Desenho para iniciantes

(Introdução)

O que é Desenho?
Antes de iniciarmos nossos estudos para aprender a desenhar, vamos conhecer algumas
informações básica sobre esse universo incrível que é o Desenho Artístico.

O desenho é uma forma de expressão visual e é uma das principais formas dentro das artes
visuais. Existem diferentes categorias de desenho, o artístico, o tecnico, os esboços ( Um
esboço é um desenho à mão livre que não é geralmente concebido como uma obra acabada.),
a animação, o mangá.

O desenho faz uso de qualquer instrumento que possa marcar um meio bidimensional.
Instrumentos comuns como grafite, lápis, caneta e tinta, pincéis com tinta, lápis de cor de cera,
lápis de cor, carvão, giz, pastel, vários tipos de borrachas, marcadores, canetas e vários metais
(como as canetas pena, que tem a ponta de metal ou aerógrafo).

O suporte mais comum para o desenho é o papel, embora outros materiais, tais como papelão,
plástico, couro, lona e placa, podem ser usados também, tudo depende da criatividade do
artísta.
Qual a diferença entre Desenho Artístico e Técnico?
Desenho artístico e técnico têm objetivos diferentes.

x Desenho artístico pode replicar natureza ou expressar uma emoção, mas é para ser
olhado.
x Desenho Técnico replica coisas reais, e que se destina a comunicar informações
práticas sobre o assunto.

Material de desenho
O material para desenho pode variar de acordo com o estilo de desenho de cada desenhista.
Mas para quem está iniciando, o material básico seria:

x 1 lápis 2B
x 1 borracha branca
x 1 apontador ou estilete
x papel sulfite A4 e A3
x bloco Canson A4 Escolar

* Esse material é mais adequando para fazer esboços e praticar luz e sombra, para um
desenho mais profissional ou bem elaborado, serão necessário lápis de outras graduações e
papéis de gramaturas acima de 180g/m².

Material para desenhos avançados

x lápis graduados: HB, B, 2B,4B, 6B,7B,8B,9B (Você não precisa ter todos, mas pelo
menos uns 3 (2B, 6B, 8B)
x 1 lapiseira 0.3
x 1 esfuminho 0.1
x 1 borracha limpa-tipo
x 1 borracha branca propria para desenhos artísticos
x um apontador ou estilete
x Bloco layout
x bloco de papel com 180g/m² ou 200g/m² ou 240g/m².

OBS: tenha sempre pastas catálagos A4 e A3 para guardar os seus desenhos, mesmo
aqueles que na sua opinião não ficaram tão bons, mas ele serã importante na comparação da
sua evolução dos desenhos futuros.
Conhecendo alguns materiais básicos para o artístas:
 x Lápis : Há lápis de varias graduações que dependendo da técnica utilizada, eles
farão muita diferença no resultado final.

Os lápis são divididos em graduações:

x Grafite Duro ( "H" = Hard): 8H, 7H, 6H, 5H, 4H, 3H, 2H, H,
x Grafite médio ( "HB" = Hard/Black): HB, F, B, 2B, 3B, 4B, 5B,
x Grafite Macio ( "B" = Black): 6B, 7B, 8B, 9B

A diferença entre eles está na graduação e rigidez, o que significa que para
cada sombra, existe um lápis proporcional à sua intensidade. Você não precisa
ter todos, mas 3 ou 4 tons seriam essenciais.

Além dos lápis graduados, você pode experimentar outros tipos de intrumento
para desenvolver seus desenhos como:
Barra de Grafite. Ideal para Esboços, Desenhos, Traços e Decalques. Assim como os lápis tem
suas graduações, as barras de grafite têm as suas também.

Carvão de origem vegetal utilizado para desenho. Com um pouco mais de prática voce pode
fazer um desenho bem elaborado somente usando ele e para fixação, utilize verniz fixador,
caso contrario sempre que tocar no desenho sujará sua mão, desbotará com muita facilidade.
Voce pode encontrar o carvão vegetal como lápis também. Abaixo alguns exemplos:

Lápis Carvão Gioconda

Lápis Carvão Chines

Lápis Carvão Conté

Qualquer um desses é utilizado para desenho e esboços e tem alto padrão de qualidade.
Todos são de marcar importadas.

OBS: Essas são marcas que eu uso e gosto muito, mas há outras também como: Cretacolor e
Koh-I-Nor que são tão boas quanto essas citadas acima.
 x Esfuminho

Esfuminho é um rolo de papel feito de feltro ou peliça prensado em forma

cilindrica com pontas nas extremidades; instrumento criado especificamente
para a obtenção dos efeitos de esfumado e pode ser utilizado para os trabalhos
utilizando-se as técnicas secas como o lápis de grafite, carvão ou pastel.

O esfuminho serve para desmanchar o grafite no papel, ou seja, "esfumar" as

áreas pequenas e precisas, que com o dedo não seria possivel fazer com tanta
precisão, finalizando então, um visual mais real ao desenho.

x Borracha
Para os esboços, a borracha plástica branca já é suficiente, as quais você
pode encontrar em diversas marcas. Faça teste com algumas, pois nem todas
as borrachas brancas realmente apagarão sem deixar o papel borrado.
Mas para um desenho mais elaborado, com efeitos realistas ou hiper-realistas,
serão necessárias outras borrachas de apoio.
Abaixo segue alguns exemplos de borrachas brancas ou não e suas funções
específicas.
 Borracha plástica de excelente qualidade. Considerada a melhor borracha do mundo
embalada individualmente em um envólucro prático de celofane. Possui manga deslizante para
manuseio mais fácil.
Exclusiva fórmula que deixa poucos resíduos de fácil limpeza, evitando desperdícios.

(Essa borracha é a minha favorita, principalmente para limpar o contorno de um retrato,

ou deixar aquele brilho dos olhos bem branquinho.)

Borracha MONO Light Tombow é uma borracha plástica Japonesa. Essa borracha é utilizada
para apagar grafite e é extremamente macia. Possui uma excelente maleabilidade.
Essa borracha é utilizada para apagar grafite com facilidade, sem marcar o papel.

Borracha conhecida como limpa tipo é utilizada não só para apagar, mas para tirar o
excesso do grafite fixado no papel, e promover pequenos efeitos de luz, como no olhos, face,
contorno do rosto, cabelos, pêlos de animais e assim por diante. E pode ser usando para
grafite, pastel e carvão.
Essa é uma borracha que fica suja com muita facilidade, para mante-la limpa basta fica
amassando como se fosse massinha de modelar, até ficar da cor original novamente.
 x Papel
Vou apresentar alguns blocos para esboço e para desenho para bons
acabamentos e profissionais para qualificar o seu trablaho. Mas antes, é
interessante saber que existem outros tipo de papel como: vegetal, sulfite e jornal que também
vale a pena fazer testes para descobrir qual papel é mais apropriado ao seu estilo.

1. Papel para Esboços

Esse papel é muito comum e facil de encontrar em qualquer papelaria é da linha estudante,
serve tanto para os esboços como para teste de cores. É um papel fino e possui textura
levemente granulada para melhor aderência do lápis.

É um bloco com 50 folhas de 120g/m² com textura levemente granulada. É ideal para
desenhos a lápis, pastel seco, pastel oleoso, grafite, carvão, crayons e etc.
 O bloco de esboço CONDA é utilizado por artistas e os "viciados" em desenhar todos os dias e
em qulquer lugar. Esse bloco é mundialmente conhecido como "Sketch Pad".
Eu tenho varios desse, tem tamanho A5 e A3 também, e está sempre na minha bolda, pois
onde quer que eu esteja, tenho papel e caneta ou lpais para esboçar minhas idéias para depois
passar para um tela de pintura ou aperfeiçoa-los em um papel mais profissional.

É um bloco de papel com 120g/m² estudante é composto por

50 folhas de papel branco liso, especialmente indicado para rascunhos de desenhos com lápis,
caneta de ponta porosa, tinta nanquim e pena tubular.
 2. Papel Profissional para desenhos artísticos em diversas técnicas.

Esse papel é o favorito da maioria dos desenhista, isso porque ele possui 100% fibra de
algodão e tem brancura natural. Canson Arches Dessin & Esquisse possui textura levemente
granulada (200g/m²), ideal para desenhos com lápis, giz pastel, grafite, carvão, sanguínea e
etc. Possui apenas 16 folhas. Por ser uma papel caro é bom caprichar bem no desenho pra
valer a pena utilizar cada folha desse bloco.

O Papel Profissional Filiart Renaud possui superfície texturizada com 30% de fibras longas de
linter de algodão ideal para trabalhos com tintas a óleo e acrílicas, aquarela, guache, pintura
crayon, grafite e nanquim. Cada bloco possui 20 folhas com 200g/m²
 Esse bloco é utilizado em diversas técnicas de desenho, como pastel, desenho a lápis, carvão,
crayon e pastel oleoso. Gramatura 200g/m²

É utilizado em diversas técnicas de desenho, como pastel, desenho a lápis, carvão, crayon e
pastel oleoso. Gramatura 140g/m²
Luz e Sombra

Estrutura da Luz e Sombra

A luz e sombra é a parte do acabamento mais importante, não dá para você imaginar um
objeto finalizado se este não tiver luz e sombra.

Antes de desenhar a luz e as sombras que você vê, você precisa treinar seus olhos para ver
como um artista.

Os valores são os diferentes tons de cinza entre o branco e o preto. Os artistas usam valores
para traduzir a luz e as sombras que vêem em sombreamento, criando assim a ilusão de uma
terceira dimensão.

Eclosão e sombreado são técnicas simples e divertido para a elaboração de sombreamento.

Uma gama completa de valores é o ingrediente básico para sombreamento. Quando você pode
desenhar lotes de valores diferentes, você pode começar a adicionar sombreamento e,
portanto, a profundidade, para seus desenhos.

Com o sombreamento, a ilusão mágica de realidade tridimensional aparece em seu papel de

desenho.

Se o objeto for iluminado por todos os lados ou se tiver sombra ou escuro por todo os lados,
ele não aparece, ou seja, você verá tudo claro ou tudo escuro.

Então é necessário determinar uma fonte de luz para iluminar o objeto, iniciando assim a forma
do mesmo.

Com essa fonte de luz pronta, você precisará texturizar, escolher os lados e as faces do objeto
que não receberão a luz para poder escurecer essas faces juntamente com essas
texturas, formando assim, o volume.

Com isso, é importante aprender que a iluminação poderá ter até 5 partes:

1. Brilho, ou seja, a área que não será pintada, representando a área de maior
concentração da luz.
2. Meio tom
3. Sombra
4. A luz refletida
5. Sombra projetada
Veja os exemplos:
A figura acima é um exemplo de desenho artístico
hiper-realista.
Obs: Nem todo desenho precisrá ter necessariamente essas 5 partes, porém não esqueça que
Luz e Sombra é fundamental para dar volume e forma ao desenho.

