A história e os protagonistas dos Blues

por Lucas Brandão,    20 Novembro, 2020

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 Música

BB King em
1971. Fotografia de Heinrich Klaffs

Com origens nas profundezas do sul dos Estados Unidos, os blues nasceram de uma
miscelânea, de uma infusão entre o território americano, desde o jazz ao rock n’ roll, e
as raízes africanas, nomeadamente nas suas tradições musicais e espirituais.
Musicalmente, o diálogo entre dois diferentes discursos (o call and response), as suas
escalas próprias, e o progresso harmónico dos acordes, em especial com a sua blue note,
pautada com um registo mais agudo ou mais grave que o estandardizado. O efeito
repetitivo do ritmo produzido a partir dos swings comummente usados no jazz dão
forma e conteúdo aos conhecidos grooves. De letras mais modestas e simples, passou-se
a um registo gradualmente mais tripartido, repetindo as primeiras estruturas musicais e
depois findando numa linha mais longa e acentuada. O surgimento deste género musical
coincide com a emancipação das comunidades afroamericanas, nomeadamente após o
fim da escravatura e o surgimento dos juke joints, estabelecimentos onde estas
comunidades conviviam e onde davam os primeiros passos na produção musical. É um
caminho que, ainda hoje, prossegue em marcha consistente e vibrante, de coração cheio
e com vontade de se exprimir.

O termo “blues” significava um estado depressivo, um espírito inquieto e turbulento,

que bebe também das tendências alcoólicas que submergem este estilo musical. Embora
a documentação quanto às origens dos blues seja parca, dado o seu desenvolvimento
acontecer em comunidades pobres e isoladas, sabe-se que o sul do Texas e,
ironicamente, alguns dos estados mais flagelados pela escravatura – entre outros, o
Alabama, o Mississippi, a Florida, a Carolina do Norte e a do Sul e a Georgia – foram o
embrião das primeiras impressões deste género musical. Quanto a datas, fala-se que,
pouco antes do século XX começar, já se ouvia música criada pelos membros das
comunidades afroamericanas nos pequenos pubs que já foram mencionados, onde o
lazer predominava. Era uma fase de transição, em que encontravam alguma autonomia
na sua vida, deixando de depender de outrem na sua produção agrícola e na construção
civil, nomeadamente nas linhas de caminhos-de-ferro.

A própria predominância da música religiosa já falava alto e tendia profundamente o

decurso dos blues, em especial do canto gospel que tanto carateriza, ainda hoje, muitas
das celebrações religiosas destas comunidades. Porém, e do rock imberbe, vinha uma
trepidação de ritmos e de melodias diferente, com mais andamento e com mais
profundeza, sempre assente num conteúdo emocional que não tinha sido escrito na
Bíblia, mas que fluía no sangue de muitos e na ancestralidade de outros. Os cânticos dos
seus antepassados, grande parte deles escravos, eram um motor de proclamação dessa
emancipação concretizada, embora sempre contestada e possível de ser aprimorada.
Para além dos discursos harmónicos europeus e das tradições africanas, que incluem
também tradições do Norte de África, nomeadamente do Magrebe, no extremo norte, e
do Sahel, logo abaixo, também as celebrações e as criações artísticas das comunidades
nativas americanas contribuía para a sua maturação, em especial nos quatro beats que
foram orientando a criação musical.

Os instrumentos de cordas começaram a ser usados frequentemente, em especial o arco

de Diddley – um instrumento de uma só corda – e o banjo – que teve origens nas
comunidades escravizadas da América Central e da África Ocidental. Foram os
discursos instrumentais iniciais que fizeram surgir os primeiros grandes nomes
associados ao género, como Lonnie Pitchford, Eddie “One String” Jones ou James
“Super Chikan” Johnson no arco de Diddley, e Papa Charlie Jackson ou Gus Cannon no
banjo, este que também era crucial no ragtime, um outro género que antecipou o
jazz norte-americano e que traduzia os padrões melódicos da música africana. Os blues
eram, ainda, em muito confundidos com a música country que surgiu na mesma altura
na mesma zona, embora esta fosse, tendencialmente, composta por indivíduos de etnia
branca. Foi assim que os blues encontraram o seu caminho, a sua identidade: as
comunidades rurais empobrecidas que procuravam desvendar-se na sociedade com
alguém relevante e importante no desenvolvimento urbano que se ia perspetivando no
país.

