
trás de uma vitrine. E, por fim, o teto, que limita a sua altura.
Como Montar uma Vitrine Atrativa
Pesquisas comprovam que os consumidores ficam em media de 5 a 10
segundos em frente de uma vitrine. E essencial, então, que ela seja o mais
atrativa que puder, para tentar prolongar esse tempo.
Para compor uma vitrine espetacular, e preciso estar atento a inúmeros
macetes e dicas. Ela deve ser voltada para a área de maior visualização, a fim
de maximizar o seu efeito, e deve priorizar a altura de 1,30 a 1,80m, que e o
campo de visão médio das pessoas. Tenha especial atenção à disposição das
formas, cores, conceitos e simbologias. Importante e ter bem definido o publico
alvo da loja, o que possibilita investir em uma comunicação visual eficiente.
Também e ideal que a vitrine sempre reforce o conceito comercial e agregue
valor aos produtos. Leve em consideração ainda a luz, o apelo visual e o grau
de objetividade de acordo com o publico. Para os homens, por exemplo, a
composição pede um chamado mais racional, que leve em conta
os preceitos de realização profissional e familiar. Para as mulheres, entretanto,
o trabalho deve ser desenvolvido na base emocional, valorizando a
organização de cores e formas. Especialistas recomendam que a campanha da
vitrine seja reelaborada a cada mês e que os produtos sejam trocados toda a
semana. Mas o tempo depende muito do que e mais adequado para cada loja.
Planejamento e público-alvo
O planejamento e fundamental na hora de compor uma boa vitrine. Antes de
sair espalhando os produtos, e preciso avaliar o perfil do negocio e da clientela,
definir os objetivos de vendas e o público-alvo. A localização do
estabelecimento também influencia. Esta em um bairro operário? Num
shopping? Na área central da cidade? A cidade e grande? Media, interiorana?
Tudo isso conta na hora de decidir a decoração. Um perfil mais popular de

consumidor, por exemplo, pode preferir vitrine com maior quantidade de

produtos (sem poluir), pois isso representa mais preços e variedades que dirão
a ele se são acessíveis ou não. Ao passo em que um público médio valoriza
vitrines mais elaboradas, limpas e com
programação visual distinta.
Iluminação
Ponto crucial, a iluminação requer atenção cuidadosa e criteriosa, para que
contribua sempre para o realce do produto, e nunca para a confusão visual do
consumidor. Dois tipos de iluminação são os mais usados: luz pontual, tipo
“spot”, que pode ser concentrada em cada produto que se quer destacar (boa
pedida para óculos); ou luz difusa, geralmente para compor o
plano de fundo ou o ambiente por inteiro. Em geral, recomenda-se que a
quantidade de luz na vitrine seja maior do que a luz externa.
Cores
As cores tem a peculiaridade de interferir no humor ou na emoção das
pessoas, desanimar ou inspirar uma compra ou ativar um estado emocional (e
a chamada psicodinâmica das cores). Muitas despertam impulsos de compra
sem que o cliente sequer se de conta disso. São importantes. Na verdade, não
existe uma regra ou receita para o uso de cores que não seja o bom senso.
Mas uma boa dica e evitar trabalhar mais de três ou quatro cores diferentes,
para não causar poluição visual. Importante também e harmonizar as cores dos
produtos com as do ambiente. Recomenda-se evitar muito brilho (afinal, quem
tem que brilhar na vitrine e o produto).
Loja de shopping X loja de rua

As vitrines nesses dois pontos de comercio tem a mesma importância, porem
devem ser trabalhadas de forma diferente. Nas lojas de shopping, o
consumidor geralmente tem mais tempo para parar, analisar, pensar, apreciar;
ao contrario das lojas de rua, que precisam de uma comunicação ainda
mais rápida com o consumidor que esta de passagem, apressado. Nesse
segundo caso, o ideal e trabalhar o uso de displays e outras imagens que
chamem a atenção do consumidor. Especialmente em lojas de rua, um
problema nas vitrines e o reflexo causado pela luz do dia. Uma
dica valiosa e buscar alguma inclinação no vidro para eliminar os efeitos
indesejados.
Exposição dos produtos

