Mixerrnan

Agradecimentos especiais

a: Jeff Mutschler David

Wozmak John Dooher Hal

Leonard

John Cerullo e toda a sua equipe Rusty

Cutchin Carolyn Keating Jeffery Lesser

David Collins Bridget Gardiner Peter

Bunetta Bob Olhsson Slipperman

Aardvark

Os Fóruns útero, e todos os meus amigos que administram o lugar comigo

Um agradecimento póstumo a Dave Hill of Sound Dimension Studios por tudo que ele me ensinou
Agradecimentos ...................... iii

Introdução .......................... 1

Pressão. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9

Compreensão. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12

Passos para a iluminação. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 14

de Mixerman 10 Passos para mistura melhor. . . . . . . . . . . 15

Comunicação e Compromisso. . . . . . . . . . . . 17

Advertências e definições. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20

Capítulo um

A mistura e o misturador ................... 23

A mistura de grandes. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23

Song, de Produção, e de Desempenho. ... ... .. ... 25 Cante alto!

. ... .. ... ... .. ... ... .. ... 31 potencial máximo .. ... .. ... .. ... ... .. ...

32 a produção ea Mixer .. ... . . ... ... . . 33 A confiança é uma

atitude também. . . . . . . ... . . . . . 38 Your Brain Musical. . . . . . .

. . . . . . . . . . . . . . 52

Terceiros misturadores. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 54

Capítulo dois

Arranjo e Focus .................. 57

Função. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 57
 Prosódia. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 60

A mistura é uma ilusão. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 62

Planos do espaço. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 65

Panning-esquerda para a direita. . . . . . . . . . . . . . . . . 65

Frequency-Up e Down. . . . . . . . . . . . . . . 68

Equalizadores (aka EQS). . . . . . . . . . . . . . . . . . 70

Baixo nível . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 72

Abaixe Midrange. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 73

Superior de médio porte. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 73

High End. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 74

Contraste-Sparse a densa e brilhante para escuro. . . . 76

Refletividade ou Reflexão-longe para perto. . . . . . . . . 79

Balance-frente para trás, grande a pequeno. . . . . . . . 85

Movimento para a frente . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 87

Relatividade. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 89

A visualização espacial. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 91

Capítulo três

A mecânica ........................ 93

Descoberta e Framing. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 94

Coerência de fase. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 97

Bateria . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 102

Bass. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 106

Monitorização dos níveis. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 111

 Trazer as peças! . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 114

Underdubbing. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 115

Peças. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 121

Guitarra elétrica . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 122

Violão . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 123

Piano e Teclados. . . . . . . . . . . . . . . . . . 125

Percussão. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 127

Experimentos ciêntificos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 128

Fazendo referência a outras misturas. . . . . . . . . . . . . . . . . . 130

Mixes áspero. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 131

Faça o Mix Cante, Pop, e Gel. . . . . . . . . . . . . . 132

Automation. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 136

O Vocal. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 137

Compressão. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 143

Encontrar compromisso. . . . . . . . . . . . . . . . . . 145

A recompensa .. ... ... .. ... ... .. ... .. ... 146 Refino e Enhancing.

. . . . . . . . . . . . . . . . . 149

Terminar seu Mix. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 150

Notas mistura. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 151

Imprimindo o Mix. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 154

Dizer adeus é difícil de fazer. . . . . . . . . . . . . . . 156

Capítulo quatro

Engrenagem . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 157
 Monitoring. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 161

Monitores. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 164

Variedades monitor. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 168

Soma. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 170

Testando seu Summing Box. . . . . . . . . . . . . . . 176

Consolas Sum, Too. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 179

Compressor estéreo. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 182

O DAW. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 186

O limitador Brickwall. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 188

Fita analógica. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 190

Reverbs e atrasos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 193

Capítulo Cinco

Lidar com clientes ..................... 197

Declínio Projects. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 198

Lidar com clientes problemáticos. . . . . . . . . . . . . . . 202

Estabelecer Trust. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 207

Escolher e escolher suas batalhas. . . . . . . . . . . . . 209

Comunicação. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 214

Notas mix (O reprise). . . . . . . . . . . . . . . . . . 219

Misture Notes pela Comissão. . . . . . . . . . . . . . . . . . 223

"Mais Me" Síndrome. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 227

Ego ............................ 228

Dinheiro. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 233
 É seu registro. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 234

Capítulo seis

Domínio . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 235

Como você sabe que é um bom trabalho? . . . . . . . . . . . . 245

Conservando sua influência. . . . . . . . . . . . . . . . . . 246

Colocando-se o Bom Combate. . . . . . . . . . . . . . . . . 248

Caules. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 250

Dominando seu próprio trabalho. . . . . . . . . . . . . . . . . 251

Capítulo Sete

Pensando fora da caixa ................. 253

Rodar fraqueza em força. . . . . . . . . . . . . . 255

Kismet! . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 256

Trabalho de fábrica . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 257

Art vs. Comércio. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 259

O preço de misturadores. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 261

Criando um Reel. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 264

Mistura pode levar tempo. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 265

Outsmarting da Band. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 266

Tiroteios. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 266

Intervalo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 269

Misture arquivos da sessão. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 271

Drogas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 272
Mistura fora da caixa. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 273

Invenção é a mãe da necessidade. . . . . . . . . . . . 276

Desenvolver habilidade, não tardes. . . . . . . . . . . . . . . . . 278

Conclusão. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 280
 Mistura, feito corretamente, e muito parecido com qualquer outra coisa vale a pena fazer, é uma arte.

Então você quer misturar. Deixe-me adivinhar, vocês já feito mais de um mix em sua vida, provavelmente vários, talvez uma centena, e cada vez

que você faz um novo mix você está certo de ter feito um grande trabalho, apenas para perceber mais tarde que o seu mix é terrível. Isso soa

vagamente familiar para mim.

A boa notícia é que você não está iludido. Você não está ouvindo suas mixagens horrível pensar: "Cara, eu deveria estar sendo
pago!" Isso é um bom primeiro passo.

Grandes misturadores são poucos e distantes entre si. Você pode apenas olhar para escala de pagamento do mixer sucesso a entender que o

fornecimento de grandes misturadores é consideravelmente menor do que a demanda. Concedido, as grandes gravadoras tomaram este ponto de

vista ao ponto de superstição quase irracional, mas não há dúvida de que uma mistura pode fazer ou quebrar o sucesso de uma produção, então

em algum nível você pode entender sua posição. O problema é que os rótulos tenham perdido de vista o que faz um mix grande e ter finalmente se

estabeleceu para nada mais do que a mediocridade homogeneizado, o que com o envio de suas produções ocorreram verdadeiros mixagem e

masterização fábricas. Não há arte em uma fábrica. Nem mesmo em uma fábrica de arte.

A importância da música em nossas vidas não pode ser exagerada. Nós conectar uns com os outros através da música. Se nós

estamos cantando "Auld Lang Syne", "Happy Birthday", um hino nacional, uma canção luta escola, ou mesmo "We Will Rock You", a música

nos une, jovens e velhos. Nós não precisamos de uma orquestra ou uma banda para cantar. Nós não precisamos de um acordo, e nós

certamente não precisa de um mix. Nós só precisamos de nós mesmos, e no espírito de sociabilidade, nossos amigos e conhecidos.

Nossa memória onde a música está em causa pode ser quase impecável. Podemos ter uma orquestra inteira em nossas cabeças jogando a

"Abertura 1812" em um flash. Nós podemos nos perder na música sem a presença de qualquer som para fora, embora se admita que mesmo os

mais reservados de nós provavelmente será soprando canhões de ar. Por alguma razão, a memória visual empalidece em comparação com a

memória auditiva. Claro, podemos recuperar uma imagem que estamos familiarizados, mas os detalhes são perdidos e estão longe de ser tão clara

como a nossa recordação de uma canção familiar.

Mesmo se você fosse a discordar desta avaliação, pelo menos podemos concordar que uma memória visual é muito menos transmissível

do que um auditivo. I pode rabiscar alguma semelhança de uma imagem, mas ele provavelmente não vai significar muito para qualquer outra

pessoa. Mas uma canção? A canção que eu posso cantar, e mais importante, eu posso levá-lo a cantar comigo.

Eu levei um dia de trabalho um verão entre os semestres da faculdade. Para a maior parte eu era um caixeiro de transporte, mas no final de

cada dia era o meu trabalho para aspirar o escritório de vendas. Isso foi no final dos anos 80, apenas alguns anos depois de The Breakfast Club

saiu. Há uma cena memorável em que o filme onde um dos

os adolescentes problemáticos começa a esmo assobiar o "Coronel Bogey March", uma canção universalmente familiar. Dentro de instantes toda a

gangue de adolescentes se junta.

Havia algo sobre a camaradagem de que a cena que eu adorava. Eu queria experimentar isso para mim. Então, um dia, como eu fiz o

meu caminho através do escritório com o meu vácuo, comecei a assobiar a música, e você sabe o quê? o escritório inteiro acompanhou. E

eles não apenas apito, eles se mudaram à medida que assobiou. Eles balançou, saltou, e acenou com entusiasmo. Todos os dias eu

assobiar, e todos os dias, todo o pessoal do escritório iria participar. Ninguém nunca falou sobre isso. Ninguém nunca reconheceu que além

de participar. Aqui estava eu, um estudante de 20 anos de idade, e eu poderia conseguir um escritório inteiro de 30 e poucos vendedores a

assobiar e mover seus corpos para uma canção simples a cada dia.

Pense sobre isso. Isso é poderoso. Claro, eu tinha um bom relacionamento com todos os vendedores no escritório, mas eu não era o seu líder

por qualquer trecho da imaginação. Eu era apenas o garoto apoio escritório que teria ido uma vez que o verão acabou, e todos sabiam disso. No

entanto, com algo tão simples como uma canção, eu poderia levá-los. No começo eu tenho certeza que ele era apenas divertido, mas depois de

alguns dias de que, estou certo de meu apito começou a representar o final de um longo dia de trabalho. Eles eram todos muito dispostos a

celebrar esse fato com qualquer um que soaria a chamada. Simplificando, a música é uma celebração.

Com demasiada frequência neste negócio de gravação e mixagem de música podemos perder de vista a própria música. Se
você vai na internet você pode encontrar milhares de debates comparando conversores, compressores, pré mic, DAWs, etc. Estes
argumentos sempre se referem especificamente a soar-em particular bom som contra o mal, mas o som é apenas um meio para
um fim. Eu estava assobiando por cima do barulho de um aspirador de pó e não uma pessoa que nunca me pediu para parar a
aspiração para que eles pudessem desfrutar do som do assobio. Claro, você nunca ouviu meu assobio. Mesmo assim, posso
garantir-vos que é a música que é importante, não o som. Nosso trabalho, se estamos a artista, produtor, gravado, ou mixer, é
entregar a música de uma forma que provoca uma reação emocional. Se isso é alegria, tristeza, amor, raiva, o nome dele,

Curiosamente, os argumentos na Internet são sempre sobre especificações e medições eletrônicas de

distorção, jitter, resposta de freqüência, blah, blah, blah. Claro, há geralmente alguns participantes que irão tubo
com o argumento de que se tem que medir como a engrenagem afeta emocional impacto-me incluídos, mas este
tipo de argumento fica sempre descartadas como vudu ou magia, como se fosse irrelevante alguma forma. O
problema é que não há realmente apenas uma maneira de medir pessoalmente impacto emocional, e isso é com
os ouvidos e cérebro. Além disso confundir a questão é como o impacto de uma música vai variar de pessoa
para pessoa. Como uma música afeta qualquer indivíduo está além do nosso controle. É como uma música afeta
a consciência humana global que oferece evidência prima facie quanto à sua eficácia global. Isto'

Certamente todos nós sabemos a abundância de grandes canções que não atingiram a consciência humana em geral, de modo que não

pode ser o bar para determinar a eficácia de uma canção. É, no entanto, oferecem-nos
algum contexto para o que vai para uma grande canção. Em algum momento, se você pode separar-se de seus próprios gostos e desgostos

pessoais, você pode começar a entender quando você está trabalhando em uma música que está a par com os grandes-manipula nossas

emoções.

Compositores usar todos os tipos de técnicas para nos manipular. Sabemos que os acordes maiores nos fazer sentir acordes felizes e

menores nos fazem sentir triste. Aprendemos que na escola. Sabemos que uma corda diminuída traz uma sensação de mistério. Uma quarta

suspensa nos deixa na expectativa até que o quarto é finalmente resolvido para o terceiro do acorde. Sabemos que terminando uma música

no quarto suspensa é propositadamente usado para roubar o ouvinte de um sentimento de conclusão. Entende-se que as notas mais altas

em relação à melodia geral aumentar a emoção da música-uma técnica frequentemente reservado para o coro. Certos tempos são melhores

do que outros para fazer-nos mover-se em determinadas maneiras.

Como combinamos assuntos freqüências também. Por exemplo, a diferença de frequência entre uma enorme baixo zumbido isolado

em conjunto com a alta frequência de um violino no seu registo superior fará com que o ouvinte se sentir desconfortável. Cada filme de

suspense usa essa técnica particular. Uma instrumentação que contém informações de frequência high-end pouco vai parecer escuro e nos

fazem sentir triste. Dissonância irá adicionar suspense.

O uso de dinâmica também provoca uma resposta emocional. Se essa dinâmica é alcançado através da aceleração e
desaceleração do ritmo (que foi todos, mas erradicada da música moderna) ou por meio de mudanças no volume, esta é uma
ferramenta altamente eficaz disponível para o compositor. Claro, frequência e dinâmica no volume também acontecerá a estar na
alçada do mixer. Nossas escolhas arranjo sozinho nos fornecer estas ferramentas específicas, e embora dinâmica tenha sido muito
reduzida na música moderna, podemos usar contraste para criar a ilusão de dinâmica. Não cometa erros; o misturador tem um papel
tangível na forma como uma música e sua produção afetam as pessoas.

Puxando impacto emocional fora de uma faixa é realizado através de técnicas concretas, para que você possa realmente aprender como

fazer isso. Uma vez que você começa a reconhecer tudo o que se passa em uma grande canção e arranjo, que por sua vez deve promover

uma atuação inspirada (bata na madeira), você vai começar a trabalhar em um nível diferente de todos os outros. Manipulando som que se

refere exclusivamente ao som é irrelevante para a música. É a sua capacidade de manipular impacto emocional que se refere ao som que

você vai fazer um grande artista, produtor, ou mixer.

Isso não significa que não há conseqüências reais para a engrenagem que nós escolhemos. Engrenagem certamente importa, e vamos

discutir exatamente o que importa engrenagem e por quê. Mas se você não desenvolveram seus ouvidos suficientes para identificar prontamente

as diferenças que você está ouvindo e como eles realmente afetam som, então o que isso realmente importa? Como você começa melhor a

mistura, como você se tornar mais aptos a audição e mais sensível ao impacto emocional, naturalmente você vai se tornar mais sensível ao que

você quer fora de seu equipamento. Você poderia ter o maior instalação de mistura, mais preciso do mundo, mas até que você tenha alguns anos

sob o seu cinto que você não vai ouvir até mesmo a metade das coisas que eu faço. A boa notícia é que a sua audição e mistura vai melhorar

simultaneamente com o seu equipamento. Mesmo a mistura mais modesta

configuração deve ser bom o suficiente para agora, e certamente não vai impedi-lo de este livro. Aposto que você está contente de ler isso!

Foi realmente diferente para mim. Eu comecei a misturar no extinto Dimension Sound Studios em Jamaica Plain, um subúrbio de
Boston. Este era o lugar onde George Thorogood havia gravado vários de seus álbuns início de best-sellers, incluindo o seu mais
conhecido single, "Bad to the Bone". I chegou à cena no final dos anos 80, e da percepção dos avanços tecnológicos tinha deixado
muitos estúdios na poeira. Na época, o estúdio estava pendurado na cara de vida, e como conseqüência eu tinha muito tempo para
praticar a gravação e mixagem. Embora Dimensão era uma facilidade de gravação 24track de nível profissional com abundância de
atributos positivos, também estava faltando em muitas maneiras. Em retrospectiva, no entanto, foi um grande ambiente de
aprendizagem.

Na época, eu sempre senti como se estivesse em uma ilha tentando aprender como misturar. Lembro-me realmente pensar isso.
Não havia "big time" engenheiros ou misturadores em Boston para aprender. George e Rounder Records havia muito tempo mudaram
e já não gravado lá. Não havia realmente uma comunidade de gravação que há aqui em LA, e eu não tinha acesso à Internet naquela
época, embora isso possa ser tão bem, dada a quantidade impressionante de desinformação pode-se encontrar online.

Eu nunca vou esquecer a esmagadora frustração de aprender a misturar em meu próprio. Eu tive alguma orientação, com certeza,
mas a única maneira que eu sempre parecia saber alguma coisa útil para se tornar um misturador melhor foi tentando e falhando em
meu próprio, uma e outra e outra vez. Lembro-me de dizer para mim mesmo: "Eu finalmente consegui-lo!" depois de quase todos os mix
entre 1987 e 1990. É claro, eu logo percebi que realmente não tem qualquer coisa do tipo. Na verdade, eu ainda sugado-só que não tão
mal como antes. Talvez tenha sido essa melhoria incremental que me impediu de dar up-que e uma crença quase compulsivo que não
deve haver nada na música que eu não podia fazer. Obrigado Buddha para o ego! Sem ele, quem sabe o que eu estaria escrevendo
sobre agora.

Seria difícil culpar minhas lutas mistura antecipadas em uma falta de aptidão musical. Não era como se eu vinha de uma longa

linhagem de roadies e eu só aconteceu para acordar um dia e decidir que era hora de parar de equipamentos móveis e começar faders em

movimento. Eu já era um músico que tinha sido envolvido em uma série de bandas de rock. Até o momento eu tinha 20 anos eu tinha

estudado piano clássico por 14 anos, tocava trompete por 12 anos em diversos ensembles vento escola e bandas de jazz, e ainda teve

vários anos de composições sob a minha cintura.

Você certamente não poderia dizer que eu não estava dedicado o suficiente para o ofício. Eu literalmente viveu no estúdio, em um apartamento

à direita acima. Durante o dia, eu estava aprendendo sobre a organização e songwriting na Berklee College of Music. À noite eu estava gravando e

misturando tudo que eu poderia chegar em minhas mãos. Eu traria em bandas de Berklee. Eu estava escrevendo e gravando com os amigos. Eu

vivia e respirava música. Mesmo com esse tipo de disciplina, ele ainda me levou bem mais de três anos antes de meus mixes realmente competiu

em algum nível com os "prós reais" da época. Uma vez que eles fizeram, eu me mudei para Los Angeles.
 Acho que eu poderia ter acabado de se mudar para Los Angeles no momento que eu percebi que pertencia no estúdio. Talvez se eu tivesse

orientado com um grande misturador LA no momento eu teria achatado a curva de aprendizado um pouco. Eu não posso dizer com certeza. Não que

isso importe; Eu não queria aprender como alguém fez coisas. Eu queria saber como eu fiz as coisas. Além disso, mentores só pode levá-lo até agora.

Desde que se mudou para Los Angeles, eu misturado centenas e centenas de canções, em praticamente todos os gêneros você
pode nomear: hip-hop, rock, funk, raízes, folk, country, rock indie, hard rock, azuis, pop, jazz , Latina, mesmo adulto contemporâneo. Eu
passei a maior parte da minha gravação de mistura carreira, e havia vários anos quando eu não fiz nada, mas mix, dia após dia.

Em toda a honestidade, eu nunca realmente a intenção de tornar-se um misturador de per se. Eu só queria ser um bom misturador porque pensei

que era importante para se tornar um grande produtor. Eu pensei que o produtor tinha que saber como fazer tudo. Eu não sabia que eu poderia

simplesmente pedir as pessoas ao redor e deixe aqueles que conheciam melhor me fazer parecer bom. Não que eu lamento o caminho que eu tomei.

A mistura era uma habilidade cobiçado em LA. Foi especializada, e se você fosse bom em mistura, você poderia trabalhar. E eu fiz o trabalho, quase

direito fora do portão. Na verdade, a habilidade que eu tinha involuntariamente desenvolvido no ambiente livre de pressão de Boston me permitiu fazer

uma transição-relâmpago de assistente de estúdio para misturador de boa-fé.

Não há nenhuma dúvida em minha mente que a mistura em uma base diária me fez tanto uma melhor gravação de e produtor.
Misturando projetos de sucesso não só iluminou a produção e gravação erros dos outros, ele me ensinou sobre o fim do jogo. Quer dizer,
o mix é o fim do jogo. É o culminar de todo o processo de gravação. Uma vez que eu era capaz de imaginar na minha mente exatamente
o que eu queria alcançar em uma gravação, tornou-se muito mais fácil de me estabeleci para o produto final, e desde o início do
processo. Isso é muitas vezes referido no negócio como tendo "visão". Mesmo se você não tem nenhuma intenção de nunca se tornar um
misturador, mais você entender o jogo final, o mais desenvolvido a sua visão, o melhor que você vai se tornar em fazer música.
Realmente não importa se você está fazendo sua própria música ou outras pessoas' s música; aprendendo sobre a mistura é uma
perseguição digna.

O que nos leva à pergunta óbvia: Quem é este livro para? Porque é que é para você, é claro. Ir para o caixa e
comprá-lo imediatamente!

Não comprá-lo? OK. Suponho que eu escrevi este livro para quem faz música em qualquer capacidade. Se você é um hobby
com o desejo de fazer música para viver um dia, ou um compositor que quer colocar demos juntos mais eficazes, ou um artista que
quer entender como melhorar suas produções, ou um produtor aspirantes que quer melhorar a sua visão, você deve desenvolver a
sua compreensão do que se passa em um jogo final bem sucedido. Eu posso ajudá-lo com isso. Embora, antes que você possa
adquirir uma visão clara do jogo final, temos que começar desde o início. Primeiro temos de abordar como você pensa sobre a
mistura.

O processo de mistura requer intenso foco e abertura. Se você não está na mentalidade direito de
mix, você está feito antes que você mesmo começou. End Game, jogo schmend! Se não corrigir como você
pensar sobre a mistura, não haverá um fim jogo só você e um estúdio vazio.

Pressão

Enquanto não há nenhuma dúvida de que o que você pensa enquanto mistura é crítico para tomar boas decisões, é o que você não pensar que

pode vir a determinar o seu sucesso em qualquer mistura. Como um grande misturador etiqueta profissional, antes mesmo de eu colocar uma

faixa, eu enfrento todos os tipos de pressões externas: alguns que eu possa estar ciente desde o início, alguns que eu poderia tornar-se

consciente de como eu continuar, e alguns que são directamente contraditórios um com o outro.

Há a pressão inerente a partir do rótulo de proporcionar-lhes um produto vendável, juntamente com a pressão do artista a lançar um álbum que

lhes dá esse respeito cobiçado. Há a pressão de cada um dos membros da banda para manter suas peças inúteis favoritos, ou de alguma forma fazer

suas peças mais alto do que todos else's-nunca mente a impossibilidade de fazer todos e cada membro da banda mais alto do que o outro. Não há a

pressão para executar uma mistura áspera que todo mundo adora, mesmo que eles não querem que a mistura final para ser qualquer coisa como isto

( "torná-lo apenas como o áspero, só é bom!"). Há a pressão de cada grande disco já feito, e as inevitáveis ​comparações a eles, apesar da notável

falta de relevância de tais comparações (Sinto muito, mas não, você não é os próximos Beatles). Lá' é a pressão para terminar o projeto em tempo

hábil, porque eu tenho outro projeto alinhados, ou porque eu tolamente concordou em cobrir eventuais dias de estúdio extras fora do meu fim. Existem

as pressões-os pessoais externos que provavelmente não tem absolutamente nada a ver com o projeto que estou trabalhando pressões on- que

servem como nada mais do que uma distração. Depois, há a maior pressão de todos eles: A pressão para ganhar a confiança de todos na sala de uma

pressão ignorado no perigo de ser despedido do emprego. m trabalhando pressões on- que servem de nada mais do que uma distracção. Depois, há a

maior pressão de todos eles: A pressão para ganhar a confiança de todos na sala de uma pressão ignorado no perigo de ser despedido do emprego.

m trabalhando pressões on- que servem de nada mais do que uma distracção. Depois, há a maior pressão de todos eles: A pressão para ganhar a

confiança de todos na sala de uma pressão ignorado no perigo de ser despedido do emprego.

Perdoe-me por aquilo que parece ser uma óbvia declaração de acompanhamento: Isso é muita pressão! E essas são apenas algumas das

pressões que se enfrenta como um mixer profissional a cada dia. Claro, subjacente pressão existe em todas as fases de um projecto de gravação

e em todos os níveis. É apenas que a finalidade da mistura serve para amplificar a carga. Seus clientes podem adiar decisões sem parar

enquanto eles estão gravando. Não uma vez que você está misturando. Todas essas decisões diferidos, que povoam a sua sessão como

pequenas bigornas esperando para esmagá-lo, agora cair sobre você como o mixer. E como se isso não é ruim o suficiente, cada escolha que

você faz tem de ser apoiada por uma explicação lógica; se não para seus clientes, em seguida, para si mesmo. Embora a descoberta de qualquer

solução dada mistura pode ser completamente aleatória, o mesmo não pode ser dito a respeito de suas decisões. Não pode haver decisões

arbitrárias em uma mistura.

Mesmo se você não é um mixer profissional, mesmo se você é um músico que tenta misturar o seu próprio trabalho, ou se você é proprietário de

um estúdio em um mercado menor, você tem seu próprio conjunto de pressões que você tem que lidar com enquanto você está misturando-as

pressões que vão afetar suas decisões, muitas vezes em detrimento da mistura. Independentemente do que essas pressões são, é importante

identificar e reconhecê-los, se por nenhuma outra razão do que para que você possa aprender a ignorá-los completamente.
 É isso mesmo, estou dizendo que, em geral, você precisa ignorar toda a pressão externa. Mas como? É aí que o Zen

vem em.

Zen afirma que a natureza universal da sabedoria inerente nada mais é que a natureza da própria mente. Em termos
simples, Deus vem de dentro, e a iluminação é alcançada através da meditação. Meditação é concentração, e a concentração é
a rejeição activa de todas as informações perturbador.

Quando eu penso de volta para meus melhores misturas, independentemente de seu sucesso comercial em todo e qualquer caso, só posso

descrever a experiência como aquele em que eu estava trabalhando de dentro, fora de quaisquer forças externas. Eu não estava pensando; Eu

estava fazendo. Eu não estava com medo do que qualquer um pensaria. Eu não estava com medo do fracasso. Todas as minhas decisões

foram tomadas com confiança, e uma vez que um julgamento foi feito, eu não me adivinhar. Eu permiti a música para me guiar, e eu com base

todas as minhas decisões mistura em nada mais do que um critério simples: são a música e produção fazendo o que eles deveriam estar

fazendo?

Se eu chutar o traseiro em um mix, ou para essa matéria, se você chutar o traseiro em um mix-duas coisas ocorreram. Fomos dado
material estelar para começar, e fomos capazes de operar "na zona". O material que você está dado antes de misturar é além de seu
controle. Operando "na zona" é nada mais do que uma interpretação moderna do Zen.

Assim como nos esportes, o conceito de trabalho na zona indica uma capacidade de remover todas as pressões externas de seus pensamentos.

Dito isto, ao contrário de esportes profissionais, não há verdadeira oposição, e os parâmetros dentro dos quais devemos trabalhar são fornecidos

exclusivamente por nossa própria equipe. Em outras palavras, é consideravelmente mais fácil para chegar na zona quando você não está lidando com

uma música ruim, um desempenho mole, uma produção amadora, ou qualquer combinação dos três.

Compreensão

Claro, ignorando pressões externas não significa ignorar seus clientes. Isso não só seria insensato, já que eles são os únicos a
pagar por seus serviços, mas também extremamente obtuso. Independentemente de quanto ou que tipo de comunicação que você
tem com seus clientes, eles vão mais seguramente divulgar suas intenções de você diretamente através da produção. É isso
mesmo: Todas as informações que você nunca vai precisar será contido de forma proeminente na própria pista. Francamente, o
momento em que você abrir uma trilha que deveria falar com você. Há uma história contida em cada pista, e como você se torna
mais aptos a mistura você vai se tornar igualmente hábeis em ler a história contida dentro.

Em termos mais simplistas, as faixas individuais deve imediatamente dizer-lhe o tipo de música que você está lidando. Se é uma música

de dança, a pista terá uma batida contagiante, o que certamente é um bom indicador da importância desse batida na canção. Como tal os

tambores provavelmente deve ser misturado de forma destacada. Quer dizer, se a primeira coisa que você puxar para cima é um tambor kik

jogar quatro no chão, acompanhados

pelo disco "Shoop" de um oi-hat, você realmente não deve precisar de seu cliente para lhe dizer explicitamente que você está misturando uma música

de dança, certo? Eles já lhe disse que na pista.

Se o seu cliente está à procura de um tratamento agressivo, você está muito bem ir para conhecê-lo com base em todos os acidentes

de prato e enormes, guitarras distorcidas. Isso vai ser simples, independentemente de seu cliente menciona diretamente suas intenções. Se

a faixa deriva seu ritmo geral das guitarras acústicas, e se os tambores são bastante simples em sua parte, os violões são mais

seguramente projetado para desempenhar um papel proeminente na mistura. Você não tem que ser uma pessoa excepcionalmente intuitiva

para extrair esse tipo de informação a partir de uma pista, mas você também deve aprender a ler nas entrelinhas.

Se você misturar por qualquer período de tempo em tudo, haverá ocasiões em que você vai puxar para cima as peças que não parecem

pertencer. Esses tipos de peças são geralmente um indicador de que algo deu errado durante o processo de gravação. Na maioria dos casos, ou

seus clientes ficou confuso em algum lugar ao longo do caminho, ou eles tiveram um desentendimento de algum tipo. Posso assegurar-lhe, qualquer

parte que você encontrar confuso, seus clientes provável encontrar igualmente confuso. Se não o fizessem, eles são os únicos que devem ser

capazes de explicar isso para você, de preferência na forma de uma mistura áspera. O cenário mais provável é que eles simplesmente não querem

ser os únicos a matar a idéia. Esse é o seu trabalho como o mixer, e eles estão confiando em você para ser o executor fiel. Fora com sua cabeça!

Se, por outro lado, você descobre kik e caixa samples de bateria que se alinham perfeitamente com a kik e caixa do kit gravada,
você pode supor com segurança que seu cliente sente que o timbre dessas batidas de tambor particulares é inconsistente e de tom
pobres . Ou seu cliente deseja um kik proeminente e laço no mix. Naturalmente, a sua solução dada a este problema subjacente
pode ou não pode ser o caminho certo. Você talvez capaz de usar compressão e EQ para lidar com os problemas de inconsistência
e tom de uma forma muito mais eficaz para a mistura. Realmente não importa se você concorda com o que seus clientes estão
dizendo. O que importa é que você ler e compreender o que você está essencialmente ser dito em qualquer pista.

Dito isto, se você quiser misturar de forma eficaz e de uma forma que não só agrada a seus clientes, mas traz a faixa que já foi
fornecido para o seu pleno potencial, então tem que haver alguma vontade inerente a trabalhar dentro dos limites de intenções do
artista . Pelo menos você precisa dar essas intenções sua devida consideração antes de decidir de outra forma. Nessas ocasiões,
quando você optar por romper com o que seu cliente está dizendo a você na pista, você deve ser capaz de explicar o seu processo
de tomada de decisão. Marque minhas palavras, se você não tomar as suas decisões de mistura de forma deliberada, você vai ser
pego de surpresa vir mix observa tempo. Isso não vai agradar seus clientes.

Passos à iluminação

Metade da arte da mistura está em como você lida com seus clientes. Na verdade, esse é um dos pilares do meu artigo, "de Mixerman 10 Passos

para uma melhor mistura", que eu escrevi em 1999, no mesmo ano comecei a publicar
como Mixerman. O artigo apareceu pela primeira vez no grupo de áudio profissional da Usenet, rec.audio.pro, e encontrou o seu caminho para quase

todos os fóruns de gravação desde aquela época. Eu realmente tinha pessoas imprimi-lo e enviá-lo para mim, que, quando você pensa sobre isso, é

muito engraçado, embora muito apreciado.

Eu escrevi este artigo em particular em resposta a um outro post que contém uma lista completamente diferente de 10 etapas. A lista original

foi nada mais do que uma abordagem clínica passo-a-passo livro de receitas para a mistura. Eu não posso pensar em nada mais inútil. Qualquer

um pode empurrar-se um fader, transformar uma panela pan, e impulsionar um EQ. Esta não foi informationleast útil de todos para pessoas que

querem aprender a realmente misturar. Aprender sobre a mistura não é como aprender sobre o fluxo de sinal. A mistura não é nem um processo

linear, nem um técnico. É um processo musical, e como tal, uma mistura é algo que se realiza-como um artista.

Francamente, fiquei indignado quando li este post especial sobre a mistura. Eu sei que parece bobagem, mas é usado para
conduzir-me louco para ler toda a desinformação terrível na Internet sobre a gravação. Como foi frequentemente o caso, talvez muitas
vezes naqueles primeiros anos, eu era obrigado a corrigir o registro. Eu mal podia digitar rápido o suficiente como eu vim com meus
próprios passos. Eles derramado de mim tão rápido que foi feito em menos de cinco minutos. Notavelmente, desde escrever esse artigo,
eu fui incapaz de melhorá-lo de qualquer maneira significativa.

Não ser jogado fora pela idade do artigo. Posso assegurar-vos que mistura filosofia está preocupado que não houve
grandes avanços tecnológicos nos últimos 30 anos, muito menos o último
10. Não faz diferença se você está misturando em um DAW ou usando uma máquina analógica através de um Neve 8068 consola-a arte da

mistura permanece a mesma.

10 etapas do Mixerrnan a melhor mistura

1 Mistura é uma atitude.

2 Se a música é uma porcaria, a mistura é irrelevante.

3 Trabalhar o quarto, manter as pessoas felizes e descontraído, é a metade da mistura com sucesso. 4 Colocar tudo proporcional em

uma mistura vai fazer para uma mistura de merda. 5 engrenagem usado em um mix são ferramentas que irão tornar a sua vida seja

mais fácil ou mais difícil; eles

não são o que faz um mix bom ou ruim. 6 A mistura pode

ser grande e não tem grande som.

7 Se a mistura não faz de alguma forma, e de alguma forma, irritar alguém na sala, o mix provável
não é feito.

8 A mistura não pode ser ensinado; ele só pode ser aprendido.

 9 A vibração global da pista é muito mais importante do que qualquer parte individual. 10 Só porque uma

parte foi gravada não significa que ele precisa ser na mistura. 11 Seja agressivo! (Opa, isso é 11!)

Eu sei o que você está pensando. Isso não é uma lista de passos em tudo! Isto é verdade, mas como já apontado para você, mistura não

é um processo linear, e como tal não há realmente quaisquer passos para realmente falar com vocês. Esse é um dos principais pontos do

artigo. Eu também estou bastante certo de que o número oito na lista chamou sua atenção. Eu sei que teria pego os meus eram I no mercado

para um livro sobre o tema da mistura.

A mistura não pode ser ensinado; ele só pode ser aprendido.

Não é que apenas grande? Um livro sobre a mistura em que o autor admite que não pode ensinar-lhe como misturar. Espero que você já

tenha comprado este livro, mas apenas no caso de você ainda está na livraria agora, não se preocupe. Lembre-se, eu vou ensiná-lo a pensar

sobre a mistura, não como misturar. A parte aprender a misturar está em você. Se você mudar a forma como você pensa sobre a mistura, você

estará bem no seu caminho para aprender a misturar.

Agora, eu estou apresentando estes passos para você aqui na Introdução, porque vamos discuti-los em detalhe durante todo o
curso deste livro. Eu não lhe oferecer estes passos como algum tipo de outline- É muito limitar a lista a ser isso. É só que tudo em uma
mistura é interdependente, e este livro é muito como misturar a esse respeito. Passei uma quantidade excessiva de tempo tentando
descobrir a melhor e mais lógico maneira de apresentar a arte de misturar a você, e eu determinei que não existe um, então eu acho que
você está em um passeio selvagem.

Comunicação e Compromisso

Vendo como metade da mistura com sucesso tem a ver com as habilidades das pessoas, eu vou dedicar um capítulo inteiro ao tema.
Mesmo que o seu trabalho é totalmente auto-suficiente, lidar com os outros na criação de arte é uma habilidade crítica para se
desenvolver. Além disso, as informações contidas aqui sobre cabeceira maneira pode ser tão útil para lidar com os clientes, para se tornar
um bom cliente si mesmo. Querendo ou não você pretende se tornar um mixer profissional, suas habilidades interpessoais são uma parte
vital de qualquer processo criativo. Realmente não importa o que seu papel é na criação de uma gravação; desacordos vai vir para cima,
os compromissos serão feitas, e as negociações seguirão. Inferno, quando eu estou misturando, eu gastar metade do meu tempo
negociando com a mim mesmo. Tal é esperado para uma actividade tão ligada à arte de compromisso.

Qualquer um que passou algum tempo tentando fazer um trabalho de tambor kik efetivamente com o
entende baixo de compromisso no que se refere à mistura. Ainda assim, a verdadeira arte da mistura não está em negociação com si mesmo (Eu

estou pensando que você está sempre indo para ganhar essa), mas sim em negociar com aqueles que contrataram você em primeiro lugar.

Eu realmente não posso enfatizar o quão comunicação crítica é em uma sessão de mistura. Como o mixer, você deve ser capaz de

explicar conceitos relativamente complexos em termos facilmente compreensíveis. Estes não podem ser sinuoso discursos que não têm

foco. Você precisa ser conciso e direto ao ponto. Seus argumentos devem ser demonstrável. Mesmo quando o produtor está na sala, você é

o líder do processo de mistura, e, como tal, você deve ser claro na forma como você se expressa. Por outro lado, você tem a

responsabilidade de orientar seus clientes em direção a bons próprios hábitos de comunicação.

Eu não posso te dizer quantas vezes me deparo com incapacidade debilitante de um cliente para afirmar com entusiasmo um
problema específico com o mixparticularly quando estamos na reta final do processo. Há um ponto na mistura onde a maioria das soluções
envolvem nada mais do que a metade de uma mudança dB no nível. Ainda assim, parece que há sempre o cliente quem prefere oferecer
soluções absurdamente complexas para problemas simples. É neste ponto em uma mistura que eu interromper inútil sinuoso com um
comando quase militante:

"Instrumento. Seção. Cima ou para baixo."

Enquanto isto pode parecer um pouco abrasivo na superfície, posso garantir-vos que serve a um propósito muito útil. Você realmente
não precisa ouvir razões do seu cliente porque ela pode querer "o piano, no terceiro refrão, mais alto." Para começar, você não pode
julgar os méritos de qualquer nota mistura particular até que você ouvi-la. As razões filosóficas detalhadas a respeito de porque o piano,
no terceiro refrão, deve ser mais alto é informação inútil até que você tenha determinado se você concorda com a nota. Se todos
concordam (e, em particular, se concordar), não há debate. Além disso, você poderia muito bem trazer o nível de aquele piano para cima
e ter o seu cliente instantaneamente declarar-se errado. Se você permitir que o seu cliente para discutir eternamente todas as suas razões
para uma nota mix simples antes de ser realmente implementadas e avaliadas por todos, seu cliente inadvertidamente se coloca na
posição de ter de defender sua nota independentemente dos resultados. Dirigindo seus clientes para uma comunicação clara, concisa,
você permitir-se a oportunidade de evitar um colapso total do mesmo.

Uma vez que você aprimorar a sua capacidade de comunicar de forma eficaz, você terá uma vantagem na
negociação através das diferentes necessidades do representante A & R, a banda, o artista, o gerente, o
produtor, a namorada do gerente, etc. Acredite, cada uma daquelas pessoas terão uma opinião e uma agenda,
os quais terão de ser tratadas de forma adequada. Mesmo que seja a sua própria música, e nenhuma dessas
pessoas estão envolvidas em seu projeto, ou mesmo se você é um jovem misturador em uma pequena cidade a
trabalhar com auto-financiado bandas locais, você vai ter que lidar com múltiplos, e muitas vezes indesejada,
opiniões. O feedback é geralmente uma boa coisa, mas quando o gerente'
 Uma grande parte de comunicação eficaz exige respeito. É sempre um pouco estranho quando uma namorada banda entra em sua face,

porque ela não entendo por que as suas opiniões são considerados mais importantes do que a dela. Acredite em mim, eu sei. Estado lá, feito

isso. Embora certamente não é necessário para obter o respeito da namorada, o mesmo não pode ser dito sobre os seus clientes. Se você não

tem sua confiança e respeito, você precisa ganhar de alguma forma, ou você vai encontrar-se incapaz de realizar o seu trabalho de forma

eficaz.

Fazer um registro sob a melhor das circunstâncias é um processo emocional. Metaforicamente falando, você está lidando com o bebê
de alguém. Isso é como a arte pessoal pode ser ao seu criador. Se você tratar essa arte com respeito, você terá um tempo muito mais fácil
adquirir respeitar a si mesmo. Claro, há uma maneira simples de ganhar o respeito de todos: Entregar uma grande mistura. Mas é aí que
reside o busílis.

Advertências e Definições

Qualquer coisa e tudo que tem a ver com mistura tem a ver com a perspectiva. Como o ouvinte ouve o equilíbrio vocal relativa dentro de
uma faixa é perspectiva. Como alto seu determinada faixa sons em comparação com o controle de outra pessoa no iTunes é a
perspectiva. Este vamos falar sobre, mas como fazemos, você também deve levar em conta minhas perspectivas como um profissional,
especialmente no tocante à sua própria.

Eu tenho sido um misturador freelance e produtor por quase 20 anos. A soma total de minhas experiências como um mixer
freelance não correspondem perfeitamente com alguém que possui um estúdio de gravação full-blown e deve lidar com as
realidades de uma sobrecarga mensal maciça, nem se correlacionam exatamente com o compositor profissional que olha para
melhorar o seu ou suas próprias misturas. Desde que eu deve assumir que a esmagadora maioria das pessoas lendo este livro não
estão, e nunca pode se tornar, mixers profissional, você certamente vai se deparar com algumas informações neste livro que não
tem relevância direta para a sua circunstância. Isso não significa que esta informação não tem relevância no futuro, e ele
certamente não significa que a informação contida nestas páginas não será útil no contexto mais amplo de criar música.

Se você entender o pensamento que vai para uma mistura bem sucedida, e se você entender o seu objetivo final com uma
música ou uma produção, que compreende como pode configurar-se para ter sucesso em fazer música, independentemente do seu
papel nesse processo. Seria impossível para mim para discutir mistura sem também discutir composição, arranjo, performance e
gravação. Tudo o que acontece antes de um mix afeta a própria mistura. Portanto, compreender o que se passa em mistura eficaz
servirá apenas para torná-lo melhor em tudo o que vem antes do próprio mix.

Apenas por isso não há mal-entendidos, este livro não foi escrito apenas para aqueles que desejam se tornar misturadores
profissionais autônomos. Posso assegurar-lhe, eu não me incomodaria escrever um livro para um público tão minúsculo. Zen ea arte de
misturar é para pessoas que querem entender o tipo de pensamento que vai para a mistura de alto nível. Se você está envolvido na música
de qualquer maneira, não há muito neste
reservar para ajudar a melhorar o seu ofício.

Por razões que em breve se tornará óbvio, vou gastar muito do nosso tempo juntos martelando sobre a importância do vocal.
Certamente haverá ocasiões em que não há vocal em uma mistura. Para maior facilidade de leitura e escrita, você pode considerar o
instrumento melodia para ser equivalente ao vocal. Para a maior parte, eles servem o mesmo papel.

Como você provavelmente já imaginou, passei a maior parte da minha carreira misturando em um console analógico. Enquanto eu estou

mistura mais confortável dessa forma, haverá muito mais de vocês que usar DAWs e plug-ins exclusivamente do que que trabalham em estúdios

totalmente analógico ou mesmo em situações híbridas. Vamos enfrentá-lo, se você sabe como usar um console, você sabe como usar uma

DAW. O mesmo não pode necessariamente ser dito para o reverso. Perante isto, tudo o que se traduz em qualquer meio geralmente será

discutido a partir da perspectiva do DAW.

Vou muitas vezes usam o termo "clientes" de uma forma bastante global. Refere-se basicamente a qualquer pessoa no processo que tem

poder de veto. Este pode ser o artista, o produtor, o A & R representante, a banda, o gerente, o investidor, etc. Se eles têm uma palavra a dizer no

produto, então você tem a responsabilidade de fazê-los felizes.

O termo "partes" refere-se a instrumentação. Há partes de bateria, partes de guitarra, partes de teclado, partes de percussão, etc.
Esta é apenas uma maneira fácil para mim descrever os instrumentos que estão contidos dentro de um arranjo.

Por último, e mais importante, os conceitos envolvidos na música e mistura podem ser extraordinariamente complexo. Qualquer regra geral eu

poderia fornecê-lo em relação à música ou a mistura provavelmente vai ter mais do que uma exceção. Este livro seria 10 vezes mais e impossível de

passar se eu passar por cada exceção para cada regra, não que eu poderia realmente pensar em todos eles. Por esta razão, a partir da visão de

longo prazo de sua carreira, em geral, você pode tratar qualquer regra que eu apresento a vocês como uma ferramenta. Use as ferramentas de onde

eles estão justificados, abandoná-los onde eles não são, e entender que quanto mais ferramentas que você usa e o melhor que você implementar

essas ferramentas, as mais eficazes suas mixagens será.

A mistura de grandes

Parece quase ridículo para definir uma mistura em um livro sobre a mistura. Será que você realmente ter chegado tão longe se você nem sequer

sabe o que é um mix foi? Mesmo assim, eu provavelmente seria nada menos do que negligente foram Ito renunciar tal definição. Além disso,

desta forma, eu posso defini-lo.

A mistura é a final 2-faixa (esquerda e direita) de uma apresentação de produção (que contém o desempenho de um arranjo
de uma canção).

Vamos expandir em que um pouco.

Uma vez que o processo de gravação está completa, a produção está pronto para a mistura. Nosso trabalho é levar as muitas partes

gravadas individuais, em qualquer lugar de dois a 100 ou mais, e combiná e encomendar essas peças para criar uma faixa estéreo jogável pelo

consumidor.

Dada essa definição ampla, é justo dizer que qualquer um pode fazer uma mistura. Mas poucos podem fazer uma grande mistura, que é

provavelmente a definição mais relevantes para os propósitos deste livro.

Uma grande mistura é um que traz a produção de uma grande canção ao seu potencial máximo, manipulando eficazmente
emoções e foco do ouvinte, forçando assim uma reacção física adequada e desejada, enquanto simultaneamente fazendo com que o
ouvinte a cantar.

Isso é um bocado, eu sei! Mas isso é o que está envolvido em uma grande mistura, e eu vou quebrar tudo para você. Primeiro, você vai

notar que eu escorregou na frase "grande canção" nessa definição. Há uma razão muito boa para isso.

Se a música é uma porcaria, a mistura é irrelevante.

Como já salientado, a subjetividade envolvida na avaliação de uma canção tem qualquer influência sobre a sua qualidade. Há bilhões de

pessoas nesta terra de diversas culturas que ouvem música de maneiras diferentes. Não há tal coisa como uma música que funciona para

todos. Na verdade, qualquer música que você e eu poderia concordar é grande (mesmo um sucesso internacional) provavelmente teria mais

detratores do que os fãs estavam nos para consultar cada pessoa no planeta.

Qualquer pessoa pode odiar qualquer música, mesmo aquele que é adorado por milhões de pessoas. Se alguém odeia uma música,

independentemente de quão popular que música pode ser, em seguida, a mistura não tem nenhuma relevância para eles. Eles odeiam
a música; o que diabos eles se preocupam com o mix? Na medida em que está em causa, tudo sobre ele é terrível. Portanto, é o ouvinte que

determina se o seu mix tem relevância, e, portanto, nós, como misturadores deve tentar difícil, independentemente da circunstância. Nosso

objetivo continua o mesmo: trazer uma produção de uma música para o seu pleno potencial. Se a música é considerada ótima ou não está

fora de nossas mãos.

Agora, se o ouvinte gosta da canção, em seguida, a mistura pode fazer uma enorme diferença em seu impacto está em causa.
Por exemplo, se você enterrar o vocal de tal forma que as letras são todos, mas inaudível ea melodia é dada nenhuma importância,
você arruinou qualquer possibilidade de puxar impacto emocional do ouvinte. Nesse ponto, ele realmente não importa quão grande a
canção é. A boa notícia (para o compositor de qualquer maneira) é que a sua má combinação com o vocal enterrado não torna a
música irrelevante. A canção pode ser gravado e mixado por alguém no futuro. Uma mistura só pode processar uma produção
particular de uma canção ineficaz.

Esta é uma distinção importante. Há provavelmente um milhar de diferentes produções de uma canção como "White Christmas". Será

que uma única má combinação ou produção de tornar essa canção irrelevante? Absolutamente não. A música continua a ser adorado por

milhões.

Se você, pessoalmente, não gosta de uma música, você está realmente indo para avaliar o mix? Este pode ser o caso de alguns

audiófilos, mas vamos lá! A maioria dos audiófilos perderam completamente a trama, e estou convencido de que nem sequer ouvir música-se

ouvir o som. Devemos rejeitar esta multidão particular, como nada mais do que uma anomalia. Para a maioria de nós, a única coisa que

importa é a música em si. Se que a música provoca uma resposta emocional, em seguida, vamos apreciá-lo; se isso não acontecer, não

vamos. O mix de produção e só pode melhorar a resposta emocional causado por uma canção. Estamos misturando música aqui; não estamos

misturando misturas. A mistura não existe mesmo sem uma canção, uma produção e uma performance.

Song, Produção e Desempenho

Ao contrário da arte visual, música decorre ao longo do tempo. Eu posso olhar para uma pintura, e apreciá-lo quase instantaneamente. Concedido, eu

poderia querer levar algum tempo para digerir todos os detalhes, mas toda a pintura apresenta-se no instante em que eu olhar para ele. Uma música

revela-se ao longo de vários minutos, e uma grande canção deve empurrar o ouvinte para a frente através do tempo. Considerando uma pintura

preenche o espaço, a música preenche o tempo.

Como já discutido, uma canção familiar permanece em sua mente. Se você deseja lembrar uma pintura que você ama, você pode fazê-lo,

mas o impacto que a pintura está perdido. Não é assim com uma canção. Você pode cantarolar uma canção familiar, e antes que você

perceba você vai ter uma orquestra inteira em sua cabeça. Tente. Pense na sua canção favorita, e jogá-lo em sua cabeça. Você

provavelmente pode recordar toda a produção. Agora pense na Mona Lisa. É longe de ser tão eficaz, não é? Claro, você pode imaginar a

Mona Lisa, mas você não pode obter o impacto que você faria se você foi para o Louvre. No entanto, a música que toca em sua cabeça pode

invocar uma resposta emocional em questão de momentos. Se você está imaginando uma produção familiar, você pode claramente "ouvir"

todas as partes. A música pode fazer você dançar, e torná-lo cantar. Você vai cantar
contracantos e partes de bateria, você vai conduzir se é clássico, você vai tocar guitarra de ar se é rock. Você pode envolver-se em tudo
o que você gosta sobre a música certa de sua cabeça.

Tão forte como o nosso sentido da visão é, e tanto quanto nós dependem de vista mais do que qualquer outro sentido, por qualquer razão

nosso cérebro tem uma memória muito mais aguçada para o que ouvimos do que o que nós vemos. Nossa memória auditiva é cristalina. Podemos

recordar várias partes simultâneas de um arranjo como se estivéssemos ouvindo-os ao invés de apenas imaginar eles.

Eu posso realmente cantar uma canção familiar e outros podem se juntar a mim. Eu não preciso de qualquer partituras, eu não preciso de uma

faixa, eu não preciso de uma produção, eu não preciso de uma mistura, eu nem sequer precisa de um piano ou guitarra. Eu só posso começar a cantar

a canção, e todos ao meu redor pode participar, desde que eles sabem a canção. Se cantar uma canção feliz, nós estamos provavelmente vai sentir a

felicidade. Nós vamos sentir uma emoção correspondente consistente de qualquer música eficaz, se é uma canção triste, uma canção de amor, ou até

mesmo uma canção irritada. Às vezes nos encontramos inspirou a cantar uma canção por causa da forma como nos sentimos no momento; às vezes

cantando essa música nos faz sentir de forma particular. De qualquer maneira, a canção evoca emoção.

Aumentando ainda mais o impacto da música é do jeito que está ligada à memória. A canção familiar pode trazer-nos de volta a um lugar e

tempo particular, mesmo que fosse décadas anteriores. Canções agir como marcadores em nossas vidas, o que complica (e talvez realça) as

emoções que sentimos quando ouvimos ou mesmo imaginar uma canção. Em essência, uma canção é interativo.

A música também tem um efeito físico sobre nós. Cientistas como Carol Krumhansl na Universidade de Cornell têm demonstrado cientificamente

que as canções provocam emoção, que se correlaciona diretamente à forma como nossos corpos reagem fisicamente. As músicas com um ritmo

alegre escrito em uma chave principal pode causar o nosso ritmo cardíaco e respiração para aumentar. canções tristes pode causar nosso pulso para

retardar e aumento da pressão arterial. Nós reagimos fisicamente a música, porque a música gera uma resposta emocional. Não é coincidência que

descrevemos uma música que tem tido algum sucesso como um que está atraído uma "reação". Esse é sempre o objetivo com uma canção-a levar as

pessoas a reagir.

Não confunda qualidade inerente de uma música e eficácia global com a subjetividade envolvida na forma como você vê-lo
pessoalmente. Se você não gosta de uma música, então ele ou não tocá-lo, ou ele te toca de uma maneira tão negativa que você
rejeitá-la. De qualquer maneira, a subjetividade está dentro de você como um indivíduo. A canção ainda seja eficaz ou ineficaz para
causar uma reação global além de seus próprios sentimentos pessoais sobre ele. Houve inúmeras canções proclamados "hits" baseado
na reação (e grandes esperanças) dos poucos, apenas para cair muito aquém dessa marca quando submetido ao escrutínio coletivo de
muitos. Mesmo se uma música eficaz irrita você, ainda está causando uma reação, e é, provavelmente, ainda causando a reação física
que foi projetado para provocar. Você apenas don' t acontecer com gosto de como essa música faz você se sentir. Isso só faz a música
ineficaz para você como um indivíduo.

Enquanto uma música eficaz pode permanecer desconhecida, uma canção ineficaz raramente romper a consciência
humana. Nós só podemos medir a eficácia de uma canção da reação global a ele,
e não há uma única pessoa que pode marcar uma posição como o árbitro de tudo grande e eficaz música, nem mesmo Clive Davis. Claro, ele pode

comercializar a merda fora de uma canção, e ele pode fazer com que as pessoas o suficiente ouvi-lo para causar uma faísca. Mas ele não pode

causar uma reação só porque ele coloca dinheiro marketing por trás de uma faixa. Ele pode, no entanto, dar uma grande canção ainda melhor chance

de alcançar a consciência humana global se ele corresponde a canção com a combinação certa de produtor e intérprete.

Há uma separação inerente entre uma música e sua produção. A melodia e letra (se houver uma letra) são a sua própria entidade,
completamente removido de qualquer tipo de produção ou misturar. Antes da tecnologia, uma canção pode ser transmitida através de
gerações, sem nunca ter uma produção ou um arranjo. Se todos os dispositivos de gravação e reprodução deixou de existir hoje, as
grandes canções do nosso tempo iria sobreviver puramente através de nossa capacidade de passá-los para baixo através de
desempenho. O que nos leva à definição de uma produção.

A produção é o desempenho de um arranjo de uma música. É o veículo um artista usa para entregar uma interpretação de uma
canção. A primeira gravação de uma música (além da demo) é a interpretação original. Se a música é grande, e ele consegue alcançar a
consciência mainstream, ele será interpretado por outros artistas muitas vezes no futuro. Cada nova gravação vai nos fornecer ainda uma
outra interpretação da canção, mas a música continua a mesma. À excepção de uma versão paródia (que é uma versão derivada), essa
música pode ser cantado ou cantarolava qualquer momento, por qualquer pessoa, com qualquer pessoa, para qualquer um.

A produção não dita a qualidade de uma música, apenas a sua interpretação. A uma música menos eficaz é a emoção inspirador, o mais

importante a produção torna-se, por padrão, embora a produção, não importa o quão bem executada, falha miseravelmente como um substituto

para uma grande canção. Às vezes, a melhor produção para uma canção não é nada mais do que um violão e um vocal. Francamente, uma

canção que não possa ser cantado de forma eficaz por uma pessoa com um instrumento não pode possivelmente ser considerado uma grande

canção.

É crucial que você reconhece uma canção como uma entidade separada da apresentação do mesmo. Independentemente de saber
se você é o produtor, artista ou mixer, você está tentando dar uma canção a apresentação mais eficaz possível. Se você aceitar que a
canção é de suprema importância, que a produção não é nada mais do que um veículo de entrega para a canção, e que os artistas
(particularmente o cantor) entregar essa música para nós, então você reconhece que a produção é subserviente ao canção. Uma vez
que você reconhece isso, você rapidamente percebe que seu trabalho como produtor ou misturador é simples: siga a música.

Só porque a produção é subordinado à canção em nada diminui a arte envolvida na própria produção. É que uma
canção é composta fora do pano inteiro, ea produção é projetado com base em como a música nos faz sentir. Sim, eu
percebo que existem apenas 12 notas, e que a maioria das canções modernas são um pouco derivado na natureza, mas o
meu ponto é que a música é a criação aqui. Feito corretamente, a produção fornece a base necessária para um cantor
para entregar um desempenho convincente. O desempenho fornece o poder da música. Portanto, a produção
deve ser subserviente ao desempenho. Se a produção fica no caminho do desempenho, o ouvinte não irá se conectar com o
cantor, o que significa que eles não vão se conectar com a música.

Isso não quer dizer que a produção não pode ser construída antes da música, ou para essa matéria, o desempenho. Muitas
canções foram escritas com base em torno de uma pista, e muitas performances tiveram faixas construídas em torno deles.
Mas no final, a eficácia da pista ainda dependerá da música em si. É a melodia que será cantarolava ea letra que será cantada,
não a pista.

Mesmo uma música instrumental, como de Jan Hammer "Miami Vice tema," tem uma melodia, e se você conhece a canção, a
melodia é provavelmente vai pela sua cabeça no momento. Claro, transmitindo essa canção para a pessoa ao seu lado requer que você
cantar a melodia. Quando a melodia pára, você provavelmente vai cantar as partes de resposta rítmicos, já que é a característica
marcante da produção que ocorre entre as linhas de sintetizadores melódicos. Enquanto as quebras rítmicas entre frases melódicas nos
empurrar para a frente através da música (que é extremamente importante do ponto de vista de produção), a melodia ainda é a música.

Tendo em conta que a produção é o desempenho de um acordo, ele teria que seguir um fraco desempenho contribui para uma fraca
produção. Como o mixer, você não tem nenhuma influência sobre a qualidade real do desempenho. Poderá, no entanto, têm uma
influência sobre a forma como esse desempenho afeta o ouvinte, particularmente quando o arranjo está em causa.

O que acontece no arranjo afeta diretamente a forma como o ouvinte se concentra em uma performance. Por exemplo, se a pista está

repleta de licks de guitarra e golpes chifre que ocorrem simultaneamente com o vocal, o ouvinte vai certamente ser distraído e incapaz de se

concentrar sobre o desempenho do cantor. O maior performance vocal de todos os tempos pode ser processado sem inspiração se perdeu em

meio às outras partes em um acordo. Se, por outro lado esses licks de guitarra e golpes chifre são colocadas entre as frases de um colocado

de forma proeminente vocais, não só o ouvinte concentrar intensamente no vocal, mas essas outras partes vão trabalhar para empurrar o

ouvinte para a frente através da música. Existem algumas exceções a isso. Nova música de estilo Orleans, muitas vezes, apresentam um

arranjo ocupado em que vários instrumentos são solando, ao mesmo tempo que o vocal. Esta música funciona porque ele é projetado para ser

uma celebração frenética. Eu posso prometer você, o vocal terá que ser extremamente alto para que todos possam ser capazes de distinguir

as palavras.

