CENTRO DE ENSINO PODIUM

SERVIÇO TÉCNICO PEDAGÓGICO

DIVISÃO DOS CONTEÚDOS

2ª SÉRIE - 1º SEMESTRE

1º E 2º BIMESTRE

SEMANA AULA CONTEÚDO

1º BIMESTRE
1ª Semana (08 à 12/02) Aula 1 – 08/02 Da arte moderna até a arte contemporânea
2ª Semana (22 à 26/02) Aula 2 – 22/02 Fauvismo (ou fovismo) (1904-1908)
Semana de ajuste
01/03 Revisão
(01 à 05/03)
Provas
08/03 Artes
(06, 08, 09 e 10/03)
3ª Semana Aula 3 – 15/03
Cubismo
(11 à 17/03 e 18/03) Correção Prova
4ª Semana (22 à 26/03) Aula 4 – 22/03 Abstracionismo
5ª Semana (29 à 31/03) 29/03 Atividade em sala de aula – T.C.
6ª Semana (05 à 07/04) Aula 5 – 05/04 Futurismo
Semana de ajuste Aula 6 – 12/04 Dadaísmo
2º BIMESTRE
7ª Semana (17 à 23/04) Aula 7 – 19/04 Surrealismo
Aulas 8 e 9 –
8ª Semana (26 à 30/04) Pop Art / Op Art
26/04
9ª Semana (03 à 07/05) 03/05 Atividade em sala de aula – T.C.
Semana de ajuste
Aula 10 - 10/05 Art Nouveau
(10 à 14/05)
10ª Semana (17 à 21/05) Aula 11 - 17/05 Art decó
11ª Semana (24 à 28/05) Aula 12 - 24/05 Minimalismo
Semana de ajuste Aula 13 - 31/05 Instalação
Semana de ajuste
07/06 Revisão
(01 à 04/06 e 07/06)
Provas
09/06 Artes (8h20 às 9h10)
(08, 09, 10 e 11/06)
12ª Semana (14 à 18/06) Aula 13 - 14/06 Instalação (continuação)
Semana de recuperação
21/06 8h20 às 9h10
(21 à 25/06)
Provas de Recuperação
28/06 8h20 às 9h10
(26 à 30/06)

1
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio

1º semestre modernas e acadêmicas, assim como vai ver também,

1 - Da arte moderna até a arte contemporânea em obras modernas, antecipações de aspectos
Se a obra moderna faz de seu objeto principal a encontrados na Arte Contemporânea. Mas é
materialidade da cor e da forma, a obra fundamental lembrarmos que, assim como a arte
contemporânea faz de si mesma, um objeto, a arte- moderna não pode ser analisada sob o ponto de vista
objeto. Se a Arte Moderna propõe uma revolução no da arte acadêmica, a arte contemporânea não pode ser
universo das sensações e da forma, a Arte pensada, estudada e compreendida da mesma
Contemporânea a propõe no campo das ideias, maneira que a arte moderna. Não podemos analisar
abrangendo esferas não artísticas como a política, o um tipo de arte a partir de parâmetros de outro tipo
corpo, a sexualidade, a filosofia, a ética e demais de arte. Cada movimento artístico deve ser analisado
interfaces estabelecidas pela produção cultural de de acordo com o seu contexto e a partir dele.
nossos dias. Lembre-se sempre que uma obra de arte não é um
Enquanto a Arte Moderna ressalta a autonomia da ponto final, que condensa concepções e preceitos, ela
obra de arte, separando-a da vida real, a implica em um processo iniciador, ponto de partida
Contemporânea contextualiza a obra, aproximando-a para se repensar e refletir a arte e a vida.
da vida e do seu contexto social. Com a Arte
Contemporânea o espectador está definitivamente
banido do seu lugar de mero contemplador da arte;
ele é intimado a participar, a pensar, a penetrar no
universo de criação. A Arte Contemporânea
extrapola os limites anteriores, criando novas e
infinitas linguagens e meios expressivos para a arte.
Enquanto a arte moderna nega a arte do passado, a
arte contemporânea não acredita que o passado seja
algo de que é preciso se libertar, ou que tudo tenha
que ser completamente diferente. Ao contrário,
pretende que o passado esteja disponível para
qualquer uso que os artistas queiram lhe dar.
Podemos concluir que são bastante complexas as
transformações propostas tanto pela modernidade
como pela contemporaneidade na arte. Mas é
importante que percebamos que os movimentos
nascem uns dos outros, se desenvolvem uns a partir
dos outros e de seus contextos. E, é importante
destacar, se revisitam continuamente. Como diz o
historiador da arte Giulio Argan, “em arte há
mudança, sem progresso”. O pensamento
de Argan questiona o conceito de evolução linear
associada à ideia de progresso. Ressalta o movimento
de ir e vir dos movimentos artísticos, o aspecto
cíclico e consequentemente interligado entre os
diversos momentos da história da arte e seus
movimentos estéticos e filosóficos.
Por isso, você vai ver em algumas obras
contemporâneas, citações ou reminiscências de obras
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio

As Vanguardas Europeias crises de risos ao ver seus quadros. (STRICKLAND,

“Com a explosão das vanguardas nas primeiras 1999, p. 130)
décadas do século. A obra de arte passou a ser tudo e Seus principais
qualquer coisa. Nenhum Ideal teórico, nenhum artistas foram:
princípio formal poderiam mais defini-la ou Derain,
qualificá-la a priori. Seguindo um movimento Vlaminck,
paralelo ao da ciência - e até da própria realidade, Dufy, Rouault,
com o afluxo das massas - a arte tornou-se Estranha. Braque e
A sua aparência mesma mostrava-se oposta ao Matisse. O texto
mundo das aparências, com o qual sempre esteve abaixo traz
(problematicamente) ligada. A Modernidade informações sobre Matisse, que é o mais conhecido
apresentava de início um sentido manifestamente artista do fauvismo. No quadro de Matisse, o
liberatório, caracterizava-se pela disponibilidade sombreamento perde sua função. Novamente, a
absoluta: parecia possível fazer tudo. Com tudo. em intenção não é de retratar algo tal qual é visto na
qualquer direção. Bigode e cavanhaque na Mona natureza, mas fazer uma representação da vida.
Lisa, peças de mictório em museu, assim por diante. Advindo do francês les Fauves – “as feras”, o
Mas o gesto de liberar implica uma situação de movimento artístico chamado Fauvismo ou Fovismo,
opressão, uma situação insustentável.” (Ronaldo vindo do impressionismo tem seu início do século
Brito) XX. O estilo começou em 1901, mas só foi
2 - Fauvismo (ou fovismo) (1904-1908) denominado e reconhecido como um movimento
“O Fovismo não é tudo, é apenas o começo de artístico em 1904-1905. Os pintores fauvistas foram
tudo” (Matisse) influenciados por: Van Gogh, através de seu
O Fauvismo foi um movimento francês cujas emocionalismo e ardor passional no uso das cores, e
principais características foram o uso de cores por Gauguin, com seu primitivismo e visão sintética
saturadas, fortes e explosivas. As formas e a da natureza. Procurava-se uma arte que transmitisse
perspectiva eram distorcidas e normalmente não equilíbrio, pureza e serenidade, segundo Henry
utilizavam sombreamento, preferindo cores chapadas, Matisse, diferente do expressionismo, essa corrente
ou seja, com pinturas sem detalhes, sem gradação de artística buscava se distanciar de temas perturbadores
cor. ou deprimentes. Utilizavam em suas obras cores
A crítica da época ficou tão horrorizada quando se violentas, de forma arbitrária.
deparou com a força visual de suas representações, A nova estética obedece aos impulsos instintivos
que os chamou de “Feras” (fauve), e é daí que vem o ou as sensações vitais. Criar
nome deste grupo. desobedecendo a uma ordem
Os críticos intelectual, onde as linhas e
chegavam a dizer as cores devem jorrar no
que o Fauvismo era mesmo estado de pureza das
um estilo de crianças e selvagens,
“loucura rematado”, afrontando os cânones
“universo de tradicionais da pintura. A tela
feiúra”, “(...) tem ausência da
criança brincando tridimensionalidade, pois se
com tinta”, e por apresenta de forma plana
último, os fornecendo apenas
expectadores comprimento e largura.
chegaram a ter Basearam-se na força dos
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio

matizes saídos das bisnagas de tinta. A realidade era compõem um todo orgânico. Mas esse objetivo não
deformada com a finalidade de produzir o estado de era procurado apenas pela associação das figuras. As
espírito do artista diante do espetáculo oferecido pela cores puras e estendidas em grandes campos, como o
natureza em movimento (reflexos dos tons vivos azul, o amarelo e o vermelho, são também
sobre a água e galhos retorcidos). A nova geração de fundamentais para a organização da composição.
artistas buscava recomeçar sem se preocupar com a Exercício
composição. Na ânsia de pintar o estado de graça, 1- Acentue as características das obras fauvistas e a
muitas vezes aplicava-se a tinta diretamente na tela, intenção dos artistas na revolução de uma nova
onde os vermelhos, os amarelos, os verdes uivavam e arte.
antecipavam o gosto moderno pela cor pura. Era o
novo espírito de síntese, que deixava para segundo
plano o desenho e a forma. Os elementos formais
tornaram-se deformadores e criavam contrastes ou
harmonia de coloridos inexistentes no mundo visível.
Não se deixaram escravizar pelos aspectos visuais da
realidade e do naturalismo. 2 – Observe as obras e descreva a mudança das artes
A nova arte surgiu como verdadeira libertação da dos períodos anterior relacionando com as obras
realidade objetiva e foi construída pelas sensações fauvistas.
visuais impulsivas dos artistas. Características da
pintura: A simplificação das formas e utilização
maciça de cores puras; A pouca, ou nenhuma,
gradação entre os matizes; As pinceladas, largas e
definitivas, que continham espontânea gestualidade;
A utilização da cor na delimitação dos planos e na
sensação de profundidade; A escolha dos matizes
Anotações
sem relação com a realidade; O movimento rítmico
__________________________________________
sugerido pelas linhas, texturas e pela continuidade
__________________________________________
dos elementos desenhados; Impulsividade e
__________________________________________
experimentação, em vez de exaustivos estudos
__________________________________________
preparatórios; Temas cotidianos que retratavam
__________________________________________
emoções e a alegria de viver; A tradução de
__________________________________________
sensações elementares, no mesmo estado de graça
__________________________________________
das crianças e dos selvagens; Henry Matisse seria o
__________________________________________
pintor que se destaca por sua expressão nas obras,
__________________________________________
pois tem como característica a despreocupação com o
__________________________________________
realismo, tanto em relação ás formas das figuras
__________________________________________
quanto em relação ás cores.
__________________________________________
O que importa em suas seriam a maneira na qual
__________________________________________
as obras era representadas e não as coisas em si.
__________________________________________
Assim, as figuras interessam enquanto formas que
__________________________________________
constituem uma composição. Em natureza-morta com
__________________________________________
Peixes Vermelhos, quadro pintando em 1911,
__________________________________________
podemos observar, que o importante para Matisse é
__________________________________________
que as figuras tais como a mulher, o aquário, o vaso
__________________________________________
com flores e a pequena estante, uma vez associadas,
_________________________________________
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio

