Não importa se você prefere jazz, rock, country western, hip hop ou

música clássica. Para compor, arranjar ou improvisar belas músicas, músicos

deve entender como construir e criar frases melódicas. Melodias comunicam,
desafiar, inspirar, revelar, desenvolver e transmitir a intenção emocional de quem toca e compondo-
os. A melodia é o denominador comum em toda boa música que permite ouvintes para conectar e
compreender as mensagens emocionais do artista ou compositor.
O que torna uma melodia de qualidade? Os filósofos refletiram sobre esta
questão por séculos. Talvez não haja uma resposta definitiva, mas a fim de criar
melodias improvisadas, os músicos devem primeiro compreender três das características que partes
de melodias de qualidade.

a. As melodias são estilisticamente apropriadas para seu idioma.

b. As melodias contêm estrutura em linhas e frases.
c. As melodias comunicam a intenção aos ouvintes.

No decorrer deste livro, os leitores examinarão e praticarão cada um dos itens acima elementos em
detalhes. Ao compreender as semelhanças subjacentes que as melodias compartilham,músicos
aprenderão as habilidades necessárias para improvisar melodicamente em qualquer estilo ou idioma.
Todos os esforços criativos, incluindo improvisação de jazz, ocorrem dentro da estrutura. Para
alcançar um resultado criativo, uma pessoa faz escolhas dentro de um conjunto de limites dados que
levar a um resultado inesperado. A estrutura está sempre inerentemente presente quando as
escolhas criativas são feitas, embora nem sempre seja óbvio. As estruturas que limitam as escolhas
criativas podem variar amplamente. Regras da natureza, nível de habilidade e capacidade de escolher
conscientemente um curso de ação sobre o outro, todas inerentemente criam limites e limitações
para Atividades.
Muitas vezes as pessoas acreditam que são mais criativas quando percebem menos limitações
estruturais. Eles acreditam que inúmeras possibilidades levam a inúmeras escolhasque, por sua vez,
levam a um resultado criativo. Infelizmente, o ato de navegar por estesinúmeras escolhas podem
levar as pessoas à inação ou a resultados criativos desfavoráveis. No realidade, escolhas altamente
estruturadas e limitações geralmente levam ao melhor criativo resultados. Por exemplo, um músico
com habilidade técnica moderada pode passar horas livremente
improvisando na esperança de tocar um solo fantástico, mas muito dessa esperança será baseada na
chance de tropeçar em uma ótima ideia musical. Aplicando harmônico ou da estrutura melódica à
improvisação, o músico diminui muito a quantidade de escolhas disponível, mas aumenta muito a
probabilidade de tocar um solo aceitável. Por todo neste livro, os músicos irão praticar e aplicar
conceitos de fraseado melódico que adicionam estrutura para solos, limitando a localização e a
intenção das frases improvisadas. Controlando e estruturando esses aspectos básicos da
improvisação, os músicos ganham as ferramentas necessárias para criarsolos melodicamente ricos.
A improvisação de solos melodicamente ricos apresenta um desafio único e uma referência para
músicos inexperientes. A pedagogia improvisada varia muito, mas uma grande parte do normalmente
consiste em educar um músico na vasta gama de escolhas harmônicas que existem na música. Uma
vez cientes dessas escolhas harmônicas, os músicos se envolvem em aprendizagem experiencial e
descoberta acidental em seu instrumento. A maioria dos músicos aprende os conceitos melódicos
inerentes à improvisação por meio da aprendizagem experiencial,
descoberta acidental e horas ouvindo e analisando grandes solos. O processo de
explorar e ouvir jazz é um direito de passagem conquistado para músicos e seu valornão pode ser
subestimado, mas pode ser aprimorado e acelerado pelo entendimento conceitos de fraseado
melódico que existem na improvisação.
A aplicação de conceitos de fraseado melódico ajuda a agilizar o criativo
processo que os músicos de improvisação iniciantes usam. Ao longo dos anos, tenho trabalhado com
centenas de músicos de nível intermediário que, apesar de terem um conhecimento competente de
técnica, harmonia de jazz e seu instrumento, diga "Eu não sei o que tocar" quando confrontado com
um ambiente improvisado desconhecido. Quando confrontado com a variedade estonteante de
escolhas harmônicas e melódicas disponíveis, algumas pessoas são incapazes de dar o salto criativo
necessário apenas “pular” para a improvisação. Muitas vezes essas pessoas desenvolvem o equívoco
de que eles não são criativos ou simplesmente não foram feitos para o jazz. Pelo contrário, esses
alunos são certamente criativos e sua situação não é incomum.
Muitos desses iniciantes estão sobrecarregados com a quantidade de escolhas e criativas decisões
que ocorrem durante a improvisação. Esses iniciantes exigem ainda mais estrutura em sua
improvisação para agilizar e facilitar a tomada de decisões criativas. Esses músicos podem se
beneficiar da aplicação de conceitos rigorosos de fraseado melódico enquantoimprovisando. A
aplicação de estruturas de fraseado melódico muda o improvisador foco desde “o que” eles estão
jogando até “quando” e “como” eles estão jogando. Esta a mudança de foco limita as escolhas que os
improvisadores iniciantes enfrentam e permite que eles concentre sua criatividade em objetivos
simples e mensuráveis:
Eles usaram os elementos de estilo adequados?
Eles tocaram no lugar correto?
Eles tocaram com intenção melódica?
Aprender técnicas de fraseado melódico antes de embarcar nas técnicas e
lado harmônico da improvisação pode ajudar músicos de todos os níveis a desenvolver confiança,
ecompreensão da linguagem de improvisação, e a consciência de fraseado necessária para sucesso
na improvisação de jazz mais técnica.

