EXTENSÃO EM

ARTES PLÁSTICAS
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PLÁSTICAS

SUMÁRIO

1- ARTE, PALAVRA DE VÁRIOS SENTIDOS 3

2- ELEMENTOS DA LINGUAGEM VISUAL 19
3- MOVIMENTOS E ESTILOS ARTÍSTICOS 30
REFERÊNCIAS

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1- ARTE, PALAVRA DE VÁRIOS SENTIDOS

A arte é um tipo de comunicação que acompanha a humanidade desde os primórdios.

Já na época das cavernas os seres humanos se comunicavam por meio dela, a
chamada arte rupestre.

Atualmente, há 11 tipos de arte: música, dança, pintura, escultura, teatro, literatura,

cinema, fotografia, história em quadrinhos (HQ), jogos eletrônicos e arte digital.

Vejamos então todos eles e como se apresentam.

1ª arte – Música

Esse tipo de arte tem o poder de despertar sentimentos variados, favorecendo o

equilíbrio mental e o bem-estar.

A música está presente em nosso dia a dia a partir do momento em que nascemos.
Desde as canções de ninar que cantarolavam para nós, até os ritmos dançantes que
ouvimos em uma festa, por exemplo.

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Pode-se dizer que a linguagem musical é formada por diversos sons que se
apresentam em espaços de tempo pré-determinados, formando assim - ritmo,
harmonia e melodia.

O ritmo é dado pela marcação de tempo entre um som e outro. A harmonia trata-se da
combinação dos elementos musicais simultâneos.

Já a melodia, refere-se à sequência de sons que se apresentam na música, sendo

percebida em nossa mente como uma unidade. Por isso que conseguimos assobiar
uma canção, por exemplo, mesmo que não saibamos tocar um instrumento.

No Brasil, temos como exemplo de grandes nomes da música os artistas Caetano

Veloso, Gilberto Gil, Elis Regina, Tom Jobim, entre outros.

2ª arte – Dança

A dança é a arte do movimento corporal. Usando o corpo como instrumento, as

pessoas podem exteriorizar seus sentimentos fazendo gestos cadenciados por um
ritmo.

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É uma das formas mais antigas de manifestação artística, tendo origem ainda na pré-
história. As pessoas dançavam em rituais de celebração, agradecimento, cerimônias
fúnebres e para pedir proteção. Ou seja, a dança tinha um caráter sagrado.

Geralmente esse tipo de arte vem acompanhado da música, sendo quase sempre
inseparáveis, entretanto é possível também expressar-se nessa linguagem sem que
haja som.

É uma maneira muito saudável de expressão, pois além de favorecer a criatividade,

também auxilia na vitalidade corporal e psicológica, trazendo inúmeros benefícios.

Como exemplos de grandes dançarinos brasileiros, temos: Ana Botafogo, Carlinhos de

Jesus e Ivaldo Bertazo.

Segundo Isadora Duncan, importante coreógrafa e bailarina norte-americana:

"Dançar é sentir, sentir é sofrer, sofrer é amar... Tu amas, sofres e sentes. Dança!"

3ª arte – Pintura

Podemos definir a pintura como a técnica de depositar pigmentos coloridos - que

podem ser pastosos, líquidos ou em pó - sobre uma superfície, gerando imagens
figurativas ou abstratas.
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Essa é uma atividade que permite às pessoas se comunicar e demonstrar sentimentos

por meio de formas, cores e texturas.

A história da pintura remonta o período pré-histórico, quando os seres humanos

usavam as cavernas como suporte para seus desenhos. Esse tipo de arte era feito com
pigmentos extraídos de óxidos minerais, ossos carbonizados, vegetais, carvão, sangue
e gorduras de animais.

É uma manifestação artística que possibilita aos homens conhecer melhor o seu
passado, costumes e crenças, pois pode revelar muito sobre a cultura de determinada
época e lugar.

