Trabalho de Artes - Maria Isabel Reis Arante

COLÉGIO OBJETIVO DE NATAL
DISCIPLINA: ARTES
MARIA ISABEL REIS ARANTE
MOVIMENTOS ARTÍSTICOS BRASILEIROS
Natal
Abril, 2023
MOVIMENTOS ARTÍSTICOS BRASILEIROS
Por
Maria Isabel Reis Arante
Trabalho apresentado à disciplina de

ARTES do Colégio Objetivo de Natal, como
requisito para avaliação referente ao 1º
trimestre do ano letivo.
Orientador(es): Prof.º Suzane
Natal
Abril, 2023
Sumário
INTRODUÇÃO………………………………………………………………… Página 01
DESENVOLVIMENTO……………………………………………………..… Página 02
BARROCO ..……………………………………………………….………..... Página 02
EXPRESSIONISMO ..……………………………………………….………..... Página 02
FAUVISMO ..…………………………………………………..…………..... Página 08
CUBISMO ..………………………………………………………..…………..... Página 12
ABSTRACIANISMO ..…………………………………………..…………..... Página 18
FUTURISMO ..………………………………………………………………..... Página 21
DADAÍSMO ..………………………………………………………………..... Página 25
SURREALISMO ..………………………………………………..…………..... Página 29
OP ART ..………………………………………………………..…………..... Página 35
POP ART ..………………………………………………………..…………..... Página 41
CONCLUSÃO……….........…………………………………………………….. Página 47
REFERÊNCIAS………………………………………......................................... Página 48
Trabalho de Artes – MOVIMENTOS ARTÍSTICOS BRASILEIROS – Página 1
INTRODUÇÃO
Esse trabalho dará vazão aos movimentos artísticos brasileiros.

Dizer que a história da arte no Brasil iniciou, apenas, no período colonial é ignorar a riqueza
e a diversidade da arte indígena que já existia no território e, até mesmo, da arte pré-histórica.
Com a chegada dos Portugueses, as tendências da arte europeia passaram a ser introduzidas
em terras brasileiras.
Ademais, alguns anos depois o intercâmbio cultural dos artistas brasileiros na Europa
também contribui para a miscigenação Brasil-Europa.
Ao longo dos anos, diferentes tendências artísticas prevaleceram acompanhando as
referências históricas de cada momento.
Sequencialmente, no início do século XX, a Semana de Arte Moderna marca a introdução
do modernismo e das correntes artísticas de vanguarda no Brasil. Por fim, ao longo do século, o
concretismo e a arte contemporânea ganham espaço em terras brasileiras.
DESENVOLVIMENTO
Os movimentos artísticos de maior destaque que ocorreram no século XX são:
expressionismo, fauvismo, cubismo, abstracionismo, dadaísmo, surrealismo, op art e pop art, sendo
o último a transição para a arte contemporânea.
Movimentos artísticos são correntes da arte em que um grupo de artistas compartilha das
mesmas ideias, tanto esteticamente quanto ideologicamente, e se unem com objetivos comuns.
BARROCO
Apesar de a introdução barroca ter acontecido com a chegada dos portugueses no período
colonial, é apenas no século XVIII que ganha força e atinge o seu auge em 1760, com o rococó e o
barroco mineiro, variações do movimento europeu.
Todavia, foi apenas quando instituições como irmandades, confrarias e ordens terceiras
passaram a investir em arte que o barroco teve seu auge e a igreja perde se enfraquece.
O barroco brasileiro é uma fusão de diferentes tipos de barroco europeu, do português ao
francês. Entretanto, a exuberância da fachada de igrejas barroco europeias é substituída por uma
simplicidade e elegância no exterior das igrejas brasileiras com interiores ricamente decorados.
Além disso, o rococó, uma das versões brasileiras do barroco, carrega algumas
características relevantes: Templos harmônicos e com uma arquitetura circular dinâmica;
Alguns renomes do barroco brasileiro são: o escultor Aleijadinho (Antônio Francisco
Lisboa), o pintor Mestre Ataíde (Manoel da Costa Ataíde) e o poeta Gregório de Matos.
EXPRESSIONISMO
Expressionismo é o nome de uma vanguarda artística europeia do início do século XX.
Esse movimento artístico está entre os primeiros representantes das vanguardas históricas e
talvez, o primeiro a focar em aspectos subjetivos, valorizando a expressão emocional do ser
humano.
Origem do Expressionismo
Devemos destacar que o Expressionismo não possui uma localização geográfica definida e
sua duração é imprecisa. Nesse ano se deu a criação do grupo Die Brücke (A Ponte), pelos artistas
Ernst Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1883-1970) e Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), entre
outros.
Um grupo de artistas: Otto Muller, Kirchner, Hekel, Schmidt-Rottluf (1926), de Kirchner. À direita, detalhe .
Outro grupo com grandes tendências expressionistas foi o Der Blaue Reiter (O cavaleiro
azul), formado em 1911 por Franz Marc (1880-1916) e Wassily Kandinsky (1866-1944). Edvard
Munch é considerado o precursor do Expressionismo, tendo influenciado essa corrente artística com
suas obras impactantes e cheias de carga emocional. Sua obra mais importante é O Grito (1893).
A tela O Grito (1893) de Edvard Munch. À direita, detalhe da obra

Ele foi um homem que viveu intensamente a arte e transmitia em suas obras os sentimentos
de maneira dramática e sem se preocupar tanto com os efeitos técnicos da iluminação em suas
composições. O Expressionismo constituiu-se como um campo multidisciplinar e interdisciplinar ao
entrecruzar os saberes de várias áreas do universo das artes. Surgiu como uma reação ao
positivismo do movimento impressionista, que visava exibir obras com um caráter mais técnico
acerca das percepções e estudos de luzes e cores, sem dar importância à subjetividade e
complexidade humanas.
Com uma visão trágica do ser humano, muito por conta do contexto histórico da Primeira
Guerra Mundial, o Expressionismo, como o próprio nome sugere, busca ser uma expressão dos
sentimentos e das emoções. Assim, os artistas exageram e distorcem os temas em seu processo de
catarse, revelando, sobretudo, o lado pessimista da vida. Dessa forma, podemos destacar como
importantes características desse movimento: valorização do universo psicológico, sobretudo de
sentimentos densos, como a angústia e solidão; valorização de temas sombrios, trágicos.
Estilo expressionista
Já que compreende a deformidade do mundo real, o Expressionismo encontrou uma forma
subjetiva para representar a natureza e o ser humano. A proposta do movimento despreza a
perspectiva e a luz, pois o que importa mais para esses artistas é a maneira como se sente o mundo.
Por outro lado, o Expressionismo defendia a liberdade individual por meio da subjetividade e do
irracionalismo. É interessante notar como no Expressionismo a objetividade da imagem se opõe ao
subjetivismo da expressão. Ou seja, o caráter objetivo é afastado da obra por meio da linha e da cor
usadas de maneira emotiva, em formas retorcidas e agressivas.
Expressionismo no Brasil
No Brasil, Cândido Portinari (1903-1962) destacou-se no estilo expressionista. O artista
representou intensamente em suas obras as mazelas do povo nordestino.
Além dele, Anita Malfatti (1889-1964), que na Alemanha teve contato com artistas do
Expressionismo, também foi fortemente influenciada por essa corrente.
Outros nomes que beberam da fonte foram Oswaldo Goeldi (1895-1961), Lasar Segall
(1891-1957) e, posteriormente, Flávio de Carvalho (1899-1973) e Iberê Camargo (1914-1994).
Principais artistas do Expressionismo
Selecionamos alguns dos principais representantes da arte expressionista e do pós-impressionismo
(que foram os grandes inspiradores e precursores do Expressionismo). Veja:
➢ Marc Chagall (1887-1985)