É evidente que não pode controlar o livre-arbítrio com a nossa mistura ou produção. O ouvinte pode se concentrar na oi-hat se concentrar

bastante difícil (e eles poderiam, se eles fumar um pouco de plantas daninhas de antemão). Nosso trabalho como misturadores é determinar e fornecer

uma intenção clara para o ouvinte.

Você não quer que o pensamento ouvinte; você quer que eles reagir. Você manipular como o ouvinte reage como você misturar a
produção. Escolhendo para fazer a agradável vocal e alto diz o ouvinte em termos inequívocos, que a sua intenção é para eles para
ouvir que vocal. Na maioria dos casos, o ouvinte terá prazer em seguir a sua intenção. Acredite em mim, o ouvinte não quero ter que
pensar ou concentrar. Eles só querem cantar.
Cante alto!

Se você pode fazer o ouvinte cantar, você tem-los direito onde quiser. Esse é o último sinal de diversão! É por isso que eu fiz isso parte
da definição de uma grande mistura. Uma coisa que notei depois de todos esses anos de mistura é se eu não consigo parar de cantar
uma canção, eu estou em alguma coisa com o meu mix.

Claramente, você não está indo para obter o ouvinte a cantar a canção pela primeira vez que ouvi-lo. Eles não sabem as palavras, e
eles não sabem onde a música está indo. É desdobramento para eles pela primeira vez. Se o ouvinte não gosta da canção, eles vão
pular para o próximo antes de chegar ao segundo verso (se não mais cedo). Se o ouvinte gosta da canção, ele recebe uma segunda e
terceira ouvir, e não vai demorar muito para que eles está tentando cantar junto. Levando as pessoas a cantar a canção é o objetivo final.
Isto é o que nós almejamos.

Agora, se você estiver indo para estar manipulando as emoções, é melhor você estar causando o ouvinte a fazer mais do que apenas

cantar. Não importa o que a música, uma boa produção é projetado para causar uma reação física, e como você misturar a produção terá um

papel neste. Não importa se você fazer com que o ouvinte para dançar, pular, saltar, bater a cabeça, bombear seu punho, toque em seu dedo

do pé, balançar, chorar, rir, correr, tocar guitarra de ar, cilindros de ar, ou mesmo obter ganso bumps- se você pode levá-los a fazer alguma

coisa, a produção ea mistura estão fazendo seu trabalho.

potencial máximo

Até agora, você já deve ter chegado à conclusão de horror que nós, como misturadores estão completamente à mercê do material
que está dado. Isso é fodido, eu sei. Podemos melhorar a produção e o acordo com as nossas decisões; podemos melhorar os
aspectos técnicos de uma performance, como o passo e tempo; podemos até melhorar o impacto emocional global de uma música
relativamente sem inspiração, mas a melhoria máxima possível só vai trazer a produção de uma música para o seu pleno
potencial, o que quer que acontece ser. Se o seu pleno potencial "não é muito", bem, lá vai você.

Estou ciente de que toda esta "pleno potencial" descrição poderia ser um pouco escorregadio para alguns de vocês lendo isso. Eu gostaria

de poder dar-lhe algo um pouco mais concreto. Quero dizer, realmente, como é qualquer um suposto saber se eles trouxeram a produção de

uma música para o seu pleno potencial? Não é como você começa a avaliar 20 diferentes combinações para determinar qual deles chegou a

esse ápice particular. Mesmo se você pudesse avaliar que muitas misturas, não seria muito antes de você foram completamente insensíveis a

elas, independentemente de como você tem muita experiência a este respeito. E enquanto combinando os melhores atributos de cada mistura

pode parecer uma ideia decente na teoria, na prática, isso não vai funcionar em um milhão de anos. Eu estive envolvido neste tipo de loucura

em mais de uma ocasião. Até o momento, ele ainda tem que sair bem.

Realmente só as pessoas envolvidas seria bastante familiarizado com a gravação de entender

se você trouxe um mix para o seu pleno potencial. Seus clientes são os árbitros do potencial máximo de uma música. Se você
explodir seus clientes acabar com a mistura, nunca haverá qualquer dúvida de que você realizou este objetivo.

A produção ea Mixer

Como o mixer, você não lidar com a música. Você lida com a produção da canção, que contém as performances. Quando
você é feito com a mistura e pronto para notas do cliente, o produtor eo artista está indo para avaliar o seu mix com base
em como ele faz sentir sobre a canção. Se é mais do que eles esperavam, as notas mix será nada mais do que pequenas
queixas. Se é menos do que eles esperam, em seguida, o produtor vai ter que explicar onde você errou o alvo, e então
você precisa para determinar se essa marca é ainda atingível.

Seus melhores misturas vão vir das melhores produções, e as melhores produções das melhores canções. Mesmo que seus clientes
tornam-se completamente perdido no processo, mesmo que eles não têm idéia do que eles têm mais e eles acreditam que a música vai
ser retirado do álbum (e isso acontece), se o que você precisa fazer essa trilha grande existe em sua sessão, então você deve ser capaz
de entregar uma grande mistura. A definição de "pleno potencial" não tem nada a ver com sentimentos quentes do seu cliente sobre a
sua gravação. Ou você está dado o que você precisa para fazer uma grande mistura ou você não é. Cabe a você como o misturador para
descobrir a melhor maneira, mais eficaz de apresentar uma produção e oferecê-lo na forma de uma mistura.

Dado que você lidar diretamente com o acordo como um mixer, e uma vez que o desempenho de um arranjo é uma produção,
que são por padrão envolvidos na produção. Como o mixer, nós somos basicamente uma extensão do produtor, e, como tal, há
certamente alguma indefinição das linhas entre papéis. Mas não se enganem sobre isso, em todos, mas o mais raro dos casos, o
produtor mantém poder de veto sobre o mixer. Então, não fique uma cabeça grande.

Há alguns misturadores que não têm problemas de edição e tambores-substituindo amostra ou até mesmo vocais de ajuste. Há momentos

em que este tipo de tratamento ultra-agressivo é um jogo necessário e justo. Basta compreender que quando você faz isso, você está indo bem

além de sua capacidade como o mixer. Uma vez que você começar a alterar as faixas, você está se dedicarem à produção. Se o trabalho de

produção é o que seu cliente quer de você, e se você estiver confortável fazendo esse tipo de trabalho para nada mais do que o crédito mix, seja

meu convidado. Mas isso é produzir primeiro, e depois a mistura. Você ainda está tentando trazer a produção para o seu pleno potencial; é só

que agora você está mudando a produção para atingir seus objetivos de mistura.

Não me interpretem mal aqui. Eu não estou de forma alguma argumentando que não há momentos em que você pode fazer algum trabalho de

produção como um mixer. Você pode entrar em uma mistura e encontrar uma armadilha bater fora do tempo, uma nota vocal fora de sintonia, uma

nota de baixo do bolso, ou qualquer número de problemas que faria bem com alguma forma de touch-up. Muitas vezes estes tipos de pequenos

detalhes são muito mais evidentes no contexto de um altamente

mix focado do que eles poderiam ter sido durante a fase de gravação. Portanto, é bem possível que seus clientes nunca percebeu um
problema particular. Não vá louco com isso, porém. Alguns problemas de afinação e tempo têm um encanto para eles. Você executa um
desserviço à música de erradicar todos os momentos humanos. Claro que, se um problema de desempenho parece puxá-lo para fora do
mix cada vez que ocorre, então você deve alterar a parte. Certamente não há charme em que está sendo retirado da mistura, e é bem
dentro de sua descrição do trabalho para corrigir esses tipos de problemas solavancos.

Ocasionalmente, você vai se deparar com um arranjo que é na necessidade desesperada de uma parte adicional. Isto poderia ser

qualquer coisa a partir de um bloco de synth no registo midrange inferior a um pandeiro no coro. Não é, por qualquer trecho da imaginação,

fora da linha para você como o misturador para sugerir diplomaticamente a adição de uma parte, especialmente se você não fazê-lo muitas

vezes. Por outro lado, se você está adicionando pessoalmente várias peças para a produção, você está totalmente fora da linha. Como o

misturador para aluguer, seria escandaloso para levá-la a si mesmo para começar a adicionar partes. Francamente, é arriscado até mesmo

oferecer para adicionar uma peça a alguém que não seja um cliente estabelecido. Se há um problema de arranjo que afeta diretamente a sua

capacidade de misturar, em seguida, dizer ao seu cliente, sugerir algumas soluções,

Enquanto a adição indiscriminada de reposição para um arranjo seria completamente fora dos limites para o misturador para aluguer, a

remoção de peças supérfluos é uma matéria completamente diferente. É completamente dentro da razão para você como o misturador para

manipular o arranjo com base no que você tenha sido fornecido pelo o que inclui silenciar partes. Arranjo afeta todos os aspectos de uma mistura,

e descartando peças é uma parte essencial de seu trabalho.

Quão longe você pode ir com as decisões de produção em um mix realmente depende de uma série de fatores, incluindo a
personalidade do produtor (se houver um produtor), seu relacionamento com os clientes, e seu próprio desejo pessoal para realmente
se envolver no aspectos de produção. A linha de inadequação não está claro na melhor das hipóteses, e enquanto você certamente vai
querer ter cuidado para não cruzar essa linha particular, não há absolutamente nada de errado com o pé direito até ele.

A mistura é uma atitude.

Se você andar em uma mistura tentando fazer todo mundo feliz, você vai fazer ninguém feliz. Não há nenhuma maneira de agradar a todos, não

importa o que você está fazendo. Então, por que tentar? Você é o mixer. Você é o único que está sendo contratado para o seu conhecimento. Se o

produtor poderia misturar a música, ele o faria. Se a etiqueta pode misturá-lo, eles iriam. Se o artista poderia misturar a música, ela iria. Eles não

podem! Eles contrataram você misturar o registro. Usar essa influência para a sua vantagem e tomar um pouco de pressão fora de si mesmo.

Contanto que você siga a música e a produção e tomar as melhores decisões possíveis com base no que você está dado, você está indo para

oferecer o melhor mix possível.

No momento em que você entra como o mixer, todos os outros no projeto está a ponderar as coisas que não têm nenhuma influência sobre o

produto final. Se você começar uma mistura comprometendo com todas as forças externas que
existe além da mistura, você nunca vai ser capaz de fazer os compromissos necessários dentro da própria mistura. Fazer a mistura em

primeiro lugar. Agradar a si mesmo primeiro, então lidar com compromissos para acomodar algum outro fator externo. Pelo menos, então você

tem um bom ponto de partida. É o que você ignorar que o faz perigoso como um mixer. É por isso que é tão importante para você ver a mistura

como uma atitude.

Vamos dizer que você chegar ao final da mistura, e você acha que está detonando, e seu cliente odeia a mistura. Você vai
bater-se sobre isso? Você vai ver a si mesmo como um fracasso, porque o cliente não gostar de uma mistura? Você vai deixá-los
fazer você acreditar que você não entregar a melhor combinação possível? A resposta a todas estas perguntas deve ser "claro que
não!" Além disso, o cliente pode estar errado, é por isso que você deve sempre imprimir sua mistura antes de começar a fazer
alterações radicais.

Mesmo se você estiver trabalhando em um DAW você deve imprimir a mistura antes de começar a reformar-lo para o cliente. Salvando o mix

não é suficiente. Você precisa de uma impressão estéreo para referência futura, e você quer certificar-se de seus clientes sabem que você está

reservando a sua versão do mix. Isso permite que você retire-o mais tarde, sem parecer dissimulado sobre isso.

Você não quer ser rude sobre isso. Não é isso que quero dizer com "atitude". Mas você não pode passar horas em uma mistura,
aprender todas as nuances da pista, avaliar como as partes afetá-lo, e aceito imediatamente que o seu mix de alguma forma é
totalmente errado para a música. A faixa conta a história. Se você é bom em ler a pista e você é bom em seguir a música, é
realmente difícil de perder completamente. Dito isto, seus clientes pode ser absolutamente certo. Você pode elaborar um novo mix, a
fim curto que faz todo mundo feliz, inclusive você mesmo.

A diferença entre um cliente odiando uma mistura e amoroso pode ser tão pouco como três pequenas mudanças pequenas. Inferno,

uma vez que eu tive um cliente me pedir para colocar um portão em seu vocal, apenas para proclamar o mix feito, uma vez que foi inserido

na cadeia (e sim, foi ignorada). Não me pergunte como se vai de odiar um mix de amá-la assim, mas hey, se os meus clientes querem

confundir o seu papel na mistura, enquanto eles não se dão metade de crédito no encarte, o que diabos me importa?

Claro, você e seus clientes poderia muito bem ser puxando seu cabelo para fora duas horas mais tarde, como você andar em círculos em um

mix que você já tenha pessoalmente passou oito horas andando em círculos diante. Nesses cenários, você vai sair parecendo um gênio quando

você puxa a solução definitiva para fora de sua parte traseira bolso que misturar impressa anteriormente (por favor, deixe-o ser grande, por favor,

deixe-o ser grande). Talvez verificá-la no primeiro privado.

Depois, há aqueles momentos em que o seu cliente está convencido de que eles já melhorou o mix que você tem certeza que eles

destruída. Isto é, quando você colocar o seu mix anteriormente em CD de referência do seu cliente, ao lado do novo mix. Desta forma, eles se

comparar a si mesmos se mistura, e em um ambiente confortável. Você é o mixer profissional, e não há absolutamente nada de errado com

provando para os seus clientes quando tal se justifique.

A confiança é uma atitude, Too

Misturar é um jogo de confiança. Se você está confiante, você vai misturar grande. Se você não for, você não vai. A confiança na mistura é crítica.

Quer dizer, se você não acreditar que você é a pessoa mais qualificada na sala de estar misturando, então por que os seus clientes? Claro, se

você estiver lendo este livro, eu tenho que assumir que você provavelmente está faltando confiança quando se trata de mistura. Então, vamos

colocar tudo isso em algum tipo de perspectiva. A boa notícia é que se você fizer uma má combinação, você não está indo para matar alguém.

Talvez isso é pouco consolo durante aqueles momentos em que você quer arrancar suas orelhas com um utensílio acentuada porque
o mix você estava certa era nada menos do que fantástico na semana passada suga claramente esta semana. Esta é a parte do processo.
Você pode jogar fora seus primeiros misturas. Eles não vão ser vale nada. Se suas mixagens "precoces" constituem o primeiro 10 ou o
primeiro 100 não pode ser prevista com precisão. Esperemos que este livro vai trazer o número dessas misturas embaraçosas para baixo
consideravelmente.

Não se deixe atolar por esta estatística deprimente. Só porque seus primeiros misturas chupar não significa que você deve desistir.
Não deixe que a sua confiança levar uma surra por causa disso. A mistura é difícil. Você vai melhorar. Cada mix será melhor do que o
último, e sua melhoria não terá nada a ver com engrenagem ou qualquer processo de cookie-cortador de você ler sobre na internet.

Independentemente do seu nível de habilidade atual, você precisa entrar em cada mix com a confiança que você vai matar o
mix ( "matar" uma mistura é uma coisa boa). Se você não acha que pode matar o mix, então você não terá nenhuma chance de
fazê-lo. Em algum momento você vai entregar um de alta qualidade, mix de nível profissional que faz tudo que deveria. Desde que
você não tem idéia de quando vai chegar a esse ponto, seria melhor assumir que esta realização gloriosa irá ocorrer no seu muito
próximo mix.

Eu tenho a gravação e mistura por pouco mais de 20 anos, e até hoje ainda fico me bombeada para cada mistura. Eu lhe
asseguro, eu não sou o tipo de pessoa que se senta na frente do espelho me dando afirmações como o personagem Stuart
Smalley de Saturday Night Live. Eu tremo só de pensar. Mesmo assim, eu realmente dizer a mim mesmo que eu vou
matá-mistura como eu dirijo ao estúdio todos os dias. Acredite ou não, essa rotina simples realmente faz uma diferença enorme
em entrar no direito mentalidade antes de eu entrar na sala.

Não confunda essa atitude para misturar com ter a atitude de uma picada. Seus clientes irão seguramente substituí-lo com um
misturador-como mais agradável me, por exemplo. Misturando a atitude não tem nada a ver com como você age como uma pessoa,
mas sim a sua mentalidade geral sobre a mistura. Sua atitude lhe permite aproximar-se decisões com confiança e bloquear as forças
externas de afetar de outra maneira boas decisões. Vou te dar um exemplo pessoal deste.

Em 1995, eu misturei segundo álbum de Ben Harper, Fight for Your Mind, que foi produzido por JP
Plunier. Se você não estiver familiarizado com Ben Harper, seu principal machado é um lap steel acústico chamado
Weisenborn, que foi fabricado no início do século 20. Ben é, sem dúvida, um dos melhores jogadores Weisenborn do mundo, e
através da aplicação de captadores de design personalizado, ele é capaz de usá-lo tanto como um instrumento acústico bonito
e um elétrico ferozmente agressivo. Isto deu-lhe um som um-de-akind. Combine isso com vocais inspiringly matérias e
emocionais no topo da boa composição, e você tem uma combinação que faria praticamente qualquer produtor ou mixer feliz.

Neste álbum particular, JP e Ben realmente me deu a escolha entre os vocais comped (performances vocais gravados como
overdubs e, em seguida, compilado em uma faixa) e os vocais de raspadinhas, que ele cortou ao vivo com a banda. Eu escolhi o
zero em cada canção. Deixe-me dizer-lhe, independentemente dos artefatos swirly e phasey de técnica mic agressiva de Ben em
estreita proximidade com seu microfone guitarra acústica, não era mesmo uma disputa acirrada. Os vocais de raspadinhas eram
muito cru, emocional, e envolvente a abandonar por considerações sónicas puros.

Até o momento eu tinha vindo para a música "By My Side", eu já tinha a confiança de Ben e JP, e eu podia ser tão agressivo
como eu queria. O arranjo em fita incluída baixo, bateria, percussão, Hammond B3, e Ben, que tocou guitarra acústica em este
arranjo particular. Toda a faixa foi construído em torno de Ben, como todos eles foram, mas este era diferente dos outros. Esta
produção não apresentam a guitarra de Ben. Na verdade, Ben não estava fazendo nada de nota sobre a acústica. Foi o
Hammond B3 que estava tocando a parte mais convincente no arranjo.

Agora, no contexto do álbum, o B3 foi uma textura única. No contexto da canção, que era o único instrumento, além do vocal,
fazendo nada de excepcionalmente interessante. Então eu misturei mais alto do que qualquer outra coisa na pista. Na verdade, eu
misturei super alto. Veja bem, eu não pensei sobre isso conscientemente. Eu não digo para mim mesmo, "além do vocal, que B3 deve
ser o instrumento mais alto na música." Eu só misturado-lo dessa maneira.

Eu nunca vou esquecer de jogar esse mix para Ben e JP Aqui eu pensei que arrebentou, e eu não acho que nenhum deles se moveu um

músculo como a música tocada para baixo. Isso sempre me faz maddeningly desconfortável, dada a minha definição de uma grande mistura.

Como se isso não fosse ruim o suficiente, quando a música terminou, eles permaneceu imóvel e não disse nada que seja, mesmo depois de um

minuto de silêncio. Bem, eu estava bastante certo de que odiava a mistura, e eles simplesmente não sabem por onde começar. Então, eu

quebrei o gelo.

"Tão ruim, hein?"

"Eu nunca imaginei que o órgão que alto," JP respondeu imediatamente, como se já estávamos no meio de uma conversa.

"Nem eu", Ben concordou.

 Por mais que eu realmente não dou a mínima para o que ninguém quer, enquanto eu estou misturando, estou mais do que disposto a aceitar

notas do cliente. Há geralmente um meio-termo que pode ser encontrado por qualquer diferença de opinião, e se eu discordo completamente, eu

tenho a oportunidade de fazer o meu caso. Além disso, pelo tempo que eu estou jogando um mix para o cliente, eu quero feedback.

"Eu posso trazer o órgão para baixo ..."

Ben e JP recuou com a sugestão, e tomou uma postura quase defensiva. Eles não queriam me para tocar o mix. Eles queriam que eu
jogá-lo para eles novamente, o que eu fiz. Depois da segunda reprodução, eles pediram para ouvi-lo novamente. Eu te juro, eu joguei essa
mistura para eles cinco vezes antes de JP finalmente ofereceu uma opinião.

"Eu acho que ele é perfeito."

Ben concordou.

Eu não posso te dizer quantas pessoas têm comentado sobre a ousadia do órgão em que a canção. Ben não é um jogador
de órgão. O B3 foi jogado por um sideman, e ter um órgão como o foco principal de uma canção pode-se argumentar como
sendo contraditório no contexto de seu álbum, mas então isso seria um exemplo de uma consideração externa, que não tem
nada a ver com a música e arranjo como eles foram dadas a mim. Este é exatamente por isso que não quer comprometer com
considerações externas antes de nós sequer começado a mistura. JP e Ben foram os produtores do álbum, e eles foram os que
fizeram esses cálculos. Eles foram os únicos que deixaram cargas de quarto para o jogador do órgão no arranjo, eo jogador B3
pegaram o que deu. Mesmo que Ben e JP nunca realmente considerado colocando o órgão que alto na mistura, faz todo o
sentido para eles quando foi entregue dessa forma. O B3 é sem dúvida o instrumento que torna este especial de produção
particular. Eles simplesmente não perceber até que eu misturei isso por eles.

Deixemos de lado os benefícios mistura de uma decisão equilíbrio negrito, a importância de que eu vou discutir com você mais
tarde. Tinha eu misturei essa música em particular com base nos preconceitos do artista e produtor, eu teria vindo acima do short,
onde pleno potencial do mix está em causa. Certamente é possível que teríamos em última análise, chegar a uma conclusão
semelhante teve I tentou equilibrar todos os instrumentos de uma forma mais convencional. Isso seria impossível dizer. O ponto é,
eu não fiz.

Se você restringir-se a um papel passivo nesse processo, você está mais seguramente vai perder grandes oportunidades.

Seja agressivo!

Estes dias não parece ser muito distinção entre "atitude" e "agressividade". Eles são muitas vezes usados ​como
sinônimos, mas eu poderia apontar que existem coisas como boas atitudes.
Enquanto agressividade é contraproducente em ocupações como a antropologia e uma cirurgia no cérebro, há muitos trabalhos
em que a agressividade é um requisito. Mistura é um deles.

Agressividade, onde a mistura está em causa, muitas vezes é equiparado com a forma como um processa a mistura, particularmente no

que diz respeito a compressão. Enquanto este é certamente parte da mistura de forma agressiva, não é realmente o ponto de definição.

Certamente, você precisa manter seu mix no controle. Compressores e limitadores são ótimas ferramentas para aproveitar o seu mix. Mas a

agressão onde a compressão está em causa tipicamente refere-se a artefatos causados ​por ambos overcompression e verdadeiro

compressão fita analógica. Estes artefactos incluem respiração pesada, transientes lopped, e frequências estridente. Este tipo de efeito pode

ser ouvido em muitas gravações Radiohead, e é um som muitas vezes usado como uma ferramenta de produção pela gravado por, produtor,

ou mixer. Overcompression não deve ser considerado uma forma padrão de usar um compressor, a menos que de alguma forma o seu

pessoal "som" e eu sempre aconselhar contra ter um "som". Para começar, ele faz você chato e unidimensional do ponto de vista criativo, e

isso só serve para torná-lo mais importante do que o artista.

Enquanto overcompression é realmente agressivo, você pode usar a compressão de forma agressiva sem artefatos óbvios. Francamente,

minha definição geral de agressividade tem muito mais a ver com velocidade e determinação do que qualquer outra coisa. Compressão e

limitação ter um papel na aceleração do processo de mistura, e como tal, eles são uma parte da mistura de forma agressiva, mas eles também

precisam ser usados ​de forma adequada para a música, produção e gênero.

A forma sonora real que você criar com seus compressores é muito menos importante do que como você furar a suas decisões a esse

respeito. O processo de mistura implica uma longa série de decisões interdependentes. Como é, a mistura é um exercício de perseguindo o

próprio rabo. Se você não pode tomar decisões e ficar com eles, você nunca vai terminar um mix. Uma vez que todas as suas opções de

mistura são baseadas nos anteriores, se você mudar de idéia sobre uma decisão rápida, o risco de desmantelar completamente o seu mix. Isto

é particularmente verdadeiro se você vai contra decisões que afetam a fundação global da pista.

Se você adivinhar suas primeiras decisões final na mistura, eu prometo que você vai encontrar-se quase começar de novo. Se,
por exemplo, você decide na marca de seis horas que você não gosta do relacionamento low-end entre o kik e baixo-um
relacionamento que afeta o próprio fundamento do seu mix-você poderia muito bem perder várias horas de trabalho . Embora seja
certamente importante trabalhar com rapidez e decisão, é igualmente importante para fazer boas escolhas-ones que estarão até ao
longo do processo de mistura.

Dito isto, muitas decisões no início de um mix são feitos com uma quantidade limitada de informações. A mistura está em um constante estado de

fluxo nos estágios iniciais, e até que você tenha todas as suas peças colocadas na mistura, as decisões não serão necessariamente permanente.

Então não há problema em debater internamente uma decisão, e é normal demorar vários caminhos infrutuosas em sua mistura, especialmente

quando você está trabalhando fora o melhor geral do curso. Mas uma vez que o curso é determinado, você precisa ficar com a sua decisão em todos,

mas o mais raro de circunstâncias.

 O início de uma mistura é front-carregado com decisões gerais, que funcionam como uma base para todas as muitas decisões orientadas

para o detalhe que você vai fazer ao longo da mistura. Se você adivinhar essas decisões gerais antecipadas, e você começa a mudá-los no final

do mix, você está rasgando essencialmente o seu mix para baixo para seu núcleo. Enquanto há ocasiões em que isso não pode ser ajudado, em

geral, você seria melhor para confiar em seus primeiros instintos. Há uma boa razão para confiar em si mesmo, onde primeiras decisões estão

preocupados-your fundação é colocada com a cabeça limpa, enquanto o seu desejo de mudar essa base é feita em uma névoa intelectual. A

terceira parte de trás de uma mistura não é um bom momento para ir contra os bons juízos do primeiro terço.

Misturando rápido é mistura agressivo, e é sempre uma boa maneira de garantir que você está misturando bem. Se você
não se misturam rapidamente o risco de perder de vista o quadro geral, e você poderia muito bem encontrar-se atolado em
detalhes e incapaz de funcionar adequadamente como um mixer. Eu não acho que eu vou sair em um membro, dizendo-lhe
que este não é um lugar desejável para ser durante a mistura. O ato agressivo de misturar rapidamente praticamente o
obriga a confiar em seus instintos. Se você pode confiar em seus instintos e, assim, confiar em suas decisões, você pode
evitar constantemente a adivinhar-se. Se você está constantemente tentando adivinhar suas decisões, você pode esquecer
de terminar a mistura, e você pode dar adeus sono uma boa noite de, desde que você estará se preocupar com sua mistura
durante toda a noite.

Claro, se você chegar a hora 10 em uma mistura, e você percebe que seu mix é completamente fodido, você realmente não tem opção a não

ser voltar e começar de novo. Você não será o primeiro misturador isso aconteceu, e você não será a última. O problema é que você poderia muito

bem estar errado. Você está em um nevoeiro! Resista à tentação de fazer grandes mudanças neste estado de espírito. Você está muito melhor fora

de deixar a mistura e voltar a ela mais tarde do que começar do caralho com a sua própria fundação. Se voltar não é uma opção, fazer uma longa

pausa, mas em mudança rápida tomada de decisões deve ser deixada como último recurso.

Antes do advento da DAWs, mudando sua mente sobre uma decisão rápida e crítica (o que inclui qualquer coisa que tenha a ver
com a extremidade inferior do seu mix) significava voltar e passar um segundo dia consecutivo na mistura. Em um DAW você não tem
que operar dentro desses tipos de restrições. Você pode voltar a um mix qualquer momento que você gosta, especialmente se você está
trabalhando em um álbum inteiro. Enquanto você ainda vai ter de passar um segundo dia no mix, não tem necessariamente de ser o dia
seguinte, e a passagem do tempo permite que você volte frescos dias mais tarde, se quiser. Claro que, se esta é a primeira mistura com
um novo cliente, você poderia muito bem ter um problema, como terminar um mix é como você ganhar sua confiança.

Se você está misturando em um console analógico, você praticamente precisa fazer uma pausa e seguir em frente. Ignorando uma mistura

em um console analógico não é uma forma particularmente eficiente para o trabalho. Tal decisão exigiria anotando a posição de cada botão no

console e equipamento externo. Mesmo se você tem recordação total disponível, vai demorar duas a três horas para trazer a mistura de volta ao

seu estado atual. Apenas a partir do ponto de vista da percepção, derrubando uma mistura analógica é uma derrota esmagadora. Na verdade, é

uma opção tão pobre, não me lembro de alguma vez ter escolhido.
 Na superfície pode parecer como a capacidade de colocar fora o seu mix DAW para outro dia é uma vantagem enorme. Na ocasião,
pode ser, mas no geral, é realmente uma desvantagem. Derrubar uma mistura é um ato agressivo e definitiva perdeu para o recall perfeito
de uma DAW. Uma mistura de uma consola analógica é desmontado, uma vez a mistura ter sido impressa. Voltando ao que mistura é
relativamente demorado, e não há verdadeira exatidão ao recall. Claro, você pode chegar perto o suficiente, mas recordando uma mistura,
a fim de trazer uma parte incidental de dois décimos de um dB não é uma opção, e, francamente, ele não deve ser. Não é assim em uma
DAW. A mistura em um DAW nunca é realmente feito, mesmo se você anunciar que é. Você pode voltar para o seu mix DAW uma e outra
vez até que você conseguiu sugar cada bit da vida dele. Acredite em mim, não só é que um efeito indesejável,

Desde o seu mix em um DAW é sempre preservada no computador, você está em todos os momentos apenas uma última
alteração de uma mistura completa. Embora isso possa soar como uma boa coisa para muitos de vocês, há um ponto onde você
pode realmente ir além do mix. Imprimindo o mix e seguir em frente sempre foi uma grande salvaguarda contra seu cliente
trazendo-lhe passado o mix. Certamente um arquivo bem-cronometrada economizar quantidades para uma salvaguarda
semelhante, mas você é muito melhor impedindo o cliente de passar a mistura em primeiro lugar. Você não quer arriscar
entrando no jogo comparação entre duas misturas relativamente semelhantes. Isso só vai confundir a merda de todos, inclusive
você. A tecnologia de memória perfeita de um DAW funciona inerentemente em direção permitindo que você e seus clientes para
evitar finalidade. Evitando finalidade é contrária à mistura agressiva.

Quando eu estou misturando em um console analógico, eu começo a ficar muito nervoso quando o cliente quer continuar a fazer pequenos

pequenas alterações em um mix que está fazendo tudo o que deveria partir de uma perspectiva do grande-retrato. A linha entre detalhes que

melhoram a mistura e detalhes que destroem uma mistura é navalha fina. Parte da agressividade de sua parte está protegendo essa linha.

Trabalhar duro e rápido para o fim da mistura, e quando você chegar lá, protegê-lo como se fosse seu filho.

Obviamente, uma mudança final de meio dB no agitador não vai colocá-lo sobre essa linha. É a composição não intencional destas

pequenas mudanças pequenas ao longo do tempo que é o perigo inerente, especialmente uma vez que você determinou que a mistura é

feito. É incumbente em cima de você como o misturador para evitar que seus clientes de ir além do mix. Desde que você sabe que haverá um

ponto em que você vai acabar com formas destrutivas do seu cliente, assim como você pode detê-los no momento em que você sabe o mix é

certo. Em outras palavras, não deixe que seus clientes foder uma boa mistura.

Há um outro problema inerente que resulta da mistura DAW que nunca realmente feito: o mix nunca envelhece. Notei no começo da minha

carreira que a reprodução de misturas soou completamente diferente do momento em que a mistura tinha sido demolida a partir do console. A

experiência de audição de uma mistura que ainda é alterável é consideravelmente diferente da de uma reprodução de 2 pistas de uma mistura

que não é. Eu não posso dizer com certeza porque este é, mas parece-me que, quando você não pode mais fazer alterações, o seu cérebro

não busca mais problemas. Passamos a maior parte de um mix para ouvir coisas que precisam ser corrigidos. Uma vez que somos forçados a

aceitar que as mudanças não podem ser feitas, nós começamos a ouvir o impacto global
da mistura.

A maioria de vocês que trabalham em um DAW nunca vai ter a oportunidade de ouvir esta diferença, pelo menos não até que o CD é

pressionado. Isso é muito ruim, porque ouvir uma mistura que não pode ser alterado é realmente a melhor maneira de saber com certeza que é

grande. É sempre melhor para determinar isso antes da primeira prensagem.

Ainda assim, temos de adaptar-se às vantagens e desvantagens de qualquer situação, e uma vez que a mistura nunca é feito, poderia
haver um argumento muito bom para trabalhar de uma forma que deixa o acabamento de misturas para o último dia. Pelo menos que
permitem que você trabalhe de forma agressiva em direção a conclusão das misturas.

só porque uma parte foi gravada não significa que ele precisa ser na mistura.

Eu me encontrei com um produtor, uma vez que me jogou seus mixes antes de contratar-me. Eu nunca vou esquecer a música que ele

me jogado com um arranjo de cordas, que foi completamente foda-se a música. Mesmo ele reconheceu um certo desgosto para as cordas,

e eu sugeri que nós silenciar deles vêm misturar tempo. Sua resposta? "Eu gastei $ 25.000 nessas cordas, e eu serei amaldiçoado se não

fazer a mistura."

Ao invés de enfrentar questões legítimas do artista, gerente, e etiqueta sobre o desperdício de US $ 25.000, este produtor
particular, tomou a decisão de manter as peças que não conseguiram melhorar a sua canção. Oh, eu não estou criticando sua
decisão. Ele foi preso. O que ele vai fazer-admitir que ele realmente não testar seu arranjo de cordas suficientemente antes de
cometer a uma seção de cordas de jogadores escala tripla? Infelizmente, as cordas, de fato, ficar, e a produção e mix foram
enfraquecidos ao ponto que a pista nunca iria recuperar esse US $ 25.000 em primeiro lugar.

Depois, há todo o problema "estrela convidada". Mais frequentemente do que não, um artista convidado de alguma notoriedade de
alguma forma consegue gravar faixas que são nada menos do que decepcionante e inútil. Persuadindo o artista a reconhecer o
fracasso da aparição não é a parte difícil. É convencê-los a silenciar o fracasso que prova desafiadora. Artistas são relutantes em cortar
performances de hóspedes por medo de insultá-los. Eu poderia apontar que os bons sentimentos de uma estrela de convidado não tem
nada ver com o que é melhor para uma música ou produção.

artistas convidados nos álbuns raramente são trazidos para servir a música, mas sim para servir como uma espécie de chamariz. Isso pode

parecer um pouco dura, mas a menos que o convidado está sendo trazido, porque eles são essenciais para a produção, é uma jogada de marketing, e

isso é um truque qualquer modo você o faria. Eu não estou dizendo considerações promocionais não são válidos. Eu quero uma canção para vender

tanto quanto o próximo cara, especialmente quando estou participação nos lucros no sucesso do que a produção. Mas a música é mais importante do

que a jogada de marketing. Infelizmente, no momento em que um truque dá errado, a disciplina necessária para abandoná-lo é muitas vezes

demasiado grande para superar.

Como o mixer, seu primeiro trabalho é a remoção implacável de tudo o que é ruim para a mistura e, consequentemente
para a canção. Se uma parte não ajuda a produção não é uma parte que você deve usar. Infelizmente, se o produtor insiste que você
mantenha uma parte do mix, independentemente da sua opinião, você não tem uma escolha. Em última análise, não é a sua decisão. O
artista, produtor e o rótulo todos têm o poder de veto. Realmente, todas as suas decisões arranjo agressivos poderia muito bem ser
colocado sob o microscópio e, eventualmente, vetou. Sua melhor defesa contra isso é uma grande mistura. Quanto melhor o mix, a menos
provável as partes descartadas vai ser desperdiçada.

Há ocasiões em que você pode realmente perguntar sobre o pensamento por trás de uma parte. Esta estratégia é
particularmente útil se os seus instintos lhe dizem haverá resistência à remoção da parte do arranjo. Entrevistar seu cliente é uma
boa maneira de determinar a posição exata de uma parte questionável, e muitas vezes você vai descobrir um ponto de discórdia
dentro da equipe criativa.

Peças que são tanto destaque e terríveis pode ser particularmente problemático para você como o mixer. Pelo menos, se
há alguma discordância interna entre os seus clientes, você pode colocar o polegar na escala. Mas se todo mundo que não
seja você parece estar na mesma página, então tudo que você pode fazer é afirmar a sua opinião, e espero que a semente da
dúvida vai tomar posse. Se você decidir oferecer a sua opinião, normalmente você vai querer fazê-lo diplomaticamente,
embora haja momentos em que vir a público e dizer "é terrível" é apenas o choque todo mundo precisa. Entenda existem riscos
inerentes ao proclamar seu desdém para uma parte que todo mundo adora. O veto de sua opinião fará com que o artista e
produtor a questionar se você gosta de sua própria mistura. Ninguém quer se sentir como se o misturador odeia a sua própria
mistura. Claro,

A fim de evitar problemas, particularmente antes de começar o primeiro mix, você deve levar algum tempo para explicar a seus clientes que

você provavelmente vai ser partes de silenciamento. Siga este com a certeza de que você pode facilmente colocar uma parte que falta de volta, se

acontecer de não concordar com suas decisões. Seus clientes raramente vai ter um problema com isso, e se eles fizerem isso, você acabou de

salvar a si mesmo uma situação embaraçosa. Claro, se você construir um mix kick-ass altamente focada, você provavelmente vai tornar muitas

dessas peças descartadas inúteis no contexto de seu mix. E por isso é um pouco de uma profecia auto-realizável, mas vamos manter esse nosso

segredinho.

Mesmo que o seu cliente insiste que você use tudo o que lhe foi dada no arranjo, ainda há silenciamento decisões que precisam ser feitas. É

bastante comum para obter dois microfones em um gabinete de guitarra. Estes são geralmente pretendido pelo gravado para ser usado em

conjunto, mas você está de modo algum obrigada a manter ambos os microfones na mistura, nem está em dívida com a mistura da gravação de

um desses dois microfones (você deve receber os arquivos de sessão reais com saldos ). Se a gravação de bussed os dois microfones juntos,

então ele amarrou suas mãos, e não há nada que possa fazer. Esse é o tom que você tem que trabalhar com. Se ele gravou ambos os microfones

em diferentes faixas, ele deixou a decisão para você como o mixer. Tomar a decisão.

Também não é incomum ter faixas entregues com guitarras de som, pianos, teclados, etc. Você não estão comprometidos com nenhum

tratamento gravação estéreo. Encher a mistura com partes estéreo só serve para criar uma confusão de instrumentos provenientes de nenhum

lugar em particular. pianos estéreo, por exemplo, muitas vezes

devorar espaço quando colocado estéreo em uma mistura. Agora, se o piano é o instrumento dominante na produção, com pouca
concorrência, que é um tratamento bem. Caso contrário, piano é muitas vezes melhor colocado dentro do campo estéreo como
uma fonte mono. Além disso, se você está fornecido com qualquer tipo de parte "estéreo falso", seja criado por uma fonte mono
que tem sido copiado e atrasado, ou por dois microfones de uma única fonte, você deve considerar o abandono do tratamento
estéreo. Este tipo de aparelho de som falso não quebrar corretamente para mono, e tanto quanto nós misturamos para estéreo,
você ainda precisa se preocupar com o que acontece com a sua mistura em mono. rádio FM, muitas vezes modula para mono, e
muitos falantes do computador nível consumidor são encadeados e não oferecem a amplitude do campo estéreo,

Alguns instrumentos têm uma característica de som definitivo para eles, e estas são muitas vezes deixados melhor em estéreo. A fiação de um

Leslie captada a partir de cada lado por exemplo, ou a vibração da panorâmica automática de uma mala de viagem Rhodes requerem colocação

estéreo para que o ouvinte de perceber adequadamente esses efeitos. Isso não significa que você tem que mantê-los em estéreo, mas eles estão

certamente projetado para ser stereo, e isso deve ser levado em consideração.

A vibração global da pista é muito mais importante do que qualquer parte individual.

A vibração global de uma pista é basicamente o retrato grande. Não há dúvida de que a sua atenção ao detalhe em uma mistura irá

separar uma boa mistura de um grande. Mas esses detalhes devem servir a grande imagem de como a música afeta o ouvinte. É muito fácil

perder de vista o todo, enquanto você está misturando. Como você faz o movimento ouvinte e cantar, e como você se concentrar a sua

atenção é baseado em como você usa o seu arranjo. Enquanto partes individuais têm alguma influência sobre a pista no geral, é como as

partes trabalhar em contexto com o outro que faz com que uma faixa eficaz.

Nós vamos entrar em grandes detalhes sobre isso mais tarde, mas tudo em uma mistura é relativa, não só do ponto de vista imediato de

que estamos ouvindo a qualquer momento, mas também a partir da perspectiva de como o mix se desenrola ao longo do tempo . Cada seção

configura a próxima seção na música, e você precisa avaliar como o arranjo transporta o ouvinte através do tempo. As partes individuais

quando combinados adequadamente fazer a mistura e que mistura deve ser ouvido como uma entidade única de 2 pistas.

Your Brain Musical

A mistura é metade analítica imagem, metade grande, e é, portanto, uma atividade que requer o uso de ambas as metades de seu
cérebro. O hemisfério direito do cérebro é responsável para ver o todo. É o hemisfério do grande-retrato, e é considerado o lado mais
criativo do seu cérebro. O hemisfério esquerdo é o lado analítico do seu cérebro, e é responsável pela minúcias. Embora esta seja
uma explicação excepcionalmente simplista do cérebro, aquele que iria horrorizar qualquer neurocientista decente, que deve ser
suficiente para os propósitos deste livro.
 Como o mixer, você deve ser capaz de se concentrar em detalhes para um grau excepcional, sem nunca perder de vista o quadro geral. A maioria

das pessoas tendem a usar um dos lados de seu cérebro mais do que o outro, embora haja, naturalmente, as pessoas de meia-cérebro. Eu sou um

deles, mas isso não é automaticamente uma vantagem. É ainda preciso vigilância para realmente mudar de detalhe para o pensamento do

grande-retrato.

Nós todos pensamos e usar nossos cérebros de forma diferente. Se você fazer um teste na Internet e descobrir que você está lado esquerdo do

cérebro dominante, isso não significa que você não pode se tornar um grande misturador. Isso significa que você vai ter que colocar algum esforço

consciente para ver o aspecto bigpicture de um mix. Por outro lado, se você inclinar-se para a atividade do cérebro direito, você provavelmente tendem

a ter menos paciência lidar com os detalhes, o que significa que você terá que colocar em algum esforço nesse sentido. Da minha experiência, os

músicos tendem a ser cérebros direita, e, como tal, eles também tendem a ser os melhores misturadores matérias.

Acho que qualquer pessoa que tenha adquirido algum mínimo de proficiência em um instrumento musical tem uma vantagem distinta em

misturar uma vez que eles tendem a pensar ao longo das linhas de arranjo. A parte do leão da mistura é baseada em decisões arranjo, e este fato

por si só dá a alguém familiarizado com a música e arranjo de uma vantagem. Além disso, dado que os músicos naturalmente magra para pensar

direito do cérebro, eles também tendem a ver a grande figura muito mais facilmente do que os pensadores lado esquerdo do cérebro. Este é um

bom augúrio para a criação de um mix que faz o que é suposto geral, mas não terminar o trabalho. Atenção aos detalhes em uma mistura é de igual

importância para a imagem grande, eles andam de mãos dadas.

Claro, dominância do lado esquerdo do cérebro é igualmente problemática. O trabalho de um gravado é uma actividade dominante

esquerda-cérebro-, especialmente quando há um produtor lá para lidar com os aspectos do grande-retrato das performances. Se você aplicar o tipo de

pensamento que vai para gravação a mistura, que está perdendo metade do pensamento que vai para uma grande mistura.

Enquanto eu posso lhe dar nenhuma evidência real de que um músico teria uma perna em um não-músico em tornar-se um misturador de

classe mundial, ele certamente não pode ferir a conhecer e entender a música. Francamente, se você quer aprender a misturar, eu acho que

você precisa para aprender sobre música, bem, e isso não deve ser uma notícia desanimadora. Tudo isso faz parte do processo de

aprendizagem, e se você é sério sobre a mistura (que você comprou este livro, então eu estou supondo que você é), então você provavelmente

deve pegar um instrumento também. Realmente não importa o instrumento, contanto que você começar a fazer e tocar música. Isto irá

fornecer-lhe uma sensibilidade que você não pode ter sem experiência musical. Mesmo uma compreensão rudimentar de música é melhor do

que nenhum. Portanto, tome algum lições, prática, aprender um pouco sobre teoria musical, e jam com um amigo em seu estúdio. Até que você

adicionar música ao seu arsenal, você sempre estará em desvantagem.

Misturadores de Terceiros

Em geral, é muito mais fácil de ser agressivo quando você está sendo contratado como um misturador de terceiros do que quando
você está envolvido com o projeto como um gravado. Longe de mim sugerir que a
gravado nunca deve misturar um projeto que está gravado, mas há certas vantagens em ser um misturador para aluguer. A especialização

oferece-lhe a percepção de autoridade, que pode ser importante quando se lida com grandes gravadoras. Mesmo como um misturador

experiente, era raro para mim para obter a mistura em projetos em que eu era a gravação de. A questão de percepção na arena importante

rótulo é muitas vezes demasiado grande para superar.

Muitos engenheiros tornaram-se apto para trabalhar todo o projeto. Há lojas que são casas de produção verdadeiros e
Abastecimento ambas as instalações e todo o escopo do pessoal necessário para produzir o projeto. Meu bom amigo Slipperman,
que co-organiza a Radio Show Mixerman comigo, é dono de uma dessas lojas. Ele supera problemas de percepção,
estabelecendo-se como o patriarca de um projeto desde o início. Se você possui uma loja, eu recomendaria esta metodologia.

Acho que o maior problema com a mistura que você gravou é como insanamente difícil pode ser para voltar a pensar
grande-retrato, particularmente quando você passou a melhor parte de um mês predominantemente usando seu cérebro esquerdo
para gravação. Não é tanto que é difícil ir e voltar entre os dois cérebros-fazemos isso o tempo todo, é que o seu trabalho durante
todo o processo de gravação foi quase puramente analítica na natureza. Feito para a direita, o produtor está acampando no lado
direito de seu cérebro, enquanto a gravação de é predominantemente usando sua esquerda. A gravação de passou a maior parte do
processo treinados para evitar a grande figura. Esse é o trabalho do produtor. Isso faz com que a transição de gravação para o
misturador um mente porra de proporções. A exceção a isso é quando você re produtor e gravado. Nesse caso você gastou seu
tempo no projeto avaliando a música tanto do rightand perspectiva de cérebro esquerdo.

Depois, há a questão da agressividade. Se você se tornar um misturador agressivo, é provável que você se tornar uma gravação de

agressivo, e isso pode causar problemas vêm misturar tempo. Uma gravação da agressiva irá imprimir as faixas exatamente como eles esperam

que eles sejam misturados. Isto significa que todo o processamento é realizado como se a faixa está efectivamente a ser misturado. Eu chamo

essa técnica "atar as mãos" do mixer, e se você é o mixer, você só amarrado suas próprias mãos. Eu não estou argumentando contra esta

metodologia; Eu sou todo para ele. Mas se você gravar dessa maneira, você não tem opção senão capitular às suas decisões de gravação vêm

misturar tempo. Você não será capaz de maltratar suas faixas novamente. Se você está acostumado a misturar de forma agressiva, você poderia

muito bem encontrar-se fora do seu elemento habitual. Isso pode ser superado, mas há'

Pessoalmente, eu não posso suportar a gravação de uma maneira não-agressiva. Como produtor, eu gosto de amarrar as minhas mãos, como eu

confio em meus primeiros instintos. Mas isso significa que eu tive que adaptar-se a mistura de forma menos agressiva em projetos que eu já gravadas

e produzidas. Ambas as metodologias são válidos, você só tem que escolher o que funciona melhor para você.

Quarenta anos atrás, era inédito para trazer um misturador de terceiros. Mas misturando naquela época era um evento da comunidade.

Todos tinham as mãos sobre os faders e mudos, todos foi uma parte do processo de tomada de decisão. Registros teve uma fase de

gravação muito mais curto, por isso, se perder no meio do mato

era uma preocupação menor. faixas limitadas tornou quase impossível para adiar decisões arranjo ou se engajar em superprodução. Tape era

consideravelmente mais tolerante, e os engenheiros tiveram que passar por um sistema de tutoria metódica. No momento em que você estava

realmente a gravação, você estava qualificado para gravar. Hoje, a única qualificação é que você possui algum equipamento.

Estou assumindo que você possui algum equipamento, então os padrões de hoje você está qualificado. Tenho certeza que você descobriu

até agora que aprender a usar o equipamento é a parte fácil. Ele está aprendendo a usar o equipamento para maximizar o impacto da música que

é o desafio. Não se preocupe! Nós já superei o primeiro grande obstáculo. Não só você agora entender o que uma grande mistura é, você tem o

necessário para a criação de uma grande mistura em primeiro lugar mentalidade. Good on ya!
Função

Colocar o vocal proeminente em uma mistura estabelece a sua importância. Este é o principal método de aproveitamento foco do
ouvinte. Enquanto o vocal carrega a melodia ea letra da mais alta importância, ainda é apenas uma parte da produção total. Há outras
partes em uma faixa, e não apenas fazer essas outras partes têm funções importantes, mas o nosso cérebro pode realmente
decodificar-los todos de uma vez. Há cinco funções básicas em qualquer acordo dado: melodia, harmonia, ritmo, resposta e
contracanto.

A melodia, que normalmente é transportado pelo vocal, tem a função mais importante do arranjo e música. Claramente,
queremos que o ouvinte a se concentrar principalmente sobre a melodia. A melhor maneira de alcançar este objetivo é colocar a
melodia bem no centro do campo estéreo e como a parte mais alta na mistura. Só não torná-lo tão alto que ele tira a capacidade do
ouvinte para decodificar as outras partes do acordo. Há uma pista depois de tudo.

Harmony é basicamente as mudanças de acordes. Quaisquer instrumentos ou combinação de peças que estão fornecendo a
harmonia estão dando apoio cordais (isto é, suporte harmónica) para a melodia. Quer que o apoio é fornecido por instrumentos polifónicos
como guitarra ou chaves, ou por um grupo de instrumentos monofônicos como em um conjunto de jazz, se o papel de uma parte é apoiar
a melodia com as mudanças de acordes, é parte da harmonia global.

O ritmo de uma pista é o que nos faz mover, ritmo particularmente interno. Enquanto os tambores e percussão muitas vezes fonte de
grande parte do ritmo em qualquer pista moderna, apenas sobre qualquer outro instrumento pode executar uma função rítmica no arranjo.
O baixo, por exemplo, muitas vezes oferece uma base profundamente rítmica em conjunto com os tambores.

Como você misturar as partes rítmicas dentro da faixa depende de como eles são importantes para a produção global. No
pop moderno e balançar o ritmo tende a desempenhar um importante papel, particularmente o contratempo (os dois e os quatro).
No hip-hop o ritmo é ainda mais importante, particularmente o downbeat (um e três). Em qualquer dado arranjo, há também os
ritmos internos. Dentro de um padrão de bateria do ritmo interno é normalmente fornecido pelo oi-chapéu e passeio, mas ritmo
interno pode vir de outros lugares também. Percussão, guitarra e teclados, por exemplo, podem fornecer ritmo interno em uma
faixa.

Resposta refere-se a "chamada e resposta", que é encontrada em todo música ocidental. Tradicionalmente, a chamada
prazo e resposta refere-se às situações em que o cantor oferece a chamada e o coro a resposta. The Who "My Generation" é
um grande exemplo desta técnica. Roger Daltrey soa o
chamar: "As pessoas tentam me colocar para baixo", e a banda canta a resposta: "Falando sobre minha geração"

Resposta também pode ser instrumental na natureza. Se licks de guitarra ocorrer entre frases vocais, as partes agir como uma resposta

para o vocal. Este tipo de resposta musical é projetado para agarrar momentaneamente o foco do ouvinte e passá-lo de volta para o vocal, e

embora possa haver alguma sobreposição menor, na sua maior parte uma parte resposta raramente pisa no vocal. Quando isso acontece, não

é uma má idéia para montar o nível de resposta para baixo no ponto de sobreposição.

O contra-melodia é uma melodia separado que desempenha em conjunto com o vocal (ou melodia primária). É comumente
subordinado à melodia, e muitas vezes opera dentro contrastando fraseado rítmico e melódico movimento (indo para baixo, enquanto a
melodia principal vai para cima). Coloque em termos mais simplistas, quando a melodia se move, o contador normalmente tem, e
quando a melodia mantém o contador geralmente se move. Se o contracanto não tecer o seu caminho ao redor do vocal, então há um
risco inerente de que o contracanto irá competir por atenção do ouvinte. Quando você se deparar com este problema há realmente
apenas três opções-cortar o contracanto, trazem o contracanto para baixo, ou trazer para cima vocal. Francamente, a última opção é o
pior dos três. Se você é forçado a colocar o vocal muito proeminente em sua mistura por causa de uma parte concorrente, corre o risco
de enfraquecer a faixa significativamente. O mais eficaz um contracanto é, quanto mais alto você vai ser capaz de colocá-lo em uma
mistura sem puxar o foco do ouvinte do vocal.

Qualquer parte dada pode desempenhar mais de uma função em um arranjo. Uma guitarra jogando um contracanto ou harmonia poderia

também oferecer suporte rítmico, dependendo da peça. Mesmo uma batida tom pode funcionar tanto como ritmo e contracanto. A canção

Genesis "Mama" é um bom exemplo de uma batida tom desempenhando um papel countermelodic em conjunto com a sua função rítmica

dentro da pista.

Se você exibir uma mistura a partir da perspectiva dessas cinco funções, você simplificar a mistura consideravelmente. Um kit de tambor e

de percussão pode facilmente ocupar 20 faixas em uma mistura bastante grande, mas todos eles têm uma função rítmica no arranjo. Você

pode quebrar essas 20 faixas para baixo a um par estéreo. Muitos misturadores naturalmente criar subgrupos estéreo, a fim de manipulá-los

como um todo, inclusive eu.

Arranjo não é apenas sobre quais partes vêm em whenarrangement é também sobre o quão alto uma parte está dentro do contexto
de uma pista. Os saldos relativos das partes terá um efeito profundo sobre a forma como o ouvinte ouve o desempenho. Como já
estabelecido, um bom arranjo é projetado para causar uma reação física. Se importância é colocada sobre os instrumentos rítmicos em
uma faixa, tanto em sua quantidade e destaque no mix, a pista é claramente projetado para fazer com que o ouvinte para dançar. Grande
parte da nossa música moderna é projetado em torno do princípio de causar o ouvinte não só para cantar, mas para dançar também.

Casal uma batida pesada com uma vocalista cantando letras banais sobre movendo-se para a batida, e seria nada menos do que
ridícula para enterrar os tambores na mistura. Você está misturando uma música de dança. Dada a importância relativa da lírica ea
abundância de partes rítmicas, deve ficar claro que a batida
é projetado para ter um papel mais proeminente do que o vocal. Isso não significa que você vai enterrar o vocalista, particularmente se
ela é uma cantora de kick-ass. Mas você certamente não quer colocá-la de tal forma que ela enfraquece a força motriz da canção. As
peças-se lhe fornecer as informações que você precisa misturar a música. Neste caso, o cantor está literalmente dizendo-lhe como
misturar a música. Há uma palavra para isso: prosódia.

métrica

Prosódia é a coerência entre letra e música. Para o compositor, a prosódia é uma ferramenta importante. Uma canção em tom menor
com uma melodia triste vai ter uma letra triste. Se não foi assim, seria um pouco estranho. Uma música como "Wind Beneath My Wings",
de design tem uma melodia e uma letra que ambos são feitos para ser uma inspiração na natureza (para alguém que não seja eu, tenho
certeza). O impacto emocional da música é geralmente vai para coincidir com a letra, e esta é a forma mais básica de prosódia. A
maioria dos bons compositores usar prosódia básica naturalmente e sem sequer pensar nisso, mas há também exemplos mais literais de
prosódia.

Na canção "Pare em nome do amor", a melodia realmente pára na palavra "parar". A melodia faz precisamente o que a letra
diz. A palavra "stop" é cantada, e a melodia pára nessa palavra. Isso é prosódia. Uma melodia movendo-se na palavra "para cima"
ou para baixo sobre a palavra "baixo" é outro grande exemplo da prosódia em songwriting.

Boa prosódia nem sempre é tão evidente. Na canção de Johnny Cash "Anel de Fogo", a melodia no refrão realmente se move para
cima como ele canta a palavra "baixo" três vezes. Ele canta: "Eu fui para baixo, para baixo, para baixo, e as chamas foram mais
elevados." Embora à primeira vista, a letra parece contradizer literalmente a melodia, na realidade, Johnny está expondo a contradição
inerente entre a queda no amor ao invés de adorar ser uma experiência edificante. Esta ideia é representado de forma brilhante pelo
imaginário da letra e, especificamente, como ele funciona contra a melodia, ilustrando assim musicalmente a contradição. Não há dúvida
de que esta foi uma decisão consciente por um grande compositor.

Trago-se prosódia aqui porque como misturadores precisamos estar cientes não só como a lírica interage com a melodia, mas
também como a melodia e letra interagir com a produção. famoso 'canção de Steven Stills 60 'Por que vale a pena', que foi o
primeiro gravado por Buffalo Springfield, é um excelente exemplo de como a prosódia foi reforçada pela produção. Se a música não
vem imediatamente à mente, você provavelmente vai reconhecer a letra coro "as crianças parar, o que é aquele som, todo mundo
olha o que está indo para baixo." No último refrão da canção, toda a produção chega a um impasse sobre a palavra "stop". Agora,
que provavelmente foi feito no processo de gravação, e não o processo de mistura, mas esses tipos de oportunidades são muitas
vezes negligenciados, e se você cuidado com eles, você pode tirar vantagem.

Outro exemplo de prosódia do ponto de vista de produção seria a música Genesis "apenas um trabalho
que fazer ", em que Phil Collins canta 'bang, bang, bang' em rápida sucessão seguido por duas batidas snare reverberantes e a
letra 'para baixo eles vão.' Neste caso, os hits de laço agir como tiros dentro da produção. Este é não é apenas eficaz, é
inteligente.

Não vá nozes com isso. Se você adicionar reverb para o laço cada vez que você ouvir uma palavra como "shoot", ou "bang", corre o

risco de transformar uma boa ferramenta para uma piada em demasia. A tradução literal de uma letra em uma técnica de produção é bom

quando usado com moderação, especialmente se a prosódia acentua algo importante dentro do contexto da música. Além disso, não use

prosódia para acentuar o seu papel como o misturador, a menos que a música passa a ser sobre o misturador (que ocorre às vezes em

hip-hop). Se você aumentar o vocal quando você ouve a palavra "se", você está vendo a prosódia do contexto de um movimento mix. Não

quero nunca mais o ouvinte a perceber a mistura, e que não iria cair dentro do espírito da prosódia no que se refere à produção.

A mistura é uma ilusão

Muito como um pintor usa ângulos e sombreamento para criar a ilusão de uma imagem tridimensional em uma tela bidimensional,
criamos a ilusão de espaço tridimensional a partir de dois alto-falantes. Quando você adicionar tempo na equação-uma vez que a
produção se desenrola ao longo do tempo-estamos realmente operando dentro de quatro dimensões.

No contexto maior do reino animal, audição não é nosso sentido mais poderoso. Mesmo em relação aos nossos próprios sentidos,
a visão é o que contamos com mais fortemente para o processamento de informação externa sobre os nossos arredores. Dada a
escolha terrível entre perder a nossa visão ou a nossa audição, a maioria de nós seria certamente optar por manter a nossa visão.
Talvez alguns de vocês escolheria ouvir, mas que provavelmente teria algo a ver com o seu interesse em fazer música.

