LINGUAGENS, CÓDIGOS

E SUAS TECNOLOGIAS
Frente: Português IV
EAD – MEDICINA
Professor(a): Tom Dantas

AULA 22

Assunto: O Percurso da Arte IV – A Arte Contemporânea

Resumo Teórico

Novas tendências da arte contemporânea: manifestações artísticas dos séculos XX e XXI

Imagens: 123RF/Easypix Brasil

A arte contemporânea
A arte contemporânea decorre da manifestação em diversas modalidades, estilos, movimentos
Domínio Público

e técnicas. É fato que a ampla variedade de estilos da arte contemporânea incorpora os ritmos abstratos
da tinta salpicada de Jackson Pollock. Lembre-se de que o Abstracionismo apresenta uma série de
abordagens distintas, como os ritmos dinâmicos de Jackson Pollock e a geometrização de ângulos retos
da composição em vermelho, amarelo e azul de Piet Mondrian. Neste, as linhas e os retângulos sugerem
a precisão mecânica da máquina. Para Mondrian, a eliminação do real e do visível era não só um requisito
estético, mas também um princípio filosófico.
Foi no Modernismo que os artistas produziram pinturas não somente com materiais tradicionais
– como o óleo sobre tela –, mas também com quaisquer materiais disponíveis – como sucata, cabelo,
pelúcia e plástico. Essas inovações contribuíram para a ampliação dos estados da arte, surgindo aí as
chamadas arte conceitual e arte performática. Em razão disso, ampliou-se a definição de arte, que passou
MONDRIAN, Piet (1872-1944). Composição
a incorporar, além de objetos, ideias e ações. com Amarelo, Azul e Vermelho, 1937-42.
Óleo sobre tela.

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© The Pollock-Krasner Foundation/
AUTVIS, Brasil, 2016.
POLLOCK, Jackson (1912-1956).Uno, número 31,1950.
Características da arte contemporânea
É difícil apontar com precisão as características que retratam
a arte contemporânea, mas é possível afirmar que o tom polêmico
e a diversidade de estilos acompanham toda a produção da arte na
contemporaneidade.
Para alguns teóricos, a tentativa de criar pinturas e esculturas
voltadas para si mesmas é uma característica própria da produção dessa
arte, o que a distingue daquilo que era produzido em anos anteriores,
que se voltava para a transmissão de ideias de instituições políticas ou
religiosas. Como os artistas no século XX não mais eram financiados
por essas instituições, suas impressões pessoais passaram a fazer parte
da composição de suas obras, o que caracteriza liberdade criadora.
Vale ressaltar que, embora essas instituições não mais
patrocinassem obras, muitos artistas contemporâneos chegaram a
transmitir mensagens políticas ou mesmo religiosas. A exemplo dessas
mudanças, têm-se o pintor russo Wassily Kandinsky, que combinou cor
e abstração a fim de expressar uma realidade espiritual que foge ao
senso comum, e o pintor alemão Otto Dix, que criou obras de cunho
político com o intuito de criticar o governo alemão.
Há outros teóricos que defendem a ideia de que a arte
contemporânea é rebelde por natureza, ficando essa característica em
evidência quando se buscam surpreender e inovar para que se mostre
original aos olhos do observador.
Oriundo da expressão militar avant-gard, o termo vanguarda
é comumente aplicado à arte contemporânea para designar o que é
novo, moderno, original ou avançado. Foi no século XX, por exemplo,
que os artistas tentaram redefinir o significado de arte ou ampliar sua
definição, o que permitiu a expansão de conceitos, materiais e técnicas.
Em 1917, o francês Marcel Duchamp expôs objetos utilitários,
como uma roda de bicicleta e um urinol, afirmando ser obras de arte.
Começava aí a grande revolução artística que se desenvolverá por todo
o século XX e início do século XXI.
Com esse avanço, alguns artistas também apresentaram
modos diferentes de ver a arte: Allan Kaprow, nas décadas de 1950
e 1960, chegou a usar o próprio corpo como veículo artístico nas
suas representações de arte; Robert Smithson, na década de 1970,
utilizou-se de elementos do meio ambiente, como terra, rochas e água,
para compor suas esculturas. Com isso, muitas pessoas passaram
a considerar arte contemporânea a tudo que é inovador, radical e
perturbador.
Outra característica que se destaca na produção da arte
contemporânea é o fascínio pela tecnologia moderna. Há também a
utilização de mecanismos de reprodução, tais como: a fotografia e a
impressão tipográfica.
É preciso chamar atenção para o fato de que artistas como
Umberto Boccioni e Pablo Picasso trouxeram, no início do século XX,
novidades à arte ocidental: o primeiro, italiano, procurou glorificar a
precisão e a velocidade da era industrial em suas pinturas e esculturas;
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já o segundo incorporou a colagem, que usava recortes de jornais e
revistas, ao seu trabalho artístico. Além disso, Picasso valorizou as
máscaras africanas, utilizando-as em seu trabalho.
Seguindo o impulso da espontaneidade da arte infantil, o
francês Henri Matisse e o suíço Paul Klee se destacam. Sob outra
visão, fala-se que a arte contemporânea busca inspiração na cultura
popular. Talvez seja por isso que Roy Lichtenstein tenha transportado
o estilo e as histórias em quadrinhos para suas telas e Andy Warhol
tenha representado as populares sopas Campbell.
Salienta-se aqui que, por mais que as barreiras entre arte de
elite e cultura popular tenham sido quebradas por meio das obras de
Picasso, Lichtenstein e Warhol, a produção de artistas, como Mondrian
e Pollock, não cedeu a esses apelos.
Por tudo isso é que se pode afirmar que a arte contemporânea
é diversa, não podendo limitar-se a uma definição ou mesmo a um
estilo, uma vez que são vários os artistas e os modos de se fazer arte
na contemporaneidade. Vejamos alguns a seguir.
A década de 1960 –
Arte contemporânea
Alguns críticos e estudiosos tendem a fixar, na década de 1960,
o início da arte contemporânea, sobretudo com o advento da art pop
e do minimalismo, que é um rompimento em relação ao que se vinha
fazendo em termos de arte moderna. Por isso, fala-se em arte pós-
moderna ou arte contemporânea para tudo aquilo que é produzido
a partir dessa década.
A partir de então, não se pode mais pensar a arte limitada
a categorias como a pintura e a escultura, assim como não se deve
pensá-la somente com valor visual, já que as percepções – auditivas,
olfativas, táteis etc – humanas passam a ser exploradas. De experiências
culturais diversas, a cena artística contemporânea, devido aos vários
atores sociais, alia política e subjetividade, uma vez que explodem os
enquadramentos sociais e artísticos do Modernismo.
Nesse contexto, novas orientações artísticas partilham um
espírito comum na tentativa de imbuir a arte das coisas do mundo,
da natureza, da realidade urbana e da tecnologia. É possível às obras
articular linguagens diversas, como dança, música, teatro, escultura
e literatura, o que desafia as classificações habituais e coloca em
discussão o caráter das representações artísticas e a definição de arte.
Vale frisar que tanto a Pop Art quanto o Minimalismo dialogam
com o expressionismo abstrato que os antecede.
POP ART
AUTVIS, Brasil, 2016.
© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./
WARHOL, Andy( 1928-1987). Montagem com obras.
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quadros sejam os mais paradoxais de toda a Pop Art. O que fascina

© Judd Foundation, Donald, Judd/AUTVIS, Brasil, 2016.