Como usar este livro

Praticamente todos os recursos que estão atualmente disponíveis para o início da aprendizagem
improvisação enfoca o aprendizado de técnica e harmonia, oferecendo apenas orientação sobre
estilo, fraseado, conteúdo criativo e intenção de improvisação. Alternativamente,este livro foi
projetado para ensinar músicos iniciantes e intermediários a fraseado e técnicas criativas que são
necessárias para criar solos excelentes, sem imediatamente focando nos aspectos técnicos e
harmônicos da improvisação.
O primeiro oito capítulos deste livro demonstram exclusivamente conceitos de fraseado melódico
usando o escala de blues, não as alternativas harmônicas disponíveis durante a improvisação. O mais
tarde capítulos neste livro apresentam harmonia e exercícios para a técnica apenas uma vez que o as
habilidades melódicas dos capítulos anteriores foram dominadas.
Este livro foi projetado para funcionar tão bem como um livro didático de sala de aula recurso para
iniciar a improvisação de jazz e como um tutor autoguiado de música melódica improvisação.

Para indivíduos
Este livro oferece um método passo a passo para compreender e explorar jazz
improvisação apropriada para músicos iniciantes e intermediários. Cada
capítulo é progressivamente difícil e baseia-se nas habilidades dominadas nos capítulos anteriores.
Os iniciantes devem trabalhar os capítulos lentamente e para melhorar com sucesso Habilidades.
O livro se concentra no uso da escala de blues para desenvolver o fraseado essencial e habilidades
estilísticas necessárias para progredir para uma improvisação mais avançada. Iniciantes deveriam
trabalhar sequencialmente por meio dos exercícios de improvisação no livro usando a escala de
blues,
domine cada exemplo sozinho e crie e componha seus próprios exemplos onde for instruído. Aqueles
que desejam expandir sua consciência harmônica do blues podem fazê-lo no
Exercícios para áreas de Exploração Continuada no final de cada capítulo. Incluído com oo livro é um
CD. O disco apresenta gravações play-a-long para prática de improvisação e solos de demonstração
para virtualmente todos os exemplos de solo neste livro.
Os iniciantes precisam ser pacientes enquanto desenvolvem as habilidades e hábitos necessários
para improvisação melódica. O processo não pode ser apressado. Com prática dedicada, iniciantes
pode-se esperar que demore de seis a doze meses para dominar e internalizar todos os conceitos em
este livro.

Para grupos e classes

O livro foi elaborado para atender a todas as estruturas nacionais estabelecidas
para educação musical. Ao longo deste livro, os leitores são incentivados a cantar,
executar, improvisar, compor, ler à primeira vista, notar, ouvir, analisar, criticar e conectar
improvisação para a linguagem e as artes. O livro consiste em progressivamente difícil capítulos que
desenvolvem as habilidades que os músicos precisam para improvisar melodicamente. No fim de
cada capítulo, os exercícios para exploração contínua encorajam os leitores a ouvir e avalie gravações
de jazz, expanda sua técnica com exercícios desafiadores e criticamente
discutir e avaliar os tópicos de cada capítulo.
Este livro foi elaborado para ser um companheiro tanto para o primeiro quanto para o segundo ano
aulas ou conjuntos de improvisação. Os músicos que usarem este livro obterão uma avaliação
completa compreensão de como construir frases melódicas dentro da improvisação de jazz,
ganhofluência técnica dentro de um blues de doze compassos e internalizar as habilidades de
fraseado melódico
e técnicas necessárias para uma transição bem-sucedida para um foco mais harmonioso
Com prática dedicada, uma classe ou grupo pode esperar obter resultados positivosresulta em um
ano letivo usando este livro.

Para músicos avançados

Músicos avançados já desenvolveram as habilidades técnicas e harmônicas
precisava ir além da escala de blues e aplicar as alternativas de escala de acordes
adequadasenquanto improvisava. Muitas vezes, músicos que possuem habilidades técnicas podem
não tersuficientemente desenvolvido fraseado e habilidades melódicas. Como intermediário e
avançado músicos trabalham neste livro, eles devem primeiro tocar cada exercício usando uma
escala de blues
a fim de internalizar a estrutura do fraseado e, em seguida, aplicar escalas de acordes e
harmônicosalternativas. Freqüentemente, músicos avançados acham um desafio eliminar aspectos
técnicos e aspectos harmônicos da improvisação e foco apenas no fraseado e na estrutura. Este livro
cria oportunidades para os músicos praticarem o fraseado essencial, motivic e habilidades melódicas
necessárias para se destacar na improvisação. Todas as habilidades desenvolvidas podem ser
posteriormenteaplicado a qualquer gênero, estilo ou forma.
Espero que você ache este livro desafiador e útil em sua exploração do jazz
improvisação.
Brian Kane

Capítulo um:
Articulação, sensação de balanço e Inflexão Estilística

As articulações e inflexões estilísticas que os músicos usam ao improvisar

têm um enorme impacto na qualidade audível da melodia. Articulação e estilística
inflexões adicionam caráter, emoção e sensação rítmica às frases. Em muitos casos, oa qualidade de
uma ideia melódica é determinada mais pelo estilo e ornamento usados do que pelo notas reais que
um músico escolhe tocar. O uso de nuances estilísticas e articulação ajudam para formar a
personalidade musical de um improvisador. A fim de integrar o estilo adequado inflexões e
articulações em improvisação, os músicos devem trabalhar duro para fazer seus
usar o habitual. A seguinte série de regras e descrições sobre articulações e
inflexões estilísticas se aplicam aos estilos de jazz mais comuns. Cada regra, especialmente aquelas
em jazz, tem exceções, mas músicos iniciantes que trabalham para tornar as seguintes regrasparte
permanente de sua interpretação notará uma melhora significativa em seu estilo maturidade.

Articulação em Improvisação
As seguintes regras para articulações no jazz podem ser aplicadas a todos os instrumentos.Embora
existam variações dessas regras, músicos de nível iniciante e intermediário quetornar essas regras
um hábito melhorará significativamente seu estilo. A maneira mais fácil de músicos para praticar e
melhorar as articulações é vocalizando, ou dizendo articulação padrões em diferentes contextos. A
vocalização ajuda os músicos a entender como as articulações deve soar em diferentes ambientes e
incentiva seu uso habitual. Palavras para ajudar
músicos vocalizam as articulações estão incluídas em cada exemplo. Em todo o jazzidioma existem
muitas variações para articulação com uma sensação de swing.