Atenção: Você sabe que os objetos ao seu redor são

tridimensionais, porque você pode andar com eles, vê-los de todos os lados, e
tocá-los. Tome um momento para olhar ao seu redor em objetos familiares.
Tente descobrir porque você vê as suas reais formas tridimensionais. Olhe
para os diferentes valores criados pela luz e sombras.
Sombra própria e projetada
Num desenho em duas dimensões, a luz e a sombra são elementos que
definem e caracterizam o volume do objeto.

O volume é o que distingue os objetos que nos rodeiam. Este depende da luz
que recebe, e por consequência das sombras que este produz.

Podemos definir dois tipos de sombras:

x as próprias
x as projetadas.

As sombras próprias são as que origina o objeto em si próprio e as projetadas

são aquelas que ele produz nas superfícies vizinhas.

Observe a figura acima, você pode ver que atravéz dos efeitos de luz e
sombra, um simples círculo virou uma esfera ao fazer volume com sua própria
sombra. Mas quando se acrescenta a sombra projetada o objeto deixa de
estar no espaço vazio.
Também se deve ter em consideração os reflexos produzidos pela luz, que
projetam as superfícies ou objetos vizinhos já que estas aclaram a sombra
própria.
Entre a luz e a sombra há uma zona de transição ou de “meia sombra” que
pode variar em extensão dependendo da intensidade da luz.

E dependendo da graduação do cinza que você colocar no seu desenho, ou

seja, se você apertar mais o tom no papel deixando a sombra mais escura e a
sombra projetada super escura. Você pode, através do seu desenho,
especificar do que é feito o seu objeto. Veja o exemplo:
Mas não basta só um lápis de grafite macio, a gramatura do papel influencia muito no efeito
dos desenhos, por exemplo, você não conseguirá reproduzir todos esses efeitos num papel
sulfite , no qual, sua gramatura é de 75g/m². É necessário papel com gramatura acima de
140g/m².

Escala tonal
A escala tonal é excelente para exercitar o olhar, treinar a percepção da luz e iluminação.
Válidas para iluminação natural e artificial.

Mas para entender sobre a escala de tons das cores e neutros é preciso entender que cada cor
possui um grau de pureza – não sofrem a ação da luz ou da mistura com outra cor ou neutro e
que os neutros não são cores. Nas duas situações, com a ação da luz, poderá ocorrer uma
variação tonal sobre o corpo de um elemento em função:

a. das sombras – própria ou projetada;

b. das áreas mais ou menos iluminadas.
Postagens interessantes sobre sombreamento:
x Tipos de Sombreamento à grafite

Dica importante:
OS DESENHOS NÃO SÃO FEITOS COM CONTORNOS E SIM TRABALHADOS
EXCLUSIVAMENTE EM FUNÇÃO DA GRADUAÇÃO DA LUZ E SOMBRA.
Exercícios de Luz e Sombra:

Os desenhos podem ser feitos da observação de quaisquer imagens, a partir do real ou de

fotografias.

EXERCÍCIO 01 – PREPARATÓRIO ESCALAS DE LUZ E SOMBRA

Abaixo outro exemplo de escala tonal com lápis de gramturas diferente. No exemplo voce vê
apenas 6 quadradas, mas voce pode fazer com 9 ou 10 quadrados. Mas lembre-se, tem que
fazer sem repetir os tons.
Para exercitar Luz e Sombra
Tomar um olhar mais atento a luz e a sombra

Antes que você possa desenhar os valores apropriados que ilustram a luz e as sombras
corretamente, você precisa ser capaz de identificar visualmente o seguinte:

1. Fonte de luz: A direção da qual se origina uma luz dominante. A colocação desta fonte
de luz afeta todos os aspectos de um desenho.
2. Sombras: As áreas em um objeto que recebe pouca ou nenhuma luz.
3. Sombra projetada: A área escura sobre uma superfície adjacente onde a luz é
bloqueada pelo objecto sólido.

A fonte de luz diz-lhe onde desenhar todos os valores de luz e sombras.

 É necessário um pouco de prática para localizar a fonte de luz, sombras e sombras projetadas
em torno de um objeto. Assim que escolher o objeto a ser desenhado, pergunte a si mesmo as
seguintes questões:

1. Onde estão os valores de luz? Olhe para as áreas mais claras sobre o objeto. Da luz
mais brilhante até as mais leves.
2. Onde estão os valores escuros? Valores escuros, muitas vezes revelam as seções do
objeto que estão na sombra. Ao localizar sombras, normalmente você pode identificar a
fonte de luz.
3. Onde está a sombra? A seção da sombra mais próxima do objeto é geralmente mais
escura em um desenho. Ao localizar a sombra de um objeto, você pode facilmente
descobrir a direção de onde se origina a fonte de luz.

Se voce preferir usar um modelo real, aqui vai a dica, posicione uma folha de
papel sulfite em uma mesa, no meio do papel você colaca qualquer fruta, aqui
eu exemplifico com uma maçã, na direção que voce quiser posicione há alguns
centimentro de distante da maçã um spot; essa distãncia fica como você
preferir, lembrando que dependendo da distancia que spot estiver, o
comprimento da sombra projetada pode variar também.
Acima voce vê a mesma maça fotografada em angulos diferente de visão, assim voce pode se
posisionar em qualquer lugar ao redor da maçã e desenhá-la.

Mas caso prefira basear-se atraves de fotografia, abaixo segue duas imagem em preto e
branco para faciliatar a percepção da escala de cinzas no moento que for desenhar e dar forma
e volume no objeto a ser ilustrado.
Escolha uma das imagens e pratique, se quiser alguma avaliação sobre o seu desenho é só
enviar para o meu email lsnogueira@gmail.com ou leidanogueira@hotmail.com.
1º Passo - Formas geométricas
Antes de desenhar vaso, frutas e por aí vai.... vamos primeiro treinar formas
geométricas, mas sem régua.... o desenhista tem que aprender a ter precisão
em seus riscos. Aprender a fazer um quadrado a olho nu, com todos os lados
iguais, círculos e retas realmente reta, OK?!
A principio, você não precisa de nenhum lápis especial ou papel. Pode ser
sulfite mesmo e qualquer lápis que você tiver. Você somente vai treinar os seus
riscos, pois as formas geométricas serão muito úteis para você desenhar os
objetos ou frutas corretamente. E ter suas primeiras noções de profundidade e
perspectiva.

x Para os quadrados, use o lápis para tirar as medidas se caso a dificuldade de

desenhá-lo a mão livre for muito grande, até você ganhar praticar e desenhá-lo
livremente. Observe as fotos:
*Agora tente fazer o quadro sem medir com o lápis e depois meça novamente para ver se você
aproximou-se das medidas. Faça isso várias vezes até desenhar uma quadro corretamente.

x agora que aprendeu a fazer um quadrado, vamos aprender a fazer um círculo

usando um quadrado como modelador do seu círculo.
x Em seguida divida com duas diagonais e depois uma vertical e outra
horizontal.

x Marque com um ponto onde as linhas se encontram e na primeira divisão das

diagonais.
 Seguindo os pontos você formará o círculo.

x Agora é só treinar o seu círculo sem as linhas e quadrado de base.

x Agora, vamos dar profundidade a esse círculo que facilitará os seus futuros desenhos
de objetos. Trace duas linhas de eixo dentro desse círculo.

x Em seguida, traces duas ovais dentro desse círculo, onde a linhas A e B serão seus
eixos.
*Com você pode ver de um círculo passou a ser uma esfera.

x Voltando ao desenho do quadrado, vamos utiliza-lo como base para

desenharmos uma pirâmide.

Assim como no desenho da esfera, você deve traça diagonais e um eixo.

Dependendo de onde você marcar o ponto no eixo, o sua piramide terá uma perspectiva de
visão diferente.
x Assim como criamos um circulo, uma pirâmide, os cones também podem ser
desenhado partindo de um quadrado, ou seja, se você desenhar dentro do quadrado
um círculo e em seguida traçar a linhas horizontal e vertical e encontrar seu eixo,
temos a base de um cone.
Mas, cuidado! É um erro muito comum, fazer a base
de um cone ou um cilindro pontiagudo. Como mostra
a figura as bases dessas figuras deve ser como no
exemplo (A) e não o (B).
2º Passo - Perspectiva dos objetos
Todo desenhista deve ter o mínimo de conhecimento sobre perspectiva. Só
assim ele dará aos seus desenhos uma aparência tridimensional. Observe
alguns exemplos:

Acho que todos já devem ter notado que os objetos quanto mais afastados se
encontram, menor nos parece, certo?!

Preste atenção nessas figuras ao lado e principalmente na linhas paralelas. Se

estas linhas paralelas se afastam de nós, parecem convergir ao nível do olhar,
num mesmo ponto de fuga. (dirigir-se para um ponto comum).
As linhas que se encontram acima do nível dos nossos olhos parecerão descer
em direção a esse ponto de fuga e as que se encontram abaixo, parecem subir.

Poderá verificar a profundidade aparentemente correta de qualquer plano em

perspectiva, usando um lápis ou uma régua, ao nível do olhar, e medido as
proporções desse plano com o auxílio do seu polegar.

Esta teoria pode ser aplicada a todos os objetos circulares. Pode-se desenhar
levemente eixos perpendiculares que se cruzam no centro.

Seguindo essa perspectiva para desenhar objetos tridimencionais, vamos

desenhar alguns círculos achatados como base desses objetos.
x Primeiro construa um retângulo alongado e divida-o em quadro partes
iguais, desenho o círculo dentro dele.

x Você pode alonga o retângulo de acordo com o objeto que você

pretende desenhar, traçando formas cilíndricas.
3º Passo - Desenho por observação
Após esse exercício de medidas, tente fazer os riscos ovais varias vezes a
olho nu, tentando manter equilibrio em seus traços.
Agora vamos ao nosso primeiro exercício baseando-se em tudo que você
aprendeu até agora nessa página:

Ao invés de você iniciar seus estudos práticos usando foto de natureza morta,
ou apenas fotos de alguns objetos ou frutas, tente fazer isso "ao natural", ou
seja posicione algum objeto de sua escolha a sua frente e com uma distancia
de 2 metros ou mais. Feche um olho e estenda o braço e a mão que segura o lápis,
ao nível dos olhos. O lápis servirá também para marcar as medidas de seu modelo
para você desenhá-lo no papel. Se na primeira tentativa você achar difícil ou
mesmo desenhar tudo torto, não desanime, é assim mesmo no início, tenha
paciência e seja perseverante que você conseguirá e verá que com a pratica e
boa observação ao seu modelo, os seus desenhos terão uma aparência bem
mais proporcional. Veja o exemplo da imagem abaixo:

Você pode criar um cenário para sua composição de natureza morta, como eu
fiz. :)
Corpo Humano

Esboço de Leida Nogueira

No desenho da figura humana, utiliza-se a medida da cabeça como módulo e pode-se dividir
em 7 partes iguais e meia (figura nº1), ou seja, a cabeça estabelece uma relação de
proporção com tronco e as pernas, logo, o conceito de proporção é o equilíbrio ideal
de tamanho entre as partes que compõe um todo.