Lichtenstein nas histórias em quadrinhos – e o que ele nos faz ver pela
primeira vez – são as rígidas convenções de seu estilo, tão firmemente
estabelecidas e tão distantes da vida quanto às regras da arte bizantina.
Como um ícone, sua pintura espelha dessa forma os ideais e esperanças
de nossa cultura, e o faz de uma forma que todos sabem “ler”.
JANSON, H.W & JASNSON, Anthony. Iniciação à história da arte. Tradução Jefferson
Luiz Camargo. São Paulo: 3ª edição. Editora WMF Martins Fontes, 2009. P. 396.

• Outras obras do artista

A obra Moça com bola, de 1961, foi feita com base
em um anúncio publicado no suplemento dominical do jornal
norte-americano The New York Times. Tratava-se da propaganda de um
hotel localizado em Pocono, região turística do Estado da Pensilvânia.

© Estate of Roy Lichtenstein/

AUTVIS, Brasil, 2016.
DONALD, Judd(1928-1994).
Estrutura de aço inoxidável.

Pop Art
Nenhuma outra corrente artística do século XX entrou no uso
comum com impacto tão grande quanto a Pop Art. Note que, no dia
a dia, é difícil definir alguém como sendo expressionista ou cubista, já
o termo pop se vulgarizou e passou a ser aplicado a qualquer coisa,
que vai desde a música a um corte de cabelo.
Embora tenha surgido em Londres, na década de
1950-60, a Pop Art encontra seu espaço a partir da produção norte-
americana. Diferentemente do Dadaísmo, a Pop Art não é motivada LICHTENSTEIN, Roy
pelo desprezo ou pela animosidade contra a civilização atual; pelo (1923-1997). Moça com a
bola,1961. Museu de Arte
contrário, tem na cultura comercial sua matéria-prima. De estado Moderna de Nova York
figurativo, a Pop Art não compartilha o caos ou mesmo o tom agressivo
do Dadaísmo em relação aos valores estabelecidos pela arte moderna.
Recorrendo aos recursos da publicidade, aos elementos do Andy Warhol
consumo diário, aos ícones do cinema, da música e da política e aos

© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. AUTVIS, Brasil, 2016.
meios de comunicação em massa – como os cartazes publicitários, as
histórias em quadrinho, a TV e o cinema –, a Pop Art, ao passar dos
anos, tem se caracterizado como uma arte consumível, transitória,
sexy, popular, produzidas em massa, jovens, humorísticas e glamorosas.
Os artistas da camada pop se apoderam de produtos da
arte comercial – fotografia, publicidade, ilustrações de revistas e
histórias em quadrinho –, que satisfaziam o gosto popular. Para
eles, nesse ambiente, havia um aspecto essencial do ambiente visual
contemporâneo que havia sido menosprezado pelos representantes
da cultura acadêmica.

Principais nomes da Pop Art

Roy Lichtenstein
Talvez o melhor artista que
© Estate of Roy Lichtenstein/AUTVIS, Brasil, 2016.

representa a Pop Art seja mesmo Roy
Lichtenstein. Ele recorreu às histórias
em quadrinhos – ou melhor, às
imagens padronizadas dos quadrinhos
convencionais que se voltam para a
ação violenta e o amor sentimental,
mais do que para as histórias que
carregam a marca do indivíduo que
as criou. Suas pinturas como, por
exemplo, Garota ao piano, são
grandes ampliações dos quadrinhos,
incluindo os balões, os contornos
pretos simplificados e impessoais, e
os pontos usados para imprimir as
cores em papel barato. Talvez esses
WARHOL, Andy (1928-1987). Marilyn Monroe, 1967.Coleção particular.
Andy Warhol (nascido Andrew Warhola; Pittsburgh,
6 de agosto de 1928 — Nova Jersey, 22 de fevereiro de 1987) foi um
empresário, pintor e cineasta norte-americano, bem como figura maior
do movimento de Pop Art. Para muitos, Andy Warhol foi a encarnação
do sonho americano. A imaginação, a criatividade e a fascinação
chegaram a transformar Andy na superestrela do pop americano.
O artista, ainda em vida, chegou a ser rico e muito famoso. Soube
como ninguém aproveitar a importante transformação social dos anos
1960 nos Estados Unidos. Andy contribuiu para a nossa maneira de
ver o mundo, o que faz dele um artista diferenciado. Sem dúvida, a
LICHTENSTEIN, Roy(1923-7997). tríade da genialidade artística do século XX é composta por Picasso,
Garota ao Piano,1963. Coleção da
família Harry N. Abrams, Nova York. Dalí e Andy Warhol.

