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Bruno Munari

"Não deve haver arte

separados da vida.
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A arte
como comércio gg
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Bruno Munari
arte como comércio
 Título original:Arte comer mestiere, quarta edição ampliada publicada por Gius. Laterza &
Figli, Bari/Roma, 1972.

Edição de Moisés Puente

Design de coleção e capa: Setanta versão em espanhol
de Juan Eduardo Cirlot e Moisés Puente

Qualquer forma de reprodução, distribuição, comunicação pública ou transformação desta obra

só pode ser realizada com a autorização de seus proprietários, salvo disposição legal em
contrário. Entre em contato com o CEDRO (Centro Espanhol de Direitos Reprográficos,
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A Editora não faz nenhuma declaração expressa ou implícita sobre a veracidade das
informações contidas neste livro, razão pela qual não pode assumir qualquer tipo de
responsabilidade em caso de erro ou omissão.

© Giuses. Laterza & Figli, Bari/Roma, 1966. Todos os direitos reservados. e para a
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edição em espanhol:
© da tradução da primeira edição: herdeiros de Juan Eduardo Cirlot ©
Editorial Gustavo Gili, SL, Barcelona, 2020

ISBN: 978-84-252-3239-8 (epub)

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Editorial Gustavo Gili, SL

Via Laietana 47, 2º, 08003 Barcelona, Espanha. Tel. (+34) 93 322 81 61
Valle de Bravo 21, 53050 Naucalpan, México. Tel. (+52) 55 55 60 60 11
 Índice

Apresentação
7 as máquinas inúteis

quinze Arte como profissão

18 Designers e estilistas
36 Design visual
62 Desenho gráfico
80 Desenho industrial
132 Projeto de pesquisa

Apêndice
186 As máquinas da minha infância (1924)
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 Um artista é alguém que, elaborando suas próprias impressões subjetivas, sabe como descobrir um
significado objetivo geral e expressá-lo de forma convincente.
Maxim Gorky
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 Apresentação

as máquinas inúteis
Muitos me conhecem como “o das máquinas inúteis” e ainda hoje me fazem
algumas perguntas sobre aqueles objetos que idealizei e construí por volta de
1933. Naquela época reinava o “noucento italiano”, com aqueles seus mestres
sérios, e as revistas de arte não falavam de outra coisa senão dessas
manifestações artísticas de granito. Com minhas máquinas inúteis, eu
preferia fazer as pessoas rirem, até porque esses objetos eram construídos
com contrapesos de papelão pintados com tintas planas e às vezes com uma
bola de vidro soprado; tudo isso unido por meio de um tronco muito frágil de
madeira e fios de seda. O conjunto tinha que ser bem leve para poder girar
com a corrente de ar e o fio de seda funcionou muito bem para desfazer a
torção.
Mas como riam meus amigos, mesmo os que mais estimava, pelo
esforço que dedicavam ao trabalho. Quase todos tinham uma máquina
minha inútil em casa, que guardavam, porém, no quarto das crianças, por
considerá-la trivial e ridícula, enquanto em outras partes da casa tinham
esculturas de Marino Marini ou pinturas de Carlo Carrà. Mário Sironi. É
verdade que, diante de um quadro de Sironi, onde se vê a garra do leão,
eu, com meu papelão e fios de seda, não poderia esperar ser levado a
sério.
Esses meus amigos descobriram mais tarde Alexander Calder, que
construía "móveis", mas feitos de ferro pintado de preto ou em cores vivas;
Calder rapidamente conquistou o ambiente e eu era considerado seu
imitador.
Qual é a diferença entre máquinas inúteis e os celulares de
Calder? Acho que vale a pena esclarecer este ponto: além do fato de
o material de construção ser diferente, as formas de construir o
objeto também diferiam. A única coisa em comum é que são objetos
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suspensos que giram. Mas os objetos suspensos são muitos e

sempre existiram, fora o fato de meu amigo Calder ter um precursor
em Man Ray, que, em 1920, construiu um objeto já baseado no
mesmo princípio.
Todos os elementos que compõem uma máquina inútil têm uma
relação harmoniosa entre si. Suponhamos, para começar, uma esfera
de vidro soprado à qual fixamos o disco A+ 1/3 R, que se obtém