Nossos sentidos são a nossa forma de processar informações. Enquanto temos informações exclusivas de cada sentido, tudo acontece à

informação. Considerando que nós, como seres humanos usam nossos olhos para mover sobre os nossos arredores e evitar correr em

obstáculos, um morcego usa sua notável capacidade de processar reflexões de som para a mesma finalidade. Os cães podem "ver" com seu

intenso senso de cheiro, que é tão excepcional que eles realmente podem ver para trás no tempo.

Nossos cérebros estão constantemente e, simultaneamente, o processamento de informação externa, e cada um de nossos sentidos

influencia os outros. Se, por exemplo, você ouve uma criança desconhecida gritando, você provavelmente vai escolher para investigar mais.

Vendo esta criança sorrindo e rindo enquanto ela grita irá mudar a forma como você interpreta os gritos. Alimentos que cheira delicioso, mas

parece apetitosa irá reduzir o seu desejo de comê-lo.

Eu sempre achei fascinante ouvir músicas-tema TV no rádio. Como nossa música processo de cérebros que é normalmente ligada

diretamente ao vídeo pode ser uma grande surpresa a primeira vez que os dois meios são
separados. Eu tive essa experiência quando ouvi o tema original de Star Trek no rádio. Sem o vídeo, o mix soou
completamente diferente para mim. Era tão estranho ouvir isso dessa maneira que eu realmente tive que internamente
debater se era realmente a música tema Star Trek, apesar de ter ouvido centenas e centenas de vezes. A ausência de
contexto visual permitiu-me ouvir coisas na música que eu nunca tinha realmente notado antes.

estimulação visual irá afetar a forma como você ouve. Tanto que, quando eu chegar no final de uma mistura, eu desligar todas as luzes e

desligar o monitor do computador. Se você não fizer isso, experimentá-lo. Acredite, você vai ouvir seu mix completamente diferente quando

você não está sendo influenciado pelo que está na tela. Reduzir a quantidade de estimulação visual faz com que a sua audição mais aguda-não

há nenhuma dúvida sobre isso.

Obviamente, você não pode trabalhar o dia inteiro com as luzes lá em baixo. Existem certos procedimentos que devem ser
implementados usando nossos olhos, particularmente com DAWs. A analítica, atenção lado esquerdo do cérebro aos detalhes na mistura
só pode ser atendido se podemos ver o que estamos fazendo. É a direita do grande-retrato cérebro, pensando que é mais eficaz realizada
com estimulação visual mínima.

Quando você ficar realmente bom em misturar e produzir música, a sua audição torna-se tão aguda que você realmente vai ser tão
confortável com esse sentimento como você está com vista. Ouvir torna-se quase o mesmo que ver quando você desenvolver o sentido
para um determinado nível. Felizmente, você não precisa esperar anos para ver o que você está ouvindo. Se você vai para sua sala de
controle e colocar-se diretamente no meio do campo estéreo, você pode experimentar isso por si mesmo agora.

Desligue o monitor do computador e baixar as luzes em sua sala de controle. Não torná-lo escuro. Isso pode ser tão perturbador.
Reproduzir uma música que você considera ser uma mistura estelar. Como você ouvir a música, e tentar realmente "visualizar" onde
tudo está vindo na mistura. Feche os olhos, se isso ajuda. Se você está realmente colocado dentro da imagem estéreo, você notará
instrumentos que estão próximos a você a partir da esquerda, e alguns que estão próximos a você da direita. Algumas partes soará mais
alto do que os outros, e as partes devem literalmente aparecer mais para frente e maior do que tudo o resto. Se o vocal é colocada
corretamente na mistura, na verdade você pode imaginá-la em sua mente como uma grande cabeça flutuante no meio da mistura. A sua
extremidade baixa vai parecer vir de baixo dos alto-falantes, em vez de diretamente deles. Sua extremidade superior aparecerá a vir da
parte superior de seus alto-falantes (nível com os tweeters). Se há uma parte com reverb e atraso sobre ele, essa parte vai aparecer
mais longe. Peças que são completamente seco irá aparecer perto de você, especialmente se a parte é mais alto em relação a outras
partes do mix.

Quando você realizar esta experiência, seu cérebro está traduzindo o que você ouve em que você vê. Esta é uma ferramenta
poderosa e importante para a mistura, especialmente quando você entender como manipular esta representação visual de dentro das
dimensões virtuais de seu mix.

Planos do espaço
Em uma imagem estéreo existem planos do espaço que usamos para criar uma imagem de quatro dimensões (a quarta dimensão sendo tempo).

Tudo em tudo, eu determinei que há cinco aviões básicos de espaço replicado por duas colunas: panning-esquerda para a direita; freqüência-up

para baixo; equilíbrio entre a frente para trás; refletividade-longe para perto; e contraste (dinâmica) -sparse a densa.

Panning-esquerda para a direita

Ela nunca deixa de me surpreender quantas pessoas se wigged por misturas de largura. Isso é especialmente verdade em relação à sua

própria música e apesar de um precedente overabundant em contrário. Só há tanto espaço disponível para nós em nossa paleta de mistura.

Usando o espectro de esquerda e direita é tão importante como a utilização de todo o espectro da faixa de freqüência. Tanto quanto eu

estou preocupado, quem iria considerar o uso de menos do que a largura total do panning disponível para eles bem poderiam também

considerar o uso de filtros para cortar as frequências muito superior e inferior da mistura.

Igualmente befuddling para mim são aqueles que acreditam que todos nós devemos ser a mistura em som surround.
A grande preponderância de música é ouvida em estéreo, e até que muda dramaticamente eu não estou misturando
durante quatro alto-falantes (ok, cinco e um subwoofer) em breve. Para começar, eu não posso te dizer quantas vezes eu
entrar em uma loja e acabam alternando fios em um dos alto-falantes, a fim de colocá-los em fase. A maioria das pessoas
não pode obter dois altifalantes cablados em fase. Qual é então a probabilidade de seu apostador médio fiação com
sucesso quatro alto-falantes em fase? Pelo menos com estéreo eles têm um tiro de 50/50 a obtenção de seus
alto-falantes com fio corretamente. Com quatro alto-falantes, eles têm um 50/50 tiro duas vezes, o que significa que, se
deixado ao acaso há uma grande probabilidade de que um dos quatro alto-falantes serão ligados fora de fase. Além disso'

Vamos enfrentá-lo: A maioria das pessoas não se sentar em uma sala de audição para jogar sua música favorita. Eles, no entanto,

dada a preponderância de caixas de som, alto-falantes, fones de ouvido, e carros, muitas vezes se encontram em alguma vizinhança

razoável do campo estéreo. Portanto, não há muito argumento para usar nada menos do que todo o campo.

Filtração é o plano mais subutilizada de espaço em uma mistura, particularmente por misturadores neófitos. É um erro para não usar

toda a largura do campo estéreo, porque você está abandonando o espaço valioso. Para muitos mixers profissionais, inclusive eu, os botões

pan são raramente qualquer lugar, mas à esquerda, centro ou à direita, e não há sequer um nome para a mistura como este-é chamado LCR

mistura (que significa centro / direita go-figura da esquerda /). Isso não quer dizer que não são tempos para peças soft-pan, mas na minha

experiência, esta deve ser uma ocorrência rara na maioria mistura música moderna. misturas de largura são consideravelmente mais

emocionante desde que você está usando toda a largura da sua paleta.

Minha recomendação é esta: Quando em dúvida, pan duro ou não pan em tudo. Com o tempo, você vai descobrir quando usar

posições panning internos. vocais de fundo são muitas vezes um bom candidato para este. Soft-panning um mono Rhodes em uma mistura

predominantemente guitardriven pode ser uma solução razoável,

particularmente se as guitarras são direcionados à extremo (como deveriam ser). Uma guitarra acústica única é certamente melhor soft-garimpada em

uma guitarra de produção / vocal. Portanto, há certamente vezes para pan macio; é apenas que, em geral, panning duro é geralmente a melhor opção.

Agora, você pode estar pensando em várias faixas modernas de rock que claramente não fazem uso de todo o campo estéreo. Este tipo

de mistura foi em voga por um período de tempo, mas não há realmente somente uma razão um mixer profissional pode optar por usar menos

do que o campo de som completo, e essa é a percepção de aumento de volume.

Basicamente, loudness tem a ver com a quantidade de gama dinâmica que está sendo usado em uma mistura. A gama menos dinâmico, mais a

informação de áudio é pressionado contra de zero digital e mais alto o mix vai som em comparação com outras misturas a um volume de controlo

idênticos. Qualquer pessoa com uma biblioteca diversificada de música em sua biblioteca ou CD bandeja iTunes tem notado que algumas produções

são inerentemente mais alto em comparação com os outros. Quando você encontrar uma mistura que não está usando o campo estéreo ao máximo,

as probabilidades são de que isso foi feito puramente para fins de loudness.

Então, vamos pensar sobre isso por um segundo. No caso do ultraloud (e mono) moderna pista de rock, não só tem o
misturador conseguiu evitar o uso do campo estéreo inteira, mas ele também reduziu seu alcance dinâmico até quase nada. Nós só
temos tantas ferramentas para fazer uma mistura emocionante. Neste caso, dois deles foram removidos desde o começo. Isso
melhor ser um inferno de um vocal e música.

Frequency-Up and Down

Assim como temos largura em um mix, temos também a altura, e isso é uma ilusão que é criada por frequência.

Freqüência é um pouco de natureza técnica, uma vez que é basicamente explicada com a física. Eu realmente não quer atolar muito

fortemente na ciência, mas precisamos tocar em algumas informações básicas, particularmente desde que EQ é a ferramenta mais usado e

abusado de um mixer. Além disso, se você estiver indo para pensar em termos de frequência, você precisa ter uma compreensão básica do

mesmo.

A gama humana da audição, e eu estou sendo exceptionably caridade aqui, se estende de 20 Hz a 20 kHz. Na minha experiência, a maioria das

pessoas não pode ouvir acima de 18 kHz, e até mesmo se eles podem, essa capacidade vai cair consideravelmente ao longo do tempo. Qualquer

coisa abaixo de 20 Hz é nada mais do que rumor e qualquer coisa acima de 20 kHz tende a ser nada mais do que ruído (silvo ou cuspir, fazer a sua

escolha). Isso não significa que não há informação útil que se estende bem acima de 20 kHz (muitos de nós acreditam que existe); nós apenas não

pode realmente ouvi-lo diretamente, e por isso não podemos corretamente manipular freqüências esta alta. O barulho causado por 20 Hz só serve

para agitar os nossos woofers violentamente, o que eu posso assegurá-lo não é grande para a sua longevidade geral.
 ondas sonoras de alta frequência necessitam de menos espaço para se desenvolver plenamente que, arrastada soundwaves longos de

frequência baixa. Consequentemente, frequências mais altas são muito mais direcional na natureza. Considere uma mangueira de jardim por um

momento. Quando ajustado para "jet", o pulverizador da mangueira está focada e altamente direcional na natureza. Muito pouco de spray vai para a

esquerda ou para a direita. Quando a corrente de jato atinge um objeto duro, ele imediatamente reflete. Quando ela atinge um objeto macio (como uma

toalha), ele é absorvido. Este é precisamente como de alta freqüência ondas reagir.

Quando ajustar a nossa mangueira para um ajuste mais suave, mais largo, o spray vai a toda parte. Não é direcional na natureza,
e não reflete muito, como geralmente fica tudo na área molhada. Este é precisamente como baixa freqüência ondas sonoras reagir. É
por isso que você pode colocar um subwoofer em qualquer lugar na sala. O fim baixo vai a toda parte, viajar facilmente ao longo (e
através) paredes e pisos. ondas de alta frequência são direcionais na natureza, e você tem que ser realmente na linha de fogo dos
tweeters ou chifres para obter seu brilho completo.

Frequência também se relaciona diretamente à música. Todas as notas musicais correspondem a uma frequência fundamental. Por
exemplo, a corda E aberta sobre um baixo tem uma freqüência fundamental de 41 Hz. Esta é a freqüência mais alto que pode ser ouvido
a partir de uma corda E arrancada. Os tons com que lidamos de instrumentos musicais são causados ​por vibração, que produz tanto um
tom fundamental e harmônicos (ou harmônicos). O primeiro Bifónico (que é a segunda harmónica) é sempre uma oitava maior do que a
fundamental. Se o fundamental é 41 Hz, em seguida, a oitava acima é duplo que, neste caso, 82 Hz. Todas as oitavas harmônicas que
se estende até são dobrados na freqüência. O seguinte é uma quinta harmónica mais elevada do que a primeira oitava, e o próximo
quarto maior do que (que em conjunto é igual a uma oitava, e, assim, o terceiro Bifónico em que E é baixo 164 Hz). Os harmônicos
continuar infinitamente, e eles podem ser mapeadas no que chamamos a série harmônica. Desde que o fundamental é a frequência mais
alta em qualquer nota, o nosso cérebro percebe isso como a nota real, mas os harmônicos são o que nos fornecem com o timbre de um
instrumento. Sem a interação de harmônicos em som, um piano soaria apenas como uma guitarra que soaria apenas como uma onda
senoidal.

Grande habilidade é necessário para um músico para fazer corretamente um instrumento cantar. Tudo, desde como a corda é
arrancada, bateu, ou soprado afetará amplitude (volume), que também afeta o timbre (tom), o que afeta a forma como ouvimos as
harmônicas, o que afeta a forma como percebemos a nota. ainda mais as coisas complicam são a acústica da sala em que o
jogador está realizando e como percebemos as reflexões de som a partir de qualquer local.

Então, naturalmente, há gravação técnica, embora se o jogador está gerando belo som em um grande espaço acústico, a
técnica é muito reduzida como um fator. Simplificando, a melhor técnica do jogador é, a técnica menos importante do gravado
precisa ser. Um grande jogador executa em um grande sonoridade quarto será gravada facilmente e com pouca necessidade de
processamento (salvo algum efeito desejado). Um jogador ruim vai tendem a falta de uniformidade no tom e equilíbrio, e,
portanto, exigem mais processamento, tanto na gravação e mistura.
Equalizadores (aka EQS)

Como misturadores e recordists usamos EQ como a nossa principal ferramenta para manipulação de freqüência; ou seja, enquanto a

frequência estamos buscando para manipular realmente existe. Por exemplo, salvo algum efeito de proximidade, há pouca ou nenhuma

informação low-end em um violino jogado no seu registo superior. Por outro lado, não existe informação de alta frequência mínimo sobre a

baixa B a partir de um baixo de cinco cordas. Impulsionar 40 Hz em que ultra-alta violino vai dar-lhe nada mais do que indesejado ambiente

low-end da sala. Impulsionar 16 kHz na guitarra baixo é geralmente vai abrir linha indesejada e ruído de cordas.

Muito parecido com o fundamental de uma nota, equalizadores paramétricos negócio (digital ou analógica) em uma freqüência fundamental.

Existem dois tipos de ajustes de equalização em uma curva EQ-sino paramétrico e prateleira. Em um EQ curva de sino, a frequência seleccionada é a

frequência central dentro de um intervalo especificado. A largura desta curva de sino é chamado a Q, e quanto maior for a Q, os mais frequências

será afectado por qualquer um corte ou impulso.

Estantes EQ, das quais existem somente duas prateleira alta e baixa prateleira-afecta também uma gama de frequências, mas a frequência

seleccionada é o ponto de partida, não no ponto médio. Por exemplo, uma prateleira alta frequência definido para 10 kHz afetará todas as frequências

de 10 kHz-se, independentemente de se você está aplicando um corte ou impulso. Por outro lado, um conjunto de prateleira de baixa frequência de

100 Hz afectará todas as frequências compreendidas entre 100 Hz para baixo. A maioria dos equalizadores analógicos terá um elevado e baixo

prateleira (normalmente também seleccionável como um sino) com uma ou duas curvas gama média de sino. Muitos plug-ins, para além daquelas que

supostamente emular uma peça de engrenagem analógico, incluirá uma prateleira de baixa e alta, com quatro ou cinco equalizadores de curva de

sino.

Junto com estantes EQ, temos filtros à nossa disposição. Existem dois tipos de filtros: EQ O filtro passa-alto (HPF), que permite
que as altas frequências para passar ininterruptamente, e o filtro passa-baixo (LPF), que permite que as baixas frequências para
passar ininterruptamente. Um HPF definido para 100 Hz irá filtrar todas as frequências compreendidas entre 100 Hz para baixo. Um
conjunto LPF a 10 kHz irá filtrar todas as freqüências de 10 kHz para cima. Eu vi alguns engenheiros, especialmente fora dos Estados
Unidos, colocou HPF em todos os canais como uma questão de disciplina. Eu recomendaria contra este a menos que haja algum
artefato low-end da sala que você precisa remover. Até que você tenha todo o arranjo à sua disposição, você geralmente não deve ser
tomada uma decisão sobre o quão longe você quer o fim de fundo para estender a menos que você está absolutamente certo que
você'

Desde qualquer nota inclui os harmônicos acima do fundamental e uma vez que qualquer determinado instrumento soará dentro de
uma escala de notas determinado pelas características físicas do instrumento e as habilidades físicas do jogador-um EQ irá afectar muito
mais do que uma determinada nota ou mesmo uma série de notas. Você pode realmente localizar e impulsionar harmônicas particulares
em qualquer parte dada.

DAW NQA fornecem geralmente o misturador com uma representação visual da manipulação frequência. Esta representação visual
também representa o quão grande o seu Q é, e você pode realmente ver a gama de
freqüências você está afetando. Enquanto a modelagem visual é inútil para fazer suas decisões de equalização (aqueles são feitos

puramente de ouvido), é bastante útil na aceleração do seu entendimento do EQ em geral.

Embora cada instrumento tem um intervalo, e ao mesmo tempo um bom arranjador irá selecionar os instrumentos que se encaixam em

determinados intervalos para alcançar um certo equilíbrio de frequência, não é tão importante para você como o misturador de ter essas faixas

memorizadas. Você realmente não tem que saber que a nota superior de um violoncelo é, como você só pode lidar com o que é fornecido a você. É

muito fácil dizer que um violoncelo ocupa fundamentalmente espaço low-end, oferecendo simultaneamente a moagem de alta frequência do arco

contra o string. Suas decisões de equalização será feita com base em como uma parte trabalha dentro da pista, particularmente onde a frequência

está em causa.

Para os nossos propósitos em mistura, que podem quebrar frequência dentro de quatro gamas de base: extremidade baixa, inferior midrange,

midrange superior, e de ponta. Eu compilei uma lista de algumas freqüências básicas, como nós ouvi-los, e como elas podem afetar o seu mix.

Baixo nível

20-30 LFZ: Isto é principalmente de vibração e / ou subs. Estas não são as freqüências que você quer ser ativa
ajustando a menos que haja um problema que você deseja realmente filtrar, como Rumble ar condicionado. Em geral, este não é um

bom intervalo para aplicar um impulso EQ.

30-60 Hz: Estas frequências são bastante baixas e "boomy" na natureza, e não vai replicar-se em mais
pequenos alto-falantes. Este intervalo deve ser considerado quando se comprometer entre tipos de sistemas de reprodução (por exemplo, uma

caixa de crescimento ou sistema estéreo-blown com subs). Embora esta faixa de freqüência é particularmente útil em fazer uma mistura de som

grande, ele pode facilmente dominar o mix em geral, se muito abundante.

100 Hz: Esta frequência é baixo mas enérgico e é facilmente replicado em uma coluna de seis polegadas. É um distante

baixa frequência mais focado do que os submarinos, embora ainda não é alta o suficiente para ser considerado direcional na natureza.

Lower Midrange

250 Hz: Este é o início da gama média inferior. Ele pode ser descrito como "woofy," como não é muito
limpo extremidade baixa. O excesso de 250 Hz pode causar uma mistura de som espesso, escuro, e lamacento. Muito pouco desta freqüência e

sua mistura vai som escavado e com falta de energia. Esta freqüência replica bem em um período de dois a alto-falante de quatro polegadas, e

pode ser bastante útil para fazer o baixo audível em caixas de crescimento.

500 Hz: Esta frequência é o meio da gama média inferior. Muitas vezes, é acusado de soar "quadradão"
e por uma boa razão, parece quadradão!
750 Hz: Este é ficando para a extremidade superior da gama média inferior. Esta freqüência também é quadradão em

tom e tende a reduzir a clareza em um mix; No entanto, ele também pode adicionar presença de uma parte na situação certa. Se você

encontrar-se cortar ou aumentar essa freqüência, muitas vezes, você tem um problema de monitoramento ou o seu console tem um acúmulo

natural nesta gama.

superior midrange

1 kHz: Este é o início do midrange superior. É um excepcional "presente" de frequência como é

chegando perto do pico da nossa audição. Esta pode ser uma frequência muito útil para trazer presença, mas também pode soar

quadradão se usado demasiado liberal.

2 kHz: Esta passa a ser a frequência básica de um bebê chorando, o que pode explicar por que é a nossa mais

facilmente ouvido frequência como seres humanos. Demasiada desta freqüência e "dura" será um adjetivo muitas vezes você vai ouvir

quando alguém descreve o seu mix. Esta frequência é na extremidade superior das frequências de presença.

3-4 kHz: Esta faixa de freqüência, bem como 2 kHz, é útil para adição ou remoção de mordida de um
gravação.

6-9 kl-tz: Este é o fim da cauda do médios superiores. Isto é onde nós sair do intervalo "mordida" e digite
em território broca dentista. Esta gama de frequências pode dar-lhe uma dor de cabeça desagradável, e rápido.

alta qualidade

1U de 12 kHz: Esta é a extremidade inferior das freqüências high-end (digamos que três vezes rápido). A adição

desta gama de frequências pode ser útil em abrir-se um som e / ou compensar a coloração de um microfone, ou
processamento.

16 kHz: Trata-se de extrema alta final. É, muitas vezes, adicionar artefatos tão rapidamente quanto ele vai abrir um som, mas

ele ainda pode ser bastante útil, dependendo da qualidade geral do EQ.

18-20 kHz: Esta gama é além de a maioria da nossa audiência real, e ao mesmo tempo não é definitivamente informações

que se estende muito além da nossa audiência, trazendo desta faixa com EQ tende a adicionar cuspir sonoro e ruído. Mesmo se você
pode ouvir freqüências elevadas, você não quiser aumentar agressivamente esta informação.

Desde diferentes instrumentos ocupar gamas particulares de notas, por padrão, eles também ocupam um determinado intervalo de
frequências. Por exemplo, um baixo cobre a partir de diminuir médios. Sim, nós podemos aumentar a 5 kHz em um baixo e trazer alguns
harmônicos superiores e ruído de cordas, permitindo a nota para cortar mais, mas quando se joga no seu registo normal, o baixo não
fundamentalmente ocupar o espaço midrange superior. bateria Kik também cobrir o baixo para diminuir midrange, e embora todos nós
temos ouvido
abundância de tambores kik clicky, as frequências superiores particulares são de natureza transitória.

Nota duração tem muito a ver com a quantidade de espaço de frequência um instrumento ocupa. Desde os ataques no baixo e kik
têm uma duração curta, essa explosão momentânea de informação de alta frequência ocupa muito pouco espaço em sua mistura.
Claro, se você tem uma centena de duplas bombo por minuto, como em algumas faixas de death metal, então o agregado de que o
ataque vai ocupar um pouco de espaço em seu mix.

Nós estamos realmente lidando com apenas cerca de oito oitavas da música e mixagem. Alguns instrumentos, como violinos, têm um alcance

limitado dentro desses oito oitavas. Outros instrumentos, como piano, guitarra, ou órgão Hammond B3, o trabalho dentro dessa gama. Como resultado,

pianos e órgãos pode levar até uma enorme quantidade de espaço de freqüência dentro de um mix. Enquanto instrumentos de espectro total, como

teclados tendem a se destacar no preenchimento de uma mistura, eles também tendem a comer espaço. Alguns misturadores de rock realmente

escolher para silenciar partes de teclado em uma pista de guitarra-driven como uma questão de disciplina. Como eu disse antes, e vou dizer de novo,

eu não recomendo fazer qualquer coisa como uma coisa natural.

Eu sempre achei útil quando explicando frequência e como se relaciona com uma mistura de discutir Beethoven. Claramente, Beethoven não

tinha um console. Se ele queria mais baixo fim em seu mix, ele tinha que quer escrever mais peças low-end e / ou dirigir os instrumentistas dentro

desse intervalo para jogar mais alto. Beethoven usada instrumentação e direção para dar a si mesmo mais baixo. Como Beethoven, também

temos instrumentos que se encaixam dentro de certas faixas de oitava à nossa disposição; nós apenas controlar seus saldos eletronicamente.

Tão importante quanto isso é pensar ao longo das linhas de freqüência em um mix, que é apenas uma consideração. Se você sentir que seu mix

precisa de mais informações de alta frequência, mas o ritmo do pandeiro está chocando-se com a da guitarra escolher, um deles tem que ir. Acredite

em mim, muitas vezes você tem que fazer escolhas como este em uma mistura. Quando você se deparar com uma parte que está causando

problemas tanto do ponto de frequência e perspectiva de desempenho, o botão mute só poderia ser a sua melhor opção.

Quanto mais o acúmulo existe em uma determinada faixa de frequência, mais difícil o seu trabalho é como um mixer. Por exemplo,
se uma produção tem um órgão Farfisa, várias guitarras, piano e todos jogando na mesma faixa de meio estreito, você vai ter um tempo
consideravelmente mais difícil encaixá-los todos em que o espaço do que se eles estão espalhados por todo o espectro completo. Se
houver dois contrabaixos, uma djun-Djun, uma batida de baixo tom, e um violoncelo, você vai ter um inferno de um tempo conquistando
espaço suficiente no final baixo para evitar, uma bagunça indefinido enlameada no fundo do seu mix. E se há muita informação de alta
frequência na mistura, o misturador e, posteriormente, o ouvinte vai encontrar-se esgotado na ordem curta.

O poder que frequência tem mais o ouvinte não deve ser subestimada. Como você usa a informação de frequência em uma mistura pode ter uma

influência directa sobre a forma como essa mistura faz com que a sensação ouvinte. Como suas peças preencher o espectro de frequência em um

arranjo pode ser tão importante como a forma como eles enchem o seu papel musicalmente. Tenha isso em mente como você misturar.
Contraste-Sparse a densa e brilhante para escuro

Contraste não se relaciona com o que está acontecendo em qualquer momento, mas a forma como a mistura funciona ao longo do
tempo a quarta dimensão do seu avião mix. Considerando podemos ouvir um mix e imediatamente ouvir frequência, visão panorâmica e
equilibrar decisões, descobrimos decisões de contraste ao longo da mistura.

Contraste é usado para criar a ilusão da dinâmica da música moderna. Por definição, a dinâmica é uma variação na força ou

intensidade, especialmente em som musical. Infelizmente, a dinâmica da música tem sido muito reduzida ao longo dos anos. De modo

geral, temos completamente erradicada flutuações de ritmo de música moderna, e estes dias nós não usamos muito mais do que cerca de 4

dB de faixa dinâmica do mais alto para as partes mais calmas de uma mistura. Na verdade, as misturas mais altos não uso mesmo que

muito gama. Enquanto 4 dB pode parecer pequena, se você quiser ouvir as partes mais suaves de seu mix no carro, ou enquanto a

máquina de lavar louça ou vácuo está sendo executado na sala ao lado, você não vai fugir com o uso muito mais variedade do que isso .

Isto significa que precisamos para criar a ilusão de gama dinâmica, e nós conseguir isso com contraste.

Quando eu misturei "Rosas para os meus amigos" de Ben Harper (a partir de seu terceiro álbum, Will to Live), I originalmente esculpida

uma enorme gama dinâmica para a mistura. O coro era incrivelmente excitante porque era muito mais alto do que os versos. Infelizmente,

quando cheguei a mistura em meu carro, eu encontrei-me apenas ajustando para fora até que o coro expulso. O que era uma recompensa

excepcionalmente eficaz no estúdio isolado-som tornou-se uma recompensa completamente inexistente no ambiente do mundo real de um

carro. Dado este problema, nós trouxemos os versos acima de 2 dB no nível durante a fase de masterização.

Agora, enquanto nós tivemos que reduzir a gama dinâmica real do mix para que ele funcione em um ambiente do mundo real,
a mistura não foi por qualquer meio em ruínas. Nesta faixa em particular, a gama dinâmica é naturalmente reforçado pelo contraste
de densidade global entre as duas secções. O verso é escassa e doce, enquanto o coro é denso e agressivo, então temos a ilusão
de gama mais dinâmico do que realmente existe. Isso é um bom exemplo de contraste dando a ilusão de uma maior dinâmica.

Há outras maneiras de produzir contraste. Suponha que você tenha uma única guitarra elétrica direcionados à
extremo esquerda no verso com nenhuma outra parte harmônica para equilibrá-lo para fora à direita. Dado este
tratamento panning, sua mistura durante esse verso será totalmente assimétrica na natureza. Se uma segunda
guitarra vem em à direita no refrão, nesse ponto, a mistura terá simetria. O contraste entre o panning assimétrica no
verso e da paisagem simétrica no coro vai acentuar a recompensa e produzir dinâmicas. Considerando que o
panning no versículo nos fornece uma imagem estéreo desequilibrado, o pan no coro nos fornece uma imagem
equilibrada contrastante. Mas há mais em jogo aqui do que apenas contrastam em simetria. Há também o contraste
de densidade. Implementado corretamente,

Para continuar com o nosso exemplo anterior, se acrescentarmos uma Rhodes no seu registo mais baixo e coloque-o no
verso frente ao violão, que agora terá simetria estéreo no verso. Isso vai minimizar consideravelmente o contraste simétrica
tivemos anteriormente, mas onde nós perdemos nós também ganhou. Existe agora um contraste na freqüência que ocorre entre
o Rhodes escura no verso e os (presumivelmente) brilhantes, guitarras elétricas corajoso que assumem no coro. Não importa
onde o contraste vem, contanto que ela existe.

Haverá momentos em que você vai precisar para a fabricação de contraste. Certos gêneros exigem o misturador para criar a
dinâmica durante toda a música. Eu misturado muitas faixas de hip-hop em que cada parte e amostra jogado a partir do topo para o
fundo da pista, e eu estava completamente responsável pela criação de um acordo, contraste e tudo.

Dito isto, o contraste, enquanto um avião definitiva do espaço, nada mais é do que uma ferramenta. Assim como você pode misturar uma

música em mono, e, assim, rejeitar tudo o que grande largura de estéreo, você eo produtor pode optar por usar pouco ou nenhum contraste.

Como descaradamente ou, obviamente, você usa contraste depende da pista. Às vezes, o contraste virá da música em si. A mais poderosa da

canção empurra para a frente como um ouvinte, menos o produtor e misturador precisa se preocupar com contraste.

Refletividade ou Reflexão-longe para perto

Refletividade é a ilusão de espaço. Considerando que realizar a ilusão tridimensional de largura, a altura e a profundidade por meio de
filtração, frequência, e o equilíbrio, respectivamente, que realizar a ilusão de reflectividade dentro de todas as três dimensões mais o
fourthtime.

Som existe dentro do contexto da sua envolvente. Nós não apenas ouvir uma fonte de som direto (a menos que a fonte passa a ser junto ao

nosso ouvido); nós ouvir o som dentro de um determinado espaço. Um tambor atingido em uma pequena sala sons completamente diferente a partir do

mesmo tambor atingido numa sala, a qual soa completamente diferente a partir de um tambor atingido na iminência de uma caverna gigante. Nós

percebemos o som e do espaço pela forma como o soundwave viaja, e seus reflexos ao longo do tempo. A quantidade de tempo que leva para um

som para dissipar totalmente em um determinado espaço é chamado de tempo de decaimento. Nós todos sabemos que um grande salão terá um

tempo muito mais longo decadência do que um quarto pequeno, mas em ambos os casos essas reflexões ocorrem ao longo do tempo.

O tempo de decaimento de um determinado ambiente é determinada pelo seu tamanho total e forma, bem como a natureza dos
materiais contidos no interior do espaço. Um grande salão vazio terá um tempo consideravelmente maior decadência do que quando ela
está cheia de pessoas. Isso porque as pessoas absorvem o som, e os materiais mais absorventes existem dentro de um espaço, mais
curto o tempo de decaimento será. As superfícies reflectoras mais existem num espaço, mais o som irá saltar ao redor.

Assim como o plano contraste relaciona-se com o tempo, assim também faz refletividade. Na verdade, a forma como percebemos

refletividade é definido principalmente pelo tempo de decaimento. Por exemplo, o beijo de um hit laço irá percorrer um quarto e reverberar.

Dependendo de quão grande é o quarto é, que a reverberação será percebido a ocorrer alguma quantidade quantificável de tempo após o

laço é realmente atingido. Nós usualmente

medir esse tempo em milissegundos, uma vez que muitas reflexões decair totalmente em menos de um segundo. tem

1.000 milissegundos em um segundo.

Reflexões vai aparecer para nós como reverb em espaços fechados, e como atraso (com a possibilidade de alguma reverberação) em
espaços abertos, especialmente onde existem obstáculos nas proximidades. Enquanto reverberação é o saltando rápida, sucessiva de
uma onda sonora ao longo de um espaço, atraso é uma reverberação singular causada por um som viajar para uma distância significativa,
atingindo um objeto, e retornando de volta para nós. Nós todos experimentamos este tipo de atraso na vida real; se estamos yodeling
através de uma ravina (quem de nós pode resistir a isso?), ou chamando um amigo perto de um grande edifício, percebemos uma
one-time reflexo direto de um objeto distante como atraso.

Percebemos espaço e distância baseada tanto a qualidade ea duração da decadência. Nós também percebemos nossa distância
relativa de uma fonte particular, com base na resposta de frequência e a proporção de fonte direta de reverberação. Quanto mais
reverberação na razão, quanto mais longe uma fonte de som vai aparecer para nós, embora deve-se também considerar o contexto da
mistura.

Você não pode criar a ilusão de distância dentro de um mix puramente por encharcando um som em reverb. equilíbrios internos

determinar o plano de profundidade de uma mistura, e o equilíbrio relativo de um som deve aparecer baixo na mistura em conjunto com a

reverberação. Além disso, desde high-end é tão direcional na natureza, ele irá normalmente refletem e dissipar se alguma coisa fica em seu

caminho, para que possamos melhorar ainda mais a ilusão de distância rolando off freqüências high-end da fonte sonora.

Se você quiser criar a ilusão de um cachorro latindo maneira na distância dentro de um mix (não me pergunte por que um cão
está latindo em sua mistura, basta ir com ele), você teria que colocá-lo baixo na mistura, rolar para fora da ponta, e adicionar muita
reverberação. Colocar o cachorro latindo baixo na mistura coloca-lo de volta no campo de som, mas a reverberação proporciona a
ilusão de distância, e os atenuados alta auxilia resposta de freqüência com a ilusão.

Às vezes refletividade está contido dentro de uma gravação, como seria o caso se você colocar um microfone sobre o
quarto na bateria. Às vezes refletividade é adicionado na mistura após o fato para criar a ilusão de um espaço que não existia
durante a gravação real. Infelizmente, nosso controle de refletividade em uma mistura só funciona bem em uma direção.
Considerando refletividade pode ser facilmente adicionado, ele realmente não pode ser tirado. Claro, podemos usar portões e
mudos para cortar a decadência no momento uma parte vai tácito, mas não podemos tirar o audível refletividade quarto
enquanto a peça é realmente soar. É por isso que tantos recordists usar técnicas de close-microfonação durante a gravação.
Quando você considera as possíveis ramificações vêm misturar tempo, é melhor errar do lado de muito pouco espaço do que
muito.

Pessoalmente, quando eu estou procurando o som de "grandes" Rocha dos cilindros, eu gravá-los em um grande espaço construído com

materiais reflectores (como concreto ou madeira, dependendo de como vivo eu quero o som). Em geral, eu prefiro não adiar decisões gerais de

refletividade, como eu não sou particularmente apaixonado por digitais

ressonância. Eu prefiro ter a coisa real, se possível. Claro, isso não significa que eu não tomar medidas para me dar algum controle mais tarde.

Mesmo microfones de proximidade vai pegar refletividade a partir de uma grande sala de concreto. defletores bem colocados e outros

materiais de amortecimento em pouco estreita proximidade com o kit pode oferecer imenso controle sobre quanto refletividade é captado

pelos microfones de proximidade. Em uma sala especialmente ao vivo, esta pode ser uma necessidade, se você quiser ter qualquer controle

sobre a ilusão de espaço. Os quartos mics-que neste caso seria muito fora do defletor zona são responsáveis ​por captar a emoção e

refletividade da sala. Esta técnica oferece consideravelmente mais controle em relação a quanto (ou quão pouco) reflexivo informação posso

colocar os tambores vêm misturar tempo. Neste cenário específico os microfones de sala agir muito parecido com um retorno de

reverberação (ou uma câmara), uma vez que eles estão pegando o agregado do quarto reflexão, em vez do agregado da fonte direta.

Como você pode imaginar, se você fosse para colocar toda a banda em uma grande sala de concreto, as coisas ficariam muito
confuso muito rapidamente. Mesmo se você fosse para gravar cada instrumento separadamente, um de cada vez em que grande sala, a
refletividade seria capturado em cada mic instrumento. Você não teria nenhuma maneira de reduzir esse refletividade mais tarde, uma
vez que foi gravado. Isso tende a manchar o som geral, a tal ponto que o ouvinte teria grande dificuldade em fazer as nuances da
performance.

Se você está fornecido pistas cobertas com refletividade quarto, suas mãos estão muito bem amarrado. Não há um lote inteiro que você

pode fazer sobre o número de artefatos espaciais presentes no seu mix. Você está resignado a entregar nada mais do que uma bagunça

reverberante. Para piorar a situação, o momento em que você adicionar um compressor para qualquer parte, você vai apenas trazer a

reverberação da sala dentro do contexto da fonte. Felizmente, a maioria recordists e misturadores perceber o perigo deste bastante cedo em

suas carreiras, então você está muito mais probabilidades de obter instrumentos close-miked sem quantidades arrogante de informação

reflexiva.

Gravações em que refletividade tem sido aproveitada são muito mais fáceis para misturadores de lidar do que o cenário oposto.
Temos todos os tipos de reverbs digitais e atrasos à nossa disposição para criar a ilusão de um espaço no contexto de qualquer parte
dada. Quanto ou quão pouco de reflexão que você escolher para adicionar ao seu mix depende da música e produção.

Não é incomum para misturar e combinar espaços acústicos em uma mistura. Por exemplo, é raro encontrar guitarra crise ou de baixo faixas

gravadas em uma grande sala com uma quantidade declarada de quarto reflexão. Isto é verdade mesmo em vias onde uma sala grande é usado

para o tratamento do tambor. O ouvinte é raramente ofendido pelo uso racional dos espaços mistos, mesmo que eles não poderia encontrar um

cenário como esse na vida real. Os tambores podem soar como eles estão em um grande espaço, reflexivo, e as guitarras pode soar como eles

estão em uma câmara anecóica, sem nenhum efeito negativo sobre o ouvinte. Esta é realmente a única maneira que podemos criar a ilusão de

uma banda de rock em uma grande sala sem o produto resultante soar como nada mais do que uma bagunça manchada.
 Ainda assim, você tem que ter cuidado sobre como você misturar e combinar espaços acústicos dentro de um mix.
Você não quer criar uma combinação que é tão estranho para o ouvinte que puxa para fora da mistura. Se, por
exemplo, toda a banda é gravado em um quarto acarpetado osso seco, com pouca ou nenhuma informação reflexivo,
eo cantor soa como ele está em um estádio de basquete indoor, este poderia ser um pouco desconcertante para o
ouvinte. Ostentando o seu poder de quebrar os limites da física onde o espaço acústico está em causa pode servir
para distrair o ouvinte e fazê-los perceber a mistura. Lembre-se, se o ouvinte percebe a mistura, então não é uma boa
mistura. No caso de tambores espaçosos e guitarras secas, você está criando um espaço ilusão e um que os ouvintes
têm comprado por muitos anos. Portanto, é

Se o cantor está realizando uma canção onde a ilusão desejada é a intimidade, então você certamente não vai afogá-la em um
grande salão. Você provavelmente não quer qualquer espaço que seja nesse cenário. Intimidade é pessoal, e um desempenho pessoal
seria feito em qualquer uma sala ou um quarto (wah, wah, wah, wah!). Se você deseja que o cantor soar como eles estão cantando
baixinho em seu ouvido, então você provavelmente deve evitar qualquer tipo de reflexão em sua mistura.

Se, por outro lado, a cantora está realizando uma balada dramática, então você provavelmente vai querer o benefício de um
reverb subindo e / ou atraso no vocal, entre outras peças. Este tratamento não só proporciona a ilusão de um grande espaço (que faz
o ouvinte se sentir como se a canção está sendo cantada em frente de todo o mundo), mas a reverberação longa também acentua o
drama da música.

Em geral, bateria e percussão reagir bem ao tratamento reflexivo, desde curtos e percussivos não perdem
muita clareza do tapa acústica de um espaço reflexivo. guitarras fulcral elétricos, por outro lado, perder toda a
clareza dentro de um espaço excessivamente reflexivo. Às vezes isso é o efeito desejado, mas geralmente não.
reverbs de mola, pratos e atrasos são muito mais apropriado para guitarras elétricas, e se eles são parte do sinal
de amp, o jogador irá ajustar a forma como ela interpreta com base em como o efeito reage. Violinos se tornam
som muito menos agressivo em um grande espaço, por isso esta é uma ótima maneira de suavizar o tom geral
do instrumento. Se o violino é suposto ser agressivo, então você não quer um tratamento reflexivo. Se, por outro
lado, o violino é feito para ser calmante, então reverb é provavelmente a melhor chamada.

Em geral, longos reverbs tendem a suavizar som. Se a música que você está misturando é agressivo de qualquer forma, então refletividade

dramática pode contrariar o efeito desejado. Quando você coloca um longo, reverb doce em uma rocha dura vocal, você instantaneamente

suavizar tanto o vocal ea produção. Sim, bandas de hair-metal da década de 80, muitas vezes usados ​reverb, mas bandas de cabelo geralmente

não executar hard rock; eles executam pop rock sob o disfarce de hard rock. O ponto inteiro de usar reverb em uma faixa de cabelo é para

suavizar o tom para apelar a um público mais vasto. Isso não quer dizer que você não pode usar reverb no hard rock (especialmente se é bom e

ratty), mas você deve pensar exatamente como que refletividade afeta o tom geral da produção.
 Como você lida com a refletividade espacial em uma mistura pode completamente fazer ou quebrar uma produção. Demasiadas vezes

misturadores usar reverb como um reflexo do que como uma ferramenta para manipular o ouvinte. Pense refletividade como a criação de uma ilusão

apropriado para a produção. Se a produção funciona muito bem com nenhum espaço adicional, em seguida, deixá-lo como ele é. Se a produção está

na necessidade de ilusão espacial, adicioná-lo.

Balance-frente para trás, grande a pequeno

O equilíbrio é um jogo da relatividade e é o santo graal dos cinco planos espaciais. Deixei equilíbrio para o último, uma vez que afeta tudo em

uma mistura.

Fundamentalmente, o saldo de um instrumento tem a ver com o quão alto é em comparação com todas as outras partes que
estão jogando em um dado momento. A vocal alto não existe no vácuo. Julgamos que é alto porque é alto em comparação com tudo
o resto na mistura. Todos os equilíbrios internos são meramente um exercício de comparação relativa. Equilíbrio é a nossa
ferramenta mais eficaz para dirigir a atenção do ouvinte. Se fizermos o vocal alto, o ouvinte vai tendem a se concentrar nele.

Cada ajuste físico que fazemos em uma mistura é nada mais do que um ajuste de equilíbrio. Um botão pan é um botão de balanço

entre os altifalantes. Gire o botão pan à esquerda, e você está transformando-se o nível de uma parte na coluna esquerda e para baixo na

direita. Aumentando ou cortando uma determinada frequência é, literalmente, alterando o equilíbrio de que a frequência no contexto da parte

você está processando.

Colocando tudo proporcional em uma mistura vai fazer para uma mistura de merda.

Uma mistura excessivamente equilibrado reduz o contraste, deixa de oferecer ao ouvinte um ponto focal clara e, portanto, reduz o

movimento para a frente. Diante disso, uma mistura perfeitamente proporcional faz um mau trabalho de manipular as emoções do ouvinte. Em

outras palavras, uma mistura excessivamente equilibrada seria o exato oposto de uma grande mistura, e este é, sem dúvida, um erro comum

na mistura. É como uma doença.

Eu realmente sido agradeceu em mais de uma ocasião para os meus "mixes desequilibradas." Eu não sei ao certo, mas acho que seria um insulto

a maioria dos misturadores. Posso assegurar-lhe que está destinado como um elogio e tomado como tal. Francamente, não há nada mais chato do

que uma mistura perfeitamente equilibrada.

Equilíbrio não é apenas sobre os níveis relativos dentro de uma mistura. Equilíbrio também existe nos outros planos de uma mistura.
Quanto mais alto uma parte está dentro do contexto da mistura, o maior e mais na frente que parte irão aparecer. Um alto vocal, robusta
colocado bem no meio do campo estéreo (na verdade, onde mais é que vamos colocá-lo?) Não só irá aparecer mais à frente do que
qualquer outra parte em termos de aviões, mas também ocupam mais espaço no mix. Não só é mais alto do que as outras partes, mas
enche o campo estéreo inteiro, e ocupa uma grande faixa de freqüência.

Quanto mais baixa for uma parte é colocada no interior da mistura, menor ele aparece. Enquanto frequências de ponta tem a energia para

cortar através das outras partes, frequências de gama baixa precisa do volume, a fim de gerar
energia. Portanto, uma parte colocada novamente em uma mistura tem um impulso de baixa final inerentemente reduzido, especialmente em

comparação com as partes mais para a frente na mistura. Extremidade baixa e nível são o que fazem uma parte grande som. Reduzir tanto daqueles

em relação a tudo o mais no mix, e que parte vai parecer pequeno.

Movimento para a frente

Bons compositores, seja consciente ou inconscientemente, usam uma variedade de ferramentas para forçar o ouvinte para a frente em uma música, e

estes podem ficar muito profundamente na teoria harmônica. Nós não estamos indo para ir lá, mas eu vou dar-lhe alguns exemplos específicos de

ferramentas que podem ser utilizadas para empurrar um ouvinte para a frente através do ofício da composição.

Reservando a maior nota da melodia da canção para o refrão é uma forma eficaz de aumentar a recompensa, já que
uma linha melódica maior no coro em relação ao verso tende a gerar mais emoção. Reservando uma rima particular para o
coro também é eficaz. Se os versos eo refrão pré-use "ee" e "ay" vogais na estrutura rima, e um "oh" rima é reservado para
o coro, este pode servir para aumentar a recompensa. Acelerar a velocidade à qual a mudança de acordes é uma técnica
excepcionalmente forte. Se, por exemplo, as mudanças de acorde no verso ocorrer a uma taxa de uma vez por medida, em
comparação com duas alterações por medida e os pré-refrão, este terá o efeito de empurrar o ouvinte para o coro.

Depois, há acelerar a estrutura melodia, particularmente em conjunção com a estrutura rima. Se a estrutura de
verso é rima ABAB, e a estrutura de rima pré-coro muda para AABB, particularmente com frases melódicas mais curtas
e mais frequentes, este irá eficazmente arremessar o ouvinte para o coro.

Bons compositores entender que a tônica (que é a nota principal da chave), essencialmente termina movimento para a frente.
Aprendemos na escola que a tônica foi "casa". Evitando o uso de nota que melodia particular, até que o coro serve para aumentar a
recompensa. Certos acordes produzir o movimento de avanço, como os acordes sus (ou cordas em suspensão), em que o terceiro da
corda é substituído com o quarto nota na escala. Nossos cérebros, naturalmente, querem a quarta nota em um acorde sus para resolver.
Se eu joguei-lhe uma corda sus, e pediu-lhe para cantar a próxima nota, você naturalmente cantar a terça do acorde. Esta era uma
técnica comum usada por ambos Genesis e Phil Collins, embora certamente não é exclusivo para eles.

Enquanto isso não é um livro sobre a arte da composição, é importante compreender que um bom compositor emprega ferramentas

específicas com a finalidade de empurrar o ouvinte para a frente. Eu só chamado algumas dessas ferramentas. Não cada ferramenta é usada

para cada canção, e só porque uma determinada ferramenta não é usada não significa que a música é fraca. Além disso, o compositor pode ou

não usar essas ferramentas de forma consciente. Quando eu estava songwriting ativamente, eu usei muitas destas ferramentas

inconscientemente, e nem sequer reconhecê-los como ferramentas até que foram definidos para mim na faculdade. Francamente, essas

definições
ajudou-me mais como um produtor do que como compositor.

Agora, esses tipos de ferramentas por si só não são o que fazem uma canção grande. Se a melodia e letra são menos do que convincente, o

ouvinte tem uma ferramenta muito eficaz de seus próprios para a frente de movimento é chamado o botão de pular. Assim, o bom índice supera

impulso para a frente. Em outras palavras, um compositor pode empregar todas as ferramentas em seu arsenal, mas se ela escreve uma melodia ruim

e letras estúpidas, ele realmente não importa; a canção é irrelevante, e assim é empurrar para a frente.

Você pode ir tão profunda sob o capô songwriting como você gosta, e eu encorajo-vos a fazê-lo, mas o conceito importante a entender aqui é o

princípio do movimento para a frente. Enquanto você não pode controlar o que as ferramentas do compositor usado, você tem ferramentas de sua

preferência. É como o misturador de ter um papel activo na promoção e acentuando que o movimento.

Um bom produtor vai fornecê-lo com tudo que você precisa para empurrar o ouvinte para a frente e acentuar a recompensa. Isso não

significa que você não pode acabar com isso com o seu mix, se você não prestar atenção. Arranjo que se refere ao equilíbrio é uma parte

crucial de uma boa mistura. Não só as próprias peças ditar movimento para a frente, mas como você colocá-los na mistura vai também.

Grande parte da excitação numa mistura é criada pelo impulso para a frente constante para o coro. O coro é muitas vezes referida como a

"recompensa" precisamente por essa razão. Um misturador pode usar o equilíbrio, não só para ajudar com impulso para a frente, mas

também para melhorar a recompensa. Isto é conseguido através de relatividade.

Relatividade

Cada decisão equilíbrio que você faz afeta o mix de forma igual e oposta, particularmente no que se relaciona com o que vem a
seguir na música.

Você deve sempre pensar em equilíbrio em termos puramente relativos. Deixando de lado os fatores complicadores do compressor
bus estéreo, se você abrir a bateria, você também essencialmente derrubou todas as outras partes. Se você levar-se todas as partes,
mas os vocais, você praticamente derrubou o vocal.

Relatividade também existe entre as seções. O que quer que está acontecendo atualmente em uma mistura serve para configurar o que

acontece em seguida. A empurrar e puxar de equilíbrio é o fulcro você usa para manipular o ouvinte para a frente. Se você levar o verso inteiro até

1 dB no nível global, o ouvinte única percebe que a mudança nível relativo às seções antes e depois dele. Se você abrir um simples

preenchimento armadilha antes de um refrão, você efetivamente adicionado um impulso emocionante para a frente para o ouvinte. Mas se você

trazer essa armadilha angariar muito, você pode realmente enfraquecer a entrada do coro, fazendo-o parecer pequeno em comparação.

Você deve dar tanto peso a como uma decisão equilíbrio afeta a seção atual como você faz para como isso afeta o próximo.
Duas guitarras estridentes do topo para a base de uma mistura pouco fazem para melhorar o contraste. Trazendo para baixo o
nível relativo das guitarras no verso seria uma solução razoável para o problema. Enquanto o timbre dos instrumentos não vai
mudar, a diferença de nível vai
fornecê-lo com um pouco de contraste. Silenciar uma das guitarras pode ser ainda mais útil para promover o movimento de avanço e
retorno. Ou você pode deixar o mix apenas ser estática, mas se essa é a sua decisão, têm a música melhor abundância de movimento
para a frente por conta própria. Caso contrário, seu mix vai cair curto. Só porque o compositor e produtor ignorou o benefício de uma
boa recompensa não significa que você deve. Alguém precisa parar a loucura-lo poderia muito bem ser você.

Suponha que temos um agitador de ovo em uma produção de rocha que joga incansavelmente nos versos. Um agitador de ovo pode

causar estragos na recompensa do coro, especialmente se ele pára uma vez que o verso termina. Realmente não importa quão grande seja o

shaker ovo trabalha no contexto do versículo se ele acaba por destruir a recompensa coro. Este é muito grande um preço a pagar. Eu uso

este exemplo porque shakers, particularmente shakers de ovos, que contêm principalmente informação de alta frequência, pode ser difícil

para trazer dentro e fora da mistura rock, já que muitas vezes tem o efeito indesejável de causar as guitarras soar aborrecido quando vão

tácito.

Estes são generalizações extremamente amplas, e estou um pouco reticente em fornecer mais. Nem todo shaker maçante cada pista,
já que é tanto o material de programa global e do próprio shaker dependente da frequência. Você pode fazer um shaker ovo muito mais
alto em uma pista escassa R & B do que você pode em uma pista de rock. Isso porque a paisagem sonora básica de uma faixa de R & B
tende a fazer menos uso do midrange do que sua faixa básica rock. Shakers não causam a baixa final soar maçante em contraste.
Shakers peças maçantes que existem nas guitarras midrange-like superiores. Não é assim com tamborins. Você pode levar os-se tão alto
quanto você gosta.

Relatividade afeta tudo em uma mistura. Se você abrir a extremidade baixa no baixo, corre o risco de fazer o som kik muito pequeno. Se

você colocar um grande violão, linda em cima de uma banda de rock corajoso, você poderia muito bem anão os tambores. Se você arrumar

uma mistura com peças do midrange superior, você provavelmente vai ser forçado a colocar o vocal excepcionalmente frente no mix, como

todas essas partes de médio porte vai competir diretamente com o vocal.

Cada um e cada decisão equilíbrio provoca uma reação igual e oposta equilíbrio, tanto em tempo real e em que está à frente.

Eu poderia continuar por horas com exemplos retóricas de decisões de equilíbrio que pode potencialmente afetar outras decisões de

equilíbrio, mas os detalhes não vão ser de muita ajuda. De uma perspectiva de processo puro, as decisões de equilíbrio são a parte do leão da

mistura. Esses tipos de decisões interdependentes são feitos constantemente durante todo um mix. Mas se você começar a pensar sobre suas

decisões de equilíbrio com base em como elas afetam o que vem depois, você terá um tempo muito mais fácil alcançar uma combinação eficaz

em termos de imagem grande.

visualizando espaço
Se você pode visualizar o seu mix e usar todos os cinco aviões totalmente e de forma bem pensada, você trazer-te um longo caminho para a

criação de um mix que faz o que deveria. Isto é especialmente verdadeiro se você pode começar a trabalhar relatividade para a sua vantagem.

Não é o suficiente para pensar em como uma parte sons na mistura; você tem que pensar sobre como a parte afeta o mix, tanto em termos de

momento e em termos do que vem a seguir.

Para comentar: Nós temos cinco planos do espaço que se encaixam perfeitamente dentro das quatro dimensões de largura, altura,
profundidade e tempo. Panning usa equilíbrio através dos alto-falantes para nos fornecer a ilusão de largura; frequência usa o equilíbrio
em todo o espectro de fornecer-nos com a ilusão de altura. O contraste é relativo equilíbrio para o próximo evento no tempo, que nos
fornece tanto dinâmica real e a ilusão de dinâmica. Refletividade cria a percepção do espaço com base em como ele está equilibrada em
todas as quatro dimensões do mix. E equilíbrio em conjunto com os outros quatro aviões nos dá a percepção de profundidade, tornando
equilibrar a força motriz por trás de todos os cinco aviões.

Fácil. Agora vamos fazer uma mistura.

Há uma impressionante falta de linearidade envolvidos no processo de mistura. Enquanto o início eo fim de uma mistura são
relativamente processos definidos, é esse pedaço meio enorme onde você está aparentemente sempre fodendo mistura. Este notável
falta de linearidade pode ser atribuída à interdependência absoluta de tudo em uma mistura. É um quebra-cabeça complicado, em que
cega sorte pode ser tão útil para encontrar uma determinada solução como a avaliação considerado.

O processo de mistura é front-carregado com decisões gerais em uma mistura sem foco, e volta-carregado com pequenos ajustes
em uma mistura altamente concentrada. Considerando uma mudança de equilíbrio interno de 1 dB é nada menos do minúsculo no início
de uma mistura, é uma incrivelmente enorme ajustamento para alcançar o fim. O mais concentrado e refinado sua mistura se torna,
mais minuto os ajustes tenderá a ser, a ponto de que qualquer alteração no mix é uma prejudicial.

Claramente, se você nunca ouviu a música que você está indo para misturar, que vai levar algum tempo para se familiarizar
completamente com ele. Você vai perceber pontos fortes e fracos nas faixas. Em geral, você vai querer maximizar os pontos fortes e
minimizar os pontos fracos, embora se admita que nem sempre é o caso. Você também vai encontrar uma série de problemas, os
quais precisam de soluções. Como você aprofundar ainda mais seu mix, alguns desses problemas podem muito bem ser auto-infligido.
Este livro não pode salvá-lo de problemas de mistura auto-infligidos. Eu teria que ser capaz de me salvar a partir deles em primeiro
lugar. Cauda perseguindo apenas vai com o território da mistura. Bem-vindo ao clube.

Descoberta e Framing

Descoberta é o processo em que você reunir informações sobre sua nova faixa. Antes que você possa começar a tomar decisões
em relação à mistura, você precisa aprender a música, as partes, a gravação, as performances, e como todos eles funcionam
juntos. Se a pista é simples, o processo de descoberta será um relativamente curto. Se a pista está inchado com os restos
aparentemente infinita de decisões arranjo diferidos, você poderia encontrar-se no processo de descoberta para muitos longas
horas.

As peças que você escolher vai afetar diretamente a forma como você misturar a música. Se você aceitar esta premissa (e você deve), então

você realmente não pode começar a misturar até que você saiba exatamente o que está em seu arranjo. Há apenas um pequeno problema pouco.

Você não pode determinar o objectivo global de uma parte a menos que você realmente ouvi-la dentro do contexto da própria pista. Perante isto, você

realmente tem que construir um mix como você passar por sua descoberta. Eu chamo isso de enquadramento.

Framing é o processo "pinceladas" de construir o seu mix. É uma contrapartida importante para o
processo de descoberta. Um não pode ser realizado sem o outro. Como você construir seu quadro, você vai fazer descobertas; como você

descobrir, você vai construir seu quadro.

Desde que você vai ter um grande número de decisões a tomar ao longo da mistura, os primeiros estágios são um bom
momento para identificar problemas dentro da pista e determinar os pontos fortes e fracos da produção. Uma faixa com um
baterista medíocre no meio de uma faixa de outra forma sólida irá exigir uma abordagem mistura diferente da mesma faixa
propulsionado por um baterista sólida no meio de uma banda de média. Normalmente, você não vai sair de sua maneira de
apresentar o pior jogador na banda. Estes juízos de valor irá conduzir o seu processo de tomada de decisão na mistura.

Como você derivar mais informações a partir da faixa, e como se preparar mais peças para o quadro, você certamente vai mudar sua
mente sobre um grande número de coisas, especialmente no início da mistura. Esta é uma parte normal do processo. Seus julgamentos
mistura inicial são inerentemente defeituoso, dada a sua completa falta de informação. A boa notícia é que ninguém vai morrer de seu
primeiro palpite, eo representante rótulo não está esperando no fundo da sala para apressar o seu mix para a planta premente.

Os processos de identificação e de enquadramento são na sua maioria de investigação na natureza. A conclusão de seu quadro é o

que forma a base do seu mix. Até a sua fundação é definida, todas as decisões são temporários. Como tal, você deve estar aberto a todas

as possibilidades. Esta é a hora de experimentar com todas as idéias que vêm à mente. É através da experimentação que você vai fazer

suas maiores descobertas.