Além disso, é considerada uma das formas de arte mais tradicionais e boa parte das
grandes obras da humanidade são pinturas com tinta a óleo.

Aqui no Brasil, a pintura por muito tempo seguiu as tendências europeias e alguns
pintores responsáveis por uma maior valorização de temas genuinamente brasileiros
são: Tarsila do Amaral, Portinari, Di Cavalcanti, Caribé, entre outros.

4ª arte – Escultura

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Escultura Pietá de Michelangelo (1499)

Compreende-se escultura como a arte de modelar ou desgastar matérias brutas (como
a argila, mármore, madeira e pedra) e convertê-las em objetos com significados,
expressando ideias e sentimentos.

Usando formas, espaços e volumes, o artista cria obras tridimensionais, ou seja, que
têm altura, largura e profundidade.

Assim como as outras formas de artes que vimos até agora, a escultura também é
muito antiga e começou a ser feita ainda nas sociedades primitivas.

É curioso que nesses primeiros trabalhos em escultura, não existiam representações

de figuras masculinas. Prevaleciam as formas femininas com ventres e seios
volumosos. Um exemplo é a estatueta da Vênus de Willendorf, encontrada na Áustria e
esculpida há mais de 25 mil anos.

Alguns importantes escultores brasileiros, sem dúvida, são: Aleijadinho (1730-1814) e

Victor Brecheret (1894-1955).

5ª arte – Teatro

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O teatro é a linguagem artística em que as pessoas, no caso os atores e atrizes,

representam uma história para um público.

A manifestação teatral mais parecida com a que conhecemos hoje no Ocidente surgiu
na Grécia Antiga, no século VI a.C.

Nessa época, o teatro mesclava temas sagrados e profanos e era feito em homenagem
ao deus Dionísio, considerado o deus do vinho, das festas e da fertilidade. Nessas
encenações, não era permitida a participação de mulheres, sendo apenas homens a
desempenhar os papéis.

Os gêneros teatrais que haviam na Grécia Antiga eram somente a comédia e a

tragédia. Com o tempo, o teatro foi se transformando e avançou também por outros
territórios.

Hoje existem muitas maneiras e estilos de se fazer teatro, entre eles: musical, ópera,
fantoches, teatro de sombras, drama, comédia, teatro de rua, teatro de palco, entre
outros.

No Brasil, podemos citar Fernanda Montenegro, Paulo Autran, Bibi Ferreira e Raul
Cortez como alguns nomes de destaque nessa arte.

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6ª arte – Literatura

Na literatura, a escrita é a ferramenta utilizada para se expressar.

A invenção da escrita foi um dos acontecimentos mais importantes para a humanidade.

Ela figurou um marco e delimita o fim da chamada “pré-história” e o início da “história”.

Com o passar do tempo e sua evolução, ela passou a ser não só um meio de
comunicação simples e direta, mas também uma ferramenta para transmissão de
ideias, sentimentos, reflexões, pensamentos e para narrar histórias.

O desenvolvimento da literatura aconteceu gradualmente e cada época e lugar possui

características literárias distintas. Entretanto, podemos dizer que a literatura sempre
representou uma importante fonte de conhecimento histórico acerca das sociedades.

São muitas as maneiras de escrever e tipos de textos literários, por exemplo: prosa,
ficção, romance, poesia e cordel.

Alguns nomes importantes no cenário literário nacional são: Carlos Drummond de

Andrade, Cecília Meireles, João Cabral de Melo Neto e Clarice Lispector.

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7ª arte – Cinema

O cinema é um tipo de arte que surgiu após a invenção da fotografia, como

desdobramento dela. Utilizando várias imagens - fotografias - que são projetadas muito
rapidamente em uma tela, o olho humano enxerga essa sequência de fotos como um
filme, ou seja, com movimento.

Dessa forma é possível contar histórias, transmitindo assim sensações e aguçando

sentimentos como alegria, medo, tristeza e amor.