Os cânticos espirituais das comunidades afroamericanas, que já foram mencionados,

também ajudaram a destrinçar essa identidade, já que beberam bastante dos seus
tratamentos de cordas. Não obstante, os blues chegaram a ser conotados como “a
música do diabo”, em contraste com a música gospel. Porém, a aproximação das
comunidades afroamericanas dos grandes pólos urbanos do país ajudaram a que os blues
começassem a reconstruir a sua apresentação e a sua própria fama, adaptando muitas
das nuances que a música de Tin Pan Alley (situado em Nova Iorque, promovia um
grupo de compositores e de músicos que produziam baladas e outras canções de cariz
cómico) ia apresentando. Foi assim que nasceram aquelas que se consideraram as
primeiras composições formais dos blues, nomeadamente a partir de Baby Franklin
Seals (“Bay Seals’ Blues”), Hart Wand (“Dallas Blues”) e W.C. Handy (“The Memphis
Blues”), aquele que seria considerado como o pai do género. Essa fama foi conquistada
não por os ter criado per se, mas por ser pioneiro na sua transposição de um ambiente
mais regional, focado no delta do Rio Mississippi, para uma pujança verdadeiramente
nacional.
No entanto, ele seria capaz de tornar os blues “eruditos”, já que os transcreveu e os
orquestrou de uma forma quase sinfónica, com o recurso a bandas e a cantores. Eram
composições que se encontravam com o ragtime e com o jazz e que culminaram na
célebre “Saint Louis Blues”. Os palcos dos blues deixaram os bares e passaram a ganhar
destaque em teatros e outros palcos e companhias, como o Theater Owners Bookers
Association, um circuito de artistas de vaudeville, o bar nova-iorquino Cotton Club, em
plenos e loucos anos 1920, e, ainda no estado do Mississippi, a famosa Beale Street, que
acolheu muitas composições e o início dos Memphis blues, um género recetivo a uma
diversidade pouco comum de instrumentos e de fundações folclóricas.

No coração daqueles que não diferenciavam o country dos blues, nasciam grandes
impulsionadores deste género cada vez mais ramificado. Bo Carter, Blind Lemon
Jefferson, Lonnie Johnson, Tampa Red (o “mágico da guitarra”) e Blind Blake faziam
das cordas um caminho de amplificação da sustentação da música, antecipando a
técnica da slide guitar (o uso de um tubo oco e cilíndrico nas cordas da guitarra usada,
para produzir tons bem distintos). A improvisação era muita, embora as emoções
fossem consolidadas e anunciadas desde há muito, vocalizando a densidade deste
género musical. Foi assim que os tais “Delta Blues” se desenvolveram, misturando as
origens rurais com as novidades urbanas. O seu grande mestre seria Robert Johnson,
que somente viveu 27 anos, mas que deixou um legado incontornável e inestimável,
sustentado num talento instrumental e vocal muito raro. Charley Patton e Son House,
seus antecessores e os fundamentos deste ramo do género, abriram-lhe esse caminho;
enquanto no sudoeste do país, onde o fingerpicking na guitarra se assimilava à
música ragtime e onde Blind Willie McTell e Blind Boy Fuller eram mestres,
acompanhados de letras verdadeiramente poéticas e delicadas, na herança de Curley
Weaver, Barbecue Bob e Kokomo Arnold.

Ainda em Memphis (1920s-1930s), as jug bands, grupos de músicos que atuavam com
instrumentos convencionais, mas também com outros artesanais e domésticos, davam
uma outra roupagem aos blues. A banda de Guss Cannon foi acompanhada por outros
nomes de relevo, como Frank Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Kansas Joe
McCoy, Casey Bill Weldon e uma mulher, algo que, então, era surpreendente: a célebre
Memphis Minnie, que brilhava com a guitarra e com a voz de um modo arrebatador. De
Memphis, muitos partiram para zonas mais urbanas, nomeadamente para Chicago, em
que, no início dos anos 1940, os blues ganhavam um caráter cada vez mais urbano, em
especial com Big Bill Broonzy e pelo pianista Leroy Carr e o seu guitarrista, Scrapper
Blackwell (um modelo cada vez mais recorrente no futuro).

Tornaram-se, assim, mais elaborados e adaptados a um público bem mais amplo, onde
muitas mulheres viram o seu protagonismo aparecer e perdurar. Assim seria no caso de
Ma Rainey, uma das vozes mais imponentes da história do género, Bessie Smith (a
“Imperadora dos Blues”, com uma voz ainda mais pesada, embora bela), Lucille Bogan
e também Mamie Smith, que, embora não fizesse parte do grande trio de vozes no
feminino, foi a primeira a gravar uma música do género em 1920. Outros casos célebres
foram os de Lucille Hegamin e Victoria Spivey, gravando os seus “race records” (uma
distinção que era feita para aqueles que, de etnia branca, compravam os discos) com
uma grande improvisação melódica, com construções sintáticas distintas e com muitas
onomatopeias, que autenticavam o som com a pujança humana e dramática que os blues
exigiam desde sempre. Também Sister Rosetta Tharpe, uma instrumentista de vulto na
música gospel, iluminou um caminho distante da discriminação racial e sexual, com um
folclore capaz de se superar nessa dimensão.