Não basta somente a proporção para se desenhar um corpo humano com realismo, a
simetria também é de fundamental importância para que o desenho do corpo humano
tenha semelhança entre os lados direito e esquerdo.
De um modo geral, o corpo humano não mantém exatamente as mesmas medidas de um lado
e do outro; há pequena diferenças, muitas vezes imperceptíveis quando se olha, mas
perceptíveis quando se mede.

No desenho, o eixo de simetria é representado por uma linha vertical que vai da cabeça,
passando pelo nariz, até o espaço entre os pés, como mostra a figura nº2.

Figura 1
Figura 2
Volumes e Concavidades: Referem-se às formas do corpo; suas curvas, reentrâncias e
relevos. No desenho, são as linhas sinuosas que o representam.
 Figura 3

Com os braços abertos, a distancia entre a ponta dos dedos indicadores é igual a altura, da
figura total, dos pés à parte superior da cabeça.

x A altura de 3 cabeças, situa-se o umbigo e 4 cabeças, situa-se o púbis.

x A distancia entre os ombros são de 2 cabeças para homens e 1 cabeça e meia para
mulheres.
Proporção da Figura humana por Faixa Etária

Você pode iniciar os seus primeiros esboços do corpo humano seguindo essas fases ilustradas
na figura abaixo, não esquecendo de iniciar com a proporção, usando a cabeça como seu
módulo de medida.
Figura 5
A ESTRUTURA MASCULINA E FEMININA

x O HOMEM é largo de ombros e tem anca estreita;

figura 7
x A MULHER é estreita de ombros e larga de anca.

Figura 8
DESENHO DO CORPO EM MOVIMENTO
Baseando-se nas figuras anteariores que mostra como se deve desenhar um corpo humano
seguindo corretamente suas proporções e simetria na posição ereta, o mesmo ocorrerá para
desenhar o corpo humano em outras posições ou dando idéia de movimento como: correr,
pular, dançar, etc. Veja os exemplos:
Observe que os bonecos da esquerda são os primeiros esboços. À direita estão as expansões
volumétricas dos bonecos.

Voce pode notar que não será necessário retirar os pequenos circulos que representam
ombros, cotovelos, mãos, quadris, joelho e calcanhar. Em vez disso vc pode simplesmente
conectar as articulçaões.

Como você pode ver esses desenhos assemelham-se aqueles bonecos de madeiras.

Se você poder encontrar um, use-o. Mas sabendo tirar essas configurações de sua mente, sem
um boneco na frente de você, você estará em vantagem, pois poderá adquirir habilidade de
desenhar mais livremente.

Detalhe: Este método também é bastante útil para configurações de análise de detalhes do
corpo, por exemplo: Mãos e pés
 Agora observe os exemplos abaixo e tente desenvolver os seus próprios bonecos, iniciando é
claro pelos esboços de linhas e pequenos círculos.
VARIAÇÃO DO CORPO HUMANO
Os seres humanos vem de muitas variações. Por exemplo:

x Um Homem musculoso;
x Uma Mulher Normal;
x Um homem gordo;
x Uma criança.

Para o desenhar o homem eu usei costela + músculo parte superior do trondo.

As vezes é mais fácil de tirar todo o volume antes de desenhar uma caixa torácica.
 Depois de muito treino com esses bonequinhos é hora de você ser mais ousado e
desenhar modelos reais como modelos de revistas ou modelos vivos, como um amigo, seu
irmão, mãe quem quiser posar pra você.

A técnica de desenhar um modelo vivo, é a mesma de bonequinho de madeira, veja o exemplo:

Viu só, agora procure seus modelos e desenhe muito e muitas vezes.
Cabeça e Face
Como desenhar cabeça humana
Eu pratico e estudo por muitos anos a melhor técnica de se desenhar uma cabeça e seus
diversos movimento de uma forma clara e concisa.

Desenho de cabeça começa com a introdução de um método aparentemente simples para a

construção da cabeça, para garantir que todos os recursos estejam colocados corretamente.

Para desenhar a cabeça de qualquer ângulo, você deve primeiro entender sua estrutura
básica.
Olhar todos os detalhes e visualizar as formas subjacentes, ou seja, que não percebemos a
primeira vista.
Esta capacidade de simplificar pode ser aplicado às características do rosto, como:

x Boca e sobrelábios;
x Nariz e orelhas;
x Olhos e sombrancelhas;
x Cabelos e testas

Mas ao iniciar o desenho é quando você deverá olhar ainda mais. Ignore os recursos e
simplifique a forma mais básica da cabeça. Veja os modelos abaixo:
Primeiro você começa com uma esfera de base. A cruz é então colocado em algum lugar sobre
as superfície da esfera e este define as duas âncoras mais importantes para as características:
a linha central e a linha da testa.
A maioria dos métodos similares de construção de uma cabeça que eu já vi, define a linha dos
olhos em primeiro lugar; mas é a partir da linha da testa na bola é que ajuda a obter as
principais características corretamente proporcionadas.

Agora observe com atenção, as figuras abaixo:

Os lados da cabeça são planos, por isso, pode cortar um pedaço de ambos os lados da bola.

De perfil, este plano será um círculo perfeito, mas quando o desenho está em qualquer outro
ângulo, ele parece ser um oval por causa da perspectiva.

Divida este oval para quadrantes. A linha vertical representa o início da mandíbula. A linha
horizontal representa a linha da testa. A parte superior e infeior da oval ajudará a enconntrar a
linha do cabelo e na parte inferior do nariz.

Construção de qualquer Ângulo

O primeiro passo é você determinar o ângulo da bola.
A inclinação da cabeça é estabelecida no ínicio do desenho com a bola. Todos os três eixos
devem ser abordados:
 A inclinação para cima e para baixo é estabelecido pelos ângulos das linhas horizontais e
verticais em forma oval, além de inclinar para cima e para baixo, os terços (que são aquelas
linhas que representam o início do cabelo, a base do nariz e a base do queixo) serão
encurtados por causa da perspectiva.

Depois de estabelecer o ângulo da bola, dividir a face em terços, a distância entre a linha da
testa e couro cabeludo deve ser a mesma entre a linha da testa e a parte inferior do nariz e
entre a parte inferior do nariz e a linha do queixo. Entendeu?
Agora, como seu exercício, você deve esboçar muitas bolas e fazer varias cruzes em diversas
posições dando idéia a movimento da cabeça, como pra cima, pra baixo, para o lado esquerdo
e direito. Em seguida siga os exemplos citados acima, formando a mandibula, pra dar forma a
uma cabeça.
Proporção do Face

A face é dividida em 4 partes iguais a partir da topo da cabeça. A partir dessa

medida, podemos obter a posição dos elementos do rosto.

Ou em 3 partes iguais, deixando o volume do cabelo ser

acrescentado apenas 1/3 a mais da medida da testa.
Despois faça a divisão igual para desehar olhos, nariz e boca.
Observe que:

x Existe uma distância de um olho entre os olhos e da mesma largura que as narinas.
x A linhas verticais a partir da borda das íris são a largura da boca. (Quando os
diafragmas estão na posição normal com o olhar para a frente)
Como desenhar olhos
Para desenhar olhos é necessário muita prática e observação, já que há
diferentes tipos de olhos e traços diferentes, tudo vai depender do contexto,
principalmente se você pretende desenhar retratos realistas.

Os olhos são formados pelo globo ocultar, a íris, a pupila, pálpebras e cílios
que não podem se esquecidos.
Há várias maneiras de desenhar olhos humanos, o exemplo a seguir é uma das maneiras que
costumo fazer e que acho mais simples. Espero que vocês não tenham dificuldades em
desenhá-los também.

Mas antes quero comentar sobre alguns erros comuns:

x Evite desenhar formas totalmente ovais ou quadradas, a forma mais aconselhável é

uma mistura das duas coisas;

x Não deixe a íris (parte colorida do olho) totalmente aparente, ou seja, formar um
círculo completo. Se vocês começarem a observar mais olhos em fotos ou até mesmo
os seus pelo espelho, verá que a palpebra cobre uma parte dela, deixando um pouco
mais da metade amostra.

O esboço é como um desenho simples que qualquer pessoa sem a prática será capaz de fazê-
lo. A diferença está em dar efeitos se sombreamento, os quais darão forma e volume aos
olhos, tornando-os realistas. Esses sombreamentos seriam os dutos lacrimais ( o "canto" do
olho), próximo ao nariz; fazer a linha próxima dos cílios inferiores para dar a espessura da pele,
os próprios cílios de uma forma irregular, ou seja, não igual em todo o olho.

Uma dica bem legal, é deixar uma parte sem desenhar do olho na parte de baixo. Quanto a íris,
é importante e fundamental que você sempre deixe um espaço branco, nada muito grande e
nem exagerado, (para não ficar como olhos de desenhos mangá) e deixar a parte superior da
palpebra, mais escuro.
 Seja paciente quando iniciar sombreamento nos
olhos e prefira usar lápis com grafites moles como
6B, 7B e 8B.

Dependedo do lápis e papel que voce usar, o seu

desenho apresentará efeitos de textura diferentes.
Esse desenho, por exemplo, foram usado para
esboço HB, B, 2B e como acabamento e
promovendo mais volume eu usei o lápis 7B na parte
superior da iris, pupila e cílios.
Demonstrando como desenhar olho realista:
Olhos de perfil
Exemplos de olhos para expressão
A expressão é passada mais pelo olho, sombrancelhas e boca, por isso não
vou nomear as expressões, pois esses olhos podem ser usados para mais de
uma expressão.
 Agora, use os exemplos para aprender a dar forma, volume e expressão nos
olhos.
Dica para desenhar um olho igual ao outro
COMO DESENHAR NARIZ

Para desenhar o nariz deve-se fazer como base uma estrutura bem simples... o triângulo, ou
pirâmide com três faces, desse modo fica mais fácil desenhar e criar volume e caracteríticas
anatômica.
O naris tem início na linha dos olhos até a linha do final das orelhas, ou seja, todo nariz tem o
mesmo tamanha da orelha.
Os traços no desenhos de nariz feminino, são mais suaves e retos, nos narizes do rosto
masculino deve-se ressaltar o osso nasal.
 Quanto mais detalhes de sombreamento voce
acrescentar em seu desenho, mas realista ele
pode ficar, mas lembre-se, os primeiros rabisco
serão suaves, dê volume nos seus desenhos
apertando o tom do seu grafite cuidadosamente,
para que não estrague o papel e nem dê um
aspecto sujo no seu trabalho.
COMO DESENHAR BOCA
Olhos e bocas são os principais elementos que
define toda a expressão do rosto.