➢ Paul Klee (1879-1940)
➢ Wassily Kandinsky (1866-1944)
➢ Amedeo Modigliani (1884-1920)
➢ Egon Schiele (1890-1918)
➢ Edvard Munch (1863-1944)
➢ José Orozco (1883-1949)
➢ Constant Permeke (1886-1952)
➢ Cândido Portinari (1903-1962)
➢ Anita Malfatti (1889-1964)
➢ Diego Rivera (1886-1957)
➢ Georges Rouault (1871-1958)
➢ Chaim Soutine (1893-1943)
➢ David Siqueiros (1896-1974)
➢ Vincent Van Gogh (1853-1890)
Arte Expressionista
Com dito anteriormente, o Expressionismo foi um estilo artístico utilizado por diversas
categorias da arte, expresso na arquitetura, escultura, pintura, literatura e música.
Arquitetura Expressionista
Vista exterior e interior da Torre Einstein Potsdam (1921), de Erich Mendelsohn
A arquitetura expressionista empreendeu o uso de novos materiais. Com isso, ampliou as

possibilidades de fabricação em larga escala de materiais de construção como o tijolo, o aço ou o
vidro.
Escultura Expressionista
Mãe com os filhos (1927 - 1937), da artista Käthe Kollwitz
A escultura expressionista variou muito segundo cada artista, os quais tiveram em comum
apenas a temática da distorção das formas.
Pintura Expressionista
Mulher reclinada com meias verdes (1917), de Egon Schiele
A pintura expressionista deu grande ênfase nas cores como forma de criar efeito de
dinamismo e o sentimentalismo fruto de suas emoções e sentimentos mais profundos.
Literatura Expressionista
Kasimir Edschmid (1890-1966) foi um escritor expressionista alemão
Na literatura expressionista, a guerra, a cidade, o medo, a loucura, o amor e a perda da

identidade serão uma forma de retratar em palavras a sociedade burguesa da sua época.
Além do militarismo, a alienação do indivíduo e a repressão familiar, moral e religiosa.
Música Expressionista
Arnold Schoenberg (1874-1951) foi um compositor austríaco expressionista
A música expressionista primava pela separação da música de qualquer fenômeno externo.

Refletia o seu estado anímico do compositor, alheio das regras e convenções acadêmicas.
Cinema Expressionista
O gabinete do Dr. Caligari (1920), de Robert Wiene, é um ícone do cinema expressionista alemão
No cinema, as produções traziam um universo pessimista e dramático. Com cenários

fantasmagóricos, atuações e caracterizações exageradas, os filmes desse período enfatizavam
conflitos psicológicos das personagens.
Deixou-se de realizar esse tipo de cinema com o surgimento do nazismo na Alemanha, que
partir de então apenas teve produções de propaganda do governo e entretenimento.
FAUVISMO
Movimento artístico iniciado na França
O fauvismo ou fovismo foi uma tendência artística associada à pintura. Iniciado em 1901,
tinha como característica principal o uso de cores puras, sem misturas e intensas nas telas. A
corrente tinha como objetivo apresentar temas leves, serenos e que mostrassem a beleza do
cotidiano. Nascido na França, o fauvismo ganhou categoria de movimento artístico em 1905. Entre
seus principais representantes estão Henri Matisse (considerado o pai da corrente), Georges Braque
e Paul Cézanne.
Histórico do Fauvismo
O fauvismo foi iniciado em 1901, mas somente em 1905 ele ganhou essa denominação. Isso
ocorreu após o crítico artístico Louis Vauxcelles ter feito um comentário negativo a um quadro
exibidos no Salão de Outono (exposição de arte realizada anualmente em Paris), comparando-o com
pinturas de feras (fouves) ou selvagens. A obra em questão fazia parte de uma exposição de artistas
que usavam cores expressivas de maneira arbitrária. A Revolução Industrial mudou as estruturas de
criação artística e não foi diferente no fauvismo. Os artistas dessa corrente buscavam pintar as
sensações e espírito livre da sociedade em transformação. Os fauvistas passaram a apresentar o
homem em seu estado primitivista e natural com representação de suas subjetividades e emoções.
Os seus pintores se preocupavam mais com a qualidade expressiva do que com a

composição da pintura, com isso utilizavam as cores vibrantes mesmo que elas não estivessem em
acordo com a realidade. Como tinha como objetivo apresentar uma arte leve, a alegria e emoções do
cotidiano, o fauvismo evitou temas deprimentes, como também realizar críticas sociais ou à política.
Não tinha um manifesto nem um posicionamento social, assim foi considerado um movimento não
organizado ou apolítico.
Características
O fauvismo apresenta algumas características relacionadas às cores e ao movimento dos

pinceis na tela. Entre os principais atributos estão:
➢ Uso de cores fortes e intensas com destaque para o roxo, vermelho, amarelo;
➢ Utilização arbitrária das cores sem correspondência alguma com a realidade;
➢ As cores eram inseridas em estado puro (sem o branco ou o preto agregado);

➢ A sensação de profundidade era criada por meio das pinceladas largas e espontâneas
➢ Representação leve e suave da vida cotidiana;
➢ As cores deveriam transmitir tranquilidade, alegria e emoções positivas;
➢ As obras eram frutos da impulsividades e experimentação, sem a necessidade de

estudos prolongados;
➢ Estética primitivista sem preocupação com o real;
➢ Sem preocupação crítica social ou política.
Principais artistas
Van Gogh (1853-1890) e Paul Gauguin (1848-1903) foram os grandes influenciadores do

fauvismo, as pinceladas fortes e cores marcantes são parte da estética desses que contribuíram com
o movimento.
No entanto, diversos outros artistas participaram e influenciaram o movimento. Conheça

abaixo alguns deles.
Henri Matisse
Henri-Émile-Benoît Matisse foi pintor, desenhista, gravurista e escultor francês e é
considerado o "pai do fauvismo". Seus quadros variavam em retratos a composições de imagens. O
artista tinha uma forma fluida de desenhar e utilizava as cores puras.
Matisse nasceu em 31 de dezembro de 1869 e era filho de comerciante. Seu pai desejava
que o filho entrasse em uma faculdade. Fez direito e chegou a trabalhar no tribunal de Le Cateau-
Cambrésis.
Começou a pintar em 1889, depois que sua mãe lhe presenteou com tintas e telas depois de
passar um tempo com apendicite. Retornou em 1891 para a faculdade e começou a estudar arte.
Participou em 1903 do Salão de Outono, mas só foi reconhecido em 1905 quando foi considerado
líder do fauvismo.
Suas principais obras são: "Mulher lendo" (1894), "Retrato de Madame Matisse" (1905),
"Mulher com chapéu" (1905), "Madame Yvonne Landsberg" (1914), entre outras.
Henri Matisse representante máximo do Fauvismo (Foto: Wikipedia)
Albert Marquet
O artista Albert Marquet foi um dos percursores do fauvismo e expôs algumas de suas
pinturas no Salão de Outono, junto com Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain e
outros artistas.
Não era adepto a característica da corrente que abusava das cores vibrantes, em
compensação utilizava de forma excessiva o branco e cinza. Utilizava a perspectiva mais que os
outros fauvinistas e tinha um controle fino do desenho.
Nasceu em 1875, na cidade de Bordeaux, e em 1890 mudou-se para Paris. Tornou-se amigo
de Matisse quando entrou na escola de artes. Realizou diversas viagens pela Europa e Norte da
África, locais que influenciaram na criação de diversas obras.
Suas obras mais conhecidas são: "The Pont Saint-Michel and Notre Dame" (1905); "Caballo
en Marsella" (1916); "The Port of La Rochelle", "Low Tide" (920) e outras. Outros artistas do
fauvismo:
• Andre Derain;
• Georges Braque;
• George Rouault;
• Jean Puy;
• Kees Van Dongen;
• Maurice de Vlaminck;
• Paul Cézanne;
• Raoul Dufy.
Principais obras.
As pinturas dos artistas fauvistas expressavam a alegria da vida por meio das cores e dos
traços. Conheça abaixo algumas das principais obras da corrente artística.
"A alegria da vida"
Obra de Henri Matisse “A alegria de Viver”, ou "Le Bonheur de Vivre", retrata a harmonia
entre as mulheres e a natureza. A tela brinca com as cores alegres, vibrantes e puras, sem que elas
tivessem relação com cena. A obra representa as emoções e sentimento das pessoas apresentadas e
passa a sensação de equilíbrio e aconchegante.
Finalizada em 1906, a pintura de Matisse recebeu duras críticas devido seu estilo
progressista. Atualmente, a obra se encontra na Fundação Barnes, nos Estados Unidos.
Alegria da Vida, Henri Matisse (wikipedia)
"A praia Fécamp"

