FOTOGRAFÍA

PRINCIPALES EXPONENTES
PARTE II
Julia Margaret Cameron Sergéi Mikhoilovich
Gaspard-Félix Tournachon EUGÈNE ATGET August Sander
Prokudin-Gorskii

CLASE
Edward Weston Ansel Adams
ANTERIOR
Dorothea Lange Man Ray Weegee Herbert Bayer

Alexander Hans
Zaida González
Rodchenko Bellmer
Dorothea Lange: La fotógrafa del pueblo
Hoboken, 26.05.1895 - San Francisco, 11.10.1965

Estilo: Realismo Social

Tal vez con ese cierto sentido del deber, de salir a la calle, de contar lo que
sucedía como consecuencia del gran fraude de la Gran Depresión
norteamericana, Dorothea Lange decidió salir de casa para contar las
verdaderas consecuencias de la gente del campo y cómo éstos sufrían
el desastre económico de los EE.UU. de la década de los años 20 y 30.

También es bastante conocido, ahora, su trabajo sobre los campos de

internamiento de ciudadanos norteamericanos de origen japonés, realizado
en la década posterior de los años 40, durante el periodo de la segunda Guerra
Mundial, y que, en su momento, fue censurado por la Autoridad de
Reubicación de la Guerra. Un trabajo que pone al descubierto las miserias y
paranoias conspirativas de las élites del poder de su país.

"Elige un tema y trabájalo hasta el agotamiento... el asunto debe de ser algo que realmente ames o que realmente odies"
 Mi enfoque se basa en tres consideraciones:
Ante todo: ¡Manos fuera! Aquello que yo
fotografío, no lo perturbo ni lo modifico ni lo
arreglo. En segundo lugar, un sentido del
lugar. Lo que yo fotografío, procuro
representarlo como parte de su ambiente,
como enraizado en él. En tercer lugar, un
sentido del tiempo. Lo que yo fotografío,
procuro mostrarlo como poseedor de una
posición dada, sea en el pasado o en el
presente. - Dorothea Lange -

Madre emigrante (1936), de Dorothea Lange

Técnica:
Toma sus fotografías de manera cercana,
clara, concisa y de una forma muy tierna. En
ellas refleja la situación por la que están
pasando las personas que retrata, pero sin
hacerles perder un ápice de dignidad.
Poor Mother and Children During the
Great Depression. Elm Grove,
Oklahoma County, Oklahoma, USA
Toward Los Angeles, California
Man Ray, el surrealista que convirtió la fotografía en arte
27.08.1890 Filadelfia - 18.11.1976 Paris

El arte de Man Ray esquiva las clasificaciones, está cargado de imaginación,

sensibilidad y sentido del humor. Como pionero del dadá y del surrealismo, sus obras
son siempre originales, intencionadamente incongruentes, incluso irracionales, a
veces eróticas y casi siempre escandalosas. Fue un gran artista multidisciplinar cuya
creatividad no tuvo límites.

¨Pinto lo que no puede ser fotografiado, aquello que procede de la imaginación, de los sueños o del inconsciente. Fotografío las cosas que no quiero
pintar, las cosas que tienen una existencia en ese momento¨
Black and white
 El sujeto de fotografía es una mujer que se
encuentra llorando y la elección del artista
es hacer un primerísimo primer plano, lo
que desde el inicio nos acerca al personaje
fotografiado.

También es importante notar que cada uno

de los ojos está cerca a uno de los puntos
de interés o tercios, buscando guiar la
mirada del espectador hacia ellos. Con esta
misma intención, notamos que el enfoque
está principalmente en el ojo del lado
izquierdo con una profundidad de campo
corta que cuzbre apenas el otro ojo y las
lágrimas, por eso notamos en la parte
inferior la nariz y una de las lágrimas
desenfocadas.

Las lágrimas estáticas representan una

emoción congelada; aún en un momento
congelado por una fotografía.