A origem dessa linguagem artística se deu no final do século XIX. Na época, muitas
pessoas estavam buscando maneiras de criar algo semelhante ao cinema.

Mas foram os irmãos Auguste e Louis Lumière que fizeram a primeira projeção
cinematográfica ao público, em 1895, na França.

O filme exibido tinha 40 segundos de duração e intitulou-se "A chegada do trem à

estação de La Ciotat" ou "A saída dos operários da fábrica". O público ficou bastante
surpreso e intrigado. Conta-se que algumas pessoas inclusive correram assustadas
para o fundo da sala de projeção, com medo da movimentação do trem.
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A partir de então, essa técnica foi muito aprimorada e hoje podemos apreciar e nos
divertir com filmes em 3D, que dão a ilusão de estarmos de fato dentro da história
contada.

Podemos citar como diretores notáveis do cinema brasileiro os nomes: Walter Salles,
Fernando Meirelles, Hector Babenco, e outros.

8ª arte – Fotografia

A palavra fotografia tem origem grega e significa escrever com a luz, sendo que foto
quer dizer luz e grafia exprime a noção de escrita. É uma arte que se utiliza de
máquinas para captar imagens por meio de reações obtidas através da iluminação.

O ano de 1826 é considerado um marco na história da fotografia, quando o francês

Joseph Niépce conseguiu fixar a primeira representação fotográfica em uma placa de
estanho. Niépce posicionou seu invento – uma câmera escura – em frente a uma
janela e deixou a luz solar entrar no interior da máquina por 8 horas. O resultado foi
uma imagem um tanto quanto borrada do telhado da casa vizinha.

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A partir de então, a fotografia sofreu muitos avanços. Atualmente, com o progresso

tecnológico e as redes sociais, essa linguagem vem ganhando cada vez mais espaço
em nossas vidas e despertando o interesse das pessoas.

No início de sua invenção, a fotografia não era considerada arte propriamente.

Entretanto, com o passar do tempo foi possível compreender que essa linguagem
também possui características e potencialidades criativas.

Fotografar é como fazer um “recorte” do mundo, optar por exibir um ponto de vista, um
determinado olhar. Contudo, também possibilita a criação de “novas realidades”,
fazendo uso de cenários, figurinos e poses, explorando ao máximo toda a capacidade
imaginativa do ser humano.

Um dos fotógrafos brasileiros mais importantes e reconhecidos mundialmente é

Sebastião Salgado. Outros nomes importantes no cenário nacional, são: German
Lorca, Claudia Andujar e Maureen Bissiliat.

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9ª arte – História em quadrinhos

A história em quadrinhos, ou HQ, é definida por uma sequência de desenhos feitos em

quadros que juntos contam uma história. Normalmente se utiliza de balões e textos
escritos dentro deles a fim de contar o que as personagens estão conversando ou
pensando.

Essa maneira de narrar histórias surgiu entre 1894 e 1895. Seu inventor foi o
americano Richard Outcault, que publicou em jornais o que foi considerada a primeira
história em quadrinhos.

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Yellow Kid (Menino Amarelo), era uma tirinha que trazia como personagem uma
criança de origem humilde, que vivia nos guetos americanos, falava gírias e vestia uma
camisola amarela. Essa HQ tinha como propósito criticar a sociedade de consumo e
trazer à tona assuntos como a questão racial.

Atualmente, as HQs estão presentes em todo o mundo e representam um importante

meio de comunicação de massa.

Os suportes escolhidos pela maioria dos desenhistas de quadrinhos - também

chamados cartunistas - são os livros, gibis ou tiras publicadas em jornais e revistas.

No Brasil, a HQ que mais se destaca é Turma da Mônica, criada por Maurício de

Souza, em 1959.

10ª arte - Jogos eletrônicos (games)

Os jogos eletrônicos - ou games - são programas nos quais as pessoas interagem com
objetos virtualmente, tendo que ultrapassar desafios, cumprindo metas e se divertindo.