Obra de Albert Marquet, “A praia de Fécamp” (1906) representa dois marinheiros
observando a praia de Fecamp, em Seine-Maritime. Esta obra não apresenta tantas cores quanto a
tela de Matisse, mas os traços são bem característicos do movimento. Atualmente, a peça está
exposta no Museu Nacional de Arte Moderna em Paris.
A praia Fécamp, Albert Marquet (wikipedia)
Fauvismo no Brasil
O movimento fauvista ficou mais restrito à Europa e teve duração curta. Assim, a corrente
influenciou pouco as artes no Brasil. No entanto, Artur Timóteo começou a pintar com cores
marcantes ao estilo fauvista, após passar um período na França.
Arte de
Maria Isabel Reis Arante
CUBISMO
RESUMO DO CUBISMO: O QUE É O CUBISMO, FASES E CARACTERÍSTICAS
O Cubismo é uma Vanguarda Literária que surgiu na França no início do século

XX. Uma de suas principais características é o uso de formas geométricas para retratar
formas da natureza. Neste resumo do cubismo explicaremos todas as suas fases.
O Cubismo
O Cubismo é um movimento artístico que surgiu na França no início do século XX. Por esse
motivo, o cubismo é marcado pelo uso de formas geométricas. O movimento cubista foi fundado
em 1907 por Pablo Picasso e Georges Braque e teve como marco inicial a obra “Les demoisellers
d’Avignon” (ou “As Senhoritas d’Avignon”, em português), de Picasso. Outra influência para o
movimento cubista são as máscaras africanas.
“Les demoisellers d’Avignon” de Pablo Picasso
De uma maneira geral, o Cubismo é marcado pela representação de figuras da natureza a

partir do uso de formas geométricas, trazendo a fragmentação e a decomposição dos planos e das
perspectivas.
Os artistas cubistas rompem com o compromisso de utilizar a real aparência das coisas, mas
não chegavam a usar formas abstratas.
Características do Cubismo
Uma das principais características do Cubismo é o fato de que as formas da natureza eram
representadas por figuras geométricas, rompendo com o compromisso de representar a aparência
real das coisas. Outra característica importante do movimento é o uso de uma técnica chamada
“rima plástica”, que consiste em criar um efeito harmonioso na obra, através do uso de formas
geométricas que davam continuidade umas às outras.
Essa reconstrução era feita por meio de técnicas de colagem, em que os artistas introduziam
recortes de jornais, revistas e pedaços de outros materiais na pintura.
Durante, principalmente, o Cubismo Analítico – segunda fase do movimento cubista – os

artistas buscavam representar diferentes perspectivas sob o mesmo plano.
Fases do Cubismo
O Cubismo pode ser dividido em três fases:
1. Fase Cezannista;
2. Fase Analítica;
3. Fase Sintética.
Veja mais sobre cada uma delas abaixo.
1. Fase Cezannista . Neste resumo do Cubismo, podemos dizer que essa fase ocorreu entre
1907 e 1909 e, como o próprio nome já diz, teve como principal influência o artista plástico francês,
Paul Cézanne. Essa fase também é conhecida como pré-analítica. Durante essa fase, os artistas
deram início às suas experiências com as simplificações das formas e, posteriormente, passaram a
representar as figuras organizadas em um mesmo plano.
2ª fase do cubismo: Analítica A fase Analítica, ocorrida entre 1910 e 1912, é considerada o
auge do movimento cubista. Uma das principais características dessa fase é o fato de que as cores
eram usadas de forma moderada, sendo os tons de marrom, preto, cinza e ocre os mais utilizados.
3ª fase do cubismo: A fase Sintética teve início em 1912 e tinha como característica
principal o uso de cores mais fortes e o retorno ao figurativo, ou seja, buscou tornar as figuras
reconhecíveis, mas sem voltar a um tratamento realista. Além disso, nessa fase os artistas cubistas
começaram a fazer uso das colagens, fixando objetos reais na tela, como fragmentos de jornais ou
revistas, pedaços de madeira, vidro, entre outros materiais.
Literatura no cubismo
No Cubismo literário não há registro de memória cronológica.
As formas geométricas, inclusive na literatura, são aceitas e passam a ser uma característica
fundamental.
Cubismo no Brasil
As primeiras manifestações do Cubismo no Brasil surgiram logo após a Semana de Arte

Moderna, que ocorreu em 1922.
Apesar disso, não há artistas brasileiros que apresentaram obras com características
exclusivas do Cubismo.
Os artistas brasileiros receberam fortes influências, mas apenas mostrando características

mescladas do Cubismo com outras expressões artísticas em suas obras.
Resumo dos principais autores do Cubismo
Veja quais os principais autores cubistas, separados por ramo artístico (pintura, escultura e
escrita):
Principais pintores do Cubismo
“Guernica”, de Pablo Picasso
➢ Pablo Picasso (1881-1973): foi um pintor espanhol conhecido por ser um dos
fundadores do movimento cubista. Suas principais pinturas são “As Senhoritas d’Avignon” (1907) e
“Guernica” (1937) – que retrata a o bombardeio à cidade que deu o nome à obra durante a Guerra
Civil Espanhola.
➢ Georges Braque (1882-1963): foi um pintor e escultor francês que fundou o

Cubismo, juntamente com Picasso. Suas principais pinturas são “Violino e Candelabro” (1910) e
“Porto de Antuérpia” (1906).
➢ Diego Rivera (1886-1957): foi um dos principais pintores mexicanos.
➢ Juan Gris (1887-1927): foi um um dos mais famosos e versáteis pintores e escultores
cubistas espanhóis. Suas principais obras são “Retrato de Picasso” (1912) e “Violino e Violão”
(1913).
Principais escultores do Cubismo
“O Grande Cavalo”, de Raymond Duchamp-Villon
➢ Raymond Duchamp-Villon (1873-1918): foi um escultor francês. Era irmão de

Marcel Duchamp. Sua obra apresenta características muito pessoais, já que ele não teve formação
acadêmica. A partir de 1912, travou conhecimento com os cubistas, e suas esculturas mudaram
radicalmente. Suas principais obras são “O Grande Cavalo” (1914) e “Cabeça de Baudelaire”
(1911).
➢ Constantin Brancusi (1876-1957): foi um dos principais escultores romenos. Suas

principais contribuições para a escultura cubista são as obras “A Musa Adormecida” (1911) e
“Măiastra” (1911).
Principais escritores do Cubismo
Finalizando nosso resumo do Cubismo, é bom apresentar alguns dos principais nomes desse
estilo.
Texto de Guillaume Apollinaire
➢ Guillaume Apollinaire (1880-1918): foi um escritor e crítico de arte francês,

conhecido particularmente por sua poesia sem pontuação e gráfica, e por ter escrito manifestos
importantes para as vanguardas na França, tais como o do Cubismo, além de ser o criador da
palavra Surrealismo.
➢ Jean Cocteau (1889-1963): foi um poeta, romancista, cineasta, designer,
dramaturgo, ator, e encenador de teatro francês. Participou de várias correntes e manifestações
artísticas de vanguarda, como o Cubismo, o Dadaísmo e o Surrealismo.
➢ Oswald de Andrade (1890-1954): foi um escritor, ensaísta e dramaturgo brasileiro.
Foi um dos promotores da Semana de Arte Moderna que ocorreu 1922 em São Paulo.
ABSTRACIANISMO
O Abstracionismo, ou arte abstrata, é um estilo artístico moderno das artes visuais que
prioriza as formas abstratas em detrimento das figuras que representam algo da nossa própria
realidade. Dessa forma, podemos dizer que esse tipo de arte é uma obra “não representacional”, ao
contrário da arte figurativa, expressa por meio de figuras que retratam a natureza.
Composição VIII (1923), de Kandinsky

Principais características do abstracionismo As principais características da arte abstrata são:
Arte não representacional; Arte subjetiva; Oposição ao modelo renascentista e à arte figurativa;
Também chamado de "Abstracionismo Informal ou Lírico", essa vertente foi influenciada
pelo expressionismo e fauvismo. Suas principais características são:
➢ Sentimentalismo;
➢ Valorização da intuição;
➢ Liberdade artística.
O maior representante dessa vertente foi, sem dúvida, o artista russo, Kandinsky.
Abstracionismo geométrico
Composição em vermelho, amarelo, azul e preto (1921), de Piet Mondrian
Influenciada pelo cubismo e o futurismo, essa vertente está pautada na geometria das formas
e no racionalismo. Os elementos que caracterizam esse estilo artístico são:
➢ Racionalidade;
➢ Valorização de reflexão intelectual;
➢ Organização e uso de formas geométricas;
O maior representante dessa tendência foi o pintor holandês Piet Mondrian.
Principais artistas da arte abstrata
Os maiores representantes do abstracionismo no mundo foram:
➢ Wassily Kandinsky (1866-1944): artista plástico russo
➢ Piet Mondrian (1872-1944): pintor holandês
➢ Paul Klee (1879-1940): artista suíço
➢ Willem de Kooning (1904-1997): pintor holandês
➢ Kasimir Malevich (1879-1935): pintor ucraniano
➢ Robert Delaunay (1885-1941): artista francês
➢ Hans Hartung (1904-1989): pintor alemão