La expresión de la chica nos hace

cuestionarnos qué le pasará. Además, la
dirección de su mirada, hacia el espacio
Glass Tears,1932
negativo creado por su frente, nos
alimenta más la intriga y nos revela una de
las intenciones del fotógrafo: Guiar el
recorrido de nuestra mirada.
 Este es uno de los Rayogramas más antiguos de
Man Ray, es un proceso mediante el cual los objetos
se colocan directamente en un papel fotosensible y
luego se exponen a la luz. Para crear esta imagen en
particular, transfirió la silueta de un par de manos al
papel fotográfico y luego repitió el procedimiento
con un par de cabezas (la de él y la de su
amante, Kiki de Montparnasse).

Los Rayogramas le dieron a Man Ray la oportunidad

de estar en su trabajo y reaccionar a sus creaciones
de inmediato al agregar capa sobre capa. Utilizó
objetos inanimados así como su propio cuerpo para
crear sus primeras fotografías, y a veces, las
fotografías tienen una calidad autobiográfica, con
muchas de ellas retratando a sus amantes.

Rayografía (El beso)

 Es inevitable pensar en la importancia
de los instrumentos de cuerda para los
cubistas, quienes en sus naturalezas
muertas incluían mandolinas, violines
y guitarras. No obstante, en estos
estudios analíticos del espacio, los
instrumentos eran simplemente
material muerto, sin ningún efecto
sensual, en tanto que Man Ray dota a
su fotografía de una especial
capacidad erótica, como lo subraya la
referencia al pintor clasicista Jean
Auguste Dominique Ingres, cuyo
famoso desnudo de espaldas Baño
turco irradia sensualidad precisamente
por la absurda precisión de su perfil.
En su fotografía, Man Ray recoge a
través del turbante de la modelo el
ambiente oriental pretendido por
Ingres, aunque ironiza sobre la
excesivamente fría atmósfera erótica
de sus escenas orientales. El título de
El violín de Ingres evoca la larga
tradición de la ejecución musical como
alegoría del juego amoroso, aunque
desde la perspectiva de Man Ray el
instrumento está en este caso
directamente a disposición del solista.
Ingres´ Violin
 Una de las pinturas más memorables de Man Ray, Observatory
Time, aparece en esta fotografía en blanco y negro, junto con
un desnudo. Incluye una representación de los labios de su
amante fallecido, Lee Miller, flotando en el cielo sobre el
Observatorio de París. En la fotografía, la desnuda está
tumbada de lado en un sofá debajo del cuadro, con un tablero
de ajedrez a sus pies. Observatory Time insinúa lo que la
mujer podría estar soñando: una pesadilla o una fantasía
erótica. Los labios de la imagen fueron una inspiración para el
logotipo de The Rocky Horror Picture Show y muchas otras
imágenes icónicas de la cultura pop. El tablero de ajedrez
aparece en muchas de las obras del artista: a Duchamp,
Picabia y Man Ray les encantaba jugar al ajedrez. Y Man Ray
consideraba una cuadrícula de cuadrados, "la base de todo
arte... te ayuda a comprender la estructura, a dominar el
sentido del orden".

Observatory Time: The Lovers

ALEXANDER RODCHENKO, FOTÓGRAFO REVOLUCIONARIO
San Petersburgo 1891-Moscú 1956

Artistas como Naum Gabo, Antoine Pevsner, El Lissiztky y el

propio Rodchenko comienzan a desarrollar ligas entre la
técnica, el capital, la producción y la construcción. Los
artistas forman parte de un todo, de una nueva sociedad
junto con los científicos y técnicos para sumarse a las luchas
agrarias y obreras. Los artistas se convierten en creadores,
en auténticos productores (productivismo) y de ahí en
constructores (constructivismo) de realidades visuales.

El constructivismo fue un arte consistente en

objetos construidos sin referencia a un tema. Eran
elementos abstractos, frecuentemente tecnológicos
creados por el hombre.