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Foram apresentados ao público na década 1970, fruto de experimentações de

acadêmicos em torno de pesquisas na área da ciência da computação.

A partir do lançamento do Atari, em 1977 nos EUA, o universo dos games ganhou
impulso. Com o Atari, era possível entreter-se com diferentes jogos utilizando o mesmo
console, ou seja, a mesma máquina – ou videogame.

Por conta da evolução tecnológica, esse tipo de arte está sendo constantemente
aprimorado, sendo uma das formas mais populares de diversão e entretenimento em
todo o mundo.

Alguns jogos brasileiros que vêm fazendo sucesso são Celeste, Horizon Chase e Until
Dead.

Veja também: Jogos de conhecimentos gerais (com Quiz)

11ª arte – Arte digital

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Have a Seat (2010), obra digital da artista sueca Carulmare

Toda a forma realizada por meio de computadores pode ser chamada de arte digital.

Trata-se de um tipo de arte que evoluiu concomitante ao desenvolvimento tecnológico.

Ela teve seu crescimento na década de 1980 e foi impulsionada pela música do francês
Pierre Henry, considerado o precursor da música eletrônica.

Hoje em dia, essa forma de expressão - também chamada de ciberarte - engloba

muitas linguagens além da música, como o vídeo, fotografia, desenho, cinema e até
mesmo a literatura.

É uma arte relativamente nova que está se expandindo bastante. Os suportes

escolhidos normalmente são as telas de computadores, smartphones, tablets,
televisores, projeções e impressões gráficas.

Como exemplo, temos as ilustrações digitais, vídeo mappings, gifs e animações.

Alguns artistas brasileiros que utilizam essa linguagem são Guto Lacaz e Eduardo Kak.

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O que é arte?

Performance "O que é arte? Pra que serve?" do artista pernambucano Paulo Bruscky
(1978)
A arte tem o poder de aguçar nossa sensibilidade trazendo à tona diversos sentimentos
e emoções, e alguns até conflitantes.

Palavra que tem origem no latim (ars), arte significa habilidade e pode ser
compreendida como a capacidade humana de manifestação cultural.

Como pudemos ver, são diversas as maneiras que as pessoas encontraram para se
expressar artisticamente, cada uma com suas particularidades e linguagens.

E os 7 tipos de arte?
Em 1911, o crítico de cinema Ricciotto Canudo criou o que ele chamou de Manifesto
das sete artes e estética da sétima arte, que foi publicado em 1923. Nesse manifesto,
ele classificou a arte em sete tipos.

 música

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 dança
 pintura
 escultura
 teatro
 literatura
 cinema

Com o passar do tempo e as mudanças tecnológicas e sociais, outras manifestações

artísticas foram incluídas nessa classificação.

 fotografia
 história em quadrinhos (HQ)
 jogos eletrônicos (games)
 arte digital

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2- ELEMENTOS DA LINGUAGEM VISUAL

Como as imagens são construídas? Como podemos formar imagens? Quais são os
elementos da linguagem visual? Se prestarmos atenção a um desenho, veremos que
nele há pontos, linhas e cores. As formas em artes visuais são constituídas por pontos,
linhas, planos, cores, que chamamos de elementos da inguagem visual. Ao combiná-
los entre si, podemos criar imagens.

O PONTO

O ponto é o elemento mais simples da linguagem visual. Quando imaginamos um

ponto, normalmente pensamos nele como um pequeno círculo. No entanto, o ponto
pode ter outras formas, como um quadrado ou uma mancha, por exemplo. Então, o
que é um ponto? É um elemento pequeno se compararmos com o restante da imagem;
é o menor de todos os elementos da linguagem visual e, no entanto, com ele
construímos imagens. Se o ponto estivesse unido a outro, e este a outro, e assim
sucessivamente, o que viríamos seria uma linha. Um ponto isolado em uma obra
chama muita atenção de quem observa. Quando se desenha ou se pinta uma obra
usando muitos pontos, pode-se criar uma sensação de vibração.