Seus juízos de valor sobre pontos fortes e fracos da canção terá um impacto direto em como você se aproxima de seu quadro.
Suponhamos que a parte de cilindro em uma faixa é nada particularmente especial, e a parte de baixo não só é atraente, mas fornece
uma ranhura sólido para a pista. Dada esta circunstância, você provavelmente deve liderar com o baixo. Se você tratar o baixo com a
importância que merece, ninguém nunca vai notar os tambores. Além disso, uma grande parte do baixo pode ser tão eficaz, se não
mais eficaz do que uma parte do cilindro onde o ritmo está em causa.

Leve Michael Jackson "Billy Jean", por exemplo. Obviamente, os tambores não são fracos nesta canção, mas eles certamente são
simples. O kik atinge a um e três; o laço atinge a dois e quatro. É isso aí. E, embora o kik e laço são as partes mais para a frente na
mistura, que é a parte de baixo que nos faz mover. Sim, há ritmos internos conduzidos pela shaker eo chapéu, e eles são importantes na
forma como a música nos faz mover, mas o baixo é a força motriz inconfundível de que a cama. Francamente, eu sinto a parte de baixo é
misturado muito baixo para a faixa. Mas que tem tudo a ver com a mistura e produção tendências do tempo quando comparado com
agora, e não deve ser tomado como uma crítica de qualquer Quincy Jones ou julgamentos mix de Bruce Swedien. Eu acho que há
demasiada reverb em Michael vocal, também, mas é assim que as músicas foram misturados nos anos 80. (Sei que acabei oferecido
notas mix no álbum mais bem sucedido de todos os tempos, mas eu tenho que fornecer algo suculento para as crianças sobre os fóruns
de áudio Internet para falar.)

Em última análise, você provavelmente vai programa de automação em seu mix. Quanto automação que você precisa
depende de uma série de fatores, incluindo a agressividade relativa do gravado e produtor, o escopo geral e tamanho do arranjo, e
seu próprio nível pessoal de compulsão. Não deixe que a palavra "compulsão" jogá-lo. É obtido um mau rap ao longo dos anos,
dada a sua definição clínica. Enquanto compulsão pode ser uma característica um tanto negativo para o seu cônjuge para expor, é
um totalmente necessária como um mixer. Ainda assim, há momentos em específico a ser compulsivo e as fases iniciais de uma
mistura não se qualificam. Portanto, antes de apresentar a bela natureza compulsiva de seu (não deixe ninguém lhe dizer o
contrário), você precisa para operar em traços largos. Seu objetivo nesta fase do jogo é criar uma mistura estática razoavelmente
sólida, na qual foram feitas a grande maioria das suas decisões de peças.

Enquanto certamente haverá arranjos que estão em necessidade desesperada de alguma poda de mão pesada, é uma aposta
razoavelmente seguro que você vai usar a maioria das partes da sessão. Perante isto, assim como você pode cavar na direita e começar
a misturar a besta. Desde que você precisa de contexto para tomar decisões arranjo, não há nenhuma razão para foder. Comece com a
carne da pista, e não, isso não é o vocal.

Certamente, o vocal é o foco principal da pista, mas é a própria faixa que forma a base de sua mistura. Se a pista não chutar o
traseiro, o vocal será ineficaz. Em particular, a parte inferior da faixa funciona como a fundação, em geral, e na maior parte da
música moderna, que vai ser o baixo ea bateria. Desde o baixo sozinho não oferece contexto útil, você deve começar com a
bateria.

Coerência fase

Os vários microfones que cercam um kit de bateria ao vivo fornecer mais contexto, no início de uma mistura do que qualquer outro instrumento

único. Embora você vai encontrar ocasionalmente kits de bateria gravados com apenas um ou dois microfones, a tarifa normal é mais da ordem

de oito a 12 microfones, todos gravados com as suas próprias faixas discretas. Dada a abundância de microfones, tambores são o primeiro

instrumento que podemos realmente processo, equilíbrio, e para essa matéria, misture.

Vários microfones contidos dentro de uma faixa de 6 x 6 pés de imóveis pode ser nada menos do que problemática. Microfones
em estreita proximidade um do outro pode causar problemas de coerência de fase, e é melhor para descobrir e corrigir problemas de
coerência fase inicial na mistura, particularmente quando não há mais nada para distraí-lo. Este é mais um argumento para iniciar com
a bateria.

Microfones têm padrões de captação distintas, e quando esses padrões de captação cruzam, eles interagem. Isto pode causar coisas

malucas para acontecer, incluindo a erradicação total de certas frequências ea inclinação ímpar de informações centro em uma imagem

estéreo. Quando qualquer um destes sintomas ocorrer, você tem um problema de coerência de fase.

A regra geral é, melhor o baterista, menos mics as necessidades gravado. Um grande

baterista tem tal controle sobre seus próprios saldos e é tão consistente em tom e timbre que nada mais do que um par bem colocado de

microfones é necessário. Claro, isso não significa necessariamente evitar uma determinada gravado de colocar 20 microfones em um baterista

de classe mundial. Também não impedi-lo de silenciamento alguns desses microfones, especialmente se você descobrir problemas de

coerência de fase.

O exemplo mais flagrante de um problema de coerência de fase é a polarização inversa, e este fenómeno pode ser facilmente
demonstrada. Tudo que você precisa fazer é inverter a polarização de um lado de uma faixa estéreo. Isto pode ser feito pela
comutação fisicamente os dois fios de entrada na parte de trás de um monitor passivo (monitores activas têm entradas XLR), ou
electronicamente através da inserção de um plug-in com uma fase inversa acoplado de um lado da pista de som. Um botão de
inversão de polaridade (virtual ou não) terá a seguinte símbolo sobre ele: 0

Se você trabalha em um DAW, você será bastante familiarizado com a representação visual de uma onda sonora. Qualquer
porção da onda que está acima do ponto nulo (a linha central) é positiva, e qualquer porção da onda que cai abaixo do ponto nulo
for negativo. Em termos mais simplistas, a parte positiva do soundwave empurra o alto-falante, e a parte negativa puxa o
alto-falante. Se você inverter a polaridade, você está literalmente reverter a onda sonora para que o positivo se torna negativo, e o
negativo torna-se positivo . Ao inverter a polaridade de um lado, você vai de fato causar um cone para empurrar para fora
enquanto os outros puxa.

Se você nunca ouviu o que polaridade invertida em um lado de um aparelho de som trilha soa como, você precisa.
Experiência com isso usando o seu favorito via de referência profissionalmente mista para ter certeza de ter algumas
informações centro identificável para avaliar. Reproduzido normalmente, o vocal parece que vai vir do centro de seus dois
monitores. Jogado com um lado invertido, o centro vai se tornar tão distorcida e evasivo dentro da imagem estéreo que
você vai se sentir como se a música é realmente em torno de sua cabeça, em vez de que emana dos alto-falantes antes
de você. Como se isso não é estranho o suficiente, você também vai perder uma quantidade considerável de gama baixa.
Esta inversão da polaridade é muitas vezes referida como "180 graus fora de fase", que é o máximo que dois sinais pode
estar fora de fase um com o outro. Se você não tiver feito isso,

No papel, não há nenhum problema de coerência fase pior do que dois sinais 180 graus fora de fase um com o outro. Na praticidade,

não há nenhum problema de coerência de fase mais desejável ter, já que é tão fácil de resolver: basta pressionar o botão de fase reversa

em uma das duas fontes e de bam-tudo ótimo! É as gradações de coerência de fase que são muito mais problemático. Na realidade, uma

questão de coerência de fase de 90 graus é o pior problema de ter, desde inverter a polaridade só vai servir para fazer as faixas de forma

igual e oposta fora de fase. Eu não posso sequer começar a dizer-lhe como obter dois microfones para ser precisamente 90 graus fora de

fase uns com os outros, mas você sabe que quando você se deparar com ela, o botão de inversão de fase serão prestados em grande

parte irrelevante.

Fase coerência também irá afectar negativamente dois sinais mono combinadas. Se você apontar dois
microfones directamente um para o outro, para todas as intenções e propósitos, eles será 180 graus fora de fase um com o outro.
Enquanto não há nenhuma imagem estéreo para inclinar entre os dois microfones, não será certamente uma perda significativa de
informações low-end. Muitos recordists gostaria de mic tanto a parte superior e inferior de uma caixa de bateria: o microfone superior
essencialmente voltada para o microfone de fundo, com a tarola entre eles. Se estes dois microfones foram combinados em uma faixa,
não há nada que você possa fazer sobre isso além de esperar e rezar para a gravação de sabia o que ela estava fazendo. Eu posso
prometer-lhe, se a gravação de não inversão de polaridade no microfone baixo, você vai estar adicionando uma porrada toda a EQ
low-end para essa faixa armadilha. Se a gravação de deu-lhe a parte superior e microfones de fundo separadamente, então você'

Sempre que você receber um laço superior e inferior miked, você deve selecionar um plug-in que tem inversão de fase como uma opção e

inverter a polaridade do microfone inferior ao escutar os dois microfones combinados. Se você estiver trabalhando em um console analógico, você

provavelmente vai ter um botão de inversão de polaridade em cada módulo. Certifique-se de ter uma combinação dos dois microfones razoavelmente

perto de como você imaginá-los. Saldos entre microfones combinados nas proximidades irá afectar grandemente como eles interagem. Uma vez que

você inverter a polaridade do canal laço fundo, você quer perder significativa low end, ou você vai ganhá-lo. Se você ganhar baixo final, os

microfones estavam fora de fase um com o outro; se você perder low-end, a polaridade estava certo. Mesmo se você preferir alguma forma o laço

com o fundo de microfone 180 graus fora de fase, você ainda deve obter o seu direito a coerência de fase. Há maneira são muitas outras microfones

que irão interagir com o microfone da caixa de fundo para que você possa deixá-lo assim. Você deve obter o seu direito a coerência, e usar o seu EQ

e compressão para moldar os tons.

Alguns problemas não são tão simples como dois microfones snare enfrentando uns aos outros. Por exemplo, em relação às despesas

gerais, você pode achar que o tambor kik fica consideravelmente mais profunda quando você inverter a polaridade sobre ele, mas essa

mudança de tonalidade pode ocorrer à custa de um sockier low end punchier,. Que tom é melhor realmente depende da pista, mas você seria

duramente pressionado para mudar a tonalidade gravado do kik dessa maneira a menos que você encontrá-lo para ser claramente melhor

para a pista como um todo. Neste exemplo em particular, provavelmente não foi uma questão de coerência de fase entre as despesas gerais e

o kik-não que precisava ser tratada, de qualquer maneira.

Você também deve verificar a coerência de fase entre todos e quaisquer pares estéreo de microfones. Francamente, seria um grande feito

para você gastar semanas trabalhando em uma pista com duas overheads 180 graus fora de fase, por isso este é um evento improvável. Mas

verifique qualquer maneira, pelo menos até que você esteja completamente alérgico a questões de fase estéreo.

Agora, se uma sobrecarga é de fato revertido, então você vai querer descobrir se é a esquerda ou a direita que é o problema.
Se inverter a sobrecarga esquerda (sobre o laço) afeta negativamente a informação final baixo na caixa, então você vai querer
inverter a polaridade na sobrecarga direita. Inversamente, se revertendo a sobrecarga direita erradica a baixa final sobre o tom
chão, você vai querer inverter a sobrecarga esquerda. Se reverter a esquerda mata a baixa final laço, e invertendo o direito mata
extremidade baixa tom, então você vai ter que reverter uma das despesas gerais e o microfone correspondente
abaixo dela. Fun, hein?

Não é incomum para um par estéreo de microfones suspensos para ser 180 graus fora de fase com todos os microfones de proximidade. Isto

geralmente acontece quando um par XY foi configurado de frente para o kit de trás do baterista. Seu gravado deveria ter lidado com isso, mas nós não

estamos tentando colocar a culpa aqui. Sua única preocupação é obter os microfones para trabalhar da melhor maneira possível. Há pouco benefício

para mencionar questões inversão de fase para os clientes, a menos que você realmente tem que sair para a gravação de. Ensacamento na equipe de

gravação geralmente não é recomendado, pois pode certamente sair pela culatra.

No momento em que eu começar a misturar como produtor, eu geralmente sou muito familiarizado com quaisquer problemas de coerência de

fase. Mas merda acontece. Microfones ocasionalmente ter colidido momentos antes que take perfeito, e em seguida, mudou-se de volta sem uma

palavra. Assim, questões de coerência de fase pode acontecer a qualquer um, mesmo o mais compulsivo recordists e produtores. Mesmo se você

estiver familiarizado com a pista, permitir-se o tempo para percorrer o processo de descoberta completa na bateria, experiência com inversão de fase,

e certifique-se que você não perca algum problema de coerência durante o processo de gravação.

Tenha em mente que qualquer microfones que estão em estreita proximidade um do outro pode ter problemas de coerência de
fase. Você precisa verificar a coerência em armários dupla miked guitarra, violões dupla miked e miked-stereo B3S, piano,
percussão, etc. Para o registro, enquanto há ocasiões em que dois microfones em uma fonte mono funciona bem, Acho que é
geralmente um microfone demais.

Bateria

Como você enquadrar o seu mix de tambor inicial, você só terá o contexto dos próprios tambores, mas isso deve dizer-lhe muito logo de cara. Por

exemplo, o tamanho da sala os tambores foram registrados em vai ser muito aparente quando você abrir seus microfones. Se os tambores foram

registrados em uma grande sala, reflexivo com pouco desconcertante, os microfones perto certamente irá conter alguma informação sobre o quarto.

Isto tenderá a amarrar suas mãos um pouco como um misturador, como você não pode erradicar a refletividade capturado por esses microfones.

Se, por outro lado, os microfones próximos são relativamente seco na natureza, você foi dado muito mais controle sobre a quantidade de

refletividade você pode usar em seus tambores.

Como discutimos anteriormente, as informações reflexiva a partir de uma grande sala, que, em seguida, dobras de volta para os microfones

perto, é difícil mudar. Suas duas opções são a porta de bateria miked-close (ou com uma porta de ruído ou editando entre as batidas de tambor),

ou para provar-substituir a bateria. Eu abomino as duas opções, como eles som muito natural, mas independentemente da minha opinião sobre

isso, haverá momentos em que tal tratamento é apropriado. Você pensaria que o produtor iria fornecer as faixas de bateria amostradas se ela

estava interessada em um som tão claramente antinatural. Independentemente disso, se você acredita que pode melhorar a continuidade geral

dos tambores dentro da faixa de gating, amostra de aumento, ou amostra-substituindo-os, em seguida, por todos os meios que você deve fazê-lo.
 Gating Toms é uma técnica comum para reduzir o seu anel simpático, embora erradicar completamente tom que é
sensivelmente não natural em um kit vivo. Se você encontrar o anel para ser muito arrogante no mix global de tambor, e que você
preferiria não ter para automatizar cada hit tom, você sempre pode fazer uma cópia de cada faixa tom, deixe um abertos (como
registrado), portão ou editar a cópia, e combinar a gosto. Enquanto as duas faixas estão nos locais exatos mesmo tempo-selo (e
estamos falando com a amostra), você não terá problemas com a eliminação progressiva. Esta técnica irá oferecer-lhe o controle
sobre o quanto anel existe sem negar completamente o efeito de colagem que o anel tom fornece um kit de bateria.

Para o meu dinheiro, portões de ruído são um pedaço relativamente arcaica de engrenagem, particularmente desde que você pode facilmente

programar mudos em um console automatizada, ou editar rapidamente o lixo com a sua DAW. Eu prefiro editar a faixa do que ter de lidar com as

falhas de ignição inevitáveis ​de um portão. Os princípios são os mesmos, então a metodologia é puramente uma questão de preferência.

Alguns misturadores gostaria de combinar um sinal comprimido global sobre os tambores com os canais de bateria individuais

descompactados. Isso é chamado de compressão paralela, e pode ser uma técnica eficaz. compressão paralela aplicada a um kit de bateria

é muitas vezes referida como a compressão Nova York, supostamente porque era uma técnica popular e na moda naquela região. Embora

não haja um efeito único que oferece uma compressão paralelas, uma vez que depende em grande parte de como você misturar os sinais

comprimidos e não comprimidos e como fortemente você compactar os tambores, é certamente uma técnica que você deve explorar.

compressão paralela também pode ser bastante útil na bateria individuais. Por exemplo, se o seu tambor kik é um pouco woofy,
misturando um sinal kik-comprimido com o descompactado vai lhe dar mais ataque sem diminuir o impulso low-end. Vá em frente e
fixar o medidor de entrada do compressor, se quiser, e ajustar a mistura a gosto. Você não vai precisar muito desse sinal
comprimido para obter o benefício desejado de um ataque duro. Esta é uma técnica especialmente útil para o hip-hop, já que é tão
importante para obter esse baixo final maciça de seu kik sem sacrificar completamente o seu soco. loops de bateria também são
bons candidatos para esta técnica. Francamente, compressão paralela funciona melhor com compressores analógicos,
particularmente os de ação rápida, como qualquer um dos compressores da série DBX 160.

Enquanto uma bateria completa ao vivo é a configuração mais comum para uma mistura rock, hip-hop, R & B e música pop costumam

usar loops de bateria e / ou tambores programadas. Não há um lote inteiro que posso dizer sobre a mistura de bateria programadas, além de

equilibrar EQ e seguir em frente. A compressão não é tipicamente necessário numa amostra, salvo talvez o produtor exagerei um pouco com a

programação de velocidade. samples de bateria raramente soar natural, e geralmente não são feitos para, então eles não são particularmente

difícil de lidar. O mesmo não pode ser dito sobre loops de bateria.

loops de bateria são nada mais exótico do que tambores pré-misturados. Loops são, por vezes, aparelho de som, por vezes mono.

Trazendo um loop de bateria pode lhe dar satisfação instantânea como um mixer. Bam! Tambor
misturar feito. Bem, talvez não. Se tudo que você tem em sua paleta de tambor é um loop ou dois, você provavelmente vai precisar de manipular

esses circuitos para maximizar a eficácia de seu mix. EQ processamento pode ser um pouco problemática, uma vez que irá afectar toda a mistura do

tambor de maneira uniforme. Se você adicionar extremidade baixa na esperança de empurrar mais ar com o kik, seu laço tom tambor poderia se

tornar overbearingly musculoso. Da mesma forma, se você adicionar mais crack para o seu laço com um aumento de 2 kHz, você poderia fazer o

transitório no kik insuportável. Tal é a natureza das laçadas.

Trabalhando com loops é o exercício final de compromisso dado o controle limitado que você tem. Na maioria dos casos, você não
terá que realizar a cirurgia. Quer dizer, o produtor e artista foram ouvir a faixa com esse ciclo por um tempo agora, a menos que eles
estão à nora, o laço é provavelmente indo para o trabalho. No entanto, há ocasiões em que medidas extremas são necessárias, e se
duplicar um laço e cortar-lo para fins de impulsionar ajuda o impacto global da mistura, por todos os meios fazê-lo. Você ainda pode usar
técnicas de inversão de fase em uma cópia EQ'ed radicalmente do circuito para cancelar determinadas freqüências. compressão de
banda múltipla é uma ferramenta útil como bem. Seja tão agressivo quanto você precisa estar com um ciclo, mas apenas tão agressivo
quanto você tem que ser.

Independentemente de saber se você está misturando ao vivo, programado ou em loop bateria, o seu contexto nos estágios
iniciais de enquadramento é limitado aos próprios tambores. Como dizer como isso pode ser, você não terá uma sólida
compreensão da grande imagem até que você tenha consideravelmente mais partes. Para tudo você sabe, essas impressionante
enormes microfones de sala poderia ser completamente errado para a pista. Por outro lado, esses tambores perversamente
secos, que soam como se eles foram registrados em uma câmara anecóica, poderia ser na necessidade desesperada de algum
tratamento reflexivo uma vez que você abrir as outras partes. Você não pode fazer suas decisões de tratamento completo até que
você tenha uma compreensão razoável da produção global. Diante disso, seria inútil para gastar uma enorme quantidade de
tempo tentando reformular tambores que poderia muito bem funcionar perfeitamente com a pista.

Baixo

O baixo pode ser a parte mais difícil de acertar em sua mistura. É a parte que eu slave sobre, desde um baixo forte e um fundo sólido são

fundamentais para uma combinação eficaz. A melhor maneira de fazer um mix aparecem grande é com extremidade inferior. Infelizmente, uma

extremidade baixa arrogante também pode engolir todo mix, então há uma boa razão para pagar uma atenção especial a esta área. Sem uma

base sólida, o seu mix vai desmoronar, e eu prometo a você, o baixo é parte integrante dessa fundação.

Existem dois principais problemas em lidar com o baixo. O primeiro é como você se aproxima o casamento global e
interação do baixo e kik. A segunda é como você fornecer forte baixa final sem lavar o movimento musical geral da peça. Não
há nada mais decepcionante em uma mistura de um baixo que está apenas ocupando espaço low-end e fazendo nenhuma
contribuição musical real. Isso poderia muito bem ser a sua única opção disponível se o baixista é fraco ou uninventive em sua
parte. E se,
Por outro lado, o baixista é forte e criativo, é incumbente em cima de você para se certificar de sua parte é destaque no mix
sem deixá-lo roubar o show.

Como misturadores lidar com a baixa final em suas misturas é o que separa os homens dos meninos neste negócio, e eu me considero bastante

viril a este respeito. I gastar uma enorme quantidade de tempo certificando-se de minha extremidade baixa é exatamente correto. Sólidos de baixo

final é o que faz um mix cantar (o que vamos falar em um momento). Francamente, eu prefiro ter um baterista fraco do que um baixista fraco. Na

ausência de uma forte parte de baixo e desempenho, uma mistura desmorona como uma casa construída diretamente sobre um pântano.

Seu único contexto para o baixo nesta fase inicial serão os tambores; o tambor Kik em particular. O baixo, ao contrário do tambor
kik, é um instrumento harmônico. Embora a frequência fundamental do baixo produz é totalmente dependente da nota que está sendo
jogado, o baixo geralmente ocupam um espaço global de baixa frequência. Da mesma forma, o Kik ocupa um espaço total de baixa
frequência. O truque consiste em fornecer uma separação clara entre a sua extremidade baixa kik e seu baixo low end. A maneira de
fazer isso é permitir que um para ir acima ou abaixo do outro.

Como discutimos anteriormente, frequências mais baixas são menores dentro do campo de som. O baixo deve aparecer
inferior no plano das frequências do que o Kik, ou vice-versa. Realmente não importa se o kik parece estar abaixo o baixo ou o
baixo parece ser abaixo do kik. Essa decisão deve ser tomada com base no que você acha que é mais eficaz para a pista. O que
importa é que você conscientemente criar uma separação low-end entre os dois instrumentos.

Às vezes isso é uma decisão fácil. Se você está dado uma gravação de um baixo de cinco cordas em conjunto com um tambor
kik gorducho que tem um impulso low-end fundamentais a 100 Hz, o seu tambor kik está a ir acima do baixo-que a decisão já foi
feita pela gravado e produtor. Enquanto você certamente tem o poder de alterar a relação low-end usando técnicas de equalização
e de coerência de fase, não há nenhum ponto em substituir uma decisão que já funciona. Para decisões menos óbvias, é preciso
considerar que o kik eo baixo são mais eficazes no contexto da mistura. Se a parte de baixo é forte e integral à mistura, esta deve
receber primeira consideração, particularmente, já que é harmônica na natureza.

A maneira mais fácil de jogar um baixo em um espaço menor freqüência é combinar a pista DI com o amp. Se
você não tem tanto uma DI e uma pista amp, você não pode usar esta técnica. Felizmente, é raro ter apenas um ou o
outro. Colocados em suas posições timestamped naturais na sessão gravada, o amplificador será, naturalmente, um
pouco atrás da pista DI no tempo. Se você aumentar o zoom sobre as duas faixas de baixo na sua DAW, você pode
ver visualmente este atraso. Ao combinar os dois sinais, coerência de fase vai afectar o espaço de base de baixa fim
de que a parte de baixo ocupa. Além disso, se você inverter a polaridade na pista DI, você provavelmente vai notar
uma tremenda mudança na tonalidade geral do baixo. Dependendo dos saldos relativos do DI e faixas
amplificadores,

Não há nenhuma maneira de obter a separação absoluta entre o kik eo baixo, nem que você iria querer isso.
Por mais que você está procurando separação, você também está à procura de um determinado casamento entre as partes. Não é por
acaso que os baixistas e bateristas tendem a projetar peças que trabalham diretamente juntos. Seu objetivo é criar separação
suficiente para que as duas partes não totalmente competir uns com os outros. Se eles competem, você terá, uma confusão
enlameada indefinido na parte inferior de seu mix. Cada mistura bem sucedida ou tem o baixo aparece acima ou abaixo do kik. Deve
haver alguma separação total de baixa frequência entre os dois, e que a separação muitas vezes precisa ser massageado e
manipulados.

Se você foi dado tanto um DI e uma pista amp, você tem várias opções. Você pode misturá-los como eles são. Você pode
inverter a polaridade de um e misturá-los juntos. Você pode deslocar a posição de tempo do amplificador (ou DI), a fim de melhorar
a coerência de fase entre eles. Ou você pode despejar um deles. É provável que você usar cada uma destas opções ao longo de
sua carreira. Simplesmente não há maneira de prever qual método funcionará melhor para uma determinada faixa.

Como você colocar mais peças em seu mix, você vai ter uma ideia muito mais clara de como abordar a relação kik-bass. Você
poderia muito bem inicialmente decidir que o kik funciona melhor sob o baixo, só para mudar sua mente uma vez que você trazer o resto
das partes. Portanto, gastando uma enorme quantidade de tempo no baixo antes de ter mais informações é um desperdício de tempo.
Depois de ter todas as suas peças na mistura, você terá uma compreensão muito mais clara de quão bem os cortes de graves parte
através. Misturando baixo não é apenas sobre massageando um baixo final robusto. O baixo fornece a base musical de uma faixa, e,
portanto, é importante para o ouvinte para ser capaz de ouvir o movimento da peça.

Uma vez que suas outras partes estão na mistura, e que determinou o espaço low-end seu baixo ocupará, então você tem que lidar com a

forma como a peça funciona musicalmente na mistura. Uma grande parte do baixo pode realmente fazer uma pista de cantar, e você quer fazer

tudo o que puder para que isso aconteça. Quão difícil uma perspectiva este é depende da densidade total da pista. É geralmente muito fácil de

lidar com o baixo em uma pista escassa. Quando há muito pouco acontecendo na mistura, você tem uma quantidade enorme de espaço, e não

há melhor candidato para preencher esse espaço do que o baixo. É as faixas densas com partes de baixo ocupadas que podem ser

excepcionalmente desafiador.

Uma maneira de ter certeza de que as notas no baixo são facilmente ouvido é certificar-se há uma abundância de informações
midrange, em qualquer lugar de 1 a 6 kHz. Se você varrer dentro dessas frequências e ajustar o seu Q de forma adequada, você pode
encontrar conotações no baixo, que são uma oitava da fundamental. Quanto mais densa a mistura, mais midrange você provavelmente
precisará do baixo. Infelizmente, muito midrange vai fazer o seu som de baixo fina e fibrosa, e há um ponto de retornos decrescentes.
Fret e ruído dedo também se tornou consideravelmente mais evidente devido ao excesso de informação midrange. O truque é obter um
equilíbrio razoável entre os harmônicos superiores e a nota fundamental.

Sobre a produção direita, você pode obter um baixo para cantar com absolutamente nenhum ruído de cordas qualquer. Assim, adicionando

midrange não é necessariamente o melhor, ou mesmo única, solução. Além disso, se o baixo sobe para oitavas superiores, o fundo pode cair

para fora debaixo de seu mix. Isso pode fazer um compromisso

difícil na melhor das hipóteses, e impossível na pior das hipóteses. Nessas ocasiões, quando você encontrar um compromisso EQ razoável

a ser problemático, você pode ter que dividir o baixo e fornecer um processamento único para diferentes seções da peça. Esta não é uma

opção preferida, certamente não por mim, mas temos de fazer o que for necessário para fazer o mix ótimo.

Bass é um instrumento interessante que muitas vezes você pode distorcer a merda viva fora dele, sem que seja audível dentro
do contexto da pista. Às vezes você pode ouvir a distorção, e isso é bom demais distorção é amigo de um misturador; nós amamos
distorção. Com o tipo certo de distorção, você pode fazer as notas e movimento do baixo audível, sem aumentar, artefatos fibrosas
indesejados. Esta metodologia é especialmente eficaz em partes de baixo, onde não existem realmente os harmônicos superiores e
ataque string.

Todo o propósito de usar um amplificador em primeiro lugar é adicionar distorção ao tom. Se tudo que você tem é uma DI de
graves ou se o baixo amplificado é particularmente limpo, você pode considerar adicionar alguma distorção para o benefício da
pista, independentemente do gênero. Certamente o gênero vai ditar o quanto, e precisamente como audível você faz essa distorção,
mas é uma técnica pena investigar, especialmente se você quer melhorar a audibilidade geral da peça.

Distortion vem em muitas variedades. Você pode distorcer um baixo (ou qualquer coisa, para que o assunto) uma série de maneiras. Você

pode sobrecarregar a saída de um compressor analógico ou a entrada de um módulo sobre uma mesa de mistura. Você pode distorcer um baixo

brilhantemente, executando o sinal através de determinados pré de microfone. Você pode usar um-a SansAmp variedade de hardware ou a

variedade de software (que eu chamo de um sans Sansamp). E há toda uma infinidade de plug-ins que você pode usar para este fim, incluindo

emuladores amplificador de baixo, emuladores de saturação de fita, ou mesmo coro, flange e efeitos de fase. O tipo de distorção e quanto você

usa irá variar muito, dependendo do que você está tentando alcançar, e não há maneira de descrever a distorção ideal para qualquer situação.

Sua melhor opção é experimentar. Isso é o que eu faço, até hoje, e, especialmente, quando eu chegar em minhas mãos uma peça desconhecida

de artes. Você nunca sabe como uma determinada peça de engrenagem irá distorcer até que você realmente tentar.

Por último, haverá momentos em que você não tem absolutamente nenhuma escolha a não ser montar certas notas graves. É uma dor

na bunda, mas a gravação, por vezes, exige. Há uma série de factores que podem causar inconsistências que não podem ser contidos com

compressores e limitadores sozinho. Muitas vezes isso acontece quando há uma frequência de ressonância em uma sala insuficientemente

tamanho, mas o baixo ou o jogador pode facilmente causar este fenômeno. Independentemente do motivo, é o seu problema de lidar com vir

misturar tempo, e se compressão por si só não é suficiente para controlar inconsistências no nível baixo, você vai ter que fazer alguns

passeios.

Níveis de monitoramento

Quando você está trabalhando na parte inferior do seu mix, você vai precisar para bombear um pouco de ar. Você não pode fazer
decisões a respeito de graves em níveis baixos de monitoramento. A quantidade de ar que você empurra é com você,
mas, no mínimo, você deve empurrar em torno de 85 dB, medido a partir da posição de mistura. 85 dB passa a ser o
SPL em que a nossa audiência é relativamente plana. Às vezes, você pode até querer monitorar em níveis mais
elevados, mas ser avisado: longos períodos expostos a highdecibel níveis pode, e irá, causar danos ouvido no longo
prazo. Se você quer entender exatamente quão alto 85 dB é, ir para a Radio Shack e comprar um medidor (nível de
pressão sonora) SPL. Como um guia geral, uma única pessoa falando gera 60 dB de som, e nosso limiar de dor é
alcançado a cerca de 100 dB. Enquanto 85 dB é um volume razoavelmente seguro para se trabalhar por longos
períodos, você não quer trabalhar o dia todo naquele nível. De fato,

Como seu mix trabalha fora do seu quarto é chamado de tradução, e você quer que seu mix de traduzir bem em tantos lugares quanto

possível. Francamente, monitorização a uma variedade de níveis é muito mais benéfico a tradução do que a mistura em vários conjuntos de

monitores. Tanto a extremidade baixa e parte alta respondem de forma diferente dependendo da quantidade de ar que você empurrar a partir dos

alto-falantes. Você deve chegar a compromissos em suas decisões de equilíbrio com base em como a mistura reage em diferentes volumes. Eu

prometo, se você monitorar com volume elevado durante todo o dia, seus níveis de percussão vão acabar escandalosamente alto no contexto da

mistura. Se você misturar em volume baixo durante todo o dia, a sua extremidade baixa vai ser completamente fodido. Assim como você deve

monitorar em uma variedade de níveis, você também deve avaliar o seu mix de mais de um conjunto de monitores.

I pode misturar um álbum inteiro em um único par de monitores, mas eu venho fazendo isso por um tempo. Um segundo par faz misturando

muito mais fácil, e quando você está aprendendo como misturar, eu recomendo que você use pelo menos dois conjuntos de monitores. Isso por si

só vai ajudar tremendamente com o exterior tradução de seu quarto. Seu mix vai reagir de forma diferente em cada par de monitores, e

comprometer entre eles lhe dará uma maior probabilidade de tradução bem sucedida, especialmente se você alternar entre um pequeno conjunto

de quase-campos e um conjunto maior de meio-campo, ambos os quais nós vai discutir no próximo capítulo.

Idealmente, você quer misturar para cada tipo de sistema que existe. Seu mix deve funcionar tão bem em um aparelho de som barato

como ele jogado em um sistema de som high-end. Isto é onde a maior headfuck vem, porque se você ouvir a sua mistura em uma variedade de

diferentes sistemas fora de seu quarto, você está indo só para confundir a merda que vive dentro de si mesmo. Seu mix reagirá de forma

diferente em cada sistema. Este é um dado. O que é relevante é a forma como o seu mix funciona em um sistema quando comparado a outras

misturas jogado no mesmo sistema. Portanto, antes de mudar seu mix com base em como o seu laço traduz em um aparelho de som com

alto-falantes de quatro polegadas, primeiro você precisa ouvir outras produções sobre esse mesmo boom box.

Perante isto, você é muito melhor ter sua própria referência fora do sistema-um que você está completamente familiarizado com-que
correr pela cidade tocando sua mistura em todas as caixas de som dos seus amigos e sistemas de som do carro. A última coisa que você
quer fazer é tomar decisões com base em como a mistura responde em um ambiente não controlado. Francamente, contanto que não há
qualquer tradução debilitante
questões, seu quarto deve ser a sua melhor referência. Todo o propósito de construir uma sala acusticamente tratada, isolado-som é

fornecer monitoramento preciso. Eu vou entrar em grandes detalhes sobre o monitoramento no próximo capítulo, mas o seu quarto deve

ser o lugar onde você pode seguramente fazer decisões críticas sobre o seu mix. Não é onde você obter uma estimativa aproximada só

assim você pode afinar a mistura com base no aparelho de som no porão da casa do seu melhor amigo. Se seu porão é mais preciso do

seu quarto, em seguida, misture lá. Tudo o que disse, se você deve usar uma referência externa para avaliar a tradução, você deve

escolher um sistema e ficar com ela. Vendo como você provavelmente ouvir música em seu carro, que seria um bom lugar para começar.

Trazer as peças!

Com o nosso baixo e bateria quadro em pleno vigor, finalmente é hora de trazer as outras partes. Se você não está se divertindo ainda, você

agora. Esta é a minha parte favorita do mix. A canção é fresco. As peças são frescos. Cada faixa desdobra um de cada vez. É quase como

ler um romance. Cada nova pista é uma surpresa. Isto é o que a mistura é toda sobre! Então divirta-se. Trazer suas peças, ouvi-los,

avaliá-los e colocá-los em seu quadro. Se você acha que uma faixa precisa EQ, dar-lhe algum. Se você acredita que uma peça

necessidades limitante, ir para ele. Não considere, não ponderar, não debater-se; apenas processo, pan, e seguir em frente. Se você não

tem certeza sobre uma parte, silenciar-lo temporariamente. Você não está olhando para tomar decisões permanentes. Você quer construir

um quadro no qual você pode trocar quaisquer e todas as partes dentro e fora do

misturar.

Faça o que fizer, não se atolar em qualquer parte particular. Você quer trabalhar rápido. Deliberações neste momento são apenas um

desperdício de tempo. Você precisa de uma melhor compreensão de como todas as partes trabalham em conjunto em primeiro lugar. Suas

primeiras decisões são baseadas puramente na cama instrumental. Até que você já ouviu as letras, a melodia, e como as obras de produção como

um todo, você realmente não pode começar a finalizar decisões.

Não ser um infortúnio, neste momento de grande emoção, mas devo avisá-lo de que, se a gravação é particularmente atroz,
trabalhando rápido não é sequer uma opção. Você está em um dia longo e trabalhoso. Esperemos que ele é, pelo menos, uma boa
canção. Infelizmente, a gravação não é o único obstáculo potencial. Um arranjo fora de foco pode ser igualmente demorado.

Uma faixa altamente focalizado entregue por um produtor que tem uma visão clara é uma explosão de misturar, especialmente quando é uma

grande canção. Se o produtor ou a banda ficou confuso em algum lugar ao longo do caminho e, assim, adiada algumas decisões, essas decisões

diferidos estão agora sua a fazer. Não é grande coisa, realmente. Claro que, se o produtor, o artista, e todos, mas a namorada do cantor perdido

completamente o enredo e pegou um ataque desagradável de Arrangementus Diarrheaus, adiando assim como muitas decisões quanto

humanamente possível na pista que está prestes a misturar, eu sou desculpa.

A pista sofrendo de Arrangementus Diarrheaus é nada menos que um pé no saco (eu poderia
realmente passar que trocadilho?). Seu ritmo de mistura, provavelmente, chegará a um impasse de moagem, e pelo tempo que você está pronto

para começar a automatizar o seu mix, você vai ser absolutamente exausto. Posso assegurar-lhe, que exige um nível impressionante de

concentração para peneirar dezenas de peças, a fim de chegar a uma única produção viável. E você queria ser um mixer. Desculpe, tarde demais,

vocês já chegado muito longe para o livro para devolvê-lo agora.

questões arranjo pode ocorrer por uma série de razões, incluindo desacordos sobre a visão, tentativas aparentemente aleatórios
para resolver um problema percebido, ou um caso coletivo de perder a floresta para as árvores. Não se preocupe! Há uma maneira de
lidar com todas essas faixas indesejadas, e é chamado underdubbing.

Underdubbing

Considerando overdubbing é o processo de adição de peças para efeitos de melhorar a produção, underdubbing é a remoção das
partes que falham a este respeito. Os mais confuso seus clientes tornou-se no processo de gravação, será exigido o mais
underdubbing. Às vezes, as misturas mais gratificantes são aquelas que começam com uma absoluta falta de foco. Isto serve bem
como o mixer, principalmente como resultado de expectativas abaixadas. Um cliente confuso e uma faixa sem foco, muitas vezes,
dar-lhe a melhor oportunidade de salvar uma mistura e, assim, oferecendo a possibilidade de uma grande recompensa com um risco
mínimo. É precisamente este tipo de mistura que pode adquirir-lhe uma oferta maciça de capital mistura, e é sempre bom misturar este
tipo de pista relativamente cedo no processo, particularmente com novos clientes.

Claro, uma faixa de uma grande canção com visão clara e performances estelares é muito mais propensos a sair grande de um em

necessidade de poupança. E enquanto não há nada tão gratificante como sabendo que você salvou uma pista, é muito fácil confundir

pessoalmente um trabalho grande de resgate com uma grande mistura, particularmente no curto prazo. Há uma grande diferença entre os

dois, embora possa ser quase impossível medir isso no momento da mistura. O cérebro tem dificuldade em discernir entre o verdadeiro

grandeza e nossa própria contribuição para a grande melhoria. Realmente, a única maneira de contornar isso é para deixar a sua idade mix.

Uma vez que você conseguiu esquecer todas as decisões mix brilhantes que você fez, uma vez que você pode realmente ouvir o
mix como uma obra acabada, e não como um trabalho em andamento, você não comparar o mix para o desastre você foi dado
primeiro. Agora você começa a comparar o seu mix de todos os outros de produção na existência. Você vê o problema aqui, certo?
Você poderia ter entregue o maior mix humanamente possível dadas as circunstâncias, e ele ainda pode ser nada mais do que
medíocre em comparação com tudo o resto. Triste, eu sei.

Quando as pessoas ouvem a sua mistura, se eles são apostadores ou até mesmo profissionais, eles não têm idéia do que você trouxe

para o processo. Eles não sabem todas as peças que você classificadas através, e eles não sabem o processamento gênio você executou em

uma gravação ruim. O ouvinte não tem idéia de como você

contribuiu, e eles nunca, porque não começar a comparar o antes e depois. Se o seu apostador médio realmente não começar a
notar a própria mistura, você fez uma má combinação. Tudo o ouvinte deve ouvir é a música, e se tudo correr bem, eles querem
ouvir e cantar essa canção e outra vez. Tão certo, divirta-se quando você tem a oportunidade de ser o herói mix, mas entendem
que as chances de seu mix de pé tão alto quanto uma faixa que praticamente se mistura são remotas na melhor das hipóteses.
Não faz diferença se você melhorar uma faixa dez vezes, se não há nada vale a pena começar. Dez vezes de zero ainda é zero.

Isso não quer dizer que você não pode entregar uma mistura estelar de sua produção básica Arrangementus Diarrheaus, um que vai

resistir ao teste do tempo. Você pode. Não posso pensar em vários direita fora do topo da minha cabeça. Confusão dentro da faixa não

significa que você está morto antes de ter começado; significa apenas que você tem um desafio antes de você. Claro, quando você está

aprendendo como misturar, tudo é um desafio. Quando você ficar bom em mistura, você começa a acolher desafios-abraçá-los, mesmo.

Além disso, a pior atitude que você pode trazer para uma mistura é um dos derrotismo, como que certamente irá resultar em uma profecia

auto.

No momento em que você percebe que tem mais faixas do que você sabe o que fazer com, é hora para algum trabalho
básico detetive. Tudo o que foi gravado deve fornecer-lhe pistas para onde seus clientes têm lutado. Se você pode fazer algum
sentido das peças-que encalhados seja, peças que aparentemente não vão com muito mais na produção, você pode ser capaz
de descobrir o que seus clientes estavam tentando atingir em primeiro lugar.

A maioria das peças são gravadas para alcançar um propósito específico dentro do arranjo. Você acha que qualquer parte que
falhou nesse propósito teriam sido eliminados ou apagados, mas que nem sempre é o caso. ilimitadas faixas juntamente com o
armazenamento barato tendem a interferir com este procedimento de senso comum. Então, se você abrir uma parte, e ele não faz nada
bom para a pista, não fornece nenhuma contracanto vale a pena, serve apenas para distrair a atenção do ouvinte do que é importante,
ou não oferece suporte rítmico valiosa, é uma parte de cadeia simples, que deve ter muito tempo atrás foi removido da sessão.
Underdub-lo.

De vez em quando, eu tenho um cliente me dizer sobre alguma parte gênio que funciona incrivelmente bem se ele é colocado de forma tão

inteligente no mix que você não pode sequer ouvir. Besteira. Se você não pode realmente ouvir uma parte do mix, que não tem outro propósito além

de ocupar espaço. Apenas ocupando espaço não é um bom propósito para a vida em geral, por isso certamente não é um objetivo que vale a pena em

um mix. Certamente você vai ter partes que são equilibradas menor do que outros, que é um dado, mas uma parte precisa ser audível, a fim de

realmente conseguir algum propósito. Mesmo que o efeito não é nada mais do que para preencher o midrange inferior, uma parte não pode realmente

atingir esse objetivo se não puder ser ouvido. Então não confunda com inteligência sutil com totalmente inaudível.

Uma parte individual pode ter um efeito profundo sobre a forma como uma faixa faz você se sentir. Por exemplo, o tipo certo de parte violoncelo

pode adicionar um sentimento melancólico para uma música de outra forma otimista. Isso pode ou não pode ser um bom complemento, dependendo

da produção. Então, se uma parte específica está faltando prosódia

(Produzindo uma sensação de que de alguma forma em desacordo com o conteúdo lírico), então você deve considerar seriamente as
implicações de manter essa parte na produção. Eu não estou indo dizer-lhe que tal parte precisa ser cortado, pois há momentos em que
produzindo uma sensação de que trabalha contra o conteúdo da canção pode ser uma ferramenta eficaz. Mas certamente você deve
avaliar o que cada parte está trazendo para a produção, a música, ea mistura. Se uma parte não está fornecendo algo benéfico a pelo
menos uma dessas entidades (de preferência todos os três), então você deve contemplar o abandono da parte inteiramente.

Algumas partes equivale a nada mais do que um exagero, como uma parte que se repete a mesma função que o outro, ou de uma
parte que o artista e produtor caiu tão apaixonado por que eles recheados toda a produção com ele. (Eles podem ter até mesmo colocar a
peça em outras músicas!) Não se sinta obrigado a usar uma parte em todos os lugares ele foi gravado. Poderia ser puro gênio em uma
pausa momentânea na canção, e porcaria pura em qualquer outro lugar. Dê-se permissão para usar a parte onde ele funciona, e
abandoná-lo onde ele não faz.

Infelizmente, nem todas as decisões underdub são fáceis. Algumas peças podem deixá-lo rasgado, especialmente
quando você encontrar-se escolher entre duas partes que servem uma função semelhante dentro do mix. Esses tipos de
decisões mix são altamente subjetiva na natureza, e pode resultar em debate considerável. Você deve se acostumar a
ter esse debate com você mesmo antes de se envolver em uma discussão com o seu cliente. Se você decidir remover
uma parte, deve haver uma razão, mesmo que seja puramente filosófica na natureza. Sem uma razão definitiva, você
será incapaz de defender suas decisões quando se trata tempo para notas mix. Às vezes, uma decisão é baseada
puramente na preferência, e isso é certamente uma razão legítima para fazer uma escolha, mas não ajudá-lo quando
ele sair para ser um ponto de discórdia entre dois membros da banda.

Desde o vocal (ou melodia) é a parte mais importante em um mix, você deve fazer a preponderância das suas decisões difíceis
com base em como uma parte afeta o vocal. Só para que fique claro, se uma parte ajuda a pista, e não afeta negativamente o
vocal, então essa parte tem ajudado o vocal. Lembre-se, em todos os momentos que você está tentando empurrar o ouvinte para a
frente, manipular seu foco, e levá-los a ter uma reação física involuntária a música; isso fará com que o ouvinte a cantar a canção, o
que consequentemente irá levá-los a querer ouvir a trilha novamente. Nenhum desses objetivos compete com qualquer outro, por
isso, se uma parte, ou a combinação de peças, parece melhor realizar seus objetivos Mix, as partes seriam bons candidatos para
manter.

Não dizer o óbvio nem nada, mas o pior caso de Arrangementus Diarrheaus, as combinações mais possíveis de peças haverá.
Por esta razão, não é uma má idéia para permitir que um pouco de aleatoriedade na equação. Uma das coisas que eu amo sobre a
mistura em uma mesa analógica é a rapidez com que pode explodir através de botões de mute para montar diferentes combinações
de peças. Isso abre o meu processo de descoberta até combinações aleatórias, que não são tão facilmente chegaram com um
mouse e computador.
 Nenhuma parte deve ser imune a um mudo momentânea na descoberta partes do processo, mesmo que são fundamentais para
a mistura. Apenas silenciar os tambores pode fornecê-lo com uma visão de que você não teria de outra forma. Você pode até
descobrir uma seção que funciona melhor sem os tambores em tudo, ou você pode achar que a música funciona melhor com os
tambores ido completamente. Claro, seus clientes não vão gostar de você mudar completamente todos os arranjos que te dei. Esse
não é o propósito de ouvir combinações aleatórias de peças. É apenas que as decisões criativas nem sempre pode ser planejado, e
às vezes seu melhor caminho para o brilho é permitir a ocorrer acidentes felizes.

Como você trabalha o seu caminho através do processo underdubbing, certifique-se de considerar as suas cinco planos do espaço. Por

exemplo, como o seu mix encaixa do ponto de vista de freqüência pode ser uma boa razão para escolher uma determinada parte. Suponha que

você tenha duas partes semelhantes, um jogado em uma guitarra no midrange inferior, e um jogado em um violino num registo duas oitavas

acima. Se ambas as partes oferecem benefícios semelhantes para a pista ritmicamente, então seria razoável considerar como as partes

funcionam do ponto de vista da frequência. Se a mistura é embalado com high-end e informações midrange superior ao faltar em menor

informação midrange, o seu caminho é claro: você provavelmente deve usar a guitarra picking. Se, por outro lado, a guitarra picking não cortar

corretamente através de um mix carregado com peças de médio porte mais baixos, então você provavelmente deve escolher a parte de violino.

Se as duas partes funcionam melhor juntos, então por todos os meios, usá-los ambos.

Onde você coloca uma parte no campo estéreo pode afetar muito como ele funciona na mistura. Por exemplo, um pandeiro
ocupado localizado no mesmo lado como uma guitarra ritmo ocupado provavelmente vai fazer com que as partes para mascarar ou
mesmo esfregar uns contra os outros. Colocando-os longe um do outro pode revelar muito mais eficaz. O oposto pode ser verdade
também. O pandeiro e violão poderia trabalhar de uma forma interessante, se colocados juntos. Não é suficiente apenas colocar uma
parte do mix e decidir ele funciona. Não precisa ser alguma exploração envolvidos. Você não pode ouvir duas partes em lados
opostos e magicamente saber que eles estariam melhor em conjunto. Você tem que ouvi-lo para si mesmo. Não me refiro a martelar
neste implacavelmente, mas o processo de descoberta com underdubbing requer alguma experimentação aleatória. Que'

Parts

Peças é partes. Independentemente do instrumento, uma parte tem uma certa função em um arranjo, seja como melodia,
contracanto, ritmo, harmonia resposta, ou qualquer combinação destes. Melody deve ser a parte mais alta na mistura. Ao contrário
das afirmações de John Cage (ele produziu uma "canção" de silêncio), o nu de um acordo mínimo deve fornecer é a melodia, o que
pode ser realizado por um único instrumento. Tudo o resto na mistura está lá para apoiar a melodia. Ele não importa muito se você
nunca lidou com um instrumento aparentemente exótica; essa parte ainda terá uma função específica na mistura.

Dito isto, instrumentos diferentes têm diferentes desafios, e uma vez que você compreender os desafios mais comuns, você vai ser capaz

de reconhecer semelhanças, independentemente de qual instrumento você acontecer

estar lidando com no momento. Nós já falamos sobre a bateria eo baixo. Vamos ter um momento para discutir alguns dos
instrumentos mais comuns e seus desafios únicos.

Elétrica c1-uitar

Há tantos combos de guitarra / amp diferentes como existem estrelas (ok, não há realmente bilhões menos, mas você sabe o que
quero dizer). Tons variam de doente distorcida de ultra-limpo, e enquanto você pode moldar o som, o tom geral vem das mãos do
jogador. Há geralmente forma muitas guitarras em qualquer faixa de rock, e usando dois microfones para gravar um gabinete é
geralmente um microfone demais. Oito vezes fora de 10, você deve silenciar um dos microfones e várias das guitarras.

De vez em quando, você vai ter uma gravação do sinal direto de uma guitarra elétrica. Quando o fizer, isso significa uma de duas coisas:

ou os seus clientes não poderiam fazer a sua mente sobre a configuração amp virtual (que deveria ser um crime), ou a gravação de não

consolidar a sessão corretamente. Antes de passar a maior parte de uma hora folheando sua própria coleção de emulações de

amplificadores, descobrir como o seu cliente tinha vindo a acompanhar a pista. Eu posso prometer-lhe, eles não estavam ouvindo alguns

dedilhar anêmico de uma guitarra elétrica.

A primeira vez que um cliente me deu o sinal direto de uma guitarra elétrica, eu misturei-lo na pista como está. Claro, venha misturar notas

tempo, meu cliente me perguntou por que diabos eu não colocar um amplificador nele, que eu respondeu a perguntando a mesma coisa. Na

época, eu não podia sequer imaginar alguém realmente deixando a escolha amp até mim como o mixer. tom da guitarra é parte integrante de uma

produção. Como poderia essa decisão possivelmente ser adiada para o misturador? Aparentemente, às vezes é-embora não deva ser.

Se você está sempre dada uma faixa de guitarra direto, você deve perguntar ao seu cliente para lhe fornecer uma versão consolidada da

parte como eles foram ouvi-lo em toda a sua sessão. Eu posso quase garantir-lhe que não estavam ouvindo-lo sem um plug-in, e se você

pode obter alguma pista sobre o que seus clientes estavam monitorando como eles gravaram, ele vai fazer a sua vida consideravelmente

mais fácil. Não só a sua escolha amp provável ser a melhor escolha particularmente desde que eles estão acostumados a ouvir-lo dessa

forma, mas você também vai ter alguma base de comparação Se você decidir alterar a configuração de "amp".

Deve ser excepcionalmente raro para que você coloque uma guitarra elétrica em qualquer lugar, mas difícil para a esquerda ou para a direita em

uma produção completa, mesmo quando há apenas uma guitarra. Você quer manter esse território centro aberto, tanto quanto possível para o vocal.

guitarras hard-garimpados dar-lhe todas as vantagens oferecidas pelo campo estéreo, e você vai ter mais aparente sonoridade deles sem superando

os tambores. Mesmo solos de guitarra pode ser eficaz hard-criticado, especialmente quando o solo de é projetado para fazer a transição a partir da

faixa de guitarra principal, ao contrário de um overdub óbvio. Dito isto, solos de guitarra, certamente, um grande trabalho na posição central.

Se não há nada mais do que uma guitarra elétrica e um vocal em uma pista, você provavelmente deve deixar a guitarra ocupam mais
espaço no campo estéreo. Às vezes uma única guitarra no centro pode ser benéfico
por um curto período, especialmente se você sair de que o tratamento para duas guitarras panned duro. Isto irá oferecer a ilusão de
ir de pequeno a grande, que pode ser um contraste dramático e eficaz.

Violão

Há uma série de questões a estar ciente de onde guitarras acústicas estão em causa. Eles são relativamente fáceis de lidar quando é apenas

guitarra e vocal, mas eles podem ser bastante problemático em uma grande pista. Para começar, eles tendem a anão os tambores. Uma guitarra

acústica é um instrumento que você pode segurar em suas mãos. Um kit de tambor requer um remendo real de imóveis, e é capaz de produzir

níveis de decibéis para além do limiar de dor. No entanto, em uma mistura, uma guitarra acústica full-range pode levar até uma tonelada de

espaço, e se colocado de forma proeminente em sua mistura, pode fazer tambores soam estranhamente pequena em comparação. Ele pode ser

bastante desconcertante para o ouvinte a ouvir uma parte de bateria tocada de forma agressiva em uma grande sala tolhida por uma guitarra

acústica. Reduzir o saldo da guitarra em relação ao som dos tambores, e considerar limitar o corpo geral da guitarra por corte a extremidade

inferior baixo e médio porte. Ambos equilíbrio e EQ irá reduzir significativamente o tamanho aparente do instrumento.

Em pistas densos, o espaço de um violão come também pode ser problemático. Se o propósito da guitarra é oferecer informações
de alta frequência rítmica, você pode voltar a reduzir o total do corpo da guitarra. Você também pode aumentar o midrange superior e
high-end em uma tentativa de tornar o dedilhar de guitarra mais agressivo. De qualquer forma, este tipo de tratamento irá permitir que
você dobrar mais facilmente a guitarra em uma mistura densa sem perder o benefício rítmica do strum.

guitarras acústicas em grandes faixas não será necessariamente bom som em isolamento. EQ Radical e compressão são muitas vezes

obrigados a fazer o instrumento cortar corretamente em uma mistura densa. Seria muito melhor se a guitarra foram gravadas de uma forma

que se adequar às necessidades da pista, mas é raro encontrar uma gravação de que está confortável tons de gravação que parecem faltar

quando avaliada fora de contexto.

Muitos artistas cantar consideravelmente melhor quando jogam seu instrumento, e não é incomum ter um violão gravado ao mesmo
tempo que o vocal. Dada a proximidade da guitarra e microfone vocal, é provável que você vai ter todos os tipos de filtragem pente e
questões de coerência de fase. Isto é especialmente verdadeiro se o artista é expressivo no microfone. Não há realmente nada que você
possa fazer sobre deslocando coerência de fase entre o microfone vocal e guitarra, e não deve importa mesmo. Assim, o vocal é um
pouco swirly. Se é um grande vocal, quem se importa?

Se você quiser reduzir o phasiness que ocorre quando um artista toca e canta ao mesmo tempo, você pode fazê-lo no processo de
gravação usando um captador na guitarra acústica. Infelizmente, a maioria dos captadores soar como merda na acústica. Pessoalmente,
eu prefiro lidar com um swirly vocal do que o terrível pluckiness, distorcida de um acústico-sinal direto. Há, no entanto, um captador que
podem ajudar com isso. É o chamado Mag Mic, e dispõe de um pequeno microfone dentro da caixa de coleta. Um botão giratório na
unidade permite ajustar a mistura de microfone para captação. Este sistema irá reduzir significativamente tanto as questões de coerência
e artefatos negativos do captador de guitarra.
 Por último, eu nunca ouvi um único violão que soava bem gravado em estéreo. Resista ao impulso de se espalhar dois microfones próximos

colocados em uma guitarra acústica através do campo estéreo, mesmo que as faixas foram entregues com essa intenção. As questões de

coerência de fase por si só deveria ser suficiente para impedi-lo de fazer isso. Lembre-se, você nunca quer que as pessoas a perceber a

gravação, e um único acústico em estéreo vai envolver-se em torno da cabeça do ouvinte, entre outros problemas potenciais. Além disso, não é

mesmo estéreo. É apenas fora de fase. Se você realmente acha que a guitarra soa melhor com uma mistura de dois microfones, por todos os

meios misturá-los juntos. Apenas certifique-se de combiná-los como uma fonte mono em seu campo estéreo.

Piano e Teclados

Pianos são grandes grandes comedores de espaço, como a maioria dos órgãos. É bastante comum para pianos a ser gravada em estéreo, mas a

menos que seja o instrumento de destaque, um piano poderia muito bem funcionar melhor como uma fonte de som mono, especialmente em

produções de rock. Francamente, não há nada mais problemático como um misturador de ter que lidar com uma enorme quantidade de faixas

estéreo. A força do campo estéreo é o espaço que ele oferece para todo o mix, e não as peças individuais dentro do mix. Teclados que enchem o

campo estéreo inteira comer enormes quantidades de espaço. Às vezes, esta é a effectin desejado, que caso, deixe o aparelho de som pista; caso

contrário, considerar a combinação dos sinais para criar uma fonte mono em algum lugar dentro da imagem estéreo.

Mistura com múltiplas fontes mono dividido em campo estéreo são muito mais focado e interessante do que misturas que
combinam muitas fontes estéreo. Isto pode parecer como uma preferência pessoal, mas não é. Trata-se de enquadrar uma faixa forte,
e sua trilha pode ser enfraquecida consideravelmente pelo uso excessivo de excessivamente simétrica instrumentação estéreo falso.
Além de sintetizadores empilhados destinadas a criar um mais complexo e texturizados parte-que tecnicamente funcionar como apenas
uma parte onde o arranjo é concernedany mais de um teclado de preencher o campo estéreo inteiro é normalmente um exagero.

Piano é semelhante ao violão em que um grande tom não é sempre o que é melhor para a faixa. Às vezes, a melhor gravação
de piano vem de furar um SM57 logo acima de um dos furos na placa de som. Eu posso prometer-lhe, esta técnica fornece um tom
absolutamente miserável quando avaliado isoladamente. É também um tom que pode funcionar muito brilhante quando colocado no
contexto de certos produções, especialmente quando-comprimido. Claro que, como o mixer, você não está no comando da
gravação. Sua única opção é para mangle agressivamente esses tipos de peças inadequadamente gravadas.

questões de coerência de fase pode ser especialmente problemático com pianos, particularmente quando as faixas são entregues por um

relativamente unseasoned gravado. Uma questão de coerência fase existirá independentemente de se você combinar os microfones para tornar uma

fonte mono. Usando apenas um dos dois microfones pode ser igualmente problemático dado que metade o piano será distante de qualquer microfone

em todos os momentos. Isto é especialmente verdadeiro quando os microfones são colocados logo acima dos martelos.
 Há uma peça de arte que pode ser bastante útil para questões de coerência de fase desastrosa. Chama-se a ferramenta de
alinhamento IBP Fase, e foi concebido e produzido por uma empresa boutique chamado Little Labs, de propriedade de Jonathan
Little (a LA tecnologia bem-visto). Há tanto uma versão do aparelho, o que permite que você altere a relação de fase relativa entre
dois sinais em qualquer lugar de 0 a 180 graus hardware e software. Eu não posso explicar adequadamente a você quão
extraordinariamente útil isso pode ser, embora talvez que o anúncio só vai conseguir ter o ponto transversalmente.