Os seguintes exemplos representam algumas das articulações mais comuns e práticas e ajudarãoos
músicos criam um estilo apropriado para o restante deste livro.
1. Colcheias seguidas de pausas são staccato ou curtas. Para vocalizar o seguinte
padrão de colcheia, diga "Do-Dut" ou "Too-Tut".

Exemplo Um 2. Ao
articular tercinas que estão todos na mesma nota, articule os dois primeiros
legato e o último staccato. Ao articular tercinas que mudam notas,
articule o primeiro legato, gagueje com o segundo e faça o último staccato. Para
vocalize o seguinte padrão de trigêmeo, diga "Do-do-dut" ou "Too-too-tut" para
trigêmeos repetidos e "Do-ooh-dut" ou "Too-ooh-tut" para trigêmeos em diferentes

3. Ao articular colcheias que começam em uma batida forte, articule a primeira batida forte
legato, o próximo legato up-beat e cada legato up-beat seguinte. Não
articule qualquer down-beat diferente do primeiro. Quando colcheias são repetidas em
a mesma nota, articula todas as colcheias legato, a menos que sejam seguidas por uma pausa. Para

vocalize o seguinte padrão de colcheia, diga "Do-do-ooh-do-ooh-do" etc. ou

“Too-too-ooh-too-ooh-too-ooh-too” etc.

4
Ao articular colcheias que começam em um up beat, articule a primeira colcheia
note legato e, em seguida, cada colcheia seguinte em um legato de batida acelerada. Quando
colcheias são repetidas na mesma nota, articule-as todas legato, a menos
seguido por um descanso. Para vocalizar o seguinte padrão de colcheia, diga “Do-ooh-doooh-
fazer ”etc. ou“ Too-ooh-too-ooh-too-o-too ”etc.

Essas regras para articulações estilísticas são notadas em todos os exemplos solo ao longo
este livro. Pratique-os em cada exemplo sozinho, mas também tente fazer seu uso habitual
durante a improvisação.

Criando uma sensação de swing na improvisação

O uso de uma sensação de swing é um componente essencial da improvisação melódica. Em um
sensação de swing, os músicos interpretam colcheias e síncopes de maneira diferente do que em
outras estilos de música. Uma sensação de swing virtualmente nunca é escrita. Este tipo de estilística
a interpretação é deixada ao critério do músico e deve se tornar uma parte habitual de um repertório
do músico. O uso correto de uma sensação de swing fará os músicos soarem mais
autêntico e maduro durante a improvisação.

Swing Eighth Notes

As colcheias não são ritmicamente, mesmo em um estilo de swing. Colcheias em batidas fortes
recebem uma subdivisão maior da batida, enquanto colcheias em up beats recebem um ligeiro
sotaque e articulação. Ao tocar colcheias em estilo swing, os músicos deve subdividir cada batida em
trigêmeos.
Primeiro toque o seguinte compasso com trigêmeos:

Para criar uma sensação de swing, adicione laços às duas primeiras notas de cada tercina.
Colcheias tocadas com uma sensação de swing soam como o exemplo sete. Em swing jazz em tempos
lentos e médios, os ritmos do exemplo sete devem soar iguais se interpretado corretamente.

Exemplo Sete

O tempo em que uma composição ou solo é reproduzido afeta o grau em que

colcheias são balançadas. Em ritmos mais lentos, não é incomum exagerar o swing
sentir enfatizando ainda mais a primeira das duas colcheias. Em tempos mais rápidos, a sensação de
swing de colcheias diminui muito e as notas retornam a uma subdivisão relativamente igual.
4. Ao articular colcheias que começam em uma UpBeat, articule a primeira colcheia
Observe o legato e a cada colcheia seguinte em um legato de batida acelerada. Quando colcheias são
repetidas na mesma nota, articule-as todas legato, a menos que seguido por uma pausa. Para
vocalizar o seguinte padrão de colcheia, diga “Do-ooh-doooh- fazer ”etc. ou“ Too-ooh-too-ooh-too-o-
too ”etc.

Essas regras para articulações estilísticas são notadas em todos os exemplos de solo ao longo
este livro. Pratique-os em cada exemplo sozinho, mas também tente fazer seu uso habitual
durante a improvisação.

Criando uma sensação de swing na improvisação

O uso de uma sensação de swing é um componente essencial da improvisação melódica. Em um
sensação de swing, os músicos interpretam colcheias e síncopes de maneira diferente do que em
outras estilos de música. Uma sensação de swing virtualmente nunca é notada. Este tipo de estilística
a interpretação é deixada ao critério do músico e deve se tornar uma parte habitual de um repertório
do músico. O uso correto de uma sensação de swing fará os músicos soarem mais
autêntico e maduro durante a improvisação.

Swing de semicolheias

As colcheias não são ritmicamente, mesmo em um estilo de swing. Colcheias em batidas fortes
recebem uma subdivisão maior da batida, enquanto colcheias em downbeat recebem um ligeiro
sotaque e articulação. Ao tocar colcheias em estilo swing, os músicos deve subdividir cada batida em
tercinas.

Primeiro toque o seguinte compasso com tercinas:

Para criar uma sensação de swing, adicione ligaduras às duas primeiras notas de cada tercina.

As colcheias tocadas com uma sensação de swing soam como o exemplo sete. Em swing jazz em
tempos lentos e médios, os ritmos do exemplo sete devem soar iguais se devidamente interpretado.

O tempo em que uma composição ou solo é reproduzido afeta o grau em que

colcheias são balançadas. Em ritmos mais lentos, não é incomum exagerar o swing
sentir enfatizando ainda mais a primeira das duas colcheias. Em tempos mais rápidos, a sensação de
swing de colcheias diminuem bastante e as notas retornam a uma subdivisão relativamente igual

Sincope no swing feel

Interpretar a sincope em um estilo swing apresenta uma interpretação única

desafio para músicos. Em um estilo de swing, notas sincopadas ou fora do ritmo podem ter diferentes
articulações estilísticas dependendo do ritmo de uma música ou solo. São numerosos exceções para
os exemplos a seguir, particularmente na execução em conjunto, mas em geral essas regras criam
articulações de swing autênticas em sincopações durante a improvisação.
Em uma composição up-tempo (geralmente mais rápido do que MM = 112), notas semínimas fora do
ritmo na sincopação são articulados em staccato ou curto. Os exemplos a seguir mostram dois ritmos
que têm as articulações corretas notadas para um andamento rápido.
No exemplo oito, o colcheias de menor valor rítmico na batida forte são articuladas com um legato
articulação enquanto as semínimas, de valor rítmico mais longo, são articuladas com um articulação
em staccato.

