ANTONI GAUDÍ

MARIA LYNCH
XICO CHAVES
LEONORA WEISSMANN
ARTE E EDUCAÇÃO
 DIRETORA
Liege Gonzalez Jung
CONSELHO
EDITORIAL
Agnaldo Farias
Artur Lescher
Guilherme Bueno
Marcelo Campos Capa e Sumário: Basílica de La
Vanda Klabin Sagrada Família, 1882-1926. Foto:
© Pep Daudé / Junta
PRODUÇÃO Constructora del Templo de la
André Fabro Sagrada Família.
PUBLICIDADE
publicidade@dasartes.com
DESIGNER
Arruda Arte & Cultura
SUGESTÕES E CONTATO
dasartes@dasartes.com
APOIE A DASARTES
Seja um amigo Dasartes
em recorrente.benfeito
ria.com/dasartesdigital Contracapa: Maquete
Capitel da coluna de 8
Doe ou patrocine quinas da Basílica da Sagrada
pelas leis de incentivo Família. © Basílica de la
Rouanet, ISS ou ICMS/RJ Sagrada Família.
 MARIA
LYNCH 12

XICO CHAVES 20

08 De arte a z ANTONI
GAUDÍ
30
40 Livros
46 Coluna
meio
do

RESENHAS 42

LEONORA
WEISSMANN
44

ALTO
FALANTE
48
 DE ARTE A Z
Notas do circuito de arte

ANISH KAPOOR PROTESTA ANTI-

TRUMP E CONVOCA OUTROS
ARTISTAS
O midiático artista britânico-indiano
Anish Kapoor reformulou uma imagem
de parte de uma performance seminal do
artista alemão Joseph Beuys com a frase
renomeada, “Eu gosto da América e a
América não gosta de mim”, como um
protesto contra os horrores que se
desenrolam na América de Donald
Trump. Ele está convidando outros
artistas para se juntar a ele no protesto e
criar as suas próprias versões do cartaz.

MOVIMENTO RETRATO RARO AMOR, FAMA E

CARAVAGGESCO
Em Paris
O Museu do Louvre vai
acolher as obras de Valentin
de Boulogne na exposição
“Beyond Caravaggio”. Por
meio dessas obras, os
visitantes descobrirão como
Valentin se inspirou no
realismo dramático de
Caravaggio, no claro-escuro e
nos temas (tabernas,
concertos, mártires, santos),
mas os mudou dando uma
sensibilidade cromática
neoveneziana com
grandiosidade e melancolia.
8
DE DALI TRAGÉDIA
Vai a leilão
A casa de leilões Bonhams
está oferecendo uma das
obras mais controversas de
Salvador Dalí para seu próximo
leilão em Londres. O retrato
de 1925 da irmã do artista,
intitulado “Figura de perfil” (La
Hermana Ana María), tem uma
estimativa de £ 800 mil - 1,2 mi.
Essa é uma pintura notável e
rara pois há poucas obras
deste período fora de
coleções públicas. A sessão
acontece em 2/3.
Em Londres
Em março, o Tate Modern
abre “A Exposição EY: Picasso
1932 – Amor, Fama, Tragédia”.
Como anunciado no título, a
exposição se concentrará no
ano de 1932, com uma viagem
mês a mês durante o ano pivô
na vida de Picasso e seu
trabalho. Conhecido como seu
“ano de maravilhas”, 1932 foi
um ano de inovação e reflexão
para Picasso, que acabava de
completar 50 anos em
outubro de 1931.
1ª BIENALSUR PRÉ-
SELECIONA ARTISTAS
BRASILEIROS
Modelo inédito de Bienal
A coordenação da BIENALSUR divulgou a
lista dos projetos pré-selecionados para
sua 1ª Edição. Trinta e seis artistas e cinco
curadores brasileiros estão entre os 377
projetos escolhidos. A Bienal
Internacional de Arte Contemporânea da
América do Sul acontecerá de setembro a
dezembro de 2017, simultaneamente em
mais de 30 cidades, de 12 países, de
diversos continentes. Os curadores
selecionados são Tobi Maier, Guillerme
Giufrida e Jessica Varrichio, Juliana
Gontijo e Raphael Fonseca. Na lista de
artistas estão nomes como Alex
Flemming, Eduardo Srur, Estela Sokol,
Regina Silveira, Rochelle Costi, Shirley
Paes Leme, entre outros.
Em protesto
“Consideramos a ‘Greve de
Arte’ como uma tática entre
outras para combater a
normalização do Trumpismo —
uma mistura tóxica de
supremacia branca, misoginia,
xenofobia, militarismo e regra
oligárquica”.
Richard Serra e um grupo de
artistas em ato de protesto no
dia da posse do Presidente do
Estados Unidos Donald Trump.
GIRO NA CENA
Willys de Castro
em Nova York
A galeria Luhring Augustine abre a
primeira individual do artista
mineiro nos Estados Unidos. “Willys
de Castro” é feita em parceria com
as galerias Almeida & Dale e Marília
Razuk de São Paulo. A mostra reúne
15 obras que cobrem os primeiros
anos do artista, das pinturas aos
famosos “Objetos Ativos”, pelos
quais Willys de Castro se destaca
como um dos mais inovadores
artistas brasileiros.
Até 11/3.
Arte e loucura
no MAR
O Museu de Arte do Rio (MAR),
apresenta “Lugares do delírio” com
cerca de 150 obras — entre
instalações, mapas, performances,
pinturas e objetos — de diversos
artistas, como Cildo Meireles, Laura
Lima, Anna Maria Maiolino, Arthur
Bispo do Rosário, e outros. Trata-se
de uma reflexão política e ética sobre
loucura e arte. “A arte e a loucura
têm em comum a força de
transformação da realidade e isso
está representado na exposição”,
explica a curadora Tania Rivera.
 GIRO NA CENA
FRANÇA GANHA NOVO
CENTRO DE ARTE
Castelo, Centro de Artes e Natureza e
Festival Internacional de Jardins. O
“Domain of Chaumont-sur-Loire” (entre
Blois e Tours, a 185 km de Paris) é um
Amália Giacomini lugar único por sua maneira de explorar os
estreia na vínculos entre arte, natureza e patrimônio.
Galeria Lume As exposições e instalações ali
organizadas farão do Domain o primeiro
Com curadoria de Paulo Kassab, a
mostra traz 14 trabalhos, entre painéis
Centro focado inteiramente na relação
e instalações, que remetem a entre criação artística e a invenção
modelos geométricos construídos no paisagística. Inauguração em 20/4.
espaço da galeria. Imagens e objetos
sobrepostos de modo a suscitar a
revelação de novos espaços em
ambientes já conhecidos. Redesenhar
o mundo ao redor para então
redescobri-lo. É esse o pano de fundo
de “Entreaberto”, primeira individual
da artista paulistana Amalia
Giacomini na Galeria Lume, que passa
a representá-la a partir deste ano.