7
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VIDRO
estourado
ESFERA DE

8
Madeira

REVERTER
 adicionando um terço do raio da esfera ao seu diâmetro, enquanto,
dentro do disco de papelão, também é indicada a medida da esfera. O
diâmetro deste disco determina as outras formas geométricas B e 2B
(uma é o dobro da outra). O verso dessas formas é pintado de forma
negativa em relação à outra face. As hastes que sustentam as formas
também estão relacionadas ao diâmetro da esfera: 3A, 5A, 6A. Tudo isso
suspenso como os elementos equilibrados de uma balança e sustentados
por fios de seda.
Já a natureza dos móbiles é outra: parecem nascer de uma inspiração
de natureza vegetal. Pode-se dizer que Calder é o primeiro escultor de
árvores; há escultores de figuras, de animais, mas de árvores,
entendidas no sentido de seres vivos que oscilam, de galhos e folhas em
medida progressiva, nunca houve. Pegue um galho com suas folhas e
observe um móbile de Calder; regem-se pelo mesmo princípio,
apresentam a mesma oscilação, o mesmo comportamento dinâmico.

Por outro lado, os elementos que compõem uma máquina inútil

rodam sobre si e entre si sem se tocarem, têm origem geométrica e
as duas faces têm elementos rotativos com variações cromáticas.
Muitas vezes, o público quer saber como nasceu esta ideia e aqui
está a resposta: em 1933 foram pintadas as primeiras pinturas
abstratas na Itália, que nada mais eram do que formas geométricas
ou espaços coloridos sem qualquer referência à chamada natureza
externa. Às vezes, essas pinturas abstratas eram naturezas mortas de
formas geométricas pintadas veristicamente. Dizia-se que Giorgio
Morandi pintava quadros abstratos usando copos e garrafas como
pretextos formais. Na verdade, o tema de uma pintura de Morandi
não são as garrafas, mas a pintura encerrada nesses espaços.
Portanto, uma garrafa ou um triângulo eram o mesmo,

Pessoalmente, eu era da opinião que, em vez de pintar quadrados ou

triângulos, ou outras formas geométricas dentro da atmosfera mesmo
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verística (pense em Wassily Kandinsky) de uma pintura, teria sido muito

interessante libertar as formas abstratas da qualidade estática isso faz
parte da pintura, da pintura, suspendendo-os no ar, ligados entre si para
que vivam conosco em nosso ambiente, tornando-os sensíveis à
verdadeira atmosfera da realidade. E fiz o seguinte: recortei essas formas,
desenhei-as com relações harmônicas entre si, calculei as distâncias e
pintei no verso (o lado que nunca se vê nas pinturas) de

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Máquinas inúteis, 1935-1954.

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onze
 maneiras diferentes para que, girando no ar, apresentem diferentes
combinações. Fiz bem leves e usei fio de seda para promover a
rotação máxima.
Não sei se Calder partiu do mesmo princípio, mas o fato é que assim
encontramos uma transição da arte figurativa de duas ou três
dimensões para a quarta dimensão: o tempo.

O nome "máquina inútil" está aberto a muitas interpretações. Na intenção do autor,

esses objetos deveriam ser considerados como máquinas por serem constituídos
de várias partes móveis, interligadas e também porque a famosa alavanca (que
nada mais é do que uma barra de ferro, madeira ou outro material) é uma
máquina, mesmo que seja primeiro grau. Inúteis porque não produzem, como o
resto das máquinas, bens de consumo material, não eliminam o trabalho nem
aumentam o capital. Por outro lado, havia quem sustentasse que eram muito úteis,
pois produziam bens de consumo espiritual (imagens, prazer estético, educação do
gosto, informação cinética, etc.). Outros confundiam essas máquinas inúteis
pertencentes ao mundo da estética com as bem-humoradas, projetadas no período
estudantil apenas para fazer os amigos rirem.A máquina de Munari(Einaudi, Turim,
1942). Eram projetos de estranhas construções feitas para abanar o rabo de
cachorros preguiçosos, para antecipar a madrugada, para fazer o soluço musical e
outras raridades, que inspiraram o famoso designer americano Rube Goldberg.
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As máquinas não existiriam sem nós, mas nossa existência não é mais possível sem
elas.
Pierre Ducasse

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 Outros tipos de "máquinas inúteis"
projetadas nesse período (1935-1954) e
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construídas com madeira balsa, papelão e

fio de seda. Alguns eram feitos de arame
flexível e ripas de madeira. Os elementos são
sempre amarrados com fios de seda. O
arame dava uma elasticidade particular às
varinhas de madeira. Máquina inútil produzida em
massa, alumínio, 1952.