¨La conciencia, LOS EXPERIMENTOS, las metas, LA CONSTRUCCIÓN, la tecnología y las matemáticas— estos son los HERMANOS del ARTE
contemporáneo¨
“En 1924 Rodchenko decidió tomar él
mismo las fotografías de sus
fotomontajes y esto posteriormente fue
decisivo para su carrera como fotógrafo
experimental.”
Inicialmente utilizó una cámara
“…Lochim rusa con un objetivo francés
Berthiot y que sacaba negativos de
9×12 centímetros”[35] pero “Al visitar
París en 1925, Rodchenko compró dos
cámaras portátiles de 35 mm y
comenzó a fotografiar la ciudad desde
ángulos extraños y puntos de vista
poco ortodoxos. A partir de estos
primeros experimentos se desarrolló un
estilo basado en perspectivas extremas
tomadas desde arriba o desde abajo,
así como intensos primeros planos.
Nadie había visto algo igual.”
Los fotomontajes de Rodchenko eran “auténticos poemas
visuales repletos de sugerencias. Con ellos alienta las corrientes
constructivistas y roza los influjos dadaístas. Además, como tratan
de alejarse del arte por el arte con hábito tildado a la burguesía,
buscan acercarse al sentir de las clases más populares y terminan
publicándose en las páginas de periódicos y revistas.”
Sus trabajos en
diseño gráfico,
cartelería y portadas
de revistas son
mundialmente
reconocidos.
Alexander Rodchenko
llegó a marcar un
estilo propio que lo
identifica con el
movimiento
constructivista que se
estaba viviendo en la
época.
 La influencia e importancia del constructivismo
en el arte contemporáneo ha llegado a la
“abstracción, el arte pop, op art, minimalismo,
expresionismo abstracto, el estilo gráfico del
punk y post-punk, brutalismo,
postmodernismo, hi-tech y el
deconstructivismo.” Ha sido tan grande la
influencia del constructivismo que incluso ha
llegado hasta nuestros días imbuido en el
diseño de las interfaces digitales de software. El
constructivismo permanece en nuestra cultura
de manera tan omnipresente como invisible.

Desde las tomas picadas y contra-picadas tan

agudas que terminan convirtiéndose en
ángulos de toma cenit o nadir el lenguaje
visual de Rodchenko apela a una “fiesta de
formas oblicuas, líneas perpendiculares,
escorzos muy marcados…”
El formato portátil de las cámaras de 35mm le
brindó versatilidad inusitada: “Con la Leica, se
dedicó a capturar la línea en composiciones
fotográficas como rejas, escaleras, cables
eléctricos, esquinas, máquinas, transformándolos
en su particular fábrica de líneas constructivistas
en las que la naturaleza de los materiales de la luz
y el color se oponía al misticismo y el simbolismo.”

Todas las vanguardias rusas

buscaron usar el espacio de modo
dinámico.”Por eso no es de
extrañar la experimentación de
Rodchenko con puntos de vista
inusuales.
WEEGEE, EL FOTÓGRAFO FANFARRÓN QUE CONVIRTIÓ EL
ASESINATO EN UN ESPECTÁCULO
12 de junio de 1899, Ucrania al 26 de diciembre de 1968, Nueva York

Nació en Ucrania pero su familia al completo emigró a Estados Unidos.

Su nombre real era Arthur H. Fellig, el seudónimo Weegee
(interpretación fonética de la palabra ouija) se debe a que siempre era
el primero en llegar a las escenas del crimen minutos después de
haberse producido. A veces incluso antes que la policía. Esto se debe a
que tenia licencia para llevar una radio de onda corta capaz de escuchar
la emisora de la policía.
Fue un fotoperiodista de sucesos con un peculiar estilo en sus
imágenes, fue indiscreto a la hora de fotografiar y consiguió
estremecedoras imágenes en blanco y negro, irónicas y a veces con
demasiado carácter explícito.

¨La gente es tan maravilloso que un fotógrafo sólo tiene que esperar a ese momento sin aliento para captar lo que quiere en la película¨
 HANS BELLMER, LO QUE IMAGINA EL DESEO
13.03.1902, Katowice al 23.02.1975 Paris

nace el 13 de Marzo de 1902 en Katowice, Polonia. Su

padre fue un ingeniero electricista adherido al Partido
Nacional-Socialista desde 1933.

En 1920 Bellmer fue enviado por su padre a estudiar

ingeniería en la Technische Hochschule de Berlín, que
más tarde abandonaría para dedicarse al arte. Aparte de
la pintura también se dedico a: la
fotógrafia surrealista, escultor y dibujante publicitario.