Percussão

Uma das minhas ferramentas favoritas para peças de percussão é o botão mudo. Eu não digo isso com base em alguns ódio extraviado ou medo

de partes de percussão, e eu não percussão mudo como uma questão de disciplina. É que muitas vezes não há muito pensamento colocar em

esses tipos de peças, especialmente quando eles estão registrados como tempo está se esgotando em uma sessão exaustiva. Percussão gravados

desta forma é geralmente nada mais do que uma reflexão tardia, e afterthoughts raramente fazer o corte vêm misturar tempo.

Se você não tem certeza se a descartar uma parte de percussão particular, pergunte a si mesmo a seguinte pergunta: Será que a parte

fazer a trilha melhor? Se você não pode responder a isso com um definitivo "sim", é provavelmente um bom candidato para um underdub.

Seus clientes raramente será anexado a peças de percussão que, obviamente, foda-se a produção.

Em alguns gêneros, como a maioria da música latina, percussão é uma parte integrante da produção e deve ser proeminente na

mistura. Percussão também pode aparecer com destaque em faixas pop e jazz suave, particularmente aquelas faixas que não contêm uma

quantidade enorme de informações prato. Percussão na música pop é muitas vezes programado. Este é um bom augúrio já que o ato de

programação geralmente requer seu cliente para colocar algum pensamento atrás da parte.

Percussão que adiciona informações de alta frequência a uma mistura já saturado de informações high-end pode ser problemático. A
opção mais simples é para silenciar a percussão, mas isso não é necessariamente a melhor opção, especialmente se as partes de
percussão acontecer para melhorar o ritmo interno da pista. Nesses casos, reformulando radicalmente frequência fundamental do
instrumento de percussão é uma opção razoável, especialmente em pandeiros e shakers. Um impulso agressivo na gama presença de 1
kHz (e abaixo), em conjunto com um eventual corte de ponta, pode ser um compromisso eficaz para esta situação. Enquanto não há
dúvida de que este tipo de processamento pesado cria um tom interessante, tal tratamento é altamente gênero e rastrear dependentes, e,
portanto, pode não ser uma opção viável.

Por último, se você gasta seu monitoramento dia a volume considerável, você vai com toda a certeza colocar a percussão muito alto em sua

mistura. Você sempre quer fazer suas decisões de equilíbrio de percussão em níveis baixos de monitoramento. Excessivamente partes de

percussão altos pode ser uma distração e cansativo para o ouvinte. Se você se encontra regularmente ficando cansado como você misturar uma

faixa, é bem possível que as partes de percussão são colocados muito proeminente na mistura.
Experimentos ciêntificos

"As experiências científicas" são aqueles altamente efetuado, sons malucos de origem desconhecida (a partir da perspectiva do ouvinte).

experimentos científicos são grandes até encontrar-se envolvido em um, enquanto mistura. Em seguida, eles praticamente sugar,

principalmente porque eles trazem a sua sessão de mistura a uma moagem travar. Um experimento científico executado durante os

montantes fase mix para nada mais do que um overdub demoradas. Não há nada pior do que realizar um overdub quando você está

misturando. Noventa e nove vezes fora de 100, eu vou fazer uma longa pausa e permitir que o meu assistente para gravar o overdub. Se você

não tem esse luxo, então não só é o seu mix parado, você estará completamente jogado fora da mistura adequada mentalidade.

É um fenômeno bem estabelecido que o último overdub será a parte mais proeminente em qualquer mistura áspera. Isso
acontecerá mesmo se você está ciente do fenômeno, ea única forma eficaz de combater isso é tomar uma extensa pausa
entre o overdub ea mistura áspera. Como você pode imaginar, este princípio não muda só porque acontecer de você estar
trabalhando em um mix final. Diante disso, você quer evitar overdubs durante a sessão mix.

Se você não pode sair de um overdub, então eu sugiro que você perguntar quantas outras sessões overdub você pode esperar ao
longo do projeto. Se houver outras faixas que necessitam de overdubs, você deve ter um dia e fazê-los todos. A melhor opção é pedir
ao seu cliente para trabalhar nas overdubs restantes em outro lugar enquanto você continua a misturar, mas isso geralmente não é
uma opção viável. Se fosse, você não seria convidado para realizá-las em primeiro lugar. Salve-se algum tempo e miséria e
imediatamente agendar um dia overdub.

Mais desconcertante, haverá ocasiões em que seus clientes irão pedir-lhe para recriar uma experiência científica que já existe
(em algum lugar diferente em sua sessão). Eu posso prometer você, seus clientes passou muitas horas em sua sessão de gravação
criação que, experimento científico original perfeito, ea única razão que eles não estão dando a você é porque pensam que é parte de
seu trabalho. Não há nada mais retardada do que tentar recriar um som que já existe em outro local. Não desperdice o seu tempo
recriando um experimento científico. Diga ao seu cliente que você não pode vencê-lo, e tê-los recuperá-lo para você; você vai fazer o
seu dia.

Referenciando outras misturas

Uma vez que você tem um quadro forte, ea mistura geral está fazendo coisas boas, você vai querer alguma base de comparação.

Referenciação é especialmente importante quando você está em um quarto desconhecido. Independentemente disso, você foi ouvir a

mesma faixa por uma hora ou duas ou três, é hora de ouvir algo mais por um momento.

É impossível comparar diferentes combinações de diferentes produções. Você só pode comparar

curva de frequência e impacto, e mesmo isso pode ser difícil na melhor das hipóteses. Eu prefiro fazer referência minhas próprias misturas, só porque

eu estou intimamente familiarizado com a forma como eles reagem em diferentes ambientes. Se você não tem mixes de sua própria qualidade para

referência, em seguida, usar faixas que você está muito familiarizado com, tanto em seu quarto e para fora. Ao comparar as curvas de frequência, é

bom se você pode obter uma faixa que tem uma composição similar. Comparando uma referência de R & B a sua mistura de rock não ajudá-lo muito

desde a faixa de rock provavelmente terá um midrange muito mais pronunciada.

Impacto é a outra comparação que deve preocupar ao fazer referência a outro material programa. Em particular deseja avaliar como
a mistura agarra-lo. Tudo bem que você está comparando uma mistura acabada para um quadro estático. Você não está olhando para
bater o mix acabado e masterizado de uma produção completamente diferente. Isso não seria sequer possível avaliar. Você está apenas
tentando avaliar como você está longe de uma mistura forte, coesa. Se você quer uma comparação mais relevante, isso também seria
um bom momento para ouvir o áspero.

mixes

Algumas pessoas preferem ouvir mixes antes de começar. Inferno, eu nem gosto de fazer roughs, muito menos ouvi-los. Como
produtor, eu prefiro evitar o pessoal de faixa ou rótulo apaixonando por certas decisões de equilíbrio, a maioria dos quais são feitas na
mosca após um overdub. Como assinalei, a parte mais alta em uma mistura áspera é quase sempre o último overdub. Em raras
ocasiões, isso pode resultar em uma áspera que é puro gênio. Normalmente, ele só irá causar cabe-me mais tarde.

Em geral, você deve esperar até que você está completamente com o processo de descoberta antes de ouvir o áspero. Ouvir uma
áspera serve apenas para influenciar o mix, e você deseja controlar quando essa influência particular vem em. Portanto, é preferível ir
para a mistura completamente cego e permitir que as faixas de desdobrar antes de você. Se você está desconfortável com esta
metodologia, em seguida, abrir todas as faixas em sua DAW e tomar um ouvir primeiro. Não há problema em ouvir as faixas e a
produção; ele está ouvindo a áspera que você quer evitar para que você tenha a capacidade de ler as faixas sem viés. Ignorando
influência dá-lhe a oportunidade de fazer grandes descobertas que não poderiam fazer. Claro que, às vezes, não há como evitar o
áspero, particularmente quando há uma necessidade de diplomacia.

Independentemente de saber se você ouviu o áspero antes, não há dúvida de que você vai querer compará-lo ao seu quadro acabado. É

realmente o único bar que você tem que fazer qualquer tipo de comparação. Se o seu quadro não está fumando seriamente bruto na forma como ela

faz você se sentir sobre a música, você tem um problema, e você vai precisar que mistura áspera para ajudar a guiá-lo.

Felizmente, o seu mix vai cagar em todo o áspero, e se isso acontecer, você está em boa forma. Claro, se o oposto é verdadeiro e bruto

está batendo o seu mix, então você precisa descobrir o porquê. Não importa quão bom um misturador você é, isso pode acontecer. É por isso

que eu recomendo ouvir o áspero depois que você enquadrado na mistura. Uma vez que seu quadro está completo, você fez seus julgamentos,

você escolheu suas peças, você

saber como eles funcionam, e agora você começa a ver como a sua visão empilha contra o seu cliente de.

Se mix do seu cliente se sente melhor, normalmente é porque há alguma combinação de peças que está batendo apenas para a direita. Isso

pode acontecer por causa de decisões de equilíbrio, mas que muitas vezes tem a ver com as peças que você escolheu. Você não desperdiçou

qualquer momento, por isso não bater-se sobre um quadro decepcionante. Corrigi-lo e seguir em frente. Seu cliente nunca vai ficar com raiva

porque o seu mix é similar em acordo para bruto. Eles ficarão felizes! Agora, se o seu quadro e bruto superiores são idênticos em arranjo ainda

bruto é de alguma forma superior, este é geralmente um indicador de que o seu mix não canta.

Faça o Mix Cante, Pop, e Gel

Uma mistura que canta é aquele em que tudo funciona em conjunto para gerar uma energia inegável. Às vezes, eu me refiro a isso como uma mistura

que "pops", uma vez que a mistura aparentemente salta para fora dos alto-falantes. Esta não é uma função do volume de controlo, como uma mistura

que aparece terá a sua atenção e atraí-lo em qualquer volume. Você pode usar os termos "cantar" e "pop" de forma intercambiável. Eles são o mesmo

princípio, tanto quanto eu estou preocupado.

Conseguir um mix de cantar pode ser a parte mais evasivo de mistura, e é provavelmente o mais difícil de explicar. Se a mistura canta ou não,

não é mensurável em qualquer forma real, a não ser pela forma como ele faz você se sentir, mas se você encontrar-se ouvir, uma mistura sem

inspiração plana, provavelmente não é gelificação. Isso normalmente tem a ver com EQ e compressão.

Se você ficar muito separação entre seus instrumentos, a sua mistura não vai gel. Separação em uma mistura geralmente é uma coisa

boa. Nós nos esforçamos para isso. Separação nos permite ouvir todas as diferentes partes. Há uma linha, no entanto, e se há muito a

separação total entre os instrumentos, a sua mistura não vai gel, que terá um efeito negativo sobre a forma como o mix canta. Se o seu mix

tem tanta separação que parece que cinco jogadores diferentes em oposição a uma única banda, então o seu mix não vai cantar. Você quer

que o ouvinte a perceber um desempenho unificado. Se as peças individuais só estão servindo para desviar a atenção do ouvinte, então você

não está direcionando seu foco corretamente.

Sua banda (se programadas ou não) é suposto soar como se eles estão trabalhando juntos, não como se eles estão cada um
fazendo sua própria coisa. Essa é a diferença entre uma banda que soa musical e uma banda que soa como eles estão jogando o
mesmo pedaço de música. Com alguma sorte o produtor tenha feito seu trabalho a este respeito. Independentemente disso, é parte de
seu trabalho para criar uma aparente unidade de propósito em seu mix. O fato de que você está lidando com faixas individuais
certamente não ajuda matérias. Nem a metodologia gravação comum em que a maioria das peças são realizados como overdubs.
Normalmente, nós estamos apenas criando a ilusão de que os músicos tocaram juntos.

Como seus géis mistura tem tudo a ver com a forma como você usa seus planos do espaço. Por exemplo, se você tem uma produção

guitarra / vocal e você mover a esquerda duro vocal ea guitarra direita dura, o seu mix
não vai gel. Sei que tenho recomendado que você faça pleno uso do campo estéreo, mas que inclui recheio no
meio.

problemas de equilíbrio pode causar problemas gelificantes também. Enquanto você certamente não quer uma mistura excessivamente

proporcional, você não pode obter o caminho de gel se as peças estão surgindo fora indiscriminadamente em todo o lugar. Inconsistência nos saldos

destrói a integridade geral de um mix, especialmente na parte inferior. Se o nível de cobrança é totalmente incoerente, eo baixo é explodir as caixas

acústicas em algumas notas e praticamente desaparecendo em outros, sua mistura não vai cantar ou gel, e definitivamente não irá aparecer. Isto é o

que faz compressores e limitadores essas importantes ferramentas de mistura. Eles permitem que você controle a consistência.

Não confunda a dinâmica bem colocado de um pontapé acentuado com a de um um inconsistente. O captador 16 antes do
downbeat é um lugar perfeitamente natural para um baterista para colocar um pontapé dinamicamente mais leve. Isso funciona para
acentuar o downbeat e é uma dinâmica musical, que servirá para fazer o seu mix cantar mais. acentos musicais foram todos, mas
erradicada de grande parte da música moderna, mas isso não é porque eles não se misturam bem. Não se preocupe com a
inconsistência deliberada e musical de um sotaque bem colocado por um profissional consumado. É a inconsistência unmusical de um
jogador menor que deve ser tratada agressivamente.

Compressores têm uma série de usos. Enquanto controla a dinâmica de volume é o objetivo mais comum, os compressores são muitas

vezes utilizados para o efeito. Dependendo de como você definir suas configurações de ataque e de lançamento, você pode fazer uma parte

respirar. A colocação de ultra-agressiva de um compressor sobre um prato pode erradicar completamente o ataque inicial, permitindo que o

ouvinte ouve somente a libertação longa e lenta do prato aumentando de volume. microfones de sala comprimido pode criar a ilusão de um

espaço muito maior do que poderia ter existido durante a gravação, estendendo o tempo de reflexão. Quando implementado de uma forma

agressiva, você está usando basicamente compressores para moldar o tom tanto quanto a dinâmica de controle. Há, no entanto, os riscos

envolvidos em overcompression-você pode fazer seu mix pequeno.

Eu não vou argumentar contra técnicas de compressão implacáveis. bem utilizado, mesmo ultra-agressiva, compressores são
bastante úteis na formação do som de sua mistura. Mas se você comprimir e limitar demais através da placa, você vai erradicar todas
as dinâmicas do seu mix. Isso muitas vezes resultar em um pequeno mix, sem vida.

A melhor maneira de fazer o seu mix cantar é usar um compressor 2-bus. Nós vamos discutir isso melhor na seção de engrenagem deste

livro, mas um bom compressor 2-bus analógica é essencial para lidar com inconsistências de equilíbrio em sua mistura. Não só o compressor

2-bus controlar o fundo de seu mix, mas que também irá torná-lo gel. Tenha cuidado, no entanto. Se você acertar o seu compressor 2-bus muito

difícil, você mais uma vez arriscar fazendo o seu mix pequeno. Se você bater muito levemente, a sua mistura não vai cantar devido a

inconsistências distracção na parte inferior. Há um ponto doce em seu compressor mix ônibus, e se você pode encontrar esse ponto, sua

mistura pode ser tanto apertado na parte inferior e grande demais. A combinação de um fundo apertado e grande vai um longo caminho para

entregar um mix que salta para fora dos alto-falantes. Portanto, se seu mix não está cantando, o primeiro lugar para procurar é o seu

compressão geral. Se isso não fazê-lo, então você precisa

examinar equilíbrio frequência.

Como você preencher o espectro de frequências pode influenciar bastante o quão bem o seu mix canta. Se o seu mix é principalmente alta e

baixa final, então você está perdendo a impetuosidade que as ofertas médias-altas, ea carne que quanto menor ofertas de médio porte. Se o seu mix é

a luz na extremidade baixa, não vai aparecer grande. Se o seu mix é muito escuro, ele vai parecer plana e sem inspiração.

A curva de freqüência geral de seu mix é em grande parte dependente de instrumentação e gênero. A música rock é tipicamente muito mais

pesado no midrange de R & B, devido à natureza das guitarras elétricas. Mas se você tem um excesso óbvio em uma faixa de freqüência

particular, um que não é para fins de contraste, então o seu mix provavelmente não vai cantar.

Se você encontrar-se com um quadro que tem muita separação, a primeira coisa que você tem que determinar é se o problema é

auto-infligido. Por exemplo, se você passar por suas configurações de equalização e achar que você está cortando radicalmente o midrange mais

baixo em quase todos os canais, ou se você achar que você está aumentando os níveis superiores da gama média na maioria das faixas, é

altamente provável que você está causando o problema sozinho. Excessivamente faixas desbastados-out não só não vai gel, eles não terão

impacto. Isso pode ser corrigido por recuando de quanto você equalizar as partes.

escolhas arranjo também pode causar gluts frequência em sua mistura. Na minha experiência, este é um problema bastante
incomum, mas acontece. Se todos os instrumentos na produção é embalado para o midrange superior e não há aparentemente nada
a ocupar a oitava pouco acima do baixo, isso pode deixar um buraco muito desconfortável no midrange inferior. A única solução real
para um problema arranjo desta magnitude é overdub uma parte para preenchê-lo. Como já discutido, esta é uma sugestão drástica
para fazer como um mixer, e que você deve reservar como última opção.

Obtendo o seu mix de cantar é sobre a obtenção de tudo para trabalhar juntos de tal forma que a mistura é inegável. É como se você está

batendo uma certa nota com o seu mix. Você não terá a quantidade máxima de pop fora de sua pista até que tenha terminado a automatização,

mas você deve estar bem no seu caminho pelo tempo que você completar o seu quadro.

Automação

Bem! Você já passou por descoberta, você está familiarizado com todas as peças que você recebeu, você fez a grande maioria
das suas decisões arranjo, você enquadrado seu mix, que canta. É hora de automatizar!

Existem duas funções equilíbrio único no contexto da mistura que devem ser conciliados. Em primeiro lugar, existem as balanças
que estão um em relação ao outro, em qualquer momento dentro do contexto da
misturar. Estes são os saldos que determinam se o mix global canta. Depois, há os saldos em relação ao que vem a
seguir na mistura. Estes saldos relativos são o que geram emoção e impulso
o ouvinte para a frente através da mistura.

Uma boa maneira de iniciar-que vai simplificar grandemente o processo de mistura-se a trabalhar por primeira secção. Trabalhar a introdução

(ou qualquer que seja a canção começa com) para que os saldos dentro da seção em si estão funcionando. Mova através da seção de música por

seção, a definição de seus saldos com a automação. Isto, naturalmente, inclui a colocação de seu vocal.

O Vocal (Você realmente não penso que eu esqueci Sobre o Vocal, fez você?)

Ah sim. O vocal. Sem ele, não há palavras. Isso pode parecer quase absurdamente auto-evidente, mas se fosse uma declaração tão
óbvia, eu afirmo que ninguém jamais iria enterrar o maldito vocal. No entanto, uma e outra vez, as pessoas fazem.

Eu propositadamente deixou o vocal para a parte de automação do livro porque este é o ponto no mix de quando você está indo para
se concentrar no vocal. Até este ponto na mistura, todos nós estivemos preocupados é a concepção de uma base sólida. Agora é hora de
se casar com o vocal com a faixa.

O objetivo é fazer com que vocal de sentar-se sólida na pista. Se o vocal é muito dinâmico, você não tem escolha, mas para torná-lo
alto apenas para que o ouvinte pode fazer para fora todas as letras. Além disso, se o vocal está constantemente pulando para fora em
certas palavras e frases, o seu mix será severamente enfraquecida e, portanto, não vai cantar. Essencialmente, você quer manipular a
trilha ao redor do vocal, e colocar o vocal forma sólida e consistente na pista.

A batalha típica em relação ao vocal ocorre entre o exec gravadora que quer ouvir cada palavra, independentemente
do custo para a pista, eo mixer (ou produtor), que quer uma faixa com uma porra de força. Embora eu sou definitivamente
um grande defensor de uma faixa forte, o vocal é o que nos leva tudo pago. O vocal contém a letra ea melodia. É a
canção. Ainda assim, há um meio termo, que deve fazer todos felizes. Você só precisa saber onde é, mas, em seguida,
que é o que este livro é para.

Então, como se reconciliar as forças opostas de uma pista forte e um vocal voz alta? Bem, nós discutimos muito isso já. Para
começar, você deixou um espaço enorme, escancarado em sua mistura, usando seu campo estéreo inteiro. Apenas o kik, laço,
ataque baixo, e as informações címbalo centro deve estar competindo com o seu vocal no meio do seu avião estéreo. Isso é uma
boa parte da batalha ali. Você já passou a primeira parte de seu mix de triagem através de suas peças, maximizando os pontos
fortes e minimizando fraquezas. Você underdubbed partes supérfluas que competem com o vocal, o que evita distrações e ajuda a
manter o foco do ouvinte no vocal. Você fez o seu mix de cantar, o que significa que a parte inferior da sua faixa está sob controle e
está dando-lhe o tipo de fundação que você precisa para um vocal forte. Você já usou de processamento para fazer o seu gel pista,
sem sacrificar a separação. Agora tudo que você tem a fazer é encaixar esse direito vocal para o ponto doce da mistura. Você quer
ter certeza das estadias vocais nesse ponto doce a partir do topo para o fundo da sua mistura, e você quer it loud
o suficiente para manter a atenção do ouvinte.

O ouvinte precisa fazer cada palavra; caso contrário, você pode muito bem substituir o vocal com um sintetizador. Lembre-se, seu objetivo é

fazer com que o ouvinte a cantar, e se eles não podem entender as palavras, eles não podem cantar a canção. Claro, seu outro objetivo é uma

reação física secundária, e muitas vezes você precisa da pista para isso. Isso significa que as necessidades vocais para sentar-se logo acima da

pista, o suficiente para que cada palavra é audível, mas não tanto que você enfraquece a pista além de toda a utilidade. Tal como acontece com

qualquer regra (e que é uma regra), existem excepções a mistura de um vocal de forma destacada.

Haverá momentos em que a pista será mais importante do que o vocal. Isto é particularmente comum com música de dança, uma vez que o

principal objetivo da música é levar as pessoas a dançar, não cantar. Claro, nós cantamos como nós dançamos, mas o que diabos estamos

cantando sobre? Movendo-se para a batida?

vocais enterrados também são comumente encontrados no gênero indie, embora se possa argumentar que as bandas indie pode ser

um pouco mais mainstream, se eles só iria abrir a porra vocal. Então eu não comprar esse argumento particular baseada em gênero. Claro,

haverá aqueles momentos em que você está dado um vocal tão horrível, tão insuportável, tão intolerável, e assim unlistenable que você

realmente temer pelo bem-estar geral da humanidade deve a canção nunca romper. Nesse caso, você tem a minha permissão para

enterrá-lo. Caso contrário, aumente o vocal.

Se você quiser manter o alto vocal ea pista forte, então o seu vocal deve sentar-se perfeitamente no mix de cima para baixo.
Compressores e limitadores são o primeiro passo para realizar passeios thisvocal são o segundo. O mais agressivo você está com o
compressor, os passeios menos vocais que você precisa para automatizar. compressão agressivo em um vocal traz respirações,
sibilância, lábio cheira, baralhar pé, farfalhar, e qualquer outro ruído o microfone aconteceu para pegar durante o processo de
gravação. Às vezes, tudo que o ruído é perfeitamente aceitável para a produção desejável, mesmo em caso em que você pode ser tão
agressivo quanto você gosta com seus compressores. Isto terá a vantagem de poupando-lhe todos os tipos de tempo na mistura. Se,
por outro lado, artefatos de compressão são indesejáveis ​para a produção, então você vai precisar para realizar passeios vocais.

Eu não acho que eu já fiz uma mistura que não têm passeios vocais. Mesmo quando o vocal é bem compactado, você tem que montar

certas linhas. Como bem seus limitadores de conter o vocal tem muito a ver com a forma dinâmica o vocal é que foi entregue a você. A vocal por

acaso no conjunto de uma forma aleatória, com amplas variações de nível e tonalidade pode ser excepcionalmente problemático vêm misturar

tempo. Este é geralmente o resultado de uma gravação de preguiçoso. Eu realmente montar e, se necessário, EQ, minhas composições para a

fita (ou no computador) apenas para que eu não tenho que lidar com isso vêm misturar tempo. Infelizmente, a maioria recordists não colocar

esse tipo de cuidado em suas composições.

Também não é incomum para obter comps com mudanças óbvias em tonalidade. Esta é sempre muito divertido, como você vai ser obrigado a

corresponder a estas diferenças de tonalidade com compressão única e ajustes de EQ. Normalmente, você não terá que se preocupar muito com as

pequenas mudanças de tonalidade causadas por um cantor de

movimento em um microfone largediaphragm condensador. Isso é normal, e não há uma faixa aceitável de mudança de tonalidade. Infelizmente,

se as alterações de tonalidade são óbvias, o suficiente para que você não pode encontrar um compromisso EQ que funciona para toda a pista,

você será forçado a realizar splits vocais.

Eu odeio splits vocais. A divisão vocal significa que eu provavelmente só acrescentou uma hora ou mais à mistura. Infelizmente, se eu não

conseguir encontrar um ambiente compromisso viável para o vocal por toda parte, não tenho escolha. Pior ainda, uma vez que eu tomar a decisão de

dividir o vocal, eu vou provavelmente dividindo-o de novo, e provavelmente novamente depois disso.

alterações problemáticas em tonalidade vocal pode ocorrer por uma série de razões, mesmo se a gravação da era particularmente atento.

Uma mudança inevitável no microfone ou pré-amplificador mais seguramente causar problemas tonalidade mais tarde. Performances de

diferentes dias certamente não ajuda matérias. Mesmo a própria seleção mic pode ser o problema. microfones dinâmicos, por exemplo, são

suscetíveis à mudança menor em posição pelo vocalista, e pode exigir splits vocais. No entanto, há momentos em que um microfone dinâmico é a

melhor escolha para um vocalista, e nem todos os vocais gravados em uma dinâmica terá problemas tonalidade. Então, eu sou de nenhuma

maneira criticando uma seleção microfone dinâmico. Mudanças na tonalidade só acontecerá a ser uma das possíveis armadilhas de que a

seleção particular.

Muitas vezes, estes tipos de problemas tonais não se tornam aparentes até que tenha processado o vocal para o

misturar. Criação de separação dentro do mix, comprimindo o vocal, e colocá-lo de forma destacada, muitas vezes expõe problemas
que seriam imperceptíveis ou, pelo menos, ignorado. Se você está puxando seu cabelo para fora como alterar repetidamente os
ajustes de EQ e compressão ao longo da canção, então você provavelmente terá uma divisão vocal. Você acha que este tipo de
problema seria bem óbvio antes de chegar a um estado de exasperação próximo, mas estranhamente, isso não acontece. Uma vez
que você perceber que repetidamente fez o mesmo ajuste EQ nos mesmos pontos da pista, você pode razoavelmente assumir que
você nunca vai encontrar um ambiente EQ que funciona para a música inteira. Neste ponto, é hora de uma divisão.

É bastante comum para obter um vocal que é consideravelmente mais quente no refrão do que está no verso. Diante desse
cenário, se você definir o compressor para o nível verso, o coro vai ficar um pouco estridente no tom. Se você definir o compressor
para o nível de coro, seu verso vocal vai ser muito inconsistente e vai exigir uma enorme quantidade de passeios vocais. Neste caso,
uma divisão vocal para o verso e refrão vai permitir que você defina sua entrada compressor de forma adequada para cada um.

O volume mais aparente o vocal tem, ou mais se corta, o mais para a faixa que pode equilibrar isso. loudness aparente tem a
ver com a resposta de freqüência e como ouvimos. Nós tendemos a ter o mais fácil audição tempo no intervalo de 2-3 kHz. Isto
significa que um vocal estridente vai realmente soar mais alto para nós, particularmente em volumes de monitoramento mais
elevados. A cantora cantando uma linha no seu registo superior pode perfeitamente rasgar a cabeça do ouvinte fora se você não
lidar com o equilíbrio em conjunto com volume aparente da faixa. Dito isto, você tem que ter cuidado o quão longe você andar por
este tipo de vocal. Há um compromisso inerente entre esquivando-se uma linha porque a cantora
está cantando, e esquivando-se tanto que ela perde a energia e levantar ele é projetado para fornecer. Parte deste compromisso
reside na forma como você lida com o EQ. Se você pode suavizar o quão estridente o cantor torna-se através da compressão e EQ,
você pode manter a energia do cantor-se sem causar dor indesejada ouvinte.

Se você está fazendo seus passeios com um fader ou desenhando trilhas de automação na sua DAW, o processo é o mesmo.
Passeio até as palavras e frases que você está tendo problemas de audição no contexto da
misturar. Descer as palavras e frases que estão surgindo fora da pista. Você pode ver porque uma compressão agressivo e tratamento
limitando pode ser desejável, particularmente do ponto de vista do seu tempo. Mas você só pode comprimir muito antes de você
chegar artefatos óbvios, e se os artefatos de compressão vocal robusta não são uma soma positiva para os efeitos do impacto
emocional, então a sua única outra opção é montar o vocal. Normalmente, você vai implementar uma combinação dos dois, uma dose
saudável de limitar em conjunto com passeios vocais.

Muitas vezes eu gastar uma enorme quantidade de tempo montando o vocal no meu mix. Quero que vocal para empurrar o ouvinte para a

frente, e manipular as emoções do ouvinte. A fim de conseguir isso, o posicionamento e equilíbrio do que vocal deve ser inteiramente deliberada

em todos os momentos. Desde que o vocal é o principal ponto focal, eu posso manipular a ilusão de dinâmica de como eu colocá-lo em

comparação com a pista. Se o vocal é bem acima da faixa no verso, e, em seguida, um pouco acima da faixa no coro, a banda vai aparecer

para ficar mais alto para o ouvinte, mesmo se não há nenhuma mudança real na dinâmica. Manter este tipo de relatividade em mente que você

colocar o vocal.

Compressão

A quantidade de artefatos de compressão audíveis presente nos vocais entra e sai de moda. A tendência atual é colocar grandes

quantidades de artefatos regularização no vocal, de tal forma que ele realmente soa como um sintetizador. Isto seria semelhante à

pulverização sua casa inteira com gesso pipoca para encobrir uma pasta de gesso e fita de trabalho de uma grande idéia desleixado na

teoria, mas não tão grande na prática.

Enquanto eu certamente entender a tentação de ficar dentro de tendências da moda atual, você é melhor fora de fazer esses tipos de
decisões com base na música e na produção que você está dado. Se a produção exige um vocal sussurrante, spitty (e muitas produções
fazer), ou se um efeito sintetizador Auto-Tune parece ser a escolha certa para fazer, em seguida, por todos os meios martelar o vocal,
misture a pista, e passar o resto da o dia na praia. Eu sou tudo para ele! O que desaconselham é usando um efeito meramente porque
está em voga, ao invés de fazer tais escolhas com base nas necessidades da música e da produção. Ninguém vai passar sobre a compra
de uma canção, porque ele não se encaixa dentro de certos produção e tendências de mistura.

Se você estiver indo para martelar o vocal com um compressor ou limitador, se você usar um análogo ou um digital, você
provavelmente vai trazer as s de. sibilance arrogante é perturbador para o ouvinte. O que se enquadra na definição de
"arrogante" Vou deixar até você, mas você provavelmente vai
quiser usar um de-esser.

A de-Esser é basicamente um compressor que é de uma frequência particular encadeado-lado. Sibilance cai entre 5 e 16 kHz. O
DeEsser permite a compressão da frequência fundamental dos s, o que reduz consideravelmente a sibilância. A maioria de-Essers
permitem que você ouvir a frequência com chave, o que lhe permite varrer e localizar a parte mais ofensiva da sibilância.

S de são melhor tratadas durante o processo de gravação, mas por alguma razão inexplicável, recordists raramente colocar microfones vocais de

ouvido. colocação mic pobres só vai servir para fazer as s do pior, e no momento em que você começar a comprimir ou limitar, você provavelmente

terá o problema de um grave s em suas mãos. Você pode realmente precisa de mais do que um de-esser para lidar com dois picos de frequência

diferentes em um vocal excessivamente sibilante. Use como muitos de-Essers como você precisa; apenas certifique-se que você não está fazendo o

lisp cantor. Se você não consegue encontrar uma configuração que funciona para a música inteira, adivinhem? Você precisa de outra divisão.

Eu vou dizer de novo. Eu odeio splits vocais. Eles custam tempo, e se eu puder evitar uma divisão, eu vou. Você deveria também.

Infelizmente, o tempo adicional é praticamente irrelevante. Se a mudanças tonalidade vocal, ou se diferentes configurações de compressores são

necessários, você realmente não tem escolha, mas para dividir o vocal. Desde splits vocais colocar o vocal em vários canais, você deve

considerar a colocação de um autocarro entre o vocal ea saída. Isto irá fornecer-lhe com um módulo que você pode usar como um mestre vocal

tanto para processamento e automação.

Então, se você está sentado aqui pensando: "Puxa, quantas compressores ou limitadores faz esse cara colocar no vocal?" a resposta

simples é como muitos que for preciso. A resposta mais complexa é que ele depende do meio mix ea qualidade global da gravação. Não

necessita quase a quantidade de processamento no domínio analógico como Eu usando um software. Isso não significa que você não pode

fazer um bom trabalho misturar o vocal em um DAW, mas até à data, os plug-ins não reagem exatamente o mesmo que os processadores

analógicos.

Se você tem bons conversores, e você tem compressores externos e limitadores disponíveis, você pode considerar a execução de seu vocal

através de um compressor analógico e re-gravação. Se você tem inserts na sua ponte conversor, em seguida, usá-los; basta perceber que você

está complicando suas habilidades de recall tremendamente quando o fizer. Independentemente disso, você vai economizar tempo considerável

usando limitadores analógicos e compressores em seu vocal. Se você não tem o processamento analógico disponível, não se preocupe; não é

fundamental para bons resultados. Significa apenas que você vai ter que trabalhar mais. Mas então, não há nada de errado com um dia de

trabalho duro!

encontrar Compromise

O primeiro objetivo do processo de automação é chicotear suas seções em boa forma, de preferência sem desmontar o que você
fez anteriormente. Isso é mais fácil dizer do que fazer. Como você definir saldos em seções, você vai, sem dúvida iluminar
problemas com o seu processamento. Cada vez que fizer uma
alteração de processamento, você também alterar as suas decisões anteriores. Por exemplo, se você definir a sua EQ baixo e compressão

para a introdução, e ao atingir o coro você decidir dar o baixo mais definição no midrange superior, adivinhem? Você pode ter apenas

mudado de forma negativa como a sua introdução funciona. Bem-vindo à mistura.

Este é o lugar onde a perseguição cauda vem, e é normal. No processamento de cada parte, você está procurando o ajuste compromisso

que trabalha para toda a canção. Como você define cada seção do seu mix, como você colocar a mistura em mais foco, você vai achar que é

necessário ajustar o seu processamento. Cada ajuste de processamento que você fizer vai afetar todo o mix, especialmente quando você

encontrar-se mudar o fundo de seu mix. No momento em que você levar algum extremidade baixa fora do baixo, não só você tem afetado

diretamente a forma como os sons de bateria kik, mas você mudou como o seu compressor 2-bus reage. Agora que o ajuste pode muito bem

traduzir perfeitamente em todo o mix. Mas se isso não acontecer, então um compromisso adequado deve ser alcançado. Há quase sempre um

bom compromisso. Você apenas precisa achar isto.

Qualquer alteração no processamento em uma parte vai afetar outras partes do mix. Por exemplo, se você decidir rolar fora algum fim baixo das

guitarras, é possível que você vai precisar adicionar alguma extremidade baixa para o baixo. Se você adicionar cima para as guitarras elétricas, você

pode ter que abrir o vocal para compensar.

Como você misturar cada seção, considere o ponto focal e verifique se ele está colocado de forma proeminente o suficiente para

assumir esse papel. Se houver partes de resposta, eles devem pegar o foco do ouvinte quando o vocal vai tácito. No momento em que os

retornos vocais, ele deve recuperar esse foco. Se a resposta sobrepõe o vocal, certifique-se a transição é perfeita na transferência de foco.

Nem todos os arranjos usar resposta musical como uma ferramenta. Normalmente, o mais ocupado o vocal é, quanto mais simples o arranjo.

Uma pausa momentânea em um vocal ocupado muitas vezes serve como uma lufada de boas-vindas tanto para o cantor eo ouvinte iguais. Não se

sinta obrigado a fazer algo acontecer naqueles pontos a menos que um dos jogadores leva esse momento para inserir uma palavra musical (que

funciona como resposta). A pista está provavelmente se arrastando ao longo bastante bem e vai agarrar automaticamente o foco do ouvinte sem

nenhum trabalho adicional de sua parte.

Como você progride através da secção de via por seção, uma e outra vez, você também deve começar a examinar o
panorama-in particular, como cada seção afeta o outro. Equilíbrio não afeta apenas a mistura que se refere ao momento, ela
também afeta o que está chegando, e é neste contexto que você manipular o ouvinte e empurrá-los para a frente, especialmente
quando recompensa está em causa.

a recompensa

Na música moderna, a recompensa é muitas vezes sinónimo de coro. O coro normalmente ocorre várias vezes na música e tem
conteúdo lírico idênticos. É a parte da canção que é o mais identificável, o mais provável cantada, e que todos nós olhar para
frente em uma grande canção. Uma grande canção e
arranjo vai empurrar-nos para o coro por design, e queremos ter certeza de nosso mix faz de tudo para melhorar tanto a
viagem eo retorno da mesma forma.

Se o ouvinte não recebe uma grande recompensa do coro, tudo está perdido. Tal como acontece com quase tudo que discutimos
aqui, a maioria da recompensa deve vir a partir da música. Quanto mais forte for a recompensa é a partir da composição, menos
importante será a puxar o retorno do regime e misturar.

Em AC / DC "Highway to Hell", o verso é nada mais do que bateria, vocais, e um único tocar guitarra rajadas corais curtas em
uníssono com o baixo. Quando o refrão vem, uma segunda guitarra entra tocando acordes totalmente realizada, juntamente com
todo um coro de vozes. Não só a música nos oferecer uma grande recompensa melódico e lírico que é divertido de cantar, mas o
arranjo ea mistura realmente melhorar o retorno usando contraste.

O coro não tem que ficar maior, a fim de proporcionar retorno. Tome Led Zeppelin de "Rock and Roll", por exemplo. Nesta
canção, o refrão realmente se rompe, a fim de separá-la do resto da canção. No primeiro refrão, a guitarra pára de tocar para o
refrão. Se a guitarra não cair fora, a linha de retorno "... Foi um longo,,,, tempo solitário solitário solitário solitário," não seria tão
eficaz. No segundo e terceiro coro tanto a guitarra e os tambores cair fora, definindo ainda mais a linha de intervalo. Isto oferece
contraste e contraste aumenta recompensa. Esses abandonos também servem para comprar outros 16 bares do mesmo riff
repetitivo.

O coro de nenhuma maneira tem o canto no mercado onde recompensa está em causa. Qualquer música dado pode ter mais de uma

recompensa, incluindo a ponte, o solo de guitarra, ou mesmo o Outro. Tome "Money", do Pink Floyd, por exemplo. Não há realmente

nenhuma coro nessa música, e que normalmente agem como o coro é mais uma reviravolta para nos levar de volta para o verso hooky. É

uma grande reviravolta, mas a grande recompensa vem do reverberante, solo de guitarra climático, que se resume na dinâmica de continuar

em uma pista de osso seco, apenas para clímax, mais uma vez antes da faixa retorna ao sulco originais. Cada seção solo de guitarra

configura o seguinte, ajudando a maximizar a recompensa e empurrar-nos para a frente através da música. As alterações na reflectividade e

densidade servem apenas para aumentar o retorno por meio de contraste.

Todos os seus planos do espaço se relacionam com contraste e relatividade. O mais contraste você tem, maior a ilusão de
dinâmica. Por exemplo, digamos que o seu mix decompõe a uma única guitarra elétrica seco e radicalmente filtrada na posição
central. Este tipo de colapso oferece-lhe a oportunidade para uma re-entrada explosiva de toda forma possível. Quando a banda
retorna, a faixa (e, em particular, as guitarras) se abre para todo o espectro de frequência. Seus explode imagem estéreo de uma
guitarra mono para duas guitarras hardpanned. Há uma enorme mudança na densidade de pista, e com um quarto gigante na
bateria haveria um enorme aumento na refletividade. Contraste está ocorrendo em cada outro plano, o que lhe dá a ilusão de
dinâmica sem nunca usar mais de 4 dB de faixa dinâmica real.

Isso não significa que você tem que usar todos os dinâmica disponível o tempo todo. Há muitos grandes canções que propositadamente não

fazem uso da dinâmica mistura. Quer dizer, se você pensar sobre isso, se cada canção foi um
passeio selvagem de dinâmica explosiva, isso seria chato em seu próprio direito. Algumas músicas são projetados para nos manter em um

determinado espaço livre. Enquanto a pista e vocal chama-lo como o ouvinte, o movimento para a frente pode ser entregue exclusivamente

pela vocal e lírica. Melhorar que o movimento para a frente com contraste quando é apropriado, mas não sair do seu caminho para criar uma

dinâmica que não é necessário. Lembre-se, você sempre quer acompanhar a música e produção.

Se você pensar sobre seus saldos em termos de como eles montaram os próximos saldos, você vai ter um tempo muito mais fácil chegar

a uma combinação eficaz. Quando você abrir uma parte, você deve considerar não só como isso afeta o mix no momento, mas também como

isso afeta o que está chegando. Se você afetar negativamente a recompensa por causa de uma decisão mix no verso, você não está servindo

bem o seu mix. Este é o pensamento crítico quando se trata de misturar de forma eficaz.

Refino e Enhancing

Como você faz seu caminho através do processo de mistura, como as horas de perseguindo o próprio rabo passam, os ajustes vai se tornar

mais fino, sua atenção aos detalhes irá tornar-se maior, e sua percepção mais refinada. Até o final de uma mistura, você deve ser capaz de

ouvir até mesmo as diferenças equilíbrio interno mais minuciosos, todo o caminho para baixo para 1 / 10th de um dB. No mínimo, você vai

pensar que você pode ouvir diferenças que pequenas.

Estou convencido de que posso ouvir uma mudança de equilíbrio interno de 1 / 10th de um dB quando estou no final de uma mistura. Se eu posso

ou não é irrelevante, e eu nunca incomodado tentando medir minha própria sensibilidade nessa fase de uma mistura, parcialmente porque eu estou

cansado demais para se preocupar, e em parte porque ele simplesmente não importa. Não há nenhuma maneira alguém vai ouvir um décimo de uma

mudança dB diferente em um estado de hipersensibilidade. Então, se você encontrar-se fazer ajustes neste pequeno, e eu tenho feito isso,

provavelmente você está desperdiçando seu tempo.

O que nos leva à pergunta: "O quão pequena de uma mudança equilíbrio interno é razoável?" Isso depende de sua atenção aos
detalhes. Até o momento eu estou terminando uma mistura, meio uma redução dB no vocal é a diferença entre o cantor aparece
apenas em cima da pista e um pouco na pista. Este é um bastante grande mudança percepção para tal ajuste minuto, e irá afectar
significativamente a forma como o ouvinte se sente sobre a pista. Por outro lado, no início de uma mistura, meio uma mudança dB não
vai mesmo registar-se como significativa. A pista está em um estado muito áspero para você ouvir o efeito real de tal ajuste minutos
de equilíbrio interno.

São os pequenos detalhes que fazem um mix grande, especialmente como eles se relacionam com a imagem grande. Simplesmente aumentar

um preenchimento antes do refrão pode aumentar uma recompensa já existente. Esses tipos de melhorias ajudá-lo a espremer cada bit de

movimento para a frente é possível a partir da pista. Quanto mais tempo você ficar no mix, mais você tem que pensar ao longo das linhas de toda a

mistura. Como você chegar perto do fim de seu mix, você está indo para refinar e melhorar. Procure oportunidades para melhorar seu mix de

qualquer lugar
você pode. Pode ser a diferença entre uma boa mistura e um grande, e essa distinção vale a pena o tempo.

Terminar seu Mix

Estive em direção ao final de misturas que eram aparentemente um desastre total, em que apenas um ou dois movimentos principais focado

completamente na pista. Eu sei que soa estranho, mas uma mistura final pode completamente deslocar-se sobre você, embora reconhecidamente, a

conclusão de uma mistura é tipicamente um pouco menos aleatória do que isso.

Normalmente, eu sei que estou perto do fim da mistura quando eu não posso parar de cantar e em movimento. quero dizer, pense sobre isso.

Se eu posso fazer-me cantar depois de muitos longas horas de trabalho na canção maldita, ele deve ser uma boa mistura. Existem outros

indicadores também. Se eu não consigo fazer ajustes no mix sem rejeitá-las completamente, eu sei que estou chegando perto.

É quase como se você receber um mix de conclusão próximo, e tudo trava em você. Se cada movimento que você faz parece destruir

completamente a integridade do mix, provavelmente você está feito. Em algum momento você só tem que admitir que você não pode melhorá-lo por

mais tempo.

Então, é claro, existem aqueles momentos em que você simplesmente desistir. Ei, isso é uma maneira perfeitamente razoável para

terminar um mix, especialmente se você sente que não pode mais oferecer qualquer melhoria. Concedido, é sempre melhor para se sentir bem

sobre o seu mix quando você imprimi-lo, mas você está à mercê do que lhe foi dado. Você só pode trazer uma produção até o seu pleno

potencial, e esse potencial pode não ser especialmente gratificante. Se você não pode fazer-se cantar e se mover, você não necessariamente

falhar como um mixer. Sei que pode ser difícil distinguir entre o seu próprio fracasso ea de seus clientes, mas como você misturar mais tempo,

isso se torna mais evidente.

É extremamente importante que você desenvolver um senso de quando o seu mix está terminado. É ridiculamente fácil de ir além do mix, e no

momento em que você faz, você está em um caminho de retornos decrescentes. Depois de obter o retrato grande trabalho em sua mistura, você deve

ser extremamente cuidadoso sobre as alterações feitas. Se suspeitar que você está perto, começar a poupar com frequência e com nomes de arquivo

exclusivo para que você possa receber de volta no caso de você ir além do mix.

Mix Notes

Mix observa é o momento em que o seu cliente tem que ir através da mistura com você. Vamos enfrentá-lo, pelo tempo que você está pronto para

o seu cliente para ouvir o mix, você poderia usar alguma entrada. Você foi trabalhar na música para qualquer lugar de seis a 12 horas, talvez mais,

e você precisa de uma nova perspectiva.

No momento em que você está apresentando o mix para seus clientes, você deve saber que partes acontecer onde, quando e
porquê. Deve haver muito poucas idéias a respeito da mistura, e em particular o arranjo,
que você ainda não tenha considerado. Haverá ocasiões em que seu cliente oferece uma idéia maluca que você não tinha
considerado. Mas quando se trata da integridade básica da mistura, deve haver pouca que não tenha já vêm à mente. Francamente,
no momento em que a banda e produtor ouvir a música, você deve realmente ter uma compreensão muito melhor da pista do que
mesmo que eles têm.

Se esta é a primeira mistura de um projeto, certifique-se a sua mistura é espetacular antes de jogá-lo para seus clientes. Certamente, há

momentos em que você pode procurar a entrada do seu cliente antes que você está completamente feito com a mistura-o primeiro mix simplesmente

não acontece para ser uma dessas vezes. Se você explodir seus clientes de distância, você preparou o palco para o projeto inteiro. Mesmo que você

só está misturando uma música, você ainda quer impressioná-los. Não poderia ser mais mixagens no futuro, assim que pensar a longo prazo a este

respeito.

É sempre uma experiência estressante para jogar a primeira mistura para um novo cliente. Você não tem nenhuma maneira de
medir o que a reação vai ser, e você não tem idéia se a sessão vai ser fácil ou difícil. situações desconhecidas são sempre estressante
para todos, não apenas você. Existem alguns passos que você pode tomar para relaxar os clientes. Para começar, você pode diminuir
as luzes e desligar o monitor do computador quando você reproduzir a mistura para eles. Reduzindo a luz cria um ambiente de audição
mais relaxante e melhora a audição de todos. É muito mais fácil de ouvir impacto emocional quando as luzes são baixas,
principalmente porque não há distrações visuais. A falta de estímulos visuais permite que o seu cliente a visualizar o mix como eles
ouvi-lo. Assim como isso é benéfico para você como o misturador, é útil para seus clientes também.

Desligar o monitor do computador é uma obrigação na primeira reprodução, uma vez que pode ser excepcionalmente difícil para o
seu cliente para resistir a ver o seu mix, em vez de ouvi-la. Você não quer que seu cliente tenha aviso justo do que está por vir em seu
próprio mix (ou desanimado com o que tem sido silenciado); você quer que eles para obter o impacto emocional da obra, avaliada a partir
da perspectiva do ouvinte. Concedido, seus clientes são dificilmente em posição de experimentar o impacto total de uma primeira audição,
mas eles são muito mais fresco do que você está vindo no final de um mix. Enquanto seus clientes estão intimamente familiarizados com
o arranjo, eles nunca ouvi-lo em um estado nearfinished. Se você pode afetá-los com o

misture, em seguida, você fez o seu trabalho bem.

Para as sessões autônomas, o processo de notas mix não costuma acontecer no dia que você misturar a música. O
processo autônoma exige que você imprima o seu mix e enviá-lo para o seu cliente para avaliação. Pessoalmente, eu não
suporto não ter o cliente lá comigo, mas às vezes simplesmente não há outra opção. Desde o processo de notas mix
implicará terminando misturas com as mudanças, considere nomear seus mixes de forma consistente. Por exemplo, eu
sempre rotular a primeira impressão de um mix "Song título de impressão 1, e nomear a sessão o mesmo. Eu faço isso
porque ele pode ser extremamente fácil esquecer que mix vai com qual sessão. Isso pode resultar no erro desastroso de
enviar o mix errado para dominar, especialmente se cada mistura é denominada "final." final mix. final final mix mix. final. Eu
posso prometer-lhe,

Muitas vezes a informação mais útil que você vai começar a partir do estágio notas mix é a confirmação. Haverá
todos os tipos de coisas no mix você ainda vai estar em cima do muro sobre. Você não tem que procurar activamente esta confirmação. Seu cliente é

fresco vêm mix observa tempo, por isso, se eles não percebem algo que você está preocupado, ele provavelmente não é um problema. Claro, se ele

ainda está incomodando você e o cliente não tenha mencionado isso, você sempre pode trazer suas preocupações para a sua atenção.

Como a maior parte do processo de notas mix envolve a interação pessoal, eu estou indo para ir para as estratégias
envolvidas no lidar com a seção Clientes do livro. Como um processo, não há muito a ele. Obter notas, fazer alterações, seguir em
frente. Os problemas ocorrem quando você perder o controle do mix observa fase da sessão, e que tem tudo a ver com
habilidades interpessoais e pouco a ver com processo.

Imprimindo o Mix

Ao misturar no domínio analógico, é normal para imprimir a mistura no momento em que é feito com ele, principalmente porque você tem que

derrubá-lo e começar a próxima. Em um DAW você realmente não precisa imprimir até que todas as misturas são feitas e você está pronto para

encerrar o projeto. Independentemente de saber se você está trabalhando no domínio analógico ou digital, você deve imprimir versões

alternativas de mistura. As mixagens alternativas mais comuns são as seguintes: Vocal-se, vocal para baixo, TV, instrumental, a cappella.

Eu percebo DAWs tem memória perfeita, e pode parecer supérfluo para imprimir versões alternativas, mas enquanto você pode ser capaz de

recordar a mistura precisamente hoje, que não será necessariamente o caso em um fato yearin, ele provavelmente não vai ser. Atualizações para o

seu software requer atualizações em plug-ins, e sua mistura provavelmente não vai lembrar de forma idêntica do momento que você fazer esse tipo de

atualização. Mesmo que seus clientes não precisam os suplentes agora, eles podem anos abaixo da linha, e parte de seu trabalho é dar-lhes tudo o

que precisam. Além disso, você realmente deseja imprimir suplentes para o seu cliente um ou dois anos mais tarde? Você realmente quer uma

chamada do seu cliente enquanto eles estão em masterização perguntar se pretende imprimir um vocal de uma música? Imprimir os suplentes e salvar

todos no projeto todos os tipos de problemas.

Vocal para cima e para baixo misturas são tipicamente entregues em incrementos de meia dB. Para um mix focado e eficaz, uma meia dB

diferença de nível vocal deve ser relativamente significativa. É possível que você pode favorecer um ajuste total dB, e eu sei misturadores que

fazem incrementos trimestre dB em seus vocais alternados. Você terá que encontrar o incremento que você sente funciona melhor para você,

e pode até mudar ao longo do tempo. Somente você pode fornecer a resposta para isso com base no que faz a diferença para suas mixagens.

Algumas pessoas gostam de ter seis nível vocal alternatesthree diferente para cima e três para baixo. Para mim isso é um exagero, mesmo no

domínio analógico, mas pelo menos há um argumento para ele nesse cenário dada a dificuldade de recalls. Quando estou trabalhando em um DAW

Eu normalmente só imprimir um suplente, e é quase sempre um up vocal. Até que você tenha sido mistura por um tempo, eu recomendo dois

suplentes, um vocal para cima e um vocal para baixo. Se você começar a imprimir um vocal para baixo, e você está convencido de que o vocal é muito

baixo para o mix de sempre ser útil, em seguida, imprimir uma segunda vocal para cima.
 Nessas ocasiões, quando o arranjo vocal inclui faixas duplas e harmonias, uma decisão deve ser tomada. Se você aumentar
apenas o vocal principal, você alterar as relações de equilíbrio dentro do vocal
misturar. Haverá momentos em que você quer manter essa relação intacta, caso em que você deve levantar todos os vocais para suas

mixagens alternativas. Apenas certifique-se de rotular o seu mix claramente com um "tudo vox-se" ou "levar vox-se", como você nunca vai

se lembrar que você fez depois.

O mix TV não tem vocal principal. Harmonias permanecer intacta e pistas duplas são opcionais. O objetivo deste mix é para aquelas
ocasiões quando o cantor deve executar sem um band-que é uma ocorrência comum para performances de TV; daí o nome. Você
também pode chamar isso de mix "karaoke". Hey, se seu mix torna-lo em máquinas de karaokê, o que significa que foi um enorme
sucesso; bom para você.

O instrumental não tem vocais de qualquer natureza. Esta faixa pode ser bastante útil para fins de edição, especialmente se o
seu cliente deseja preparar um radio edit após o fato. Se uma edição precisa ser executada, onde há uma sobreposição vocal, o
instrumental pode ser usado em conjunto com um Cappella (vocal apenas), a fim de fazer a edição. Em alguns gêneros, como
hip-hop, o instrumental é freqüentemente incluída com o single, embora essa prática está diminuindo devido ao aumento nas vendas
online. Ainda assim, você nunca sabe o que o futuro nos reserva, e instrumentais poderia um dia ser oferecido como faixas bônus
com compras on-line.

O a cappella é um vocais somente misturar e pode ser bastante útil para edições e remixes.

Dizer adeus é difícil de fazer

Completando um projeto de mistura é sempre estranho. Você acha que seria um grande evento com um final definitivo, mas é
mais como um esmorecimento. Mesmo neste capítulo se sente como que para mim. O que, estamos a fazer? Bem não. Não o
livro. Temos muito mais para discutir, mas uma vez que as misturas é feito e impresso, é isso. É hora de passar para o próximo
projeto, conhecer novas pessoas, e lidar com novos desafios. Eu não acho que vou me acostumar com o fim de uma sessão de
mistura. É uma espécie de como ser um obstetra sem todo o sangue e placentas. Você só ajudou o seu cliente dar à luz a seu
novo filho. Claro, a gravidez de seu cliente é longo, mas agora eles têm que ir levantar e alimentar seus filhos. Enquanto isso,
você tem um outro bebê para entregar amanhã. Dizer adeus e seguir em frente. Não se preocupe. Você'

Você não acha que você estava indo para apenas deixar dominar até ao acaso, não é?
 Engrenagem usado em um mix são ferramentas que irão tornar a sua vida seja mais fácil ou mais difícil; eles não

são o que faz um mix bom ou ruim.

Se você já passou algum tempo em tudo em qualquer um dos vários fóruns de discussão de áudio Internet, você já deve ter percebido um apetite

quase insaciável por discutir engrenagem. Vou poupar algum tempo. Pedir a um grupo de estranhos a sua opinião sobre uma ferramenta tão comum

como um compressor ou limitador irá resultar em nada mais do que informações inúteis. Aqui, deixe-me responder a algumas das perguntas mais

comuns para você:

Qual é a melhor compressor para menos de $ 100? Você recebe

o que você paga.

Se eu comprar um [Universal Audio] LA-2A ou um 1176? Você deve

comprar ambos.

Sim, mas qual delas será mais útil?

Ambos são úteis. Que será mais útil do que? Que será mais

útil nos vocais?

Quem diabos sabe? Isso depende do vocalista!

Se você é culpado de pedir esses tipos de perguntas, ou mesmo se você gosta de abertura destes tipos de tópicos, a fim de ler as
muitas opiniões variadas de estranhos em sua maioria anônimos (e eu era um daqueles estranhos anônimos por um tempo), então Eu
tenho algumas perguntas para você. Exatamente como é uma peça de arte deveria fornecê-lo com as sensibilidades necessárias para
construir um mix assassino? Que peça da engrenagem que vai classificar e underdub suas peças? Que unidade está indo para
maximizar o retorno no coro? Que caixa vai determinar onde o foco do ouvinte deve ser? Que peça da engrenagem que vai levar as
pessoas a cantar e dançar? A resposta, claro, é nenhum.

Toda a tecnologia, e todas as ferramentas (e as ferramentas são a tecnologia) são por design destina a tornar a vida mais fácil. Se
uma ferramenta comum fica aquém desse objetivo, então provavelmente é a ferramenta errada para o trabalho. Por exemplo, se você
colocar um 1176 em um vocal, e faz aquele som vocal pior, você deve jogar fora seu 1176? Mas foi ótimo nos últimos vocalistas! O que
aconteceu? Se você passar as próximas horas lutando contra os efeitos negativos do 1176, ou talvez você deve tentar usar um LA-2A em
vez disso? Suponho que depende se você tem ou não.

Quero dizer, eu posso usar um LA-2A ou um 1176 com sucesso e beneficamente em um vocal em algum lugar
na ordem de 99 por cento do tempo. Se o 1176 não soa bem, o LA-2A normalmente faz, e vice-versa. Se eu não tiver um
desses dois limitadores disponíveis para mim, então eu vou nem precisa de obter um ou usar outra coisa. Perguntando qual é o
melhor não é relevante. Eles são diferentes. Oh, você tem mais perguntas? Eu tenho mais respostas.

Qual é a melhor DAW para cortar e reconstituir um baterista ruim?

Bem, todos os DAWs pode fazer isso. Não é a função mais importante na sua DAW? Você passa a preponderância do seu dia a
edição bateristas inconsistentes? Se o fizer, é bem possível que você está editando que muitos bateristas por causa da engrenagem
que você possui.

Que DAW eu possa trabalhar mais rápido?

Agora há uma pergunta que vale a pena, mas não vá a correr para a Internet para publicar esta investigação, porque só você pode
responder. Claro, você tem que se tornar hábeis em cada DAW disponíveis, a fim de fazer uma determinação, um tal esforço
altamente improvável e um pouco inútil, dado o âmbito da tarefa. Além disso, ele realmente depende do que você faz a maioria. Se
picar bateristas é de pouco ou nenhum interesse para você, mas a mistura é, você provavelmente deve basear sua escolha DAW
sobre o que torna a mistura mais fácil. Em todas as vezes você quer escolher suas ferramentas com base no que vai facilitar a sua
vida, e não de outra pessoa. Portanto, ninguém pode responder a essa pergunta, mas você.