Em tempos de swing mais lentos (geralmente mais lentos do que MM = 112), o inverso estilístico
freqüentemente ocorre. As notas que antes eram articuladas como staccato revertem para legato
articulação. Observe as diferentes marcações de articulação nos mesmos exemplos em um ritmo
mais lento tempo.

Inflexões de estilo na improvisação

Os músicos de jazz usam inúmeras inflexões estilísticas para aprimorar os solos. Há uma variedade
de diferentes maneiras de tocar e anotar cada tipo de inflexão estilística. Alguns dos mais as inflexões
e notações estilísticas comumente usadas estão listadas abaixo.

Scoops- Scoops são talvez a inflexão de jazz mais comum. Uma colher é uma curva abordagem antes
de uma nota. Em instrumentos de sopro, conchas são normalmente criadas por meio de ajustes
individuais de embocadura, slide ou válvula. Universalmente, os furos podem ser vistos como notas
de graça de abordagem cromática. Aprendizagem por meio do uso de notas de abordagem cromática
têm benefícios significativos. Primeiro, escavando usando um cromático
nota elimina alguns dos problemas significativos de entonação que podem ocorrer quando músicos
de sopro iniciantes e intermediários fazem alterações em suas embocaduras.
Em segundo lugar, os músicos iniciantes são capazes de captar qualquer nota de forma eficiente em
seus instrumento independentemente do registro. Terceiro, todos os músicos, independentemente
da experiência ou instrumento são capazes de integrar a inflexão facilmente em sua execução. Isso é
como os furos serão notados neste livro:
Turns- Para executar uma curva nas semínimas, toque uma nota e, em seguida, toque rapidamente a
próxima nota diatônica ascendente. É assim que as curvas serão notadas neste livro e como elas
pode ser jogado:

Glissandos- Glissandos são o resultado de uma rápida ascensão ou descida de um diatônico ou

escala cromática. Glissandos são usados para conectar notas durante a improvisação. Glissandos
pode ser de qualquer comprimento ou velocidade. Os glissandos podem ser difíceis de executar
porque exigem
proficiência com escalas maiores ou cromáticas. Apesar desta dificuldade técnica,
os glissandos são uma importante inflexão estilística. É assim que os glissandos serão notados em
este livro e como eles podem ser tocados:

Exemplo 12

Falls- A queda típica começa com uma nota (que vai cair), seguida por uma queda drástica
diminuir o volume durante a reprodução de uma escala descendente diatônica ou cromática. Em
latão instrumentos, as quedas são tocadas usando movimentos de meia válvula ou deslizamento em
vez de focar em notas cromáticas ou diatônicas individuais. A chave para uma queda eficaz é que a
nota mais alta é a primeira e a nota mais suave é a última. As quedas podem ir em qualquer direção,
sejam longas ou curtas, lento ou rápido. As quedas que se movem de forma ascendente são muitas
vezes referidas como "doits" para imitar o som que eles criam. Normalmente, quedas são usadas no
final das frases. É assim quedas serão notadas neste livro e como elas podem ser tocadas:

Trills - os trinados são uma alteração rápida entre as notas que são meio tom ou passo inteiro
separado. Trinados não são tão comuns quanto as outras inflexões estilísticas mencionadas, mas
podem
ser eficaz quando usado de forma conservadora. É assim que os trinados serão notados neste livro e
como eles podem ser tocados:
Exemplo 14:

Shakes- Shakes são uma alteração rápida de notas que são maiores do que um passo inteiro de
distância. Os shakes mais comuns usam um terceiro intervalo menor, mas podem consistir em
qualquer intervalo de intervalo combinação. Em instrumentos de sopro como trompete e trombone,
shakes nem sempre usam o mesmo intervalo. Nestes instrumentos, os músicos devem passar para a
próxima disponível parcial usando o mínimo possível de movimentos de válvula ou corrediça. É assim
que os shakes serão notados neste livro e como eles podem ser reproduzidos:
Exemplo 15

Essas inflexões estilísticas e regras para articulações ajudarão os músicos durante

improvisação. Se o objetivo da improvisação melódica é se comunicar usando um
instrumento em vez de uma voz, então as inflexões e articulações estilísticas criam o sotaque e
personalidade dessa voz. Faça o uso de inflexões e articulações estilísticas a parte habitual do jogo.
Os músicos devem se esforçar para improvisar com um sotaque musical que demonstra uma
compreensão madura da sensação e nuance do jazz.

1. Aplique articulações de swing a todas as escalas maiores, menores, blues e modais na

apêndice de técnica deste livro. Comece a praticar essas escalas agora para desenvolver
competência.

2. Pratique cantando as escalas e padrões usando as regras para swing

articulações e inflexão estilística. Isso ajudará a internalizar seu uso quando
jogando.

3. Pratique cantando frases e estudos usando as inflexões estilísticas deste

capítulo. Preste atenção ao som das inflexões e como elas alteram o
qualidade das frases. Lembre-se, se você não consegue se lembrar de cantá-lo, você não vai
lembre-se de jogar.

4. Toque o seguinte estudo de blues de doze compassos:

5. Toque o estudo acima e adicione as seguintes inflexões estilísticas. Anote o

inflexões que você usará. Crie vários exemplos que usam estilos diferentes
inflexões em diferentes locais. Explore como o uso de inflexões de estilo pode alterar
o som de uma melodia.

a. Scoop
b. Turns
c. Falls
d. Glissandos
e. Outras inflexões

6. Toque sua composição de jazz favorita e adicione inflexões estilísticas para ver como
alterar. Tente tocar estudos e exercícios dos livros Jazz Path Jazz Style and Technique and Creative
Jazz Sight para focar no desenvolvimento correto
articulações de swing e inflexões de jazz.