¨El cuerpo es como una frase que nos invita a reordenarlo, para que su verdadero significado se aclare a través de una serie de anagramas interminables¨
Cuando los nazis llegaron al poder en
Alemania, en 1933, Bellmer decidió no
hacer nada que pudiera serles útil. Entonces
confeccionó su obra más conocida:
la Muñeca. Se trata de una escultura que
representa a tamaño casi real (1,40 m.) a
una muchacha de cabellos morenos,
desnuda y con calcetines, que parece una
muñeca de niña ampliada, pero que tiene
cuatro piernas y numerosas articulaciones
para un único torso de mujer adulta. Es un
objeto con pretensiones eróticas,
una criatura artificial con múltiples
posibilidades anatómicas, mediante la cual
Bellmer intenta descubrir la mecánica del
deseo y desenmascarar el inconsciente
psíquico que nos gobierna.
Hans Bellmer quien concibe el más rotundo dispositivo de objetualización del cuerpo femenino a partir de
la idea del maniquí. Reconvertido en muñeca, el maniquí deviene una poupée que el propio autor definió
como “objet provocateur”. Ya en el Dictionnaire abrégé du surréalisme (1938) se caracterizaba al artista
como “constructor de muñecas articuladas de gran tamaño”. Dichas muñecas componen una colección de
cuerpos femeninos desconfigurados, manipulados de manera violenta con evidente intencionalidad
erótica. Estos cuerpos objetuales funcionan como sustituto del de la mujer, convirtiéndose efecivamente
en víctimas de un proceso de descomposición.

Aún más, en este acercamiento a la mujer como muñeca erótica subyace un sentimiento de dominación
que roza peligrosamente los límites del crimen sadomasoquista. Un rasgo que los surrealistas identificaron
claramente en los asesinatos de Jack el Destripador. En palabras de Desnos: “Terrible experiencia la de este
hombre entrenado para despiezar mujeres; terrible lujuria la de este hombre, cuyo apetito sexual sólo
podía ser saciado con sangre [...]”.49 En este sentido, no es extraño que la actitud de Bellmer se asimile a la
del Destripador: “La muñeca fue objeto de una serie de fotografías ominosas hechas por el artista y
publicadas como Die Puppe en 1934. En una de las imágenes, el artista aparece como un Jack el
Destripador semitransparente y fantasmagórico, contribuyendo con su presencia a la carga perturbadora
del cuerpo fragmentado de la femme-enfant creada por él”5

https://helvia.uco.es/bitstream/handle/10396/15422/Molina%20Barea_arslonga.pdf?sequence=1&isAllowed=y
HERBERT BAYER: UN GENIO DEL DISEÑO Y UN GRANDE DE
LA BAUHAUS
05.04.1900, Austria al 30.09.1985, California

Herbert Bayer, el diseñador gráfico, tipógrafo, pintor y arquitecto mas

importante e innovador de la Bauhaus; abarcando también el área de la
fotografía (1920) y sobretodo con el collage.

Bayer fue aprendiz del artista George Schmidthammer en Linz donde realizó
sus primeros trabajos tipográficos. Poco después se interesó por
el manifiesto Bauhaus de Walter Gropius, estudiando durante cuatro años en
dicha escuela. Donde tuvo profesores como Oskar Schlemmer, Wassily
Kandinsky y László Moholy-Nagy; convirtiéndose más tarde en profesor y
director de impresión y publicidad.

¨Mi obra vista en su totalidad es una declaración sobre la integración del artista contemporáneo en una sociedad industrial¨
Tipografía
El estilo visual de Bayer es fuertemente influenciado por el minimalismo, muy nítido y además adoptó una fuente sans serif totalmente en minúsculas
para todas las publicaciones de Bauhaus.
Diseñando en 1925 una fuente extraída de la misma familia: sans serif geométrica, universal cuya versión digitalizada es titulada Architype Bayer. Para
1959 diseñó su «fonetik alfabet«, un alfabeto fonético para el inglés. Era sans serif y no tenía letras mayúsculas. Tenía símbolos especiales para las
terminaciones -ed, -ory, -ing e -ion, así como para los dígrafos «ch», «sh» y «ng».
Fotografía & collage
En el periodo de su paso por la Bauhaus (1928-1938), Herbert probó la técnica del
collage y el fotomontaje. Donde el artista experimentó con distintas imágenes y
formas sobre un mismo plano, haciendo trascender la fotografía tradicional; lo que
resultó en una nueva visión.
Dichas obras rayan en las corrientes como el dadaísmo y el surrealismo. Y aquí
tenemos una hermosa pieza como ejemplo: se trata de la portada de We are the
night un disco de The Chemical Brothers.
La cual se basa completamente en su famoso fotomontaje, Lonely
Metropolitan (1932). Sin embargo, no se le dio crédito alguno a Bayer, lo que llevó
a que la banda retirara esos elementos cuando reeditaron el disco un año después
de ser lanzado.
ZAIDA GONZÁLEZ, UNA IDENTIDAD LATINOAMERICANA CONTEMPORÁNEA QUE SINCRETIZA LAS MÚLTIPLES
FUENTES QUE NOS COLONIZAN Y CONFORMAN A LA VEZ