3 Cubismo
Surgiu no século XX, nas artes plásticas, tendo
como principais fundadores: Pablo Picasso e
Georges Braque. O quadro "Les demoiselles
d'Avignon", de Picasso, 1907 é conhecido como o
marco inicial do cubismo.
Historicamente o cubismo originou-se nas obras de
Cézanne, pois, eram como se fossem cones, esferas
e cilindros. Entretanto, os cubistas foram mais
longe do que Cézanne.
Passaram a
representar os Reagindo á excessiva fragmentação dos objetos e á
objetos com todas destruição de sua estrutura, os cubistas passaram ao
as suas partes num cubismo sintético. Essa tendência procurou tornar
mesmo plano. as figuras novamente reconhecíveis. Mas, apesar de
Seria como se eles se ter tido certa recuperação da imagem real dos
estivessem abertos objetos, isso não significou o retorno a um
e apresentassem tratamento realista
todos os seus lados do tema. Foi
no plano frontal em mantido o modo
relação ao característico do
espectador. Na cubismo de
verdade, essa apresentar
atitude de decompor os objetos não tinha nenhum simultaneamente as
compromisso de fidelidade com a aparência real várias dimensões de
das coisas. Significava, em suma, o abandono da um objeto.
busca da ilusão da perspectiva ou das três O cubismo Sintético foi chamado também de
dimensões dos seres, tão perseguidos pelos pintores colagem porque introduziu letras, palavras,
renascentistas. Com o tempo, o Cubismo evoluiu números, pedaços de madeira, vidro, metal e até
em duas grandes tendências chamadas Cubismo objetos inteiros nas pinturas. Essa inovação pode
Analítico e Cubismo Sintético. ser explicada pela intenção dos artistas em cria
O cubismo analítico foi desenvolvido por Picasso e novos efeitos plásticos e de ultrapassar os limites
Braque, aproximadamente entre 1908 e 1911. Esses das sensações visuais que a pintura sugere,
artistas trabalharam com poucas cores entre elas o despertando também no observador as funções
preto, cinza e alguns tons de marrom e ocre, já que táteis.
o mais importante para eles era definir um tema e
apresenta-lo de todos os lados simultaneamente,
levando ás ultimas consequências, essa tendência
chegou a uma fragmentação tão grande dos seres,
que tornou impossível o reconhecimento de
qualquer figura nas pinturas cubistas. Temos como
exemplo: Violino e Cântaro (1910) de Braque. O
Poeta (1911), de Pablo Picasso.
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
4. Abstracionismo
Surgiu de uma tela de Wassily Kandinsky (1866-
1944), chamada Batalha. Na pintura, abstracionista
não há relação entre a realidade, cores e formas.
Conhecem essa técnica os pintores Mikhail
Larionov (1881-1964) e Natália Gontcharova
(1881-1962), russos que valorizavam a relação com
as cores, mas não com o tema da obra. Os
escultores Antoine Pevsner (1886-1962) e Naum
Gabo (1890-1977), juntamente com Tatlin, criaram
várias peças abstratas, dando-lhes o nome de
construções ao invés de esculturas.
Em 1931 surge o movimento chamado Criação
Abstrata que influenciaram no surgimento de duas
tendências: Abstracionismo sensível ou informal –
predominam os sentimentos e emoções e as cores
são associadas com elementos da natureza. Por
exemplo, a obra Domingo, de Kandinsky.
O abstracionismo lírico aparece como uma reação a
Primeira Guerra Mundial. Para compor uma arte
imaginária, inspirava-se no instinto, no inconsciente
e na intuição. As características da arte não
figurativa são: o jogo de formas orgânicas, as cores
vibrantes e a linha de contorno. A pretensão do
abstracionismo lírico é transformar manchas de cor
e linhas em ideais e simbolismos subjetivos.
Abstracionismo Geométrico – cores e formas são
organizadas de acordo com as composições
geométricas. Por exemplo, as obras de Piet
Mondrian: ele buscava a essência dos objetos que
se harmonizam com o universo. Retratada em
'Árvore Vermelha'. A partir das décadas de 20 e 30,
linhas diagonais e curvas foram trocada por
horizontais e verticais que, juntamente às cores,
trouxeram equilíbrio às obras. Em busca de outras
tendências da pintura do século XX, se destacaram,
novos estilos que caracterizaram as primeiras
décadas do século XXI. Valorizavam a velocidade
das máquinas e do cotidiano e as tendências
produzidas pela cultura industrializada. O
abstracionismo geométrico recebeu influência do
cubismo e do futurismo. Ao contrário do
abstracionismo lírico, foca a racionalização que
depende da análise intelectual e científica. No
Brasil, o abstracionismo teve suas primeiras
representações na década de 40
Exercite
1. Dentro do que foi discutido a respeito do
tema em questão, diga o que foi o
abstracionismo
2 Registre as duas tendências do abstracionismo
explicando cada uma delas
______________________________________
______________________________________
______________________________________
______________________________________
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
5. Futurismo
Este movimento teve uma forte relação com a
literatura do inicio do século XX, influencia em
1909 pelo Manifesto Futurista do poeta e escritor
italiano Filippo Tommaso Marinetti. Foi publicado
no jornal francês Le
Figaro em 20 de
fevereiro de 1909. Este
manifesto marcou a
fundação do futurismo,
um dos primeiros
movimentos da arte
moderna. Consistia em
11 itens que
proclamavam a ruptura
com o passado e a
identificação do homem
com a máquina, a
velocidade e o dinamismo do novo século.
Na pintura, assim como na literatura, os futuristas,
como a própria palavra sugere, exaltavam o futuro
e, sobretudo a velocidade, que passou a ser
conhecida e admirada a partir da mecanização das
indústrias e da crescente complexidade social que
ganharam grandes centros urbanos. A pintura
futurista foi explicitada pelo cubismo e pela
abstração, mas o uso de cores vivas e contrastes e a
sobreposição das imagens pretendia dar a ideia de
dinâmica, deformação e não materialização por que
passam os objetos e o espaço quando ocorre a ação.
Para os artistas do futurismo os objetos não se
concluem no contorno aparente e os seus aspectos
interpenetram-se continuamente a um só tempo. O
artista futurista não está interessado em pintar um
automóvel, mas captar a forma plástica a
velocidade descrita por ele no espaço.
Suas principais características são: -Desvalorização
da tradição e do moralismo; -Valorização do
desenvolvimento industrial e tecnológico; -
Propaganda como principal forma de comunicação;
-Uso de onomatopeias (palavras com sonoridade
que imitam ruídos, vozes, sons de objetos) nas
poesias; -Poesias com uso de frases fragmentadas
para passar a ideia de velocidade; -Pinturas com
uso de cores vivas e contrastes. Sobreposição de
imagens, traços e pequenas deformações para
passar a ideia de movimento e dinamismo.
Em 1910, foi
lançado em Milão
outro manifesto
futurista, dirigido
particularmente á
pintura, assinado
por Umberto
Boccioni, Carlos
Carrá, Luigi
Russolo, Giacomo
Balla e Gino Severini. Para esses artistas não
interessava a representação de um corpo em
movimento. Como pretendiam evitar qualquer
relação com a imobilidade, recusaram toda
representação realista e usaram, além de linhas
retas e curvas, cores que sugerissem
convincentemente a velocidade.
Exercite
Indique as principais características do movimento
futurista na busca de uma nova proposta de pensar a
arte:
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
6. Dadaísmo
Dadaísmo é uma vanguarda artística moderna que
surgiu com o objetivo de romper com os estilos
clássicos e tradicionais, agindo de modo
“anárquico” e “irracional”. Também conhecido
como Movimento Dadá, esta vanguarda foi criada
por um grupo de artistas (pintores, escritores e
poetas) refugiados da Primeira Guerra Mundial, em
1916, em Zurique, na Suíça. Os integrantes do
dadaísmo eram totalmente contra a guerra, que era
motivada por motivos capitalistas, e aos valores
burgueses da época.
Os dadaístas também atacavam qualquer tipo de
sentimento que remetesse ao nacionalismo ou ao
materialismo. Refletindo o espírito desta
vanguarda, a escolha do nome “dadaísmo” não
possui nenhum significado específico. Os
fundadores do movimento escolheram um nome
aleatório no dicionário, representando um ato não
racional e casual, estas que eram algumas das
principais características do movimento. As obras
do dadaísmo consistiam na desconstrução da arte
tradicional, tendo como proposta a ideia da
desordem, do caos e do acaso. Com isso, o
propósito dos artistas dadaístas era criar uma arte
de protesto que chocasse a sociedade burguesa. O
dadaísmo ganhou grande destaque na literatura.
Neste caso, os textos eram compostos a partir da
desorganização das palavras, da agressividade
verbal, da banalização das rimas, incoerência, e a
falta de lógica e raciocínio tradicional.
Entre alguns dos principais artistas que
representavam o dadaísmo estava: Tristan Tzara
(1896 – 1963), Marcel Duchamp (1887 – 1968),
Hans Arp (1886 – 1966), Julius Evola (1898 –
1974), Kurt Schwitters (1887 – 1948), Max Ernst
(1891 – 1976), Man Ray (1890 – 1976), entre
outros. Em pouco tempo, o movimento dadaísta
começou a se espelhar por outras grandes
metrópoles artísticas mundiais da época, como
Barcelona, Berlim, Paris, Nova York, entre outras.
Posteriormente, alguns dos seguidores do dadaísmo
deram início ao Surrealismo, e várias características
desta vanguarda ainda permanecem presentes na
arte contemporânea.
Observe e reflita sobre estes pensamentos de
Duchamp: “(...) era necessário achar algo que não
fosse nada belo, agradável ou feio”(...) “a arte é
uma espécie de encontro... um encontro com
ninguém cuja finalidade é a não contemplação” (...)
“É a beleza da indiferença, essa é a liberdade;
entronizar uma ninharia e, uma vez em seu trono,
negá-la e negar-se a si mesmo”. Em 1913 o artista
francês Marcel Duchamp inventou o termo ready-
made (já pronto) para nomear os objetos que ele
escolhia e designava como obra de arte.
Não se deve estranhar o fato de artistas plásticos e
poetas trabalharem juntos – o dadaísmo propunha
uma atuação interdisciplinar como a única maneira
possível de se renovar a linguagem criativa,
incorporando, inclusive, elementos cenográficos e
teatrais nos “espetáculos” dadaístas, nas
apresentações e performances dos artistas. Como
movimento artístico moderno, o dadaísmo foi uma
exceção, por estar dezenas de anos à frente do seu
tempo.
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
7. Surrealismo
O movimento surrealista nasceu no início do século
XX, em Paris, fruto das teses de Sigmund Freud,
criador da Psicanálise, e do contexto político
indefinido que marcou este período, especialmente
a década de 20. O Surrealismo questionava as
crenças culturais então vigentes na Europa, bem
como a postura humana, vulnerável frente a uma
realidade cada vez mais difícil de compreender e
dominar. Inserido no contexto das vanguardas que
viriam a definir o modernismo no período entre as
duas Grandes Guerras Mundiais. Reúne artistas
anteriormente ligados ao dadaísmo ganhando
dimensão mundial. Influenciados pelas teorias do
psicólogo Sigmund Freud, o surrealismo enfatiza o
papel do inconsciente na atividade criativa. Um dos
seus objetivos foi produzir uma arte que, segundo o
movimento, estava sendo destruída pelo
racionalismo.
As características deste estilo são: -Críticas ao
racionalismo, à burguesia -Mostrar a mente humana
em poesias e
quadros
influenciados
pela
psicanálise -
Falta de lógica
-Loucura dos
sonhos , completamente coerentes diante da percepção
fantasias,
desejos
reprimidos -Libertação do Subconsciente, busca de
acesso ao inconsciente -Formas e imagens como
impulsos e sentimentos irracionais -Uma
combinação do representativo, do abstrato, do irreal
e do inconsciente. Segundo os surrealistas, a arte
deve libertar-se das exigências da lógica e da razão
e ir além da consciência cotidiana, procurando
expressar o mundo do inconsciente e dos sonhos.
No manifesto e nos textos escritos posteriores, os
surrealistas rejeitam a chamada ditadura da razão e
valores burgueses como pátria família, religião,
trabalho e honra. Humor, sonho e a contra lógica
são recursos a serem utilizados para libertar o
homem da existência utilitária.
Segundo esta nova ordem, as ideias de bom gosto e
de pudor devem ser subvertidas. Busca restaurar os
poderes da imaginação, castrados pelos limites do
utilitarismo da sociedade burguesa, e superar a
contradição entre objetividade e subjetividade,
tentando consagrar uma poética da alucinação, de
ampliação da consciência. Breton declara no
Primeiro Manifesto sua crença na possibilidade de
reduzir dois estados aparentemente tão
contraditórios, sonho e realidade, “a uma espécie de
realidade absoluta, de sobre realidade”. Segundo o
próprio pintor é preciso “contribuir para o total
descredito da realidade”.
O pintor René Magritte praticava o surrealismo
realista, ou
“realismo mágico”.
Começou imitando a
vanguarda, mas
precisava realmente
de uma linguagem
mais poética e viu-
se influenciado pela
pintura metafísica
de Giorgio de
Chirico. Isto só seria viável a partir do momento em
que cada ser conquistasse o conhecimento de si
mesmo, para então atingir o momento crítico no
qual o interior e o exterior se revelam
humana. Ao mesmo tempo em que o Surrealismo
pregava, como os dadaístas, a demolição do corpo
social, ele propunha a gestação de uma nova
sociedade, sustentada sobre outros alicerces.
Exercite
Explique porque o Surrealismo teve sua arte
embasada nas teorias psicanalíticas de Sigmund
Freud.
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio

8. Pop Art de Andy Warhol, um dos principais artistas da Pop

Movimento principalmente americano e britânico, Art.
sua denominação foi empregada pela primeira vez
em 1954, pelo crítico inglês Lawrence Alloway,
para designar os produtos da cultura popular da
civilização ocidental, sobretudo os que eram
provenientes dos Estados Unidos. Com raízes no
dadaísmo de Marcel Duchamp, o pop art começou a
tomar forma no final da década de 1950, quando
alguns artistas, após estudar os símbolos e produtos
do mundo da propaganda nos Estados Unidos,
passaram a transformá-los em tema de suas obras.
Representavam, assim, os componentes mais
ostensivos da cultura popular, de poderosa
influência na vida cotidiana na segunda metade do Além disso, muito do que era considerado brega,
século XX. Era a volta a uma arte figurativa, em virou moda, e já que tanto o gosto, como a arte tem
oposição ao expressionismo abstrato que dominava um determinado valor e significado conforme o
a cena estética desde o final da contexto histórico em que se
segunda guerra. Sua iconografia realiza, a Pop Art proporcionou a
era a da televisão, da fotografia, transformação do que era
dos quadrinhos, do cinema e da considerado vulgar, em refinado,
publicidade. e aproximou a arte das massas,
Com o objetivo da crítica irônica desmitificando, já que se utilizava
do bombardeamento da sociedade de objetos próprios delas, a arte
pelos objetos de consumo, ela para poucos.
operava com signos estéticos Principais Artistas: Robert
massificados da publicidade, Rauschenberg: Depois das séries
quadrinhos, ilustrações e de superfícies brancas ou pretas
designam, usando como materiais reforçadas com jornal amassado
principais, tinta acrílica, do início da década de 1950,
ilustrações e designs, usando como materiais, Rauschenberg criou as pinturas "combinadas", com
usando como materiais principais, tinta acrílica, garrafas de Coca-Cola, embalagens de produtos
poliéster, látex, produtos com cores intensas, industrializados e pássaros empalhados. Por volta de
brilhantes e vibrantes, reproduzindo objetos do 1962, adotou a técnica de impressão em silk-screen
cotidiano em tamanho consideravelmente grande, para aplicar imagens fotográficas a grandes extensões
transformando o real em hiper-real. Mas ao mesmo da tela e unificava a composição por meio de grossas
tempo que produzia a pinceladas de tinta. Esses trabalhos tiveram como
crítica, a Pop Art se temas episódios da história
apoiava e necessitava dos americana moderna e da cultura
objetivos de consumo, nos popular.
quais se inspirava e muitas Roy Lichtenstein: Seu
vezes o próprio aumento interesse pelas histórias em
do consumo, como quadrinhos como tema artístico
aconteceu por exemplo, começou provavelmente com
com as Sopas Campbell, uma pintura do camundongo
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
Mickey, que realizou em 1960 para os filhos. Em
seus quadros a óleo e tinta acrílica, ampliou as
características das histórias em quadrinhos e dos
anúncios comerciais, e reproduziu a mão, com
fidelidade, os procedimentos gráficos. Empregou, por
exemplo, uma técnica pontilhista para simular os
pontos reticulados das historietas. Cores brilhantes,
planas e limitadas, delineadas por um traço negro,
contribuíam para o intenso impacto visual. Com essas
obras, o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre
a linguagem e as formas artísticas. Seus quadros,
desvinculados do contexto de uma história, aparecem
como imagens frias, intelectuais, símbolos ambíguos
do mundo moderno. O resultado é a combinação de
arte comercial e abstração.
Andy Warhol: Ele foi figura mais conhecida e
mais controvertida do pop art, Warhol mostrou sua
concepção da produção mecânica da imagem em
substituição ao trabalho manual numa série de
retratos de ídolos da música popular e do cinema,
como Elvis Presley e Marilyn Monroe. Warhol
entendia as personalidades públicas como figuras
impessoais e vazias, apesar da ascensão social e da
celebridade. Da mesma forma, e usando sobretudo a
técnica de serigrafia, destacou a impessoalidade do
objeto produzido em massa para o consumo, como
garrafas de Coca-Cola, as latas de sopa Campbell,
automóveis, crucifixos e dinheiro. Produziu filmes e
discos de um grupo musical, incentivou o trabalho de
outros artistas e uma revista mensal.
Exercite
Qual o real significado do termo Pop Art?
__________________________________________
__________________________________________
__________________________________________
Registre a diferença existente entre as obras dos
artistas Pop Art que estudamos nesta unidade.
__________________________________________
__________________________________________
__________________________________________
__________________________________________
Qual o principal objetivo da Pop Art?
__________________________________________
__________________________________________
__________________________________________
9 . Op Art
O termo opart é uma abreviação da expressão em
inglês opticalart e significa "arte ótica" - uma forma
de arte que explora determinados fenômenos óticos
com a finalidade de criar obras que pareçam vibrar
ou cintilar. Contudo, diferentemente da arte cinética,
a obra efetivamente não se movimenta e, por vezes, é
o observador quem deve se deslocar, ou movimentar
os olhos, para ter essa impressão sobre a obra,
nascida da ilusão de ótica. Observe:
Os artistas do movimento opart defendiam a ideia
de que a arte deveria ter "menos expressão e mais
visualização". Ainda segundo eles, apesar do rigor
com que é construída, a obra simboliza um mundo
mutável e instável, que não se mantém nunca o
mesmo. Os trabalhos de opart são, em geral, abstratos
concretos, e muitas das peças mais conhecidas usam
apenas o preto e o branco. Quando são observados,
dão a impressão de movimento, clarões ou vibração,
ou por vezes parecem inchar ou deformar-se. E,
diferentemente do concretismo, onde existe um
equilíbrio estático entre as figuras geométricas que
compõem a obra, na opart as figuras são colocadas de
maneira a causar no
observador uma sensação
de movimento.
O pintor húngaro Victor
Vasarely (1908-1997) é o
precursor da opart, surgida
nos anos 30. Alguns de seus
trabalhos - tais como
"Zebra" (1938), que é
inteiramente composto por
listas diagonais em preto e
branco, curvadas de tal
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
modo que dão a impressão tridimensional de uma
zebra - são considerados os primeiros dedicados à op
art. Apesar desse impulso inicial, a opart demorou a
ter destaque, ganhando força efetivamente nas
décadas de 1950 e 1960. No Brasil, um dos principais
artistas da opart foi o escultor, pintor e desenhista
Luiz Sacilotto (1924- 2003). Veja, abaixo, um dos
seus trabalhos:
Escultura: Os escultores modernos transmitem
através de suas obras a sensação de movimento. Os
elementos usados nas esculturas são restritos, simples
e de fácil percepção. A OpArt se desenvolve
grandemente na década de 60. Com o mergulho na
era do computador, a OpArt toma fôlego e espaço nas
tendências artísticas devido às suas formas
matemáticas e o rigor com que são construídas, tudo
a ver com a "sociedade cibernética".
Exercite
Por que a ilusão de optica é a matéria prima da opart?
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
Relacione no espaço abaixo as características que
identificam a op art.
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
O que é a OP ART?
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
10. Art Nouveau
A "Art Nouveau" (Arte Nova) é um estilo artístico
modernista manifestado nas artes plásticas, artes
decorativas (cerâmica, vidraria), artes gráficas,
arquitetura, escultura e design. Ela é marcada pelo
uso de materiais como madeira, vidro, ferro e
cimento e seu estilo foi muito utilizado na
arquitetura, ilustração, decoração, móveis. Além
disso, a Art Nouveau é caracterizada pela presença
de linhas ondulantes e dinâmicas, a fim de
transmitir a ideia de movimento. Seu estilo se
aproximada da estética naturalista o qual é
composto por formas orgânicas relacionadas com a
natureza.
Influenciada pelo movimento inglês "Arts and
Crafts", a Art Nouveau teve início na França em
finais do século XIX. O termo "Art Noveau" surgiu
em 1900, em Paris. Na altura, foram expostos
objetos, móveis, tapeçarias, na galeria de arte
“Mason Art Nouveau” (Casa da Arte Nova) do
decorador Siegfried Bing (1838-1905).
O art noveau preocupava-se com a originalidade da
forma, tinha relação direta com
a Segunda Revolução Industrial
e com a exploração de novos
materiais, como o ferro e o
vidro (principais elementos dos
edifícios que passaram a ser
construídos segundo a nova
estética), e os avanços
tecnológicos na área gráfica,
como a técnica da litografia
colorida, que teve grande
influência nos cartazes, como
no exemplo ao lado.
Características da Art Nouveau: -Uso de materiais
como: ferro, vidro, madeira e cimento; -
Valorização das forma orgânicas e complexas; -
Valorização das linhas sinuosas e assimétricas;
Presença da figura feminina e das cores frias nas
artes plásticas; Utilização de conhecimentos nas
áreas da física e da matemática; Valorização da
lógica, racionalismo; Oposição ao Romantismo;
Subjetivismo e Simbolismo; Produção em série e
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
massificação das artes, e; Temas da natureza
(flores, folhas, animais).
Este é o rótulo de uma loção que expressa bem a
idéia do art nouveau, que destaca o valor
ornamental de linhas de origem floral,
determinando formas delicadas, sinuosas,
ondulantes e sempre assimétricas. Diferente de
outros movimentos de vanguarda do início do
século 20, que se iniciaram na pintura, o art
nouveau não foi dominado pelas artes plásticas.
Mesmo os pintores mais estreitamente relacionados
com o estilo, Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard e
Gustav Klimt, por exemplo,
criaram cartazes e objetos
de decoração. Ainda assim,
na pintura, o estilo esteve
relativamente presente nas
obras de Wassili Kandinsky
e Franz Marc, alcançando
seu período de sucesso entre
as duas últimas década do
século 19 e duas primeiras
do século 20, quando é substituído, gradativamente,
pelo estilo art déco e, em seguida, definitivamente
abandonado.
O art nouveau surgiu como uma tendência
arquitetônica inovadora do fim do século 19: um
estilo floreado, em que se destacam as formas
orgânicas inspiradas em folhagens, flores, cisnes,
labaredas e outros elementos. Os edifícios
apresentam linhas curvas, delicadas, irregulares e
assimétricas. Mosaicos e mistura de materiais
caracterizam muitas obras arquitetônicas, como as
de Antoni Gaudí, expoente do movimento na
Espanha. Com cacos de vidro e ladrilhos, ele
decora construções como o Parque Güell e a Casa
Milá, em Barcelona. A Catedral da Sagrada Família
é outra obra sua de destaque.
11. Art decó
A característica mais forte do Art Déco é o seu
caráter decorativo. Bastante presente na primeira
metade do século XX, esse estilo surgiu na França,
na década de 1920. Seu auge aconteceu em Paris,
em 1925, com a Exposition Internationale des Arts
Décoratifs et Industriels Modernes. Após sua
estreia em Paris, o estilo se expandiu para os
Estados Unidos e para outras partes do globo na
década seguinte. Não se atendo só à decoração, ele
influenciou o design de interiores, as artes visuais,
o design de produtos e a arquitetura.
Apesar de ter ganhando fama no período entre as
duas guerras mundiais, o estilo foi reconhecido
como um movimento apenas na década de 1960.
Até hoje esse assunto gera polêmica entre os
estudiosos, pois muitos deles acreditam que o Art
Déco deveria ser identificada como um estilo
distinto. Embora o movimento tenha se inspirado
nas correntes artísticas do passado, o estilo se
caracteriza por sua marca vanguardista voltada para