Vem aí Bienal
Whitney 2017
A formação do eu e o lugar do
indivíduo em uma sociedade
turbulenta estão entre os temas-chave
refletidos no trabalho dos artistas
selecionados para a Bienal Whitney
2017. A exposição inclui 63 artistas,
desde emergentes até bem
estabelecidos, individuais e coletivos
que trabalham com pintura, escultura,
VISTO Post nas redes sociais dos
artistas Gustavo e Otávio
Pandolfo, mais conhecidos
desenho, instalação, cinema e vídeo,
fotografia, ativismo, performance, POR AÍ como “Osgemeos”. A
mensagem vai de encontro com
música e design de videogames. A
Bienal de 2017 é o 78º evento do as ações tomadas nos últimos
Museu Whitney em Nova York, em dias pela Prefeitura de São
uma série contínua de exposições Paulo que consistem em limpar
anuais e bienais, iniciada por Gertrude as pichações e os grafites na
Vanderbilt Whitney, em 1932. grande capital.

10 DE ARTE A Z
MARIA LYNCH
Máquina Devir
(Ao meu amor)
POR BERNARDO MOSQUEIRA
Escrevo esse texto com o meu corpo.
Você experimenta o espaço onde
está e lê estes parágrafos com o seu
corpo. O corpo é a dimensão dos
encontros que tecem e atravessam
nossa existência. Está no corpo a
nossa relação com os astros e seus
movimentos, com a natureza e seus
elementos, com as pessoas, a técnica
e a cultura, com as palavras e com o
que não cabe nelas. O que pensamos
é pensado com o corpo, o que
expressamos é expresso com o
corpo. Essa é a nossa máquina de
encontrar, sentir, experimentar,
descobrir, desejar, imaginar, é onde
14 ALTO RELEVO
conhecemos nossos limites, mas
também nossas possibilidades de
transcender na imanência.
É potente e positivo complexificarmos
nossa relação com o corpo. Podemos
nos inspirar em suas dobras, poros,
plasticidades, impermanências,
marcas, delícias e potências para
desenvolver nossas próprias formas
de vivê-lo. Nosso corpo, de
substâncias e densidades tão diversas
e mutantes, pode ser sempre melhor
experimentado - ainda antes de
interpretado.
O corpo é onde podemos ser. Nossas
liberdades, desejos e potências se
realizam transbordando, apesar das
brechas da repressão histórica e
individual que nele carregamos. O
corpo é ainda onde podemos ser
diferentes: estrutura criadora de
maneiras de existir. A presente
exposição, "Máquina Devir", individual
da artista carioca Maria Lynch, surge
justamente do entendimento de que
é nutrindo o corpo com experiências O corpo é onde
"alegres" que ampliamos nossas
capacidades de sentir e, com isso,
podemos ser. Nossas
nossas potências de agir. liberdades, desejos e
Mesmo sendo mais reconhecida por potências se realizam
suas pinturas com o uso ostensivo de transbordando, apesar
cores vibrantes e contrastadas, das brechas da
criando especial relação entre figuras
e fundos, Maria desenvolve também
repressão histórica e
diversas instalações, objetos, individual que nele
performances, vídeos e fotografias. carregamos.
Comemorando 15 anos do início de
sua produção como artista, Lynch,
que desde 2013 estuda e trabalha fora
do país, retornou à sua cidade natal
para lançar um livro retrospectivo e
promover a mostra "Máquina Devir",
que ocupa integralmente os espaços
expositivos do Oi Futuro Ipanema
com um trabalho que alcança uma
radicalidade relacional inédita em sua
produção.
Nessa mostra, o público é convidado
a aproveitar individualmente um
percurso dividido em nove ambientes
lúdicos, oníricos e, por vezes,
perturbadores, que oferecem
propostas para experimentar o corpo
e suas potências. A cada três minutos,
um sinal sonoro indica quando se
deve passar para o próximo ambiente.

À esquerda e acima: Vista da exposição “Máquina Devir” no Oi Futuro. Todas as fotos: Paulo Jabur.
Logo de início, um grande acervo de
fantasias e maquiagens é utilizado por
dois profissionais para caracterizar o
participante de uma forma incomum.
Os ambientes não são filmados, para
que o participante possa aproveitar
os espaços com total liberdade. Nas
salas, desde uma sensual
apresentação ao vivo de "pole dance",
com doses de bebidas alcóolicas, até Almeja-se neste
um ambiente saturado de brinquedos trabalho justamente a
infantis e eróticos, de um banquete
de guloseimas até um mergulho em
transgressão ética dos
uma piscina de balas. Se em alguns espíritos livres, uma
momentos o participante puder terapia para perder a
perceber profundamente a sensação si mesmo na
de infância, é por ter se permitido
conectar ao lúdico - e não mais ao
experiência de criação
fantástico, que é tristemente uma de um novo corpo a
prática mais característica do adulto. cada momento.