➢ Pierre Soulages (1919): pintor e escultor francês
➢ Jean Fautrier (1898-1964): pintor e escultor francês
➢ Jean Dubuffet (1901-1985): pintor francês
➢ Antoni Tàpies (1923-2012): pintor catalão
➢ Jackson Pollock (1912-1956): pintor estadunidense
Arte de Maria Isabel Reis Arante

Futurismo
Criado no contexto da Segunda Revolução Industrial, o movimento foi marcado pela
dinamicidade e ruptura com o passado.
O futurismo foi um movimento artístico que surgiu entre 1909 e 1910 em Milão, na Itália.
Como o próprio nome sugere, trata-se de uma vertente que se inspirava no futuro, devido às
grandes mudanças que vinham ocorrendo na época. Isso porque o movimento está inserido no
contexto histórico da Segunda Revolução Industrial, em que os avanços tecnológicos, descobertas e
invenções ganhavam cada vez mais força.
O que é futurismo?
O futurismo é uma das tendências das vanguardas artísticas do início do século XX. Ele teve
início com a publicação do Manifesto Futurista, no jornal Le Figaro, em 20 de fevereiro de 1909.
O texto foi escrito por Filippo Marinetti e causou polêmica por exaltar não só a evolução da
tecnologia, mas também o radicalismo, a violência e a guerra. Confira alguns trechos do manifesto:
“Afirmamos que a magnificência do mundo se enriqueceu de uma beleza nova: a beleza da velocidade. Um
carro de corrida adornado de grossos tubos semelhantes a serpentes de hálito explosivo… um automóvel rugidor, que
parece correr sobre a metralha, é mais belo que a Vitória de Samotrácia.
Estamos no promontório extremo dos séculos! […] Por que haveremos de olhar para trás, se queremos
arrombar as misteriosas portas do Impossível? O Tempo e o Espaço morreram ontem. Vivemos já o absoluto, pois
criamos a eterna velocidade onipresente.
Queremos glorificar a guerra – única higiene do mundo -, o militarismo, o patriotismo, o gesto destruidor dos
anarquistas, as belas ideias pelas quais se morre e o desprezo da mulher.
Queremos destruir os museus, as bibliotecas, as academias de todo tipo, e combater o moralismo, o feminismo
e toda vileza oportunista e utilitária.
Assim, o futurismo representava uma libertação do passado, com o surgimento de um novo
mundo através dos motores, turbinas, engrenagens e eletricidade. Sua influência foi observada
principalmente na pintura, literatura, escultura e na música.
Características do futurismo
O futurismo é marcado pela dinamicidade, a fim de expressar um movimento acelerado que
demonstre a beleza da velocidade.
Havia também uma rejeição ao sentimentalismo, moralismo e tradições, e valorização do
novo homem, da revolução e das tecnologias.
Obras do futurismo: Arranha-céus e túneis (1930), de Fortunato Depero .
Confira as principais características do futurismo nas artes e na escrita:
➢ Influência cubista e abstracionista;
➢ Uso de cores vibrantes e contrastes fortes;
➢ Sobreposição dos traços para representar a ideia de velocidade;
Na escrita, a ideia de movimento e energia era simbolizada pelo uso de onomatopeias,

exclamações e interjeições, além de versos livres e frases fragmentadas.
Principais artistas do futurismo
➢ Filippo Marinetti (1876–1944)
➢ Giacomo Balla (1871–1958)
➢ Carlo Carrà (1881–1966)
➢ Fortunato Depero (1892–1960)
➢ Luigi Russolo (1885–1947)
➢ Umberto Boccioni (1882–1916)
➢ Enrico Prampolini (1894–1956)
➢ Vladimir Maiakóvski (1893–1930)
➢ Nikolay Diulgheroff (1901–1982)
➢ Gino Severini (1883–1966)
Obras do futurismo: Velocidade de um automóvel (1913), de Giácomo Balla.

Futurismo no Brasil
O movimento teve início no país na Semana de Arte Moderna de 1922, com a proposta de
ruptura com a arte tradicional para criar uma nova arte e identidade nacional, rejeitando o passado e
exaltando o futuro.
Os dois principais nomes do futurismo no Brasil foram os escritores Oswald de

Andrade (1890–1954) e Mário de Andrade (1893–1945). Embora não se considerassem futuristas,
eram claramente influenciados pelo movimento, que foi a base do modernismo brasileiro.
Ao contrário da Europa, que vivenciava o avanço da tecnologia, o Brasil estava em fase de

transição. A economia, até então predominantemente agrária, estava apenas iniciando seu processo
de industrialização.
Por isso, os princípios futuristas não estavam de acordo com a realidade do país e tiveram
que ser reformulados. Em alguns momentos, Mário e Oswald de Andrade inclusive chegaram a
criticar os ideais de Marinetti.
Outros nomes de destaque do futurismo no Brasil foram Anita Malfatti (1889–1964), Graça

Aranha (1868–1931), Manuel Bandeira (1886–1968) e Ronald de Carvalho (1893–1935).
DADAÍSMO
DADAÍSMO NO BRASIL: O CONTEXTO HISTÓRICO MODERNISTA, AS

CARACTERÍSTICAS E PRINCIPAIS ARTISTAS
No mesmo período em que o Dadaísmo surgiu e tinha seu ápice na Europa, no Brasil, a arte
moderna vivia seus dias gloriosos, como a Semana de Arte Moderna de 1922.
Em comum a necessidade de produção de obras de arte polêmicas e originais, e foram
justamente esses elementos que permitiram que o dadaísmo no Brasil alcançasse a abrangência que
conseguiu.
Entre os desejos da arte moderna no Brasil estava a busca por liberdade criativa e de
expressão, especialmente conseguidas por meio das características do dadaísmo europeu.
DADAÍSMO NO BRASIL
Entre os principais artistas plásticos, que vestiram a camisa como artistas dadaístas
brasileiros estão Flávio de Carvalho e Ismael Nery.
Flávio foi um dos artistas que trouxeram o dadaísmo para o Brasil, afinal, viveu na Europa
por tempo suficiente para conhecer e entender o que era o movimento e seus ideais. Foi um dos
principais artistas brasileiros aplicando os conceitos e as características do dadaísmo em suas
obras.
Fonte: A Inferioridade de Deus, Flávio de Carvalho, 1931 | Acervo Itaú Cultural | Reprodução Fotográfica Paulo
Scheuenstuhl
Além das obras de pintura, as características do dadaísmo estão presentes em outras

produções de Flávio de Carvalho, entre elas o teatro. Nesta obra, o artista também inclui atributos
da arte surrealista.
Mais tarde, Flávio se tornaria em precursor, também, da arte multimídia no Brasil, bem
como um relevante artista de performance. Relevante artista modernista, o pintor também circundou
o surrealismo, enquanto se apropriava das características dadaístas e ajudava na construção de um
legado para o dadaísmo no Brasil.
Fonte: Morte de Ismael Nery, Ismael Nery, 1932 | Acervo Itaú Cultural | Reprodução fotográfica Romulo
Fialdini
Além da pintura, outro importante campo da arte moderna que adotou as características do
dadaísmo no Brasil, em larga escala, foi a literatura. Nesse campo, dois nomes são proeminentes
entre os demais: Manuel Bandeira e Mário de Andrade.
Você pode se assustar ao ver o nome de Manuel Bandeira como um artista do dadaísmo no
Brasil, entretanto, a influência do movimento dentro dos poemas-piada do escritor, era notória.
Mas, é justo dizer que, quando falamos de dadaísmo no Brasil dentro da literatura, o nome
mais engajado é o de Mário de Andrade.
Com características da linguagem brasileira livre e com o uso estratégico e abusado
de paródias, Mário de Andrade, um dos “fundadores” do modernismo no Brasil, usou e abusou das
características dadaístas em seus poemas.
Em “Paulicéia Desvairada” são claros os sinais da presença de elementos do dadaísmo, em
especial, no poema “Ode ao Burguês”. Como você verá no trecho transcrito abaixo.
Ode ao burguês O homem que sendo francês, brasileiro,
italiano
“Eu insulto o burgês! O burguês-níquel,
é sempre um cauteloso pouco-a-pouco!
o burguês-burguês!
(…)”
A digestão bem feita de São Paulo!
Mário de Andrade
O homem-curva! o homem-nádegas!
O QUE É DADAÍSMO E QUAIS AS SUAS CARACTERÍSTICAS?