Vitrine não e estoque. Pode parecer obvio, mas e bom deixar claro: vitrine não
e o estoque. Por isso, nada de aproveitar cada milímetro do espaço para
colocar produtos. Dez em dez especialistas dizem que o excesso de produtos e
o erro mais comum na vitrine. Produtos em demasia só criam poluição
visual. E a percepção visual fica prejudicada quando muitos elementos se
misturam. Portanto, siga uma regra básica na arquitetura: menos e mais.
Se a intenção é expor um grande numero de produtos, o mais correto e dividi-los em pequenos
grupos (nichos) e diminuir o tempo de exposição de cada
grupo.
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Como selecionar os produtos
Apenas os produtos mais estratégicos para a empresa devem ir para a vitrine.
Os produtos devem ser selecionados levando-se em conta o perfil da loja, de
seus clientes e público-alvo. Um erro comum, sobretudo em ótica, e usar a
vitrine para expor toda uma coleção de determinada grife ou estilista. O
mais indicado e escolher um ou dois modelos que mais se identificam com
aquele estilista, com aquela marca. Isso ajuda no item anterior: evitar excesso.
Periodicidade
Assunto complexo, a vida útil da vitrine varia muito em função de tudo que a
envolve (localização, tipo visual, perfil da loja, tipo de cliente, etc.). Não ha uma
regra, mas e preciso ter em mente que a exposição de um mesmo visual satura
muito rapidamente o cliente. A segunda vez que ele olhar para a vitrine jamais
causara o mesmo impacto que a primeira. Por isso, diz-se que as vitrines são
“efêmeras”. Os especialistas recomendam que uma vitrine não fique mais de
15 a 30 dias sem alteração. Mesmo nesse intervalo, a recomendação e ir
trocando produtos.
Distribuição dos produtos – Os objetos mais percebidos pelos consumidores
são aqueles colocados a 1,60m do piso da vitrine. O ideal e deixar os produtos
ligeiramente abaixo da linha de visão do consumidor. Produtos no chão tendem
a ser desvalorizados. Nas vitrines maiores, para evitar a continuidade de
informação visual e interessante intercalar expositores de diferentes alturas.
Considerações finais
- Vitrine sozinha não vende
E importante lembrar que, apesar de essencial, a vitrine não pode jamais ser a
única responsável por fisgar o cliente e faze-lo comprar. Não adianta entupir a
vitrine de produtos e nem deixa-la magnifica achando que isso fara esgotar os
estoques. A vitrine levanta a bola, fazendo com que o consumidor seja atraído
e entre na loja. Mas a partir desse ponto, a bola esta com os vendedores, com
o pessoal do atendimento. Atenção, simpatia, técnica, treinamento e muito
profissionalismo serão os pontos essenciais para a concretização da venda.
- Visual da loja influencia Além da vitrine, o ambiente interno e o layout da loja
também precisam ser trabalhados para que as vendas se concretizem a partir
da sedução exercida pela vitrine. Por isso, a vitrine deve ter uma identidade
visual condizente com a identificação corporativa do restante da empresa e de
seu publico. Você deve ficar atento a vários fatores, que vão desde a
disposição física dos itens que compõem a planta da loja, a organização dos
equipamentos, moveis, ate a facilidade na circulação dos clientes,
pintura, paredes e pisos internos. Tudo isso conta. - Criatividade antes de tudo
Em suma, o ideal mesmo e contratar um profissional especialista
principalmente para os lojistas que não tem tempo de dedicar atenção especial
as vitrines). No entanto, nem sempre ha recursos. Além disso, nem sempre
também grandes investimentos representam boas ideias ou são garantia de
sucesso. Muitas vezes, vitrines criativas são feitas com materiais de baixo
custo. Portanto, o mais importante para uma boa vitrine – além de observar os
critérios básicos – e o bom senso e a criatividade.