o futuro e por celebrar a modernidade e o
progresso.
O movimento apresenta referências bastante
ecléticas. Afinal, foi influenciado por movimentos
distintos, como o cubismo, representado pela
geometrização e suas formas abstratas. Também foi
inspirado em de outras correntes, como o futurismo,
o fauvismo e o construtivismo. Dessa forma,
podemos perceber que o Art Déco conta com
influências de
movimentos que a
precederam, mas
também possui um
caráter
vanguardista,
focado na
contemporaneidade
e no futuro.
É interessante
observar também
que os designers
desse estilo incorporavam em seus trabalhos
elementos culturais exóticos. Assim, inseriam em
suas peças componentes repletos de motivos
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
culturais, como do antigo Egito, da Mesopotâmia e
da África. Além do geometrismo e da simetria, o
movimento combinou as artes plásticas e o
artesanato. É por isso que esse estilo é muitas vezes
comparado com o da estética de Bauhaus. Porém,
vale destacar que os dois movimentos
representavam oposições importantes. Afinal,
enquanto o Art Déco contava com luxo e
ornamentação extravagante, a Bauhaus trazia as
formas geométricas puristas, o funcionalismo e a
simplicidade.
O estilo também é
muitas vezes
comparado com o do
Art Nouveau, sendo
apontado por alguns
como um movimento
sucessor. Entretanto,
apesar das duas
correntes se inspirarem
nas artes plásticas e na
ornamentação, há
muitas diferenças entre
elas. A diferença maior pode ser relacionada ao
tratamento de formas e linhas. Isso porque o Art
Déco recebeu forte influência do progresso e da
industrialização. Assim, fez uso de padrões
geométricos arrojados, que apresentavam: linhas
estilizadas; cores fortes; simetria; uso de materiais
modernos, como aço, alumínio e plástico.
Já os artistas do Art Nouveau trabalhavam para
harmonizar itens modernos com formas orgânicas
relacionadas à natureza. Logo, usavam materiais
como madeira e metal, inspirando-se em desenhos
com flores, folhas e penas.
12. Minimalismo
A expressão “Minimalismo” (do inglês, “Minimal
Art”) faz referência aos movimentos estéticos,
científicos e culturais que surgiram em Nova York,
entre o fim dos anos de 1950 e início da década de
1960. Esses movimentos primavam pelo mínimo de
recursos e elementos utilitários, reduzindo todos
seus aspectos ao nível essencial.
Já em 1966, o
filósofo e
critico de artes
Richard Arthur
Wollheim
(1923- 2003) já
apontava o
minimalismo
daquela década
como uma das
correntes que
mais influenciariam o campo das artes visuais,
arquitetura, design, música, programação visual,
desenho industrial, durante o século XX.
Em termos gerais, os movimentos minimalistas se
caracterizam pela austeridade e síntese, inclusive
dos meios e usos da abstração.
Enquanto aspecto filosófico, o minimalismo irá
adequar às necessidades da vida aquilo que é
realmente essencial, descartando as futilidades no
caminho da realização pessoal.
No campo das artes, normalmente está representado
de forma abstrata e “crua”, de modo a revelar a
origem industrial e a natureza dos materiais que
compõem a obra minimalista, a qual, via de regra,
interage com o público.
Nas artes plásticas, o minimalismo surgiu em Nova
York, ainda na década de 1950, quando um grupo
de artistas passou a lançar mão de poucos
elementos para fundamentar suas obras, abusando
de atributos visuais criados a partir de um pequeno
número de cores.
Eles privilegiaram as formas geométricas simples,
puras, simétricas e repetitivas, reduzindo os objetos
aos seus aspectos de reprodução em série para que
eles sejam mais bem percebidos em seu próprio
contexto.
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
Já do ponto de vista do conteúdo das
representações, é comum a ausência de
emotividade.
Assim, as estruturas minimalistas suportam uma bi
ou tridimensionalidade que lhe permite vencer os
conceitos tradicionais, principalmente acerca da
necessidade do suporte que limitava pintura e a
escultura aos seus respectivos campos de ação.
Este caráter geométrico é fruto da influência
construtivista, a qual buscava uma linguagem
universal para expressão artística.
Neste campo, os principais destaques são: Sol
LeWitt (1928-2007), Frank Stella (1936), Donald
Judd (1928-1994) e Robert Smithson (1928-1994).
Exercite
Como você via as obras minimalistas antes e como
vê agora?
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
13. Instalação
O termo instalação foi incorporado ao vocabulário
das artes visuais na década de 1960, designado
assemblage ou ambiente construído em espaços de
galerias e museus. Inicia-se com as primeiras
experimentações modernistas estabelecidas por
Kurt Schwitters (Merzbau, 1923) e Marcel
Duchamp (16 milhas de fio, 1942). No mundo
contemporâneo, sua força expressiva toma forma
com as linguagens da Land Art, Minimal Art, Work
in Progress e Intervenções Urbanas. A Instalação é
uma forma de arte que utiliza a ampliação de
ambientes que são transformados em cenários do
tamanho de uma sala. Pintura, escultura e outros
materiais são usados conjuntamente para ativar o
espaço arquitetônico. O espectador participa
ativamente da obra e, portanto, não se comporta
somente como apreciador.
Ela pode ter um caráter efêmero (só existir na hora
da exposição) ou pode ser desmontada e recriada
em outro local. Diferentemente do que ocorre
tradicionalmente com as esculturas ou pinturas, a
mão do artista não está presente na obra como um
item notável. Uma instalação pode ser multimídia e
provocar sensações: táteis, térmicas, odoríficas,
auditivas, visuais entre outras. O conceito, a
intenção do artista ao formular seu trabalho é em
grande parte a essência da própria obra, na medida
em que a instalação emerge no contexto da Arte
Conceitual. A Instalação, enquanto poética artística
permite uma grande possibilidade de suportes, a
gama variada de possibilidades, em sua realização
pode integrar recursos de multimeios, por exemplo,
videoarte, caracterizando-se em uma
videoinstalação.
A obra contemporânea é volátil, efêmera, absorve e
constrói o espaço a sua volta, ao mesmo tempo, que
o desconstrói. A desconstrução de espaços, de
conceitos e ideias está dentro das práxis artísticas
da qual a Instalação se apropria para se afirmar
enquanto obra. Essencialmente, é a construção de
uma verdade espacial em lugar e tempo
determinado. É passageira, possui presença efêmera
que se materializa de forma definitiva apenas na
memória. O sentido de tempo, no caso da fruição
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
estética da Instalação é o não-tempo, onde essa
fruição se dá de forma imediata ao apreciar a obra
in loco, mas permanece em sua fruição plena como
recordação.
Essa questão do tempo é crucial na Instalação,
fazendo com que a mesma seja um espelho de seu
próprio tempo, questionando assim o homem desse
tempo e sua interação com a própria obra. As
combinações com várias linguagens como vídeos,
filmes, esculturas, performances, computação
gráfica e o universo virtual, fazem com que o
público se surpreenda e participe da obra de forma
mais ativa, pois ele é o objeto último da própria
obra, sem a presença do qual a mesma não existiria
em sua plenitude. Esta participação ativa em
relação à obra faz com que a fruição da mesma se
dê de forma plena e arrebatadora, o que em muitos
casos pode até mesmo tornar esta experiência
incômoda e perturbadora. A necessidade de mexer
com os sentidos do público, de instigá-lo, quase
obrigá-lo, a experimentar sensações, sejam
agradáveis ou incômodas, faz da Instalação um
espelho de nosso tempo. Pode-se dizer de fato que a
Instalação é uma obra época, a qual só faz sentido
se vista e analisada em seu tempo-espaço.
Ver mais em:
https://www.historiadasartes.com/nomundo/arte-
seculo-20/instalacao/
Exercite
Diferencie o Art nouveau de Art decó citando suas
características semelhantes e divergentes
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
O que é Art decó?
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
O que configura uma instalação artística?
__________________________________________
__________________________________________
__________________________________________
__________________________________________
__________________________________________
Anotações
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
___________________________________________
Até em breve!
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
2º semestre – Novas Linguagens
14 - Arte Conceitual
A arte conceitual é aquela que considera a idéia, o
conceito por trás de uma obra artística. como sendo
superior ao próprio resultado final, sendo que este
pode até ser dispensável. A partir de 1960, essa
forma de encarar a arte espalha-se pelo mundo
inteiro, abarcando várias manifestações artísticas.
Entretanto, desde Duchamp podem ser percebidos
os primeiros indícios da sobrevalorização do
conceito.
DUCHAMP (Marcel), pintor francês (Blainville,
1887 - Neuilly-sur-Seine, 1968). Inicialmente
influenciado pelo
cubismo, teve
depois participação
importante no
movimento dadá e
no surrealismo.
Tendo-se fixado nos
E.U.A., dedicou-se à
"antiarte" e em 1914
criava o primeiro
ready-made. Suas
pesquisas viriam a
exercer influência
na "pop-art".
Um trabalho de arte conceitual, em sua forma mais
típica, costumava ser apresentado ao lado da teoria.
Pôde-se assistir a um gradual abandono da
realização artística em si, em nome das discussões
teóricas. Países como a Inglaterra (que
historicamente se mantivera avessa às discussões
teóricas quando o assunto era arte) foram grandes
focos desse novo modelo. Publicações, como "Art
and Language", do grupo liderado por Victor
Burgin e John Stezaker, eram bastante influentes. O
uso de diferentes meios para transmitir significados
era comum na arte conceitual. As fotografias e os
textos escritos eram o expediente mais comum,
seguida por fitas K-7, vídeos, diagramas, etc. Nos
Estados Unidos, temos as figuras de Lawrence
Weiner e Robert Barry, como importantes
expoentes do novo estilo. Joseph Kosuth também é
considerado um dos líderes do movimento no país.
É bastante conhecido seu trabalho "One and Three
Chairs", que apresenta uma cadeira propriamente
dita, uma fotografia de uma cadeira e uma definição
extraída do dicionário sobre o que seja uma cadeira.
"A Arte como idéia", em que dá definições de
pintura divididas em itens sobre um fundo negro, é
outro bom exemplo de trabalho conceitual. Os
artistas não se incomodavam em evitar as
trivialidades, em criar elementos que tornassem
interessantes suas composições ou realizar
composições agradáveis ao olhar. Pelo contrário,
era preferível que nada desviasse a atenção da idéia
que um trabalho deveria expressar. Alguns artistas
iam mais longe, afirmando que essas imagens
triviais poderiam refletir a própria superficialidade
de quem as observa. Utilizando-se de imagens
comuns, como por exemplo, a cadeira de Kosuth,
em que pode se argumentar não ter acrescentado
nada ao conhecimento de qualquer pessoa,
acostumada com uma cadeira, não costumava ser
bem recebida pelo público. Além disso, o problema
maior era que, não acrescentando nada, essas
experiências fora do eixo convencional tornavam
difícil o julgamento do que era realmente uma obra
de arte ou simples amadorismo.
Entretanto, grande parte dos artistas conceituais
tinham por objetivo, com esse tipo de
procedimento, realizar exatamente o contrário:
popularizar a arte, fazer com que ela servisse como
veículo de comunicação. Seria uma oposição ao
hermetismo do minimalismo e à redução da arte às
relações, por exemplo, entre forma e pigmentação.
Na verdade, servindo-se de textos abstratos,
normalmente aproveitando-se da linguística ou da
filosofia, acabam por possivelmente aumentar o
hiato entre o artista e o grande público.
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio

designar determinada pessoa no grupo e, mais

15. Body Art tarde, como forma artística propriamente dita.
A Body Art (arte do corpo), é uma tendência Dessa maneira, importante notar que a body arte
artística contemporânea que surgiu na década de passou por diversas transformações até chegar no
60, nos Estados Unidos e na Europa, sendo sua século XXI como uma das tendências mais
principal caraterística o uso do corpo como suporte exploradas, tal qual a tatuagem. Em resumo, antes
e intervenção para a realização do trabalho artístico. ela surgia como uma necessidade de cultivar a
Dessa maneira, o corpo humano (seja do artista ou crença e os rituais, e atualmente, como forma de
de um modelo) passa a ser a “tela” (daí explorar artisticamente a mais importante
aproximação com a “body paint”, ou pintura identidade humana: o corpo.
corporal), bem como o comunicador de ideias, ou Um dos principais artistas que promoveram
seja, o mais importante veiculador em que o artista trabalhos de body art foi: Yves Klein (1928-1962):
vai explorar sua "obra artista francês e um dos
viva". precursores da body art.
Para muitos estudiosos Conhecido por utilizar corpos
sobre o tema, a body femininos como suporte para sua
art é uma vertente da arte, tal qual pincéis vivos. Uma
arte contemporânea e de suas performances mais
seu precursor foi famosas foi utilizar modelos
Marcel Duchamp cobertas por tinta azul e, de forma
(1887-1968) ao que as arrastava elas formavam
questionar os limites do manchas na tela. Essa técnica foi
conceito e o modo de denominada de
fazer arte, dando início “Antropometria”(abaixo) ou
a reflexão sobre a "arte “Medições visuais do corpo
conceitual" bem como humano”.
a relação do sujeito
com o mundo. Dessa forma, os artistas Outros artistas contemporâneos que merecem
contemporâneos ultrapassam os limites da tela e do destaque com trabalhos de body art são: Marina
conceito de arte ao propor uma nova forma de Abramovic, Eva Hesse, Bob Flanagan, Viennois
expressão artística em detrimento das tradicionais Gunter, Chris Burden, Gina Pane, Dennis
pinturas e esculturas. Oppenheim, Urs Luthi, Michel Journiac, Youri
As principais características da body art são: - Messen-Jaschin e Stuart Brisley.
Corpo Humano como suporte e experimentação
artística; - Materialidade e resistência do corpo; - Exercite
Relações entre arte e a vida cotidiana; - Arte como Relate trabalhos que já viu que tem a ver com a
forma de protesto; - Choque do espectador; - Uso Body Art e justifique o porque de estar relacionada
de performances, videoartes e instalações; - com ela:
Temática livre de preconceito (cultura do corpo, _________________________________________
sexualidade, nudez,etc.); - Tatuagens, maquiagens, _________________________________________
deformações, travestimento, mutilações, _________________________________________
escarificações, queimaduras, implantes e _________________________________________
ferimentos. _________________________________________
A arte do corpo ou a body art surgiu, primeiramente _________________________________________
como ritual religioso ou marca cultural para _________________________________________
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
16. Performance
Assim com a instalação, a performance é um termo
que muda de sentido ao se tornar uma linguagem
artística das artes visuais. Os saraus futuristas e os
eventos dadaístas e surrealistas são os precursores
do que viria a ser nomeado na década de 70 como
performance, incluindo os “hapennings”, as “ações”
e a “body art”.
Performance é, então, uma forma de arte que pode
combinar elementos do teatro, da música, da dança
e das artes visuais. Situa-se no limite entre o teatro
e as artes plásticas, onde o artista funciona como
uma escultura viva, “interpretando” sua mensagem.
Tipo de obra efêmera, a performance muitas vezes
se perde no tempo pela inexistência de registros,
mas como obra do instante ou do desenrolar de um
processo pode, de certo modo, perdurar no tempo
pela documentação fotográfica, por vídeos e filmes
que perenizam o gesto fugaz. Assim, para o
espectador, a performance é sempre uma
visualização da consciência do tempo e, mesmo que
haja registros, as percepções táteis, corporais e
manipulatórias são limitadas pelas imagens
fotográficas ou videográficas. Essa associação com
a fotografia e outras mídias eletrônicas traz mais
uma questão na contemporaneidade.
Se vamos a um museu e vemos as fotos de uma
performance realizada há alguns anos por um
artista, que limites há entre obra e registro nesta
situação, se este ocupa o lugar da obra e é a única
forma de termos acesso à sua percepção? Essa
“presença ausente” é o que caracteriza
especialmente as performances, que dependem dos
registros para se perpetuarem no tempo,
contradizendo assim, sua própria estrutura fugaz.
Mas a contradição não é um problema para a arte
contemporânea, ela é, ao contrário, bem vinda, pois
é parte da vida. A arte contemporânea suporta a
coexistência de ideias e conceitos díspares, é parte
de sua proposta a convivência com conceitos
contraditórios, não havendo a necessidade de se
optar por um ou outro para a legitimação de cada
um.
Dois artistas que marcaram presença nas décadas de
60 e 70 no Brasil com propostas artísticas
experimentais foram Lygia Clark e Hélio Oiticica.
Exercite
Em sua palavras e entendimento o que é
Performance?
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
O que diferencia a Performance do Happening?
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
_________________________________________
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
17. Happening
O termo happening é criado no fim dos anos 1950
pelo americano Allan Kaprow (1927-2006) para
designar uma forma de arte que combina artes
visuais e um teatro sui generis, sem texto nem
representação. Nos espetáculos, distintos materiais
e elementos são orquestrados de forma a aproximar
o espectador, fazendo-o participar da cena proposta
pelo artista (nesse sentido, o happening se distingue
da performance, na qual não há participação do
público). Os eventos apresentam estrutura flexível,
sem começo, meio e fim. As improvisações
conduzem a cena - ritmada pelas ideias de acaso e
espontaneidade - em contextos variados como ruas,
antigos lofts, lojas vazias e outros. O happening
ocorre em tempo real, como o teatro e a ópera, mas
recusa as convenções artísticas. Não há enredo,
apenas palavras sem sentido literal, assim como não
há separação entre o público e o espetáculo. Do
mesmo modo, os "atores" não são profissionais,
mas pessoas comuns.
O happening é gerado na ação e, como tal, não
pode ser reproduzido. Seu modelo primeiro são as
rotinas e, com isso, ele borra deliberadamente as
fronteiras entre arte e vida. Nos termos de Kaprow:
"Temas, materiais, ações, e associações que eles
evocam devem ser retirados de qualquer lugar
menos das artes, seus derivados e meios". Uma
"nova arte concreta", propõe o artista, no lugar da
antiga arte concreta abstrata, enraizada na
experiência, na prática e na vida ordinária,
matérias-primas do fazer artístico. De acordo com
Kaprow, os happenings são um desdobramento das
assemblages e da arte ambiental, mas ultrapassa-as
pela introdução do movimento e por seu caráter de
síntese, espécie de arte total em que se encontram
reunidas diferentes modalidades artísticas - pintura,
dança, teatro, música.
John Cage (1912-1992) é o responsável pelo
Theater Piece # 1, ou simplesmente "o evento",
realizado no Black Mountain College, na Carolina
do Norte, Estados Unidos, em 1952, considerado o
primeiro happening da história da arte. No
espetáculo, M. C. Richards (1916-1999) e o poeta
Charles Olson (1910-1970) lêem poemas nas
escadas enquanto
David Tudor (1926-
1996) improvisa ao
piano e Merce
Cunningham (1919-
2009) dança em
meio à audiência.
Pendurada, uma
white painting de
Robert
Rauschenberg (1925-
2008), uma velha
vitrola toca discos de Edith Piaf (1915-1963). Café
é servido por quatro rapazes de branco. Cage,
sentado, lê um texto que relaciona música e zen-
budismo, algumas vezes em voz alta, outras, em
silêncio. O espetáculo apela simultaneamente aos
sentidos da visão, audição, olfato, paladar e tato, e,
além disso, envolve os artistas mencionados e
outros participantes, que interferem, aleatoriamente,
na cena. Kaprow inspira-se no evento de Cage na
concepção de seu primeiro espetáculo, 18
Happenings in 6 Parts, em 1958. O músico é um de
seus mestres, sobretudo suas ideias de acaso e
indeterminação na arte.
As performances concebidas por Beuys - que ele
prefere chamar de ações, evitando os nomes
happening ou performance - na Alemanha se
particularizam pelas conexões que estabelecem com
um universo mitológico, mágico e espiritual. Nelas
chamam atenção o uso frequente de animais, a
ênfase nas ações que conferem sentidos aos objetos
e o uso de sons e ruídos de todos os tipos, num
apelo às experiências anteriores à linguagem
articulada e ao reino dos instintos, que os animais
representam. Ainda em solo europeu, é possível
lembrar performances realizadas nos anos 1960, por
Yves Klein (1928-1962), na França, e, na trilha da
arte povera italiana, os nomes de Jannis Kounellis
(1936) e
Vettor Pisani
(1934-2011).
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
18. Arte de novas mídias- Vídeoarte
O barateamento e a difusão do vídeo no fim da
década de 1960 incentivam o uso não-comercial
desse meio por artistas do mundo todo,
principalmente por aqueles que já experimentavam
as imagens fotográficas e fílmicas. O vídeo e a
televisão entram com muita força no trabalho
artístico, frequentemente associados a outras mídias
e linguagens. O desenvolvimento da arte pop, do
minimalismo e da arte conceitual toma a cena dos
anos 1960 e 1970, sobretudo nos Estados Unidos.
Nesse momento, instalações, performances e
happenings são amplamente realizados, sinalizando
as novas orientações da arte: as tentativas de dirigir
a criação artística às coisas do mundo, à natureza, à
realidade urbana e à tecnologia. Cada vez mais as
obras articulam diferentes modalidades de arte
como dança, música, pintura, teatro, escultura,
literatura, desafiando as classificações habituais,
questionando o caráter das representações artísticas
e a própria definição de arte.
A introdução do vídeo nesse universo traz novos
elementos para o debate sobre o fazer artístico. As
imagens projetadas ampliam as possibilidades de
pensar a representação, além de transformar as
relações da obra de arte com o espaço físico, na
esteira das contribuições minimalistas. A videoarte
parte da idéia de espaço como campo perceptivo,
defendida pelo minimalismo quando enfatiza o
ponto de vista do observador como fundamental
para a apreensão e produção da obra. Mas, se o
trabalho de arte na perspectiva minimalista é
definido como o resultado de relações entre espaço,
tempo, luz e campo de visão do observador, o uso
do vídeo almeja transformar de modo radical as
coordenadas desse campo perceptivo, dando novo
sentido ao espaço da galeria e às relações do
observador com a obra. Colocado numa posição
intermediária entre o espectador do cinema e o da
galeria, o observador/espectador da obra é
convocado ao movimento e à participação.
Uma nova forma de olhar está implicada nesse
processo, distante da ilusão projetada pela tela
cinematográfica e da observação da obra tal como
costuma ocorrer numa exposição de arte. O campo
de visão do espectador é alargado, transitando das
imagens em movimento do vídeo ao espaço
envolvente da galeria. As cenas, os sons e as cores
que os vídeos produzem, menos do que confinados
ao monitor, expandem-se sobre e ao redor das
paredes da galeria, conferindo ao espaço um
sentido de atividade: o olho do espectador mira a
tela e além dela, as paredes, relacionando as
imagens que o envolvem. Se a videoarte interpela o
espaço, visa também alterar as formas de apreensão
do tempo na arte. As imagens, em série como num
enredo ou projetadas simultaneamente, almejam
multiplicar as possibilidades de o trabalho artístico
lidar com as coordenadas temporais.
A videoarte deve ser lida na esteira das
conquistas minimalistas, mas também da arte pop,
pela sua recusa em separar arte e vida por meio da
incorporação
das histórias
em
quadrinhos, da
publicidade,
das imagens
televisivas e
do cinema. As
performances
e os
happenings
largamente
realizados
pelos artistas ligados ao Fluxus, aparecem
diretamente ligados à videoarte. As realizações
Fluxus justapõem não apenas objetos, mas também
sons, movimentos e luzes num apelo simultâneo
aos diversos sentidos: visão, olfato, audição, tato.
Nelas, o espectador deve participar dos espetáculos
experimentais, em geral, descontínuos, sem foco
definido, não-verbais e sem seqüência previamente
estabelecida. Ampliando o recuo temporal, é
possível localizar ecos dadaístas, sobretudo dos
trabalhos tridimensionais de Marcel Duchamp
(1887 - 1968) - The Large Glass, 1915/1923 e To
Be Looked at (From the Other Side of the Glass)
with one Eye, Close to, for almost na Hour,
conhecido como Small Glass, 1918 - e de seus
trabalhos óticos, Rotary Glass Plates (Precision
Optics), 1924 e Anemic Cinema, 1926.
Artistas ligados ao minimalismo, como Robert
Morris (1931), fazem proveitoso uso de filmes e
vídeos em seus trabalhos - Pharmacy, 1962 e Finch
College Project, 1969. Os chamados pós-
minimalistas, exploram também as imagens,
sobretudo o vídeo: Richard Serra (1939), Keith
Sonnier (1941), Bruce Nauman, Robert Smithson
(1938 - 1973) entre outros. O nome de Bill Viola
(1951) deve ser lembrado como um importante
expoente no campo das videoinstalação.
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio

19. Arte eletrônica para o desenvolvimento de linguagens artísticas.

O acesso dos artistas ao computador lhes deu a
oportunidade de explorar as possibilidades dessa
tecnologia como um meio de expressão, criando
uma nova linguagem artística. O acesso dos artistas
ao computador lhes deu a oportunidade de explorar
as possibilidades dessa tecnologia. Com o início da
internet na década de 90 surge o primeiro site que
apresenta uma linguagem visual artística na web,
ele se apropria dos códigos da Html e imagens,
propõe a interação com o internauta, onde um link
leva a uma outra composição imagética, num
movimento automático, guiado ao acaso. A internet
oferece ao artista o acesso a um público mais amplo
e menos especializado.
Mas a tecnologia não é arte por si só. Para uma
tecnologia se tornar arte é preciso que esteja
inserida no processo de desenvolvimento da
linguagem de um artista. Alguns sinônimos para
esta nova tendência são: arte digital, arte
eletrônica, arte multimídia, arte interativa, que
se multiplicam em muitas possibilidades:
software art, game art, Web art, internet art,
site-specific.