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 arte como comércio

Atualmente é preciso desmantelar o mito do artista divo que produz

apenas obras-primas para os mais inteligentes. Lembremo-nos de que,
enquanto a arte estiver fora dos problemas da vida, interessará a poucos.
Neste momento, numa civilização que se torna uma cultura de massas, é
necessário que o artista desça do seu pedestal e se digne a desenhar um
letreiro de açougueiro (se souber fazê-lo). É necessário que o artista
abandone qualquer aspecto romântico e se torne um homem activo entre
os demais seres humanos, informado sobre as técnicas actuais e os seus
métodos de trabalho, e que, sem abandonar o seu inato sentido estético,
responda com humildade e competência às exigências que o vizinho pode
abordar.
Hoje, o designer restabelece o contato, há muito perdido, entre a arte
e o público, entre a arte —entendida no sentido de algo vivo— e o público
vibrante. Já não se trata da pintura para a sala, mas sim do
eletrodoméstico para a cozinha. Não deveria haver arte separada da vida:
coisas bonitas para se olhar e coisas feias para vestir. Se o que vestimos
no presente for feito com arte (não ao acaso ou por capricho), não
teremos nada a esconder.
Quem trabalha na área do design tem uma coisa a fazer: tirar
da mente do próximo todos os preconceitos e concepções
anteriores sobre arte e artistas, preconceitos de origem escolar
com os quais o indivíduo está condicionado a pensar de outra
forma. certa maneira ao longo de sua vida, sem levar em conta
que a vida muda, e hoje mais rápido do que antes. Por isso, é
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necessário realizar um trabalho de divulgação, a nível popular, dos

métodos de trabalho dos designers, dos métodos que
consideramos mais verdadeiros, mais actuais e mais adequados
para restabelecer uma atitude decidida perante os problemas
estéticos colectivos . Quem usa um objeto desenhado por um
verdadeiro designer percebe a presença de um artista que já
trabalhou para ele,

quinze
 Quando colocamos uma antiga vasilha etrusca – que consideramos
extremamente bela, bem proporcionada e construída com precisão e
economia – sobre um móvel de nossa casa, devemos lembrar também
que essa vasilha tinha um uso muito comum: provavelmente continha
óleo de cozinha. Naquela época, o pote de azeite era feito por um
desenhista da época. Então, arte e vida avançaram juntas; não havia
objetos de arte para olhar e objetos vulgares para vestir.
Por isso aceitei com muito gosto a proposta que a editora Laterza me
fez para publicar os artigos que escrevi para o jornalIl Giorno. Acrescentei
outros textos e muitas ilustrações que não foi possível publicar em um
jornal por questão de espaço.
Fico na expectativa de ver outros designers realizarem o seu
trabalho de divulgação, que, no dia-a-dia, na relação com os outros,
se confirma como o método mais adequado, para já, para
reconquistar a confiança das pessoas e ressignificar a forma atual de
vida.

O design nasceu em 1919, quando Walter Gropius fundou a Bauhaus em

Weimar. No programa da referida escola pode ler-se:

Sabemos que só podem ser ensinados métodos técnicos de realização artística, não a
arte. No passado, a função da arte recebia uma importância formal que a separava do
nosso quotidiano, enquanto, por outro lado, a arte está sempre presente quando um
povo vive de forma sincera e saudável.
Portanto, nosso desejo é inventar um novo sistema de educar que possa levar
- através de um novo ensino especializado de ciência e tecnologia - um conhecimento
completo das necessidades humanas e uma percepção universal delas.
Assim, nossa intenção é formar um novo tipo de artista criativo, capaz de entender qualquer
tipo de necessidade: não porque seja um prodígio, mas porque sabe abordar as necessidades
humanas de acordo com um método preciso. Queremos torná-lo consciente de seu poder
criativo, sem medo de novos fatos, em seu próprio trabalho independente de qualquer
fórmula.
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Desde então, assistimos a uma sucessão cada vez mais rápida de

estilos no mundo da arte: arte abstrata, dada, cubismo, surrealismo,
informalismo, nova arte abstrata, neo-surrealismo, neo-dada, pop art
e op art, etc. Um come o outro, e recomeça.
As palavras de Gropius ainda são verdadeiras; o programa dessa
primeira escola de design tendia a formar um novo tipo de artista: um