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AS LINHAS

A linha ou traço, pode ser definida como o rastro que um ponto deixa ao ser deslocar
no espaço, ou como uma sucessão de pontos, muito juntos uns aos outros. Pode ser
grossa, fina, colorida, contínua, firme, fraca, interrompida, etc. há muitos tipos de linha.
Cada tipo sugere uma sensação diferente.

• RETA. A linha reta traçada de maneira firme, contínua, pode dar uma impressão de
rigidez e dureza.

• CURVA. A linha curva, traçada da mesma maneira, pode sugerir suavidade e

sinuosidade.

• VERTICAL. Indica equilíbrio. Aparece em muitas obras de arte como expressão de

espiritualidade e elevação.

• HORIZONTAL. Indica repouso. Também pode expressar quietude.

• INCLINADA. Faz parecer que algo satã prestes a se movimentar. Sugere

instabilidade, movimento.

• QUEBRADA. Indica movimento. Forma-se combinando-se linhas retas.

• ONDULADA. É um tipo de linha curva. Sugere movimento suave e rítmico.

• ESPIRAL. Indica um movimento envolvente, que vai do centro para fora ou o

contrário. Também é um tipo de linha curva.

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As figuras

Quando desenhamos uma linha fechada em uma superfície, separamos um espaço do

resto do papel. Isso é uma figura. Em arte nem todas as figuras são delimitadas com
uma linha. Também podem ser feitas com cores, texturas, papéis recortados, etc.

Há simples como o círculo, o triângulo, o quadrado, e figuras mais complexas. Quando

vemos uma figura simples, podemos Recordá-la com facilidade e até reproduzi-la. No
entanto, quando vemos uma figura complexa, precisamos olhar atentamente para
poder identificar os elementos visuais, a construção, etc.

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Edvard Munch (O grito)

Tarcila do Amaral ( São Paulo)

A textura

As superfícies dos objetos soa diferentes e podemos notar isso ao tocá-las. Uma rocha
é áspera; o tronco de uma árvore é rugoso; o algodão é suave e macio. Para saber se
um tecido, por exemplo, é liso ou áspero, não precisamos tocá-lo; basta olhar para ele.
Esse aspecto da superfície dos objetos se chama textura.

A textura é explorada em arte de muitas maneiras. Na escultura, por exemplo, a textura

pode ser sentida pelo tato. Um escultor pode talhar uma pedra e deixar zonas ásperas.
Na pintura, também é possível conseguir diferentes texturas, usando-se camadas
espessas de tinta ou pintando-se sobre uma superfície que tenha relevos. No desenho,
não é possível fazer figuras com texturas diferentes, mas obter efeitos de texturas, com
traços ou pontos repetidos, por exemplo. Nesse caso as texturas não são reais, ou
seja, não são sentidas pelo toque.

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Tarcila do Amaral

Renoar

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A Cor

Ao nosso redor há uma variedade enorme de cores. Se escutamos a palavra “azul”,

sabemos a que cor a pessoa que fala se refere. No entanto, há tantos tipos de cores
azuis! O céu é azul-claro em um dia de sol. O mar, à distância, nos parece azul-escuro.
Existe uma grande variedade de tons azuis: claros, escuros, esverdeados, violáceos. E
o mesmo acontece com o laranja, o vermelho, o verde. Se existem tantas cores como
podemos estudá-las?

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Cores primárias e secundárias

Para estudar as cores, o primeiro passo é sabermos que existem cores primárias e
secundárias. As cores primárias são cores puras, sem mistura. É através das cores
primárias que se formam todas as outras cores.

As cores primárias são VERMELHO-AZUL-AMARELO.

As secundárias, ao contrário, são as que resultam da mistura de duas cores primárias.

As cores terciárias são obtidas misturando uma cor primária e uma secundária.

As cores terciárias são:

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• Vermelho-alaranjado=combinação do vermelho+laranja.