16 MARIA LYNCH
À esquerda: Maria Lynch e dançarinos de pole dance. Acima: Sala “O que você mais gosta de fazer?”.
Almeja-se neste trabalho justamente a
transgressão ética dos espíritos livres,
uma terapia para perder a si mesmo na
experiência de criação de um novo
corpo a cada momento. Em uma das
salas, o participante encontra uma
instalação que apresenta, projetando
nas quatro paredes, sequências de
pequenos trechos de vídeos que
mostram as mais diversas formas de
dançar. Em outro ambiente ainda,
depara-se com dois atores vestidos de
palhaço e gorila interpretando um
texto composto por Maria Lynch
como uma dramatização de suas
referências acadêmicas.
É por ter iniciado seus estudos na
Faculdade de Filosofia que suas obras
são recorrentemente construídas e
nomeadas a partir de conceitos
oriundos do campo filosófico. Títulos
utilizados pela artista nos últimos anos
- como "Rizoma", "Além Homem",
"Transvaloração", "Caos", "Vontade de
Potência", etc. - mostram seu interesse
particular nos filósofos da diferença,
como Baruch Spinoza (1632-1677),
Friedrich Nietzsche (1844-1900) e
Gilles Deleuze (1925-1995), de quem
articulou dois importantes conceitos
para nomear essa mostra.
Nas palavras de Maria Lynch: "Usei a
palavra 'devir', pois, para mim, ela
representa a possibilidade de
transformação, um processo que no
presente transborda o limiar entre o
eu e aquilo que o cerca. O uso de
'máquina', por sua vez, foi uma
17
 A artista Maria Lynch na piscina de balas.

brincadeira, pois quando Deleuze experiência transformadora para a

criou a expressão 'máquina de guerra'
ele se referia a um corpo sem limite
que pode tudo. Então, juntei os dois
para fazer alusão à relação humana
com a dimensão da potência, do
acontecimento, do devir."
Essa exposição de Maria Lynch
permite que o participante possa se
carnavalizar corajosamente, viver
crises em suas crenças, encontrar
brechas, penetrá-las, transformar-se
nelas, desfazê-las. Neste trabalho,
sem medo, é possível deixar de lado a
seriedade para poder ser capaz de
criar novos sistemas de valores a
partir das experiências do corpo. Em
resumo, "Máquina Devir" é uma
obtenção de prazer, liberdade,
coragem e alegria, onde se pode tudo,
fora temer.
Maria Lynch • Máquina Devir •
Oi Futuro Ipanema • Rio de
Janeiro • 14/1 a 19/3.
Bernardo Mosqueira é curador
e escritor, um dos fundadores
e gestores do Solar dos
Abacaxis (Rio de Janeiro) e
diretor do Prêmio FOCO
Bradesco ArtRio.

18
XICO CHAVES
POÉTICA EXPANDIDA
Série A volta da tribo extinta. Todas as imagens de obras: Xico Chaves.
 Todas imagens do artista: Foto: Marcelo Magalhães.

ENTRE PINTURAS, POEMAS VISUAIS E OBJETOS, O ARTISTA

XICO CHAVES FALA A DASARTES SOBRE SUA CARREIRA,
DIRETO DO SEU ATELIÊ NO RIO DE JANEIRO

POR LAÍS SANTANA de tantos anos, considero a criação

A multiplicidade é uma característica
genuína em seus trabalhos, você
transita com sutileza por diversos
suportes: são pinturas, poesias
visuais, performances, intervenções
públicas, objetos, fotografias, vídeos,
música, carnaval, dentre outros. Qual
a origem dessa multiplicidade?
Embora meu processo criativo tenha
sido classificado como múltiplo depois
22 ATELIÊ DO ARTISTA
artística uma atividade só, onde as
outras expressões coexistem
simultaneamente. Creio que todas elas
têm a mesma origem, portanto, se
desdobram e expandem quase
instantaneamente. Há momentos em
que a palavra ou a escrita se
manifestam em primeiro plano e há
momentos em que se apresentam em
forma de pintura, desenho, objeto,
intervenção, performances, fotografia,
musicalidade, poema visual e atitudes
que não são classificáveis. Só sei que
fazem parte de uma mesma galáxia
poética em movimento permanente
que vivo de forma integral. Desde que
comecei a criar, ainda na infância,
como todos nós, acredito ser minha
vida mesmo, não uma profissão ou
opção.

Sua primeira obra de arte?

Não me lembro de quando foi minha

primeira obra consciente. Sou um Sou um arquivista e a
arquivista e a cada dia que revejo o cada dia que revejo o
que acumulei ao longo do tempo, acho
que começou em um ponto diferente. que acumulei ao longo
São muitas origens, mas a gênese é do tempo, acho que
uma só: a ação sobre a realidade e a começou em um ponto
memória é infinita.
diferente. São muitas
Assim como Ferreira Gullar, você é origens, mas a gênese
um poeta que se tornou artista visual?
A poesia concreta o influenciou?
é uma só: a ação sobre
Como você vê o manifesto a realidade e a
neoconcreto? memória é infinita.

À esquerda: Xico Chaves em seu ateliê. Foto Nelson Ricardo Martins. Acima: Eu Você e Livro de Pedra.
 Não sei se a poesia me conduziu às artes visuais.
Talvez seja até o contrário, mas como têm a
mesma origem são a mesma coisa.

Em sentido horário: Série infinitos, 1992. Série Nova Matéria, 1987 e Rio, poema gráfico retirado do livro
Trincheira de espelhos (1982).

Não sei se a poesia me conduziu às

artes visuais. Talvez seja até o
contrário, mas como têm a mesma
origem são a mesma coisa. Descobri a
poesia concreta antes de conhecê-la,
assim como a poesia moderna, a
antipoesia, o poema gráfico. Escrevia
sonetos na adolescência e desenhava
no chão e nas paredes com cacos de
telha, tinta com água e outros materiais,
criava objetos com sucatas, pedras,
madeira, pólvora... não via nada demais
nisso. Quando conheci as experiências
vanguardistas, identifiquei-me, mas
sem negar a importância das linguagens
anteriores. O manifesto neoconcreto
24 CHICO CHAVES
 Série Marés, 2008.
e suas consequências romperam com
a formalidade das regras que
direcionavam as artes visuais
convencionais, libertaram-nos para a
tridimensionalidade contemporânea, a
incorporação de todo tipo de material,
o corpo e a diversidade de
pensamento e expressão. De forma
similar, isso aconteceu na poesia, com
o poema-processo, em que a palavra
passa a ser um elemento a mais na
construção da poesia e são inseridas
imagens, fotogramas, composições
gráficas... hoje são incluídas
tecnologias digitais e muitos outros
materiais na poesia contemporânea.
Estamos livres, enfim, dos controles
estéticos e conceituais.
Você participou da famosa exposição
"Como vai você, Geração 80?", com
curadoria do Marcus Lontra, que
propôs uma ocupação do prédio
neoclássico do Parque
Lage, em 1984. Dentre os artistas, você
foi o único poeta. Por quê?
Participei com uma pintura em que
utilizava minerais e pigmentos naturais,
predominantemente minério de ferro
e carvão vegetal. A obra propunha
diversas leituras, vista a diversas
25
distâncias e as cores eram percebidas
por meio da projeção de luz sobre a
tela onde se revelavam pela refração,
difração e reflexão de luz. Não fui eu
que me classifiquei como poeta, foi a
curadoria. Geração 80 foi associada à
transvanguarda, à explosão de cores
e grandes formatos, ao prazer de
pintar, etc. Minha proposta não estava
muito dentro desse recorte, assim
como outros artistas com obras mais
conceituais. Creio que foi bom não ser
classificado apenas como "artista
plástico". Pode ter sido até um
problema, mas continuei me sentindo
livre para dar prosseguimento às
praticas de arte contemporânea da
forma que concebi, em expansão para Creio que toda arte é
todas as direções. A favor e não contra. política por ter como
Sua produção artística é marcada, proposição a
dentre outros aspectos, por ações liberdade de
com ferrenhas críticas político-
sociais. Um bom exemplo é "Olho na expressão e
Justiça" (1992), intervenção pública, e autonomia de
performance, realizada na escultura
"A justiça", de Alfredo Ceschiatti, na pensamento.