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A expressão pop art, que tanto foi difundida pelo artista
americano, deve-se na verdade, ao crítico britânico Lawence Alloway,
que a usou, em meados dos anos 1950, para se referir à cultura popular
oriunda dos produtos advindo dos meios de comunicação em massa.
Esse movimento artístico apareceu nos Estados Unidos por volta de
1960 e alcançou extensa repercussão internacional. A fonte de criação
para os artistas ligados a esse movimento era o dia a dia das grandes
cidades norte-americanas, pois sua proposta era romper qualquer
barreira entre a arte e a vida comum.
A arte de Andy Warhol refletia as imagens, os ambientes,
ou seja, a vida que a tecnologia industrial criou nos grandes centros
urbanos. Não se pode esquecer de que os recursos utilizados pelo
artista americano são semelhantes aos dos meios de comunicação e
massa, como o cinema, a publicidade e a tevê.
Sendo assim, a pop art se alimenta dos símbolos e dos
produtos industriais dirigidos às massas urbanas, como automóveis,
eletrodomésticos, enlatados e, inclusive, imagens de personalidades da
política, da música e do cinema. A exemplo disso, tem-se a obra Marilyn
Monroe. Nesta obra, Warhol reproduz imagens da atriz hollywoodiana
em sequência fotográfica. Vale frisar que, embora haja variações de
cor, os traços da musa do cinema permanecem inalteráveis. Essa obra
revela que, assim como os enlatados produzidos em série, as imagens
de celebridades também podem ser manipuladas para o consumo do
público em geral.
Arte Minimalista
O minimalismo reflete o esforço mínimo despendido pelos
artistas ao produzir suas obras. Por isso, o termo passou a ser aplicado
à produção de artistas escultores – Carl Andre Dan Flavin, Donald
Judd, Robert Morris etc – em Nova Iorque na década de 1960.
Na produção desses artistas, encontram-se objetos simplificados em
que não se faz tentativa de representação ou de ilusão.
Os artistas minimalistas demonstravam preferência por
materiais e métodos da produção em massa, tais como: plaxiglas,
alumínio, vigas de madeira, luzes fluorescentes, aço galvanizado e
azulejos de magnésio. Como a arte minimalista costuma apresentar
repetição em série, Judd costumava afirmar que não havia hierarquia
na composição e que ela não provoca qualquer reação emocional,
pois o objeto se destaca sozinho no espaço real, não precisando do
observador para ser completado.
Na arte minimalista, o fundamentalismo do tridimensional
surge apoiado na composição de obras que partem de cubos ou caixas
feitos à máquina, de azulejos de chão e luzes de néon, de módulos
de grades e estruturas espaciais abertas. As obras minimalistas são
aparentemente simples a fim de conduzir a percepção aos seus pré-
requisitos básicos, como o ponto de vista e a iluminação.
O minimalismo aparece no meio da efervescência cultural
americana dos anos de 1960, mas com dicção própria e na
contramão da exuberância romântica do expressionismo abstrato.
Essa manifestação artística enfatiza formas elementares, em geral,
cortes geométricos, sem acentos ilusionistas ou metafóricos.
Os objetos minimalistas estão localizados num espaço ambíguo entre
a pintura e a escultura.
É a realidade física das obras minimalistas que dão verdade
a essas obras, pois é despida de efeitos decorativos ou expressivos.
Simplicidade, despojamento, neutralidade são a tônica do programa
da mininal art. Neste movimento, o suprematismo de Kazimir
Malevich (1878 - 1935), o construtivismo abstrato e o De Stijl
[O Estilo] de Piet Mondrian (1872 - 1944) são atualizados sobretudo por
Donald Judd (1928), Ronald Bladen (1918 - 1988) e Tony Smith (1912
- 1980) em trabalhos abstratos de cunho geométrico, que dialogam
de perto com a estética industrial, na forma e materiais empregados.
Outro aspecto a ser citado é a forma como R. Morris trabalha
suas obras: a escultura deixa o pedestal e se fixa no espaço real
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do mundo. Para ele, a ênfase da produção artística deve recair na
percepção, que é definida nas relações de espaço, tempo, luz e campo
de visão do observador.
Dan Flavin é o prestidigitador da luz e o poeta lírico da
arte minimalista. Ele é o clássico minimalista que deixou para
trás os exercícios de percepções propostos por Judd e Morris.
Seus trabalhos, ou melhor, suas “propostas, como ele gostava de
chamar, interpelam o espaço de modo mais radical, uma vez que a
luz é difundida no espaço circundante, ocupando-o, cortando-o. Os
tubos fluorescentes, nos quais ela combina tamanhos, formatos cores
e intensidade de luz, projetam uma ambiência arquitetônica particular,
o que ele costumava chamar de “decoração dramática”.
© Flavin, Dan/AUTVIS, Brasil, 2016
FLAVIN, Dan(1933-1996). Green. (para Jan e Ron
Greenberg),1972-73.
Outros nomes para Minimalismo: ABC Art; Arte Elementar;
Arte Estruturalista; Arte Modular; Arte Redutiva; Arte Serial; Escultura
Gestáltica; Estruturas Primárias; Minimal Art.
Arte Cinética – Op Art
A Op Art se inspirou em Alberts e, recuando mais no tempo,
no Pontilhismo de Seurat e no Orfismo de Delaunay. Vale frisar que
os padrões de Seurat – pontilhados com as cores do espectro –
forçavam os olhos do observador a juntar os pontos e a condensá-los
numa cor e forma compositiva. Nas pinturas e gravuras coloridas de
Alberts, o efeito óptico tomou uma forma de uma contínua oscilação
entre percepção espacial e planar; nos desenhos e gravuras a preto e
branco tomou a forma de um contínuo movimento entre o positivo e
o negativo, o convexo e o côncavo. Ocorre a contradição entre o fato
físico e o efeito psicológico.
Nas pinturas da artista plástica inglesa Bridget Riley, por
exemplo, a estimulação óptica tem uma natureza puramente visual. Os
elementos pictóricos evocam uma expressividade a partir de mudanças
de ritmo, condensação ou relaxamento dos padrões de riscas, pontos,
linhas onduladas, formas triangulares, retangulares etc.
Ao contrário de Riley, Victor Vasarely esforçou-se por dar
às suas experiências artísticas, que derivam fundamentalmente do
Construtivismo, uma base científica e teórica exata. É fato que, desde
cedo, Vasarely interessou-se cedo por redes, teias e teceduras de todo
gênero. Foi esse fascínio que levou Vasarely à forma fundamental
infinitamente mutável e permutável da obra de arte na era da
reprodução técnica.
Na obra de arte que perdeu o seu caráter de objeto
de prestígio, prevalecem verdadeiros valores intelectuais, não
influenciados pelo valor do mercado. Os principais nomes da
Op Art são Riley e Vasarely, pois marcam os polos desse tipo de arte:
no primeiro, há a bidimensionalidade e a importância da obra original,
embora haja todas as tentativas de objetividade; no segundo, há a
tentativa de produzir o múltiplo democrático e negar as fronteiras
entre os gêneros.
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A expressão op art vem do inglês (optical art) e significa “arte Dessa forma, o quadro praticamente nos força a mover para frente
óptica”. O seu precursor é Victor Vasarely (1908-1997), criador da e para trás, e, ao fazermos isso, o próprio campo parece se mover,
plástica do movimento. expandindo-se, formando ondulações e contraindo-se. Se Vega fosse
um objeto tridimensional, a variedade de efeitos a serem observados

© Vasarely, Victor/AUTVIS, Brasil, 2016

à medida que nos movimentamos em relação a ele, seria ainda
maior, pois receberíamos, nesse caso, conjuntos diferentes de dados
contraditórios de cada olho.
A pesquisa de sugestões do movimento a partir das sensações
ópticas desenvolveu-se principalmente na década de 1960, e as obras
derivadas desse movimento tiveram uma exposição coletiva em 1965,
no Museu de Arte Moderna de Nova York. Essa concepção da plástica
do movimento propiciou a invenção de móbiles por Alexander Calder
(1898 -1 976), que associou os retângulos coloridos da tela de Modrian
à ideia do movimento. Os primeiros trabalhos de Calder eram movidos
manualmente pelo observador. Mas, depois de 1932, ele verificou
VASARELY, Victor(1908-1997). que se mantivesse as formas suspensas, elas se movimentariam pela
Pal-Ket,1973-74. simples ação de correntes de ar.

© 2014 Calder Foundation, New York/

AUTVIS, Brasil, 2016.
Foi no início da segunda metade do século XX que os centros
urbanos europeus começaram a se reerguer dos danos oriundos
da Segunda Guerra Mundial e que a economia americana volta a
crescer. Nesse contexto, surge a Op Art, que deveria simbolizar as
mudanças constantes pelas quais os homens passavam naquela
época. Nessa busca, as obras da Op Art passaram a apresentar
várias figuras geométricas, em preto e branco ou mesmo coloridas,
com o intuito de causar no espectador as sensações de movimento.
Sabe-se, inclusive, que, se o observador mudar de posição, terá a
impressão de que a obra se modifica, já que os traços se alteram
e as figuras se modificam, o que forma uma nova imagem.
Por isso, é que se diz que a Op Art, assim como a sociedade
CALDER, Alexander (1898-1976).
contemporânea, está em constante movimento. Snow Flurry II,1948.
O atual desenvolvimento da Op Art origina-se em grande Embora os móbiles pareçam simples, sua montagem é muito
parte da obra de Victor Vasarely, um húngaro há muito tempo complexa, pois exigem um sistema de peso e contrapeso muito bem
radicado na França, que tem sido seu principal teórico, assim como estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração prolongue.
seu representante mais criativo. Muitas de suas pinturas, desenhos e
Sabe-se que essa nova arte – na realidade, todo um conjunto
construções são simplesmente em preto e branco, como , por exemplo,
de tendências relacionadas – conhecida como Op Art devido à sua
a grande tela de Vega, assim denominada em homenagem a mais
preocupação com a óptica (isto é, o processo físico e psicológico da
brilhante estrela da constelação de Lira. É um enorme tabuleiro de
visão), apesar de ter ganhado força na metade da década de 1950,
damas cuja forma regular foi perturbada ao se tornarem inclinadas
passou por um desenvolvimento relativamente lento. A Op Art não
as linhas que formam os quadrados.
tem o ímpeto atual e o apelo emocional do Pop Art. Em comparação,
parece excessivamente cerebral e sistemática, mais das ciências do que
© Vasarely,Victor/ AUTVIS, Brasil, 2016.