• Amarelo-alaranjado=combinação do amarelo+laranja.

• Amarelo-esverdeado=combinação do amarelo+verde.

• Azul-esverdeado=combinação do verde+azul.

• Azul-arroxeado=combinação do azul+roxo.

• Vermelho-arroxeado=combinação do roxo+vermelho.

Cores Neutras

São as cores que combinam com qualquer cor. As cores neutras são o preto, o branco
e o cinza.

Cores Quentes e Cores Frias

As cores possuem seus valores de luminosidade.

Algumas são mais alegres, mais vivas, que classificamos de cores quentes.

As cores quentes nos lembram o fogo, o sol, e transmitem o arrojo, a aventura, o

estímulo, o calor.

Outras são mais escuras e tristes, que classificamos de cores frias, que classificamos
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de cores frias, e transmitem a calma, o repouso, o frio, a sombra.

As cores quentes são derivadas do vermelho e as frias derivam do azul.

A cor amarela é equilibrada. Os tons de roxo podem ser classificados como quentes ou
frios, pois apresentam tanto azul como o vermelho.

Harmonia das cores

Harmonia é a combinação entre duas ou mais cores.

São estas as principais maneiras de combinar cores:

Monocromia

É a harmonia conseguida quando utilizamos somente uma cor, com suas variações de
tons, obtidas com o auxílio da cor branca ou preta.

Isocromia

È a harmonia conseguida através de uma cor e seus matizes.

Por exemplo: amarelo-alaranjado, amarelo-esverdeado, amarelo-amarronzado.

Policromia

É a harmonia conseguida através de várias cores.

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3- MOVIMENTOS E ESTILOS ARTÍSTICOS

Os movimentos artísticos de maior destaque que ocorreram no século XX são:

expressionismo, fauvismo, cubismo, abstracionismo, dadaísmo, surrealismo, op art e
pop art, sendo o último a transição para a arte contemporânea.

Movimentos artísticos são correntes da arte em que um grupo de artistas compartilha

das mesmas ideias, tanto esteticamente quanto ideologicamente, e se unem com
objetivos comuns. De maneira geral, eles têm um tempo de duração, que pode variar
de meses a décadas.

1. Expressionismo
O expressionismo surge com esse nome na Alemanha entre 1905 e 1906, com Ernst
Ludwig Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1883-1970) e Karl Schimidt-Rottluff (1884-
1976). Eles criaram o grupo Die Brücke, que tem como tradução “A ponte”.

A ideia principal nessa vertente era ressaltar sentimentos conflitantes e difíceis

como a dor, angústia, violência e depressão, que rondavam o período. Para isso,
usavam cores intensas e formas humanas distorcidas, aproximando-se da caricatura,
mas nesse caso sem o teor humorístico.

O movimento foi ainda uma reação ao impressionismo, que buscava trabalhar a

luminosidade em cenas bucólicas, em que os personagens não exibiam grande carga
emocional.

Os artistas precursores do expressionismo são Vincent van Gogh (1853-1890) e

Edvard Munch (1863-1944), que no final do século XIX já trabalhavam o tema do
sofrimento humano em suas telas usando cores intensas e forte carga dramática.

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O grito (1893), de Munch

2. Fauvismo
O fauvismo foi um movimento que teve como características principais o uso de cores
puras, muitas vezes usadas da maneira como saíam dos tubos de tinta; além de
combinações espontâneas de cores, sem compromisso com a realidade.

Os fauvistas também retratavam as coisas e pessoas de maneira simples, reduzindo

formas e apenas insinuando figuras.

O nome dado ao grupo veio depois de uma mostra realizada no Salão de Outono, em
Paris, no começo do século, em 1905.

Os críticos de arte que foram a tal exposição se depararam com telas cheias de cores
intensas e que traziam certa ousadia. Assim, eles não compreenderam os propósitos
dos artistas e fizeram duras críticas, intitulando os jovens pintores de les fauves, que
em português é traduzido como “os feras” ou “os bárbaros”.