Fotógrafa y veterinaria nacida en Santiago de Chile (1977). Es una de las

autoras más destacadas en el panorama latinoamericano contemporáneo.
Realiza estudios formales completos de Fotografía Publicitaria en la
Escuela de Fotografía Alpes, primero, y de Veterinaria, en la Universidad
de las Américas. Es una de las fundadoras del colectivo Macrodosis. Ha
sido merecedora del apoyo de Fondart en varias ocasiones. Galardonada
con el Premio Rodrigo Rojas de Negri (2012), ha participado en numerosas
exposiciones, individuales y colectivas, en América y Europa. Recibe el
premio "Mejor Artista Joven Extranjera" en la 13 versión de la Feria de
Arte Contemporáneo ArtVilnius de Lituania. Es autora de tres libros: "Las
novias de Antonio" (Ediciones La Visita, 2009), "Recuérdame al morir con
mi último latido" (Ed. El Gato de la Acequia, 2010) y "Zaida González de
Guarda" (Ed. El Gato de la Acequia, 2013), este último de gran formato y
de carácter antológico.

¨Esta soy YO, me fijo verticalmente ante ti, adórame en mis brillos y dorados, en mis hilarantes poses, en la identidad que se me antoje. Soy una
autora, mi única publicidad es ser yo misma¨
Poseedora de un lenguaje absolutamente propio, la obra de
Zaida González está construida a partir de un rico imaginario,
deudor de sus obsesiones e intereses más íntimos y de la
visualidad popular latinoamericana, en general, y de la
chilena, en particular. Su estética, fácil de reconocer, esconde
una trastienda compleja de citas y un fondo de crítica social y
política que aparece a menudo de forma descarnada bajo una
ironía o unas formas evocadoras de un universo
aparentemente infantil.

En su obra se funden tipos sociológicos, seres adoptados,

personajes mitológicos, referencias religiosas y literarias,
animales domésticos, entre otros, que comparten entre ellos
una candidez paradójica. Participan todos ellos en una
ritualidad fotográfica que dirige la autora. Estos habitantes
pululan por unos mundos construidos donde comparten
espacio y jerarquía con objetos exquisitamente escogidos,
cargados de simbolismo y que sitúan a los protagonistas en un
entorno ideal muy definido. Dueña de una gama de colores
propios, que logra en sus primeras imágenes aplicando técnicas
manuales sobre soportes analógicos, su obra debe entenderse,
muy a menudo, también desde la tridimensionalidad en la que
se enmarca la imagen, donde los objetos que la muestran
pasan a formar parte de ella.
ZAIDA PONE EN ESCENA CUERPOS QUE ROMPEN CON LA IDEA DE BELLEZA HEGEMÓNICA, Y SALE DE TODO CANON
EN SUS REPRESENTACIONES DE RELIGIÓN, MUERTE, Y SEXUALIDAD, ARMANDO COMPOSICIONES CRÍTICAS Y
CONMOVEDORAS.
La autora como
mujer rodeada de
flores, como
persona sexuada,
como animal
depredador y a la
vez doméstico,
cargada de brillo y
plástico, y mirando,
siempre mirando,
hacia adelante, con
los ojos muy
abiertos, como para
que no quede duda.
La iconografía femenina
se plantea muchas veces
desde la proyección de
una mirada masculina,
y es necesario
deconstruir estos
estereotipos para poder
desafiarlos. Las autoras
se descubren como
sujetos y como modelos,
abriéndose posibilidades
representativas nuevas y
revolucionarias.
Bonus
fin
parte