À esquerda: Olho na justiça, 1992. Fotos: Arnaldo Lobato. Acima: Forças Ocultas.
 Acima: Obra da série Joanna. À direita: Muito Falo, 2003, objeto da série Situações Arqueológicas.
Praça dos Três Poderes (DF), que
resultou na sua prisão . Você acredita
que a arte deve ter uma
responsabilidade política? Como você
vê a relação arte-política?
Já respondi muito sobre isso pois há
quem me considere um artista político,
o que não é verdade. Há proposições
que adquirem maior projeção na mídia
e elas ainda estigmatizam o artista.
Creio que toda arte é política por ter
como proposição a liberdade de
expressão e autonomia de
pensamento. Há momentos que suas
opiniões se manifestam de forma
simbólica e até mesmo panfletária,
obtendo um grande alcance. No
entanto, uma das funções da arte é
expressar um mundo utópico e até
28 ATELIÊ DO ARTISTA
mesmo inexistente. Prevalece aí a
poética, o exercício da liberdade de
expressão do pensamento. "Olho na
Justiça" adquiriu diversos significados
simultâneos. Até hoje encontro novas
relações nessa intervenção-
performance, que continua atual, é
atemporal. Toca na questão do direito
e da justiça, do inconsciente coletivo e
da realidade social. "Forças Ocultas" e
"Brasília Ibiúna 78" também. Mas a
maior parte do meu trabalho não
apresenta uma proposição política tão
evidente. A pintura com minerais e
pigmentos naturais compreende
também uma revalorização das
questões do meio-ambiente, mas não
é só isso, tem a relação do ser humano
com a natureza, mas apresenta uma
força simbólica e estética mais ampla.
Você desenvolveu uma profunda
pesquisa sobre pintura com pigmentos
minerais. Como se iniciou esse
processo?

A pintura com pigmentos naturais é

uma herança da minha família de
educadores, que formavam
professores e alunos de comunidades
pobres que não tinham recursos para
comprar tinta, papel e outros materiais
e suportes convencionais. Só percebi
que tinha uma função artística e não
apenas didática quando já pintava com No entanto, uma
tinta industrial e havia publicado meus das funções da
poemas, letras de música e poemas
visuais. A partir desse momento,
arte é expressar
concebi um projeto de pesquisa e um mundo
criação com minerais, terras, óxidos e
pigmentos naturais. Aprovei uma
utópico e até
pesquisa junto ao CNPq e aprofundei mesmo
o conhecimento técnico e conceitual
com esses materiais; fiz pesquisas
inexistente.
científicas e um mapeamento das
regiões e dos locais onde poderia
encontrar as cores e as matérias,
suportes e resinas adequadas. Venho
trabalhando há muitos anos nesse
projeto que me revela, a cada dia, uma
infinidade de aplicações e conteúdos.
É altamente sedutor ver e vivenciar os
resultados, sua extrema plasticidade,
versatilidade, multiplicidade e sua
associação com o mundo e sua
interminável poética universal.

Para mais informações, visite o site do

artista www.xicochaves.com.br.

Laís Denise Santana é pós-graduada em

Artes Visuais pela UNICAMP e
graduada em Artes Cênicas pela
UEL. Apaixonada por arte
contemporânea, atua no mercado de
arte carioca, desenvolve projetos de
curadoria e pesquisa as relações
entre arte, política e sociedade.

29
 Casa Vicens, 1883-1888, Barcelona © Casa Vicens Barcelona 2016. Foto: Pol Viladoms.

DO CÉU À TERRA
ANTONI GAUDÍ
 MOSTRA ITINERANTE DO ARQUITETO CATALÃO PASSA POR
SÃO PAULO COM MAIS DE 70 PEÇAS ORIUNDAS DO MUSEU
NACIONAL DE ARTE DA CATALUNHA E MUSEU DO TEMPLO
EXPIATÓRIO DA SAGRADA FAMÍLIA

POR RAIMON RAMIS

Vivemos momentos agitados, de futuro

pouco definido. De alguma forma, tudo
o que acreditávamos que era
definitivamente imóvel voltou a se
mover. Os limites permanecem
incertos e não acabamos de decifrar
qual será o futuro das coisas. A
tecnologia está removendo as
estruturas de conhecimento e,
obviamente, todo o sistema treme.
Às vezes, pensamos que algo é novo,
mas não é assim; se olharmos para trás,
percebemos que, a partir de meados
do século 19, têm havido uma série de
mudanças culturais, sociais,
econômicas e políticas que abalaram o
mundo mais de uma vez. Mas, acima de
tudo, nos obriga a rever o que já
conhecemos e acreditávamos que era
imutável.
Acima: Retrato de Antoni Gaudí em 1878 ao terminar seus estudos em arquitetura.
Nesses momentos de mudanças, as
ideias acontecem, se apoiam uma à É precisamente
outra. É difícil ver o que está nesses momentos
acontecendo, não há tempo para
assimilar as coisas, embora em que a arte se
suspeitamos que algo está mudando. manifesta como um
É precisamente nesses momentos em
que a arte se manifesta como um espaço de
espaço de confronto, de reivindicação confronto, de
do tradicional e visão do que está por
vir. De alguma forma, a arte se torna reivindicação do
universal quando é capaz de tradicional e visão
vislumbrar as mudanças que a
sociedade deve enfrentar. do que está por vir.
Gaudí viveu na virada dos séculos 19 e
20, uma época de grande agitação
cultural, social e ideológica. Sua visão
de mundo foi se trancar cada vez mais
com os princípios do catolicismo
32 CAPA
tradicional; contrariamente, sua
concepção arquitetônica foi se abrindo
aos postulados mais racionalistas que
revolucionaram a arquitetura e,
obviamente, o conceito de cidade, com
tudo o que isso comporta.
Essa luta entre a modernidade e a tradição
que se estabelece na mente de Gaudí é o
que explica os caprichos estilísticos do
arquiteto em suas obras. Desde o
barroquismo na fachada do nascimento da
Sagrada Família ao minimalismo
racionalista das escolas provisórias no
mesmo templo, hoje Basílica. Além disso,
seu gabinete com os preceitos religiosos
e sua espiritualidade marcam a criação de
sua linguagem arquitetônica.
Se olharmos para suas primeiras obras,
como a casa Milà ou as soluções para a
construção da Sagrada Família, o arquiteto
se retira, de uma arte a serviço da
ostentação e do luxo, para umas formas
mais eminentemente orgânicas, mas de
uma racionalidade esmagadora. Na mente