Será que a 1,176 som Bomb Factory como a coisa real?

alguém está mesmo usando aquele pedaço de merda anymore? Er, quero dizer: Nem perto disso. Claro, se isso é tudo que você tem

disponível, você deve usá-lo.

Faz um plug-in de som apenas como a coisa real SSL G384?

Oh não. Na verdade, não há um único plug-in projetado para emular uma peça analógico de engrenagem que é mesmo remotamente
precisa nesse papel. Nem um. Isso faz-os inúteis? Não necessariamente. Faz-los com bom aspecto? Absolutamente!

Demasiadas vezes engrenagem é visto como uma bala mágica: tão poderosa que será a diferença entre você entregar um grande
mistura e um medíocre. Isso não é verdade. Sua coleção de arte é a sua coleção de ferramentas, e se você tiver apenas algumas
ferramentas disponíveis, aqueles que vão ter que fazer. A beleza de plug-ins é que uma vez que você possui o pacote, você pode ter
como muitos deles em seu mix como o seu poder de processamento permitirá. Uma 1176LN analógico só é bom sobre um canal. Não
é assim com o plug-in 1176. Claro, se você é um tipo inovador de pessoa, você pode vir para cima com a idéia de re-gravação de uma
faixa (ou dois) através do 1176, libertando-se de outra coisa.

Isto é, não significa um argumento que um pacote de plug-in é melhor do que aquela única 1176. Você deve
ainda tem pelo menos um analógico 1176 em seu arsenal em algum ponto. Ainda assim, quando se trata de tomar uma decisão de
compra para aqui e agora, se o grande número de limitadores disponível para você é mais útil do que o benefício sonoro de um
particular, então parece-me que é o pacote plugin que fará sua vida mais fácil.

Posso dizer com segurança que você nunca vai possuir tanto engrenagem que você não precisa de mais nada. Em todas as vezes suas

compras serão feitas com base na prioridade, e que a prioridade deve ser baseada no que ferramenta irá facilitar a sua vida agora, e mais do que

qualquer outra ferramenta. Se você pode determinar com precisão isso, então a sua próxima decisão de compra é fácil.

Meu argumento áudio banal favorito Internet referente às artes é essa noção de que um bom carpinteiro não culpa sua ferramenta.
Sim, bem, um bom carpinteiro não compra um martelo de plástico, qualquer um. Escolher as ferramentas faz parte do trabalho em geral,
e existem certos requisitos mínimos, se você quiser misturar de forma eficaz. A DAW, um computador e alguns monitores pode ser o
mínimo necessário para misturar, mas eles não são o mínimo necessário para misturar de forma eficaz ou êxito.

Tome mundialmente famoso violinista Itzhak Perlman. Se fôssemos para fornecer Sr. Perlman com um violino estudante, não há
dúvida em minha mente que ele iria fazer esse instrumento cantar como ninguém mais podia. Mas se você fosse dar-lhe o seu
Stradivarius favorito, não só o seu tom melhorar acentuadamente, ele também tem um tempo muito mais fácil tocar o instrumento. Por
sua vez, lhe permitiria concentrar exclusivamente em seu desempenho, ao invés de delegar uma parte de sua inteligência para superar
as deficiências do instrumento estudante. A Stradivarius, sem dúvida, tornar a vida de Itzhak Perlman mais fácil.

monitoração

Considerando um compressor particular ou limitador pode facilitar a sua vida, pobre monitoramento servirá apenas para tornar sua
vida mais difícil. Seu monitoramento é tão crucial para funcionar eficazmente certas deficiências não pode ser superada com
habilidade.

Você não pode entregar um mix adequado, se o que você está ouvindo pelos alto-falantes é tão fora de sintonia que ela irá reter pouca

ou nenhuma semelhança fora de seu quarto. Como discutimos anteriormente, como uma mistura funciona fora da sala de controle é chamado

de tradução. Se o seu mix não traduz corretamente, você não pode misturar. Infelizmente, você não pode necessariamente culpar questões

de tradução em seus oradores sozinho. O espaço acústico que contém os oradores desempenha apenas um papel tão importante quanto os

próprios falantes.

Existem dois tipos de questões-os de tradução que pode ser superado, e aqueles que não podem. Se você está misturando em uma

sala que tem um pouco demasiados graves na posição do mixer, suas misturas irá traduzir oposta e se reproduzem muito pouco baixo fora

de seu quarto. Basicamente, qualquer problema de frequência linear você pode ter se traduzirá em uma forma igualmente oposto fora do

seu quarto. Se você sabe disso,

então você pode ajustar a forma como você ouve no seu próprio quarto. Depois de um tempo, seu cérebro irá ajustar automaticamente para qualquer

levemente fora de questões de resposta de freqüência pancada. Todos os quartos, não importa quão bem construído, terá esses tipos de anomalias, e

eles são relativamente fáceis de lidar. Os problemas estão com problemas de tradução sala que não podem ser superadas.

Eu gostaria que isso fosse tão simples uma correção como mudar seus monitores. Infelizmente, os alto-falantes não se sentar em um
vácuo. O som que vem de seus monitores existe em um quarto, o que significa que vai ser reflexão. Se o seu quarto tem problemas
acústicos que tornam impossível ouvir certas frequências, você nunca será capaz de superar esse problema com inteligência sozinho.

A única maior despesa de todo o quarto mix adequadamente implementado é o build-out. Um espaço acústico mal tratada irá impedi-lo de

ainda ser capaz de misturar, como nada que você faz vai fazer qualquer sentido no mundo exterior. A partir de uma perspectiva visual, é como

a pintura em um breu sala de seus resultados não só será insatisfatório, eles estarão completamente imprevisível, e nenhuma quantidade de

comparação fora do seu espaço de trabalho nunca vai permitir que você corrigir o problema, porque você' vai ter que ir para a direita de volta

para seu quarto escuro como breu para fazer quaisquer alterações. Se não há nenhuma aparência de tradução, e se não há nenhuma

semelhança entre o que você ouve no seu quarto e fora dele, então como é que você vai resolver o problema?

Este tipo de problema de monitoramento não significa automaticamente que você tem que gastar uma fortuna em sua acústica build-out. Será,

no entanto, quer exigir algum investimento financeiro no seu quarto atual, ou uma mudança para um adequadamente construído.

Há uma abundância de informações na Internet sobre como lidar com os problemas acústicos de seu quarto mistura. Como com
qualquer coisa na Internet, alguns (se não a maioria) de que a informação é completamente falso, e você faria bem para realizar um
bom e grande grão de sal quando você está pesquisando o assunto. A melhor solução é contratar um designer sala de bem-visto que
tem um historial de sucesso build-outs. Fotos e depoimentos em primeira mão de estúdios legítimos seria um bom começo para
confirmar as qualificações de um designer de quarto. Este tipo de profissional não vai ser barato, mas nem é uma DAW full-blown, ou
um grande misturador, para essa matéria.

Se o seu quarto não se traduz bem, que precisa ser corrigido antes que você está indo para obter bons resultados de mistura. Eu não
me importo como adepto você está em avaliação de um quarto, fazendo referência material de programa que você está familiarizado. Se
você não está ouvindo certas freqüências porque sua sala de controle não é nada mais do que um quarto com uma mesa e alto-falantes
no meio dela, você nunca vai ser capaz de fazê-lo traduzir. Seu mixer favorito pode ouvir 1.000 misturas de referência ao longo de 20 dias,
e ainda não vai superar alguns problemas acústicos.

I utilizado para mudar para uma sala de mistura diferente a cada duas semanas, e eu me tornei incrivelmente hábeis em decifrar e compensar

problemas de tradução de um quarto rapidamente. Ora, estes eram todos os quartos profissionalmente construído por alguns dos designers acústicos

mais respeitados do mundo, para que eles não estavam em qualquer trecho
da imaginação quebrado. Atenha-me num quarto do acusticamente tratada, no entanto, e você pode esquecer-se sobre a tradução. Isso
não vai acontecer. A linha inferior é que você não pode compensar o que você não pode ouvir.

O que você pretende fazer com mistura provavelmente irá determinar o quanto você está disposto a gastar. Se você está procurando para

misturar sua própria música, e só a sua própria música, gastando US $ 100.000 em um buildout em seu apartamento alugado é claramente uma

impossibilidade. Eu realmente não posso dizer se a safra atual de Internet- savvy, especialistas em acústica auto-proclamados pode realmente

ajudá-lo a corrigir o seu quarto. Nenhum dos fabricantes de painéis acústicos parecem concordar sobre qualquer coisa a respeito de sua experiência,

apesar do fato de que todos eles vendem produtos similares. Vamos enfrentá-lo, esses caras não fazem seu dinheiro em consultoria; eles fazem isso,

vendendo-lhe os seus painéis acústicos, o que deixa a questionar o que você está realmente comprando.

Não estou sugerindo que os fabricantes de painéis boutique estão sem escrúpulos. Dependendo de quanto é quebrado com o seu

quarto, painéis acústicos poderia ser a melhor opção para a fixação de seus problemas sem investir uma fortuna. Pode valer a pena jogar $

1.000 para o problema apenas para determinar se você precisa jogar 10 ou 20 vezes mais para ele para criar um ambiente crítico-listening

razoável. Apenas certifique-se que você vá para alguém respeitável que não discutir com as premissas básicas deste livro em toda a

Internet. Se o proprietário não compreende a mistura, então ele não pode possivelmente entender suas necessidades no estúdio. Gostaria

de começar com uma empresa chamada GIK Acoustics se você estiver indo para tentar o painel e baixo rota armadilha acústico.

Tudo o que sei é que você tem que lidar com a forma como o seu quarto traduz se você tem alguma esperança de se misturar com sucesso,

mesmo se você só está misturando para si mesmo. Então a primeira coisa que você tem a fazer é corrigir o seu monitoramento.

monitores

A outra metade da equação de monitoramento são os próprios monitores. monitores de estúdio vêm em todas as formas e tamanhos
diferentes, e selecionar o que é certo para você é uma escolha pessoal. Este fato tenderia a tornar quaisquer recomendações específicas
de mim como nada mais do que inútil, embora, como alguém que tem misturado em muitos monitores diferentes, eu posso oferecer-lhe
algumas dicas valiosas sobre este assunto. Boa notícia, com certeza!

Se você é novo na mistura, então eu sugiro que você tem mais do que um conjunto de monitores de estúdio disponíveis. Existem três

estilos básicos de monitor de estúdio: bigs, meio-campo e quase-campos.

Os bigs são tipicamente intradorso montada e exige uma bastante grande construir-se de modo a acomodá-los. Se você obter-se
apenas sobre qualquer revista de áudio normalmente você vai ver a imagem de uma sala de controle com os bigs afixados nas laterais do
vidro estúdio. Meu bom amigo e produtor Peter Bunetta os chama os "adultos" alto-falantes de suponho desde que eu geralmente não
usá-los até que ele venha para ouvir seu mix. Eu acho que tenho alguns crescendo até fazer! Ocasionalmente, eu poderia verificar os bigs
apenas
para ouvir o fim baixo por um momento, mas no geral eu encontrá-los completamente inútil como monitores mix. Eles são ótimos para ouvir

como você imprimir o seu mix, ou para festas de grupos de escuta, mas que é sobre ele. Se você não tem o quarto ou o dinheiro para instalar

bigs, não se preocupe; você vai ficar bem sem eles.

Near-campos são pequenos alto-falantes com seis a woofers de oito polegadas. Eles normalmente se sentar na ponte de seu console ou

secretária de produção. Na minha experiência, uma boa near-field acentua o midrange, principalmente porque ele não tem o tamanho woofer

para estender com precisão para o fundo inteiro. Para a maior parte dos 20 anos, a Yamaha NSIO foi o monitor de campo próximo padrão da

indústria. NSIOs são monitores absolutamente terríveis que se refere à apreciação real da música, mas são brilhantes como monitores de

estúdio, contanto que você pode superar a curva de aprendizagem. woofers NS10 não pode levar muito abuso e precisam ser substituídas

regularmente; caso contrário, eles ficam excepcionalmente flexível, mas espero que este é provavelmente um problema com praticamente

qualquer monitores de campo próximo, dado o tamanho inadequado woofer. NSIOs não são mais feitas pela Yamaha, e dada a

indisponibilidade geral de woofers de substituição, eu recomendaria encontrar um nearfield diferente. Além disso, um reinado de 20 anos é

tempo suficiente.

Meio-campo são maiores do que perto de-campos, e levar um woofer de 10 a 15 polegadas de tamanho. Por design, meio-campo é
suposto ser colocado de seis a oito pés da posição de mistura. Isto oferece uma certa distância entre você e o orador, que permite que o
fim espaço suficiente baixo para desenvolver adequadamente. Dito isto, eu quase nunca colocar meio-campo atrás do console. Eu prefiro
tratá-los como quase-campos e colocá-los na ponte da mesa. Não há certo ou errado em relação a este, apenas o que funciona para
você, a fim de obter a tradução exata.

Auratones, ou seu aparelho de som jardim-variedade, são muitas vezes utilizados para verificar mixagens. Esses tipos de alto-falantes são

muitas vezes referida como o "menor denominador comum", onde a reprodução está em causa. Pessoalmente, eu não usá-los, não entendo a

necessidade para eles, e preferem não desperdiçar valioso espaço de ponte horizontal, a fim de abrigá-los. Não deixe que você parar, no entanto.

Há certamente um argumento válido para uma verificação da caixa de crescimento, e se você achar que é útil, em seguida, por todos os meios

incluí-los no seu monitoramento. Minha única ressalva é não realmente gastar algum tempo equilibrando-se sobre eles. Use-os apenas para avaliar

como o seu mix traduz quando comparado aos seus outros monitores.

Idealmente, você quer ter um par de quase-campos para sua midrange acentuada, e um par de meio-campo para a sua gama completa. Desta

forma, você não vai se sentir como se você estivesse batendo um picador de gelo em seus ouvidos durante todo o dia, trabalhando exclusivamente em

monitores de campo próximo. Se você só tem quase-campos, então você pode considerar a usá-los em conjunto com um subwoofer. Quando o

subwoofer está ligado, eles vão agir mais como meio-campo, e quando ele está fora eles vão trabalhar como quase-campos. Eu usei NS1Os com um

subwoofer em mais de uma ocasião, e este pode extremamente aliviar alguns dos problemas de fadiga.

Alternando entre monitores de estúdio como você mistura oferece o benefício de construir um compromisso que funciona entre
eles. Os compromissos que você faz entre monitores a maioria irá lidar com decisões de frequência e de equilíbrio. Por exemplo, um
laço que soa terrivelmente desagradável em um monitor de meio-campo pode ser exposto como overbearingly detestável em um
monitor de campo próximo. Ao ajustar o
EQ e equilíbrio do laço, a fim de chegar a um compromisso que funciona em ambos os conjuntos de monitores, você irá aumentar a probabilidade de

que o seu mix irá traduzir bem fora do seu quarto. Depois de um tempo, você pode até mesmo executar determinadas funções de mistura em certos

alto-falantes. Você pode, por exemplo, esculpir a sua extremidade baixa no meio-campo em volume alto, e fazer seus passeios vocais sobre as

quase-campos em volume baixo. Você pode obter todos os seus saldos no curto campos, e fazer todos os seus passeios no meio-campo. Você pode

fazer a maior parte de sua mistura no curto campos, e usar os meio-campo como alívio. Como você usa seus monitores é com você, mas até que

você é um misturador de especialista, você deve definitivamente usar mais de uma variedade de monitor de estúdio.

Escolhendo seus monitores de estúdio é uma escolha pessoal, que deve ser nem chegou a levemente nem por acaso. Há dezenas de

monitores de estúdio no mercado, e dada a importância suprema da tradução, este não é o lugar para economizar. Pessoalmente, eu gosto

de monitores que me fazem trabalhar duro. Isso pode parecer contra-intuitivo de alguém que é tão insistente em misturar rápido, mas eu

posso prometer-lhe que você não salvar-se a qualquer momento, a longo prazo, misturando rapidamente em monitores que tendem a

disfarçar a verdade da questão.

Monitores que fazem tudo o som agradável, com um midrange escavada, está indo para mordê-lo na bunda. É muito melhor usar um par

de monitores que mostram prontamente todas as verrugas. Isto irá tornar mais difícil

misturar, mas também irá reduzir os problemas de tradução. Diga o que quiser sobre NSIOs e eu te juro que eu odeio eles, com o

emparelhamento amplificador direita e em uma sala de controle bem projetado, eu posso misturar como o vento sobre eles. Isso é porque eu

sei exatamente como eles traduzem, e eles tendem a revelar todas as verrugas na midrange.

Aparentemente todos os fabricantes de monitor de estúdio irá dizer-lhe que o seu monitor é de "flat". Em teoria, um monitor plano

responde uniformemente em todo o espectro de frequência. Na praticidade, não há tal coisa como um monitor de estúdio. Tudo que você

precisa entender é como os monitores responder no seu quarto, e como isso se traduz fora de seu quarto.

Variedades do monitor

Existem dois tipos de monitores de passivos profissionais e ativos. Monitores Passivos exigem um amplificador externo, que deve
ser cuidadosamente emparelhado com o alto-falante. Isso também é uma questão de gosto pessoal, e em geral o melhor do
amplificador, melhor o emparelhamento vai ser. O poder do seu amplificador também é uma consideração importante, como o poder
impróprio seus monitores fará com que eles operam de forma ineficiente. Vou deixar esta pesquisa até você, mas no final, você
precisa realmente tomar esta decisão sozinho, ouvindo como eles funcionam juntos. A compra de um amplificador que está
destinado a fazer o seu audiófilo locais feliz geralmente revelar-se inúteis no estúdio, e só vai ser um desperdício de dinheiro.

Monitores Activos têm os amplificadores embutidos. Este projeto oferece uma série de vantagens. Quando você entrar na
camada superior de monitores biamped, o amplificador corresponde especificamente ao
alto falante. Se você não gosta do emparelhamento amplificador de alto-falante de um monitor ativo, você não gosta do monitor. Isso faz

com que a vida simples. alto-falantes ativos também viajam bem, embora eles podem ser ridiculamente pesado. Se você está viajando para

outra sala, seus monitores ativos irá remover uma variável importante da equação. Não há dúvida de que eles vão reagir de forma diferente

em cada quarto, mas que será a única diferença. Eu digo não se incomodam porra ao redor, e obter-se um par high-end do meio-campo

ativos; mas, em seguida, é sempre mais fácil de gastar dinheiro de outra pessoa.

Monitores, especialmente monitores meio-campo, também tem algumas opções onde o tweeter está em causa. Alguns monitores são

projetados com tweeters concêntricos, em que os tweeters sentar bem no meio do woofer. O pensamento por trás deste projeto é timealign a

extremidade superior com a extremidade baixa, como eles estão emanando do mesmo ponto focal. Supostamente, quando o tweeter e woofer

são separadas, a informação de alta-fim está ligeiramente fora de sincronização com a informação de gama baixa, o que faz com que imagem

distorcida. Imaging, shmimaging. Sim, eu concordo que a imagem não é tão preciso em monitores não-concêntricos, mas eu misturado

extensivamente em ambos, e você pode fazer misturas traduzir em qualquer variedade.

Alguns monitores implementar agudos fita, que tendem a amolecer a alta final um pouco. Isto oferece o benefício adicional de reduzir
a fadiga. Novamente, é inútil para mim para fazer uma recomendação sobre isso, porque tudo o que importa é o que funciona para você
no seu quarto.

O único conselho concreto real que eu posso dar-lhe sobre o que estilo de monitor for melhor para você é não comprá-los sem

experimentá-los em seu quarto em primeiro lugar. Não importa para mim se você está no meio do Alasca; você está desperdiçando seu dinheiro

comprando um par de monitores se você não experimentá-los em seu quarto em primeiro lugar. monitores profissionais pode custar de R $ 1.500

por um par relativamente barata de alto-falantes Tannoy a US $ 7.000 por um par de Meyer HD- é. Gastar o dinheiro no transporte e seguro para

experimentar seus monitores. A maioria dos vendedores vai deixar você devolvê-los no prazo de 30 dias, se eles não são do seu agrado. Basta

estar na frente com o fornecedor sobre suas intenções, e eles podem dizer-lhe a melhor maneira de proceder.

Uma última consideração, e que não deve ser ignorado, é como seus quase-campos e meio-campo emparelhar-se. Se você não pode

alternar entre os monitores sem confundir-se completamente, então isso não é um bom emparelhamento. Você deve ser capaz de alternar

facilmente e para trás entre os monitores e não ficar chocado com a diferença de som. Enquanto eu admitir que é bastante chocante para

mudar para NS10s depois de trabalhar por uma hora ou assim em praticamente qualquer par de meio-campo, existem algumas combinações

que podem causar uma mindfuck de proporções épicas. Quando você se deparar com isso, você sabe disso. Além disso, eu já lhe disse para

não ficar NS10s. O que diabos você está mesmo considerando-los para?

Se você realmente quer misturar, é essencial para obter os monitores que funcionam melhor no seu quarto e para você. Você precisa de pelo

menos um grande conjunto de monitores, e que provavelmente vai lhe custar vários milhares de dólares. Se você ama Tannoy monitores

concêntricos, você pode ser capaz de obter algum mais barato, mas o preço realmente não deve ser sua principal consideração. Se não for possível

ouvir a maneira que você precisa, misturando dia sim, dia não vai ser nada menos do que miserável. Leve o tempo necessário para encontrar

apenas o direito
monitorar para você e você não terá que fazer essa compra novamente por muitos anos vindouros.

Sununing

Por mais que eu prefiro misturar em um console analógico para uma infinidade de razões, é o resumo que oferece a diferença crítica, que

habilidade por si só não pode superar. Desde a escrita deste livro, resumo digital é totalmente inadequada para a mistura, e eu realmente não

espero que isso mude em breve. Para voltar à nossa metáfora Itzhak Perlman, soma digitais seria semelhante ao fornecimento de Itzhak com

um violino cordas dois e esperando que ele fizesse em seu nível elevado de costume. Enquanto eu estou certo de que ele ainda seria capaz

de fazer coisas incríveis com o instrumento de duas cordas, ele estaria tão limitado no que ele pode executar que uma pessoa de menor

habilidade com um instrumento totalmente funcional provavelmente produzir um mais utilizável resultado. Há um ponto onde a habilidade não

pode superar as deficiências de nosso instrumento.

DAWs existem desde final dos anos 80. Gravei todo o primeiro álbum Pharcyde em um DAW de volta no início dos
anos 90. Até o início dos anos 2000, DAWs eram comuns em estúdios, e eles agora tomado como a plataforma principal
para gravação e mixagem. DAWs melhoraram consideravelmente ao longo de sua história 20plus anos. Plug-ins foram de
abismal francamente utilizável. conversores de que alta qualidade já estão disponíveis há muitos anos-desceram
consideravelmente em preço. Há um lugar, no entanto, onde DAWs ainda são terrivelmente falta, e isso é de soma digital.

Está certo; Eu estou dizendo que seu DAW na sua forma estoque está indo para tornar a vida não apenas difícil, mas insustentável que se

refere à mistura. Isso não significa que você não pode fazer seus clientes felizes (todos nós temos clientes que são fáceis de agradar). Ele

certamente não significa que você não pode vir até com um arranjo incrível. Isso significa que você está enfrentando uma limitação tão grave e tão

crucial para a mistura que o seu principal instrumento é essencialmente quebrado. Os resultados vão permanecer gravemente comprometida até

que você corrigir o problema.

Eu não posso te dizer o porquê. Eu não posso dizer-lhe como. Eu não posso nem provar o que estou prestes a dizer-lhe, e posso

assegurar-lhe que os fabricantes de DAW, particularmente Digidesign, não só irá rejeitar esta alegação, mas vai tentar ativamente para persuadi-lo

de outra forma através de white papers falho que a maioria de vocês não pode entender e comparações falsos que a maioria de vocês não sabe

que são falsos.

Todos os DAWs atolar no 2-bus.

O 2-bus é o caminho pelo qual todo o seu áudio é somados. Perdoe a afirmação óbvia, mas como misturadores tomamos muitas
faixas e trazê-los para baixo a dois: à esquerda e à direita. Você pode reconhecer estes como saídas 1 e 2 do seu DAW. Se você
está misturando internamente para sua DAW, todo o seu áudio está sendo digitalmente somados através dessas duas saídas, que
acontecerá a ser o 2-bus.

Os mais faixas de áudio que são somados digitalmente, mais sufocado o áudio fica. DAWs não
combinam bem áudio, e eles nunca têm. Algumas pessoas na Internet vai argumentar que DAWs de alguma forma combinar áudio "perfeitamente" (e

eles vão mesmo usar essa palavra), é justo que nós, como seres humanos, de alguma forma, preferem as "falhas" de analógico somando melhor.

Sim, e um violoncelo estudante feito de madeira de balsa emite som perfeitamente; nós simplesmente preferem as falhas maravilhosas de que o

velho Stradivarius. Ahem. resumo digital não é bom o suficiente. Desculpa.

Isso não significa que você tem que começar a fazer compras para um console grande quadro de seis dígitos em breve. Há uma correção mais

razoáveis ​e acessíveis a esta questão, e é chamado uma caixa de resumo.

Um número de caixas somando estão disponíveis no mercado. Eles não existiria se não houvesse uma clara necessidade para eles.
Isso não parece impedir que as pessoas que não sabem o que estão falando de debater a questão, no entanto. Vou deixá-lo para fazer a
pesquisa sobre o qual caixa soma é melhor para você, mas eu uso o 2Bus perigoso, que eu resolvida após extensos testes no mundo
real. Isto não é como um testemunho para o produto, embora você pode ter certeza eu não estaria usando nada no meu 2-ônibus que
não era da mais alta qualidade. É, no entanto, uma caixa de resumo estou intimamente familiarizado com, e como tal, é o que eu vou
usar para meus exemplos.

O perigoso 2-Bus é essencialmente uma consola analógico ultra-simples consolidados numa unidade de cremalheira dois espaço conveniente.

Ele não tem faders e nenhum pan botões-apenas 16 entradas analógicas estáticos que resumem o áudio até duas saídas. Se você tem um Pro

Tools plataforma com pelo menos um 192, você pode facilmente integrar uma caixa de resumo em seu sistema, e se você quiser dar-te um tiro na

entrega de grandes misturas, isso é tão necessária uma compra como a própria DAW.

Boa soma analógico irá fornecer-lhe com uma alta e baixa final mais prolongado, misturas mais largas, mais punch, e mais importante

de tudo, mais profundidade. Tanto quanto os fabricantes de engrenagem usar adjetivos como este regularmente para vender seus produtos,

eu não sou um fabricante de engrenagens. Eu sou um mixer. Estes são adjetivos legítimas que fazem sentido para qualquer um que

mistura. A diferença entre um mix resumiu analógico e um resumiu digitalmente é tão óbvio que uma vez que você mudar suas saídas para

vários canais de caixa de resumo, você vai notar uma melhoria global imediato em seu mix.

É importante ter em mente que os compostos de degradação de soma digital. Em outras palavras, soma digitalmente quatro
canais não é soma quase tão problemático como digitalmente oito (embora a densidade do programa a serem somados também
tende a ser um factor). Isso significa que você pode sair com alguns resumo digital; você só quer reduzi-lo tanto quanto possível,
de preferência sem quebrar o banco. Enquanto um Dangerous 2-Bus poderia muito bem ser o suficiente para você, dois deles lhe
dará ainda mais flexibilidade e deve ser considerado, se não a curto prazo, em seguida, a longo prazo.

Embora o cenário ideal seria ter um canal analógico para cada saída (o que significaria que você conseguiu erradicar a sua
máquina digital soma completamente), isso provavelmente não é necessário, principalmente quando avaliado do ponto de vista
custo / benefício puro. Eu pessoalmente uso duas unidades 2-Bus perigosas, e enquanto três seria melhor, ele provavelmente não
vai beneficiar o mix suficiente
para justificar a despesa para a minha situação, particularmente quando trazemos conversores na equação. Além disso, é muito raro que
eu tenho tantas músicas que eu realmente precisam de mais entradas. Mesmo em produções que têm mais faixas do que saídas, quase
sempre há partes que desempenham em diferentes seções. Como consequência, é incomum para mim acabar com qualquer soma
digital de qualquer tipo.

Como o conceito de soma analógico e como caixas somando estão configuradas é provável um conceito estranho para muitos de ler este livro, eu

estou indo para oferecer exemplos específicos de como se pode criar a sua caixa de resumo. Vamos começar com uma configuração de uma caixa.

Vamos dizer que você tem um Dangerous 2-Bus e um MOTU 192 em seu quarto (um conversor de 16 canais). A menos que você está

misturando a um dispositivo externo ou a menos que você tem conversores estéreo externos, você só vai ser capaz de usar 14 conversores

de seu 192, uma vez que dois deles serão necessários para realmente monitorar o mix. Com 14 saídas analógicas disponível, você deve ser

capaz de limitar a soma digital de forma substancial. Aqui está um exemplo de como você pode configurar um mix de rock através de um

único Dangerous 2-Bus.

1 Bass (mono) 2 Kik

(mono) 3 Armadilha

(mono) 4 Vocal

(mono)

5-6 Drums (exceto kik e laço) 7-8 Guitarras

9-10 Chaves

11-12 percussão e FX Retorna 13-14

BG Vocais

Embora esta configuração com um Dangerous 2-Bus não é perfeito, e não será certamente alguns soma digitais
envolvidos, a maioria de seu resumo será feito analógico, e fora de sua DAW. Quanto mais soma você pode fazer
fora do DAW, melhor.

Como suas mixagens melhorar, você provavelmente vai querer expandir suas habilidades de soma externas. A configuração conforme

estabelecido acima é realmente nada mais do que o mínimo necessário para superar problemas de soma digitais. Desde unidades 2-Bus perigosas

pode ser acoplado com várias outras pessoas, você pode facilmente aumentar o número de entradas analógicas disponíveis. Eu uso duas caixas

somando, que fornece me com um total de 32 entradas. Desde que eu tenho 24 conversores, dois dos quais são usados ​para monitorar o mix,

posso enviar um
total de 22 saídas para as caixas perigosas. Felizmente, isso é geralmente suficiente.

Vou te dar um exemplo de como eu poderia configurar minhas saídas para o mesmo mistura de rock básico: 1 Bass (mono) 2

Kik (mono) 3 Snare (mono) 4 Vocal (mono) 5-6 Toms 7-8 OH

9-10 Quartos

11-12 guitarra 1 & 2 13-14

guitarra 3 & 4 15-16

Chaves

17-18 Background Vocals 19-20

percussão 21-22 FX Return

Como você pode ver, há consideravelmente menos resumo digital com 24 conversores e duas caixas somando do que haveria
com 16 conversores e uma caixa de resumo. Com duas caixas somando, somando digital está quase erradicada para todos, mas o
maior de misturas. Isso é bom.

Há uma ressalva, onde caixas somando estão em causa. A qualidade de seus conversores e relógio irá afectar grandemente o quanto

você ganha. O melhor dos conversores, o mais melhorias que você terá de soma analógico. Eu uso conversores de radar no meu quarto DAW,

que são consideravelmente melhor do que o seu 192 conversores estoque HD. Você seria duramente pressionado para encontrar uma pessoa

que tenha usado tanto que argumentam com esta afirmação. Dito isto, não há dúvida de que você é melhor fora com um estoque Pro Tools

equipamento e uma caixa de resumo perigoso do que um banco de Pro Tools rig sozinho.

Você vai ver todos os tipos de reivindicações de pessoas na internet que eles ouvem nenhuma diferença quando eles usam uma caixa de

resumo. Marque minhas palavras (assumindo que eles não está apenas tornando-up), aqueles que fazem esta reivindicação não quer ter o

acompanhamento necessário para ouvir a diferença (para não falar mistura em primeiro lugar), ou não tem os conversores necessários para fazer a

conversão adicional vale a pena. francamente,

você tem que ter alguns conversores muito ruins para este sistema híbrido para trabalhar pior do que uma pura in- the-box (ITB) mistura.

Após 20 anos de mixagem em estúdios analógicos, e várias tentativas ao longo desses 20 anos para montar um sistema que possa competir com

mistura analógica, e depois de incontáveis ​fracassos nesta frente, o sistema híbrido estou prescrevendo aqui tem sido a única combinação que é

comprovada aceitável. Na verdade, é melhor do que aceitável. Eu posso não obter melhores resultados fora do meu quarto mistura híbrida privado,

incluindo em minhas salas analógicas favoritas. Enquanto eu prefiro misturar através de um grande console e com uma infinidade de equipamento

externo analógico, que a preferência é baseado puramente na qualidade de velocidade não final dos resultados. E embora eu argumentam que a

velocidade faz de você um misturador melhor, a capacidade de deixar uma mistura e ir para outra parece contrabalançar esta questão em particular.

Testando seu Summing Box

Se você estiver indo para tentar uma caixa soma por si mesmo, e eu recomendo que você faça, não há um procedimento específico que eu

recomendo. Se você misturar uma música para a conclusão, e depois colocá-lo através de uma caixa soma perigoso, você vai ter um tempo

difícil com a avaliação. A caixa soma vai mudar o seu mix. Mesmo que a mistura será muito melhor em alguns aspectos, ele também será

diferente. É difícil começar após as mudanças de equilíbrio inerentes que ocorrerão a partir de uma mudança tão radical em sua soma.

Portanto, você não quer testar uma caixa de resumo em um mix acabado, uma vez que não é realmente uma comparação que você possa

avaliar com precisão. Há realmente apenas uma maneira que eu possa descobrir a maneira justa e precisa julgar o que uma caixa de resumo

pode fazer por você.

Comece por instalar uma caixa de resumo em seu sistema. Execute as saídas analógicas de seus conversores para as entradas de sua

caixa de resumo. Ao executar todo o seu áudio através das duas primeiras entradas da caixa de resumo, você remover a natureza sonora da

caixa de soma-se como uma variável ao fazer sua comparação. Misture uma canção em seu DAW pela soma digitalmente através de saídas

1 e 2. Faça o seu caminho através da descoberta e enquadrar uma mistura estática decente. Ir além do ponto onde a mistura é cantar e você

se sentir bem sobre isso, apenas para o ponto onde você está começando a lutar com a mistura.

Agora mude suas saídas do canal para que você está usando todos os canais da caixa de resumo em vez de apenas os dois
primeiros. Esta transição demora alguns minutos, já que você tem que selecionar novas saídas para cada canal. Se você tem uma boa
caixa de soma (e a única que eu posso garantir para o Dangerous 2 Bus), você deve notar uma maior profundidade de campo,
consideravelmente mais clareza na extremidade inferior, uma faixa de freqüência aparentemente mais amplo e mais geral soco. A
diferença deve ser noite e dia, e você deve encontrar imediatamente se lutando menos com a mistura.

Não ser adiadas por as mudanças em seu mix. Se não houve mudanças, seria uma caixa inútil e supérflua. toda a razão
para fazer a mudança no ponto de luta do seu mix é que ele não vai custar-lhe tempo. Na verdade, a mistura deve melhorar tanto
onde impacto está preocupado que você provavelmente vai encontrá-lo muito mais fácil para misturar.
 Agora, isso não é uma maneira científica de determinar a diferença. É uma prática. Você não pode conceber um teste científico para provar isso

para si mesmo ou qualquer outra pessoa. Para começar, você não pode executar o interruptor em tempo real. A razão que você pode ir longe com a

realização de um teste de audição desta maneira é porque ele está destinado a revelar quanto mais fácil é para você misturar em um nível operacional

e de processo. Isso não deveria como um teste de audição subjetiva, embora é provável que você acha que o seu mix soa melhor. Independentemente

disso, se você está encontrando repente mais fácil de misturar, há uma razão para isso. É mais fácil de misturar quando soma analógico.

Dito isto, eu garanto que eu vou ser martelado na Internet para um presente (assim como eu poderia ter enviado convites). Quer
dizer, não só não é o cego comparação, não é imediata! Então, por que eu recomendo isso? Porque comparações cegas são
superestimados quando se trata de mistura. Olha, se você notar uma grande diferença, você não está imaginando. Há um ponto em uma
mistura quando você sabe que algo mudou, e você sabe como essa mudança afetou você. Fazendo comparações em um mix enquanto
você está em uma mistura não deve ser realizada cego. Se a diferença afeta você, você sabe disso. Se isso não acontecer, então não é
uma diferença grande o suficiente para a matéria. Fazemos comparações mil vezes por dia como misturadores, e eles são raramente, ou
nunca, pré-formada cego. Você precisa executar um teste cego para determinar se o vocal soa melhor com um 1176 ou um LA-2A?
Você precisa de uma comparação cega entre ajustes de EQ? Claro que não. Você está avaliando o som dentro do contexto de uma
mistura. Estas comparações significa tudo para o seu mix, e não há nem uma razão nem o tempo para realizá-las cego.

Se você quiser configurar o cego comparação, em seguida, criar duas misturas, um usando várias saídas, o outro usando duas saídas, e ter

alguém ajudá-lo a alternar entre as misturas. Mas uma vez que você ouvir o quanto de extensão que você começa na extremidade inferior, você

não vai se incomodar. Uma vez que você perceber o quanto mais profundidade o seu mix tem, que a caixa soma não é sempre indo para obter

desconectado. Você está no meio de uma mistura; você vai saber imediatamente se há uma grande diferença ou nenhuma diferença em tudo. Eu

tenho certeza que vou ser desafiado a escolher cego por algum aspirante a Internet gritando sobre viés expectativa. Se você é um dos wannabes

Internet, em seguida, por todos os meios, testá-lo cego. Se você está no seu caminho para ser um misturador de boa-fé, escutar a diferença óbvia

e avançar em seu mix.

Consolas Sum, Too

Enquanto uma caixa de resumo é provavelmente a melhor opção para uma suíte mix, há sempre a possibilidade de possuir um
console analógico full-blown (completo com botões e tudo!).

Tenha em mente que nem todos os consoles analógicos são criados iguais, e, infelizmente, existem centenas de consoles lá fora, novos e

usados. Escolher um que é certo para você depende de um grande número de fatores, incluindo o seu orçamento e que você pretende usá-lo.

Se é puramente para o trabalho mix, há um grande número de desvantagens de usar um console sobre uma caixa de resumo.

Uma consola analógica ocupa espaço, então você vai precisar de uma sala de controle, que pode acomodar sua pegada, o que significa que você

também vai precisar de uma build-out para ir com a besta. consoles analógicos também adicionar
em um fator de esfregaço de uma perspectiva de monitoramento, em que o som vindo dos alto-falantes reflete fora da superfície. Fui misturando com

o esfregaço reflexo de uma consola analógica para toda a minha carreira. Estou tão acostumados a ele que não é mesmo um problema. Na verdade,

ele me levou um minuto para se acostumar com a mistura sem som refletindo o console. Você só precisa estar ciente de que existe esse fenômeno.

Claro, se você está apenas indo para colocar o console para o lado, como se fosse uma caixa de soma, então este não é realmente um problema,

mas isso é apenas uma opção viável para as suas mesas de mistura menores ou seus quartos mix maiores.

consoles analógicas, especialmente os usados, são pesadelos de manutenção. Mesmo se você tiver perícia técnica,
suas habilidades de recall será prejudicada grandemente pelas diferenças do dia-a-dia em som devido a quebra e reparação.
E uma vez que você recapitular? Você não será capaz de lembrar de nenhuma das misturas que você fez antes de o
trabalho repescagem. Além disso, todos os faders móveis e maçanetas são apenas centenas de pequenas possibilidades de
por que seu mix não vai voltar exatamente como era. Estes não são problemas insuperáveis, e se a sua sessão é atendido,
você pode ter certeza que seu cliente entende a importância de evitar recalls fazendo com que eles assinar sobre as
misturas. Você pode até fazer isso com misturas automáticas, embora a sua eficácia dependerá da rapidez com que seus
clientes podem avaliar misturas enviados. Enquanto a redução na precisão recordação pode ser uma chatice,

consoles analógicos geralmente vêm com pré de mic (de qualidade variável), por isso eles são um ótimo complemento para uma sala de

monitoramento. Se isso é uma grande parte do seu trabalho, em seguida, uma mesa pode ser uma opção excepcionalmente bom, e certamente deve

ser considerado.

Embora muitos dos analógico prevalecente misturando consoles dos anos 80 e 90 podem ser comprados hoje, a preços do
negócio-porão, você precisa pensar longo e duro sobre se esta é a melhor opção para seu quarto mistura. As duas consolas largeframe
mais comuns são a série Neve V, que contam com uma variedade de embalagens incluindo recuperação total, e o SSL série E e G, em
que recuperação total é padrão. Ambos os consoles vêm com uma secção dinâmica em cada canal, e enquanto os compressores estão
semiusable para determinadas peças, você não gostaria de usá-los em todos os canais. Em muitos casos (e eu realmente não posso
acreditar que estou dizendo isso), você poderia muito bem ser melhor fora de usar um bom compressor plug-in sobre os fornecidos
sobre esses consoles.

Estas mesas particulares têm massivamente grandes pegadas, e exigem uma sala de máquinas separada para as fontes de alimentação. Eles

também usam computadores severamente desatualizados para os sistemas de automação: o SSL usa discos de Bernoulli, ea Neve V usa um

computador 286. Se você não sabe o que uma unidade Bernoulli ou 286 é, então você tem alguma compreensão do quão velho estes sistemas são.

Tem havido algumas atualizações para estes problemas de computador, permitindo a implementação de sistemas mais modernos, mas eles ainda

são antiquados na melhor das hipóteses.

Francamente, eu descreveria ambos os consoles como nada mais do que mesas de mistura "utilizáveis". Digo isso apesar do fato
de que tem havido literalmente milhares de álbuns de sucesso e grandes sonoridade misturados com eles, incluindo muitos da minha
própria. A SSL utiliza VCAs em cada canal automatizada,
que tem um efeito de composição. Como o número de canais com VCAs aumenta, a mais degradação existe em seu áudio. A Neve V tem

um acúmulo óbvia de 500-700 Hz, que pode ser ultrapassado através do caminho do monitor mais simples disponíveis, ou compensado

com EQ. Os consoles V correr tão quente você pode literalmente fritar um ovo sobre eles, o que significa que seus custos de resfriamento

vai atravessar o telhado, e você vai ser recapitulando 60 canais, pelo menos uma vez a cada cinco anos, que é, provavelmente, dois anos

de atraso. Como se tudo isso não é suficiente, não é um pré mic decente entre eles, o que significa que eles são inúteis como mesas de

gravação, e servirá como nada mais útil do que o monitoramento mesas durante o processo de gravação. Em minha opinião, esta questão

só nega um dos melhores argumentos para a compra de uma consola analógica em primeiro lugar.

Na minha mesa de mistura favorito é o Neve 8068, mas você pode esperar para pagar mais por um destes do que a maioria das pessoas pagar

por sua casa. Praticamente qualquer Neve construída antes de 1978 vai oferecer grandes pré de microfone, grande EQ, grande soma, e, claro,

horas intermináveis ​de manutenção. APIs do vintage são mesas surpreendentes. consoles da série Trident B são mesas surpreendentemente

decente para o dinheiro, mas eles não veio estoque com a automação. Ainda assim, se você estiver usando uma para a soma, você realmente não

precisa de automação.

Em geral, você deve ficar longe de qualquer mesa que foi construído ou utilizado principalmente para som ao vivo. Too muitos atalhos de

design são tomadas nestes tipos de consoles, como a portabilidade é de primordial importância. Pode haver alguns consoles ao vivo lá fora, que

são totalmente utilizável, mas os problemas de percepção por si só fazer este tipo de solução problemática. Ninguém quer suas misturas

executado através do mesmo console de merda que estava no clube local.

Desde a escrita deste livro, ainda há uma variedade de alternativas para um novo console analógico. Estes vão desde
gigantes crescidos Escandalosamente preços para preços razoáveis, totalmente sidecars utilizáveis. Não posso passar por cada
consola já feito, desde que eu não usei todos eles, e há demasiadas considerações neste tipo de compra para minhas opiniões
genéricas para ser útil.

É importante notar, porém, que a adição de uma mesa analógica ou uma caixa de soma em sua configuração não garante

automaticamente que você melhorou o seu resumo. Há toda uma série de soluções analógicas grau prosumer- que estão muito aquém da

qualidade necessária para uma boa soma. Se você estiver indo para ir para soma analógica, você deve procurar a melhor qualidade

possível dentro do seu orçamento. Em geral, quanto mais simples o design ea maior qualidade dos produtos eletrônicos, o melhor a sua

soma será. É por isso que eu gosto a alternativa caixa de resumo para DAW mistura. Eles são construídos especificamente para esta

finalidade.

Compressor Stereo

Se você está misturando música clássica, jazz straight-ahead, ou qualquer música que é melhor entregue com um digno dinâmica de apenas

uma sala de audição dedicado, um compressor estéreo é injustificada. Se vocês são

misturando qualquer outro gênero de música popular, você precisa de um compressor estéreo, e você precisa de uma boa.

Eu usei o mesmo compressor estéreo no meu 2-ônibus por quase 20 anos: o G384 SSL, que é um compressor de um espaço de unidade

de rack modelado off aqueles nas mesas da série G (embora, como esta escrito que eu não sou capaz de determinar quão fielmente). Quando

se trata do que se passa no meu 2-ônibus, eu sou supersticioso além do ponto de racionalidade. Há apenas um punhado de outros que o G384

que eu realmente nunca tira toda a minha 2-bus compressores, mas eu estaria hardpressed realmente usar qualquer um deles (daí a minha

admissão de que estou além do ponto de racional, onde este está em causa). Se você está prestes a ir on-line para encontrar o melhor preço

em um G384, é melhor fazer o seu caminho para o eBay. não sólida State Logic não fazer estes compressores particulares por mais tempo,

eles agora vender uma versão "nova e melhorada", e todos nós sabemos o que isso significa (DICA: Isso significa que não é tão bom quanto o

modelo original). Então, se você quer o G384 SSL, você vai ter que comprar um usado. Estou esperançoso de que este depoimento só vai

aumentar o valor desses compressores. Como é, eu já posso vender a minha por mais do que eu comprei. Não que isso importe. Eu não iria

vendê-lo, nem mesmo de meu leito de morte.

Seu compressor bus estéreo é o compressor que você seria mal aconselhado a usar na forma do plug-in. Isso pode ser razoável,
numa base temporária como você aprender (e ganhar!), Mas compressores analógicos são muito melhores do que suas contrapartes
digitais para o trabalho. Isso é especialmente verdade quando você compara diretamente o plug-in para o compressor analógico ele
emula. Você pode executar cerca de 80 por cento do trabalho pesado onde a compressão está preocupado com um hardware
compressor 2-bus, mas melhor ser muito muito estelar no trabalho. Se você tem a impressão de que eu surtar sobre tudo e qualquer
coisa que vai para o 2-bus, você está certo; e há uma boa razão para isso. O 2-bus afeta todo o mix!

A Internet é um ótimo lugar para obter um mau conselho, onde o seu compressor estéreo está em causa. O mito número um é a noção

de que a compressão estéreo deve ser deixada nas mãos do engenheiro de masterização. Enquanto não há dúvida de que a mistura com

um compressor estéreo preciso prática, e ao mesmo tempo é bem possível que você vai estragar várias misturas no processo (você pode

dizer overcompression?), É essencial que você como o misturador, e somente você, compressa seu mix.

A maioria das misturas de música popular precisará de compressão, especialmente se você deseja que o mix para trabalhar em qualquer lugar

fora de uma sala de audição isolado. Como tem sido apontado repetidamente, uma gama dinâmica de nada mais do que 4 dB é irrealista para os

hábitos de hoje comprador música. A gama mais ampla poderia ter sido aceitável, há 30 anos, mas hoje as pessoas tendem a ouvir música como se

engajar em outras atividades. Isto significa que a música deve competir com o ruído externo, e se a faixa dinâmica é muito grande, as seções serão

todos, mas desaparecem da audibilidade em qualquer situação do mundo real. A maioria das músicas tem que competir com o ruído do carros,

máquinas de lavar louça, secadores, bebês chorando, secadores de cabelo, etc.

Então por que não deixar de compressão até o engenheiro de masterização? Simples: o seu saldo vai mudar muito drasticamente
para que isso seja uma opção razoável. Equilíbrio é a sua principal arma para manipular emoções e foco do ouvinte. Se você estiver
indo para gastar horas e horas recebendo aqueles equilíbrio
relacionamentos apenas para a direita, por que você achar que é aceitável para eles para mudar completamente vêm tempo dominando? Se você

não comprimir o barramento estéreo enquanto você misturar, você não está entregando uma mistura. Você está entregando alguma aproximação

estranha de uma mistura, e não é mesmo isso, já que você não pode prever com precisão como a mistura vai mudar e vai mudar.

Pode-se certamente argumentar que a Eq feito pelo engenheiro de masterização vai mudar saldos, e apesar de que é tecnicamente verdade, os

ajustes de equalização trabalhar relativamente uniforme em todo o seu mix. Seu mix não irá sofrer de alguns ajustes de equalização menores, e se

requer grandes ajustes de equalização, em seguida, a mistura foi quebrado para começar. Francamente, eu tomo grande ofensa quando um

engenheiro de masterização coloca um compressor no meu mix.

Você certamente pode misturar sem um compressor estéreo analógico, e se o seu monitoramento e soma não deixaram sua conta
bancária esgotada, esta adição cobiçado para o seu mix arsenal pode esperar. Mas isso vai colocá-lo na posição nada invejável de ter que
fazer tudo de sua compressão sobre os canais individuais, o que é demorado e nem de longe tão eficaz como um compressor estéreo na
2-bus. Uma alta qualidade compressor estéreo analógico pode tornar sua vida muito mais fácil e misturando muito mais rápido que o
tempo que você, finalmente, salvar (ao chegar após a curva de aprendizagem) vai pagar para a unidade em apenas alguns projetos.

compressão estéreo é como a adição de cola. Se você optar por usá-lo de forma agressiva como eu, para reduzir a quantidade de
compressão canal individual necessário, ou se você preferir uma abordagem mais sutil, é uma ferramenta inestimável para a mistura.

Em geral, você deve amarrar o seu compressor 2-bus para a mistura certa desde o início. Mas se você realmente quiser ter uma idéia

do poder de um compressor de 2-bus, ter um momento para obter o seu baixo e bateria misturados, e depois tira no compressor. O controle

que irá fornecer sobre a parte inferior de seu mix será óbvio, e você nunca pode levá-lo fora de seu 2-ônibus novamente. Eu tenho a minha

amarrado através do bus 2, mesmo quando estou gravando.

A maioria dos compressores estéreo tem um ponto doce. Se você acertar o compressor muito difícil, o seu mix vai se tornar muito

compactado e sua extremidade baixa será castrado. Ambos estes sintomas vai realmente fazer a mistura mais difícil. Se você acertar o

compressor muito levemente, você não vai obter o benefício colagem, e sua extremidade inferior será inconsistente na melhor das

hipóteses. Vou avisá-lo agora: mistura com um compressor atado ao seu 2-bus pode ser nada menos do que frustrante, e pode dar-lhe uma

nova apreciação inteiro para a experiência global perseguindo-cauda que é a mistura. Mesmo depois de ter passado a curva de

aprendizado, você ainda vai encontrar-se ajustar o limiar quando a mistura está chegando perto. Reduzir ou aumentar o limite do seu

compressor 2-bus a qualquer momento durante a mistura, até mesmo pela margem menor, vai mudar completamente seus equilíbrios

internos e curva geral de EQ. Dito isto, um ajuste de limiar também pode ser a única mudança que traz sua mistura em foco perfeito.

A proporção que você usa em seu compressor estéreo é até você. I tipicamente utilizar uma proporção de 4: 1, como encontrar 10: 1
muito agressiva para o 2-bus. Escolher qualquer relação funciona melhor para você. Suas configurações de ataque e liberação realmente tem mais a

ver com o programa que qualquer outra coisa. Estes devem ser definidos puramente de ouvido. Quando você bater em cima as melhores

configurações de ataque / liberação para a pista, o seu mix vai imediatamente começar a cantar, por isso evite entrar na rotina de usar uma

configuração para tudo o que você misturar. Uma vez que você já descobriu as melhores definições para o seu mix, não mudá-lo! Caso contrário, temo

que você estará me xingando até o dia que você se aposentar por ter convencido você tira um compressor para o 2-bus. Nós não queremos que isso

aconteça.

Há uma outra maneira de gel seu mix, e isso é batendo o seu 2-bus com o seu mix. Este método permite a eletrônica em seu 2-bus para atuar

como um limitador. Se você está misturando na caixa, esta não é uma opção. Você tem que ter um 2-bus analógica para fazer isso. Além disso, nem

todos os 2-autocarros são criados iguais. O 2-bus em um SSL vai desmoronar em pouco tempo, mas você pode absolutamente martelar o 2-ônibus

na maioria das 80 séries mesas Neve a tal ponto que os medidores estão depositando em todos os momentos enquanto você trabalha. Se você se

encontra em um console vintage, experimentá-lo, e ver o quão longe você pode empurrá-lo. Você pode encontrá-lo torna a sua vida mais fácil.

o DAW

Em toda a probabilidade, você já tem um DAW. É ainda mais provável que a sua DAW é a sua principal machado para misturar. Se você tem uma

máquina de fita de 2 polegadas e um console assassino analógico, mais poder para você. Infelizmente, o resto do mundo está agora trabalhando

em DAWs, e quando o seu cliente oferece faixas em formato digital, este é o lugar onde você vai trabalhar também. Eu suponho que você poderia

imprimir as faixas para 2 polegadas, mas, em geral, aconselhar contra isso, pois qualquer benefício a gravação poderia ter obtido a partir de fita é

muito longe. Se você quiser o benefício de fita, e eu estou aqui para dizer-lhe que você faz, você vai ter outra chance quando chega a hora para

imprimir o mix.

Que DAW é melhor para a mistura é difícil dizer. Atualmente estou usando o Logic na minha suíte mix, em parte porque eu não tenho

nenhuma necessidade para os conversores subpar que vêm com o Pro Tools. Espanta-me quanto dinheiro as pessoas passam por esse sistema

dado suas deficiências extremamente óbvios, mas é o que você vai encontrar em todos os grandes estúdios, então eu acho que há alguma razão

para isso, embora eu nunca fui capaz de bastante descobrir o que isso é. Se irrita-lo fora que eu tenho uma opinião tão baixo de Pro Tools, faça

uma pausa a partir do livro e voltar a ele. Você não pode aprender neste estado de espírito.

Aborrecimento INTERVALO (reprodução de música agora)

Bem vindo de volta.

Se você estiver executando a parte do leão de sua automação e processamento na caixa, então você vai precisar para investigar
alguns pacotes de plug-in. Não espere emulação plug-ins para soar algo próximo a suas contrapartes de hardware, e se você não tem
nenhuma base de comparação em relação a este, em seguida,
julgar o plug-in puramente por seus próprios méritos. Eu não tenho certeza do que você ganha, limitando seu controle geral de igualar
a de uma peça de hardware analógico, como parece contrariar o poder que um DAW é suposto ser oferecendo-lhe em primeiro lugar.
Em outras palavras, um plug-in que emula um equalizador de três bandas só tem três bandas de EQ. Se ele realmente não o mesmo
som, e não, não seria melhor você ter sete bandas de EQ? Por esta razão, eu sugiro que você ficar com plug-ins que são projetados
para ser suas próprias coisas, ou escolher emulação plug-ins que combinam várias unidades em um só, como os pacotes URS. A URS
Console Faixa Pro é um emulador, mas ainda não temos idéia do que está realmente a ser emulado, eo pacote oferece um número
bastante grande de combinações possíveis. Se essas combinações são verdadeiras para o hardware original sem nome é irrelevante.
Eles oferecem tons diferentes e vale a pena investigar como um pacote.

O Brickwall Limitador

limitadores brickwall, como o Waves L2, são regularmente utilizados no processo de masterização. O limitador brickwall brilha em sua capacidade de

reduzir a gama dinâmica, conseguindo assim os níveis de reprodução mais elevados a partir do seu CD. Eu vou entrar em toda a questão sonoridade

mais tarde, quando discutimos masterização.

limitadores brickwall achatar picos e impedir o seu mix de passar um certo limite (como digitais
0, por exemplo). Tecnicamente, você poderia brickwall-limite de cada faixa se você queria, mas vou avisá-lo agora: o seu mix vai sugar.
Eu não vou dizer a você nunca usar esses tipos de limitadores em pistas em sua
misturar. Eles podem ser ferramentas úteis de vez em quando, então vá em frente e experimentar com eles. Claro que, dada a minha missiva sobre a

necessidade de um compressor estéreo, que certamente irá ser apenas uma questão de tempo antes que você comece a brilhante idéia de amarrar

um limitador brickwall entre o barramento mix. Eu posso prometer-lhe que não é nem remotamente brilhante para um número de razões.

Enquanto compressores irá alterar drasticamente seus equilíbrios internos (e por esta razão ele deve praticamente te chatear
sempre que um engenheiro de masterização coloca um compressor em seu mix), limitadores brickwall não tendem a alterar equilíbrios
internos, pelo menos não até que eles estão sendo abusada. Esse fato por si só é argumento suficiente para deixar a brickwall
limitador para dominar, mas há outras razões.

Você não pode desfazer o que um limitador brickwall faz ao seu mix, não sem realmente recordar e reimprimir o mix. Enquanto isto pode

não parecer um grande negócio se você estiver executando um DAW, pode ser excepcionalmente problemático quando o seu cliente vai para

recriar o original mix alguns anos para baixo da linha. Claro, você pode imediatamente recuperá-lo, e ter um novo mix em 10 minutos plana,

mas você será capaz de recordar os mix de 10 anos a partir de agora? Inferno, você provavelmente não será capaz de lembrar o seu mix em

cinco anos. Desde recordando a mistura tem um estatuto tecnológico do limitações, e desde brickwall limitador irá adicionar artefatos, que

restringem a quantidade de EQ que pode ser usado, e desde que você geralmente vai amarrar as mãos de qualquer engenheiro de

masterização que tenta adoçar o seu mix, é aconselhável renunciar ao

limitador brickwall. Seu cliente vai certamente gostar de ter um mestre que ele pode realmente fazer alguma coisa no futuro
imprevisível.

Como se essas razões não são suficientes, você está muito cansado no final da mistura para fazer esse tipo de julgamento. Se você
está pensando que você vai combater este por cintas uma L2 entre o barramento mix desde o salto, considere o que é para um cantor
tocando com um vocal em suas latas, e você terá uma idéia do Tuned-Auto caos que certamente irá acontecer. Há uma razão para
alguém toca-se a mistura depois de você, e há uma razão por que não é você. A nova perspectiva, equipamento especializado e um
ambiente de monitoramento diferente são apenas algumas dessas razões. Além disso, você está muito perto do mix de ter qualquer tipo
de clareza onde aprimoramento minutos está em causa.

Se você deseja tijolo-limite de referência misturas que enviar com seus clientes, isso faz sentido. A maioria dos artistas encontram-se
completamente confuso com misturas que não jogam em um nível-competitivo, mesmo depois de explicar-lhes porque eles terão que
transformar seu sistema de som para cima. Na verdade, a questão dos clientes avaliando misturas que não tenham sido trazidos para o
nível pode ser tão problemático que eu realmente aconselho a colocar um limitador brickwall em seu mix de referência como você
consolidá-lo para o seu cliente. Tenha cuidado, no entanto. Você quer ter certeza de que você está dando o seu representante de cliente
algo do mix atual; caso contrário, você vai ter um conjunto diferente de problemas, incluindo algumas novas notas mix que não têm base
na realidade. Por esta razão, é desaconselhável usar brickwall agressiva limitante no seu cliente'

Certifique-se de rotular o nome do arquivo de uma maneira que permite que você saiba que você adicionou limitante. Você vai querer comparar

suas mixagens brutos para as misturas adequadamente dominado, não suas versões limitadas, e se você não rotular bem, você tem que se envolver

em medicina forense mistura para determinar qual é qual. Para os seus clientes mais experientes, não é uma má idéia para dar-lhes uma mistura com

e sem limitar. Se eles preferem um sobre o outro, eles vão deixar você sabe disso.

fita analógica

Estes dias, máquinas de fita são provavelmente as peças mais incompreendidos da mistura de marcha. Se você nunca usou uma alta qualidade

máquina de fita 2-track, então eu recomendo que você pedir emprestado ou alugar um antes de imprimir a sua próxima mistura e ouvir por si mesmo o

que ele faz.