A utilização diária do computador pela pessoa

comum trouxe reflexões filosóficas sobre essa nova
forma de estar no mundo. O conceito de
Telepresença é um exemplo disso. Segundo
Ronaldo Lemos: “Duas pessoas, uma em Nova
York e outra em Tóquio se falavam pelo Skype.
Quando terminaram a conversa nenhum deles
desligou. O assunto acabou, mas eles resolveram
não desligar. Então, um ouvia o outro abrindo um
armário, espirrando do outro lado, teclando... A
grande característica da internet é a nova relação
temporal e espacial que se estabelece. A rede nos
traz uma nova concepção de presença não corpórea,
que nos dá a possibilidade, ou melhor, o poder de
controlar o espaço, o tempo e o corpo. A
telepresença reflete uma sociedade em rede e o
caráter global das novas relações. Alguns trabalhos
artísticos em meios como a internet exploram essa
experiência presencial à distância.”

Seguindo este pensamento a arte dos novos meios

seria uma resposta dos artistas à revolução das
tecnologias da informação e a digitalização dos
modelos culturais. A internet disponibiliza uma
hiper-abundância de imagens, sons e textos, que Anotações
aliados à dupla função Ctrl C - Ctrl V, abre
______________________________________
possibilidades de novas apropriações e
______________________________________
combinações.
______________________________________
É importante, porém, percebermos que as novas ______________________________________
tecnologias são recursos, que podem ser utilizados ______________________________________
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
20. Hiper-realismo
O termo remete a uma tendência artística que
tem lugar no final da década de 1960, sobretudo em
Nova York e na Califórnia, Estados Unidos. Trata-
se da retomada do realismo na arte contemporânea,
contrariando as direções abertas pelo minimalismo
e pelas pesquisas formais da arte abstrata. Menos
que um recuo à tradição realista do século XIX, o
"novo realismo" finca raízes na cena
contemporânea, dizem os seus adeptos, e se
beneficia da vida moderna em todas as suas
dimensões: é ela que fornece a matéria (temas) e os
meios (materiais e técnicas) de que se valem os
artistas. A série de exposições realizadas entre 1964
(O Pintor e o Fotógrafo, Universidade de Novo
México, Albuquerque) e 1970 (22 Realistas,
Whitney Museum, Nova York) assinala o
reconhecimento público da nova vertente.
Hiper-realismo ou foto-realismo, como preferem
alguns, os termos permitem flagrar a ambição de
atingir a imagem em sua clareza objetiva, com base
em diálogo cerrado com a fotografia. Os hiper-
realistas "fazem quadros que parecem fotografias",
afirma o crítico Gilles Aillaud por ocasião de uma
exposição no Centro Nacional de Arte
Contemporânea de Paris, em 1974. A frase traduz
uma reação corriqueira diante das obras, o que não
quer dizer que os artistas deixem de assinalar as
diferenças existentes entre pintura e fotografia.
Richard Estes (1932), um dos grandes expoentes do
novo estilo, é enfático: "Não acredito que a
fotografia dê a última palavra sobre a realidade".
Mesmo assim, afirma, "o foto-realismo não poderia
existir sem a fotografia".
Se pintura e
fotografia não se
confundem, a como a vontade de figurar a realidade de modo
imagem
fotográfica é um
recurso
permanente dos
"novos realistas",
sendo utilizada de
diversas maneiras.
A foto é usada,
antes de tudo, como meio para obter as informações
do mundo, pinta-se a partir delas. O pintor trabalha
tendo como primeiro registro os movimentos
congelados pela câmera, num instante preciso. Se o
modelo vivo - pessoa ou cena - sofre
permanentemente as interferências do ambiente e
está, portanto, sempre em movimento, a imagem
registrada pela máquina encontra-se cristalizada,
imune a qualquer efeito externo imediato, o que dá
a ela um tom de irrealidade. Os retratos de Chuck
Close (1940) - por exemplo, Nancy e Auto-retrato
(1968) - mimetizam as fotos em que se baseiam. Os
rostos em primeiro plano, com ar congelado e sem
pano de fundo, evocam os retratos 3 x 4, ao mesmo
tempo que dele se afastam, por suas grandes
dimensões. Diversos artistas utilizam também a
fotografia como suporte, pintando sobre a imagem
revelada no papel, por exemplo, Robert Cottingham
(1935), Audrey Flack (1931) e Richard Thorpe
McLean (1934). Observa-se ainda a utilização de
técnicas pictóricas que permitem obter um
resultado final similar à fotografia. O uso do
aerógrafo (airbrush), por exemplo - que nunca toca
a tela e que, portanto, não deixa impressas as
marcas do gesto e do pincel - permite o controle da
quantidade de tinta a ser empregada e sua
distribuição regular: cada área do quadro é pintada
do mesmo modo. A pintura obtida, nesse caso, é
lisa, sem texturas nem empastes.
A retomada da figuração após a Segunda Guerra
Mundial (1939-1945) já havia sido empreendida
pela arte pop, a partir dos anos 1950, com o auxílio
de símbolos retirados da cultura de massas e da
vida cotidiana. A recusa ao "hermetismo" da arte
contemporânea, a atração pelos temas e recursos
técnicos oferecidos pelo mundo moderno, assim
detalhado e impessoal aproxima o hiper-realismo
da arte pop. O reconhecimento dessas afinidades
não impede a localização de afastamentos fortes
entre os dois movimentos. O mundo cotidiano
retratado pelos hiper-realistas, em geral, refere-se
aos aspectos banais, às cenas e atitudes familiares,
aos detalhes captados pela observação precisa.
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio

21. Arte De Rua – Grafite o grafite, inicialmente, foi uma arte caracterizada
O grafite é um tipo de arte urbana caracterizado pela autoria anônima.
pela produção de desenhos em locais públicos Portanto, a preocupação naquele momento era a
como paredes, edifícios, ruas, etc. É bastante usado arte em si e não o nome de seu autor. Por esse
como forma de crítica social, e, além disso, é uma motivo, os ditos
maneira de intervenção direta na cidade, "cânones" são retirados
democratizando assim, os espaços públicos. O de sua posição central
termo grafite, de origem italiana graffito - plural para dar lugar a uma
graffite - significa “escrita feita com carvão”. arte de todos e para
Se falarmos sobre os primórdios do grafite, todos. Assim, desde a
teremos que voltar milhares de anos, quando os década de 70, os
homens faziam inscrições nas cavernas. Há grafiteiros brasileiros
exemplos de intervenções feitas em locais públicos se apropriaram do
já na época do Império Romano. Na espaço público a fim
contemporaneidade, essa manifestação artística está de transmitirem
relacionada principalmente ao hip-hop, movimento mensagens de cunho político, social, cultural,
cultural que teve início no começo dos anos 70 nos humanitário e, sobretudo, artístico.
EUA pelas comunidades latinas, afro-americanas e
jamaicanas. No hip-hop são três as vertentes da Um importante nome do grafite no Brasil foi o
arte: rap (música), breakdance (dança) e grafite artista Alex Vallauri (1949-1987), considerado
(pintura mural). precursor do movimento no país. Ele utilizou
diversos suportes para estampar sua arte, além dos
muros e paredes da cidade. Seus desenhos eram
simples e objetivos em meio ao caos urbano,
facilitando a compreensão da mensagem. A arte
nesse momento, passa a ser não somente vista
dentro dos museus ou dos centros culturais, mas
também nas paredes das ruas, nos túneis e nos
prédios da cidade. Com efeito, o grafite é definido
como mais que uma linguagem artística, torna-se
assim, um
A história do grafite no Brasil surgiu na década importante
de 70, precisamente na cidade de São Paulo. Ela instrumento
nasce numa época conturbada da história do Brasil, de protesto
em que a população era silenciada pela censura e de
com a ditadura militar no poder. Paralelamente ao transgressão
movimento que despontava em Nova Iorque, o dos valores
grafite surge no cenário nacional como uma arte estabelecido
transgressora. A linguagem da rua não pede licença s. Esse tipo
e grita nas paredes da cidade os incômodos de uma de
geração. A partir de então, a arte de grafitar se expressão
transforma em um importante veículo de possibilitou
comunicação urbana e colabora para a existência de a comunicação entre os moradores da cidade, a
outras vozes. Outros sujeitos históricos e ativos união de muitas culturas que coexistem; em outras
passam a ter a chance de participar artística e palavras, facilitou a fusão entre o centro e a
politicamente da cidade. É importante ressaltar que periferia.
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
22. Belas Artes Em Tempos Líquidos: A
Efemeridade Da Arte Contemporânea (-Por
Chandra Santos)
Leitura reflexão em sala
"Atualmente, fazer arte é um exercício ególatra; as
performances, os vídeos, as instalações estão feitas
de maneira tão óbvia que subjuga a simplicidade
criativa, além de serem peças que, em sua grande
maioria, apelam ao mínimo esforço e cuja
acessibilidade criativa revela tratar-se de uma
realidade que poderia ter sido alcançada por
qualquer um“ [Avelina Lésper] [...] "Percorrendo
uma exposição de arte contemporânea, o visitante
não tem tempo para aprofundar o conhecimento da
história nem o processo criativo do artista,
bombardeado como é por mensagens estéticas
muito mais intensas e diretas. Então, é comum
considerar aquela “arte” como um imbróglio"
[Claudio Strinati].
Segundo o filósofo Charles S. Peirce, fundador da
Semiótica, a principal função da arte é expressar os
estados de consciência humana. Partindo dessa
definição, por exemplo, terapeutas e psicólogos
passaram a usá-las como parte de tratamentos. No
entanto, essa é apenas uma definição dentro da
árdua tarefa complexa de conceituar arte. Ao longo
dos anos acumularam várias definições e houve a
criação de uma "escala evolutiva" entre os
acadêmicos para contar a história da arte. Hoje
estamos submersos pela chamada arte
contemporânea, que para muitos pesquisadores
seria uma nova re-significação dos processos
artísticos que vêm sendo desenvolvidos desde que o
homem desenhou o primeiro rabisco na caverna. Já
para outros ela simplesmente não existe.
Em determinado momento histórico as academias
começaram a dar uma classificação para os tipos de
arte existentes. Surgiram sete categorias nas quais
as artes poderiam se enquadrar. O que vemos nesse
momento contemporâneo é uma mistura das sete
artes existentes aplicada muitas vezes sobre a
plataforma digital, com afirmações de que por isso
são contemporâneas e não modernas.
Belas-artes O termo beaux-arts (belas-artes) surge
em 1746 aplicado às chamadas "artes superiores",
de caráter não-utilitário, opostas às artes aplicadas e
às artes decorativas. De acordo com a Enciclopédia
Itaú Cultural, essa noção é incorporada ao
vocabulário da história e da crítica de arte com o
auxílio da obra Les Beaux-Arts Réduits à un Même
Principe, de autoria de Charles Batteaux.
"As belas artes eram aquelas que, segundo o ponto
de vista do período, possuíam a dignidade da
nobreza. Já as artes aplicadas, devido ao fato de
serem praticadas por trabalhadores, eram
desvalorizadas.Se as academias separam artistas e
mestres de ofícios, fazendo das belas-artes
sinônimos de arte acadêmica, é possível notar ao
longo da história da arte ocidental - e, sobretudo,
no interior da arte moderna - aproximações entre
as conhecidas como belas-artes e as chamadas
artes aplicadas. Lembrando, entre outros, o
exemplo do Arts and Crafts inglês, quando teóricos
e artistas reafirmam a importância do trabalho
artesanal diante da mecanização industrial e da
produção em massa; o art nouveau europeu e
norte-americano que esmaece as fronteiras entre
arte e artesanato pela valorização dos ofícios e
trabalhos manuais; a experiência da Bauhaus,
ancorada na associação entre arte, artesanato e
indústria; ou ainda o art déco, ou "estilo anos 20",
que aproxima arte e design", diz um trecho do
artigo publicado na enciclopédia virtual.
São consideradas Belas Artes: Arquitetura; Pintura;
Escultura; Música; Literatura; Teatro e Dança; e
Cinema. Abaixo uma breve descrição de cada,
publicadas originalmente em meu blog.
Pintura O artista passa suas impressões sobre a
realidade e expressa seus sentimentos em uma tela,
através de linhas e cores. Entre os pintores mais
conhecidos destacam-se: Frida Kahlo, Salvador
Dalí, Tarsila do Amaral e Pablo Picasso.
Arquitetura Arte de projetar e construir prédios de
acordo com os contextos históricos, sociais e
políticos vigentes no período. Sendo influenciada,
também, pelas mudanças estéticas e tecnológicas. O
carioca Oscar Niemeyer é considerado um dos
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