À esquerda: Casa Vicens, 1883-1888, Barcelona. © Casa Vicens Barcelona 2016. Foto: Pol Viladoms. Acima:
Maquete da Casa Batlló, Coleção particular e Bellesguard, 1900-1909, Barcelona, © Peres Vive. Triangle postals.
Casa Vicens, 1883-1888, Barcelona © Casa Vicens Barcelona 2016. Foto: Pol Viladoms.
do arquiteto, seu princípio de que a seu princípio de que
natureza é a origem de tudo, e que isso
é uma criação de Deus, confronta com a natureza é a
as suas capacidades criativas, suas origem de tudo, e
soluções nascidas da abstração
geométrica, ou seja, a capacidade do que isso é uma
homem de reformular os princípios da criação de Deus,
natureza a partir do raciocínio
abstrato. E, claro, nessa racionalidade
confronta com as
ele sobrevive o princípio natural que suas capacidades
só sobrevive o necessário, o essencial
para a sobrevivência da espécie,
criativas, suas
aquilo que não tem utilidade morre. soluções nascidas da
Sua obra é uma reconstrução da
natureza, no sentido mais conceitual.
abstração
O naturalismo educado, maneirista, geométrica…
herdado do romantismo, não tem lugar
no último Gaudí. Sua concepção da
arquitetura se alinha mais na eficiência
das formas naturais do que na
recreação paisagista dos artistas do
final do século 19.
36 ANTONI GAUDÍ
À esquerda: Palau Güell, 1886-1888, Barcelona. Acima: El Capricho, 1883-1885, Comillas.
© Peres Vive. Triangle postals.
 Janela da nave cenrtal da Basílica da Sagrada Família. Junta Constructora del Temple Expiatori de la Sagrada Familia.

38 CAPA

É por essa eficiência da leitura que nos
faz entender que Gaudí desenvolveu
soluções que coincidem com os
futuros postulados racionalistas que
surgiram quase ao mesmo momento
de sua morte.
Gaudí é o resultado de uma dupla
discussão, a técnica arquitetônica e
sua eficiência, por um lado, e da
ordenação espiritual da sociedade do
outro; das contradições entre o céu e
a terra.
Maquete do conjunto da Basílica da Sagrada Família. Junta Constructora del Temple Expiatori de la Sagrada Familia.
Gaudí: Barcelona, 1900 • Instituto
Tomie Ohtake • São Paulo •
19/11 a 5/2
Raimon Ramis é curador, fotógrafo
de arquitetura e historiador em
arte pela Universidade de
Barcelona. Atualmente é gestor
cultural e diretor de Projetos da
Fundação MediaBus no Chile.
39
 LIVROS lançamentos

O terceiro setor na gestão da Cultura: A perspectiva a partir

do Museu de Arte do Rio
Org. Carlos Gradim
Instituto Odeon

A publicação apresenta um relato da experiência do

Instituto Odeon à frente da gestão no museu, a partir
de discussões sobre gestão da cultura e o modelo de
gestão por organizações sociais trazidas por autores
convidados de diversos setores, como Claudinéli
Moreira Ramos, Allan Rocha de Souza, Vitor de
Azevedo Júnior, Cláudio Lins Vasconcelos, Erich
Bernat Castilhos, Pedro Paulo de Toledo Gangemi,
Luciane Gorgulho, Eder Campos, Bruno Pereira e
outros.

O museu como veículo de desenvolvimento crítico e social

Liliana Coutinho e Sara Antónia Matos
Documenta - 140 p. - R$ 60,00

Na contemporaneidade, os museus anseiam, cada vez

mais, chegar a novos públicos e marcar a diferença na
vida das pessoas. Além da actividade expositiva, a
instituição museológica procura agora gerar eventos
de todo o género (conferências, debates, workshops,
simpósios, visitas às reservas, lançamentos de
publicações, etc.). No âmbito desta nova dinâmica, esta
publicação dá conta do trabalho realizado durante três
anos e meio pelo Serviço Educativo no Atelier-Museu
Júlio Pomar e surge como o meio e o momento
oportunos para refletir sobre a função deste serviço
no domínio mais lato da ação do museu.

40
O artista como ele é
Julião Sarmento. Conversas com Pedro Faro e Sara A. Matos
Documenta - 168 p. - R$ 50, 00

O título insere-se na coleção Cadernos do Atelier-Museu

Júlio Pomar e dá seguimento ao projeto de entrevistas que
se iniciou com Júlio Pomar: O Artista Fala… [2014],
continuou com Rui Chafes: Sob a pele… [2015], surgindo
agora a propósito da exposição “Void”: Júlio Pomar & Julião
Sarmento.
As entrevistas são feitas por ocasião do programa de
exposições do Atelier-Museu que cruza a obra do pintor
com artistas convidados, mostrando novas relações
daquele com a contemporaneidade.
Esta publicação poderá servir para o leitor acompanhar e
desvendar alguns dos processos mais exigentes e
enigmáticos do mundo da arte, nomeadamente a criação
artística e a concepção de exposições.