A diferença entre uma mistura que é atingido fita e um que não tem é semelhante à diferença entre vídeo e cinema. De uma
perspectiva musical, que é a diferença entre cinco indivíduos reprodução de uma faixa, e uma banda tocando uma música. Eu,
pessoalmente, demonstrou o valor da fita para inúmeros clientes, e ainda tenho ainda de se deparar com uma única que não
reconheceu imediatamente o enorme benefício que a fita fornecido à mistura.

Provavelmente, não há analogia que eu posso vir acima com descrever adequadamente o que boa analógicos
fita vai fazer para o seu mix. A diferença é tão surpreendente, e o resultado tão agradável, que ele pode realmente fazer com que você
quer saber como você escutou seu mix sem ele por todas aquelas horas. Tape é o processo de acabamento para uma mistura. Ele
congela a mistura, cola as partes juntas, amplia o mix, oferece mais profundidade, fornece mais nuance, e mais importante de tudo, é o
que termina o mix.

Dito isto, nem todos os gravadores são criados iguais. Como se isso não é ruim o suficiente, existem formatos diferentes de fita,
larguras, especificações de alinhamento, e cabeçotes (que podem executar mal quando usado). Todos esses fatores irá mudar
dramaticamente seus resultados. Uma máquina de fita alinhada indevidamente por si só, inutilizá-lo para os seus fins previstos.
Além disso, muitas pessoas estão sob a falsa impressão de que a fita irá reduzir a sua resposta high-end, e essa impressão é em
grande parte devido à forma como emuladores de fita digitais responder. Um gravador de fita apropriadamente alinhados com os
níveis wellapplied pode fornecer tremenda fidelidade à fonte original. Na verdade, a impressão fita feito corretamente lhe dará uma
representação mais precisa do mix do que a maioria dos conversores, e nos casos em que o conversor pode ser mais exato,

Existem muitas máquinas de 2 pistas de nível profissional lá fora, incluindo ATRs, Studers, ICM, Otaris, etc. Há também toda uma série

de máquinas analógicas prosumer-classe, e eu vou abster-se de denegrir qualquer fabricante específico aqui, mas em geral eles não são

bons o suficiente para o seu mix. ATR Services é praticamente a única empresa que eu estou ciente de que oferece máquinas de fita de

qualidade profissional hoje. Qualquer outra coisa que você vai ter que comprar usado, e você provavelmente vai precisar de um orçamento

para alguns manutenção e cabeça relapping (dependendo do desgaste da cabeça).

Se você está apenas começando a mistura, então você não precisa de uma máquina de fita. Mesmo que você tenha sido a mistura por 10 anos,

você não precisa de um. Eu, por outro lado, sempre imprimir meus mixes para a fita. Em última análise, se você quiser competir comigo, então você vai

precisar de um.

Algumas pessoas gostam de fita de meia polegada de seus mestres de 2 pistas, alguns preferem um quarto de polegada, e meu amigo Ron

Saint Germain prefere oneinch por seus mestres. Não há certo ou errado, onde variedades de fita estão em causa. Há apenas seus gostos e

desgostos. Eu pessoalmente uso uma máquina de ATR- 102 meia polegada para minhas misturas, e eu uso fita ATR. Esses dias eu não tendem a

guardar minhas misturas em fita, então eu imprimir e transferir para a DAW e essencialmente entregar impressões digitais da reprodução da fita.

Desde que eu tenho bons conversores eu posso fazer isso sem perder muito na transferência. Se existe o orçamento, eu vou guardar as misturas

em fita, e é isso que eu vou entregar para dominar.

Se você ler sobre fita analógica na internet, você vai encontrar algumas das mais estúpidas e, consequentemente, maiores tópicos lá fora

em relação a este assunto. Na maioria dos casos, as pessoas argumentando que ofertas digitais mais fidelidade do que a fita analógica nem

sequer sabem o que estão falando. A menos que você gastar tempo usando fita e acabar com as curvas de aprendizagem envolvidos, você não

tem nenhuma maneira de discutir isso, e eu prometo a você que 99 por cento das pessoas argumentando que digital barata é mais preciso do

que a fita ou são surdos ou nunca realmente impresso um produção para um bom aparelho de 2 pistas.
 Meu propósito aqui não é convencê-lo a correr para fora e comprar uma máquina de fita. Na verdade, essa é a última coisa que você deve fazer.

Você não pode comprar uma máquina de fita até que você realmente sabe o que é que você gosta. Se você pode encontrar alguém em sua área local

que tem uma boa máquina analógica, veja se você pode pedir emprestado ou alugar a máquina para imprimir misturas. Certifique-se de que é alguém

que é extremamente familiarizado com o uso e alinhamento de máquinas analógicas. Caso contrário, os resultados realmente não vai ser muito

confiável.

Se você está misturando completamente ITB, você sempre pode trazer a sua sessão e iLok para outro estúdio e imprimir em sua máquina de

fita. Mesmo se você está misturando através de caixas somando, você poderia arrumar todo o seu equipamento e trazê-lo para outro estúdio. Se não

lhe custa 100 dólares em tempo de estúdio e mais US $ 90 por um rolo de fita, é dinheiro bem gasto apenas para a experiência sozinho.

Reverbs e atrasos

Enquanto reverberações são úteis para criar a ilusão de reflectividade, eles tendem também para lavar detalhe e clareza esfregaço.

Curiosamente, tanto quanto reverbs digitais oferecem a ilusão de espaço, eles também podem comer espaço dentro do seu mix,

especialmente se você usa muito. reverberação excessiva fará com que seu som mistura como uma bagunça globular. Em muitos casos,

você está muito melhor renunciar a reverberação e usando um atraso de repetição para adicionar uma cauda. Repetindo atrasos na faixa de

250 ms pode realmente soar como reverbs, sem ocupar quase a quantidade de espaço e sem destruir a clareza geral do seu mix. Isso não

quer dizer que você nunca deve usar reverb digital. Você só precisa estar ciente dos custos potenciais de fazê-lo.

Francamente, reverbs digitais deixam muito a desejar. Eles me deixa louco, principalmente porque eu tenho alguma base de
comparação, dado todas as grandes placas e câmaras que foram à minha disposição ao longo dos anos. Capitol Studios tem várias
câmaras surpreendentes abaixo de seu estacionamento, e estes são muito mais atraente para fornecer espaço reflexivo do que qualquer
reverb digital. reverbs orgânicos tendem a comer menos espaço, e reagir de uma forma mais linear e natural.

Se você tem uma sala de gravação, ou se você tem um espaço que é uma distância razoável da sua sala de controle, então você pode usar

aquela sala como uma câmara. Tudo que você precisa é de dois alto-falantes bem colocados e dois microfones igualmente bem-colocados. Se você

criar uma imagem estéreo com os seus monitores na sala, e MIC a refletividade da própria sala, você tem-se uma câmara. A qualidade de sua

câmara vai depender da qualidade dos alto-falantes, microfones, o quarto, e as localizações de microfone, de modo a manter isso em mente como

você colocar isso em conjunto. Se você quiser fazer o quarto parecer maior do que é, você pode usar compressão para obter mais emoção e

deterioração do tempo fora de seu quarto.

Você pode usar qualquer sala de tamanho como uma câmara, mesmo seu banheiro, que pode ser útil, já que é geralmente bastante reflexivo na

natureza. Isso contribui para um efeito grande "pequenos azulejos quarto", que você pode encontrar em seu arsenal digital. Escadarias também fazem

para grandes câmaras, particularmente os de concreto que você encontra em vários andares edifícios de escritórios. Eu posso te dizer, se eu tivesse

um estúdio na minha casa, eu teria todas as

sala com fio para o efeito.

EMT 140 placas são grandes e pesados ​e deve ser sintonizado por alguém que sabe o que estão fazendo. Eles também exigem a
sua própria sala isolada-som especial, como eles vão pegar o ruído externo nas proximidades. Dito isto, não há nada como uma placa boa
sonoridade. placas digitais não reage em absoluto como a coisa real. Repare que eu uso o termo "reagir", e não "som". Isso é porque eu
nunca realmente ouvi duas placas que soam o mesmo. As placas são mais como instrumentos musicais em que cada um deles tem uma
qualidade única sobre eles. Por alguma razão, quando você colocar um bom prato em uma pista que parece que é uma parte dela. Eu
ainda tenho que sentir assim sobre uma emulação digital de uma placa.

reverbs de mola pode ser bastante útil também, particularmente nas guitarras. Molas avaliadas por seus próprios méritos soam muito ratty,

mas, em seguida, que é o ponto inteiro deles. Às vezes você quer que o som primavera ratty reverb, ea melhor maneira de obtê-lo é usar uma

mola real. Você provavelmente poderia montar uma sala inteira de reverbs de mola para menos do que a maioria dos pacotes de plug-in, embora

você realmente só precisa de um ou dois.

atrasos digitais também deixam muito a desejar, embora sejam consideravelmente melhor do que reverbs digitais. Se você tem uma

máquina de fita, você pode usar isso para atraso. Há um atraso inerente entre o registro e reprodução cabeças em qualquer plataforma de fita

multi-cabeça. Por abrandar a velocidade de reprodução, você pode estender o comprimento desse atraso. Se você quiser se repete, tudo que

você precisa fazer é alimentar o retorno do gravador de cassetes de volta para a máquina novamente. Só tome cuidado: você está realmente

criando um ciclo de feedback, e se você perder o controle desse ciclo, os resultados podem ser desagradável no melhor e no pior dos casos

desastroso. Você também pode encontrar algumas unidades delay de fita do vintage no mercado de usados. Roland fez várias unidades de laço

de fita que oferecem uma variedade de outros efeitos (incluindo chorus e reverb), e, claro, há o Echoplex, que eu

Quando eu estava no Centro de Ciências da Califórnia me deparei com um tubo de metal enorme usado para demonstrar
viagens como lentamente som. O tubo flexível (mas estacionário) era provavelmente de cerca de 10 pés de diâmetro e 150 pés de
comprimento, e a sua forma tecida em volta da sala gigante do teto ao chão como uma grande cobra. Quando falei em uma
extremidade ouvi meu retorno voz cerca de 300 ms depois. Este foi o tempo que levou para o som da minha voz para viajar para o
outro lado (que foi tampado), e depois voltar. Na verdade, eu fui direto para Home Depot naquela noite e comprou 60 pés de tubo de
canalização flexível ondulado. Este foi impressionante para criar slapbacks analógicos muito curtos (devido às dimensões reduzidas
do tubo). Francamente, foi um grande pé no saco para levar em todos os lugares, mas era sempre divertido de usar, e produziu
alguns atrasos muito agradáveis.

Agora, isso não quer dizer que eu não uso reverbs digitais e atrasos. Eu faço, e há alguns muito agradáveis ​lá fora. Esteja
ciente de que eles não reagir como reverbs analógicos e atrasos, e há todo um universo de estes tipos de efeitos à sua
disposição. Com um pouco de criatividade você pode criar o seu próprio, e embora eles ocupam espaço físico (que é uma
consideração óbvia), eles tendem a ser adições relativamente barata para o seu arsenal.
 Há todos os tipos de outros processadores de efeitos lá fora. Francamente, não há nenhuma razão para eu passar por cima de todos os

diferentes tipos de coros, flangers, phasers, filtros, e qualquer outra coisa que você pode pensar. Eles são todos utilizados para o efeito, e há um

milhão de razões possíveis para usá-los. Como com todo o equipamento, se ele ajuda o seu mix, usá-lo. Se isso não acontecer, não. Ei, o que poderia

ser mais Zen do que isso?

 Trabalhando na sala, manter as pessoas felizes e descontraído, é a metade da mistura com sucesso.

Por mais que você vai encontrar-se sozinho no quarto por longos períodos em um momento, enquanto você misturar, você é uma parte de

uma equipe. Claro, você está sendo trazido para a sua experiência de mistura, mas você geralmente não têm o poder de veto, e não

importa o quão apaixonadamente você se sente sobre uma determinada decisão, não há mais do que uma pessoa que pode substituir

você. Como você lida com as pessoas podem fazer ou quebrar o mix, e para essa matéria, toda a sessão mix. Se você é incapaz de se

expressar de uma maneira que é lógico, bem pensado, e persuasivo, você vai ter um tempo difícil misturar de forma eficaz, especialmente

nos momentos em que você tem que lidar direta e pessoalmente com os clientes.

Quanto mais confortável você pode fazer o artista, banda, eo produtor se sente sobre o processo de mistura, o que é mais fácil fazer o seu

trabalho. Misturando habilidades por si só não são suficientes. Uma das melhores maneiras de fazer o seu cliente confortável é fazê-los sentir

importante. Você está essencialmente sendo entregues criança criativa de alguém, que é provável visto como a culminação de uma vida de

trabalho. Se você não dar ao cliente a impressão de que seu projeto é o projeto mais importante no seu prato, você corre o risco de alienar-los.

A maneira mais eficaz de ajudar alguém se sentir como eles são importantes é realmente tratá-los dessa forma.
Isso pode parecer óbvio, mas se você está no telefone metade do dia tentando alinhar seu próximo trabalho, ou se
seus clientes vê-lo trabalhando em outro projeto durante o seu tempo mix atribuído, mesmo que seja por apenas um
momento, o cliente vai saber como você realmente se sente sobre o seu projeto-e com razão! Ninguém quer a sua
ideia nas mãos de um misturador que não aparece para dar-lhe qualquer tipo de prioridade. A percepção é realidade,
e você tem algum controle sobre como você é percebido. Não só os seus clientes esperam toda a sua atenção, eles
merecem. Seus clientes querem sentir como se estivesse em sua música (pelo menos até certo ponto). Se você não
for, eles vão conhecê-lo,

Projetos declínio

Como um mixer profissional, você está sendo pago por suas mixagens, e não o seu tempo. Esta é uma distinção importante, porque você
não quer competir contra outros estúdios locais para o tempo. Há provavelmente vários estúdios em seu mercado que operam a partir
desta posição, e tentar competir diretamente com eles só vai reduzir o preço do tempo de estúdio. Uma vez que você é capaz de entregar
misturas de alta qualidade com alguma consistência, você deve cobrar por suas habilidades, e não o seu tempo. Suas habilidades são o
que torná-lo mais valioso do que a sua concorrência.
 Uma das melhores maneiras de construir a sua discografia com misturas elevada qualidade é ser seletivo no que você aceitar.
Esta é uma pílula difícil de engolir, porque ninguém quer virar para baixo dinheiro. Infelizmente, se você tomar cada projeto perdedor
que vem sua maneira, os resultados vão sofrer, que por sua vez poderia torná-lo menos valioso. Portanto, é sempre melhor para
ouvir mixes antes de aceitar um projeto, e você deve recusar essas sessões em que não há nenhuma chance de um resultado
decente. Claro, existem várias outras razões para declinar uma sessão, incluindo o tamanho do orçamento, a qualidade das
canções, e em alguns casos, até mesmo a qualidade das gravações.

Todo mundo está chorando sobre o seu orçamento vêm misturar tempo. Se acostumar com isso. Infelizmente, se você aceitar US $ 250 por mix

(que é extremamente baixa, independentemente do seu mercado), então você está no valor de $ 250 por mistura. Quer dizer, se você realmente valem

apenas US $ 250 uma mistura, então tudo bem. Mas se suas habilidades torná-lo mais valioso, então você não está fazendo-se quaisquer favores por

aceitar esse tipo de dinheiro.

Pessoalmente, se eu fosse de alguma forma obrigado a misturar um projeto, independentemente do orçamento, prefiro misturar na especificação

do que por US $ 250 por mistura. Pelo menos em um projeto de especificação eu tenho uma chance de fazer a minha taxa integral se a banda fica

assinado, e eu poderia ser recompensado por minha aposta com participação nos lucros. Fazendo $ 2.500 por 10 canções me colocaria em uma liga

com todos os tipos de pessoas que normalmente não podem competir comigo.

A "percepção é realidade" regra se aplica aqui, não só você vai ser mal pagos se você aceitar esse tipo de dinheiro, mas você vai ser

tratado de forma adequada à sua escala de pagamento. Quem quer especificamente um misturador não está à procura de uma pechincha. Eles

estão procurando o melhor misturador eles podem obter dentro do seu orçamento. Sua experiência ainda vai ser pesado contra a sua escala de

pagamento, e menor que escala de pagamento é, menos respeito você está indo para obter de seu cliente.

Então, o que você diz? Bem, se tudo o que interessa é pago, não importa o quanto isso equivale a, então você poderia muito bem começar

um trabalho corporativo com todos os benefícios. Se seu objetivo é tornar-se um misturador premier e para construir um negócio bem sucedido

como tal, então você precisa agir como um, e você não pode agir como um, se você não é pago como um. Existe uma regra muito básica na vida

que se aplica aqui: quando você paga amendoins, você obtem macacos. Infelizmente, nesta metáfora especial que você se tornar o macaco, e

posso garantir que não só vai ser tratado como um, você vai se sentir como um também.

Eu não posso dizer-lhe onde a linha é em relação a este. O dinheiro que você pode comandar depende em parte de seu mercado, sua

discografia, e sua capacidade de vender-se. Se você estiver em uma cidade pequena em um país minúsculo, que provavelmente vai ditar a sua escala

de pagamento mais do que qualquer outro fator; isto é, até que você é capaz de crescer além do seu mercado local. Isso, é claro, é por isso que a

Internet foi inventada.

É muito simples: Se você não gosta da música, então você praticamente não entendem isso, e se você não entender isso, você certamente não

será capaz de misturá-lo. Agora, você pode misturar projetos que você não ama, mas você não pode misturar um projeto que você odeia. Na

verdade, você não servem ninguém misturando um projeto que você odeia-menos de tudo sozinho. Você vai perder os clientes de forma permanente,

e ele provavelmente irá custar-lhe futuros clientes também. Além disso, torna-se muito mais fácil de recusar um projeto por razões de orçamento

quando você
acho que as músicas são medíocres na melhor das hipóteses.

Marque minhas palavras: O dia que você misturar uma música em que você pode encontrar absolutamente nenhuma qualidade redentora é o dia

que você não tem idéia de como misturar, não importa quão bom um misturador você se tornou. Basta manter isso em mente antes de aceitar um

projeto puramente baseado em dinheiro. Isso vai acontecer. Nós todos temos que pagar as contas. Quando isso acontecer, você vai saber o que eu

estou falando, e você provavelmente nunca fazê-lo novamente. Ouvindo os roughs antes de aceitar um projeto economiza tempo todos e dor de

cabeça.

Ocasionalmente fui enviada roughs que são tão mal gravados não há absolutamente nada que eu possa fazer com eles. Esta é uma razão

muito mais complicado para o declínio de um projeto, e há outros fatores que afetam essa decisão. Posso dizer-lhe, se as canções são

absolutamente brilhante, você deve estar interessado, não importa o quão ruim as gravações são. Grandes canções sempre irá transcender

gravações merda, e se eles estão dispostos a meio caminho decentemente, você provavelmente vai ser capaz de fazer misturas que recebem

as músicas através bem. No pior cenário, você pode discutir regravação algumas partes na esperança de salvar o projeto. As políticas que

existem com o produtor irá determinar se você pode até mesmo fazer esse tipo de abertura, e é provavelmente melhor para misturar uma ou

duas músicas antes mesmo de abordar o assunto.

As personalidades gerais dos seus potenciais clientes também poderia ter alguma influência sobre a sua decisão de aceitar ou
recusar um projeto. Se você tiver determinado os seus potenciais clientes são desprezíveis, uma gravação lowbudget ou pobre faz
declinando um acéfalo. A última coisa que você quer fazer é assumir um projeto potencialmente desafiador com pessoas que são
excessivamente difícil, ou pior ainda, delirante. Você pode certamente melhorar uma má gravação de canções ruins, mas você está,
em última análise limitada por aquilo que você está dado, e nenhuma melhora será gradual na melhor das hipóteses. Você não pode
fazer as demos quarto glorificados de um som de banda produtor-menos como eles fizeram um registro no Abbey Road com Sir
George Martin. Mesmo se a música é grande, você tem que avaliar seriamente se miseráveis ​pessoas são realmente vale a pena o
esforço.

Obviamente, você não pode ser tão exigente que você nunca trabalhar, e enquanto eu passei os últimos parágrafos, dando-lhe motivos

para recusar um projeto, você provavelmente não vai se deparar com uma elevada percentagem de projectos que exigem um passe. Só

porque uma canção não inspira você não significa que não há nada resgatando sobre ele. Se você acha que as letras são terríveis, misture

os vocais por sílaba como se fosse em uma língua estrangeira. Perca-se na música. Realmente, um projeto tem que ser particularmente

atroz a fim de encontrar absolutamente nada resgatando sobre ele. Enquanto há algo de positivo para agarrar, você pode misturar o projeto.

Lidar com clientes problema (e ganhá-los!)

Não importa o quão feliz você é, se você trabalha neste negócio há tempo suficiente você vai se deparar com alguns clientes problemáticos.

Se você apenas conseguiu cuspir o seu café em todo este livro, peço desculpas. Claramente, você já sabe que é um pouco de um

eufemismo. Dito isto, eu não quero ser percebido como alguém

que pensa que todos os clientes são problemáticas. Eu não quero nem ser percebido como alguém que pensa a maioria dos clientes são
problemas. Mas, como o meu amigo Peter Bunetta tão habilmente coloca, não é que você sabe neste negócio, é quem você evitar.
Infelizmente, a evasão não é 100 por cento eficaz, e algumas más experiências com pessoas viscosas ao longo de sua carreira será
suficiente para causar-lhe a implementar estratégias para lidar com eles. Estou cheio de estratégias. Basta compreender que o conselho
nesta seção não pretende ser uma acusação de todos os clientes neste negócio. Considere isso mais de uma "quebra de vidro em caso
de emergência" seção.

Fazer música pode ser um processo emocional. A fase de mistura pode ser excepcionalmente estressante, em parte porque é a
fase mais caro, e em parte porque é o fim do registo. Como Michael Jackson colocou, "este é ele," e todos nós sabemos como isso
acabou. É difícil avaliar com precisão uma música sem mistura, e em muitos casos, ninguém no projeto é a certeza que eles têm.
Eles têm suspeitas. Eles têm esperanças, e eles querem que você traga essas esperanças a ser concretizadas. É importante que
você seja sensível a isso, porque um cliente problema poderia muito bem ser um nervoso.

A beleza da vida como um misturador (além de todos os bebês) é que você está dentro e fora de um projeto. Você não tem
que lidar com o dayto-dia drama da artista, e se o fizer, é para pequenos períodos dentro de um prazo relativamente curto. Claro,
ele não leva muito tempo para um artista que ama o drama para trazer esse elemento em sua vida. Por favor, desculpe a palavra
óbvia de cautela, mas é aconselhável para evitar o drama. Você não servem qualquer bem, obtendo emocional, não importa o
quão histérica aqueles que o rodeiam tornam-se. Não que você não vai, ocasionalmente, ser sugado para o drama, você vai. Você
é humano, e espero que você é apaixonado sobre o que fazer. Mas a melhor você se torna em ignorar as explosões emocionais e
instigações de uma rainha do drama, o mais eficaz você será como um misturador, e menos problemas que você'

Naturalmente, a maneira mais eficaz de combater os efeitos de um cliente arrogante é levá-los fora do seu caminho, tanto quanto
possível. O que nos leva para o seu tempo sozinho na sala de controle. Há uma razão para eu chamei a sala de controle do Ventre no
The Daily Aventuras de Mixerman-lo é a nossa única quente, refúgio da loucura fora. Se você pode limitar o seu tempo com clientes
problemáticos para pouco mais do que o início eo fim de um determinado mix, você terá um tempo muito mais fácil ficar fora da briga.

Você deve fazer tudo o que você pode reivindicar a sala de controle como o seu domínio, e de uma forma que não alienar os seus
clientes. Você nunca quer que seus clientes se sintam mesmo remotamente indesejável em sua própria sessão, mas a sala de controle
para o misturador não é diferente da sala de gravação para o performer. A última coisa que você precisa é ter alguém remexendo
nervosamente atrás de você, enquanto você está tentando executar. Inferno, que é a última coisa qualquer necessidade performer, e o
artista mais arrogante terá um profundo apreço por esta comparação. Acredite, quando você está no headspace necessário

misturar, lata energia negativa e será sentida, e isso não ajuda. Então explicar o processo e regras básicas para seus clientes. Defina suas

fronteiras de uma forma amigável, e usar os resultados de uma mistura de kick-ass como seu backup.
 Mesmo com uma comunicação clara e eficaz sobre a santidade do Ventre, você vai ter esses limites testados
repetidamente. Há geralmente que um cliente que pensa que é imune à regra, se é o cantor ou o produtor. Às vezes, o
produtor quer pendurar na sala, e você vai ser duramente pressionado para chutar o produtor para fora, especialmente no
início de um mix. Ainda assim, você precisa do produtor para entrar fresco para ajudar a avaliar o impacto da mistura. É
impossível para ele avaliar o mix dessa maneira se tivesse sido atingida por ele durante horas junto com você.

Claro, boas explicações nem sempre são suficientes. Às vezes, você precisará empregar estratégias de aplicação. Você ficaria surpreso

com o que você pode sair com a dizer quando você faz isso com um sorriso. "Ok, eu preciso do meu tempo sozinho agora", disse com um

sorriso, geralmente resultará em uma sala de controle vazia e silenciosa.

mistura Backseat é problemático na melhor das hipóteses. A pessoa na parte de trás do quarto realmente não tem idéia do que está se

concentrando em em qualquer dado momento. O chapéu pode ser incrivelmente alto, e se você estiver focado intensamente no baixo, você poderia

muito bem ser alheio a esta questão o equilíbrio particular. Enquanto isso, o cliente está no fundo da sala enlouquecendo perguntando por que você

está misturando o chapéu tão alto. Isso pode ter um impacto negativo na confiança, especialmente se é a primeira mistura.

mistura agressiva também é difícil quando o cliente está com você em todos os momentos. Se os seus clientes têm uma imagem muito clara

do que eles querem, eles vão ser de mente fechada. Se não tiver certeza de que eles têm, eles vão ficar nervoso. Em ambos os casos, a sua

agressividade servirá apenas para assustar a merda viva fora delas.

Como você trabalha em seu mix, particularmente durante o estágio de descoberta, você precisa estar aberto a todas e quaisquer
ideias disponíveis para você. Uma das grandes vantagens de empregar um misturador de terceiro partido é a inerente falta de
preconceitos. Se o cliente se encolhe cada vez que você tentar algo radical, ou começa a andar cada vez que seu mix desmorona, você
vai estar em uma tarde longa e difícil. Este passa a ser o caso mais eficaz para obter os seus clientes fora da sala de controle.

Você precisa a liberdade de experimentar ideias ruins, a fim de encontrar os bons, e você certamente não quer que o artista sentado no

fundo da sala ter que suportar isso! Admitir que você tem um monte de idéias ruins. Diga ao seu cliente que ele é o seu processo para

encontrar as boas idéias. Na realidade, más idéias são uma parte do processo de todos, para que o artista vai entender isso. Explique que

você odiaria ser influenciado longe de perseguir um determinado caminho só porque ele não parece imediatamente proveitosa. A melhor

maneira de alcançar os objetivos do seu cliente é ter uma sólida compreensão do que você tem e como tudo funciona em conjunto. A

experimentação é a melhor maneira de alcançar este objetivo.

Por expressando suas razões para tempo sozinho de uma forma que aborda os melhores interesses de seu cliente, você tem uma chance muito

melhor de evitar um confronto, ou pior ainda, ferir os sentimentos que poderia finalmente se transformar em ressentimento. Dirigindo-se os interesses

do seu cliente é sempre uma boa maneira de apresentar um argumento, particularmente quando as tensões são elevadas. Lembre-se, até que você

tenha entregue o seu primeiro kick-ass

misturar, seus clientes provavelmente será na borda. Esperava isso, e certifique-se de que você tome as medidas necessárias para evitar que a

energia negativa de afetar você. Caso contrário, a mistura vai sofrer, e então você não vai ganhar a confiança do seu cliente. Não tenha medo de

empurrar delicadamente seus clientes fora da sala de controle quando você precisa de tempo para trabalhar. Se não o fizer, corre o risco de perder o

emprego por completo.

Mesmo se você não concordar com a minha afirmação de que você precisa de tempo sozinho, ou se você é o misturador rara que é uma pessoa

extrovertida de tal forma que você não pode suportar o pensamento de mais de uma hora sozinho, você deve, pelo menos, estabelecer o controle de

sua domínio. Não é razoável para o seu cliente para fazer ajustes de mixagem. Francamente, isso é menos de um problema em um DAW que em um

console analógico, que pode ser fisicamente alcançados por seu cliente. Haverá momentos quando um problema Cliente garante que você renunciar

aos controlos por um curto período de tempo, mas você deve permitir isso como um último recurso e apenas com supervisão estrita. Você não pode

misturar se você não tem o controle físico completo de sua própria mistura. Uma mudança vai detonar a necessidade de outras mudanças. É ruim o

suficiente para que você gasta o seu tempo perseguindo sua própria cauda; você certamente don' t precisa de uma segunda cauda trazido para a

equação. Mantenha seus clientes fora da mistura, e forçá-los a comunicar eficazmente com você.

Igualmente debilitante como um cliente agressivo é um passivo. Embora sua meta geral é entregar uma grande mistura que seu cliente

gosta, não é no seu melhor interesse para não ter nenhum entrada qualquer. A falta de um contributo útil pode ser desconcertante, para

dizer o mínimo. Isso geralmente se resume a um cliente que é ou intimidados pelo processo (ou mesmo você), ou é muito facilmente

satisfeito. Na superfície que pode parecer um trabalho de sonho, mas entrada e notas críticas só servem para melhorar o mix. Falta de

engajamento crítico por seus clientes pode afetar a sua agressividade em geral. Ele poderia causar-lhe para trabalhar sob-agressiva, como

você não tem recuo crítico, ou overaggressively, como você vai ter nenhum limite para se preocupar. Nenhuma dessas mentalidades é bom

para a mistura.

Nessas ocasiões, quando me encontro com os clientes um tanto passiva, eu tendem a ficar mais animado, mais pessoalmente agressivo,

e mais provocante. Eu faço isso para manter a energia para cima. Uma sessão de falta entusiasmo e energia arrisca uma mistura sem brilho.

Você deu o tom da sessão, e você tem que fazê-lo dentro dos limites da personalidade do seu cliente. Se você precisa deles para ser mais

engajados, envolvê-los. Se você precisa deles para ser mais reservado, levá-los fora do seu caminho para que você possa fazer o seu trabalho

corretamente.

estabelecer a confiança

A primeira mistura de um projeto atendido é de suma importância. Mesmo se você é normalmente capaz de empurrar para fora duas misturas por

dia, você deve tomar todo o dia para a primeira mistura. Você pode até mesmo deixá-lo durante a noite antes de se envolver em notas mix. Existem

algumas razões para tomar um pouco de tempo extra. Para começar, a primeira mistura tem de ser criada a partir do zero. Não há EQ, sem

processamento, e sem efeitos estabelecidos. Tudo que você tem são faixas-primas e uma paleta de mistura vazio (ou mesa). Há uma certa

quantidade de trabalho de zeladoria que deve ser realizado antes de você pode até começar a misturar, mesmo com modelos de mix
no lugar. Grande parte desse trabalho de configuração será utilizado em toda a sua sessão de mix, o que acelera o processo consideravelmente em

misturas subsequentes.

O primeiro mix define o bar, e se você quiser o resto da sessão para ir bem, você deseja definir que agradável bar e alta. Isso pode parecer

contraditório, mas o ponto é para relaxar os clientes, não jogar jogos de expectativa. Se você não estabelecer um patamar elevado desde o

início, pode ser catastrófico para a sessão. Adicionar em uma sala estranha, e / ou clientes com quem você nunca trabalhou, e você certamente

vai precisar de tempo para se orientar em ambas as frentes. Por mais que eu aconselhá-lo a misturar o mais rápido possível, não há realmente

nenhuma margem para erro na primeira mistura. No momento em que seus clientes vêm para ouvir o mix, você quer absolutamente rock seu

mundo. Se fizer isso, você vai ter a sua confiança.

A confiança é crítica na mistura. Sem confiança do seu cliente, cada decisão que você fizer vai ser segunda adivinhado. O artista e

produtor será menos dispostos a deixá-lo sozinho por horas em um tempo. Você não vai ser dada quase a margem de manobra que você

quer no arranjo, e experiências aparentemente infrutíferas será cortado antes que eles já totalmente desenvolvidos. Nada é mais destrutivo

para uma sessão de mistura de falta de confiança, e se você não tem isso, você deve adquiri-lo tão cedo no processo como possível.

Se um cliente não confia em você como um mixer, eles não vão confiar no mix. Se você tem um histórico como um mixer, isso se torna

um problema menos comum, embora possa acontecer independentemente da sua discografia. Algumas pessoas só estão impressionados

com os maiores nomes no negócio. Nesses casos, ganhar a confiança poderia muito bem ser tudo, mas uma causa perdida. Sua única

chance é bater suas meias.

Se você está misturando um álbum inteiro, tente escolher uma música que tem uma tonelada de potencial, mas baixas expectativas.

Em particular, você quer uma música com um arranjo bem definido e focado. Se você escolher uma música que exige decisões muitas

peças, você não terá nenhum indicador sobre seu artista ou produtor, como eles funcionam, eo que eles gostam. É muito mais fácil de ser

agressivo com underdubbing quando você tem uma compreensão global das pessoas envolvidas e, particularmente, uma vez que você

estabeleceu sua confiança. Escolha uma música que tem algum espaço para melhorias, mas não está na necessidade de uma revisão

completa. Se você quer ser o herói (não todos nós?), Espere até a terceira ou quarta canção que é quando você terá mais liberdade para

fazer o que quiser.

Vou avisá-lo agora que pela marca de três quartos de um projeto de mistura bem sucedida, seus clientes podem se tornar tão
encantado com o conceito de underdubbing que eles possam começar a inserir-se no processo. Isto significa que você vai ter o
cliente na sala de controle desde o início da mistura. Pior ainda, eles vão tentar ajudá-lo a tomar decisões de peças. É muitas vezes
difícil de sair dessa além de apontar as armadilhas de abandonar um sistema que tem sido comprovada para o trabalho. Às vezes,
este é um desenvolvimento bem-vindo, especialmente se você tem uma boa relação de trabalho com o produtor. Às vezes é um
pesadelo, porque você já não são autorizados a operar de uma forma agressiva. Tudo o que você pode fazer é voltar a seus
argumentos "tempo sozinho", e esperança de que funciona.

É possível, se você está trabalhando em um DAW, que preferem ter muitas misturas em vários estados de
conclusão. Enquanto esta é uma forma perfeitamente legítima de trabalhar para uma sessão mix autônoma para clientes out-of-town, pode ser

problemático para um um compareceram. Mesmo se o produtor é um cliente de longa data, você vai querer ter certeza de que todos no

projeto é na mesma página. A melhor maneira de conseguir isso é para terminar um mix. Cada artista tem preferências. Você pode facilmente

acomodar estes uma vez que você determinou o que são. Por exemplo, se você descobrir sobre a primeira música que a banda prefere seus

vocais de fundo para realmente ser mais alto do que o vocal (Eu só misturado um projecto se este era o caso), é provável que eles preferem

esse tratamento uniforme em toda a álbum. O processo de misturas completando fornece a oportunidade de recolher este tipo de informação

de economia de tempo. Além disso, você ainda precisa ganhar a banda' s confiança, não importa o quanto eles adoram o seu produtor e não

importa o quanto seu produtor ama. A menos que você está familiarizado com todos os envolvidos no projeto-isso inclui recorde executivos de

acabamento da empresa, pelo menos nas primeiras misturas de construir relacionamento e estabelecer uma metodologia de trabalho.

Escolher e escolher suas batalhas

Haverá momentos em que seus clientes vão começar a envolver-se em exercícios de bobagem. Por exemplo, eu tive clientes, produtores e

artistas parecidos continuamente fazer sugestões mix envolvendo um 10o de um dB. Se eles realmente podem ouvir que a diferença é

discutível. Eu já admitiu que eu posso ouvir essa pequena mudança em um estado de hipersensibilidade, e é bem possível que seu cliente

está aflito com a mesma condição debilitante. Dito isto, tanto quanto trazendo à tona a guitarra a 10 de um dB é provavelmente apenas um

desperdício de tempo, eu não tenho nenhum problema participação em tais ajustes ridículos.

É difícil fazer um argumento contra uma mudança que não pode fazer qualquer diferença real. Quero dizer, como você pode,

possivelmente, protestar um equilíbrio alteração interna que não tem efeito real sobre o impacto do mix? Se ele não tem nenhum efeito real,

então o que é exatamente o problema com a fazê-lo? Se isso faz seus clientes se sentir melhor sobre a mistura, então eu digo que é

completamente vale o seu tempo. Obviamente, se você encontrar-se gastar uma quantia exorbitante de seu dia trazendo aleatoriamente partes

cima e para baixo por 10ths de um dB, você precisa ter uma conversa reality-cheque com seu cliente sobre relações de tempo / benefício. O

processo de masterização certamente vai causar uma mudança maior quantitativo em equilíbrios internos do que 10 de um incrementos de dB

na fase de mistura.

Você tem que determinar onde a linha é sobre isso, mas você deve sempre tentar errar no lado do cliente quando se trata de notas mix

inconsequentes. Sua preocupação deve recair sobre o retrato grande, não com minúcias geralmente supérfluos. A grande figura, onde está em

causa a arte da mistura não reside apenas na forma como seus clientes se sentem sobre a mistura, mas também na forma como eles se sentem

sobre o seu mixer.

Escolher e escolher suas batalhas é essencial para uma sessão smoothrunning mix. Tanto quanto um ego saudável é totalmente
congruente com mistura eficaz, você não quer deixar o seu ego ficar no caminho de um cliente feliz e uma grande mistura. Se um pedido
pelo cliente não diminui o impacto global da mistura, então não há absolutamente nenhuma justificativa para gastar algum tempo a
debater-lo. Você só enfraquecer o seu
argumentos sobre questões mais essenciais. Você tem capital limitado para gastar com o seu cliente, e se você desperdiçá-la em besteira que

não faz diferença para o mix, você pode encontrar-se fora do que o capital quando realmente importa. Você é o mixer, você está lá para fazer a

mistura, mas se seus clientes não estiver totalmente satisfeito com ele, então, tanto quanto eles estão preocupados que você entregue uma má

combinação. O que pode parecer-lhe o mais estúpido, queixa mais inconsequentes sobre o seu mix pode fazer a diferença entre os seus

clientes amando ou odiando seu próprio recorde.

Isso pode parecer bobagem, mas se o seu cliente está encolhendo cada vez que ouvir o mix de algo como uma faixa bater palmas na

ponte, então o que você está ganhando, mantendo as palmas em? Agora, se você sentir que as palmas são tão cruciais para o impacto global

da mistura que garante uma discussão, você deve envolver-se em um. Mas você precisa ter um argumento concreto a respeito de porque o

mix se sente muito melhor com oito barras de palmas. Este tipo de debate não pode ser sobre o seu ego. Deve ser puramente sobre como a

decisão realmente beneficia a faixa geral.

Quando você tem um único artista, esses tipos de debates são muito mais fácil do que quando você tem uma banda. Bandas
discordar, e mais pessoal em uma banda, o consenso mais evasivo torna. Isso pode colocar você em uma situação difícil. Se o baterista
eo baixista odeio a pista bater palmas e todo mundo adora, o que você deveria fazer? A decisão mais segura e mais sábia é o padrão
para os desejos do produtor. Ele foi contratado para arbitrar esses tipos de decisões, não você. Infelizmente, às vezes o produtor não
está disposto a cometer, que é provavelmente por isso que lhe foi dada essa faixa palmas controversa em primeiro lugar. Inferno, não
pode nem mesmo ser um produtor do projeto. De qualquer forma, isso o coloca na posição de negociar uma solução.

Todas as bandas têm uma dinâmica de energia. Há muito poucas bandas em que todos têm igualdade de opinião, e nesses casos raros de

uma verdadeira democracia banda, uma votação para cima ou para baixo é geralmente eficaz para esses tipos de disputas. Quanto mais as

pessoas não estão envolvidas no mix, mais você tem que considerar os potenciais problemas. Se, por exemplo, você descobre cedo em um

ponto de discórdia em relação a uma parte que existe no áspero, você precisa ter certeza de que você tem a oportunidade de determinar o que a

sua própria opinião é antes de inserir-se no debate. Você não deve mesmo entreter esse tipo de discussão até que você tenha praticamente

terminou o mix. decisões de fração difíceis muitas vezes se tornam não-problemas quando apresentado dentro do contexto de uma mistura

totalmente focado.

É mais fácil de demonstrar o que uma parte controversa faz para o impacto global de uma mistura uma vez que está perto da conclusão.

Claro, se a parte em questão tenha sido misturado de tal maneira que ele é muita falta quando silenciado (ou, inversamente, é uniformemente

revoltante quando mudos), você conseguiu vender a sua decisão sem ter passado qualquer capital que seja. Não interpretar essa manobra

como alguma técnica dissimulado para obter o seu caminho em um mix. Enquanto você certamente tem uma vantagem inerente em vender a

sua visão apenas pela forma como você colocar a mistura em conjunto, isso é uma coisa boa para todos os envolvidos, uma vez que tende a

evitar engarrafamentos na sua sessão.

Se nenhuma das suas soluções parecem resolver um problema particular (e você deve ter vários planos
sobre a resolução de qualquer questão em particular), então talvez seja melhor para expressar a sua opinião forte e permitir que seus
clientes para resolver isso entre si. Bandas resolver disputas em uma base regular. Eles devem ter a infra-estrutura necessária para lidar
com este tipo de problema, especialmente se eles estão tomando a decisão com base em uma mistura quase concluída. Os mais felizes
seus clientes estão com o mix global, tal como apresentado na sala, mais fácil será para cada um deles para aceitar um compromisso.

Uma palavra de cautela sobre isso: Há um risco inerente deixando um compromisso único até uma banda. Eles podem
apenas chegar a uma solução que adia a decisão ainda mais, solicitando duas misturas diferentes. Evitar este cenário a todo
custo!

Agora, alguns de vocês lendo isto pode considerar imprimir duas misturas para ser uma solução razoável. Não é. Tudo o que você
vai fazer é trazer mais pessoas para um processo de tomada de decisão já lotado. namoradas banda, gerentes, executivos de
gravadoras, promotores, fãs, até mesmo amigos de amigos da banda vão pesar após as duas misturas sair do seu quarto. Se você acha
que essa mistura não vai vir para a direita de volta para você um mês mais tarde com campos ainda mais acirrado do que antes, você
está redondamente enganado. Um pedido de duas misturas diferentes requer controle de danos imediato e agressivo.

Este é um dos poucos casos em que vou tentar fazer valer meu próprio poder de veto em uma sessão de mistura. A menos que você é um

misturador nome que foi contratado diretamente pela gravadora, você realmente não tem poder de veto além ameaçando sair da sessão. Você

deseja evitar fazer esse tipo de ameaça seja aberta ou implicitamente, como eles só poderão levá-lo em cima dele. Ainda assim, você precisa

exercer algum músculo ocasionalmente, e este é um desses momentos. Eu colocá-lo aos meus clientes tão claramente quanto eu posso.

"Estamos apenas imprimir uma versão do mix-a melhor versão e precisamos tomar a decisão a respeito de que isso é agora. Eu não estaria

fazendo meu trabalho se eu deixar você colocar isso fora ainda mais." Este tipo de anúncio pode parecer ousada (contando o seu cliente "não"

normalmente é), mas' é absolutamente necessário que você proteger seus clientes de sua própria incapacidade de tomar uma decisão. Insistir

em uma resolução, e dissuadi-los de adiá-la mais uma vez.

Há momentos em uma mistura quando você deve levantar-se para a própria mistura, e evitar que os seus clientes de trabalhar
contra si mesmos. Este é um desses momentos, e por que você nunca quer gastar o seu capital em questões frívolas. Quando você
afirmar-se desta maneira, e apenas de forma ocasional, seus clientes vão tomar conhecimento. Se você foi nada, mas acomodando
sobre a maioria de suas notas mix, seu cliente vai finalmente saber o que já suspeitava-você tem a sua volta. Seus clientes esperam
que você tenha a sua volta; caso contrário, eles misturar-se por um comitê. Em toda a probabilidade, eles vão ouvir você. Se não o
fizerem, bem, você começa a imprimir duas misturas, misturas alternativas para cada um deles (vocal-se, vocal para baixo,
instrumental, etc.), e então você começa a fazer tudo de novo em um mês, só que desta vez você' ll ser retrabalhar toda a mistura por
causa de uma faixa aplauso estúpido na ponte. Boa sorte com isso.

Se você está pensando em si mesmo, "Gee, talvez eu não deveria deixá-lo chegar a esse ponto", então você está começando a entender. Se

a inclusão ou exclusão de uma parte trata da solução asinino de misturas de impressão

que acomodar tanto, você perdeu o controle da sessão, e você precisa recuperar esse controle o mais rápido possível. Olha, se ambas as

misturas são viáveis, então qual é o problema com escolher um e ir com ele? E se um mix parece apenas marginalmente melhor do que o

outro, então porque não basta escolher um e ser feito com ele? Além disso, a impressão de duas misturas estabelece um precedente

perigoso para misturas futuras. Uma vez que você tenha dado sua permissão clientes para fugir com adiando uma decisão além da sessão

mix, o que é para impedi-los de pedir três misturas da próxima música? O que há para impedi-los de pedir caules? Se você não desenhar

uma linha dura a primeira vez que isso acontece, você vai ser apenas desenhá-lo na próxima mix. Portanto, não deixe a sessão de vir a

este. Sim, o Zen Master Mix está pirando. Isso deve dizer-lhe como isso é importante. Tome nota.

Comunicação

Eu não acho que eu posso explicar adequadamente a importância da comunicação para uma sessão de mistura bem executado. Seu

trabalho durante toda a sessão é facilitar a comunicação, e você faz isso através de liderança e exemplo. Todos os esforços criativos ter

sucesso através de uma troca aberta e honesta de idéias, mas mesmo isso não é suficiente. Deve haver compreensão também. Você está

desperdiçando sua respiração se ninguém pode entender o que diabos você está falando.

Às vezes fico maravilhado com o quão comunicação humana inerentemente quebrado é. As discussões podem se tornar
tão circular na natureza que podem tornar o processo de mistura parecer simples em comparação. Eu tenho sofrido
pessoalmente inúmeros longas, prolongadas, conversas sinuosos sobre algo tão simples como um equilíbrio sugestão minuto,
como trazer a metade vocal um dB em toda a canção. Eu percebo que há momentos em que pode ser difícil colocar certos
conceitos em palavras, mas pedindo o vocal para ser girado para cima não parece qualificar. Claro, se essa pessoa realmente
não sei que eles querem o vocal-se, isso explicaria o monólogo particularmente babblative da sua parte. Mas se você, em
seguida, voltar-se para o seu cliente confuso e perguntar diretamente: "Você quer o até vocal?" só para eles para responder
com um definitivo "sim"

Pode haver uma série de causas para a má comunicação. Às vezes, uma incapacidade de comunicar claramente não é nada mais
do que um traço de personalidade. Às vezes, o cliente se sente desconfortável com a oferta de uma solução direta. É possível que eles
estão intimidados por sua perícia onde a mistura está em causa. Eles podem até estar preocupado com a ofendê-lo. Eles podem não
querer afirmar-se de uma forma que parece inflexível. Francamente, eles não podem sequer saber o que está realmente incomodando.
Seja qual for o motivo (e você nunca pode saber o motivo), você (e seus clientes, para que o assunto) exigem entrada utilizável que
produz resultados, e é o seu trabalho como o mixer para concentrar todos em sua sessão por esse caminho.

A melhor defesa contra a má comunicação é o uso diligente das técnicas de interrogatório. Se um cliente em sua sessão mix
mostra-se incapaz de fornecer informações úteis em uma quantidade razoável de tempo, você deve extraí-lo a partir deles.
Suponho que o primeiro passo do processo é permitir que eles
a serpentear momentaneamente, na esperança de chegar a algum ponto de partida. Depois de ter algumas informações, você pode
começar a entrevistar o cliente, e espero chegar ao fundo da sua emissão indefinível com a mistura.

Haverá, naturalmente, haver momentos em que o problema do seu cliente com um mix é complicada e não pode ser facilmente

explicado ou fixo. Nesses casos, você vai saber, porque seu cliente será excepcionalmente desconfortável com a mistura. problemas

fundamentais em um mix significa que você errou o barco, pelo menos do ponto de vista do seu cliente, que é praticamente a única

perspectiva que importa. Se a mistura é fundamentalmente quebrado para o seu cliente, então você vai ter que ir fundo sob o capô mix para

determinar o problema. Eu não me importo o quão bom um misturador você está, isso vai acontecer, e às vezes você pode encontrar-se em

uma perda completa a respeito de como resolver o problema. A primeira coisa que você precisa para determinar é onde o cerne do

problema reside. É o seu cliente insatisfeito com o arranjo ou como a mistura canta? Se isso' é uma questão arranjo, você precisa passar

por todas as partes com o seu cliente como se você está na fase de descoberta. As possibilidades são, se você tomou decisões em partes

que são diferentes a partir do bruto, isto é onde reside o problema.

Se você jogar o áspero e seu cliente é todos os sorrisos enquanto você está se perguntando o que diabos ela está sorrindo sobre,
há uma diferença de percepção sério entre você. Tentando convencer seu cliente que suas escolhas arranjo são os melhores é um
desperdício inútil de tempo. A melhor coisa que você pode fazer é imprimir o seu mix, pois é (para referência futura do seu cliente fora
da sala), e fazer um novo mix com as preferências arranjo do seu cliente. O propósito de imprimir o mix é simples; eles podem amá-lo
mais tarde.

Às vezes, o cliente só precisa passar pelo processo de mistura com você antes que eles estão abertos o suficiente para ouvir o seu
mix. Às vezes você apenas precisa determinar como é que eles pensam. Este é exatamente por isso que eu recomendo contra a primeira
mistura com um novo cliente ser uma pista que exige uma extensa underdubbing. Você não tem idéia de como eles vão reagir a escolhas
arranjo radicais em um primeiro
misturar. Não faz diferença se o seu mix é grande ou não. Em última análise, o seu cliente faz essa determinação, e se você não tem
o capital construído, você tem muito pouco espaço para erro.

Se o problema com a mistura tem a ver com a forma como ele canta, e você discordar completamente com o seu cliente, então você tem

que descobrir onde esta discrepância reside. Este é o momento para trazer material de referência, em particular discos favoritos do seu cliente,

de preferência aqueles que se relacionam de alguma forma para o que você está trabalhando. O seu cliente não pode ser ouvido corretamente

no seu quarto, caso em que você precisa para ajudá-los a se aclimatar ao espaço. Você também pode querer imprimir o mix rejeitado e áspera

em um CD e trazê-lo para o carro do seu cliente. Isto permite-lhe para ouvir o mix em um sistema familiar, e dá-lhe um pouco de compreensão de

seu ambiente de audição habitual.

Claro, não podemos rejeitar a possibilidade de que seu cliente poderia estar certo; sua mistura pode não cantar adequadamente (embora

você pensaria bruto iria iluminar este). Tomar um momento para fazer referência a algumas outras misturas poderia muito bem fornecer-lhe a

inspiração necessária para a fixação de um problema que não fez

perceber que existia. Também é possível que seu cliente prefere misturas de merda. Boa sorte com isso!

A questão de uma mistura que não está cantando é realmente apenas uma questão importante se é um mix cedo. Se você estabeleceu confiança

e um relacionamento, este não é um grande negócio. O seu cliente não vai estar caindo aos pedaços perguntando se ela contratou a pessoa certa, e

você vai ser capaz de trabalhar com o problema juntos. Se você está trabalhando em um DAW, você pode até passar para outra mistura e voltar a ele

fresco depois, mas isso não é realmente uma opção viável na primeira mistura.

Se você começou com 75 faixas, acabamos com menos de 24 na mistura, e passou 12 horas chegar lá, só para descobrir
que você misturou a música completamente diferente de como seu cliente quer que (apesar de não ter áspera definitiva de a
música), eu não vou dizer-lhe que você não vai ficar puto. Você será. Vendo como seu cliente se recusou a tomar qualquer
decisão reais durante todo o processo de gravação, para depois rejeitar completamente seus melhores esforços para um acordo
eficaz pode ser nada menos do que irritante. Em tal caso, a raiva seria uma reação legítima. Pessoalmente, eu estaria apoplético
em tal realização. Sua melhor aposta é a de chamá-lo um dia e voltar fresco. Desta forma, todos podem se concentrar em
corrigir o problema e não apontar o dedo. Felizmente, este cenário em particular não é uma ocorrência regular, mas, em
seguida,

Não importa por que há um problema com a mistura, ou para essa matéria, qual é o problema. O que importa é que você
entenda o problema. Entender o que o seu cliente é incapaz de explicar só pode ser alcançado através da investigação e uma
entrevista em profundidade. É melhor para ser insensível ao lidar com uma catástrofe mix; caso contrário, sua frustração
certamente irá revelar-se. Isso só vai servir para tornar a sua defensiva cliente, ou pior ainda, emocional. Emoção evocada por
qualquer outra fonte que não a música em si única nuvens comunicação.

Felizmente, rejeição do seu cliente de seu mix será uma ocorrência rara. Se não, você nem precisa de mais prática, ou é hora de

considerar uma outra carreira. Ao invés de acabar o livro abruptamente aqui, eu estou indo supor que você precisa de mais prática e

continuar a frente. Notas mix (O reprise)

Estou feliz de informar que a reação mais comum será a adoração acentuada do seu cliente de seu mix. Independentemente disso, normalmente

haverá algumas notas. Notas são boas. São os detalhes que fazem uma mistura grande. Embora seja verdade que temos de manter a nossa

atenção sobre a grande figura onde a mistura está em causa, é o somatório de todos os pequenos detalhes pequenos que cria a grande figura

em primeiro lugar. Você pode fazer uma boa mistura em um período relativamente curto de tempo. É preciso muitas horas para fazer uma grande

mistura, e a diferença entre eles está nos detalhes.

Depois de determinar que seus clientes estão a bordo com a mistura geral, tudo o que resta são esses detalhes. Fixação detalhes
é um procedimento simples e pode ser tratada em termos muito precisos. Como indiquei na introdução, eu tenho um mantra para esta
época na mistura. "Part. Seção. Cima ou para baixo."
 "Eu estava pensando, bem, talvez quando eu ouvir o primeiro chorusit é realmente bom, não me interpretem mal, as guitarras são tão
forte, eu realmente sugado para a coisa toda, e que tarola, eu adoro isso, tais grande rachadura, mas às vezes eu estou à esquerda ... Eu
acho que é uma forte performance vocal, sabe? E ..."

Você pode permitir que o seu cliente a continuar indefinidamente, ou você poderia ajudá-la. "? Seção Parte?

Cima ou para baixo?"

"Vocal, no primeiro refrão, precisa vir para cima." Ahhhhhhhh.

Se o seu cliente tem uma idéia clara do que é o problema, não deixe que ela rodeios indefinidamente. Você nunca vai descobrir o
que diabos ela está tentando dizer. Dê-lhe uma mão amiga. Parte. Seção. Para cima ou para baixo. Se é algo mais complexo do que
isso, ela vai dizer isso. Se não for, você pode cortar um monte de tempo a partir do processo, impedindo uma diarreia verbal
verdadeira de informação supérflua. Isso também impede que o seu cliente de colocar-se na posição de ter de defender um ajuste de
mix independentemente de saber se é realmente uma melhoria.

Se você pode agilizar o processo e evitar que seus clientes fiquem atolados em discussões filosóficas detalhadas sobre algo
tão simples como ligar o vocal, você poderá fazer todos um grande favor. Até que você realmente fazer o ajuste mix, não há
nenhum ponto em especular quanto à sua eficácia. Fazer a mudança, avaliar a mudança, e depois discutir se deve ou não
funcionou. Na maioria dos casos, o movimento irá revelar-se como uma soma positiva ou uma soma negativa instantaneamente e
sem debate. Se houver desacordo, pelo menos você tem algo de concreto para discutir, o que pode levar a uma solução, seja ela
qual for.

Se você comprar a noção de que as sugestões do seu cliente pode ser benéfico à mistura, e aceitar que você é uma parte de
uma equipe, faz as notas mix processo muito mais eficiente e eficaz. No momento em que você é divertido notas, você foi a
mistura durante horas, e seu cliente é agora o único com uma nova perspectiva. Use a sua frescura para ajudá-lo a terminar o
mix. Eles vão ouvir as questões que você pode não notar até o dia seguinte. Se você pode aproveitar o feedback do seu cliente
em comunicação direta e sucinta, as notas só vai beneficiar o mix. Claro, algumas coisas vão exigir um pouco de interpretação de
sua parte.

Quando se trata de comunicar com o seu cliente, o seu maior e mais eficaz arma é ouvir. Considerando que você está
tentando aumentar suas habilidades, onde escuta crítica está em causa, assim como você pode incluir as pessoas nesse
processo de desenvolvimento. Claro, nós já estabelecemos que existem deficiências inerentes à comunicação. Diante disso,
muitas vezes você vai se envolver na arte de inferir o que está sendo discutido.

Por exemplo, se o cliente diz: "A tarola, música inteira, sons clacky," este é obviamente um
pouco menos claro do que o habitual "para cima ou para baixo" instrução que pediu. O uso do termo "clacky" provavelmente significa
que o seu cliente está ouvindo os artefatos de um laço-comprimido. Apenas seus clientes mais experientes vão dizer-lhe diretamente
que uma parte soa-comprimido, então você precisa prestar muita atenção para os adjetivos que eles usam. Você vai ouvir alguns
adjetivos malucos (e muitas vezes paradoxais), onde sua mistura está em causa, e você precisa decifrar essas palavras
aparentemente arbitrárias em uma instrução utilizável.

Suponha que um cliente lhe diz: "Acho que o vocal é muito alto no primeiro coro;. A pista não é muito explosivo o suficiente" Seu
cliente tem feito um juízo sobre a mistura, e ofereceu-lhe uma solução. No entanto, há muito mais do que apenas uma solução para o
julgamento que ela expressa. Embora você tenha sido fornecido com direção específica sobre o vocal, você também tenho dito que "a
pista não é explosivo o suficiente." Esta parte da declaração deve dizer-lhe algumas coisas.

Primeiro, seu cliente só mencionou o primeiro refrão, o que significa que o segundo e terceiro coros provavelmente estão
trabalhando para ela. Você vai ser capaz de investigar mais este uma vez que você fixa o primeiro problema. Em segundo lugar, se o
seu problema é com a explosão da pista, então por que nós automaticamente chegar para o vocal? É possível que as guitarras
precisa vir para cima. Ou as guitarras pode precisar de descer para dar os tambores força mais aparente. Em terceiro lugar, é
possível que a seção anterior ao primeiro coro não está montando a recompensa suficiente. Lembre-se, como uma seção funciona no
contexto da canção é diretamente dependente da seção anterior, e se o coro não é "explosivo", que pode ter mais a ver com o
pré-refrão do que o próprio coro. Em quarto lugar, o seu cliente pode ser absolutamente certo. O vocal pode ser muito alto. Ou seu
cliente poderia estar certo sobre a parte e errado sobre a direção. Você pode realmente resolver o problema, trazendo o-the-se
solução oposto vocal ao sugerido. Em quinto lugar, que poderia ser um problema de desempenho em que a banda só não atingiu
esse coro especial com tanta energia, embora, se isso é verdade, você provavelmente deve já estar ciente desta questão.