Relembrar alguns conceitos básicos sobre o que é dadaísmo pode ser interessante para
entender mais profundamente como as obras, sejam elas pinturas ou o poema acima apresentados,
se encaixam dentro do movimento que começou na Europa, na década de 1910.
O dadaísmo foi um movimento filosófico e artístico do início do século XX, praticado por
um grupo de escritores, artistas e intelectuais europeus em protesto à Primeira Guerra Mundial.
Outro pontos também se somavam ao manifesto dadaísta, tais como uma crítica ao
crescimento do capitalismo e consumo exacerbado e do papel da arte nessa nova “era moderna” que
se iniciava. Os dadaístas usavam o absurdo como uma arma contra a elite, afinal entendiam que essa
mesma elite contribuia com a guerra e com o status quo que limitava a criatividade.
Como visto, o contexto histórico do dadaísmo foi a Primeira Guerra Mundial (relembrando
que o dadaísmo no Brasil surgiria em parceria com a arte moderna).
Zurique virou um “caldeirão” para esses exilados e foi lá em 5 de fevereiro de 1916 que o
escritor Hugo Ball e sua parceira Emmy Hemmings abriram o Cabaret Voltaire.
As performances iniciais dos artistas eram relativamente convencionais, mas se tornaram
cada vez mais profanas e anárquicas em resposta à carnificina da Primeira Guerra Mundial.
Unidos em seu protesto contra a guerra e em sua oposição à ordem ideológica vigente, eles
se uniram sob um grito de batalha: o dadaísmo. Embora os artistas dadaístas estivessem unidos em
seus ideais, eles não tinham um estilo unificador.
O dadaísmo por fim, questionou o valor de toda arte e se sua existência era simplesmente
uma indulgência da burguesia. Para muitos historiadores da arte, o principal efeito do dadaísmo foi
criar o clima que permitiu que a arte se estivesse viva até hoje e não paralisada pelas tradições e
restrições dos valores estabelecidos.
Para aprofundar o conhecimento em relação aos artistas, obras e motivações do dadaísmo
na Europa, indicamos o artigo; “O que é Dadaísmo? A arte como protesto no século XX”.
SURREALISMO
Surrealismo
O surrealismo foi uma das vanguardas artísticas europeias que surgiu em Paris no início do
século XX.
Esse movimento se originou em reação ao racionalismo e ao materialismo da sociedade
ocidental.
A arte surrealista não se restringiu à pintura, de modo que também influenciou outras
manifestações artísticas: a escultura, a literatura, o teatro e o cinema.
Origem do Surrealismo
Grupo de artistas surrealistas nos anos 30: da esquerda para a direita: Tristan Tzara, Paul Éluard, André Breton,
Hans Arp, Salvador Dali, Yves Tanguy, Max Ernst, René Crevel e Man Ray
Na Europa, o período entre as duas guerras (1918-1939) ficou conhecido como "os anos
loucos". Assim, a incerteza sobre a predominância da paz levou ao desejo de "viver apenas o
presente".
Foi nesse período de insatisfação, desequilíbrio e contradições, que surgiram diversos

movimentos artísticos voltados para uma nova interpretação e expressão da realidade.
Esses movimentos ficaram conhecidos como "vanguardas europeias". O Surrealismo foi

uma dessas correntes e teve como precedente indispensável o Dadaísmo e a pintura metafísica de
Giorgio de Chirico (1888-1978).
Obra Praça d'Itália (1913), de Giorgio de Chirico, é uma pintura metafísica, precursora do surrealismo
André Breton (1896-1966), escritor francês e ex-participante do Dadaísmo, rompeu com o

líder do movimento dadaísta Tristan Tzara.
Com isso, lançou em Paris, em 1924, o Manifesto Surrealista, que trouxe para o mundo um
novo modo de encarar a arte. Segundo ele, o termo consiste em:
SURREALISMO, s.m. Automatismo psíquico puro pelo qual se propõe exprimir, seja
verbalmente, seja por escrito, seja de qualquer outra maneira, o funcionamento real do pensamento.
Ditado do pensamento, na ausência de todo controle exercido pela razão, fora de toda preocupação
estética ou moral.
No manifesto, os princípios surrealistas são apresentados, entre eles a isenção da lógica e a

adoração de uma realidade superior, chamada "maravilhosa".
Nesse mesmo ano, circula o primeiro número da revista A Revolução Surrealista, que reunia
todos os meios de expressão artística, com exclusão da música.
Principais características do surrealismo
De forma simplificada, podemos listar as seguintes características dessa vertente artística:
➢ pensamento livre;
➢ expressividade espontânea;
➢ influência das teorias da psicanálise;

➢ criação de uma "realidade paralela";
➢ criação de cenas irreais;
➢ valorização do inconsciente.
O surrealismo propõe a valorização da fantasia, da loucura e a utilização da reação

automática. Nessa perspectiva, o artista deve deixar-se levar pelo impulso, registrando tudo o que
lhe vier à mente, sem se preocupar com a lógica.
Os artistas surrealistas tinham como objetivo usar o potencial do subconsciente e dos sonhos
como fonte para a criação de imagens fantásticas.
Assim, as artes plásticas e a literatura eram vistas como um meio de expressar a fusão dos
sonhos e da realidade em um tipo de realidade absoluta, uma "surrealidade".
Na mesma época, o estudo da psicanálise estava em desenvolvimento - sobretudo por

Sigmund Freud - o que veio a influenciar significativamente o surrealismo.
Rumos do Surrealismo
Na pintura, o Surrealismo tomou duas direções: a pintura surrealista figurativa e

a abstrata.
Em ambas, adaptou as técnicas de escrita automática dos poetas surrealistas. O intuito era

liberar a mente do controle consciente e produzir um fluxo de ideias do subconsciente. Essas obras
eram abstratas ou figurativas.
Em outra perspectiva, o surrealismo baseou-se em reconstruções elaboradas e meticulosas

de um mundo de sonho, onde objetos eram colocados em uma justaposição inesperada.
Principais Artistas e Obras do Surrealismo
O surrealismo teve alguns nomes de destaque, entre eles:
1. Max Ernst
A Roda da Luz (1925), obra de Max Ernst utilizando a técnica frottage
Em 1925, o pintor alemão Max Ernst (1891-1976) - antes dadaísta - inventou a

técnica frottage, palavra que em francês significa "friccionar".
Nesse método, o artista fricciona o lápis (ou outro material) em um papel sobre uma
superfície texturizada. Assim, imagens surgiam e eram usadas como apareciam, ou serviam como
base para um novo desenho.
Epifania (1940), de Max Ernst. Aqui a técnica empregada é a decalcomania
O artista usou também a decalcomania, em que se coloca a tinta em superfícies como vidro
ou metal e pressiona-se sobre um apoio de tela ou de papel. As formas resultantes eram então
trabalhadas criativamente.
2. Joan Miró
Carnaval de Arlequim (1924-25), de Joan Miró
O pintor espanhol Joan Miró (1893-1983), em sua obra "Carnaval do Arlequim" (1924-25),
cruzou a fronteira entre a observação do "modelo externo" e símbolos que fluíam do subconsciente.
Embora baseado em desenhos feitos em estado de alucinação, sua composição é altamente

organizada através da intervenção do controle consciente.
Um artista que sofreu certa influência de Miró foi o norte-americano Jackson Pollock (1912-
56).
3. René Magritte
A tela A traição das imagens (1929), de Magritte, é uma de suas obras mais famosas
O pintor belga René Magritte (1898-1967) rejeitou a suposta espontaneidade do