Fotogramas - Ensaios sobre fotografia

Org. Margarida Medeiros
224 p. - R$ 70,00
A história da fotografia oscilou sempre entre o assumir do
valor documental da imagem, enquanto indexicalidade pura,
e a forma como diferentes épocas se pretenderam demarcar
dela, a partir do dispositivo da Arte mas também do jogo e
da experiência lúdica que a fotografia propicia desde o seu
início. Devido ao seu carácter de representação “pobre”
(Dominique Baqué 1996), mas, simultaneamente, face à
incontornável vizinhança que estabelecia com a pintura, foi
abordada simultaneamente como objeto industrial e como
forma de arte. A sua história e ontologia oscilaram assim entre
o formalismo oriundo da História da Arte e uma visão mais
populista que, ao pretender abranger toda a transversalidade
cultural da fotografia procurou também generalizar sobre a
sua natureza artística.
41

A luz que vela o corpo é a mesma
que revela a tela
Caixa Cultural • Rio de Janeiro •
15/1 a 12/3
POR POLLYANA QUINTELLA
Dizem as más línguas que falar de pintura
contemporânea pode provocar calafrio,
tontura e taquicardia. Entre o peso da
tradição e certa destreza reivindicada, há
quem prefira simplesmente recusá-la. Ou,
por outro lado, assumi-la como gesto
hercúleo, de coragem. Há ainda aqueles
outros que resistem ao drama desses dois
extremos, reconhecendo no pictorial não
aquilo que nos exime ou nos salva; mas nos
impregna. Não à toa, “A luz que vela o
corpo é a mesma que revela a tela” é uma
exposição de 36 pintores contemporâneos
brasileiros, e com pesquisas diversas, ainda
em formação ou mais consolidadas, entre
nomes como Dalton Paula, Thiago Martins
de Melo, Camila Soato, Gisele Camargo,
Alan Fontes, Marcelo Amorim e Vitor
Mizael.
Seu exercício poético já começa no longo
título, anunciando a promessa não de um
mapeamento geracional - tentativa
perigosa -, mas de um olhar curatorial que
optará pelo estado de fabulação. As obras
estão divididas em nove núcleos nada
usuais, agrupadas mais pelo contraste do
que pela afinidade. Os textos que as
acompanham estão estruturados em versos
(como poemas) que constroem certa
atmosfera para a leitura das obras. Em "O
belo e não", núcleo em que participam
42
RESENHAS exposições
Paloma Ariston, Ana Elisa Egreja, Pedro
Valera e Rafael Carneiro, por exemplo, o
texto recorre ao humor e às referências
cotidianas para discutir o problema da
beleza na pintura de maneira
despretensiosa: "as imagens da câmera de
segurança de um museu e as fotos de perfil
do Tinder / a loja de decoração e a galeria
de arte". Assim, constrói-se um percurso
livre advertido pelo lirismo, buscando
contaminações e cruzamentos possíveis,
em que uma mesma obra poderia se
encaixar em mais de um tema. Não se sabe
se seria possível de outro modo: Bruno
Miguel, que assina a curadoria, é, antes,
artista. O que interessará, portanto, é o
que vela e revela, o que encobre e
desnuda, operação da poesia que
reorganiza o real, ou como a insistência da
velatura que acumula transparências para
então fazer ver. Se a tradição conclamaria
para a pintura o princípio de uma janela
para o mundo, aqui veremos outro
vocabulário arquitetônico, entre a quina, o
canto e a dobra. Polifonia que nos
informará que a pintura segue. E seu
horizonte é vasto.
Pollyana Quintella é poeta,
crítica e curadora. Coeditora da
revista USINA e pesquisadora
da Casa França-Brasil.
 Autorretrato com filhos e mameluca.

LEONORA WEISSMANN
SELECIONADA PELO CONSELHO EDITORIAL DASARTES, A
ARTISTA MINEIRA É A PRIMEIRA VENCEDORA DO CONCURSO
GARIMPO. A VOTAÇÃO CONTINUA EM DASARTES.COM.BR

POR ELISA MAIA testemunho visual ao retratar quatro

"Autorretratos no Novo Mundo" foi o
trabalho que Leonora Weissmann
começou em 2007, em diálogo com as
célebres pinturas de Albert Eckhout,
pintor que veio ao Brasil na comitiva
trazida por Maurício de Nassau
durante a ocupação holandesa.
Seguindo sua tarefa de documentar a
paisagem e a vida no "novo mundo",
Eckhout deixou um valioso
44 GARIMPO
casais brasileiros - mameluca e
mestiço, africanos, índios tupis e
índios tapuias - e classificá-los em
estágios civilizatórios. No estágio
mais inferior desse mapeamento
etnográfico estavam os tapuias que,
praticantes do canibalismo ou
antropofagia, personificavam o
extremo da alteridade ocidental
cristã, o arquétipo do "outro
selvagem". Assim, no retrato da índia
tapuia, uma mulher quase nua carrega
nas costas um cesto com membros
humanos decepados e aos seus pés
um cachorro lambe do chão o sangue
que escorre ainda fresco. O contraste
em relação à índia tupi, "mais
aculturada" que a tapuia, é bem
marcado, uma vez que ela é retratada Leonora faz uso de
mais vestida, carregando um cesto uma técnica vigorosa
com utensílios, mandioca e farinha em para se retratar como
uma paisagem que exibe um campo uma jovem artista
cultivado.
contemporânea,
Leonora parte dos retratos femininos
incluindo em suas
de Eckhout para se colocar no lugar
dessas mulheres - "aproveitando o
imagens objetos como
tom classificatório do bestiário uma bola de piscina,
humano proposto pelas pinturas, que um colete salva-vidas
falam mais da dominação holandesa ou um Snoopy de
no Brasil do que do próprio Brasil, me pelúcia.
autorretrato, incluindo meu universo
como mulher, mãe e artista." Seus
autorretratos, pinturas exuberantes,
incluem pequenas "janelas" nas quais
a artista reproduz as famosas pinturas
de Eckhout, sobrepondo diferentes
significados, estereótipos e tempos.
Assim, em diálogo com essas
mulheres que carregam utensílios
típicos de um Brasil colonial, Leonora
faz uso de uma técnica vigorosa para
se retratar como uma jovem artista
Autorretrato com Theo e a gruta.

contemporânea, incluindo em suas

imagens objetos como uma bola de
piscina, um colete salva-vidas ou um
Snoopy de pelúcia. Essa apropriação
é também um gesto de
desapropriação, de des-
hierarquização e desconstrução do
esquema taxonômico imposto aos
habitantes daqui pelo olhar do
homem europeu - "um misto de ficção