16
 artista útil à sociedade para que esta reencontre o seu equilíbrio,
para que não tenha de viver materialmente num mundo falso e
refugiar-se moralmente num mundo ideal.
Quando os objetos do cotidiano e o ambiente em que
vivemos são obras de arte, podemos dizer que alcançamos o
equilíbrio vital.
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18
 designers e estilistas

o que é um designer
É um designer dotado de sentido estético; o sucesso de uma certa produção
industrial depende em grande parte dela. Quase sempre a forma de um
objeto de uso: uma máquina de escrever, um binóculo, uma poltrona, um
ventilador, uma panela, uma geladeira, se bem estudados determinam
aumento nas vendas.
O nome "designer" vem dedesigner industrial, um anglicismo. Em
italiano fala-se dedesigner industrial, embora não seja o mesmo, pois
esta denominação é aplicada a quem projeta peças mecânicas ou
máquinas, estabelecimentos ou edifícios particulares. Se você tem
que projetar um motorzinho, por exemplo, não dá muita importância
à estética e aplica uma mera concepção pessoal de como deve ser
projetado um motor desse tipo. Certa vez perguntei a um engenheiro
que havia projetado uma motocicleta por que ele escolheu uma
determinada cor e ele respondeu que era a mais barata. Eledesigner
industrialPortanto, ele considera o lado estético do que ele tem que
projetar como algo inevitável, como algo que deve ser aceito para
terminar o objeto, o que é feito da maneira mais escrupulosa e, em
particular, evitará problemas estéticos ligados à cultura moderna , já
que ele não considera útil. Um engenheiro nunca deve ser pego
escrevendo poesia. O método de trabalho do designer é, pelo
contrário, diferente. O designer dá a devida importância a qualquer
componente do objeto que deve ser projetado, e sabe que a forma
final do objeto projetado também tem um valor psicológico
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determinante no momento de sua compra pelo usuário. Por isso,

procura dar ao objecto a forma mais coerente no que diz respeito às
suas funções, forma que nasce, diria eu, quase espontaneamente,
sugerida pela função,

Nos primórdios do racionalismo afirmava-se que um objeto era belo

porque era funcional e apenas a função era considerada estritamente.

19
 prática, citando, por exemplo, as formas de instrumentos de trabalho,
cirúrgicos, etc. Hoje a beleza não é mais levada em consideração, mas
sim a coerência formal e também o "decorativo" do objeto como
elemento psicológico. A beleza considerada em si pode definir o que
se chama de "estilo" e tornar novo qualquer objeto desse estilo; é por
isso que vimos o estilo aerodinâmico do passado não apenas em
aviões e automóveis, mas também em puxadores de móveis,
carrinhos de bebê, sofás e até (como vi em Bolonha) em um carro
funerário. , que é o máximo a que um estilo aerodinâmico pode
aspirar.
Não há aqui problemas de beleza entendida em sentido abstrato; isto é, aplicado à parte técnica, como uma carroçaria da moda ou uma

decoração escolhida com gosto por uma grande personalidade artística, mas uma coerência formal, algo semelhante ao que podemos ver na

natureza: uma folha tem uma forma particular por ser de uma determinada árvore e desenvolver uma determinada função; sua estrutura é

determinada pelos canais linfáticos e a costela que sustenta o plano parece ter sido estudada com base em cálculos matemáticos. No entanto,

existe uma grande variedade de folhas, e as mesmas folhas de uma árvore são ligeiramente diferentes umas das outras. Mas se víssemos uma

folha de figueira pendurada em um salgueiro-chorão, teríamos a sensação de que algo estava errado; não há coerência, uma folha de figueira não

pode crescer de um salgueiro. Uma folha é bela não por questões de estilo, já que é natural, mas porque sua forma exata nasce da função. O

designer procura construir o objeto com a mesma naturalidade com que as coisas são formadas na natureza; não introduz o seu gosto pessoal nos

seus projectos, mas procura ser objectivo, ajuda o objecto a formar-se com os seus próprios meios, se isso é possível, e graças a esta forma de

desenhar um leque tem a forma de um leque, como uma garrafa tem a forma exata de vidro soprado e como um gato tem sua pele de gato; cada

objeto toma sua forma, que não será, claro, definitiva, porque as técnicas mudam, novos materiais aparecem e, portanto, a cada inovação surge