automatismo por considerá-la falsa.
Passou a trabalhar com imagens que, à primeira vista, pareciam convencionais, mas às quais
dava um caráter bizarro por sobreposições.
4. Salvador Dalí
A persistência da memória (1931), do pintor espanhol Salvador Dali
Nascido na Espanha, o pintor Salvador Dalí (1904-1989) tornou-se um membro oficial do

grupo surrealista e deu a ele um novo ímpeto com seu método de atividade paranoica. Ele
certamente é o artista mais lembrado quando se fala de surrealismo.
Dalí interessava-se por condições mentais anormais e, em particular, por alucinações. Suas
estranhas imagens eram retratadas de modo que se assemelhavam à fotografia em cores.
Surrealismo no Brasil
À esquerda, a tela Desejo de Amor (1932), de Ismael Nery. À direita, Abaporu (1928), de Tarsila do Amaral
No Brasil, o Surrealismo exerceu considerável influência sobre o movimento Modernista. O

escritor Oswald de Andrade foi um dos maiores expoentes.
Em seu Manifesto Antropófago, no romance Serafim Ponte Grande e nas peças O Homem e

o Cavalo e a Morta, podemos notar elementos que se relacionam com as técnicas de criação
surrealista.
Além da literatura, essa vertente artística exerceu influência também nos artistas plásticos:
Tarsila do Amaral, Ismael Nery e Cícero Dias.
OP ART
OP ART NO BRASIL: CONHEÇA OS ARTISTAS BRASILEIROS DESSE
MOVIMENTO
Agência Papoca
Uma das principais características das obras artísticas desse movimento é o efeito de ilusão
de ótica criado pela peças que “brincam” com o olhar do espectador, trazendo diversas perspectivas.
O húngaro Victor Vasarely é considerado um dos grandes representantes da Op Art no
mundo e suas obras se destacaram nos anos 1930. O artista foi influenciado pela arte cinética,
construtivista e abstrata e pelo movimento de Bauhaus.
Sua obra a Zebra (1938) é composta inteiramente por listras diagonais em preto e branco e
curvadas de tal modo que dão a impressão tridimensional de ser uma zebra sentada. Uma arte
marcante e sempre lembrada quando se fala em Op Art. O expressão Op Art foi usada pela primeira
vez na revista Time, em outubro de 1964.
Embora já houvessem trabalhos produzidos anteriormente que hoje poderiam ser descritos
como Op Art. Em 1965, foi realizada a primeira exposição de Op Art, em Nova York, chamada
‘The Responsive Eye (O Olho que Responde)’.
A mostra era composta 100% por trabalhos de Op Art. Essa exposição popularizou a Op Art
que se espalhou por diversas áreas, inclusive comerciais.
OPT ART: PRINCIPAIS ARTISTAS BRASILEIROS
A premissa da Op Art estava toda centrada no olhar do espectador. Pode ser definida pelo
conceito de “menos expressão e mais visualização”. As características do movimento são:
➢ Tridimensionalidade;
➢ Efeitos óticos e visuais;
➢ Movimento e contraste de cores;
➢ Tons vibrantes (principalmente preto e branco);
➢ Formas geométricas e linhas;
➢ Observador participante;
➢ Estilo abstrato.
Mesmo com o rigor com que suas formas são construídas, as obras de Op Art simbolizam
um mundo mutável e instável, que não se mantém o mesmo nunca.
A Op Art no Brasil tem nomes expressivos entre os quais destacamos os artistas Ivan Serpa,
Lothar Charoux, Luiz Sacilotto e Israel Pedrosa.
IVAN SERPA (1923-1973)

É um pintor, gravador, desenhista, professor e um dos artistas brasileiros da Opt Art.
Começou a pintar no início dos anos 40 trabalhos figurativos com pouca preocupação temática.
Desde o início do seu trabalho nas artes, Serpa se identificava com a estrutura da
composição e pelo ritmo das formas.
A partir da década de 50, com a obra ‘Formas’ que ressalta os aspectos da abstração
geométrica ganhou o título de Melhor Pintor Jovem na 1ª Bienal Internacional de São Paulo.
Depois, aderiu de vez ao concretismo com obras criadas com formas geométricas e planas,
organizadas matematicamente.
Como professor do MAM/RJ criou junto com alunos e outros artistas do Rio de Janeiro,
como Abraham Palatnik e Franz Weissmann, o Grupo Frente, entre 1953 e 1954.
Nos anos 1960, já tendo como referência mais direta a Op Art, começou sua série Op
Erótica. Um trabalho marcado pelo retorno à linguagem construtiva, construção geométrica e os
elementos bem definidos – características da op art.
Além da Op Erótica, outras de suas principais obras foram a série Mangueira e
Amazônicas (1968), as obras Arcas e as obras Geomânticas (1972).
Op Erótica (1971).
LOTHAR CHAROUX (1912-1987)

O austríaco Lothar Charoux também marcou a Op art no Brasil. Ele foi pintor, desenhista e
professor durante sua carreira. Veio para o Brasil em 1928, onde fixou residência em São Paulo.
Seus estudos artísticos começaram ainda na Áustria com seu tio, o escultor Siegfried
Charoux. No Brasil, foi aluno do Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo (Laosp), onde também
lecionou. Suas primeiras obras foram marcadas por pinturas de paisagens e retratos.
No final da década de 40 e início dos anos 50, o seu interesse começa a se voltar para
questões construtivas.
Charoux foi um dos artistas fundadores do Grupo Ruptura em 1952, ao lado de outras
figuras artísticas nacionais como Geraldo de Barros e Waldemar Cordeiro. Outra iniciativa que teve
sua participação foi a Associação de Artes Visuais Novas Tendências, em 1963.
Seus trabalhos são marcados por uma série de desenhos negros, nos quais explorou a
oposição gráfica do traço branco com relação a uma superfície negra, promovendo seu valor
luminoso.
Charouz buscava propiciar uma tensão entre figura e fundo, por meio de formas geométricas
vazadas, que cortavam o plano em diferentes direções.
Composição (1959) | Reprodução fotográfica Sérgio Guerini/Itaú Cultural.

ISRAEL PEDROSA (1926-2016)
A artista mineiro do Alto Jequitibá, Israel Pedrosa, também marcou o caminho da Op Art no
Brasil.
Sua trajetória artística começou ainda na adolescência quando começou a estudar pintura
com Ferrucio Dami, em Juiz de Fora/MG.
Entre 1942 e 1947 morou no Rio de Janeiro. Foi aluno do famoso pintor Cândido Portinari.
Depois de servir na Força Expedicionária Brasileira, na Segunda Guerra Mundial, foi

bolsista na Escola de Belas Artes de Paris, de 1948 a 1950.
Na década de 1960, fixou residência em Niterói, e trabalhou na Universidade Federal
Fluminense, onde ajudou a começar os trabalhos com História da Arte.
Um dos seus estudos mais conhecidos era sobre a “cor inexistente” que, segundo o próprio
Pedrosa, significava “uma cor complementar produzida pela ação dos contrastes de várias gamas de
uma cor primária, levadas ao paroxismo”.
Ganhou o Prêmio Thomas Mann, em 1973, enquanto morou na Alemanha. Em 1977,
publicou o livro “Da cor à cor inexistente”. Em 1978, foi indicado como representante do Brasil no
Salão do Livro de Montreal, no Canadá, pelo Ministério das Relações Exteriores.
Ao longo de sua carreira, realizou cursos e conferências no Brasil e no exterior (França,
Bélgica, Hungria, Alemanha e México).
Cores Nacionais (1978) | Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

LUIZ SACILOTTO E SUAS OBRAS DE OP ART
Luiz Sacilotto foi um dos precursores da Op Art no Brasil e era pintor, escultor e desenhista.
Começou seus estudos de arte em 1938 na Escola Profissional Masculina do Brás e
participou ao longo de sua carreira de movimentos artísticos importante como a exposição 4
Novíssimos, o Grupo Expressionista, o Grupo Ruptura e a Associação de Artes Visuais Novas
Tendências.
Sacilotto é considerado um dos artistas mais expressivos da arte concreta no Brasil. Suas
obras exploram os fenômenos ópticos característicos da Op Art.
Na obra Estruturação com Elementos Iguais (1953), Sacilotto alinha em diagonal pequenos
quadrados pretos e brancos, sobre fundo azul. O conjunto de elementos, pela disposição e variação
das cores em que são apresentados, nos dá a sensação de que pulsam ao olhar.
Estruturação com Elementos Iguais | Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