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A dança (1909), de
Matisse
O maior representante desse movimento foi Henri Matisse (1869-1954), mas houve
outros fauvistas como André Derain (1880-1954), Maurice Vlaminck (1876-1958) e
Othon Friesz (1879-1949).

Vale ressaltar que esses artistas muito contribuíram para o uso das cores puras e
formas simples no design.

3. Cubismo
O cubismo foi um movimento no qual o maior interesse era em retratar a realidade de
maneira fragmentada, ou seja, separando partes de uma imagem e compondo
novamente.

A intenção era apresentar uma cena exibindo todos os ângulos dela, como se a forma
estivesse “aberta” na superfície da tela.

Obviamente as imagens que resultavam não tinham nenhuma fidelidade com o mundo
real, e acabavam por apresentar muitas formas geométricas como cubos e cilindros,
daí o nome “cubismo”.

Os idealizadores de tal corrente foram Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque

(1882-1963), sendo Picasso o primeiro a criar uma composição cubista, o quadro Les
Demoiselles d’Avignon, em 1907.

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Les Demoiselles
d’Avignon (1907), de Picasso
Os dois desenvolveram o estilo em duas correntes, o cubismo analítico, que
trabalhavam com cores neutras e sombrias, a fim de destacar as formas
desconstruídas; e o cubismo sintético, quando se decide retornar à representação de
figuras mais facilmente reconhecíveis.

4. Abstracionismo ou arte abstrata

Na arte abstrata, ou abstracionismo, os artistas libertam-se do compromisso com o
figurativismo, ou seja, passam a criar imagens onde não há a representação de
qualquer figura reconhecível.

O primeiro pintor considerado abstrato foi Wassily Kandinsky (1866-1944), um russo

que era entusiasta da música e resolveu utilizá-la como inspiração de suas telas.

A finalidade dele era transmitir a “atmosfera musical”, levando o observador a entrar

em contato com formas, cores e linhas.

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Primeira aquarela abstrata,

de Wassily Kandinsky
Outros artistas de destaque do movimento são Vladimir Tatlin (1885-1956),
responsável pela vertente do construtivismo; Piet Mondrian (1872-1974) com seu
neoplasticismo e Kazimir Malevich, com o suprematismo.

5. Futurismo
O futurismo se iniciou por meio de um manifesto literário. Em 1909, o escritor italiano
Filippo Tommaso Marinetti elabora o Manifesto Futurista, no qual expõe as bases
ideológicas do movimento, pautadas sobretudo na revolução tecnológica,
na velocidade e dinamismo.

Foi uma vertente artística alinhada a ideias fascistas, que estavam em alta naquele
período na Itália. Tanto que alguns dos intelectuais futuristas entraram para o partido
fascista em dado momento, o que contribuiu para o declínio do movimento.

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O Dinamismo de um Automóvel (1913),

de Russolo
Em 1910 artistas das artes plásticas lançam um manifesto direcionado às artes, que foi
assinado por Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla e Gino
Severini.

As obras produzidas exibiam cenas que exaltavam as máquinas, velocidade e

movimento.

6. Dadaísmo
Já o dadaísmo foi um movimento que buscou subverter a lógica da arte como uma
maneira de evidenciar os tempos insanos que viviam.

O contexto era o da Primeira Guerra Mundial (1914-18) e alguns intelectuais se

refugiaram na Suíça.

Lá eles fundaram o movimento Dadá, nome escolhido pelo húngaro Tristan Tzara ao
abrir aleatoriamente um dicionário francês e escolher a palavra “dadá”, que significa
“cavalinho”.

Os dadaístas procuravam transmitir todo o caráter irracional e absurdo do momento,

para isso usaram como recurso o “automatismo psíquico”, uma maneira de criar
baseada na espontaneidade e acaso.

Outras características marcantes dadaístas são a ironia, a desordem e a crítica ao

sistema vigente.