7. Ouça estes dois exemplos da mesma composição: *

Louis Armstrong-Blues in the Night
Ella Fitzgerald-Blues in The Night

a. Que inflexões estilísticas você ouve quando Louis Armstrong canta o

melodia?
b. Que inflexões estilísticas você ouve no piano compor atrás do
vocalista da Louis Armstrong Recording?
c. Que inflexões estilísticas você ouve quando Ella Fitzgerald canta o
melodia?
c. Que inflexões estilísticas você ouve no arranjo de big band por trás
Ella Fitzgerald?

Discutir:
a. Como os arranjos são diferentes?
b. Como as inflexões usadas pelo vocalista mudam a sensação geral do
canções?
c. Qual versão da música você prefere? Por quê?
d. Você acha que algumas inflexões estilísticas mais apropriadas para certos
instrumentos ou vozes?
e. Que outras inflexões estilísticas você já ouviu em outros tipos de música?
f. No Rock n 'Roll?
g. Na música country?
h. Na música clássica?
eu. No hip-hop?
j. Você pode encontrar exemplos para apoiar suas afirmações?

8. Improvise solos vocais nas faixas de dois a cinco do CD play-a-long para

prática para ajudar a internalizar as regras para inflexões estilísticas e articulação do balanço.
A maior parte do escopo e da sequência deste livro se concentra no desenvolvimento do
estruturas de fraseado e habilidades necessárias para improvisar melodicamente dentro de um blues
de 12 compassosprogressão usando uma escala de blues. Os músicos irão primeiro dominar as
habilidades essenciais de fraseado e ferramentas e, em seguida, aplique-as sobre as formas mais
simples de improvisação: a barra de doze blues. Uma vez dominadas, essas mesmas habilidades de
fraseado podem ser aplicadas em todas as formas e estilos de improvisação de jazz com qualquer
tipo de harmonia.

Por que a escala de Blues e Blues de doze compassos?

O blues de doze compassos é uma das progressões de acordes mais simples e comuns
e formas no jazz. Existem milhares de melodias únicas sobre as mudanças de acordes de blues e
todos músicos encontrarão blues em várias tonalidades, ritmos e durações ao longo do
curso de sua improvisação. A estrutura de doze compassos do blues o torna um dos mais fáceis
formas a serem seguidas pelos improvisadores, uma das formas mais curtas de solo e uma das
formas mais adaptáveis para improvisação não harmonicamente dirigida. Basicamente, doze barras
blues apresenta a tela de improvisação mais simples para transmitir e praticar o conceitos melódicos
que serão examinados no decorrer deste livro.

A escala de blues pode ser derivada da alteração das notas em uma escala maior com o
seguintes variações: 1 b3 4 #4 5 b7.
Muitas vezes, a escala de blues é ensinado como uma variação da escala menor relativa. Por uma
questão de simplicidade, a fórmula usado neste livro para criar uma escala de blues será baseado
apenas no conhecimento de um músico escalas principais. O processo de construção de uma escala
de blues é detalhado na página 19 deste capítulo. A escala consiste em uma série de notas que são
harmonicamente adequadas para trabalhar todas as partes do blues de doze compassos se formam.
A escala cria um centro harmônico que não refletem diretamente as mudanças de acordes
subjacentes da forma do blues de doze compassos.

A escala oferece aos músicos iniciantes a chance de ter sucesso imediato na improvisação por
criando melodias que soam bem harmonicamente sobre a forma de blues sem dominar
os acordes subjacentes.
As escalas de blues limitam as escolhas harmônicas que os improvisadores têm, permitindo
para focar sua atenção na intenção melódica, estilo e desenvolvimento solo. Esse tipo de
a imersão altamente estruturada com o blues pode ajudar os músicos a desenvolver habilidades
essenciais que pode ser posteriormente aplicado à improvisação conduzida harmonicamente.
Usando estruturado imersão com um blues em escala para praticar conceitos de fraseado melódico
torna o transição para a improvisação harmonicamente conduzida mais fácil para músicos iniciantes
porque eles aprendem a tomar decisões criativas rápidas em um ambiente altamente estruturado.
Infelizmente, sem orientação, a imersão não estruturada usando a escala de blues pode ter
um impacto adverso no desenvolvimento de improvisação de longo prazo de músicos e seus
habilidade de transição com sucesso para improvisação harmônica.

A imersão não estruturada ocorre quando os músicos iniciantes são deixados por sua própria conta
dispositivos enquanto aprende a improvisar com a escala de blues. Imersão não estruturada com um
a escala de blues leva estudantes músicos a acreditarem erroneamente que toda improvisação ocorre
sem referência harmônica e com liberdade criativa desestruturada.

Com tempo suficiente músicos podem desenvolver a habilidade de tocar solos competentes usando
uma escala de blues, mas eles terá falhado em desenvolver a capacidade de fazer escolhas criativas
rápidas dentro da mudança contextos de improvisação harmônica e forma. Muitas vezes, os músicos
são incapazes de deixar o liberdade percebida da escala de blues por trás e progresso para a
improvisação que é mais estruturados harmonicamente porque não conseguiram desenvolver a
capacidade de fazer rápido escolhas improvisacionais dentro de um ambiente altamente estruturado.

A culpa por um a incapacidade do músico de deixar uma escala de blues para trás não pode ser
creditada à escala de blues, mas sim para a pedagogia da imersão não estruturada.
Na imersão estruturada que será apresentada neste livro, os músicos irão
improvisar solos enquanto faz escolhas criativas que limitam o comprimento das frases, localização
de pausas, intervalo, ritmo e dispositivos melódicos que podem ser usados. Embora os músicos vão
inicialmente dependem apenas da escala de blues para conteúdo harmônico, eles permanecerão
intensamente focado no comprimento da frase e na aplicação de técnicas de fraseado melódico
enquanto solando.