Já na série de obras ‘Concreção 5521’ (1955), são apresentados quadrados justapostos, em
branco, cinza e preto, cortados por linhas paralelas, brancas e pretas.
Concreção (1955) | Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

O ritmo do quadro é dado pelos intervalos regulares formados pela alternância das cores e
linhas, com base em regras de simetria e na inversão positivo-negativo.
Outro exemplo de obras da Op Art é Concreção 7553 (1975), onde os módulos são
expandidos ou contraídos, de maneira a criar volumetrias visuais, geram ilusões de curva e
profundidade.
Concreção 7553 (1975) | Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

Em sua produção, as cores destacam ou suavizam a geometria dos elementos. Sacilotto
selecionava cuidadosamente a coleção de pigmentos, classifica e enumerava as gradações.
O artista chegou a reunir um catálogo de mais de 300 tons que incluíam desde o terra até
azuis e verdes.
O Op Art no Brasil tem um legado bastante significativo e obras muito marcantes como
pudemos ver. E já pensou em ter uma na sua casa?
Conheça mais obras originais do artista Luiz Sacilotto disponíveis no nosso site. A Laart é

uma galeria de arte online, especializada na venda de gravuras originais, assinadas e de série de
tiragem limitada, de importantes artistas brasileiros e latino americanos.
Todas as obras vêm com certificado de autenticidade e você recebe em casa com toda a
segurança de comprar no marketplace mais importante do mundo de arte.
POP ART
Durante os anos 50, a história da arte foi marcada pelas primeiras obras de arte produzidas
por artistas da Pop Art.
O movimento de origem britânica, logo se espalhou pelos EUA pós-Segunda Guerra, com
uma crítica severa ao consumismo e ao american way of life. A Pop Arte no Brasil ganhou
expressão na década de 60, no período da Ditadura Militar. Por aqui, as manifestações artísticas
tinham forte cunho político.
Foto: Tavin Honeyghan.
E não foi só a arte que se fortaleceu com a Pop Arte no Brasil. Músicos, intelectuais,
jornalistas e formadores de opinião também deram o contorno para esse movimento em diferentes
aspectos da sociedade, onde tinham influência.
Continue lendo e conheça mais sobre o movimento da Pop Art no Brasil e os principais
artistas nacionais.
QUANDO SURGIU A POP ART NO BRASIL?
A chegada da Pop Art no Brasil aconteceu na década de 60 em meio aos movimentos de
protestos no país contra a Ditadura Militar.
A Pop Arte já havia transformado o cenário da arte na Inglaterra e nos Estados Unidos,
destacando artistas como Roy Lichtenstein, Andy Warhol e Robert Rauschenberg.
O espírito contestador desses artistas também foi a marca dos artistas nacionais, apesar do
alvo dos protestos serem pontos diferentes.
Obra de Rubens Gershman.

No Brasil, eram as duras críticas à tortura e à violência da Ditadura e as reflexões do
cotidiano banal e dos problemas sociais que ganhavam as telas.
A utilização de cores vivas e inusitadas, colagens, alterações dos formatos das imagens, as
figuras de ícones simbólicos, o uso das impressões em serigrafia, alto-contraste e as referências aos
gibis foram algumas das marcas da Pop Art no Brasil.
As obras eram usadas como um forte instrumento de denúncia política e social.
Obra de Cláudio Tozzi.
E, além das telas de artistas como Antonio Dias, Rubens Gerchman e Claudio Tozzi, Hélio
Oiticica, outros membros da cultura nacional se apropriaram do conceito contestador da Pop Art no
Brasil e o levaram para a música.
A movimento da Tropicália também bebeu na fonte da Pop Art, buscando inspirações para
as canções de protestos e filmes.
Artistas dessa época são Caetano Veloso e Gilberto Gil (músicos), Glauber Rocha
(cineasta), Zé Celso (ator), entre outros foram exemplos de artistas que usaram sua arte para
protestar, driblando o “sistema” de censura com trocadilhos, metáforas e outros recursos
linguísticos.
Por usar signos e símbolos extraídos do imaginário da cultura de massa e da vida cotidiana,
a Pop Art conseguia criar conexões com o público e agitar a mente dos espectadores tanto através
da arte quanto da música e do cinema.
Agora que já entendemos esse cenário tão efervescente da Pop Art no Brasil, vamos
conhecer alguns dos principais artistas brasileiros desse movimento.
POP ART: PRINCIPAIS ARTISTAS BRASILEIROS
RUBENS GERCHMAN (1942-2008)
Em 1967, Rubens Gerchman foi premiado no Salão Nacional de Arte Moderna com uma
viagem aos Estados Unidos. Ele se baseou em Nova York, entre 1968 e 1972, realizando várias
exposições.
Também fez parte do Fashion Show Poetry Event com uma série de “casas-roupas”. A
mostra foi idealizada na época por um grupo de jovens poetas americanos e teve a participação de
Andy Warhol, do irlandês Les Levine e Robert Plate.
A sua serigrafia ‘A Bela Lindoneia – A Gioconda do Subúrbio’, fazia alusão a uma jovem
leitora de fotonovelas de 18 anos que morreu sem encontrar um amor.
A foto teria sido também a inspiração de Caetano Veloso para escrever uma de suas principais canções que
marcou o Movimento Tropicalista: Lindoneia.
ANTONIO DIAS (1944-2018)

Antonio Dias era um artista multimídia. Estudou no Atelier Livre de Gravura da Escola
Nacional de Belas Artes (Enba) com Oswaldo Goeldi (1895 – 1961).
Na década de 1960, incorporou palavras ou frases às suas obras. Em 1965, recebeu uma
bolsa do governo francês e morou em Paris até 1968.
Depois, mudou-se para Milão, onde mantém um ateliê. Em 1971, editou o disco ‘Record:
The Space Between’ e criou a série ‘The Illustration of Art’.
Em 1972, ganhou outra bolsa, agora da ‘’Simon Guggenheim Foundation’ em Nova York.
Em 1977, estudou técnicas de produção de papel em uma viagem a Índia e ao Nepal.
Depois, começou uma série de trabalhos que tiveram como suporte o papel artesanal, o qual se
integra às obras pela textura e mistura de pigmentos. Um desses trabalhos foi o álbum ‘Tramas’ de
xilografias.
Os restos do herói (1966), Antonio Dias.

Em 1988, morou em Berlim novamente como bolsista do Deutscher Akademischer
Austausch Dienst – DAAD [Serviço Alemão de Intercâmbio Acadêmico].
Em 1992, tornou-se professor da Sommerakademie für bildende Kunst, em Salzburgo,
Áustria, e, no ano seguinte da Staatliche Akademie der bildenden Künste, em Karlsruhe, Alemanha.
HÉLIO OITICICA (1937-1980)
Hélio Oiticica foi outro dos principais artistas da Pop Art no Brasil. Era um artista
performático, pintor e escultor.
Começou seus estudos de pintura e desenho com Ivan Serpa. Logo no primeiro ano de
aprendizado, escreveu seu primeiro texto sobre artes plásticas. A partir daí, o registro escrito de
reflexões sobre arte e sua produção tornou-se um hábito.
Em 1959, entrou para o Grupo Neoconcreto. Abandonou os trabalhos bidimensionais e

passou a criar relevos espaciais, bólides, capas, estandartes, tendas e penetráveis.
Em 1964, começa a fazer as chamadas Manifestações Ambientais. Em 1968, realiza a
manifestação coletiva Apocalipopótese no Aterro do Flamengo, da qual fizeram parte seus
Parangolés e os Ovos de Lygia Pape.
Grupo Frente (1956) | Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