novamente o problema de que o objeto pode mudar de forma. mas porque sua forma exata nasce da função. O designer procura construir o objeto

com a mesma naturalidade com que as coisas são formadas na natureza; não introduz o seu gosto pessoal nos seus projectos, mas procura ser

objectivo, ajuda o objecto a formar-se com os seus próprios meios, se isso é possível, e graças a esta forma de desenhar um leque tem a forma de

um leque, como uma garrafa tem a forma exata de vidro soprado e como um gato tem sua pele de gato; cada objeto toma sua forma, que não

será, claro, definitiva, porque as técnicas mudam, novos materiais aparecem e, portanto, a cada inovação surge novamente o problema de que o

objeto pode mudar de forma. mas porque sua forma exata nasce da função. O designer procura construir o objeto com a mesma naturalidade com

que as coisas são formadas na natureza; não introduz o seu gosto pessoal nos seus projectos, mas procura ser objectivo, ajuda o objecto a formar-

se com os seus próprios meios, se isso é possível, e graças a esta forma de desenhar um leque tem a forma de um leque, como uma garrafa tem a

forma exata de vidro soprado e como um gato tem sua pele de gato; cada objeto toma sua forma, que não será, claro, definitiva, porque as técnicas

mudam, novos materiais aparecem e, portanto, a cada inovação surge novamente o problema de que o objeto pode mudar de forma. O designer

procura construir o objeto com a mesma naturalidade com que as coisas são formadas na natureza; não introduz o seu gosto pessoal nos seus
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projectos, mas procura ser objectivo, ajuda o objecto a formar-se com os seus próprios meios, se isso é possível, e graças a esta forma de desenhar um leque tem a forma

Antes se raciocinava em arte pura e arte aplicada, por isso existiam

máquinas de costura feitas por engenheiros, com decoração pintada em ouro
e madrepérola por um decorador. Hoje esta distinção não se faz entre arte
pura e arte aplicada, entre arte grande e arte menor, pois a definição de arte,
que tanta confusão e confusão tem gerado nos últimos tempos, está
perdendo seu prestígio e a arte está voltando ao

vinte
 ser um ofício, uma simples profissão, como antigamente, quando
o artista era chamado pela sociedade para fazer comunicações
visuais (que então se chamavam "frescos") que informavam o
povo sobre certos fatos religiosos. Atualmente, o designer (neste
caso o designer gráfico) é solicitado pela sociedade a fazer uma
comunicação visual (agora chamada de “cartaz”) que informe ao
público que algo novo surgiu em determinado campo. Por que é
chamado o desenhista e não o pintor de cavalete para fazer um
cartaz? Porque o designer conhece os meios de impressão, as
técnicas adequadas, usa formas e cores com função psicológica e
não faz um esboço pictórico que o tipógrafo terá depois de
traduzir com os seus meios.
O designer é, então, o artista do nosso tempo. Não porque seja um génio,
mas porque com o seu método de trabalho restabelece o contacto entre a
arte e o público, porque enfrenta com humildade e competência qualquer
exigência que a sociedade em que vive lhe coloque, porque conhece o seu
ofício, as técnicas e o meio mais adequado para resolver qualquer problema
de projeto. Finalmente, porque responde às exigências humanas dos povos
do seu tempo, ajuda-os a resolver certos problemas independentemente de
quaisquer preconceitos estilísticos e de uma falsa dignidade artística que
deriva das divisões entre as artes.

A forma segue a função.

Jean Baptiste Lamarck

O designer trabalha em um amplo setor da atividade humana: design visual,

industrial, gráfico e de pesquisa.
Eledesign visualtrata de imagens que têm a função de fornecer
comunicação e informação visual: sinais, sinais, símbolos, o significado de
formas e cores e as relações entre eles.
Eledesenho industrialtrata de projetar os objetos de uso de acordo com as regras da
economia, o estudo de meios técnicos e materiais.
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Eledesenho gráficoopera no mundo da impressão, dos livros, das formas publicitárias, onde
quer que a palavra escrita tenha de aparecer, seja numa folha de papel ou numa garrafa.

EleProjeto de pesquisarealiza experimentos sobre estruturas, sejam elas plásticas ou

visuais, de duas ou mais dimensões, e testa as possibilidades combinatórias de diversos
materiais, procura esclarecer imagens e métodos no campo tecnológico e realiza
investigações imagéticas com o método cinematográfico.

vinte e um
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