das humanidades. Por outro lado, suas possibilidades parecem ser tão
ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia.
É correto afirmar que o termo cinético está etimologicamente
ligado à ideia de movimento. Esse termo foi incorporado ao vocabulário
artístico em 1955 por ocasião da exposição Le Mouvement (O
movimento), com obras de artistas de diferentes gerações: Marcel
Duchamp, Alexander Calder, Vasarely etc. Na arte cinética, o
movimento constitui o princípio da estruturação, pois o cinetismo
rompe com a condição artística da pintura, apresentando a obra
como um objeto móvel, que não somente traduz ou representa o
VASARELY, Victor(1908-1997).Vega,1957.
movimento, mas também está em movimento. Como exemplo, têm-se
os famosos móbiles de Calder, cujo movimento independe da posição
Mas tal descrição não é mais do que uma lista de elementos e do olhar do observador. Essas obras são construídas com peças de
– não nos diz o que vemos realmente. O tamanho dos quadrados- metal pintadas e suspensas por fios de arame. Assim, elas movem-
padrão em relação ao tamanho de todo o campo foi cuidadosamente
se ao sabor da aragem mais suave, produzindo efeitos mutáveis em
escolhido com o intuito de nos induzir a relacionar os quadrados
função da luz. Segundo Calder, cabe ao observador contemplar os
pretos numa rede de diagonais quando observamos o quadro a
“desenhos quadridimensionais” inscritos ao movimento das peças. A
uma certa distância. Mas já que muitos desses quadrados foram
arte cinética abrange não somente as instalações de móbiles, como
distorcidos, seus tamanhos variam consideravelmente, e o maior deles
também as obras que implicam movimento óptico. Sendo assim, a
tem uma área mais de dez vezes superior à do menor. Em resultado,
Op Art também apresenta características da chamada arte cinética.
independentemente da distância que observamos, nossos olhos
receberão dados contraditórios: interpretamos partes do campo visual Além dos artistas citados, outros nomes também produziram
em termos de diagonais, outras em termos de verticais e horizontais. arte cinética, tais como: Ivan Serpa, Abraham Palatnik e Luiz Sacilotto.

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A arte cinética ganha destaque no Brasil a partir da 8ª Bienal, em 1965, as fronteiras entre público e plateia. Na década de 1960, esse termo
da qual participaram artistas como Vasarely e Tinguely. Na 9ª Bienal, em era usado para designar obras em que os artistas usavam o corpo para
1967, a arte cinética ganha destaque com a premiação de Julio Le Parc. realizar suas obras, utilizando também música e dança. São artistas
No início, período da década de 1930, surgiu outra importante fundamentais dessa modalidade de arte John Cage, George Maciunas,
forma de arte: a escultura móvel – os móbiles do americano Alexander Yoko Ono, Nam June Paik e Carolee Schneemann, que fundaram o
Calder. Tratam-se de construções de arame delicadamente equilibradas, grupo Fluxus, em 1960.
unidas e suspensas, de modo que se movam ao menor sopro de ar. Já a performance tem, no Brasil, o artista Flávio de Carvalho
Podem ter qualquer tamanho, desde pequenos enfeites de mesa até como sendo o pioneiro, pois realiza várias delas a partir de 1950. Na
a enorme armadilha de lagosta e calda de peixe. década de 1980, os espetáculos multimídia de Guto Lacaz também
merecem destaque.
Body Art – Arte do Corpo
A body art (ou arte do corpo) consiste numa forma de fazer
arte contemporânea usando o corpo como meio de expressão ou
matéria para a realização dos trabalhos, sendo, inclusive, associada
aos happenings e às performances. Trata-se de utilizar o corpo como
suporte para a realização de intervenções, que, de modo geral, são
associadas à violência, à dor e ao esforço físico. Nesse tipo de arte,
o sangue, o suor, o esperma, a saliva e outros fluidos corpóreos
interpelam a materialidade do corpo, que se apresenta como suporte
para cenas e gestos que, por vezes, tomam a forma de rituais e
sacrifícios. Tatuagens, ferimentos, atos repetidos são feitos ora em local
privado, sendo, posteriormente, divulgados ao público por filmes ou
fotografias, ora em local público, com a participação de uma plateia,
indicando aí o caráter teatral da obra.
Por tudo isso, as experiências feitas pela body art devem ser
entendidas como uma vertente contemporânea da arte, opondo-se a Eletro Espero Espaço-Exposição “A Trama do gosto”,
um mercado internacionalizado e técnico da arte. 1986, de Guto Lacaz.
jewhyte/123RF/Easypix

Land Art, Earthworks ou Earth Art [Arte na Terra]

No fim da década de 1960 a land art surgiu como mais uma
das tendências artísticas em busca de novos materiais, temas e lugares
para a prática e a exibição artística. É comum aos artistas da land art
explorarem o potencial da paisagem e do meio ambiente tanto por
seus materiais quanto pela localização. Em vez de representarem a
natureza, eles a utilizam em suas obras.
Nesse tipo de arte, a paisagem e o trabalho artístico estão
inextrincavelmente ligados, pois a escultura não é colocada na
paisagem, e sim o principal meio de criação é a paisagem. Os trabalhos
são realizados em locais abertos e, muitas vezes, longe da civilização,
ficando, assim, sujeitos à erosão e a condições naturais do clima. © SMITHSON, Est. Robert/ AUTVIS, Brasil, 2016

A arte Happening e a Performance

Criado nos anos 1950 pelo americano Allan Kaprow, o termo
happening serviu para designar uma forma de arte, sem texto e
sem representação, combinando artes visuais e teatro sui generis.
Nos espetáculos, os materiais utilizados são orquestrados de forma a
envolver o espectador, fazendo-o participar ativamente da proposta
do artista. Entenda que o happening se distingue da performance
porque nesta não há participação do público.
Os eventos costumam apresentar estrutura flexível, pois não se
programa começo, meio e fim. As improvisações conduzem a cena, e
o happening ocorre em tempo real, mesmo recusando as convenções SMITHSON, Robert (1938-1973).Molhe em Espiral,1970.
artísticas. Os “atores” que participam são pessoas comuns.
Embora o nome de Kaprow esteja associado diretamente Arte conceitual
aos happenings, outros artistas – Jim Dine, Claes Oldenburg, Roy
Também surgida na década de 1960, a arte conceitual se impõe
Lichtenstein etc – também realizaram essas experiências.
como um desafio às classificações impostas por museus e galerias
A arte performática se originou dos eventos teatrais montados
à chamada arte moderna. Rompendo com a ideia de que arte era
pelos artistas futuristas, dadaístas e surrealistas no começo do século
apenas aquilo que os museus diziam ser arte, a arte conceitual buscava
XX. Ela representa a tentativa que esses pioneiros fizeram para destruir
questionar a própria natureza da arte. Nesse tipo de manifestação, o