Inicie o desenho um linha base interlabiais

(horizontal) e outra vertical bem centralizada na
boca, formando uma cruz, essas linhas já devem ser
traçadas no espaço onde a boca deve ficar dentro
das proporções das linhas do rosto. Em seguida
pode traçar as bordas superiores e inferiores da
boca, não precisa fazer outras linhas, pois o volume
da boca será feito com efeitos de luz e sombra.

Boca e olhos são fundamentais para dar realismo no desenho

de retratos, então paciência, com muita pratica em luz e
sombra, deixarão seu desenho cada vez mais realista.
O desenho da boca só depende da forma curva da
mesma. Quanto a boca feminina deve-se enfatizar
na coloração e volume, dando um efeito de
maquiagem.

Quando desenhar uma boca sorrindo, tenha cuidado para não acentuar os detalhes dos
dentes, dependedo do realismo que você quer proporcionar em seu desenhos, os dentes
podem ou não serem sombreados com pouco ou muita intensidade.

Esboço de boca sorrindo

Efeitos de luz e sombra nos dentes, as linhas que
antes separavam os dentes tornaram-se
sombreamento, promovendo mais realismo no
desenho.

Como dessenhar uma boca

Como desenhar orelha
Com dominio da luz e sombra e usando a tecnica
do esfumado, os desenhos serão mais realistas.

Desenhar orelha não é tão difícil quando parece.

Alguns artístas não gostam de desenhá-las,
escondedo-as com os cabelos.
Tudo vai depender da sua observação. Preste
atenção nas curvas da orelha e em suas
caracteríticas: orelhas pontudas, redondas,
fechadas, abertas, juntas a cabeça, separadas e
muito separadas (conhecidas como orelha de abano.

Dicas:
x Nunca use desenhos de orelhas oara treinar,
use fotos, desenhe a orelha de amigos e
parentes.
x A proporção da orelha é a mesma do nariz (
nariz pequeno, orelha pequena e assim por
diante), ou seja, entre a ombrancelha e a ponta
do nariz.
Como desenhar cabelos realísticos
Finalmente um tutorial para sombreamento de cabelos, a parte mais difícil para muitos
iniciantes em desenho artíticos de retratos.

Cabelos Castanhos Claros

Como voce pode observar na imagem acima, dedique-se no aperfeiçoamento do cabelo após
ter concluído o sombremaneto da face. Porém a área do cabelo já deve estar previamente
esfumada com um tom de cinza suave, independetente se o cabelo for loiro ou preto. Mas
antes de iniciar o seu sombreamento dos cabelos tenha garantido alguns pontos importante
para se obter um bom efeito nos cabelos.

1. Observe as ferramentas utilizadas da esquerda para a direita: lapiseira 0,3mm HB e B ,

lapiseira 2B 0,5mm, grafite 9B (para pintar a grande área), Lápis 8B/9B Derwent Graphic (para
médias e linhas escuras / sombreamento), Lápis 8B Staedtler Mars Lumograph (para a
tonalidade mais escura de preto), borrachas (apenas borrachas normais cortada em pequenos
pedaços em forma de triângulo), esfuminhos.

OBS: alguns desenhistas usam lápis borrachas ou borracha em bastão para fazer o efeito de
luz e brilho nos cabelos, se conseguir dar o mesmo feito, tudo bem, eu particurlamente não
consigo. Mas fica livre essa opção. A mesma coisa para a escolha da marca do lápis; para dar
esse efeito bem escuro eu uso lápis como Staetdler, Derwent e Koh-I-Nor, mas fique a
vontade de usar outras marcas, porém, não espere resultados como na imagem, lápis da faber
castel, por exemplo, mesmo usando o 8B, não terá o mesmo tom de escuro que um 8B da
Staetdler.

2 . Imagem do modelo de boa qualidade.

3. Esboçar o cabelo mais ou menos apenas para obter o contorno do cabelo. Tornar toda a
área do interior usando esfuminho ou qualquer nitidez de um lápis com tom médio.

4. Misture-o com papel de seda, papel toalha ou papel higienico, do tipo bem macio (daquleas
marcas caras com tres ou quatro folhas). Divida o cabelo em seções de acordo com o modelo.
Preste mais atenção para o pedaço de cabelo e ignoram a parte arrepiada.

5 e 6. Use a ponta afiada das borrachas para criar os fios. Fazei isto em seções a partir da
esquerda para a direita e do canto inferior direito para camada superior. Certifique-se de seguir
a direção do cabelo do modelo. Você pode fazer isso de forma rápida e mais ou menos como é
para ser usado principalmente como uma diretriz para a etapa 7.

7. Adicionar os fios usando lapiseira de grafite mais claro para as áreas mais claras e a
lapiseica com grafite mais escuro para as áreas mais escuras e de sombra.

8. Agora a parte mais importante e de destaque: os fios de luz e cabelo esvoaçante usando
borrachas afiadas. Desta vez, certifique-se que as borrachas afiados como essas na imagem
acima dão muito melhor resultado. Definir os fios que parecem mais volumosos com a lapiseira
0,3mm . Use esfuminho para desmanchar melhor o restante do grafite criando uma área
cinzenta.

9. Tornar as áreas mais escuras e adicione a sombra entre e abaixo de cada camada do
cabelo usando o lápis mais escuro que você tem.
Retrato Concluído

Desenho hiper-realista da artista australiana Kanisa A.

Cabelos castanhos escuros ou negros

1. O material utilizado na composição desse desenho foram os mesmo do primeiro exemplo. A

diferença está na intensidade do tom escuro que foi acrescentado no cabelo para parecer mais
escuro, e a claridade que o cabelo recebe não será como se fossem mechas e sim o brilho da
luz projetada no cabelo.

2. Imagem do modelo de boa qualidade.

3 -. 4. Esboçar o cabelo e tentar dividi-lo em seções. Use o lápis mais escuro 8B/9B , tornar a
área escura mais escura. Tente manter o traço do lápis, na mesma direção que os fios de
cabelo (veja a foto 3).

5. Misture a parte mais escura para as partes mais leves, usando lenço de papel (não o dedo,
NUNCA use o dedo) e esfuminho (para as áreas estreitas).

6. Use a ponta afiada das borrachas para criação de alguns fios. Faça isto em seções a partir
da esquerda para a direita. Certifique-se de seguir a direção dos fios de cabelo como está no
modelo. Você pode fazer isso de forma rápida e mais ou menos como é para ser utilizado
principalmente como base para o passo 7.

7. Adicionar os fios usando lapiseira para as áreas mais claras e mais escuro o lápis 8B/9B.

8. Adicione a claridade em destaque, fios de luz, e cabelo esvoaçante luz usando borrachas
afiadas.

* Neste modelo, há flocos de neve no cabelo e em primeiro plano dando um efeito de tempo e
movineto no desenho então é necessário utilizar mais a borracha.

9. Tornar as áreas mais escuras e adicione a sombra entre e abaixo de cada camada do
cabelo usando o lápis mais escuro que você tem.

Retrato concluído

Desenho hiper-realista da artista australiana Kanisa A.

Desenho da Mão e Pé
Como desenhar Mão
Ao desenhar a representação das coisas reais, o melhor é começar por olhar para a coisa real.
Até a arte do anime / manga é uma forma de minimalismo. O artista toma o que a coisa real
parece e encontra uma maneira de desenhá-lo de forma simplificada.

Observe a figura abaixo:

Iniciaremos com a mão em posição simples para iniciar os primeiros esboços da mesma. Você
já deve ter visto diversas forma de desenhar a estrutura de uma mão, usar as formas
geométricas são as mais comuns... mas aqui voce aprenderá de uma maneira bem simples.
observado a sombra da mão. Tente desenhar apenas a forma que sombra recebeu na parede
aproximadamente... voce pode usar sua propria mão se preferir, como um modelo "vivo".
Começar a desenhar os dedos a partir do dedo mindinho
Agora é só exercitar. Abaixo segue outros modelos que você poderá observar e reproduzir de
maneira realística....
Voce pode enviar o seus desenhos para o meu e-mail lsnogueira@gmail.com para serem
avaliados se caso preferir. Será um prazer poder ajudá-lo dessa maneira também. :)
Exemplos com desenhos artísticos:
Essa é minha mão, mas eu fotografei antes segurando uma pena para depois desenhá-la.
 Como desenhar Pé
Assim como as mãos, os pés podem ser, algumas vezes, díficieis para desenhar. Porém, uma
vez que vocês se acostumarem a desenhá-los, eles se tornarão umas das coisas mais
divertidas para ilustrar.

Então, iniciar o desenho dos pés com algumas linhas preliminares pode ser necessário para
um desenho mais correto posteriormente.

Observe as figuras abaixo e tente esboça-los, fazendo apenas um sombreamento solto nos
desenhos.

Desenho do pé em repouso
1- Desenhe a forma básica do pé com algumas linhas retas e verifique se estas estão corretos.
Indique o ângulo da articulação do tornozelo e faça linhas curvas para marcar a posição das
articulações dos dedos.
 2- Bom, a partir de agora voce só terá que desenvolver as áreas tonais do pé, ou seja luz e
sombra. Olhando para a luz que incide sobre as articulações dos dedos e os extensores dos
tendões. Para quem estudou Tipos de Sombreamento à grafite eu sugiro iniciar com o
sombreamento solto e depois apertado para transformar o seu esboço do pé e estilo realista.
 3- Conclusão. Tal como acontece com a mão, este pode ser um de vários estudos mais livres
feito sobre a mesma folha de papel.

Esta é uma visão bastante interessante, com a luz vindo do lado esquerdo do pé, que
acentua a forma do lado da articulação do tornozelo e do lado direito do pé. Esta posição lhe
dá uma oportunidade para tirar algumas curvas expressivas a partir do calcanhar até o dedão
do pé, principalemte as linhas extensoras dos tendões.
Agora, que tal usar seus próprios pés como seu modelo? :) Divirtam-se e lembre-se se não
conseguir nos primeiros desenhos, não desista, você vai conseguir.
 Desenhar Animais
Desenhar animais não é uma tarefa muito fácil , mas também não é impossivel. Exige
muito prática, dominio de luz e sombra, estudar e pratica o corpo e a musculatura do animal
quando se pretende desenhá-lo em movimento. Mas não basta ter técnica se você não tiver
paixão em desenhar animais.