Esta imersão estruturada mantém os músicos focados nas várias frases opções que existem dentro
da improvisação de jazz e os força a tornarem-se rápidos e criativos escolhas ao longo de um solo.
A escala de blues, apesar de suas falhas harmônicas, é simplesmente um veículo usado para aplicar e
praticar uma ampla variedade de complicadas formas melódicas técnicas de fraseamento.

Quando usado neste tipo de imersão estruturada, a escala de blues tem

vantagens sobre outras alternativas harmônicas.

1. A escala de blues permite que os músicos se concentrem nos aspectos do fraseado de

improvisação sem considerações harmônicas ou técnicas.
2. A escala de blues é acessível e simples o suficiente para qualquer músico aprender e
manipular.
3. O desenvolvimento de extrema proficiência técnica com a escala de blues incentiva mais
tipos avançados de exploração técnica em um instrumento.
4. Ao usar uma escala de blues, é fácil para músicos inexperientes ouvir
"erros."
5. Ao usar uma escala de blues, músicos inexperientes podem se concentrar mais em seus
atenção no tempo, estilo e conteúdo da improvisação.

Desenvolver fluência técnica com a escala de blues é essencial para o progresso

ao longo deste livro. A escala de blues deve ser memorizada, tocada em tantas oitavas
quanto possível, e com os padrões na página 20 antes de prosseguir com os exercícios neste
livro.

Uma nota para músicos avançados:

Músicos avançados podem escolher deixar rapidamente os limites da escala de blues
para outras opções harmônicas. Independentemente das harmonias que se escolhe para tocar,
os improvisadores devem se concentrar nas estruturas e extensões das frases descritas neste livro.
Internalizando os vários comprimentos de frase, técnicas melódicas e roteiros solo neste
livro pode aumentar a consciência do fraseado de qualquer músico

Roteiros de solo improvisados, estudos de composição e escalas

Ao longo deste livro, roteiros solo de improvisação serão usados para destacar a estrutura de
fraseado dos solos e orientar os leitores através da aplicação de cada técnica de fraseado melódico.

Os roteiros solo de improvisação consistem em um bloco de doze barras em branco

forma de blues com notação de fraseado que dá tanto a localização quanto a duração do improviso
frases e outras técnicas e ferramentas que os músicos devem aplicar durante um solo.
O roteiros são extremamente limitantes e forçam os improvisadores a concentrar sua atenção
exclusivamente no comprimento da frase e nas técnicas melódicas que estão sendo usadas. Esses
tipos de roteiros, embora às vezes difíceis, têm benefícios para improvisadores de todos os níveis:

1. Os improvisadores devem estar constantemente cientes de onde estão no formulário.

2. Os improvisadores irão experimentar e ganhar proficiência com diferentes comprimentos de frase
e técnicas melódicas.
3. Os improvisadores desenvolverão a capacidade de repetir conscientemente ideias improvisadas durante
solos.
4. Os improvisadores controlarão e gerenciarão conscientemente o comprimento da frase.
5. Os improvisadores explorarão o uso do espaço e o desenvolvimento solo.

Cada roteiro é seguido por um solo de demonstração que ilustra cada nova frase conceito. Os leitores
devem se tornar proficientes em cada roteiro solo e ouvir e pratique cada demonstração solo. O
objetivo principal deste livro é construir solos desenvolvendo proficiência e controle de fraseado
improvisado.
Frequentemente alunos me pergunte: “É isso que você e os outros pensam quando estão
improvisando um solo?”

A resposta é não. Os músicos praticam habilidades de fraseado melódico da mesma maneira e para o
mesma razão pela qual eles praticam habilidades harmônicas e técnicas: para que durante um
improviso sozinho, pode-se pensar em comunicação e emoção, não em técnica.

Compor estudos melódicos

Escrever estudos de improvisação é uma habilidade essencial para improvisadores iniciantes.

Ao longo deste livro, os leitores têm dezenas de oportunidades para compor
seus próprios exemplos solo usando as técnicas melódicas discutidas.

Escrever exemplos dá aos músicos a oportunidade de criar um exemplo concreto

a partir de uma aplicação teórica. Esses exemplos escritos podem ajudar os músicos a lembrar e
aplicar novos conhecimentos de uma forma útil e pragmática e tornar-se um registro do
evolução da improvisação melódica de alguém.
Os leitores devem ver uma melhora drástica no qualidade de seus solos escritos ao longo deste livro.
A composição de exemplos melódicos também ajuda os músicos a desenvolver um vocabulário
técnico para improvisação que pode ser aplicada em solos futuros. Muitas vezes, ótimo melódico
improvisado ideias são esquecidas e perdidas. Ao observar exemplos de qualidade, os
improvisadores podem manter um registro escrito de suas melhores ideias. Essas ideias podem ser
reintroduzidas em solos futuros, onde eles podem ser continuamente desenvolvidos e aprimorados.

Desenvolvendo este tipo de improvisação vocabulário ajuda a eliminar aqueles momentos estranhos
quando improvisadores sentem: "Eu não sei o que tocar. ”

Fluência de Escala

É absolutamente essencial que os músicos se tornem proficientes no uso da escala blues antes de
prosseguir para o próximo capítulo deste livro.
Fluência em uma escala de blues ocorre quando o pensamento consciente não é mais necessário
para tocar. A escala deve ser dominada e memorizado em toda a extensão de seu instrumento em
um ritmo rápido com articulação estilística.

As páginas a seguir são um guia para a construção de uma escala de blues e

alguns exercícios rudimentares que devem ser dominados antes de prosseguir para o capítulo três.

CONSTRUINDO A ESCALA BLUES

A escala de blues é a ferramenta que permitirá aos músicos dominar os exercícios de fraseado
melódico neste livro. A escala pode ser derivada da alteração de notas em uma escala maior usando a
seguinte fórmula:
1- b3 -4 -#4 (b5 )-5 -b7 -1

Comece com uma escala maior, neste caso "Si bemol" maior e atribua um número a cada nota. Em
seguida, aplique o blues
fórmula de escala e alterar as notas de uma escala maior.
A escala de Blues contém algumas combinações intervalares interessantes. Experimente tocar o
intervalo 1- # 4, que é conhecido como intervalo de trítono, e pratique a criação de uma resolução
para essa tensão movendo para 4 ou 5.