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que se vê é o conceito superar a prática das artes plásticas anteriores. IV. Os artistas passaram a exigir maior interação e participação
Em verdade, a arte conceitual remonta ao Dadaísmo de Marcel do público, que deixava de ser apenas um espectador para
Duchamp, pois, ao levar um urinol ao museu, esse artista sugeria aos interagir com as obras.
espectadores uma reflexão acerca do que poderia ser ou não ser arte.
Assinale a alternativa correta.
Tratava-se de uma reação à arte considerada mercadoria. É
A) Somente as afirmativas I e II são corretas.
comum também o uso da palavra escrita ou declarações na composição
B) Somente as afirmativas I e III são corretas.
de obras desse movimento. Joseph Kosuth, por exemplo, usou a
C) Somente as afirmativas III e IV são corretas.
linguagem escrita para expressar suas mensagens em Uma e três
D) Somente as afirmativas I, II e IV são corretas.
cadeiras. Dada a sua importância, a arte conceitual abriu caminhos
E) Somente as afirmativas II, III e IV são corretas.
para as instalações e para a arte performática. Na arte conceitual, a
expressão está na ideia e não na forma, pois as formas são apenas
02. (Enade/2011) O conhecimento sensível parte da percepção
artifícios a serviço da ideia.
corporal e é imprescindível no processo educativo. Algumas
visualidades têm o corpo como eixo central e produzem um

© KOSUTH, Joseph/AUTVIS, Brasil, 2016

discurso visual próprio; há casos em que ele mesmo é o suporte,
como na arte da francesa Orlan e do australiano Stelarc. Isso ocorre
também entre os jovens que fazem intervenções corporais como
tatuagens ou piercings, entre outras ações que traduzem códigos
sociais de identidades e comportamentos.
A sensibilidade humana concebe o mundo moderno como um
grande corpo composto por vias tecnológicas de comunicação e
que pode ser alterado constantemente pela interação de sujeitos.
Os saberes sensíveis atuam nesse meio ampliando a inteligência
corporal: as dimensões física e biológica do corpo contemporâneo
se potencializam e invadem áreas da intimidade através de
redes colaborativas e outras tecnologias ligadas à informação e
comunicação.
KOSUTH, Joseph (1945). Uma e três cadeiras, 1965.
Museu de Arte Moderna, Nova Iorque. Considerando o texto acima, é correto afirmar que
A) as expressões artísticas contemporâneas se constituem
A arte conceitual desafia as possíveis definições de arte de prioritariamente de eventos norteados por saberes sensíveis,
uma forma ainda mais radical, uma vez que insiste na tese de que o medializados por corpos tecnológicos, tais como happening e
voo da imaginação, e não a execução, é que constitui a própria arte. a performance.
Sendo assim, podem-se dispensar produtos secundários, galerias e até B) a arte contemporânea compreende alterações dos
o público. Na obra Uma e três cadeiras, por exemplo, Joseph Kosuth comportamentos sensíveis das pessoas pela rejeição do diálogo
nos faz pensar sobre isso, pois, numa mesma instalação, há uma do sujeito consigo próprio.
cadeira de verdade, uma fotografia em tamanho completo da mesma C) a arte contemporânea auxilia a consolidação de um totalitarismo
cadeira e uma definição de cadeira retirada do dicionário. Agindo da globalização, impulsionado pelas extensões sensoriais do
assim, o artista aguça o campo da imaginação, da reflexão e da ideia corpo.
em detrimento das artes convencionais e dos materiais utilizados. D) a principal manifestação da arte contemporânea é aquela expressão
Diz-se que o artista conceitual se compara ao imperador cujas roupas artística mediatizada por corpos tecnológicos sensíveis.
novas ninguém consegue ver. E) as poéticas contemporâneas incluem a criação artística coletiva,
o uso de tecnologias, em diálogo com os modos sensíveis de
Outras manifestações artísticas contemporâneas: vida e de saberes.

• Grafite; • Videoarte; 03. (Enem/2011)

• Arte Urbana; • Neoexpressionismo;
Reprodução/Enem 2011.

• Hiper-realismo; • Arte digital;

• Arte Povera; • Etc.

Exercícios

01. (UEL/2011) Com base nos conhecimentos sobre Arte Conceitual,

considere as afirmativas a seguir.
I. Os ready-mades de Marcel Duchamp, objetos retirados
do cotidiano, foram importantes precedentes para a Arte
Conceitual;
II. A Arte Conceitual se preocupava em materializar processos
decorrentes de uma ideia e utilizava, muitas vezes, suportes
transitórios e reprodutíveis; LEIRNNER, N. Tronco com cadeira (detalhe),
III. Inicialmente os objetos tidos como Arte Conceitual tiveram 1964. www.itaucultura.org.br.
como principal canal de distribuição grandes museus e galerias; Acesso em: 27 de julho de 2010.

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Nessa estranha dignidade e nesse abandono, o objeto foi exaltado Em 31 de maior desse ano, morreu a artista franco-americana
de maneira ilimitada e ganhou um significado que se pode Louise Bougeois. Em seu vasto trabalho, pontuado por metáforas
considerar mágico. Daí sua “vida inquietante e absurda”. Tornou- da condição da mulher, destaca-se a presença ameaçadora de
se ídolo e, ao mesmo tempo, objeto de zombaria. Sua realidade aranhas gigantescas, uma delas parte do acervo do Museu de
intrínseca foi anulada. Arte Moderna (MAM), em São Paulo.
JAFFÉ, A. “O simbolismo nas artes plásticas.” In: JUNG, C.G. (org.).
O homem e os seus símbolos. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 2008. Com base no texto e na imagem, é correto afirmar:
I. A presença da mulher, trabalhadora servil e silenciosa, tem sua
A relação observada entre a imagem e o texto apresentados permite força afirmada no perigo representado pelas aranhas;
o entendimento da intenção de um artista contemporâneo. Neste II. A relação entre o objeto e o espaço indica a crítica que a artista
caso, a obra apresenta características faz à postura da mulher em cargos importantes na sociedade;
A) funcionais e de sofisticação decorativa. III. A condição feminina na contemporaneidade é discutida por
B) futuristas e do abstrato geométrico. vários artistas, sendo uma das importantes questões da Arte
C) construtivistas e de estruturas modulares. Contemporânea;
D) abstracionistas e de releitura do objeto. IV. A artista propõe uma retomada da escultura figurativa na
E) figurativas e de representação do cotidiano. contemporaneidade, o que reitera a ação das feministas da
década de 1960.
04. (Enem)
Assinale a alternativa correta.
A) Somente as afirmativas I, II são corretas.
Reprodução/Enem

B) Somente as afirmativas I, III são corretas.