Para os inciantes, eu conselho treinar primeiro a cabeça do animal da sua escolha, eu

considero a parte mais difícil, porque não se resume em apenas fazer olhos, fucinho e boca, se
trata também de expressão. assim como seres humanos, os animais também se expressão
através do seu olhar e boca.

Quando mais peludo for a animal, mas facil é desenhá-lo, porque vc não precisa se
preocupar com a musculatura do corpo dele, porém terá que dominar luz e sombra, para ar
volume no pêlos, e não ter que fazer milhões de riscos.
 Como desenhar Cachorro
Bom, para iniciar o nosso primeiro cão, eu escolhi o cão Boxer, por ele não ser
peludo e ter mais visível sua musculatura.
Vista frontal e Lateral

Comece a desenhar um quadrado grande com a ajuda de uma régua sobre o papel. Divida-o
no meio com uma linha horizontal.
Sua parte superior será preenchido com o tronco do boxeador, enquanto as pernas irão
preencher a parte inferior.
Não desenhe o quadrado além do traseira do animal, porque as patas traseiras e a cauda
ficarão fora do quadrado do lado direito.
Dê uma olhada na foto panorâmica acima, para ter uma idéia sobre isso.

Adicionar dois pequenos quadrados em cima de um dos grandes.

Seu comprimento lateral deve ser um quarto do comprimento do quadrado grande do lado.
Estes pequenos quadrados irão conter a cabeça do pugilista.
O quadrado da direita contém apenas o pescoço do boxeador, enquanto o esquerdo contém
todo o rosto. As linhas para a garganta e pescoço continuam sem problemas onde as linhas do
tronco terminou.

Desenhar a testa do boxeador, deixando uma linha de alcançar a partir do topo da cabeça para
a lado esquerda. Tornando-o reto e não muito íngreme.

Desenhe o nariz como uma forma arredondada, que toca no lado esquerdo do quadrado. Em
seguida, conclua o rosto adicionando o bochechas pendurado e seu queixo. Ambos devem
chegar abaixo da parte inferior do quadrado.
Deixe o rabo crescer fora do bojo superior no final traseiras do boxeador.
O rabo pode chegar tão açto quando a cabeça.

Para desenhar as pernas, dividir o quadrado inferior na metade com outra linha horizontal. Isso
ajudará você a colocar os tornozelos corretamente. Note que o tornozelo da perna da frente
está desenhado logo abaixo desta linha, e o tornozelo da perna está fixado sobre ela.

As linhas para a perna da frente começam de "dentro" do peito.

Desenhar a perna da frente ampla e com uma forma arredondada no topo. Torná-lo um pouco
mais estreito e reto pra baixo. Após o tornozelo, a perna está apontando ligeiramente para a
frente. Adicione a pata para o seu fim. Consiste apenas de um fundo plano e três linhas curvas
para os dedos dos pés.

A perna se conecta perfeitamente com o torso. Desenhando-o também bastante amplo na

parte superior e tornando-o mais estreito em direção ao tornozelo. Sua parte superior está
apontando para trás e se estende do quadrado. Sua parte inferior vai direto para o solo. Eu só
usei dois dedos para a pata posterior, porque ele está apontando diretamente para a frente,
porque os dedos não poderão ser vistos.
Desenhe os contornos dos músculos com traços soltos e com diversos riscos de seu lápis, de
modo que eles não parecem tão claras e firmes como as fronteiras do corpo.
Desenhe os dois pés no fundo como cópias das pernas em primeiro plano. No entanto, você
pode esconder uma grande parte deles por trás da pernas do primeiro plano. Apenas tome
cuidado para colocá-las um pouco mais alto. Isso é importante para o efeito 3D.

E para finalizar, adicionei outros elementos que caracterizam um boxer fêmea e macho.

Agora, é só pegar uma foto real de um boxer e trabalhar luz e sombra numa escala de cinzas e
preto.

Infelizmente, a maioria das imagens que consegui desse animal fantástico, tem o rabo cortado,
o que , particulamente, não acho nada legal. :( Mas está bem adequando como demostração
real dos exemplos acima.
Natureza Morta

Autor: Antônio de Pereda, óleo sobre tela, Espanha, 1652.

Introdução
Antes de iniciarmos o passo a passo de como desenhar, sombrear e pintar coisas inanimadas,
ou seja, objetos tipicamente comuns que podem ser tanto naturais (alimentos, flores, plantas,
rochas ou conchas) ou artificiais (copos, livros, vasos , jóias, moedas, tubos, e assim por
diante), vamos conhecer um pouco da história desse tipo de arte.
Com origens na Idade Média e da arte grega / romana antiga, pinturas de natureza morta
dão margem aos artistas para fazer desenhos ou pinturas dentro de uma composição de outros
tipos de temas como paisagem ou retrato.

Os artistas não pintavam natureza morta somente por motivos decorativos, acreditava-se que
os objetos de alimentos e outros itens descritos não haveria, em vida após a morte, tornar-se
real e disponível para uso pelo falecido. Porém, esse tipo de pintura não eram produzidas
apenas em murais, tecidos ou madeiras, antigas pinturas em vasos gregos também
demonstram grande habilidade em descrever objetos do cotidiano e animais.
Por volta do século 16 , alimentos e flores voltaria a aparecer como símbolos das estações e
dos cinco sentidos. No período romano, outros elementos foram adicionados na pintura de
natureza morte, que seria a tradição do uso do crânio em pinturas como um símbolo de restos
de mortalidade e terrena, muitas vezes com a frase que acompanha Omnia mors aequat (Morte
faz todos iguais). Essas imagens vanitas foram reinterpretado ao longo dos últimos 400 anos
de história da arte, começando com pintores holandeses cerca de 1600.

Artista Pieter Claesz (1598 - 1660), Vanita Natureza

morta de 1630, óleo sobre painel
A apreciação popular do realismo da natureza morta está relacionado na antiga lenda grega de
Zeuxis (464 a.C. - 398 a.C.), pintor da Grécia Antiga, do século V a.C. e Parrhasiu (não há
registros exatos do período de sua existência, apenas que ele foi distinguido como um pintor
antes de 399 AC.)

De acordo com a Historia Naturalis de Plínio, o Velho encenado, Zeuxis e seus

contemporâneos (Parrhasius de Atenas Éfeso e outros) houve um concurso para determinar o
maior artista. Quando Zeuxis mostrou sua pintura de uvas, estas pareciam tão reais que até os
pássaros voaram para bicá-las. Mas quando Zeuxis pediu para Parrhasius desembalar sua
pintura, a embalagem em si acabou por ser uma ilusão pintada, ou seja era a própria pintura.
Parrhasius ganhou, e Zeuxis admitiu, "eu consegui enganadar os pássaros, mas Parrhasius
enganou Zeuxis."
 Por isso é mais comum encontramos pinturas realistas de natureza morta, pinturas antigas e
atuais. E para os artista especialista nesta arte, quanto mais realista conseguirem pintar, maior
será o seu destaque diante aos demais juntamente com sua obra.

Nas últimas três décadas do século 20, e nos primeiros anos do século 21, a natureza morta se
expandiu para além dos limites de um quadro. Especialmente no segmento da era do
computador. Com o uso da câmera de vídeo, os artistas desse tipo de arte podem até mesmo
incorporar o espectador em seu trabalho.

Bom, isso foi só um resumo sobre Natureza Morta, mas qual a importância desse assunto para
quem quer aprender a desenhar retratos, por exemplo, ou pintar paisagens, animais, etc.

Natureza morta é a melhor matéria na arte de aprender e ensinar as habilidades de desenho e

pintura. Isto ensina como olhar para objetos e vê-los como um artista - com uma consciência
perceptiva de seu contorno, forma, proporção, tom, cor, textura e composição.

Muitas pessoas que querem aprender a desenhar, iniciam por anatomia ou retratos, na maioria
das vezes é porque se identificam com essa parte do desenho artístico, mas a maioria sofre
para entender como sombrear um rosto, como dar volume aos seus desenhos. Por isso é muito
importante que se dedique seus exercícios, a princípio, nos desenhos desse objetos
inanimados, observando-os e desenhando-os de forma mais realista possível.
 Pintura à Pastel Seco

JIN WOOK NAM

Como pintar um retrato a pastel seco

Para aprender a pintar com pastel seco não precisa necessariamente ser um profissional em
desenho, pois você pode usar a técnica do decalque (é a cópia de uma imagem em
determinado papel (papel vegetal) a fim de reproduzi-lo posteriormente em outro local) e fazer
o esboço do desenho . Mas para quem já sabe desenhar, principalmente desenhar rosto, pode
ir direto no papel e esboçar suavemente qualquer desenho para depois iniciar a pintura a
pastel seco.

Normalmente a maioria dos artista escolhem retratos ou animais para pintar a pastel, mas você
pode usá-lo para pintar qualquer coisa, como por exemplo: paisagens, natureza morta e por aí
vai.

Mas antes de iniciar a demonstração dessa técninca é importante mencionar alguns itens
necessarios para a essa atividade.

1º - Escolher o material adequado e o papel adequado para pintura a pastel seco. Segue uma
lista básica de materias para esse tipo de pintura.

x 1 estojo de pastel seco com 12 cores no mínimo e lápis pasteis.

Há muitas marcas boas de pastel, mas esse tipo de material artístico é um pouco caro, então
tudo vai depender de quanto voce pode pagar para ter o seu estojo. Segue algumas imagens
para quem nunca viu esse giz para pintura e que são as que eu costumo usar.

Algumas cores, se caso você precisar porque não tem no estojo, você poderá comprar avulso.

Para contornos mais precisos o ideal é usar o lápis pastel.

x Um bom fixador para pastel, segue alguns exemplos:

x Uma folha de papel com gramatura de 200 ou mais.

Se voce quiser uma pintura a pastel suave, então um papel de 200gr já é suficiente. Mas
lembre-se, a superfície devera ser capaz de reter os pigmentos das cores, asssim sua pintura
terá mais durabilidade. Há papeis coloridos (Mi-Teintes) que dá efeitos maravilhosos quando se
aplica o pastel. Papeis para aquarela também são bem vindos, têm uma textura que facilita a
aderência dos pasteis. De qualquer forma, voce poderá utilizar um bom fixativo para dar o
toque final ao trabalho e evitar a perca dos pigmentos com o tempo.

Esses são alguns papeis que uso para minhas pinturas em pastel, grafite, lápis de cor e até
mesmo para tinta óleo.