45
e realidade que, de uma forma ou de
outra, influenciou na formação da
imagem da mulher na história
brasileira", conta.
O conjunto do trabalho engloba os
quatro grandes autorretratos, outros
conjuntos de pinturas menores e
textos que abrem janelas para fora da
própria pintura, como "Céu de Cajus"
e "Deslocamento". Os textos são do
biólogo Luis Emygdio Filho sobre as
pinturas de Eckhout - descrições
científicas sobre as figuras e as
Autorretratos no Novo Mundo. Fotos: Cortesia da artista.
46 GARIMPO
paisagens. Se as pinturas de Leonora
não deixam de ser descrições
minuciosas da superfície de um
mundo recortado, as descrições de
Emygdio não deixam em certo sentido
de se aproximar de pinturas,
propondo novas visualidades que se
Elisa Maia é formada em direito
e letras e mestre em literatura,
cultura e contemporaneidade.
Interessa-se especialmente
pelas relações entre literatura e
artes visuais.
 COLUNA DO MEIO
Quem e onde no meio da arte
Fotos: Paulo Jabur

Max Perlingeiro, Gabriela Moraes e Leonel Kaz, Laura Monteiro e

Luiz Antonio de Almeida Braga Ascânio MMM

Abraham Palatnik
CCBB
Rio de Janeiro

Ângelo Venosa e Abraham Palatnik Iole de Freitas e Abraham Palatnik

Cabelo, Felipe Scovino, Anita Schwartz e

Ricardo Rego Vandinha Klabin e Guilherme Vergara
Fotos: Paulo Jabur

Juliana Blau, Maria Lynch, Anita Adriana Barreto, Ângelo Venosa e

Schwartz e Alberto Saraiva Renata Lima

Maria Lynch
Oi Futuro Ipanema
Rio de Janeiro

Neville d'Almeida e Cesar Oiticica Filho Maria Lynch e Alexandre Murucci

Beto Silva e Alberto Saraiva Rodrigo Andrade, Maria Lynch e Lucas Lins
 Fotos: Denise Andrade
Fernanda Resston, Nazareno e Afonso Tostes Fernanda Resstom, Gustavo Carneiro e Viviane Neto

Amalia Giacomini
Galeria Lume
São Paulo
Paulo Kassab Jr, Amalia Giacomini e
Renata Castro e Silva e Alexandre Roesler Felipe Hegg

Carlos Eduardo Sobral e Felipe Hegg Raul Mourão e Afonso Tostes

Fotos: Leda Abuhab

Helio Seibel, Tuneu e Myra Arnaud

Babenco Danielle Bretas e Brigitte Kammerer

Tuneu + Coletiva
Galeria Raquel Arnaud
São Paulo

Cintia Rocha e Yannick Bourguignon Denise Berni e Silvia Segall

Raquel Arnaud, Myra Arnaud Babenco

Teresa Carraro e Roberto Bertani e Lu Rodrigues
 ALTO FALANTE
Por Alexandre Sá

Pequenas considerações
sobre ensino e sistema de arte

Cresci ouvindo que arte era algo distante e exótico. Ao longo de alguns anos de trabalho,
essa afirmação se repetiu algumas vezes; vinda inclusive de setores e regiões bastantes
respeitadas do saber. Vinda de agentes com os quais eu tive que lidar, trabalhar para, ou
mesmo, ministrar palestras. Arte como trabalho, sempre foi algo pouco compreensível. No
caso brasileiro, é perceptível que as Artes Visuais ainda não conseguiram estabelecer um
elo constante com a cultura, caso não seja amparada por um sistema muito específico de
espetáculo, lojas de museus, pequenos souvenires, objetos decorativos e entretenimento.
Mas tal área não é isso também? Será que haveria ainda algum purismo no que se refere às
exposições e seus pseudópodos? Será que não é parte do devir capital um conjunto de
adereços que são imprescindíveis para a manutenção e a rota de um sistema de circulação
de capital que envolve uma maquinaria muito específica, negociações precisas e
paradoxalmente longínquas, inserções de marcas, patrocinadores, projetos e tudo o mais?
Sim. Obviamente. Aqui e em qualquer lugar do mundo. Talvez ainda nos falte dois elementos
muito simples: certa dobra inevitável deste aparelho para que ele acredite de fato no seu
potencial transformador, político e ético; além de um investimento mais potente na
formação de um público que se daria por meio de um conjunto de ações educativas em
longo prazo que, por sua vez, apesar de pensarem inevitavelmente no lucro, ainda seriam
capazes de compreender certa missão que lhe atravessa e é, por mais clichê que pareça,
determinante para a constituição de uma cidade, de um Estado e de um país.
Se os investidores se tornassem capazes de compreender que é decididamente possível
uma fratura em sua ferocidade natural para a abertura de um campo semântico, simbólico,
comunitário e poético que pode ser atravessado por um eixo educativo e que tal
aproximação não precisa soar necessariamente ingênua, outro rumo poderia vir a surgir
naquilo que compreendemos como cultura e, provavelmente, não viesse a nos envergonhar
de maneira tamanha (diante de sua precarização constante).
Por certo, no momento atual em que nos encontramos, tal proposta pode ainda parecer
mais estúpida, já que estamos tendo nossa dignidade sendo solapada de maneira contínua.
Mas seria de todo impossível? A aproximação mais lúcida entre investimento, exposição e
ensino seria algo inviável em um país como o nosso, mesmo que ainda não tenhamos tido
tempo de compreender e ultrapassar nossa herança histórica de saques, violência,
dominação, silêncio, coronelismo e conforto; ou, melhor dizendo, de certo gozo no
sofrimento em si, desde que resguardado o pseudoprazer de uma vantagem por cima de
qualquer outro que seja (um outro-cultural histórico)? É óbvio que toda a falta de estrutura
e manutenção, do mau-humor no atendimento, do descompromisso ou das figuras de poder
que exercitam cotidianamente o mal de subjugar um outro são elementos que existem em