Experimente outras combinações intervalares dentro da escala de blues e pratique cantar a escala
inteira para internalize seu som e nuances únicos.

Escala Blues em Bb - Resoluções Comuns da Blue note

Desenvolver fluência técnica com escalas de blues é essencial para progredir neste livro.
A escala de blues deve ser memorizada, tocada no maior número de oitavas possível e nas seguintes
padrões antes de começar a improvisar.
Músicos que não dominam a escala serão incapazes de foco no conteúdo melódico de sua
improvisação.

Escala de Blues Bb: Primeiro toque o exercício e depois pratique cantá-lo.

Descendo: primeiro toque o exercício e depois pratique cantando as notas.

Escala de uma oitava em cada nota de uma escala de blues. Primeiro faça o exercício e depois
pratique cantá-lo.
Escalas de uma oitava descendo: primeiro toque o exercício e depois pratique cantá-lo.

Nota: Primeiro, toque o exercício e depois pratique cantá-lo.

Twelve Bar Blues Form

O blues de doze compassos segue a progressão básica descrita abaixo. Existem numerosos acordes
variações e possíveis substituições de acordes para a progressão do blues de doze compassos.
A variação representado abaixo é usado devido à sua relativa simplicidade harmônica.
Embora os músicos possam usar o mudanças harmônicas para manter o controle de sua localização
dentro da forma de doze compassos, o foco inicial deste livro será sobre o desenvolvimento e
controle de comprimentos de frase dentro da forma de blues, em vez de no acordes específicos.
CAPÍTULO DOIS:
Exercícios para exploração contínua

1. Pratique e comece a memorizar todas as doze escalas de blues da página 153.

2. Pratique e comece a memorizar todas as doze escalas MAIOR da página 152.
3. Pratique e comece a memorizar todas as doze escalas MIXOLÍDIO da página 154.
4. Pratique e comece a memorizar todas as doze escalas DÓRICO da página 155.
5. Memorize o padrão de acordes para os doze compassos de blues no concerto Si bemol.
6. Ouça a faixa 2 do CD e pratique a identificação do começo, compasso cinco e compasso nove
de cada refrão de doze compassos.
7. Ouça as seguintes gravações de melodia e solo sobre o blues de doze compassos: *
Gene Krupa-Drum Boogie
Louis Armstrong- Black Ole Town Blues
Miles Davis-Blues By Five

8. Discuta:

a. Você consegue encontrar o início de cada refrão de 12 compassos?

b. Todo solo começou no início de um refrão de 12 compassos?
c. Você consegue identificar as inflexões de estilo que os improvisadores e vocalistas
usado durante os solos?
d. Identifique e discuta exemplos específicos de inflexão estilística e
articulações usadas em solos.
e. Você pode ouvir as regras para a articulação do swing sendo aplicadas dentro do
solos?
f. O andamento de uma música muda a maneira como os músicos improvisam? Comparar
e compare as três gravações mantendo o andamento em mente.
g. Encontre exemplos de outros estilos musicais que usam uma forma de blues como o rock,
country western e rhythm and blues.
h. Como essas gravações são estilisticamente diferentes das gravações de jazz?
i. A forma do blues é a mesma?
* Veja a discografia na página 158
9. Pratique cantar a tônica de cada acorde durante uma progressão de blues de 12 compassos
usando as faixas dois, três e quatro do CD play-a-long. Ouvir quando os acordes
a mudança pode ajudá-lo a manter seu lugar dentro de uma progressão de blues. Quando você
puder
cante as raízes no tempo com o CD, pratique tocando-as com seu instrumento.
10. Pratique cantar as escalas de blues enquanto o CD toca um blues de 12 compassos
progressão. Memorizar o som da escala e seus intervalos ajudará
melhorar a improvisação. Concentre-se em ouvir o início de cada doze compassos
progressão repetida.
11. Pratique cantando solos ao longo de uma progressão de blues de 12 compassos nas faixas 2 a 5
do CD. Cante para doze compassos e descanse por doze compassos. Este tipo de alteração pode
ajudar você mantém o seu lugar e segue o formulário.
12. Pratique cantando solos em uma progressão de blues de 12 compassos na faixa 2-5 do CD.
Cante por quatro compassos e descanse por quatro compassos. Este tipo de alteração pode ajudá-lo
a manter seu lugar e siga o formulário.
13. Pratique cantando solos em uma progressão de blues de 12 compassos na faixa 2-5 do CD.
Cante por dois compassos e descanse por dois compassos. Este tipo de alteração pode ajudá-lo a
manter seu lugar e siga o formulário.
14. Pratique cantando solos em uma progressão de blues de 12 compassos na faixa 2-5 do CD.
Cante em um compasso e descanse em um compasso. Este tipo de alteração pode ajudá-lo a manter
seu lugar e siga o formulário.

CAPÍTULO TRÊS:
Começando a improvisar

A improvisação exige que os músicos assumam riscos criativos. Durante a improvisação

músicos correm o risco de soar mal, cometer erros e se perder ou perder o foco. Quando
músicos começam a improvisar, muitas vezes eles não têm ideia do que tocarão ou como vai soar.
Apesar desses obstáculos, esses primeiros passos estranhos na improvisação desempenham um
papel importante em ajudar músicos a desenvolver habilidades críticas. Este começo humilde ajuda
músicos aprendem sobre a forma, o tempo e os intervalos e sons individuais dentro de um blues de
doze compassos.

No capítulo anterior, os músicos trabalharam para desenvolver uma fluência técnica modesta
com uma escala de blues. Muitas vezes, os improvisadores iniciantes não conseguem decidir o que
tocar, apesar de seus destreza técnica. Limitar as opções que os músicos têm durante os solos pode
ajudá-los superar essa indecisão. Existem três maneiras principais pelas quais os músicos podem
limitar a criatividade e melhorar sua improvisação.
A primeira maneira que os músicos podem melhorar a improvisação é limitar as notas que podem
ser tocado durante um solo. Limitar as escolhas de notas força os músicos a pensar criativamente
sobre ritmos, espaço e o uso adequado de inflexões estilísticas, dinâmicas e articulações.
Ao limitar as escolhas de notas, os músicos removem quaisquer obstáculos técnicos percebidos e são
capazes focar apenas nos aspectos criativos e estilísticos da improvisação.