Bom agora que voce já tem todo o seu material adequado para pintura a pastel seco. Você
precisará organizar seu espaço de trabalho. Não precisa ser um espaço enorme, mas que
tenha boa iluminação e agradável para voce, onde possa realmente se concentrar e se dedicar
a sua pintura.
Escolha o retrato e faço um esboço suave com lápis para que não marque o papel e nem se
destaque sob o pastel. Como citei no primeiro parágrafo, para quem não sabe desenhar mas
gostaria de pintar, a maneira mais fácil seria o decalque, voce ampliará a figura e colocará o
papel vegetal por cima e copiará apenas os contornos da face, olhos e assim por diante. Em
seguida, no verso do papel vegetal use um grafite mole ou carvão vegetal e faça novamente o
contorno; feito isso, coloque em cima do papel que será aplicado o pastel e com o proprio lápis,
mas usando a outra extremidade, repasse o esboço, não use a ponta do lápis porque isso
deixará o papel marcado e quando aplicar o pastel essas marcar ficarão em evidencia e o
trabalho ficará ruim.

x Modelo - escolha uma imagem boa, clara que voce possa visualizar as caracteríticas
da face com precisão. E se for uma encomenda, sugira ao seu cliente enviar-lhe fotos
dessa maneira, se caso ele não tiver, sugiro que voce o fotografe... as vezes tenho que
fazer isso. :-)
 Este é Jin Wook Nam, cantor, compositor e produtor coreano.

Obs1: Cada pigmentação de pele como: brancos, índios, negros, mulatos, asiáticos e assim
por diante, exige tons diferentes para nos aproximarmos ao tom de pele respectivo. Além disso,
por exemplo, tom de pele de uma criança é diferente ao tom de pele de um adulto que é
diferente do tom de pele de um idoso, esteja sempre atento a raça e suas características.

Obs2: A pele humana, principalmente no rosto, esta composta de vários tons, as vezes até seis
tons diferentes para conseguir o realismo que você quer reproduzir na sua pintura. Lembrando
também, que as cores do ambiente como parede, janela e tudo que estiver proximo ao modelo
influencia na cor da pele, porque se reflectem na mesma.

Iniciando a Pintura
x 1º Passo
Para a base da pele, voce pode raspar o pastel Light Ocre deixando-o como pó. Não exagere
raspando em grande quantidade. Raspe de pouco em pouco.
Em seguida use um papel toalha para cobrir toda a pele do rosto do pescoço, orelhas e assim
por diante.
 x 2º Passo
Com o pastel White você marcará os pontos de luz na face para iniciar o
processso de volume e sombremaneto no rosto.
 Em seguida esfume tentando hamornizar as duas cores, voce pode continuar
com o papel ou iniciar usando o dedo. Pois o papel e retira uma parte do pastel
e com o dedo não.
Com o pastel light orange, pinte as áreas mais escuras observadas no modelo e em seguida
esfome apenas com os dedos.
Faça isso em toda a face, mistures cores como pastel seco Flash e Light Ocre novamente. E
sempre esfomando com os dedos.
Para sombras mais escuras voce pode mistruras cores como Earth brown e Light Ocre. A cor
base light ocre está sempre presente no processo da pintura equilibrando os tons mais fortes.
Feito isso, trocamos o giz para lápis pastel, que ajudará nos traços precisos e finos dos olhos,
cavidade do nariz, boca, sombrancelhas e assim por diante.
Se preferir ainda pode continuar usando o dedo para esfumar cada vez que acrescentar mais
pastel, mantendo sempre suave a pintura. mas para cantos dos olhos, além do dedo, voce
pode usar o contonete, mas só nas primeira plicações de pastel
Retorne com o branco para valorizar a luz refletida na face,,, pinte e esfume com o dedo todas
as vezes que for necessário até alcançar um tom de pele natural mas de acordo com o tom de
pele do modelo.
Daqui em diante, só será necessário acrescentar mais cor, esfumar sempre que usar o giz ,
fazendo retoques, com lápis pastel.

DICA IMPORTANTE: Evite assoprar na sua pintura

para não borrá-lo. Erga seu papel e balance-o com
cuidado ou bata no papel para que o pó caia. Nunca
passe a mão no pó que ficou no papel porque isso
pode borrar a sua pintura.

A pintura a pastel é muito delicada e demorada, deve-se ter paciencia para fazê-lo.
Durante o processo de aperfeiçoamento do tom de pelo, para facilitar a aplicação do giz pastel,
voce pode raspá-lo em uma base lisa e limpa, como um prato ou a sua própria mesa, as cores
que voce precisa e é só encostar seu dedo na cor que você escolher e levar direito a pintura
para somente esfumar.
Depois de caprichar bem o rosto, fazendo retoques e mais retoques, suavisando algumas
linhas que antes estão marcantes, como a linha do nariz, sobreando dentro dos olhos,
cuidando sempre do pontos de luz que exitem no rosto como nas bochechas, lábios e assim
por diante.
O rosto masculino normalmente tem uma pele azulada ou acinzentada na região do queixo,
mandibola, e buço, a cor que se deve usar nessas regiões para peles claras, eu sugiro usar o
pastel Bluish Grey.

x 3º passo
Agora vamos nos dedicar aos cabelos.

Nesse caso, o nível de dificuldade eu diria, fácil, pois é um cabelo liso, com alguns fios claros e
a concentração de luz na parte superior da cabeça, onde também há mais fios clarod do que
no restante do cabelo.
Faça o contorno e alguns fios com lápis pastel, depois use o giz para pintar somente a parte
escura, intercalando com cores semelhante as cores reais do cabelo do modelo, nessa pintura
foram usados Earth brown, Light Ocre e Cadmiun Yellow. Em seguida esfume com os dedos.
Será necessário retocar algumas vezes as mesmas cores, então faça isso aos pouco, e
esfume logo em seguida.
Feito isso, antes que conclua totalmente o cabelo você deverá pintar o fundo e uma parte da
roupa, mas se quiser manter o fundo sem cor, é só concluir o cabelo e seguir para a camisa.
Ao pintar o fundo é quando sua criatividade entra, voce pode fazer da maneira que achar
melhor, que irá harmonizar com o retrato... isso pode ser só de uma cor, como também pode
ser com outras cores.
Quando concluir o esfumado do fundo e da camisa, retorne para os cabelos e dê o
acabamento final.
Fça uma sequência de riscos, com duas ou tres cores, as mesmas que voce usou para pintar a
base do cabelo.
Nesse acabamento final, não é necessário esfumar, talvez um fio ou outro necessitará ser
esfumado suavemente, mas na maior parte do cabelo, não será.
Finalmente o acabamento da roupa. Após concluir os detalhes da roupa, o ideal é você
descansar os olhos, ou seja, tenha algum descanso para poder ter um novo olhar para sua
pintura e observar se realmente não precisa fazer mais alguns aprimoramentos, como retocar o
fundo, os olhos, os cabelos, o tom de pele e assim por diante.

Feito isso, voce pode considerar o seu quadro pronto e é só assinar.

Giz Pastel Seco
O pastel seco é um material muito antigo. Apresenta-se em barras cilíndricas ou quadradas.

O pigmento é misturado geralmente com goma-arábica (espécie de cola) que funciona como
aglutinante.

O resultado da técnica de pastel assemelha-se muito ao de uma pintura,especialmente se

olharmos à distância.

Apesar de ter uma imagem particular de algo suave, tênue e que pode desaparecer com um
sopro; a verdade é que o pastel pode ser utilizado tanto ao desenho quanto a pintura, ele pode
ser sutil, forte, agressivo, dinâmico e cheio de paixão.

Este material pode ser utilizado quase em qualquer suporte de papel, mas apresenta um
inconveniente na sua utilização, pois uma vez utilizado no suporte pode-se tornar um desafio
apagar parcialmente o Pastel Seco sem deixar vestígios.
Um pouco da história sobre o pastel seco

Esse tipo de pintura é conhecida desde o século XV e foi utilizada por famosos mestres da
pintura ocidental e imortalizada por Edgar Degas.
Porém o pastel é mais antigo do que se pode imaginar, com mais de 3000 anos encontrados
nas cavernas, onde os nossos ancestrais usavam pigmentação da terra como ocres e carvão
para criar imagens nas paredes. Lugares que poderemos considerar as primeiras galerias de
arte.

Mas é na Itália, nas mão do frances Jean Perréal (1450-1528/30), que se conheceu os pastéis
coloridos, os quais, Leonardo da Vince escreveu que encontrou Perréal e este lhe contou sobre
"uma nova técnica" de pintura com cores secas. As primeiras cores usadas por Da Vince
foram: preto, sanguinea, sépia e branco.
No século XVIII, a utilização do pastel ganha força com os pintores Rosalba Carriera e Maurice
Quentin de La Tour, estes artistas descreveram a técnica como uma ligação direta da mão com
a tela, não havia necessidade de desenhos anterios e poderia ser aplicado sem nenhum médio
e camadas sobre camadas imediatamente.
Rosalba Carriera
 Maurice Quentin de La Tour
Daí em diante muitos outros pintores utilizaram o pastel de acordo com seu estilos pessoais
como Delacrois, Miller, Manet, Monet, Renoir, Toulouse Lautrec, Whistler, Childe Hassam.
Gauguim, Picasso, Chagall, Pollock e Edgar Degas, mencionado no início desta postagem.
 Pintura à lápis de cor

O mundo dos lápis de cores

Lápis de cor tem uma infinidade de grandes atributos para oferecer ao artista iniciante ou
experiente. Eles são portáteis, não tóxico, fácil de usar, dependendo da marca e qualidade do
lápis de cor, eles podem ter um baixo custo ou não, e para aqueles interessados em explorar a
sua gama completa, eles são absolutamente indispensáveis.

Não tem segredo para pintar com lápis de cor, como a maioria das pessoas imaginam, mas há
técnicas de como usá-lo e a prática para elaborar pinturas bem feitas ou até mesmo
desenvolver novas técnicas de como pintar com os mesmos.

Demorei muito tempo para criar essa página de como pintar à lápis de cor, porque buscava
uma maneira simples de esclarecer dúvidas ou ensinar a pintar com eles. Devo mencionar, que
as técnicas apresentada nesta página não são as melhores ou única maneira de se pintar à
lápis de cor, quem já utiliza "profissionalmente" esse material em suas ilustrações,
normalmente tem sua própria maneira de manuseá-lo que aprendeu com o tempo de prática e
observação.
 Escolhendo o material
Se é a primeira vez que você está pintando à lápis de cor, então experimente um pequeno
conjunto de 12 ou 24 cores para ver se gosta do material. No Brasil há muitas boas opções
para atender todas as aplicações do desenho, como paisagens ou retratos. As marcas de
melhor qualidade são mais duradouras. Os lápis de cor são melhores para contornos e podem
sobrepor as cores de várias maneiras.