Para acompanhar esta mudança de centralidade para Chicago, nasceram os Bluebird

Records, que acolheram imensos discos de jazz e de blues nos anos 1930 e 1940. Muito
do boogie-woogie que já vinha do século XIX assentava no piano, mas também nas
vozes, tanto a solo, como em bandas e em duos, trios, quartetos ou quintetos. A
presença do baixo tornou-se, assim, um destaque crescente, com uma pauta musical
quase constantemente reiterada, numa simples chapa, com um só tom, embora sempre
ornamentado. Jimmy Yancey abriu as portas desta nova fragrância musical, assim como
o trio de pianistas Albert Ammons, Pete Johnson e Meade Lux Lewis, e Pinetop Smith,
um dos antecedentes de rock n’ roll. Mais a sul, em Louisiana, nas redondezas de New
Orleans, o papel da música clássica misturou-se com o jazz e com a música das
Caraíbas para, com piano e saxofone, acolheu o nascimento do jazz, com a ajuda do
Professor Longhair e de Dr. John; para além da trepidação melodiosa de Lead Belly e da
sua guitarra de doze cordas.

As bandas tornaram-se maiores e mais numerosas, embora também com origens

geográficas mais específicas e dispersas, como a Count Basie Orchestra, de Kansas
City, no estado de Missouri, e que também contribuíram para a formação dos jump
blues. Um ritmo mais frenético, apoiado nas vozes guturais e declamadoras e nos
instrumentos de sopro e de percussão para essa passada mais “saltitante”. Ainda no
Kansas, Louis Jordan, o “King of the Jukebox”, e a voz de Big Joe Turner
protagonizaram este percurso, que ajudou a perspetivar o nascimento do rock n’ roll e
do rhythm and blues (R&B, que substituíram os “race records”). Na “West Coast”, no
estado da Califórnia, estes jump blues foram fomentados pelo piano mas também pela
guitarra, advinda dos ventos do Texas, onde despontou a guitarra de Lightnin’ Hopkins,
e que T-Bone Walker soube potenciar da melhor forma.

Depois de tantas turbulências políticas e sociais, que constituíram o pano de fundo das
décadas exploradas atrás, chegaram os anos 1950, em que os blues já se tinham
ramificado no R&B e em que ganhavam cada vez mais espaço na indústria musical. O
seu shuffle era feito cada vez mais à base de instrumentos elétricos, desde a guitarra ao
baixo, passando pelo duplo baixo (o seu antecessor), a bateria e a harmónica, recorrendo
a amplificadores de voz e de guitarra. Em Chicago, e encaminhados pelas origens do
delta de Mississippi, estava Elmore James, o grande “rei” da slide guitar, assim como
Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Willie Dixon (um dos mais célebres compositores, que
escreveu diferentes canções de referência do género (os blues standard), como “Hoochie
Coochie Man” ou “Back Door Man”, e Jimmy Reed, com a força das cordas das suas
guitarras e baixos e a imensa profundidade das suas vozes. Com a harmónica, e também
em Chicago, Little Walter, Sonny Boy Williamson II e Sonny Terry gravavam para
editoras distintas, como a Chess Records, a Checker Records, a Vee-Jay Records ou a
J.O.B. Records, com a competição da Sun Records, deslocada para Memphis até,
também ela, ter subido para Chicago em 1960, após ter descoberto o estelar Elvis
Presley.

Entretanto, e com a emergência da música popular americana, em muito assente no

folclore do país, notou-se uma grande influência das raízes dos blues em nomes, como
Bo Diddley ou Chuck Berry, e a música crioulo-americana do zydeco, um género criado
no estado do Louisiana. Fora dos Estados Unidos, e após uma tournée bastante bem-
sucedida de Waters no Reino Unido, o contágio foi de tal modo notório que, desde o
guitarrista Alexis Korner ao harmónico Cyril Davies, se começou a desenhar o caminho
que encontrou a revelação dos Rolling Stones e dos Cream, de Eric Clapton. Em
Chicago, mais talento continuava a emergir, nomeadamente com a grande base rítmica
que as cordas e a percussão exibiam nas interpretações de Magic Sam, Buddy Guy ou
Otis Rush, com a amplificação das guitarras de Freddie King, Magic Slim e Luther
Allison, que havia tocado com Howlin’ Wolf. Ainda na herança do boogie, e fixando-se
no Mississippi, estava John Lee Hooker e os seus groovy blues.