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Roda de bicicleta (1913), de Duchamp

Citamos como artistas do movimento Hugo Ball (1886-1927), Hans Arp (1886-1966) e o
Marcel Duchamp (1887-1968), este último o de maior reconhecimento.

7. Surrealismo
Em 1924, como decorrência do dadaísmo, surge o movimento surrealista na França. A
ideia do grupo era transpor para as telas imagens do inconsciente, elaborando cenas
que ultrapassavam a realidade.

Os conceitos psicanalíticos de Sigmund Freud despontavam na época e foram de

grande inspiração para os surrealistas.

Eles queriam libertar-se do racionalismo e permitir o escoamento da imaginação, do

ilógico e dos simbolismos presentes no universo do sonhos.

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A persistência da
memória (1931), de Dali
Nomes importantes da vertente são: Salvador Dalí (1904-1989), o que teve maior
reconhecimento, Marc CHagall (1887-1985) e Joan Miró (1893-1983).

8. Op art
A op art é um movimento que ocorreu na década de 60. Seu nome vem do inglês
“optical art”, significando “arte óptica”.

As obras dessa vertente tinham como objetivo criar composições abstratas e

geométricas que, dependendo do ângulo em que são vistas, criam ilusões de
tremores e outras formas oscilantes.

A exposição mais importante desse movimento ocorreu em Nova York em 1965 e foi
intitulada como The Responsive Eye, traduzido como “O olho responsivo”, que sugere
que é o próprio olho do espectador que responde à obra, interpretando-a e enxergando
diferentes composições.

Os principais artistas da op art foram Victor Vasarely (1908-1997) e Alexander Calder

(1898-1976).

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Triond (1973), de
Victor Vasarely
9. Pop Art
Pop art é o nome dado a um movimento que ocorreu nos anos 60 nos EUA,
inicialmente. Mais tarde, estendeu-se a outros lugares.

A ideia da pop art era criar um tipo de arte que estivesse mais conectada com a vida
cotidiana e prática das pessoas. Para isso, foi usado como inspiração e base criativa
a cultura de massas, presente nas histórias em quadrinhos, publicidade, cinema e tv.

Havia uma intenção crítica na pop art, exibindo como a vida de todos estava imersa em
uma cultura industrial, que uniformiza as coisas e até mesmo pessoas, como
celebridades. Entretanto, o movimento acabou se alimentando da própria cultura que
buscava criticar.

As principais características dessa vertente foram a produção em série de imagens, o

uso da serigrafia, referência em estrelas do cinema e cores intensas.
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Vale ressaltar que esse movimento contribuiu para impulsionar uma nova fase no meio
artístico, a arte contemporânea.

Marilyn Monroe (1962), Andy Warhol.

Andy Warhol (1930-1987) foi o maior expoente da pop art, houve também Roy
Lichtenstein (1923-1997) e Richard Hamilton (1922-2011), que tiveram destaque.

Contexto dos movimentos da arte moderna

Esse tipo de mobilização artística foi a marca cultural da primeira metade do século
XX, quando o mundo passava por profundas transformações sociais e econômicas,
além de intensos conflitos como a primeira e segunda guerra.

Assim, os artistas, a princípio na Europa, se organizaram coletivamente a fim de refletir

sobre os acontecimentos, materializando suas ideias através da arte, no que ficou
conhecido como vanguardas europeias.

As primeiras vertentes da arte consideradas movimentos foram o impressionismo e

pós-impressionismo, ocorridas ainda no século XIX. Foram elas que deram as bases
para que, no século seguinte, despontassem os movimentos da arte moderna.

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REFERÊNCIAS

https://www.todamateria.com.br/tipos-de-arte/<acesso em 21/12/2022>

https://pointdaarte.webnode.com.br/news/os-elementos-da-linguagem-
visual1/<acesso em 21/12/2022>

https://www.todamateria.com.br/movimentos-artisticos-importantes-do-seculo-
xx/<acesso em 21/12/2022>

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