C) Somente as afirmativas III e IV são corretas.
D) Somente as afirmativas I, II e IV são corretas.
E) Somente as afirmativas II, III e IV são corretas.

06. (Enem/2011)

Texto I

Reprodução/Enem 2011.
(Tradução da placa: “Não me esqueçam quando
eu for um nome importante.”)
Toca do Salitre – Piauí
NAZARETH, P. Mercado de Artes/Mercado de Bananas.
www.fumdham.org.br
Miami Art Basel. EUA, 2011. Acesso em: 27, jul, 2010.
Disponível em: www.40forever.com.br. Acesso em: 31 jul, 2012.
Texto II
A contemporaneidade identificada na performance instalação do
Reprodução/Enem 2011.
artista mineiro Paulo Nazareth reside principalmente na forma
como ele
A) resgata conhecidas referências do modernismo mineiro.
B) utiliza técnicas e suportes tradicionais na construção das
formas.
C) articula questões de identidade, território e códigos de
linguagens.
D) imita o papel das celebridades no mundo contemporâneo. Arte Urbana. Foto: Diego Singh
<www.diadia.pr.gov.br>
E) camufla o aspecto plástico e a composição visual de sua Acesso em: 27, jul, 2010.
montagem.
O grafite contemporâneo, considerado em alguns momentos
05. (UEL/2011) Leia o texto e observe a imagem a seguir. como uma arte marginal, tem sido comparado às pinturas murais
de várias épocas e às escritas pré-históricas. Observando as
Reprodução/UEL 2011

imagens apresentadas, é possível reconhecer elementos comuns

entre os tipos de pinturas murais, tais como
A) a preferência por tintas naturais, em razão de seu efeito
estético.
B) a inovação na técnica de pintura, rompendo com modelos
estabelecidos.
C) o registro do pensamento e das crenças das sociedades em
várias épocas.
D) a repetição dos temas e a restrição de uso pelas classes
Louise Borgeois, Aranha, dominantes.
escultura em aço 1996.
E) o uso exclusivista da arte para atender aos interesses da elite.

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07. (Enem/2013) 09. (Enem) Observe a obra Objeto Cinético de Abraham Palatnik, 1966.
TRONOS A arte cinética desenvolveu-se a partir de um interesse do artista
plástico pela criação de objetos que se moviam por meio de motores

Reprodução/Enem 2013
ou outros recursos mecânicos. A obra Objeto Cinético, do artista
plástico brasileiro Abraham Palatnik, pioneiro da arte cinética,

Reprodução/Enem.
Lucio, Beto e Oscar: a cadeira e as poltronas de Sérgio
Rodrigues, de linhas inspiradas na simplicidade brasiliense.
Foto: Acervo Sérgio Rodrigues

A revolução estética brasiliense empurrou os designers de

móveis dos anos 1950 e início dos 60 para o novo. Induzidos a
abandonar o gosto rebuscado pelo colonial, a trocar Ouro Preto
por Brasília, eles criaram um mobiliário contemporâneo que
ainda hoje vemos nas lojas e nas salas de espera de consultórios A) é uma arte do espaço e da luz.
e escritórios. Colocada no uso de madeiras nobres, como o B) muda com o tempo, pois produz movimento.
jacarandá e a peroba, em matérias de revestimento como o couro C) capta e dissemina a luz em suas ondulações.
e a palhinha, desenvolveu-se uma tendência feita de linha retas e D) é assim denominada, pois explora efeitos retinianos.
curvas suaves, nos moldes da capital no Cerrado. E) explora o quanto a luz pode ser usada para criar movimento.
Disponível em: <http://veja. abril.com.br.>. Acesso em: 29 jul. 2010 (adaptado)
10. (Enem) Na busca constante pela sua evolução, o ser humano vem
A reportagem e a fotografia apresentam os móveis elaborados pelo alternando a sua maneira de pensar, de sentir e de criar. Nas últimas
artista Sérgio Rodrigues, com um estilo que norteou o pensamento décadas do século XVIII e no início do século XIX, os artistas criaram
de uma geração, desafiando a arte a obras em que predominam o equilíbrio e a simetria de formas e cores,
A) evidenciar um novo conceito estético por meio de formas e imprimindo um estilo caracterizado pela imagem da respeitabilidade,
texturas inovadoras. da sobriedade, do concreto e do civismo. Esses artistas misturaram
B) adaptar os móveis de Brasília aos modelos das escolas europeias o passado ao presente, retratando os personagens da nobreza e da
do início do século XX. burguesia, além de cenas míticas e histórias cheias de vigor.
C) elaborar a decoração dos palácios da nova capital do Brasil RAZOUK, J. J. (Org.). Histórias reais e belas nas telas. Posigraf: 2003.
com conceitos de linha e perspectiva.
Atualmente, os artistas apropriam-se de desenhos, charges, grafismo
D) projetar para os palácios e edifícios da nova capital do Brasil a
e até de ilustrações de livros para compor obras em que se misturam
beleza do mobiliário típico de Minas Gerais.
personagens de diferentes épocas, como na seguinte imagem
E) criar o mobiliário para a capital do país com base no luxo e na
A) B)
riqueza dos edifícios públicos brasileiros.
Reprodução/Enem
08. (Enade/2011) Em uma aula de artes visuais, um professor apresenta
a imagem abaixo para sua turma.
Reprodução/Enade 2011

“Gisele e Tom” por Romero Brito. “Michael Jackson”

por Andy Warhol.
C) D)

KOSUTH, Joseph (1945).Uma e três cadeiras, 1965.

Museu de Arte Moderna, Nova Iorque.
“Marilyn Monroe” por
Acerca dessa imagem, avalie as afirmações a seguir. “Monabean” por Funny Andy Warhol.
Filez.
I. Trata-se de uma imagem da arte moderna brasileira;
II. A obra refere-se a uma nova linguagem das artes visuais: a E)
fotografia;
III. Com essa imagem, é possível estabelecer um debate sobre os
suportes e técnicas de criação visual;
IV. Com essa imagem, é possível estabelecer um debate com os
alunos sobre representação e apresentação visual.
É correto o que se afirma em
A) I e II, apenas. B) I e IV, apenas. “Retrato de Jaqueline
Roque com as mãos
C) II e III, apenas. D) III e IV, apenas. cruzadas” por Pablo
E) I, II, III e IV. Picasso.

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11. (Enem/2012) O artista gráfico polonês Pawla Kuczynskiego nasceu em 1976

e recebeu diversos prêmios por suas ilustrações. Nessa obra, ao
O FUTEBOL NA POP ARTE BRASILEIRA
abordar o trabalho infantil, Kuczynskiego usa sua arte para

Reprodução/Enem 2012
A) difundir a origem de marcantes diferenças sociais.
B) estabelecer uma postura proativa da sociedade.
C) provocar a reflexão sobre essa realidade.
D) propor alternativas pra solucionar esse problema.
E) retratar como a questão é enfrentada em vários países do
mundo.