Pantanoso também se tornou no estado de Louisiana com os swamp blues, mais lentos e
alicerçados por ideias crioulas e zydecas, abrindo espaço para que a simplicidade e a
estabilidade de Lightnin’ Slim, Slim Harpo, Sam Myers e Jerry McCain se impusesse.
Outros nomes eram revisitados e reeditados, como Mississppi Fred McDowell, o que
levou a que o norte desse estado se tornasse renovado e reforçado com
um boogie hipnótico ao sabor de estruturas musicais pouco convencionais, enfatizando
a percussão e o ritmo. Os anos de 1960 trariam bastantes atribulações civis e sociais,
principalmente com as reivindicações por parte das comunidades afroamericanas de
uma efetiva igualdade social, política, económica, cultural e cívica na sociedade do país.
A solidificação do rock n’ roll e o surgimento do soul também agitariam as águas
musicais um pouco por todo o mundo, que se tornaram cada vez mais azuis com
festivais na Europa e com uma presença cada vez mais assídua no Reino Unido, em que
se inspiravam e imitivam as grandes lendas que os blues tinham criado. Abria-se espaço
para expressões mais híbridas, que seriam a fundação da world music, com origens
indígenas, mas também outras conotadas com vários géneros musicais (o caso do
novaiorquino Taj Mahal).

É nesta fase que se torna verdadeiramente reconhecido B.B. King (Blues Boy King),
que, à imagem de John Lee Hooker, importou elementos do rock e colaborou com
diversos músicos de etnia branca. King seria conotado como “rei dos blues”, o
verdadeiro rei, já que criou um estilo de produção de solos de guitarra verdadeiramente
único, fazendo as cordas balançar e arquear mais para sons mais robustos e abertos, sem
recear as vibrações que daí advissem, os vibratos. Consigo, não dispensava a presença
do saxofone, do baixo, da trompete e do trombone e abriu portas a que os blues se
tornassem cada vez mais reconhecidos e, de igual modo, capazes de se integrar em
várias formas de dar música. Bobby Bland e Albert King fariam isso mesmo.

Como já mencionado, a questão dos direitos civis mexeu muito com a década de 1960 e
foi assim que os próprios blues foram revisitados e reinterpretados, crescendo o
interesse pelas tradições e pelas raízes musicais e onde nomes consagrados dos
acústicos, embora ainda não mencionados, como Mississippi John Hurt, Skip James e
Reverend Gary Davis, voltaram. Um trabalho em muito alavancado pelas reedições da
Yazoo Records e pelos discos de J. B. Lenoir, que se inspirou nos movimentos de
liberdade de expressão dos meados da década de 1960. Com um look renovado e “rock
n’roll’zado”, aparecia o grupo de Paul Butterfield, assim como, em Inglaterra, os
grandes grupos, como os Fleetwood Mac, os The Animals, John Mayall & the
Bluesbreakers e The Yardbirds, onde começou o legado de Jimmy Page, futuro
guitarrista dos Led Zeppelin, e o do também guitarrista Jeff Beck. Nascia o blues rock,
catapultado pela presença imponente dos The Doors, da Jimi Hendrix Experience, dos
talentos de Janis Joplin e da Allman Brothers Band. A alma psicadélica e elétrica
cresceu e arrastou-se até ao Texas, onde Johnny Winter e Stevie Ray Vaughan, assim
como os ZZ Top, deram-lhe um toque tradicional e enraizado nas origens dos blues. De
igual modo, andaram os soul blues, com as aspirações de Otis Redding, de Ray Charles
e de Sam Cooke.

Mais perto dos nossos dias, desde Robert Cray a John Mayer trazem uma ideia de
progressividade dos blues, que não se fixam nas gerações anteriores, mas que também
procuram reinventar-se, nomeadamente ao olhar do indie rock e de muita música local,
nomeadamente de proveniências latinas e periféricas. Carlos Santana, por exemplo,
assim como nomes, como Joe Bonamassa, Gary Clark Jr., Derek Trucks, Susan
Tedeschi, fazem parte de uma nova geração que reverencia as origens, mas que também
não deixa de parte a possibilidade de inovar e de se fazer diferenciada. São blues que se
consagram com um sentido de revelação, por vezes bíblico, mas mais íntimo e
personalizado do que de outro modo. As suas fontes capacitam-lhes de uma alma
própria, emancipadora, munida de uma consciência cívica crítica. O seu presente
assegura um papel de referência e de identidade para muitas das comunidades flageladas
e fragilizadas durante os tempos. Quanto ao futuro, a segurança de um legado
permanente e irreverente, de sonoridades azuladas como o céu, mas rentes na terra.