A segunda maneira músicos podem melhorar a improvisação é considerar o contorno melódico

usado durante solos. Quando os músicos se concentram no contorno melódico enquanto solam, eles
limitam o alcance e forma de linhas melódicas criadas durante a improvisação.

A terceira maneira que os músicos podem melhorar a improvisação é limitar a localização física das
frases tocadas dentro de um blues Formato.
Quando os músicos se concentram na localização das frases tocadas durante um solo, eles se tornam
sensível à forma e ao uso eficaz do espaço.

Nos exercícios 3-1 a 3-5, os músicos farão experiências com improvisação

usando apenas notas limitadas de uma escala de blues.

Os músicos devem se concentrar em explorar o escala e memorizando o som dos diferentes

intervalos. Posteriormente neste capítulo, iremos examine como usar o contorno melódico para
construir frases dentro de solos e irá praticar técnicas que mantêm a consciência da localização
dentro da forma do blues de doze compassos.

Começando a improvisar

Exercício 3-1: Two Note Solos

No exercício 3-1, use apenas a primeira e a segunda notas da escala de blues durante a improvisação.
Focar em
variedade e articulação rítmica, interpretação estilística e o uso de diferentes registros

Exercise 3-1: Two Note Solos with Rhythms-Example Solo

One technique that can be used to add rhythmic variety to a solo is to improvise notes while reading
different rhythms. Be sure you can sing and count these rhythms before playing them on your
instrument. Listen to the example solo and practice improvising your own solo using only the first two
notes of the blues scale and the following rhythms.
No exercício 3-2, use apenas a primeira, segunda e terceira notas da escala de blues durante a
improvisação.
Foco na variedade rítmica, articulação, interpretação estilística e o uso de diferentes registros.

Exercício 3-2: Solos de três notas com ritmos - Solo de exemplo

Uma técnica que pode ser usada para adicionar variedade rítmica a um solo é improvisar notas
durante a leitura ritmos diferentes. Certifique-se de cantar e contar esses ritmos antes de tocá-los em
seu instrumento. Ouça o exemplo de solo e pratique improvisando seu próprio solo usando apenas
os três primeiros notas da escala de blues e os ritmos seguintes.
No exercício 3-3, use apenas a primeira, segunda, terceira e quarta notas da escala de blues durante
improvisação. Concentre-se na variedade rítmica, articulação, interpretação estilística e o uso de
diferentes
registra.

Exercício 3-3: Solos de quatro notas com ritmos - Solo de exemplo

Uma técnica que pode ser usada para adicionar variedade rítmica a um solo é improvisar notas
durante a leitura ritmos diferentes. Certifique-se de cantar e contar esses ritmos antes de tocá-los em
seu instrumento. Ouça o exemplo de solo e pratique improvisando seu próprio solo usando apenas
os quatro primeiros notas da escala de blues e os seguintes ritmos

No exercício 3-4, use apenas a primeira, segunda, terceira, quarta e quinta notas da escala de blues
durante
improvisação. Concentre-se na variedade rítmica, articulação, interpretação estilística e o uso de
diferentes registra.

Exercise 3-4: Five Note Solos

Exercício 3-4: Solos de cinco notas com ritmos - Solo de exemplo
Uma técnica que pode ser usada para adicionar variedade rítmica a um solo é improvisar notas
durante a leitura
ritmos diferentes. Certifique-se de cantar e contar esses ritmos antes de tocá-los em seu
instrumento. Ouça o exemplo de solo e pratique improvisando seu próprio solo usando apenas os
cinco primeiros
notas da escala de blues e os ritmos seguintes.

No exercício 3-5, use a escala de blues completa durante a improvisação. Concentre-se na variedade
rítmica,
articulação, interpretação estilística e uso de diferentes registros.
Exercício 3-5: A Escala Blues Completa com Ritmos - Exemplo Solo
Uma técnica que pode ser usada para adicionar variedade rítmica a um solo é improvisar notas
durante a leitura
ritmos diferentes. Certifique-se de cantar e contar esses ritmos antes de tocá-los em seu
instrumento. Ouça o exemplo de solo e pratique improvisando seu próprio solo usando o blues
completo escala com os seguintes ritmos
Contorno Melódico
Os músicos devem considerar o contorno das linhas melódicas enquanto improvisam. O
o contorno melódico de uma frase improvisada é a forma interválica geral que a frase
segue. Por exemplo, se um músico tocasse esta frase:

O contorno melódico da frase pode ser considerado o seguinte:

Esta forma dramática, embora eficaz em

vezes, pode ser extremo para ouvintes e
pode inibir o desenvolvimento melódico quando
usado consistentemente durante os solos. Frequentemente
iniciantes na improvisação
usar sem saber este tipo de frase
extensivamente durante solos sem
reconhecendo as consequências melódicas.

Os improvisadores iniciantes devem se concentrar na criação de contornos melódicos que usam

passos de escala gradual e pequenos intervalos. Os músicos devem praticar a criação melódica
linhas que têm um contorno de rolamento suave, conforme mostrado no exemplo abaixo:

O contorno melódico da frase pode ser considerado o seguinte:

Esta forma de contorno melódico oferece

improvisadores, muitas opções para
desenvolver linhas melódicas.
Durante a improvisação, o contorno geral das linhas melódicas tem um impacto significativo
sobre como um solo soa. Existem inúmeras variações e contornos que os músicos podem
criar durante a improvisação. Os músicos não devem permitir que o acaso e a técnica ditem o
contorno de linhas melódicas. Os músicos devem escolher o contorno de forma consciente e criativa
e forma de linhas melódicas durante a improvisação.

Exercício 3-6: Contorno Melódico

Usando uma escala de blues e o CD play-a-long que o acompanha, tente criar a melodia
contornos mostrados abaixo sobre solos de blues multi-chorus. Primeiro, pratique cantar solos que
imite as formas abaixo e tente tocá-las em um instrumento.