BIBLIOGRAFIA
Noções gerais de design: historia e conceitos. O design de moda. O conceito
de cultura da moda.
EMBACHER, Airton. Moda e Identidade: A construção de um estilo próprio.
São Paulo: Ed.
Anhembi – Morumbi, 1999.
COUTO, ita Maria. Formas do Design; por uma metodologia
interdisciplinar. Rio de Janeiro: 2AB,
1999.
TAMBINI, Michael. O Design do Século. São Paulo: Atica, 1999.
CALDAS, Dario. Universo da Moda. São Paulo: Ed. Anhembi-Morumbi, 1999.
ECO, Umberto. Psicologia do vestir.
LAVER, James. A Roupa e a Moda.
MUNARI, Bruno. Das coisas nascem as coisas. São Paulo: Martins Fontes,
1981.
BARTHES, Roland. Sistema da Moda. Lisboa, Ed. 70, s/d.
FRANCINI, C. Segredos de Estilo (SP, Alegro).
LIPOVETSKY, G. Império do Efêmero (SP, Companhia das Letras.
MULLER, F. Arte e Moda (SP, Cosa & Naify)
KUPER, Adam. Cultura: a visão dos antropólogos. Bauru, SP. Edusc, 2002.
BAUDRILLSRD, J. O sistema dos objetos. São Paulo: Perspectiva, 1973.
HOLLANDER, A. O sexo e as roupas: a evolução do traje moderno. Rio de
Janeiro: Rocco, 1996.
LURIE, Alison. A linguagem das roupas. Rio de Janeiro: Rocco, 1997.
PALOMINO, Erika. Babado forte: moda musica e noite. São Paulo: Mandarim,
1999.
REVISTAS:
FASHION THEORY. A REVISTA DA MODA, CORPO E CULTURA. Edição
Brasileira, São Paulo, Ed.
Anhembi Morumbi, volume 1, n. 1., 2.,3., e 4., 2002.

ANEXOS
Entenda como funciona o universo das Vitrines em

entrevista com Rogério Wolf
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Rogério Wolf é um curioso e aficionado pelo mundo das vitrines. Com 33 anos, nascido em Campinas, trabalha
com vitrines há oito anos e reside em São Paulo há cinco.
Rogério tem curso superior inconcluso em Publicidade, na PUC Campinas. Executou trabalhos em vitrinismo,
âmbito no qual se especializou, participando de inúmeros workshops que o respaldaram na constituição de seu
acervo profissional, cultural e crítico na área.

Wolf concebeu diversos trabalhos nos setores de moda, joalheria e cosmética. Em seu blog, Vitrine RG , faz um
passeio pelo universo das vitrines, posta imagens do que está acontecendo no Visual Merchandising, dando
algumas dicas e escrevendo matérias sobre o assunto.
Nesta entrevista Rogério comenta sobre o mercado, dá dicas e fala sobre o processo por traz das vitrines.
Entrevista com Rogério Wolf
Vitrine Officio Jeans - Criação e desenvolvimento Agência Duo
O que o levou a se tornar um vitrinista?
Comecei nesta área quase que por acaso, por algum tempo trabalhei como vendedor e sempre prestava atenção e
ajudava em dias de montagem de vitrine. Em uma visita a São Paulo, conheci uma grande vitrinista que me
convidou para assumir a área comercial e administrativa de um ateliê de vitrinismo.
Dentro deste ateliê, aprendi todas as etapas necessárias para que uma vitrine “ganhe vida”. Passando pela coleta de
brifing, apresentação de projeto, orçamentos, montagem e manutenção.
Comecei a me envolver mais com o início do projeto, o processo criativo e foi então que me apaixonei pelo
assunto.
A possibilidade de criar e concluir através de muito estudo me transformou em vitrinista.
Com que tipo de empresas você costuma trabalhar?
As empresas que mais nos procuram são as de moda, mas atendemos o setor de cosmética, tratamento e joalheria.
Qual a importância de se montar uma vitrine?
Hoje em dia uma vitrine é responsável por quase 70% das vendas. O cliente passou a comprar pela emoção e não
mais pela necessidade.
Aí reside a importância de se planejar e se montar a vitrine, uma vez que ela é uma estratégia de marketing
geradora de emoções para que produtos sejam vendidos.
Qual o processo de elaboração de uma vitrine?
Aqui na agência denominamos etapas e essencialmente configuram:
- Coleta de brifng
- Reunião e conclusão de pauta de criação
- Pesquisa
- Desenvolvimento de projeto em 3D dentro do espaço arquitetônico do cliente.
- Orçamento de projeto
- Apresentação
- Adaptação, quando requerido
- Compra e manipução de materiais
- Montagem
Leia entrevista completa no Fashion Bubbles.
Conheça o Vitrine RG
Como Rogério Wolf é um curioso e aficionado pelo mundo das vitrines, seu blog é riquíssimo de informações
sobre esse tema, com muitas dicas , vitrines temáticas e referências. Ele posta imagens do que está acontecendo no
Visual Merchandising.
Longe de ser um crítico e de fazer análises profundas, Rogério pretende levar a um passeio pelas ruas e cidades por
onde passa, dando algumas dicas e escrevendo matérias sobre o assunto.