Use os lápis de cor para desenhar linhas de contorno e linhas

paralelas ou cruzadas para criar sombras, faça rabiscos,
sobreponha as cores ou desenhe linhas juntas para produzir
áreas de cor.
 Lápis

Existem três tipos básicos de lápis de cor. Os lápis a base de cera, que são os da imagem
acima, os lápis a base de óleo (conhecidos como giz de cera, algumas marcas importadas tem
seu corpo de madeira também, mas são como os giz de cera que conhecemos) e lápis solúveis
em água (que tem uma pasta de goma, que reage à água, semelhante à pintura aquarela), ou
seja os lápis aquareláveis. Cada marca de lápis tem características próprias que valem a pena
experimentar. Muitas lojas de artesanato ou de arquitetura vendem lápis individualmente,
marcando mais fácil para você misturar e combinar seus lápis, conforme necessário.

Eu uso marcas como: Faber Castell comum ou escolar, Staedtler, Polycolor (a base de cera) e
Mondeluz (aquarelável) da Koh-I-Noor. Essas marcas você poderá encontrar em qualquer loja
de materiais artísticos especializadas. As marcas como: Prismacolor, Derwent e Raffiné, que
também uso, não estão a venda no Brasil, só é possível comprá-los em sites internacionais de
venda como Ebay e Amazon.com ou outros similares.
 Borrachas

O sucesso de apagar suas marcas de lápis de cor depende de dois fatores principais: a cor da
linha de lápis e a quantidade de pressão que foi aplicada. Cores escuras tendem a manchar o
papel, tornando-os difíceis de remover, e as linhas pesadas são difíceis de apagar,
especialmente se a superfície do papel foi amassado. Eu costumo usar as borrachas Tombow
ou Staedtler (da direita para esquerda na imagem acima) para apagar grandes áreas borradas
com resíduos dos lápis que vão se espalhando conforme vai riscando o papel, principalmente
quando houve pressão do lápis sobre o papel durante a pintura. Para as áreas mais difíceis,
use uma borracha elétrica (canto da esquerda para a direita), que também é difícil de encontras
nas lojas brasileiras.
Não use borrachas de vinil para remover lápis de cor, o atrito entre a borracha e o papel pode
realmente retirar a cera do papel, mas também machuca o papel, estragando a qualidade da
sua arte.
 Apontador ou Estilete?

Com os apontadores, você pode conseguir vários efeitos, dependendo de como afiada ou
longa você quer a ponto do lápis, mas geralmente você vai querer manter seus lápis bem
apontados em todos os momentos. Apesar de ter apontador, eu raramente uso, porque eles
têm uma tendência a quebrar as pontas de lápis e triturar a madeira, mesmo sendo a melhor
marca de apontador portátil, mas alguns artistas gostam deles. Os apontadores elétricos são
os mais indicados tanto para lápis de cor como para lápis grafites, isso se você quer as pontas
sempre perfeitas e afiadas, porém são muito caros. Eu prefiro o estilete, pois me poupa de ficar
apontando várias vezes em curto tempo, normalmente faço pontas longas e não muito afiadas.
Para áreas muito pequenas que exige uma precisão dos riscos ou uma pintura bem delicada,
ou seja, pontas bem afiadas e se possível longas, eu uso as minas grafites (abaixo imagem 01)
para lapiseira 3.8mm da Koh-I-Noor que são vendidas em 24 cores e também avulso. Além
dessas, há as mina grafite 2.0mm, com bastante cores variadas também da Koh-I-Noor e a
mina grafite 0.7mm da Pentel, mas que infelizmente no Brasil encontramos apenas das cores
azul e vermelho. ( imagem 02)
Imagem 01

Mina grafite aquarelável koh-I-Noor

Imagem 02
 Lápis Incolor ou Misturador de Cores

Estas ferramentas são basicamente lápis de cor, mas sem qualquer pigmento,
e eles são ótimos para criar suaves misturas brilhantes. Depois de aplicar duas
ou mais camadas de cores diferentes, estes lápis quando riscados em cima da
área colorida, as cores se misturam. A superfície do papel vai se tornar um
pouco escorregadio depois de usar um misturador (blender), por isso todas as
cores que você adicionar sobre a camada onde foi utilizado o lápis incolor, irá
deslizar facilmente no papel. Essa técnica é chamada de "polimento"
(ilustração abaixo) é muito útil para fazer superfícies brilhantes em uma pintura
à lápis de cor, ou quando você quer deixar a pintura mais uniforme, lisa sem ter
que fazer pressão durante está colorindo seus desenhos.
 Infelizmente esses lápis misturadores de cores ainda não estão disponíveis no
Brasil, somente em site internacionais. Porém, há outra alternativa de fazer a
técnica de polimento, usando os marcadores coloridos, ou o marcador blender
(ilustração abaixo), que são vendidos avulso ou em estojos das marcas
promarker ou copic.
Marcadores Blender são ainda mais eficaz do que liquidificador lápis na mistura suas cores.
Eles trabalham para dissolver suas cores e misturá-los direito no papel, o que lhe permite
atingir uma aparência lisa.
 Papel

Sua escolha do papel é o fator mais importante na forma como o seu trabalho vai sair. Muitos
trabalhos não irão realizar-se aos rigores da aplicação de várias camadas de cor, de modo que
vale a pena tomar um tempo para testar um novo papel antes de investir muito tempo em um
projeto e acabar ficando frustrado e achar que pintar não é a sua praia. Se você está
planejando usar lápis aquareláveis e desmanchar sua pigmentação posteriormente, certifique-
se de usar papel de aquarela. Não há uma regra que diga qual é o melhor papel para pintar à
lápis de cor, o que há é como o artista gosta da textura de sua pintura. Tanto faz se o papel for
branco ou colorido, liso ou poroso, cada artista descobrirá o seu papel favorito para usar essa
técnica de pintura, por isso é sempre bom, investir em tipos de papeis de tonalidade, gramas e
marcas diferentes. Eu, particularmente, amo pintar em papéis coloridos e de 100 à 224g/m²,
marcas como Mi-teinte, Canson - linha universtária e Filiart Renaud são os meus favoritos.
 Materiais Extras

Os materiais extras podem ser muito importante no acabamento de sua pintura.

Um pincel de pó (1) pode ser muito útil para remover suavemente o resíduo do lápis de seu
papel, pois sua mão pode manchar as cores e se soprar no papel pode deixar gotas de saliva.
A fita crepe (2) pode ser usado para fixar o seu papel na mesa, evitando ficar girando o papel
enumeras vezes, onde haverá outros possíveis resíduos de lápis e sujando o seu papel frente
e verso.
Os lápis de cor policromos e aquareláveis ( quando a pintura for sem adição de água)
facilmente borram, então ao final da pintura, usar spray fixadores (3-5) pode ser de extrema
importância para durabilidade de sua arte, só não exagera na aplicação, pois alguns fixadores
podem deixar uma camada fina de névoa azul esbranquiçada ou amarelada de cera que pode
se desenvolver quando você trabalha com várias camadas de cor e aplica pressão no papel.
Sabe quando o lápis já está no seu finalzinho, que já é quase impossível de segurá-lo entre
seus dedos e continuar pintando? Pois bem, o prolongador de lápis (6) foi criado para isso,
para você poder aproveitar ao máximo do seus lápis de cor.
Se você não tem prática com estilete para deixar suas pontas bem finas, ou com apontadores,
que sempre acaba quebrando as pontas e ter que apontar novamente. Você pode usar a lixa
para lápis (4) tanto para grafites como para lápis de cores, se preferir, as lixas comuns para
madeira também serve.
E como toque final em sua pintura, vc pode dar alguns efeitos de luz usando a caneta Posca (7
- 8) branca ou preta ou qualquer outra cor que você queira dar mais destaque no seu trabalho.
 Como misturar e combinar as cores
Os lápis de cores são transparentes, porém não é possível misturar as cores
como se estivesse usando tintas ou pasteis. Para formar as misturas de cores,
você precisa criar camadas em cima de camada de cor.

Roda de cores

A roda de cores é uma ferramenta de referência útil para a compreensão das relações de
cores. Sabendo onde cada cor encontra-se no círculo de cores torna fácil entender como as
cores se relacionam e reagem uma com a outro.

Na imagem acima, A roda de cores básicas é formadas pelas três cores primarias e as
secundárias em fatias menores centralizadas nas cores terciárias.

Conhecendo um pouco sobre a teoria da cor básica pode realmente ajudá-lo no desenho com
lápis de cor.

*Exercício: Crie uma roda de cores básicas.

Para ter uma noção de como as cores funcionam juntas e se relacionam

entre si, faça uma roda de cores.
Use um prato para fazer o círculo e divida-o em seis fatias. Coloque as três
cores primárias (azul, amarelo e vermelho) em cantos opostos e distante um
do outro, ou seja, pintando uma fatia e a outra não. Nas fatias que ficarão
vazias, coloque as cores secundárias:

x Verde - formado por azul e amarelo

x Laranja - formado por amarelo e vermelho
x Violeta (ou púrpura) - formado por azul e vermelho

E pronto você terá sua primeira roda de cores básicas.

Você pode continuar a fazendo isso com uma roda maior dividido em 12 ou 24 fatias e continue
a misturar as cores primárias e cores secundárias juntas. quando misturamos as cores
primárias com as secundárias encontraremos as cores terciárias. Fazer uma roda de cores com
lápis de cor, não é necessário misturar as cores como foi falado anteriormente, pois num estojo
de 24 cores, pode se dizer que se encontrará as cores primárias, secundárias, terciárias e as
complementares, vc só precisa saber quais são cores corretas que pertencem a cada grupo.
 Cores Terciárias

Cores Complementares

As cores complementares são as duas cores em frente a outra na roda de

cores (como o vermelho e o verde, laranja e azul ou amarelo e roxo).

Usando Cores Complementares

Quando colocados lado a lado, as cores complementares ficam vivas, formando contrastes
interessantes. Usando uma cor complementar no fundo fará com que o desenho se destaque,
impressão de estar fora do papel.

Agora pratique bastante as combinações de cores, a imagem acima serve de exemplo para
você trabalhar, mas você também pode experimentar outras combinações.

Você também pode fazer um aquecimento antes de realmente pintar. Em um pedaço de papel
de rascunho, faça diferentes rabiscos e linhas, mude a pressão e tente segurar seu lápis de
diferentes maneiras.

A maneira como você segura o lápis terá um impacto direto sobre os traços que você fará.
Alguns rabiscos permitirá que você pressione com mais firmeza sobre o papel, resultando em
traços escuros, densos.
Bom, agora é só pegar seus lápis de cores e papel e praticar muuuuito. :)

Agora que você já tem uma certa prática de como segurar o seu lápis de cor vamos seguir com
algumas dicas básicas de dar volumes nos desenhos.
Seguindo Contornos
Para que os desenhos pareçam naturaia e e tenham volume e profundidade, os traços de lápis
de cor, e (se necessário traços subsequentes de água ou solvente, deve ser sempre aplicados
na mesma direção e seguir os contornos, textura ou grão do tema a ser colorido.