13. Texto I
O movimento da Pop Art surgiu na Inglaterra, em 1956, com
Richard Hamilton. Os artistas utilizavam imagens da sociedade
de consumo e a cultura popular, criticavam o modo de vida dos
americanos através das histórias em quadrinhos, as propagandas e
os objetos produzidos em massa. Entre os artistas mais importantes
LEIRNER, N. Futebol destacamos Richard Hamilton e Andy Warhol. Hamilton era
FONSECA, M. O. Nelson Leimer: 2011-1061 - 50 anos
conhecido como “popular, transitório, descartável barato,
produzido em massa, jovem, espirituoso, sexy, cheio de macetes,
Reprodução/Enem 2012

glamoroso e Grande Negócio”

O Livro da Arte, 1999, p.509

Texto II
A Pop Art representa um período de transformação na arte,
principalmente na arte brasileira, visto que o país enfrentava o
período da ditadura militar, quando vários artistas, intelectuais,
jornalistas, músicos, formadores de opinião, entre outros,
eram perseguidos, presos, torturados, exilados e/ou mortos.
A interpretação do conceito de Pop Art utilizado pelos americanos
é diferente do entendimento dos artistas brasileiros. Durante a
GERCHMAN, R. Superhomens década de 1960, os artistas brasileiros aderiram apenas à forma
ALENCAR, V. P. Cultura popular e crítica e à técnica utilizada na Pop Art. Imprimiam sua personalidade e
opinião critica às obras, registrando sua insatisfação com a censura
As imagens representam, respectivamente, as obras Futebol, proporcionada pelo regime militar.
do artista plástico Nelson Leiner; e Superhomens, de Rubens
Gerchman. São obras representativas de um movimento Como se sabe, a Pop Art americana invadiu outras nações e
denominado Pop Art, que ecoou no Brasil na década de 1960, sofreu, em contato com outras culturas, modificações. No caso
no qual artistas se apropriaram de imagens da vida diária e da de produções em solo brasileiro, o texto II esclarece que
cultura de massa, tornando-as objetos de arte. A partir de uma A) a art pop deixou de ser sexy, espirituosa, transitória, como era
perspectiva ampliada e crítica sobre o esporte, interpretada como desenvolvida pelo artista britânico Richard Hamilton.
um elemento da cultura corporal de movimento, as imagens B) ela contribuiu para que muitos artistas fossem exilados ou
A) banalizam o esporte ao misturar o futebol e a pintura em um mesmo mortos por criticarem as ações desenvolvidas pelo
mesmo campo. governo militar.
B) deixam transparecer a preferência de ambos os artistas pelo C) a art pop criticava a alienação e a sociedade de massa, discutia
futebol enquanto esporte. o vazio e a repetição provocada pelas máquinas, utilizando-se
C) permitem refletir sobre como as artes visuais se apropriaram de um humor negro.
do futebol como uma tradição nacional. D) ela abandona a nova figuração que o movimento pop resgatou
D) fazem uma reflexão crítica sobre o futebol e a violência como tanto na Inglaterra quanto nos Estados Unidos da América.
temas circulantes na sociedade. E) os artistas brasileiros incorporam forma e técnica, mas
E) destacam a importância do esporte como atividade física de imprimem novos registros à composição das obras, como a
lazer para a sociedade. crítica e a originalidade.

12. (Enem/2013) 14. A arte conceptual, também denominada “arte da ideia”, saída
de um ensaio de Henry Flynt, justamente intitulado “Concept
Reprodução/Enem 2013

Art” (1961), culmina todo um percurso de transformações na

arte contemporânea que começou no Dadaísmo. Prosseguindo
a ruptura com os suportes tradicionais que se vinha fazendo em
todos os movimentos artísticos depois da Segunda Guerra Mundial
(1939-1945), artistas conceptuais recusam a própria realização
material da obra de arte, colocando em seu lugar ideias e projetos
ainda em esboço. Procuram, desta forma, estimular a imaginação
dos espectadores, juntando muitas vezes indicações precisas para
a reflexão ou ação. Esta arte situa-se frequentemente ao nível de
KUCZYNSKIEGO, P. Ilustração, 2006. problemáticas filosóficas, nomeadamente no âmbito da teoria do
Disponível em: http://capu pl. Acesso em: 3 ago. 2012. conhecimento.