50
qualquer lugar do mundo; mas talvez ainda nos reste algum tempo de verificar se a nossa
particularidade em relação a todos esses assuntos não tem sido extremamente perversa.
Dois exemplos parecem surgir aqui vindos de um estrangeiro muito próximo: em algum ano
que já não lembro mais, visitava uma exposição no Beaubourg com obras de Ad Reinhardt.
A cena era simples. Uma turma pequena de crianças com seus seis ou sete anos e uma
mediadora. Não havia um caminhão despejando escolas municipais a todo tempo na entrada
da exposição provocando uma gritaria insuportável. Não havia grupos de animadores de
auditório com suas pseudoperformances recheadas de algum histrionismo. Não havia nada
além da mediadora, as crianças e Ad Reinhardt. Conversavam animadamente sobre o que
viam, como sentiam, sobre alguma lembrança eventual. Havia algo de sagrado nada católico
naquelas pequenas falas compromissadas com aquele azul sem profundidade e um tipo de
relação muito íntima e respeitosa entre eles e entre todos nós visitantes. Tudo silencioso,
educado e sem escândalo. Nós não éramos um número. Ou, caso fôssemos, a cena era
construída de maneira digna.
Na mesma viagem milagrosa e de pouquíssima grana, trabalhei acompanhando projetos de
uma escola técnica de arte no Sul da França. Sim, todos tinham tudo à disposição e a escola
possuía uma estrutura que revelava a compreensão histórica da importância de tal prática
para a comunidade, para a região, para o turismo, para o espetáculo, para a realimentação
do sistema e tudo o mais. Nada era ingênuo. Em alguns momentos, os alunos organizavam
uma exposição para seus professores e alguns curadores. Era um ato solene. Eventualmente
cruel, pois, afinal, espíritos sem luz existem em qualquer lugar do mundo (da mesma maneira
que em qualquer cama); mas a relação de respeito mútuo e de tentativa de
operacionalização de fazer o melhor e, sim, (pasmem!) dizer o melhor, era memorável. Dos
dois lados. Sim, eram inevitavelmente dois lados amparados por algum tempo de estudo a
mais, mas havia um desejo de encontro. O algoz estava dentro de cada um e todos sabiam
disso. E mesmo que também, nesse caso, o desejo fosse semblante, algo de educação se
dava ali. Talvez algo que todos tenham trazido de casa. Com todos os seus flancos. Com
todos os seus buracos. Com todas as suas lágrimas e perversidades íntimas.
Paro agora. Releio o texto. As duas cenas anteriores parecem imbecis por sua certeza.
Obviamente, existem muitos outros exemplos tão ou muito mais potentes que esses em
lugares inimagináveis do Brasil e do mundo. Surgiram aqui como uma lembrança muito clara
e como um exemplo de trabalho que vivi e carrego na memória. E talvez me desenhe agora
alguma vergonha em virtude de ter sido deliciosamente e militarmente preparado para e
por um tipo de cultura que economicamente e geologicamente nunca fui capaz de viver por
inteiro. Por outro lado, acho que são imagens relevantes porque explicitam a possibilidade
de driblar a lógica produtiva perversa que atravessa a formação em diversos níveis aqui,
neste tal lugar que chamo de país.

…estamos tendo a nossa dignidade sendo solapada de

maneira contínua.

51
 …o sucateamento da educação é um projeto bem estruturado que
vem acompanhado de um desejo de retrocesso político…

Por certo, o sucateamento da educação e da pesquisa científica que vivemos é um projeto

bem estruturado que vem acompanhado de um desejo de retrocesso político, econômico e
moral erigido pelas velhas e já conhecidas elites. Por outro lado, talvez ainda nos caiba
alguma responsabilidade diante do cenário que se descortina e da lassidão estabelecida
como regra. E como esse assunto todo parece clichê, nada mais justo que terminar o texto
sem terminá-lo, apenas levantando algumas questões (que podem ser continuadas pelos
senhores) que talvez desaguem em outro texto nosso a ser construído na prática:
- Quais pesquisas existem sobre o escoamento e o aproveitamento dos discentes pelo
mercado de trabalho nos cursos de Artes Visuais/História da Arte no Brasil?
- Qual a última exposição que você visitou no Brasil que conseguiu produzir um catálogo
denso e que, em certo sentido, fosse capaz de construir teoria a partir daquilo que era
exposto, ou o seu contrário?
- Nomes de curadores-pensadores para além de uma mera assinatura e uma boa sessão de
fotos?
- Por qual razão o ensino da arte (a licenciatura) ainda é vista como um campo menor das
outras áreas?
- Seu professor de licenciatura já entrou em sala de aula - pública, de preferência? Procure
saber.
- Exemplos de relações híbridas entre escola de arte e sistema de arte que, de fato,
acreditem no potencial do trabalho, que estabeleçam diálogos justos e jamais façam uso de
um dinâmica perversa de poder?
- Sua escola de arte o obriga a ficar horas falando sobre todos os conceitos que atravessam
o trabalho?
- Nomes de museus com setores de arte-educação/mediação que hoje consigam de fato
promover e provocar um programa de pensamento, reflexão e resultados?
- Conhece algum amigo que passou a vida inteira ganhando bolsa de pesquisa e jamais
devolveu (nem que seja uma migalhinha) para a comunidade?
- Já escreveu um artigo que só foi lido por seus pares?
- Exemplos de museus e espaços culturais com bancos confortáveis para corpos cansados
e pessoas de idade?
- Sabe o que está acontecendo na UERJ?
- Onde estão suas panelas?

Alexandre Sá é pós-doutor em Estudos Contemporâneos das Artes

pela UFF; Doutor e mestre em Artes Visuais pela UFRJ; Diretor
do Instituto de Artes da UERJ; Coordenador do curso de Artes
Visuais da Unigranrio; Professor do Programa de Pós-graduação
em Artes da UERJ; Editor-chefe da revista "Concinnitas";
Professor da Casa França-Brasil; artista; curador; crítico de arte.

52 ALTO FALANTE
Lançada em 2008, a Dasartes é a
primeira revista de artes visuais do
Brasil desde os anos 1990. Em 2015,
passou a ser digital, disponível
mensalmente em seu aplicativo para
tablets e celulares e no site
dasartes.com.br, o portal de artes
visuais mais visitado do Brasil.

Para ficar por dentro do mundo da

arte, siga a Dasartes.

facebook.com/dasartes

@revistadasartes

@revistadasartes

Assine grátis nossa

newsletter semanal em
www.dasartes.com.br e saiba
das melhores exposições e
notícias da arte.