maiores arquitetos do século XX. A característica
principal de suas obras é a presença de curvas,
como na Praça dos Três Poderes, em Brasília.
Música Aristóteles, na Grécia, definiu música
como "a arte de expressar sentimentos mediante o
som". A lógica da construção musical é a
combinação de sons em sucessão temporal
formando melodias. Há diversos representantes
dentro das numerosas categorias desta arte. Os mais
conhecidos são: Mozart, Bethoveen, Beatles,
Rolling Stones, Madonna e Frank Sinatra.
Escultura Consiste em esculpir, talhar ou modelar
diferentes tipos
de materiais
representando
figuras reais ou
imaginárias.
São escultores
conhecidos:
Aleijadinho,
Rodin e Victor
Brecheret.
Literatura "É a arte da palavra". Consiste em usar
exclusivamente a linguagem para se expressar
contando histórias reais ou fictícias. O livro mais
antigo do mundo é a Bíblia. Assim como a música,
a literatura possui numerosas divisões e
representantes, mas os mais conhecidos são Paulo
Coelho, Umberto Eco e José Saramago.
Teatro/Dança São representados juntos, pois
estabelecem até hoje uma relação de interação. A
Dança, que consiste na representação de
movimentos corporais sucessivos dentro de um
ritmo musical, foi muito usada em rituais religiosos.
São exemplos: o samba e o tango. O teatro,
também, surgiu nos cultos religiosos. Por meio dele
deuses eram representados através de gestos sem a
utilização de sons. Entre os representantes dessa
arte estão Soflóces, Nelson Rodrigues e
Shakespeare.
Cinema Considerada como sétima arte, o cinema
trabalha a expressão por meio da imagem e do som
constituindo um todo através de frames. O ponto de
referência das produções cinematográficas é
Hollywood, nos Estados Unidos, embora quem
tenha inventado o cinema tenha sido os irmãos
Lumière, franceses. Entre filmes premiados e
conhecidos estão: "E.T.", "Titanic", "Tempos
Modernos" e "Central do Brasil".
A negação, o vazio e a rotatividade da arte
contemporânea
Na arte contemporânea encontramos elementos das
belas-artes mesclados em uma única obra. Cada
artista é múltiplo. Por exemplo, ao mesmo tempo
em que pinta ou esculpe (ou ambos), encena um
monólogo interagindo com suas obras para uma
plateia em uma galeria. E/ou ainda escreve sobre
sua exposição para enviar aos meios de
comunicação para publicação.
Leia entrevista a Carta Capital na qual Claudio
Strinati reflete sobre a arte e a cultura
contemporânea e afirma que a arte contemporânea
não existe [aqui.]
"Arte plástica é visão, e o homem vive de
experiências estéticas, mas hoje vivemos em um
mundo onde essas experiências são contínuas e
frenéticas, através de imagens de alta qualidade
transmitidas por tevê, cinema, fotos, vídeos e até
vitrines de loja. Antigamente, ao contrário, a
experiência de visão da humanidade era só a arte
figurativa: quadros e esculturas nas igrejas e nos
palácios ou nos raros museus. Essas obras
continuam sendo produzidas, mas são relativizadas
pelas experiências estéticas do outro tipo. Nos dias
de hoje, o artista oferece a “tradicional” obra
plástica que chega ao usufruidor no final de um
processo que lhe é estranho. Pensamos no
desenfreado interesse pelo futebol: a visão de uma
partida tem valor estético maravilhoso, e o
espectador de tevê vive uma experiência envolvente
e fascinante. Por outro lado, percorrendo uma
exposição de arte contemporânea, o visitante não
tem tempo para aprofundar o conhecimento da
história nem o processo criativo do artista,
bombardeado como é por mensagens estéticas
muito mais intensas e diretas. Então, é comum
considerar aquela “arte” como um imbróglio",
enumera Claudio Strinati em um dos trechos da
entrevista.
 Profª: Lana Maiara – Artes – Ensino Médio
A crítica de arte mexicana Avelina Lésper também
afirma que a arte contemporânea não existe. Em
seus argumentos sobre os porquês da arte
contemporânea ser uma “arte falsa“, ela apresentou
a conferência “El Arte Contemporáneo- El dogma
incuestionable” na Escuela Nacional de Artes
Plásticas (ENAP).
Segundo ela, a carência de rigor nas obras permitiu
que o vazio de criação, o acaso e a falta de
inteligência passassem a ser os valores desta arte
falsa, entrando qualquer coisa para ser exposta nos
museus. Além disso, o Ready Made, expressando
perante esta corrente “artística” uma regressão ao
mais elementar e irracional do pensamento humano,
um retorno ao pensamento mágico que nega a
realidade, fez com que a arte fosse reduzida a uma
crença fantasiosa e sua presença em um mero
significado. Da mesma maneira, a figura do
“génio”, artista com obras insubstituíveis, já não
tem possibilidade de manifestar-se na atualidade.
Consequentemente a substituição constante de
artistas dá-se pela fraca qualidade de seus trabalhos.
"Tudo aquilo que o artista realiza está
predestinado a ser arte, excremento, objetos e
fotografias pessoais, imitações, mensagens de
internet, brinquedos,
etc. Atualmente,
fazer arte é um
exercício ególatra;
as performances, os
vídeos, as
instalações estão
feitas de maneira tão
óbvia que subjuga a simplicidade criativa, além de
serem peças que, em sua grande maioria, apelam
ao mínimo esforço e cuja acessibilidade criativa
revela tratar-se de uma realidade que poderia ter
sido alcançada por qualquer um“.
Assim Lésper afirma que, ao conceder o status de
artista a qualquer um, todo o mérito é-lhe
dissolvido e ocorre uma banalização. Ela cita, por
exemplo, as obras de arte contemporâneas
produzidas para serem executadas sobre
plataformas digitais: “O artista do ready made
atinge a todas as dimensões, mas as atinge com
pouco profissionalismo; se faz vídeo, não alcança
os padrões requeridos pelo cinema ou pela
publicidade; se faz obras eletrónicas, manda-as
fazer, sem ser capaz de alcançar os padrões de um
técnico mediano; se envolve-se com sons, não
chega à experiência proporcionada por um DJ;
assume que, por tratar-se de uma obra de arte
contemporânea, não tem porquê alcançar um
mínimo rigor de qualidade em sua realização",
explica para em seguida completar, "nos dias que
correm, a arte deixou de ser inclusiva, pelo que
voltou-se contra seus próprios princípios
dogmáticos e, caso não agrade ao espectador,
acusa-o de “ignorante, estúpido e diz-lhe com
grande arrogância que, se não agrada é por que não
a percebe".
Contemporaneidades: Bauman aplicado as
artes Mas seria esse um problema que atinge
apenas as artes? Esse vazio, essa arrogância, essas
falhas no que se propõe a fazer? Não faço parte do
time dos que creem que a arte contemporânea não
existe, mas daqueles que a consideram uma arte
efêmera, intimamente relacionada com o mundo, o
tempo e as relações em que estamos inseridos.
Como afirma Zygmunt Bauman: "os tempos são
“líquidos” porque tudo muda tão rapidamente.
Nada é feito para durar, para ser “sólido”. Disso
resultam, entre outras questões, a obsessão pelo
corpo ideal, o culto às celebridades, o
endividamento geral, a paranóia com segurança e
até a instabilidade dos relacionamentos amorosos. É
um mundo de incertezas. E cada um por si”,
conclui.
Ler em:
http://obviousmag.org/pela_janela/2015/belas-artes-
em-tempos-liquidos-a-efemeridade-da-arte-
contemporanea.html#ixzz6By1g4800