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A leitura do texto sobre arte conceptual nos permite inferir que
a arte defendida por Henry Flynt ampara-se na ideia de que
A) o onírico é o elemento motivador da criação artística.
B) a valorização do elemento geométrico é fundamental para esse
tipo de arte.
C) a cultura popular deve ser a base da construção desse tipo de
arte.
D) a realização material da obra de arte é elemento ultrapassado.
E) o estímulo da imaginação do espectador inexiste para o
artista.
15. Minimalismo é um movimento artístico e cultural que
surgiu nos Estados Unidos no começo da década de 1960.
São características principais do Minimalismo: elaboração de obras
(pinturas, esculturas, músicas, peças de teatro) com a utilização
do mínimo de recursos; utilização de poucas cores nas pinturas;
nas artes plásticas, destaque para o uso de formas geométricas
com repetições simétricas; criação de músicas com poucas notas
musicais, valorizando a repetição sonora.
Considerando a informação acima sobre o Minimalismo, pode-
se dizer que sofreu influência desse padrão estético a seguinte
ambientação:
A) B)
Dzmitry Kliapitski/123RF/
Easypix
Anastasia Sholkova
/123RF/Easypix
C) D)
123RF/Easpix Brasil
Jesse Kraft/123RF/Easypix;
E)
Paolo De Santis/123RF/
Easypix
Resoluções
01. A Arte Conceitual baseia-se na ideia, na reconstrução do mundo a
partir de uma releitura de objetos. Sendo assim, os ready-mades,
de Marcel Duchamp, foram importantes precedentes para a Arte
Conceitual. É comum nesse tipo de arte a utilização de suportes
transitórios e reprodutíveis, assim como é comum a participação
e a interação do público na realização das obras. Não é correta
a afirmação de que a Arte Conceitual tivera, a princípio, grandes
museus e galerias do seu lado.
Resposta: D
02. De acordo com o texto, o conhecimento sensível é parte essencial
do processo artístico, mas não é o único. Essas “poéticas
contemporâneas” incluem também as vias tecnológicas de
comunicação e a interação de sujeitos, ou seja, a criação coletiva.
Além disso, segundo o texto, “os saberes sensíveis atuam nesse
meio ampliando a inteligência corporal”.
Resposta: E
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03. Embora haja, na obra de Leirner, a figura de uma cadeira, objeto
típico do cotidiano, tal figura perde seu sentido prático e ganha
contornos abstratos quando associada ao tronco bruto, a outra
figura representada na fotografia da obra. Percebe-se que o
objeto cadeira ganhou uma releitura, condizendo com afirmações
retiradas do texto de Jaffé: “o objeto foi exaltado de maneira
ilimitada” e “sua realidade intrínseca foi anulada”.
Resposta: D
04. Paulo Nazareth é um artista contemporâneo que vive e trabalha
mundo afora. Ele incorpora a ideia de que o artista é uma espécie
de conector, de decodificador performático ou de porta para
outras compreensões do existir. Seus trabalhos estão relacionados
à raça, à ideologia, às diferenças sociais, ao desenvolvimento,
e são sempre sustentados por uma visão categórica da vida.
Sua instalação Notícias da América – uma perua Kombi verde
abarrotada de bananas – foi a obra mais comentada da feira
de arte “Art Basel Miami” pela imprensa americana. Essa obra-
performance teve como fundamentos: 1) relacionar a produção
artística contemporânea dos países latino-americanos; 2) mostrar
o valor simbólico que o fruto tem na realidade do “mundo da
arte”, 3) questionar o próprio mercado de obras de arte. A obra
de Nazareth potencializa e explora o considerado exótico em
sua produção artística, como forma de questionar a própria arte
contemporânea.
Nesse sentido, a obra proposta para análise provoca o debate sobre
as questões de identidade, território e códigos de linguagens,
através de uma atitude estética peculiar e original.
Resposta: C
05. Louise Bourgeois tem sido considerada uma importante escultora
contemporânea, dada à sofisticação e ousadia de suas peças
artísticas. Em Aranha, por exemplo, uma analogia entre a mulher e
a aranha, que, dimensionada, representa força e poder; há, então,
metaforicamente, uma discussão sobre a condição feminina na
Arte Contemporânea. A imagem figurativa conviveu com outros
estados da arte, mas não havia desaparecido.
Resposta: B
06. O texto cita que o grafite contemporâneo já foi considerado como
uma arte marginal, logo, não se pode relacionar tal modalidade
com a elite e com as classes dominantes. Do mesmo modo, no
grafite não se usam tintas naturais, ainda que essas fossem usadas
nas pinturas rupestres, e não havia nenhum padrão estabelecido
antes, o qual a pintura rupestre rompeu. De fato, o grafite
contemporâneo registra o pensamento do mundo urbano atual
e de nossas crenças, assim como as pinturas murais de tempos
remotos registravam cenas cotidianas e pensamentos de nossos
ancestrais. Para chegar à resposta, é necessário o conhecimento
de que a arte reflete valores de um grupo ou de uma sociedade.
Resposta: C
07. Assim como outros objetos, o mobiliário sofre influência de
padrões estéticos, uma vez que a arte é parte da vida das pessoas,
não algo distante, intocável. Na cadeira e nas poltronas de Sérgio
Rodrigues, por exemplo, nota-se a influência do Minimalismo dos
anos 1960. Nesse padrão, o mínimo é mais, pois o ideal é cortar
os excessos, valorar as linhas, as curvas... Isso muda a postura dos
artistas, pois contrasta com o colonial e com o barroco estético,
gerando, assim, um novo conceito estético por meio de formas
e texturas inovadoras.
Resposta: A
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08. A imagem em questão se trata da obra Uma e três cadeiras, de
Joseph Kosuth, integrante da arte conceitual.
Essa modalidade artística desafia a definição de arte de forma
muito radical, ao insistir que somente o voo da imaginação, não
a execução, constitui a arte. Dessa forma, já que os produtos da
arte são produtos secundários, acidentais, podemos dispensá-
los totalmente. Na obra de Kosuth, o quadro “descreve” uma
cadeira, combinando, numa única instalação, uma cadeira de
verdade, uma foto em tamanho completo da mesma cadeira e
a definição retirada de um dicionário. Logo, percebe-se o vasto
campo de possibilidades de se debater a respeito das técnicas de
criação, representação e apresentação visual.
Resposta: D
09. Para chegar à alternativa correta, é preciso visualizar a obra Objeto
cinético em sua tridimensionalidade original.
O enunciado auxilia essa visualização, ao informar que a arte
cinética se compõe de “objetos que se moviam por meio de
motores e outros recursos mecânicos”. O conceito de movimento
serve de auxiliar para se chegar à conclusão de que, de fato, a obra
de arte cinética se modifica, na medida em que seus componentes
materiais estão em constante movimento.
No Brasil, os artistas tentaram resgatar alguns conceitos da
Pop Art americana, porém, esbarraram na ditadura militar e na
precariedade do sistema de artes no Brasil, que não oferecia
condições de pesquisa para os artistas. Sendo assim, eles se
restringiam às questões sociais de política e à violência sexual
e urbana. As novas técnicas contribuíram para esse avanço dos
artistas brasileiros, apresentando um trabalho de qualidade e
imprimindo crítica à ditadura militar vigente.
Resposta: E
14. Pela leitura do texto da questão, é possível afirmar que a arte
defendida por Henry Flynt consolida-se na ideia de que a realização
material da obra é um aspecto não mais relevante para as formas
de arte contemporâneas, como a arte conceptual. Tal afirmação
se confirma pela seguinte passagem do texto: “Prosseguindo a
ruptura com os suportes tradicionais que se vinha fazendo em
todos os movimentos artísticos depois da Segunda Guerra Mundial
(1939-1945), artistas conceptuais recusam a própria realização da
obra de arte, colocando em seu lugar ideias e projetos ainda em
esboço.”
Resposta: D

Resposta: B 15. Observa-se claramente a influência do Minimalismo na

ambientação da imagem do item E, uma vez que diversas
10. Na obra Monabeen, de Funny Filez, percebe-se o recurso da características dessa modalidade artística estão presentes:
intertextualidade, ou mesmo da paródia visual, tão comum à utilização do mínimo de recursos; utilização de poucas cores; o
produção da arte contemporânea. As obras de Andy Worhol e uso de formas geométricas com repetições simétricas; simples
Romero Brito são pops, e a obra de Picasso é cubista. objetos materiais, e não veículos portadores de ideias ou emoções.
Percebe-se o despojamento, a simplicidade e a neutralidade.
Resposta: C
Resposta: E
11. A Pop Art, movimento artístico surgido na Inglaterra, mas
supervalorizado nos Estados Unidos, também tem seus adeptos
no Brasil, como Nelson Leirner e Rubens Gerchman. Ao trazer para
a arte a cultura futebolística, os artistas deixam entrever como
as artes visuais se apropriaram de outro tema caro à sociedade
brasileira, o futebol. Não há, porém, como afirmar que os artistas
preferem futebol a outras modalidades desportivas, pois o esporte
em questão é representativo da cultura nacional, sendo, inclusive,
muito popular, o que justifica a escolha dos artistas por esse
esporte ao compor suas obras.

Resposta: C

12. Formado na Academia de Belas Artes de Poznan, o cartunista

polaco Pawla Kuczynskiego vem produzindo grande impacto
no mundo da cultura contemporânea. Suas obras, como a
apresentada na questão, provocam reflexões acerca de temas
graves que inquietam a sociedade, em especial, o do trabalho
infantil. Observe o choque que a ilustração provoca ao propor uma
imagem de duas crianças em situações distintas: a que trabalha
e a que brinca. Essa imagem contrastante produz no observador
uma reflexão sobre a realidade do trabalho infantil. Nesse sentido,
a resposta coerente está indicada na alternativa C.

Resposta: C

13. A Pop Art dos americanos criticava a alienação e a sociedade

de massa, discutia o vazio e a repetição provocada pelas
máquinas, utilizando-se de um humor negro. A Nova Figuração
foi um movimento da década de 1960, que de forma indireta
tratava a Pop Art, utilizando-se da iconografia urbana e do
abuso de cores, uma inovação em relação ao construtivismo. SUPERVISOR/DIRETOR: MARCELO PENA – AUTOR: TOM DANTAS
DIG.: CINTHIA – REV.: ___

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