Em 1969, realizou na Whitechapel Gallery, em Londres, o que chama de ‘Whitechapel
Experience’, apresentando o projeto Éden.
VIK MUNIZ (1961-)
Vik Muniz é outro artista da Pop Art moderna no Brasil, um representante contemporâneo
com suas fotografias cobertas por balas e geleias. Atualmente, radicado em Nova York, suas obras
já passaram por diversas exposições no Brasil.
Um das suas obras famosas é a Monalisa desenhada com geléia e pasta de amendoim.
Imagem: Divulgação.
A Pop Art no Brasil tem um legado que chega até os dias atuais como manifestação da
nossa cultura através da técnica extravagante e chamativa que desperta até os olhares mais
desatentos.
CONCLUSÃO
Dado o exposto vimos que um movimento artístico pode ser definido como uma corrente
onde um grupo de artistas compartilha das mesmas ideias (não apenas esteticamente, mas também
ideologicamente) e trabalha artisticamente a fim de disseminá-las na sociedade.
A arte brasileira teve início nas pinturas rupestres registradas nas cavernas, geralmente
abordando fenômenos da natureza e animais da região. Com o passar dos anos, as artes ganharam
novas roupagens, como as peças de cerâmica feitas pelos povos indígenas — veremos um pouco
mais sobre esse assunto em seguida. No entanto, o fortalecimento das pinturas, esculturas e demais
formas de expressão vieram por meio da influência europeia. Após a vinda da corte portuguesa, em
1808, houve o surgimento das primeiras escolas de belas artes, formando os primeiros artistas
brasileiros. Dessa maneira, inúmeros movimentos influenciaram as obras, como Barroco,
Expressionismo, Modernismo, entre outros, inclusive com forte influência da Semana de Arte
Moderna de 1922.
REFERÊNCIAS
ABSTRACIANISMO. Disponível em: https://www.todamateria.com.br/abstracionismo/. Acesso
em: 07 abr. 2023.
ART REF.Artistas Brasileiros da Arte Abstrata. Disponível em:
https://arteref.com/arte-moderna/artistas-brasileiros-arte-abstrata/ . Acesso em: 07 abr. 2023.
ART REF.Conheça o Barroco brasileiro e 15 dos seus principais artistas. Disponível em:
https://arteref.com/movimentos/conheca-o-barroco-brasileiro-e-15-dos-seus-principais-artistas/.
Acesso em: 07 abr. 2023.
ARTE ABSTRATA NO BRASIL. Disponível em: https://laart.art.br/blog/arte-abstrata-brasil/.
Acesso em: 07 abr. 2023.
BRANDINO, Luiza. "FUTURISMO"; brasil escola. Disponível em:
https://brasilescola.uol.com.br/artes/futurismo.htm. Acesso em 08 abr. 2023.
CONHEÇA A LINHA DO TEMPO DA ARTE BRASILEIRA. Disponível em:
<https://comalma.com.br/conheca-linha-do-tempo-da-arte-brasileira/. Acesso em: 07 abr. 2023.
CUBISMO NO BRASIL. Disponível em: https://laart.art.br/blog/cubismo-no-brasil/. Acesso em:
07 abr. 2023.
EXPRESSIONISMO. Disponível em: https://www.todamateria.com.br/expressionismo/. Acesso
em: 07 abr. 2023.
FAUVISMO NO BRASIL. Disponível em: https://laart.art.br/blog/fauvismo-no-brasil/. Acesso
em: 07 abr. 2023.
FAUVISMO. Disponível em: https://www.educamaisbrasil.com.br/enem/artes/fauvismo. Acesso
em: 07 abr. 2023.
FUTURISMO, O MOVIMENTO ARTÍSTICO INSPIRADO PELA TECNOLOGIA.
Disponível em: https://escolaeducacao.com.br/futurismo/. Acesso em 08 abr. 2023.
HISTÓRIA DAS ARTES. Cubismo. Disponível em:
https://www.historiadasartes.com/nobrasil/arte-no-seculo-20/cubismo/ Acesso em: 07 abr. 2023.
MOVIMENTOS ARTÍSTICOS BRASILEIROS. Disponível em:
https://www.infoescola.com/artes/movimentos-artisticos-brasileiros/. Acesso em: 07 abr. 2023.
OP ART NO BRASIL: CONHEÇA OS ARTISTAS BRASILEIROS DESSE MOVIMENTO.
Disponível em: https://laart.art.br/blog/op-art-brasil/ Acesso em: 08 abr. 2023.
POP ART NO BRASIL: PRINCIPAIS ARTISTAS E OBRAS NACIONAIS. Disponível
em:https://laart.art.br/blog/pop-art-brasil/. Acesso em 08 abr. 2023.
RESUMO DO CUBISMO: O QUE É O CUBISMO, FASES E CARACTERÍSTICAS.

Disponível em: https://beduka.com/blog/materias/literatura/resumo-do-cubismo/ . Acesso em: 08 abr.
2023.
SURREALISMO. Disponível em: https://www.todamateria.com.br/surrealismo/ . Acesso em 08 abr.
2023.

Trabalho de Artes - Maria Isabel Reis Arante

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COLÉGIO OBJETIVO DE NATAL

MARIA ISABEL REIS ARANTE

MOVIMENTOS ARTÍSTICOS BRASILEIROS

Maria Isabel Reis Arante

Trabalho apresentado à disciplina de

Orientador(es): Prof.º Suzane

Esse trabalho dará vazão aos movimentos artísticos brasileiros.

A tela O Grito (1893) de Edvard Munch. À direita, detalhe da obra

➢ Marc Chagall (1887-1985)

➢ Paul Klee (1879-1940)

➢ Wassily Kandinsky (1866-1944)

➢ Amedeo Modigliani (1884-1920)

➢ Egon Schiele (1890-1918)

➢ José Orozco (1883-1949)

➢ Constant Permeke (1886-1952)

➢ Anita Malfatti (1889-1964)

➢ Georges Rouault (1871-1958)

➢ Chaim Soutine (1893-1943)

➢ David Siqueiros (1896-1974)

➢ Vincent Van Gogh (1853-1890)

Vista exterior e interior da Torre Einstein Potsdam (1921), de Erich Mendelsohn

A arquitetura expressionista empreendeu o uso de novos materiais. Com isso, ampliou as

Mãe com os filhos (1927 - 1937), da artista Käthe Kollwitz

Mulher reclinada com meias verdes (1917), de Egon Schiele

Kasimir Edschmid (1890-1966) foi um escritor expressionista alemão

Na literatura expressionista, a guerra, a cidade, o medo, a loucura, o amor e a perda da

Além do militarismo, a alienação do indivíduo e a repressão familiar, moral e religiosa.

Arnold Schoenberg (1874-1951) foi um compositor austríaco expressionista

A música expressionista primava pela separação da música de qualquer fenômeno externo.

O gabinete do Dr. Caligari (1920), de Robert Wiene, é um ícone do cinema expressionista alemão

No cinema, as produções traziam um universo pessimista e dramático. Com cenários

Movimento artístico iniciado na França

Os seus pintores se preocupavam mais com a qualidade expressiva do que com a

O fauvismo apresenta algumas características relacionadas às cores e ao movimento dos

➢ Utilização arbitrária das cores sem correspondência alguma com a realidade;

➢ As cores eram inseridas em estado puro (sem o branco ou o preto agregado);

➢ Representação leve e suave da vida cotidiana;

➢ As cores deveriam transmitir tranquilidade, alegria e emoções positivas;

➢ As obras eram frutos da impulsividades e experimentação, sem a necessidade de

➢ Estética primitivista sem preocupação com o real;

➢ Sem preocupação crítica social ou política.

Van Gogh (1853-1890) e Paul Gauguin (1848-1903) foram os grandes influenciadores do

No entanto, diversos outros artistas participaram e influenciaram o movimento. Conheça

Henri Matisse representante máximo do Fauvismo (Foto: Wikipedia)

Alegria da Vida, Henri Matisse (wikipedia)

"A praia Fécamp"

A praia Fécamp, Albert Marquet (wikipedia)

RESUMO DO CUBISMO: O QUE É O CUBISMO, FASES E CARACTERÍSTICAS

O Cubismo é uma Vanguarda Literária que surgiu na França no início do século

“Les demoisellers d’Avignon” de Pablo Picasso

De uma maneira geral, o Cubismo é marcado pela representação de figuras da natureza a

Durante, principalmente, o Cubismo Analítico – segunda fase do movimento cubista – os

O Cubismo pode ser dividido em três fases:

Veja mais sobre cada uma delas abaixo.

No Cubismo literário não há registro de memória cronológica.

As primeiras manifestações do Cubismo no Brasil surgiram logo após a Semana de Arte

Os artistas brasileiros receberam fortes influências, mas apenas mostrando características

Resumo dos principais autores do Cubismo

Principais pintores do Cubismo

“Guernica”, de Pablo Picasso

➢ Georges Braque (1882-1963): foi um pintor e escultor francês que fundou o

➢ Diego Rivera (1886-1957): foi um dos principais pintores mexicanos.

Principais escultores do Cubismo

“O Grande Cavalo”, de Raymond Duchamp-Villon