Loja: Lanvin
Algumas vitrines de Rogério

Vitrine Pusco (Criação e desenvolvimento Agência Duo)
Vitrine do Dia das Mães – Loja Samira Jóias (Criação e desenvolvimento Agência Duo)

Vitrine do Dia dos Namorados – Loja WKA (Criação e desenvolvimento Agência Duo)
Vitrines de Primavera

Vitrines Oscar Freire e Jardins: Mara Mac e Doc-Dog
Fonte: Fashion Bubbles.

Hino Nacional Hino do Estado do Ceará
Ouviram do Ipiranga as margens plácidas Poesia de Thomaz Lopes

De um povo heróico o brado retumbante, Música de Alberto Nepomuceno
E o sol da liberdade, em raios fúlgidos, Terra do sol, do amor, terra da luz!
Brilhou no céu da pátria nesse instante. Soa o clarim que tua glória conta!
Terra, o teu nome a fama aos céus remonta
Se o penhor dessa igualdade Em clarão que seduz!
Conseguimos conquistar com braço forte, Nome que brilha esplêndido luzeiro
Em teu seio, ó liberdade, Nos fulvos braços de ouro do cruzeiro!
Desafia o nosso peito a própria morte!
Mudem-se em flor as pedras dos caminhos!
Ó Pátria amada, Chuvas de prata rolem das estrelas...
Idolatrada, E despertando, deslumbrada, ao vê-las
Salve! Salve! Ressoa a voz dos ninhos...
Há de florar nas rosas e nos cravos
Brasil, um sonho intenso, um raio vívido Rubros o sangue ardente dos escravos.
De amor e de esperança à terra desce, Seja teu verbo a voz do coração,
Se em teu formoso céu, risonho e límpido, Verbo de paz e amor do Sul ao Norte!
A imagem do Cruzeiro resplandece. Ruja teu peito em luta contra a morte,
Acordando a amplidão.
Gigante pela própria natureza, Peito que deu alívio a quem sofria
És belo, és forte, impávido colosso, E foi o sol iluminando o dia!
E o teu futuro espelha essa grandeza.
Tua jangada afoita enfune o pano!
Terra adorada, Vento feliz conduza a vela ousada!
Entre outras mil, Que importa que no seu barco seja um nada
És tu, Brasil, Na vastidão do oceano,
Ó Pátria amada! Se à proa vão heróis e marinheiros
Dos filhos deste solo és mãe gentil, E vão no peito corações guerreiros?
Pátria amada,Brasil!
Se, nós te amamos, em aventuras e mágoas!
Porque esse chão que embebe a água dos rios
Deitado eternamente em berço esplêndido, Há de florar em meses, nos estios
Ao som do mar e à luz do céu profundo, E bosques, pelas águas!
Fulguras, ó Brasil, florão da América, Selvas e rios, serras e florestas
Iluminado ao sol do Novo Mundo! Brotem no solo em rumorosas festas!
Abra-se ao vento o teu pendão natal
Do que a terra, mais garrida, Sobre as revoltas águas dos teus mares!
Teus risonhos, lindos campos têm mais flores; E desfraldado diga aos céus e aos mares
"Nossos bosques têm mais vida", A vitória imortal!
"Nossa vida" no teu seio "mais amores." Que foi de sangue, em guerras leais e francas,
E foi na paz da cor das hóstias brancas!
Ó Pátria amada,
Idolatrada,
Salve! Salve!
Brasil, de amor eterno seja símbolo

O lábaro que ostentas estrelado,
E diga o verde-louro dessa flâmula
- "Paz no futuro e glória no passado."
Mas, se ergues da justiça a clava forte,

Verás que um filho teu não foge à luta,
Nem teme, quem te adora, a própria morte.
Terra adorada,
Entre outras mil,
És tu, Brasil,
Ó Pátria amada!
Dos filhos deste solo és mãe gentil,
Pátria amada, Brasil!

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Coordenadora da Educação Profissional – SEDUC

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