Adição de cor gradualmente

Independentemente da técnica, a cor é sempre adicionado de forma gradual, com o mínimo de
pressão possível e uma ponta de lápis afiada.

Aplicação pesada de pigmento feito tudo de uma vez vence a sua capacidade de utilizar
características exclusivas translúcidas de lápis de cor, porque eles são simplesmente
dominado.
Contaminação de cor
As cores podem ser contaminadas sem querer misturar uma com a outro.
Devido a translucidez do lápis de cor, a contaminação é mais perceptível
quando a cor escura é arrastado para uma cor clara, como mostra a imagem
abaixo. Para evitar a contaminação de áreas de cor mais clara, o ideal é
arrastar a cor clara para cor mais escura.
Pintando da escura para o mais claro
Pinte o valor mais escuro de uma área específica em primeiro lugar, e em
seguida, adicione cores mais claras na parte superior. A translucidez única do
lápis de cor permite que os valores mais escuros apareça através de cores
mais claras pintadas sobre eles, enquanto as cores mais claras mantêm a sua
visibilidade.
 Agora que tal usar esse mesmo exemplo e tentar pintar o seu próprio vaso, ou
desenhe qualquer outro o objeto no qual você poderá aplicar essa mesma
técnica.
 Como misturar e combinar cores com lápis de cor
Os lápis de cores são transparentes, porém não é possível misturar as cores
como se estivesse usando tintas ou pasteis. Para formar as misturas de cores,
você precisa criar camadas em cima de camada de cor.

Roda de cores

A roda de cores é uma ferramenta de referência útil para a compreensão das relações de
cores. Sabendo onde cada cor encontra-se no círculo de cores torna fácil entender como as
cores se relacionam e reagem uma com a outro.

Na imagem acima, A roda de cores básicas é formadas pelas três cores primarias e as
secundárias em fatias menores centralizadas nas cores terciárias.

Conhecendo um pouco sobre a teoria da cor básica pode realmente ajudá-lo no desenho com
lápis de cor.

*Exercício: Crie uma roda de cores básicas.

Para ter uma noção de como as cores funcionam juntas e se relacionam

entre si, faça uma roda de cores.
Use um prato para fazer o círculo e divida-o em seis fatias. Coloque as três
cores primárias (azul, amarelo e vermelho) em cantos opostos e distante um
do outro, ou seja, pintando uma fatia e a outra não. Nas fatias que ficarão
vazias, coloque as cores secundárias:

x Verde - formado por azul e amarelo

x Laranja - formado por amarelo e vermelho
x Violeta (ou púrpura) - formado por azul e vermelho

E pronto você terá sua primeira roda de cores básicas.

Você pode continuar a fazendo isso com uma roda maior dividido em 12 ou 24 fatias e continue
a misturar as cores primárias e cores secundárias juntas. quando misturamos as cores
primárias com as secundárias encontraremos as cores terciárias. Fazer uma roda de cores com
lápis de cor, não é necessário misturar as cores como foi falado anteriormente, pois num estojo
de 24 cores, pode se dizer que se encontrará as cores primárias, secundárias, terciárias e as
complementares, vc só precisa saber quais são cores corretas que pertencem a cada grupo.
 Cores Terciárias

Cores Complementares

As cores complementares são as duas cores em frente a outra na roda de

cores (como o vermelho e o verde, laranja e azul ou amarelo e roxo).

Usando Cores Complementares

Quando colocados lado a lado, as cores complementares ficam vivas, formando contrastes
interessantes. Usando uma cor complementar no fundo fará com que o desenho se destaque,
impressão de estar fora do papel.
Agora pratique bastante as combinações de cores, a imagem acima serve de exemplo para
você trabalhar, mas você também pode experimentar outras combinações.

Mas faça um aquecimento antes de realmente pintar. Em um pedaço de papel de rascunho,

faça diferentes rabiscos e linhas, mude a pressão e tente segurar seu lápis de diferentes
maneiras.

A maneira como você segura o lápis terá um impacto direto sobre os traços que você fará.
Alguns rabiscos permitirá que você pressione com mais firmeza sobre o papel, resultando em
traços escuros, densos.
Bom, agora é só pegar seus lápis de cores e papel e praticar muuuuito. :)
 Pintura com canetas marcadores.
A primeira vez que eu usei um marcador foi em 2012. Eu comprei um conjunto de marcadores
Pomarker da Letraset para usar junto a minhas pinturas com lápis de cor. Mas eu me apaixonei
por eles e comecei a usar somente eles para desenhos mais avançados. E atualmente tenho
uma coleção dessas canetas, não só as promarkers, mas também a flexmarker e aquamarker
da Letraset, que dão efeitos de pintura realistas incrível.

Pintura aquarela sempre foi um dos meus estilos favoritos, mas quase não venho praticando,
por conta da demanda de trabalhos com grafite, pasteis e lápis de cor e então, quando
descobri os marcadores eu fiquei muito ansiosa e entusiasmada ao perceber que eu poderia
usar uma técnica semelhante da aquarela com os marcadores ao colocar as cores em
camadas e mistura-los juntos. :)

Para trabalhar com os marcadores, eu tenho que ter um esboço já corrigido e perfeito dentro
do meu ponto de vista satisfatório antes de eu comece a colorir com eles, pois a tinta não é
apagável. Mas se eu quero adicionar alguns destaques extras em algum lugar mais tarde, é só
usar uma caneta de tinta pigmentada a base de água.

Eu gosto de construir a cor da luz para mais escuro com muitas camadas, se você for
relativamente rápido para colorir, você pode misturar as cores ficando tons bem agradáveis ou
ter uma superfície lisa muito boa.

Infelizmente ainda não deu para preparar um tutorial sobre essa técnica de pintura com
marcadores, mas eu tenho algumas imagens para vocês terem uma ideia de como a pintura
com marcadores é iniciada. :)

Red Sonja
Phoenix - X-Men
Mulher Maravilha
 Mulher Maravilha
____________________________________________________________________________
Pin Up
Harley Quinn / Alerquina
 Não tenha medo dos marcadores e acumule experiências, é apenas um desenho e, às vezes
você tem que fazer um monte de erros para descobrir novas maneiras de trabalhar com eles e
obter o efeito desejado.

Os marcadores são maravilhosos de trabalhar e se aprender a usá-los, terá resultados muito

satisfatórios, é uma pena que ainda são muito caros no Brasil . :/ Mesmo assim, investir em
minha arte sempre será minha prioridade profissional. :)
 Pintura à Lápis de Cor
Lápis de cor não é como uma pintura à tinta.

Lápis de cor dá uma incrível satisfação de trabalhar, em parte porque é tão facilmente
manipulado e controlado. A maneira como você afia o lápis, a maneira como você segura-o e
a quantidade de pressão aplicada, afetam os traços criados.

Com lápis de cor, você pode criar tudo a partir de misturas suaves para destaques brilhantes
nas texturas realistas .
Depois de conseguir aprender o básico de como pintar à lápis de cor, você será capaz de
escolher qual técnica irá capturar qualidades únicas de seu modelo para pintá-lo. Existem
tantas técnicas na arte de lápis de cor, pois há efeitos e quanto mais você praticar e
experimentar, mais potencial você vai ver nas imagens que o inspiram.

Brevemente a nova página " Como pintar à Lápis de cor" será adicionada no blog, contendo
tudo sobre essa técnica que parece difícil para alguns, e para outros impossível de
conseguirem esses incríveis efeitos coloridos. Mas nessa postagem eu adiantarei uma dica,
talvez a principal, de como dar volume na pintura à lápis de cor.

Você não pode simplesmente adicionar mais cor sobre outra quando você quer que esta seja
mais escura. Para escurecer um tom na pintura à lápis de cor você tem que usar pressão para
aplicar uma sobre a outra, com uma tonalidade mais escura. Nas áreas claras, a pressão sobre
o lápis só deixará a pintura mais uniforme. Mas é através da prática que você irá desenvolver
um controle para mudar a pressão sobre o lápis até conseguir o efeito desejado.

Então, pratiquem muuuuito. :D E não esqueçam de sempre observar de onde vem a luz.
 Supergirl

Hera Venenosa

X- MEN Tempestade
A artista Leida Nogueira

Com 12 anos de idade, eu tive meu primeiro contato com o desenho figurativo. Mas a paixão
pelo desenho já iniciara bem antes disso.

O que me encantou foi a magia de transformar os meus esboços em desenhos mais realistas
dando forma e volume no papel através do sombreamento.
Quando eu descobri o desenho acadêmico e suas técnicas, eu percebi que eu seria capaz de
representar igual ou bem próximo da realidade.

Por alguns anos me preocupei em fazer uma cópia perfeita dos rostos que desenhava, mas os
desenhos ficavam sem expressão, ou seja, por mais que eu fizesse tudo dentro das regras,
parecia que faltava mais alguma coisa. Após me dedicar diariamente a estudar luz e sombra,
eu consegui, aos poucos captar a expressão na face de cada rosto que desenhava.
A mudança da maneira de desenhar e da forma de observar o que eu desenhava
mudou alguns anos depois, quando iniciei meus estudos seriamente com os mestres dos livros
de desenhos realistas, e mais posteriormente, com outros livros de outros mestres em
ilustração, quadrinhos, animação e pintura digital.
Aprendi a observar com os desenhos deles, os esboços, tentando expressar da mesma
maneira que eles expressavam em seus desenhos e suas pinturas, até iniciar minhas próprias
criações e estilo. De alguma forma, senti que ainda havia muito a aprender e melhorar. E
também, observava desenhistas em praças públicas e feiras, como eles iniciavam seus risco,
como sombreavam, e novamente dedicava horas treinando o que havia memorizado, cada
movimento, risco, esfumado, pinceladas desses artistas veteranos.
Daí em diante, uma das minhas primeiras aprendizagens significativas é que descobri dois
tipos de artistas: os que apenas expressam tudo que reproduzem e aqueles que se expressão
no que reproduzem. Eu acho que me identifico com o segundo grupo de artistas, pois eu não
gosto de seguir padrões, quero deixar a arte fluir, sem me preocupar com a precisão de um
desenho realista, mas sim, com a expressão que pode ser ilustrada nos meus desenhos ou
pinturas, pois vi, que foi através da minha habilidade para artes visuais, que encontrei a
maneira mais incrível de me expressar e me comunicar com o mundo, já que nunca fui muito
boa em me expressar com palavras.
Acho que ainda tenho que melhorar mais, expressar mais sentimentos em cada rosto ou
ilustração que eu desenhar ou pintar, sendo realista ou não, fazer com que minha arte torne-se
uma inspiração para artistas iniciantes ou apenas admiradores.