Dependendo das faixas, pode haver qualquer número de outros problemas que não necessitam de tocar o vocal. Se tudo que
você ouve de seu cliente é "Acho que o vocal é muito alto", então você está aceitando o diagnóstico sem realmente avaliar o
sintoma raiz.

Dito isto, você provavelmente deve começar por derrubar o vocal. Quer dizer, essa é uma das possíveis soluções, e seria nada menos do

que embaraçoso para passar por um calvário de 20 minutos apenas para descobrir que a solução era exatamente como seu cliente sugeriu.

Se você estiver indo para ser tão desagradável como afirmar repetidamente: "Parte, seção, para cima ou para baixo" como um meio para

obter o seu cliente para ser mais eficiente, então você não faça nenhum favor ao ignorar a solução mais simples oferecido pelo seu cliente.

Mesmo se você absolutamente sabia com certeza que o nível vocal não era o problema, seria melhor tentar a sugestão de seu cliente em

primeiro lugar. Então você pode tomar com segurança alguns minutos para procurar a raiz de um problema mais complicado sem olhar como

um hipócrita.

Às vezes você vai se deparar com o que chamo de "sugestão paradoxal." Quando o cliente sugere
o vocal é muito alto, é bem possível que o vocal é realmente muito mole. Eu não posso dizer-lhe como alguém pode confundir-se a partir de

baixo; Eu só posso dizer-lhe isso acontece com todo mundo, até você como o mixer. Isso tende a ocorrer mais frequentemente no final de

uma mistura quando você está fazendo seus ajustes mais minuciosos. Eu não descrever este fenômeno tão comum, mas acontece muitas

vezes o suficiente para que você certamente deve estar ciente disso. Se uma sugestão razoável e possível é feito, a implementação do que

torna um problema pior, você pode muito bem ter recebido uma sugestão paradoxal. Experimente o oposto.

Misture Notas do Comité

Quando você está lidando apenas com um cliente, recebendo notas é um processo relativamente simples. É quando você tem uma equipe

inteira de clientes que as notas mistura torna-se um jogo de diplomacia. A pessoa que você deve confiar mais é provavelmente o produtor.

Ela é a única a banda contratada para produzir o álbum, e ela é provavelmente a pessoa que você contratou. Na ausência de um produtor,

você deve procurar activamente a ideia do projeto. É importante ter pelo menos uma pessoa no projeto que você pode confiar como uma

caixa de ressonância verdade.

Essencialmente, você deseja criar uma aliança tácita com o líder geral do grupo. Enquanto há certas razões políticas para
isso, não é o objetivo geral de uma tal estratégia. Francamente, não é mesmo realmente uma estratégia. É exatamente o que
acontece naturalmente na mistura dinâmica, mas é bom para reconhecer o efeito de selecionar um aliado na sala, só para
impedi-lo de selecionar a pessoa errada para o trabalho.

Para começar, você quer manter a sessão em equilíbrio, e se você gravitar em torno do cara que entende a menos
sobre a imagem grande, ou pior ainda, apresenta o maior número de sensibilidades fora-de-pancada do grupo, quer o
seu mix vai sofrer tremendamente, ou você está indo para irritar as pessoas que realmente importam na equação,
provavelmente ambos. Há quase sempre uma pessoa no grupo que tem o quadro geral em mente, e essa é a pessoa
a quem você deve trabalhar com mais de perto. Normalmente eles vão afirmar-se nesse papel, mas às vezes você
precisa descobrir por si mesmo. Não só essa pessoa compreender os objetivos musicais do projeto, ela provavelmente
melhor entende a dinâmica pessoal da banda, e provavelmente tem a maior influência sobre o projeto.

Como você navegar no seu caminho através das notas de mistura com um grande grupo de pessoas, as divergências são obrigados a

vir para cima. Alguns destes será desacordos antigos que foram diferidos, alguns serão novos causadas por seu mix. De qualquer maneira,

as decisões de divisão precisa ser negociado para resolução. Normalmente, alguém vai recuar, e que será suficiente para fazer pender o

debate. linhas, por vezes, duras foram elaboradas, ea última coisa que você quer fazer é colocar o polegar na escala, como você só vai

conseguir irritar exatamente a metade de seus clientes. Se você pesar de um lado ou do outro de um debate difícil, você corre o risco de se

tornar o voto decisivo. Você quer evitar que se possível.

 Obviamente, você vai ter uma opinião sobre praticamente qualquer problema que vem à tona. Você fez um insanamente
longa série de decisões em seu mix. Você teve literalmente debates internos com se sobre determinadas questões. Deve
haver muito pouco sobre suas decisões mix que você não pode explicar. Você deve saber por que você escolheu uma parte
sobre a outra. Você deve saber por que você fez uma parte mais dominante. Você deve saber os pontos fortes e fracos da
produção e performances, e como que jogou em suas decisões.

Embora a sua opinião é importante, e de certa forma você está sendo contratado para sua opinião, você também está sendo contratado para

as suas soluções. Se você tomar uma linha dura sobre uma solução, você se torna um voto de vários. Se você tomar uma linha dura sobre o

problema, e oferecem múltiplas soluções, você tem a chance de amigavelmente resolver a disputa. Você não está lá para ser um voto de

qualidade; que é em última análise, o trabalho do produtor. Você está lá para entregar uma mistura de kick-ass, e se você pode manter um mix de

kick-ass enquanto resolvendo simultaneamente quaisquer questões controversas sobre a mistura e produção, você vai fazer a si mesmo e seu

cliente um grande serviço.

A melhor abordagem para chegar a uma resolução é a primeira a identificar o escopo completo do problema. Você pode
conseguir isto, ouvindo atentamente o debate. Você quer reunir tanta informação quanto possível, e com base nessa informação,
considerar alternativas para resolver o problema na mão. Quanto mais alternativas que você pode vir acima com, o melhor suas
chances são de chegar com uma resolução satisfatória.

No início da mistura, você deve remover todos os fatores externos e compromissos a partir da equação. O final da mistura é o
momento de considerar qualquer coisa e tudo o que entra em jogo a respeito do mix. Por exemplo, suponha que há um solo de
saxofone em uma pista de hard-rock. O produtor colocá-lo lá e adora; você pode até gostar dele mesmo, mas metade da banda pode
pensar que é fraca. O debate é sobre se o solo de sax é fraco ou não, e a solução que tem sido cogitados é se livrar dele ou mantê-lo.
Mas isso não é a única solução possível. Adicionando distorção para o saxofone pode ser um compromisso que faz todo mundo feliz.
Colocar um efeito flange radical em que poderia torná-lo aceitável para os outros. Executando o sax através de um amplificador de
guitarra distorcida pode resolver o problema. Você poderia tentar dar o saxofone um efeito de rádio, ou você pode tentar executá-lo
através de um conjunto sintonizador automático para atordoar. Há todos os tipos de soluções de meio-de-o-estrada para o problema
que poderia muito bem lidar com o problema de raiz, e simultaneamente agradar a todos na banda. É o seu trabalho para encontrar
essas soluções onde elas existem.

O estágio notas Mix é o momento em que todos os compromissos são jogo justo, e você quer encontrar aqueles que trabalham para o
maior número de clientes possível. Essencialmente, as seis horas que você gastou na mistura eram preparação para tudo e qualquer coisa
que pode e vai ser jogado em você vir misturar notas tempo.

Eu misturei uma faixa adulto contemporâneo, uma vez em que fui convidado pela A & R representante para desligar as guitarras porque

tinha medo a música não iria ficar tocada no rádio. Estes não eram escandalosamente
guitarras altas por qualquer trecho da imaginação, e eles nem sequer foram distorcidas, mas eles foram colocados proeminentemente o

suficiente para que ele estava preocupado com o jogo de rádio. Este é um fator externo que não deve ser considerada no início de uma

mistura, mas que deve ser abordada no final. Ao abordar o nível de guitarra no final, o artista tem alguma base de comparação para

determinar como ele deseja prosseguir. É entre o artista e o A & R representante para negociar este tipo de compromisso. Como o mixer, eu

preciso para fornecer o que eu acho que é melhor para a música, produção e artista, e em seguida, se há coisas que eu não ter considerado

(seja propositalmente ou não), eles podem ser abordados no mix observa fase.

Agora eu acho que se tudo que eu sempre misturado foi contemporâneo adulto, e eu trabalhei com este particular representante A & R o tempo

todo, eu, naturalmente, colocar as guitarras mais baixo do que o habitual, especialmente uma vez que só foram lidar com uma meia dB diferença.

Isso vale para qualquer coisa. O momento que eu sei de uma preferência geral um cliente pode ter, eu automaticamente compensar isso. Se o

cliente prefere os vocais cerca de meio dB mais alto do que eu normalmente colocá-los, que tendem a misturar-se com isso em mente. Apenas não

confunda uma preferência menor geral com uma pressão externa. Se você sabe como seu cliente ouve coisas acontecendo, você pode fazer todo o

trabalho na pista em direção a suas preferências sem comprometer qualquer coisa em seu mix. Na verdade, você vai automaticamente fazer as

coisas de forma diferente em seu mix para acomodar qualquer preferência particular.

No caso da guitarra no adulto faixa contemporânea, trouxemos as faixas para baixo meia dB, o que não foi suficiente para prejudicar a

mistura, mas o suficiente para fazer o A & R representante feliz, que por sua vez fez o artista feliz. A grande maioria do seu mix de alterações

durante o processo de notas de mistura não irá afectar negativamente a mistura.

"Mais Me" Síndrome

Mesmo que você só tenha misturado uma banda em sua vida, você provavelmente está familiarizado com o "Mais Me" Síndrome. Francamente, o

melhor que você está na mistura, a menos este vai entrar em jogo. Uma grande mistura é o melhor antídoto para mais Síndrome Me, como deveria

distrair seus clientes sempre de si mesmos perceber. Isso não significa que isso não vai acontecer, mesmo em um mix kick-ass. Explicando a grande

figura de um baterista que pensa que é muito baixo na mistura é tipicamente um exercício de futilidade. Ele simplesmente não está olhando para o

retrato grande. Você pode tentar explicá-lo, e você deve, mas algumas pessoas acham seu próprio trabalho tão perturbador que eles simplesmente

não pode ouvir toda a mistura.

Se você conseguiu explodir todo mundo de distância, este não deve ser um problema, já que é provável que o resto da
banda vai abater os protestos do baterista. Seria ótimo se você pudesse simplesmente ignorar bateristas que se querem mais
alto, porque a alternativa seria ignorar o guitarrista que quer-se mais alto depois de abrir a bateria. Se você fez um mix de
guitarra pesado ao invés de drum-pesado, provavelmente há uma boa razão para você-as guitarras fez mais para a produção
do que os tambores.
 Isto é o que tudo se resume a. Você só tem as cinco funções básicas arranjo independentemente de que tipo de peças que
você tem: ritmo, harmonia, contracanto, resposta e melodia. Se os instrumentos harmónicas são mais eficazes do que os
instrumentos rítmicos a fazendo com que o ouvinte a reacção física desejada, então deve ser mais alto do que os tambores. Se os
instrumentos rítmicos parecem ser mais importante, então eles devem ser mais alto. Os jogadores sempre pensar suas partes são
os únicos e eles são importantes, mas o contexto em que você coloca uma parte não deve ser arbitrária. É uma decisão tomada
com base em onde você quer que o ouvinte a se concentrar. Você não está misturando com qualquer viés particular, diferente do
que é melhor para a mistura e produção, e é sempre bom para apontar isso.

Ao lidar com mais Me, você precisa colocar-se argumentos claramente definidos. Se a harmonia é o ponto forte da cama e não
o ritmo, então isso deve ser explicado e se necessário, demonstradas. Você só quer ter certeza de que seu cliente entende o que
eles estão ouvindo antes de você. Se você permitir-lhes para avaliar a mudança puramente em termos de equilíbrio, você pode
muito bem perder a discussão sobre o que é provavelmente uma mistura propositadamente desequilibrado. Se o seu argumento é
como a faixa faz você se sentir e que tipo de reação física que você acha que é mais eficaz com base no seu mix desequilibrada,
você precisa explicar isso antes de realizar uma demonstração. Dessa forma, eles estão ouvindo as coisas certas.

eu

Um ego saudável é importante para qualquer empreendimento criativo. Se você é bom em mistura, então você provavelmente tem um ego sobre

suas habilidades de mistura. O artista e produtor provavelmente tem egos saudáveis ​também. Eu não tenho certeza que você pode realmente fazer

alguma coisa bem sem um, uma vez que parece que o ego é o que nos move em direção a grandeza. Dito isto, um irrealista-ego hiperactiva, ou pior

ainda, pode ficar no caminho, e às vezes é importante para verificar o seu ego na porta quando você está lidando diretamente com o cliente.

Desde a qualidade da música e seu impacto emocional sobre o ouvinte pode ser altamente subjetiva, haverá momentos em que você
vai encontrar-se em completo desacordo com os seus clientes. Desde que o seu trabalho para facilitar uma boa comunicação, você deve
fazer tudo o que pode para evitar ser um obstáculo para ele. Se o seu ego é tão fora de controle que você não pode aceitar a idéia de que
você pode estar errado, você vai ter um tempo muito difícil lidar com os clientes em seu mix. A melhor verificação ego de tudo é ter em
mente um simples fato: não é o seu registro (a menos que você está misturando o seu próprio recorde, caso em que esquecer eu
mencionei isso).

Um dos grandes erros que vejo no estúdio é a insistência por algumas pessoas em argumentando contra uma idéia em vez de
apenas tentar a idéia em primeiro lugar. Se o seu cliente lhe apresenta uma idéia para o
misturar, a pior coisa que você pode fazer é rejeitá-lo como algo que não vai funcionar. Para começar, até ouvi-lo, você realmente não sei se

ele vai trabalhar. Além disso, se você está tão certo de que um novo conceito não vai funcionar, porque não demonstrá-lo em vez de discutir o

ponto? Você nunca quer se envolver em uma discussão

que pode ser facilmente provado ou refutado por demonstração.

Por exemplo, digamos que o cliente acha que pode ser uma boa idéia de colocar uma gota completa antes do primeiro refrão. Você
está indo para argumentar contra isso antes de dar a ideia de um tiro justo? Para todos sabem, a queda poderia ser brilhante. Por que você
iria argumentar contra algo que tem uma chance de melhorar seu mix? Isso seria o seu ego falando. Verificá-lo na porta.

Mesmo se você pensou em colocar uma gota nesse ponto, mesmo se você tentou fazê-lo sem sucesso, não há nenhum ponto em discutir

contra ele. Você pode dizer ao seu cliente que você tentou fazê-lo lá. Pode dizer-lhes que não funcionou, mas você certamente deve demonstrar

por que não funcionou. Eles só pode ser capaz de ajudá-lo a fazê-lo funcionar. Quero dizer, você não é o único com boas idéias aqui, e além

disso, é seu registro.

Agora, se seu cliente quer gastar metade de um dia tentando cada wacked-out, ideia louca que ele pode pensar, você vai ter que
colocar um fim a isso. Se o seu cliente quer levar duas horas para trabalhar em um experimento científico louco que ela deveria ter
trabalhado durante a fase de overdub, você está certo para protestar, especialmente se isso acontece em uma base regular. Mas recusar
idéias razoáveis ​que exigem apenas 10 minutos de seu tempo? Acho que não. Arbitrariamente derrubar as idéias de seu artista ou
aqueles implacavelmente debatendo que podem ser implementadas em curto espaço de tempo só vai causar ressentimento, e certamente
não é no melhor interesse da mistura ou o seu mandato no projeto.

Lembre-se, como o mixer, você chutar todo mundo para fora da sala quando você quiser que o seu tempo para experimentar com
a mistura. É possível que o seu cliente precisa de algum tempo para experimentar, e eles não precisam de você derrubar sua idéia
toda, porque você "sabe" que não vai funcionar. Se você sabe que não vai funcionar, provar isso a todos na sala, incluindo você. Além
disso, você precisa provar isso sem fazer previsões negativas. Você vai fazer uma previsão e, em seguida, raiz contra o seu cliente
estar certo, tudo que você pode estar certo? Você está no mesmo time-você todos tentando fazer um grande disco juntos, você não
faz ninguém nenhum favor, lançando-se contra sua própria equipe.

Haverá muitas ocasiões em que você vai ser convidado a fazer algo em uma mistura que você tentou e rejeitado. Embora seja
razoável para informar seu cliente que você não tem muita sorte com sua sugestão, tal declaração deve ser seguido com uma
demonstração, e, em seguida, uma explicação de por que você acha que a idéia não funciona. Se você fornecer a demonstração, eo
cliente ouve a questão por si mesmos, eles provavelmente nunca adivinhar que a decisão no futuro. Se você não demonstrá-lo, e eles
aceitam sua palavra, eles poderiam acordar daqui a três anos xingando por não usar sua idéia brilhante na mistura. uma vez eu deixei
uma decisão particular até Ben Harper, e ele me chamou-se anos mais tarde para me dizer que ele estava chateado para tomar a
decisão errada. Quem você acha que ele' estaria chateado com se eu tivesse tomado a decisão para ele? Dê a seus clientes o mesmo
respeito que você dá a si mesmo. Deixe-os ouvir por si mesmos o que funciona eo que não funciona, e sempre permitir a possibilidade
de que você está errado.

Dito isto, seus clientes estão espero que pagar-lhe mais dinheiro do que eles poderiam seu mais próximo
concorrente, porque você estabeleceu-se como consistente e capaz de fazer o trabalho grande pela primeira vez. Os clientes que tentam

negociar o preço com base nos preços mais baixos de outros devem ser informados imediatamente que custa muito mais para fazer alguma

coisa duas vezes do que para fazer certo da primeira vez. Meu ponto? Eles estão contratando por sua capacidade de entregar grandes misturas,

de modo que eles estão interessados ​no que você tem a dizer. Não tenha medo de expressar a sua opinião. Seus clientes querem conhecê-lo, e

geralmente vai seguir suas recomendações, desde que eles são apresentados de uma forma que eles possam compreender e respeito.

Se a mistura não faz de alguma forma, e de alguma forma, irritar alguém na sala, a mistura provavelmente não é feito.

Este é provavelmente o meu favorito de todos os 10 etapas. Eu sempre pode dizer que entende mistura e que não faz apenas
pela forma como eles reagem a ele. A triste verdade é que você nunca vai uniformemente agradar todos os envolvidos no projeto
com sua mistura. Sim, você vai ser capaz de obter um consenso razoável, mas a banda e produtor e até tudo o que você vai fazer
concessões. Normalmente, você será totalmente feliz com a mistura, porque você é o único a subir com os compromissos. O mesmo
não pode ser dito para todos os outros. As pessoas que estão avaliando o seu mix são os únicos que são, e têm sido, intimamente
envolvida no projeto desde o início. Eles não ouvir o mix como o ouvinte, nomeadamente na fase de mistura. Eles podem ser
capazes de ouvir a grande figura depois de algum tempo passou, mas a forma como a música realmente afeta o ouvinte vai ser
perdido sobre eles. Haverá sempre algo em seu mix que incomoda alguém.

A forma como eu descobrir isso, se você está sempre indo para irritar alguém de qualquer maneira, assim como você pode sair de sua maneira de

fazê-lo. decisões de equilíbrio em negrito são uma maneira de alcançar este objetivo particular. Às vezes você apenas ter uma parte em uma faixa que

é tão escandalosamente impressionante que você apenas tem que colocá-lo incrivelmente alto em sua mistura. Isto realmente vem de volta ao

equilíbrio novamente. Se o seu mix está em perfeito equilíbrio, não vai ser uma mistura interessante.

decisões de equilíbrio ousadas, muitas vezes irritar alguém na sala, ea única maneira de evitar isso é tomar decisões seguras,
não-controversos. Claro, decisões seguras são sem dúvida a melhor maneira de fazer uma mistura chato que ninguém vai reagir.

A diferença entre um mix agressivo com decisões de equilíbrio negrito e uma mistura excessivamente proporcional é a diferença
entre uma mistura onde tudo parece alto e uma mistura onde tudo parece suave. Eu sempre quero tudo na minha mistura de som alto.
Agora que não pode ser literalmente verdade. Assim como não pode ser literalmente verdade que tudo em uma mistura é suave. Mas
por alguma razão a ilusão de isso é muito real. Se as peças em seu mix parecem saltar para fora em você e comandar a atenção sem
distrair a partir do vocal, você tem um mix assassino em suas mãos. Se tudo soa suave, você tem um, limp, mix desinteressante plana.

Um grande exemplo disso é a versão Soft Cell de "Tainted Love". Todas as decisões de equilíbrio
absolutamente saltam em você, se é o efeito de metralhadora elétrica escandalosamente alto no início da produção, ou
os pings do sonar nos versos, os sintetizadores, ou mesmo os vocais de fundo. Cada vez que uma parte chega, ele
vem em bom e alto e agarra sua atenção, sem nunca puxando-lo longe do vocal.

Diante disso, ele não convir que você jogar pelo seguro com decisões de equilíbrio. Se uma peça é interessante e que faz algo bom
para o mix, torná-lo alto. Se não for, silenciá-lo. Enquanto eu tenho certeza que você vai encontrar exceções a esse conselho, ainda é um
bom conselho geral, e eu garanto que se você segui-lo, você vai irritar alguém no quarto. Isto é uma coisa boa. Não se coíbe a partir dele.

Dinheiro

A melhor maneira de estragar uma sessão mix é falar sobre dinheiro enquanto você está trabalhando ativamente no projeto. O único
conselho que posso dar-lhe a este respeito é obter o dinheiro diretamente antes de começar a misturar. Preço deve ser estabelecido, o
depósito deve ser pago, e então você misturar. Você não pode estar recebendo em discussões dinheiro com seu cliente quando você está
ativamente tentando ser criativo. questões de dinheiro causar ressentimentos de ambos os lados quando eles são trazidos para o quarto
criativo. Você ficar chateado porque você tem que pensar em dinheiro quando você está tentando criar. Seu cliente fica chateado porque
parece que você está pensando mais sobre o dinheiro do seu projeto maravilhoso. Acredite ou não, o artista quer se sentir como você
estaria fazendo o seu projeto, mesmo que eles não estavam pagando. Pode ser verdade ou não, dependendo do registro, mas na maioria
dos casos os seus clientes são meramente-se iludindo. Isso não significa que é de seu interesse para corrigir esse engano, e eu prometo a
você, se você falar sobre o dinheiro enquanto você está no processo de mixagem do álbum, que é exatamente o que vai acontecer.

Lidar com o dinheiro na frente. Defina seus termos, se o seu preço é baseado no projeto, o mix, ou no dia, e certifique-se é claro o que

está sendo pago e para quê. Alguns misturadores usar contratos. A menos que haja pontos envolvidos, eu não me incomodaria. Depois de

concordar com um preço e do número de faixas a serem misturados, fazer uma factura para todo o montante com a metade devido na

frente, ea outra metade devido após a conclusão das misturas.

Você pode executar o seu negócio da maneira que quiser. Eu só estou dizendo que engajar-se em falar de dinheiro durante o
processo criativo pode destruir o fluxo suave de uma sessão de mistura. A melhor maneira de evitar isso é ter termos simples e claras
que são acordados antes da sessão.

É seu registro

O melhor que você está com seus clientes, a mistura mais fácil vai ser para você. Sua melhor aposta é a de aceitar que você está misturando seu

registro. Se você acha que ao longo destas linhas, você vai atender às necessidades do seu cliente, e você vai fazê-los felizes. Se você pode

fazê-los felizes e entregar grandes misturas, você estará bem em

seu caminho para uma carreira bem sucedida mistura.
Mastering é realmente mais incompreendido do que misturar, e não apenas por neófitos. Eu pessoalmente conheço vários bem-visto,
wellpaid misturadores que admitem abertamente que o processo de masterização é completamente estranho para eles. Eles não vão para
as sessões de masterização. Eles não se envolver em dominar, e eu posso prometer-lhe que as grandes gravadoras não poderia estar
mais feliz, principalmente porque as gravadoras têm sido sob a falsa impressão de que masterização agressiva ajuda a vender mais
discos.

Como o mixer, você não só precisa entender o processo de masterização, você precisa envolver-se ativamente nela. Este é o seu trabalho

que está sendo processado por outra pessoa, e feito de forma inadequada pode ser em detrimento absoluta de suas mixagens. Um trabalho de

dominar massacrado pode remover todos os bits de vida do seu mix, acabar com qualquer aparência de profundidade, e alterar os seus saldos

de forma tão drástica que você vai deixar de reconhecer sua própria mistura. Você vai deixar isso para qualquer um?

Apenas no caso de que não estava saliente o suficiente, deixe-me colocar de outra forma: Se o seu melhor caminho para um bem sucedido

processo de tomada de música da carreira é colocar para fora um produto com o maior impacto possível, então porque na terra você não veria seu

projeto até o fim? Como um misturador você tem uma responsabilidade não apenas para o seu cliente, mas também para a sua carreira para se

certificar de que o resultado final é suficientemente representativas da artista. Permitindo que o seu cliente para destruir o trabalho duro de todos não

faz sentido lógico qualquer. No entanto, isso acontece todos os dias.

Teoricamente (e tradicionalmente), único trabalho do engenheiro de masterização é preparar mestre do cliente para a fabricação

enquanto permanecer dentro dos parâmetros dados do meio-whatever entrega que médio passa a ser. Todos os meios de entrega têm

parâmetros que devem ser respeitados para a reprodução adequada. Um disco de vinil 12 polegadas tem um tempo de execução máximo

na vizinhança de 30 minutos e um tempo de execução óptima de cerca de 15 minutos, dependendo do nível baixo e volume global do

programa; uma velocidade de reprodução adequada de 33 ou 45 rotações por minuto; e uma limitação na quantidade de informação de

baixa e alta frequência de ponta que pode ser reproduzido com base no tempo de execução do lado. A CD tem um tempo mimo de cerca de

72 minutos, com uma taxa de bits de 16 bits, uma taxa de amostragem de 44,1 kHz, e um nível máximo de 0 dBFS (decibéis relativos a

escala total) antes de grampeamento. O trabalho do engenheiro de masterização é levar o seu mestre em qualquer forma que você

entregá-lo (fita, CD, arquivo WAV, arquivo SDII, etc.), certifique-se que está em conformidade com as especificações e limitações do meio

de entrega de destino, e preparar o mestre para a empresa fabricante. Nos dias de hoje a principal está tipicamente fornecidos como um

PMCD (CD pré-mestre), que é um mestre de CD selado que a fábrica usa para pressionar o produto final.

O papel do engenheiro de masterização expandiu muito ao longo dos anos. Estes dias, o engenheiro de masterização também tende a fazer

julgamentos de mistura, e as tentativas para maximizar o impacto de suas misturas através do uso de uma cadeia de processamento. A cadeia

de processamento pode incluir qualquer número de digital e

analógico equalizadores, compressores, limitadores e dispositivos falso fita de-saturação. Isto pode parecer tudo muito bem, mas em algum

momento, o impacto maximizar estava confuso com a maximização nível. Houve um tempo quando o credo do engenheiro de masterização

wellregarded foi "não fazer mal." Este sentimento nobre foi substituído ao longo dos anos com o "não fazer prisioneiros" mantra de um

especificamente, uma guerra mais guerra-volume.

Loudness é o nível aparente na qual um CD reproduz através de um sistema de reprodução do consumidor. Quanto mais alto o

engenheiro de masterização pode fazer o seu CD, mais alto o seu CD vai soar em comparação com outros CDs, eo mais alto sua música vai

soar no iTunes (embora a opção Soundcheck irá coincidir com o nível de reprodução de todas as faixas no iTunes). Loudness começou

como uma maneira de obter uma vantagem percebida. Se o seu CD reproduzido mais alto do que outros CDs, então as pessoas mais

facilmente tomar conhecimento. É o mesmo princípio por trás dos comerciais altos temos vivido por tantas décadas. Se os comerciais são

mais altos do que o programa de televisão, eles são mais difíceis de ignorar.

A intensidade é conseguida principalmente através da redução da gama dinâmica de uma mistura. Em qualquer CD em que as partes mais altas

chegar a zero digital, a gama dinâmica global é determinado pela extensão da informação de baixo volume. Se as partes altas em um CD são

reproduzidos em um volume confortável e as partes moles são tão tranquila que você realmente precisa estar em uma sala de escuta isolada-som para

ouvi-los, em seguida, que o CD tem uma enorme gama dinâmica. Tão emocionante como uma grande gama dinâmica pode ser, é inútil em qualquer

ambiente do mundo real. Isto é principalmente devido aos efeitos de encobrimento do fundo barulho constante em nossas vidas.

Misturadores e produtores descobriram as armadilhas de uma ampla gama dinâmica muito antes de os engenheiros de masterização colocar

os seus polegares nessa escala particular. Foram os produtores de música clássica que estavam loucos feliz com o aumento da faixa dinâmica da

reprodução digital, não os populares produtores de gênero de música, que já estavam envolvidos em uma guerra do volume de vinil da sua própria.

A guerra do volume original dos anos 70 e início dos anos 80 arrefecido vez CDs saiu. Os produtores decidiram aproveitar a
gama dinâmica melhorado que CDs oferecidos, e os engenheiros de masterização no seu conjunto manteve o nível do programa
sob -3 dBFS (exceto, talvez, alguns transitórios), principalmente porque os primeiros conversores normalmente degradado o som
acima desse nível.

Foi a introdução de limitadores brickwall como o Waves L2 que desencadeou a guerra atual volume de 15 anos. Um limitador
brickwall irá prevenir quaisquer transientes de nunca passar além de um nível máximo definido. Os engenheiros de masterização
rapidamente percebeu que por esmagamento para baixo os picos transitórios em ondas quadradas, um poderia facilmente reduzir
o alcance dinâmico, sem nunca arriscar outright recorte. Ao empurrar as partes mais altas da mistura para baixo com um limitador
brickwall, o engenheiro de masterização pode reduzir a faixa dinâmica do mix, o que resultou em um CD que jogou em um nível
médio mais elevado do que os outros CDs. CD players com torniquetes jukebox fez essas diferenças de nível óbvio, uma vez que
os novos CDs altos realmente jogou mais alto do que outros discos. As gravadoras gostava da idéia de ter CD sua mais nova do
artista tocar mais alto do que os outros CDs, e ele didn'
 As estações de rádio usaram limitadores brickwall severamente eficazes por muitas décadas. A FCC exige isso, porque ajuda a evitar
sangramento transmissão em outras larguras de banda. Uma vez que os executivos da gravadora apanhado vento que engenheiros de
masterização já tinha esses "limitadores de rádio mágicas" à sua disposição (que eles sempre teve!), Não demorou muito para que o
conceito mitológico de "rádio pronto" mistura espalhados por toda a indústria. Na realidade, não há nenhuma vantagem obtida, colocando
uma mistura severamente limitada de tijolos em uma estação de rádio que já é o sinal de limitação de tijolos. Na verdade, os registros altos
realmente soar muito pior no rádio, mas essa desvantagem óbvia não parece alterar a percepção dentro da nossa indústria.

Há debates sobre quem disparou a salva de abertura nas guerras loudness digitais. Eu sempre brincando acusar meu bom amigo
Charles Dye de começar tudo com suas mixagens de Ricky Martin "Livin' la Vida Loca", mas eu vou admitir aqui e agora que não era ele.
Esses dias, eu estou feliz de informar, Charles é realmente ativa no combate à intensidade com sua Turn Me Up organização
(turnmeup.org).

Enquanto eu tenho uma boa idéia de quem realmente começou a guerra do volume, é quase inútil para colocar a culpa em uma pessoa

particular, como se fosse uma ocorrência relativamente gradual. Em algum momento, alguém, um produtor, ficha exec empresa, ou dominar

engenheiro começou a empurrar o envelope para ganhar uma vantagem. vantagem de um homem é desvantagem do outro, e assim a guerra

estava ligado.

As gravadoras começaram a premiar os engenheiros de masterização por sua capacidade de maximizar o volume. Quanto mais alto o

engenheiro de masterização poderia fazer um CD, mais dinheiro ela poderia cobrar as gravadoras. As grandes gravadoras literalmente

incentivado dominar casas para fazer CDs tão alto quanto pudessem, mesmo que isso significasse recorte óbvia na fase de reprodução. Todas

as apostas estavam fora, uma vez que isso aconteceu, e pelo tempo que alguns engenheiros de masterização foram capazes de cobrar US $

10.000 para uma meia dia de trabalho, a qualidade do som não era mais importante.

Não demorou muito antes de misturadores, que também faziam parte da infra-estrutura profitsharing, e que também pode colher os

benefícios monetários de registros altos (embora mais indiretamente), perceberam que o seu engenheiro de masterização favorito poderia fazer o

CD mais alto se eles entregues misturas que usado menos campo estéreo e mais midrange superior. E como se isso não fosse suficiente, o mais

alto dos engenheiros de masterização altos ampliada aparente intensidade, aumentando as altas frequências de uma mistura. O resultado final foi

o que temos agora: excessivamente brilhantes, sem profundidade registros, distorcidas. E assim, a aniquilação total de gama dinâmica e música

listenable estava completa.

Aqui nós estamos no cruzamento. Não há mais nível para ser adquirida. Não há nenhuma maneira de fazer o seu CD mais alto do que

seus concorrentes, já que não há nenhuma maneira de fazer música mais alto. Como indústria, nós já estamos empurrando o nível passado a

capacidade dos conversores. Estamos bem além curvas EQ razoáveis ​onde o brilho é uma preocupação. Com flutuações de ritmo longa

erradicada, que já destruiu a última verdadeira dinâmica que tínhamos disponível para nós do ponto de vista da produção. Nós já destruiu o

impacto e profundidade de toda uma geração de produções, e nós recompensados ​o consumidor para a procura de conveniência em

detrimento da qualidade, reduzindo a qualidade do som, de tal forma que ele se tornou irrelevante. Agradável,
Hã?

A grande ironia da guerra do volume é o papel inegável que tem desempenhado na mudança de como os consumidores ouvir
música. Considerando música era uma vez uma escuta visceral e interativa experiência-um que capturou a atenção do fã-volume,
brilho e a distorção consequente reduziu música nada mais potente do que o ruído de fundo. Ironicamente, a produção
generalizada de música capaz de cortar através de todos, mas o mais arrogante ruído de fundo teve o efeito de fazer com que o
ouvinte médio para transformar sua música para baixo, não para cima. O giro desenfreada para baixo da música teve a
consequência de fazer música nada mais importante do que o ruído de fundo, reduzindo assim a sua relevância global e valor.
Embora existam certamente outros fatores que contribuem para a metamorfose da forma como as pessoas ouvir discos, eu m não
tenho certeza de música teria se tornado o enteado da indústria do entretenimento teve a indústria da música não o tratou como
um primeiro. (Embora a engolir-se global de gravadoras pelos conglomerados de entretenimento mega certamente não ajuda em
nada.)

Embora possa ser interessante para realmente de pesquisa (e divulgar), que começou o que na evolução da guerra do volume,
temo que isso só serviria para elevar certos produtores e engenheiros de masterização para um status ainda mais icônico do que eles já
desfrutam. Realmente não importa quem empurrou o envelope quando e por que razão. É da natureza humana para nós para competir.
Nos tempos modernos, isso nos leva a empurrar o envelope além de toda razão, e isso é exatamente o que fizemos como uma
indústria.

Apenas por isso não há mal-entendidos, este somatório sonoridade é básico na melhor das hipóteses, e não fornece a amplitude da guerra

do volume digital. Para colocar a culpa exclusivamente sobre os engenheiros de masterização como uma comunidade seria injustificada. Há

muito poucos neste negócio com as mãos limpas, onde a sonoridade está em causa, e tem sido um frenesi espiral naturais propagada

principalmente por ganância. I fornecer essa informação para que você tenha algum conhecimento da história, para que possa ouvir por si

mesmo as ramificações de aparente intensidade sobre a eficácia de uma mistura, e para que você possa entender o que diabos o seu

engenheiro de masterização soon-to-be-fired tem feito quando ele oferece a você um mestre que soa tão plana como uma panqueca.

Tal como acontece com qualquer profissional, a melhor medida de um engenheiro de masterização é através do agregado de seus

resultados. Ausente isso, sua primeira linha de defesa na escolha de um engenheiro de masterização é obter alguns insights sobre o que ela usa

para dominar registros. As sensibilidades vir da pessoa, mas a qualidade de reprodução vem da engrenagem, e as decisões são baseadas na

qualidade do acompanhamento. Se o seu novo engenheiro de masterização está trabalhando fora de um quarto usando um Pro Tools

equipamento com ações 192 conversores e realizando todo o processamento com plug-ins, eu não me importo o quão grande suas

sensibilidades são, o monitoramento, a reprodução eo processamento será ser tão atroz que o trem só vai servir para negar completamente o

engenheiro de mastering si mesma. Este é o trabalho um neste negócio onde é melhor para julgar a loja como um meio para julgar a pessoa.

Eu não estou dizendo que o equipamento é mais importante que a pessoa aqui. Eu estou dizendo que se o domínio
engenheiro não é diligente o suficiente para montar uma cadeia de mais-que-respeitável reprodução, então eles obviamente não têm as

sensibilidades auditivas necessárias para ser tocar suas mixagens.

Desde dominar pode ser alcançado com uma configuração mínima, e uma vez que mesmo masterização barato pode trazer muito
mais dinheiro do que a gravação caro, há demasiadas hacks lá fora, disposto a chamar-se engenheiros de masterização como um
meio de impulsionar a gravação sem brilho e mistura receitas. Studios oferecem freqüentemente dominar como um serviço para seus
clientes, mas eles raramente têm o pessoal qualificado para o trabalho. Sinto muito, mas seus registros são demasiado importante
para deixar dominar-se a alguém que não a torna sua única profissão.

Se o seu engenheiro de masterização não tem, no mínimo, uma sala designada, um par estéreo top-of-the-line de conversores, e uma

carreira verificáveis ​como um engenheiro de masterização, isso não é quem você quer dominar suas misturas. Para começar, se você enviar

suas mixagens para alguém que dominar no lado, a fim de ajudar a subsidiar sua gravação e do trabalho de mistura, você está enviando suas

misturas e os seus clientes para o seu concorrente direto. Não ser excessivamente protecionista sobre isso, mas que provavelmente não é a

decisão mais sábia que você poderia fazer.

Um bom indicador de que você está potencialmente lidar com um engenheiro de masterização profissional é se eles têm uma máquina de

fita de alta qualidade em seu quarto. Procure headstacks de vários tamanho, e perguntar se o engenheiro de masterização pode gravar algo

em sua máquina analógica. A resposta deve ser "não", já que os engenheiros de masterização não têm necessidade de eletrônicos de registro.

Mesmo se você não está trazendo em fita master, uma máquina de fita é um bom indicador de que você está, pelo menos, lidando com

alguém que leva o show a sério.

Agora é bastante provável que eu estou indo para obter algumas críticas na Internet para recomendar que você escolher o seu engenheiro de

masterização com base em sua lista de equipamentos, e eu suponho que você poderia considerar que este é um ataque preventivo a esse respeito.

Eu posso te dizer, se eu não realmente regularmente tipo potenciais restaurantes por tipo de alface que servem, eu poderia ter abandonado a

sugestão. Infelizmente, há muitas pessoas neste campo que não têm idéia do que eles estão fazendo, que a lista de equipamentos é uma das

maneiras alguns concretas que posso sugerir para eliminar o trigo potencial do joio. Mesmo com esta estratégia lista de equipamentos todo, você

vai se deparar com alguns hacks, então você não pode escolher com base apenas na engrenagem. Esta é apenas uma maneira de poupar um

pouco de tempo e dor de cabeça. Eu prometo, a destruição brutal de seu trabalho duro vai causar-lhe nada, mas dor de cabeça; isto é, se você

realmente dar a mínima para o que você faz.

Para ser claro, o objetivo não é encontrar um engenheiro de masterização que gosta da mesma engrenagem que você faz. O objetivo é encontrar

alguém que tem instrumentos razoavelmente profissionais, o que isso significa para você. Se ela está usando conversores você nunca ouviu falar,

então você não pode, possivelmente, julgá-la por essa escolha particular. É que a cadeia global deve dar-lhe alguma idéia de quem você está lidando

aqui. Novamente, a lista de equipamentos meramente atua como um indicador para poupar algum tempo. Não é a maneira que você escolher o seu

engenheiro de masterização.
 Há uma outra maneira de determinar a viabilidade geral de um engenheiro-olhar particular masterização no
encarte sobre seus CDs favoritos. Infelizmente, quando você começar a fazer suas chamadas, você verá que os
preços são por todo o mapa. Vendo como os engenheiros de masterização mais bem pagos são tipicamente os
que descobriram como fazer CDs mais alto, um preço elevado não é um bom indicador de qualidade. Há
algumas casas de masterização que podem custar até US $ 10.000 por álbum. Agora, se acontecer de você
chamar um desses 10K açougues, não pense por um segundo que eles vão virar para baixo o pouco dinheiro
que você tem. Todas as grandes casas de masterização terá pacotes de desconto,

Enquanto um preço exorbitante não é uma indicação de qualidade, um preço ridiculamente barato, provavelmente é. Se alguém pode
dominar o seu álbum por US $ 300, execute. Você não vai ficar satisfeito com os resultados, e nem é seu cliente. Não desperdice seu
tempo com ofertas quando se trata de masterização.

Você também quer ficar longe das lojas que gostam de reunir todo o pacote de masterização e reprodução para você. Estas lojas
geralmente têm engenheiros de masterização legítimos trabalhar para eles, especialmente se o negócio principal é dominar, mas eles
também costumam usar seus engenheiros de aprendizagem para as ofertas de pacotes. Não só você vai estar insatisfeito, mas a casa
de masterização mais definitivamente não irá se viraram para você, dada a taxa reduzida.

O que você está procurando um determinado engenheiro de masterização que pode acomodá-lo pessoalmente, que pode lhe dar feedback

sobre suas misturas, e quem vai estar interessado em dar-lhe o melhor serviço possível, isto é normalmente conseguido por um engenheiro de

masterização que dirige sua própria loja.

Eu usei Dave Collins para a parte do leão das minhas necessidades de masterização ao longo dos anos, e eu não me importo de escrever

isso aqui, principalmente porque é muito fácil de descobrir que só de olhar para a minha discografia. Eu trabalhei com ele para a melhor parte de

15 anos agora, e embora eu tenha usado outros engenheiros de masterização ao longo desses anos, que normalmente é porque um A & R

executivo ou produtor tomou a decisão fora das minhas mãos. Essa é a política da grande mistura rótulo.

Sites como Allmusic.com são grandes para investigar discografia de um potencial engenheiro de masterização. Enquanto Allmusic
é notório por imprecisões, um engenheiro de masterização de trabalho deve ter uma lista enorme de produto neste tipo de banco de
dados online. No mínimo, você pode determinar se ela ainda aparece no radar.

É bem possível (provável mesmo), dependendo de onde você mora, que você não vai ser capaz de encontrar um engenheiro de masterização

apropriado a uma curta distância. Enquanto isso não é ideal, não é um problema insuperável. Pessoalmente, eu sempre tento assistir às sessões de

masterização, mas nem sempre é viável. Se você tem um bom relacionamento de trabalho com um engenheiro de masterização, você não tem que

participar. Dito isto, eu recomendo que uma vez que você encontrar alguém que você gosta, você vai para algumas sessões de masterização para

desenvolver esse relacionamento e ganhar experiência muito necessária. Em última análise, você quer encontrar alguém
que complementa o que você está tentando alcançar, e que faz suas mixagens melhor. Ele pode levar anos para encontrar essa pessoa, mas uma vez

que você fizer isso, você nunca mais vai querer deixá-los.

A maioria dos engenheiros de masterização irá realizar um mestre de teste em uma canção para você, especialmente se a recompensa

potencial é o valor de um álbum cheio de trabalho. Gostaria de aconselhar contra o envio de um registro de 10 engenheiros de masterização

diferentes para um grande tiroteio. Para começar, seria nada menos do viscoso para realizar esse tipo de gado chamada sem deixar que os

engenheiros de masterização sabe o alcance global, e se você é tolo o suficiente para dizer-lhes tudo de antemão o que você está fazendo, os

bons vão declínio. Isso significa que você estará comparando trabalhos de masterização do fundo do barril, que é nada menos do que uma

comparação inútil. Além disso, é impossível avaliar que muitos mestres. Eu prometo que você vai fazer a sua cabeça em como esse, por isso nem

sequer tentar. Se você estiver indo para fazer um tiroteio, não incluem mais de três engenheiros de masterização, e isso é provavelmente dois

demasiados. Dê o teste para um cara, e se ele faz um bom trabalho, ter-lhe dominar o álbum.

Como você sabe que é um CjoodJob?

Honestamente, ele me levou anos para descobrir como avaliar adequadamente um trabalho de masterização. Eu estava literalmente levou às

lágrimas em inúmeras ocasiões antes de eu entender masterização. Na realidade, é absurdamente fácil de avaliar um trabalho de masterização, e eu

posso salvar-lhe um pouco de frustração a este respeito. Sim, eu vou revelar o meu segredo mais precioso para você. Aqui está:

Se a mistura é melhor depois de dominar, é um grande trabalho. Se a mistura é pior, é um péssimo. Ok, eu percebo que pode parecer

ridiculamente simplista, mas também é verdade, e ele passa a ser a única forma viável de avaliar um trabalho de masterização. Agora concedido, se

você estiver insatisfeito com o domínio sobre uma determinada canção, você vai ter que ser um pouco mais específico do que "não é melhor" com o

engenheiro de masterização. Mas para seus próprios fins de avaliação, que é realmente tudo o que existe para ela.

Quero dizer, você sabe que você estava cantando e teve uma reação física quando impresso a mistura, certo? Então, se você
pode realmente ouvir o disco masterizado e não cantar, isso não é certo. Se você ouvir o mestre e você não tem as mesmas reações
físicas que você fez quando você estava imprimindo, há um problema.

Quando eu chegar em um grande trabalho de masterização de volta, eu tento o meu melhor para ouvir o trabalho, mas também sei que se eu

acabar de cantar, eu não tenho que preocupar-se-é certo. Claro que, por alguma razão eu normalmente me pego cantando e salto para trás, e então,

naturalmente, eu só acabam cantando novamente. Eu posso prometer que não há avaliar acontecendo se você está cantando sobre a pista, então

você pode muito bem aceito que se a pista ainda pode fazer você cantar, é um trabalho grande masterização.

Conservando sua Influência

Depois de encontrar um engenheiro de masterização que você gosta, você vai querer orientar seus clientes em direção a eles. Se o seu cliente

ama o que está fazendo com as misturas, seria muito bobo para eles, em seguida, ir a um engenheiro de masterização você acha que é um hack.

No entanto, este é exatamente o que vai acontecer tempo e tempo de novo- principalmente porque seus clientes a compreender dominar menos

do que você fez antes de ler este capítulo. Portanto, você deve discutir dominar com o seu cliente cedo e muitas vezes no processo de mistura. O

melhor momento para começar é no auge de seu capital mix.

Realmente, você pode entrar em todos os tipos de razões pelas quais o cliente deve usar o seu engenheiro de masterização. Você pode falar

sobre como seu engenheiro de masterização favorito não faz nada, mas registros mestre e mostrar o seu cliente sua impressionante discografia.

Você pode discutir a qualidade estelar de sua reprodução. Você pode discutir intensidade e como ela geralmente lida com isso. Você pode discutir

qualquer coisa que você acha que vai vender o seu cliente, mas o seu argumento mais convincente será também a sua mais simples. Diga ao seu

cliente que você enviar o seu Engenheiro de Mastering suas mixagens, e ela envia-los de volta melhor.

Você nunca vai arranjar problemas para se preocupar com o produto final. O seu nome está acontecendo no álbum, e um trabalho de
masterização ruim pode profanar completamente suas mixagens, tornando-os quase inaudível. É fundamental que você mantenha
alguma influência sobre o que acontece com essas misturas e até o momento em que os CDs são pressionadas. A melhor maneira de
conseguir isso é através da educação o seu cliente sobre o processo e torná-los perceber que é do seu interesse em tê-lo envolvido no
projeto para conclusão, e eu quero dizer a conclusão.

Há todos os tipos de coisas que podem dar errado com as misturas na fábrica, independentemente do orçamento. conteúdo de
vídeo incorporado e codificação anti-pirataria pode alterar o som global da sua
misturar, entre outros desastres potenciais, por isso, se você pode obter uma prensa de teste e compará-lo com o mestre final, você pode ter certeza

misturas do cliente ficar exatamente como eles foram destinados. Infelizmente, prensagens de teste pode ser caro, por isso pode não ser uma opção

para muitos projetos.

Colocando-se o Bom Combate

Eu misturei um álbum muito poucos anos atrás, onde o rótulo solicitou um engenheiro de masterização especial para o trabalho. Eu nunca tive

nada dominado por este engenheiro, mas ele era um profissional legítima, com uma extensa discografia, então eu realmente não tinha espaço

para o protesto. Antes de eu mesmo tive a oportunidade de ouvir o disco de referência para mim, fui informado de que todos estavam

over-the-top em êxtase sobre o trabalho de masterização. Da mesma forma, eu pedi uma cópia.

Dado o nível geral de emoção, eu esperava ouvir nada menos do que um trabalho de masterização kick-ass. O que eu recebi foi a
aniquilação de meu trabalho duro. Isso pode parecer exagero, mas meus mixes uma vez lindamente ampla estavam agora quase mono.
panning duro soou mais como panning suave, e não uma única pessoa tinha notado este problema, incluindo o engenheiro de
masterização, mesmo depois que ele foi trazido a sua atenção. A diferença foi imediata e evidente em uma comparação de A / B, de modo
que a chamada
produtor de registrar minha reclamação.

Se eu lhe dissesse o produtor estava chateado, eu estaria subestimando sua reação. Quero dizer, ele estava gritando para mim, e ele é um

bom amigo! Ei, isso é como masterização emocional pode ser. A banda pensou que eu estava louco. Eu era a única pessoa que tinha um problema

com o trabalho de masterização. Claro, eu também era a única pessoa que estava ouvindo em um estúdio próprio, e todos eles necessários para

ouvir o disco como eu estava ouvindo. Por que discutir o que pode ser facilmente demonstrado? Então convidei-los todos para baixo para uma

festa ouvindo.

Demorou algumas explicações, e não todos na banda ouviu as diferenças imediatamente, mas dentro de cinco minutos de
tempo o problema se tornou evidente para todos na sala. Eu fui do misturador idiota que deve apenas Fique fora do processo
de masterização para o herói que impediu quase mono mistura de ir para fora da porta. Isso é um swing.

O engenheiro ofender masterizado o álbum mais três vezes e dois deles depois que ele já foi despedido do emprego. O problema deve
ter sido em seu sistema de reprodução e monitoramento. Não só ele não podia ouvir a questão em sua suíte dominar, mas o último
trabalho que ele enviou foi executado plana e ainda tinha o problema de imagem.

Em defesa do produtor, ele estava fora da cidade, e eu escutei o trabalho de masterização antes mesmo que ele teve a oportunidade de ouvir

em seus ambientes de maior confiança. No momento em que ele fez, ele ouviu exatamente o que eu estava falando. No momento em que a nossa

festa de ouvir, o produtor e eu estávamos na mesma página. Foi a banda que estava convencido de que eu estava errado. Rapaz, eles eram

surpreendeu.

Suponho que alguns podem argumentar que se a banda não podia ouvir o problema fora do estúdio, então ele não deve importar. Eu

iria rejeitar esse argumento sem rodeios. Seu CD contém a intenção artística. Se a imagem estéreo foi reduzido no mestre final, então ele vai

reproduzir assim em todos os lugares. Nós já sabemos que a música vai ser reproduzido em todos os tipos de ambientes fodidos e em todos

os tipos de sistemas de reprodução menos-que-ideal. Não há nada que possamos fazer sobre isso. Nosso único controle é para garantir que

a nossa intenção proposital fica queimado de forma permanente para o CD. Embora a qualidade de qualquer sistema de reprodução

consumidor vai certamente ter um efeito negativo sobre o impacto das suas mixagens, ele vai ter o mesmo efeito em relação a todas as

misturas. Em outras palavras, a atrocidade geral de um sistema de reprodução do consumidor permanece constante. Portanto, você tem que

fazer absolutamente certo de que seus grandes misturas não só soa exatamente certo, mas mantêm a sua capacidade de manipular o

impacto emocional sobre e reações físicas do ouvinte. Caso contrário, o que diabos vamos fazer?

hastes

As hastes são normalmente oito faixas de submix que combinam perfeitamente com um ganho unitário para tornar a sua 2-track

misturar. As hastes são geralmente solicitado quando uma música está sendo inserido no corpo de um filme. O engenheiro de regravação usa as

hastes para que ele possa alterar a mistura para fins de diálogo. Enquanto no primeiro
corar isso pode causar-lhe a recuar, as aparências das músicas em filmes geralmente são relativamente curto de comprimento e quase

sempre ocorrem simultaneamente com outros áudio-lotes de outros tipos de áudio. Os engenheiros regravação tem que ter algum controle

sobre o mix para toda uma série de razões, e nenhum deles está prestes a fidelidade. Uma haste típico iria quebrar assim:

Bass (mono)

vocal principal (mono)

Bateria e percussão (estéreo)

instrumentos Harmony (estéreo)

Vocais de fundo (estéreo)

A razão de eu levantar a questão das hastes é porque você vai se deparar com alguns engenheiros de masterização que irão
solicitar-los. Se o fizerem, sair. Se você está no telefone, desligue.

Se você dá o seu engenheiro de masterização hastes para efeitos do CD, você não está mais fornecendo uma mistura. Uma vez que o

engenheiro de masterização está usando caules, ele mistura para você. Isso é inaceitável. Você é o mixer. Se ele acha que a mistura é uma porcaria

e não pode ser melhorada com um trabalho de masterização 2-track, então ele deve ou dizer-lhe o que está errado com a mistura, ou terminar o

trabalho limitado, ele foi contratado para fazer. Se você quer entreter sugestões mix de seu engenheiro de masterização, seja meu convidado, mas

não é realmente o trabalho do engenheiro de masterização para julgar se o seu mix é bom ou não. É para ele para preparar o mestre para seu

formato de entrega final.

Você também vai ter clientes que solicitam hastes. A menos que os caules estão sendo usados ​especificamente para um filme (basta

perguntar), negar o pedido (com um sorriso, se quiser). Não importa o que a intenção; se não é para um filme, em seguida, um pedido de caules é

um ato hostil. Se o seu cliente está solicitando deriva porque o seu mix não é bom o suficiente, e então voltar para a mistura e corrigi-lo. Se você

deixar alguém corrigir o seu mix, dando-lhes algum controle sobre equilíbrios internos, você nunca vai aprender a fazer uma boa mistura em seu

próprio país. Além disso, hastes são uma maneira coxo para ajustar uma mistura. Quer dizer, simplesmente não há razão para usar hastes se você

pode recordar a mistura perfeitamente na sua DAW. Você foi contratado para entregar uma mistura, e isso é exatamente o que você deve

entregar-duas faixas, esquerda e direita. Nada mais nada menos.

Se o seu cliente quer hastes para a possibilidade futura de uma colocação filme, imprimir os caules e prendê-los. Dê a seu
cliente as hastes em um ano ou dois, se você não quer segurá-los mais do que isso. No curto prazo, você deve proteger o seu mix,
ea única maneira de fazer isso é através de nada mais do que a própria mistura.

Vamos rever: Não caules!

Dominar o seu próprio trabalho

Invariavelmente, cada misturador decide que ele pode dominar o seu próprio trabalho. Assim como invariavelmente, cada misturador percebe que ele

realmente não pode. Eu sei que parece meio ridículo. Você misturou o registro maldito, porque você não pode dominá-lo? Bem, você pode! Ele só não

vai ser nada bom.

Mistura é um esporte muito mais agressivo do que dominar, ou pelo menos deveria ser. Mastering também requer uma maneira

totalmente diferente de pensar, e assim como leva anos para dominar a arte da mistura, o mesmo é verdade sobre a dominar. Quer dizer,

se você entregou grandes misturas, você provou-se ser um trunfo importante e valioso para o projeto. Você está indo agora para

certificar-se você também é o elo mais fraco?

As ferramentas para masterização e mistura são completamente diferentes. Um engenheiro de masterização tem um número limitado de

ferramentas em sua cadeia, e ela escolhe-los com base principalmente em fidelidade e precisão da reprodução. Misturadores precisar

consideravelmente mais engrenagem, e tendem a escolher seus equipamentos com base em como ele cores soar. Lembre-se, a reprodução e

processamento de sua mistura durante o processo de masterização é queimado para o CD. Se você estiver usando conversores de média, você está

recebendo a reprodução média. Isso significa que você está fazendo mal ao seu mix. Este é exatamente por isso que eu sugiro que você examine lista

de equipamentos seu potencial de engenheiro de masterização. Reproduzir por si só pode ser a diferença entre um grande trabalho de masterização e

uma decepcionante.

O engenheiro de masterização é a última linha de defesa em que a tradução está em causa. Então deixe o engenheiro de masterização fazer o

seu trabalho depois de ter feito o seu. Se ela é realmente boa, ela vai melhorar o que você faz. Se ela não é, continue procurando.
Como você pensa sobre mistura é o que irá definir para além da sua concorrência. Nós discutimos o seu pensamento em grande detalhe, até agora,

e este capítulo final não é uma exceção a esse respeito. Se você ainda não descobriram isso até agora, a mistura é uma atividade altamente criativo

dentro de algumas orientações relativamente rigorosa. Nós não lidamos com uma folha de papel em branco; lidamos com um produto já existente, e

trazemos esse produto a ser concretizadas.

Dado que a mistura requer partes iguais talento artístico e técnico, e dado que o misturador é parte de uma arte equipe de
criação, há poucas ocupações análogas. Na verdade, só há uma que eu posso pensar, e foi meu amigo Pedro, que colocá-lo
melhor quando ele me disse que o mixer é a música como o criador é arte.

Estou bastante certo de que ele não estava falando sobre o cara atrás do balcão em seu local Aaron irmãos quando ele disse isso, e devo

confessar, no começo eu não tive a analogia. Mas isso é só porque no momento em que ele me disse isso, eu nunca tinha passado qualquer dinheiro

real no enquadramento. Ainda assim, ele ficou comigo.

Não poderia ter sido muito mais do que um ano mais tarde, quando minha primeira esposa me entregou uma nota de enquadramento US $ 750

para uma litografia $ 150 comprei vários anos antes. Para o registro, eu não acho que uma peça de arte $ 150 é caro. Eu nem acho que US $ 750

para um quadro é caro no grande esquema das coisas, como certamente há enquadrar empregos que custam na casa dos milhares de dólares, se

não mais. Eu, no entanto, acho que é um absurdo para o quadro a custar cinco vezes mais do que o pouco agradável impressão rodeia. Ou pelo

menos eu fiz.

Este incidente aconteceu em meados dos anos 90. Eu estava apenas começando a recolher arte na época, e eu certamente não me

importo de gastar dinheiro em algo grande. Mas isso era ridículo! Sim, eu gostei da impressão. Eu achei agradável. Sim, eu queria-lo

enquadrado, e eu queria que parecesse bom. Mas US $ 750 para uma litografia? Claro, minha atitude mudou completamente o dia em que

ela trouxe a impressão, e foi então que eu finalmente entendi a analogia de Peter.

A litografia foi de um gato deitado em uma parede. Puramente como uma impressão, sem enquadramento que seja, eu gostei bastante a

peça. Deixe-me dizer-lhe, meu prazer aumentou 20 vezes, uma vez que foi moldado e emaranhado. Meu agradável litografia pequeno gato

foi transformada em um pedaço grande e impressionante de trabalho. A peça foi agora quase duas vezes maior que a própria impressão, o

que por si só tornou muito mais impressionante. O quadro ea fronteira mat cuidadosamente selecionados detonar as cores na litografia. O

esteiras deu a importância da imagem, e o quadro deu foco.

Entre a minha ex-esposa, que estava ativo no projeto, eo conspirador que implementou-lo, o
arte que é enquadrar me foi revelado. Toda vez que eu olhar para essa impressão, lembro-me apenas o que uma boa mistura é suposto
fazer.

Como um mixer, um conspirador deve ter alguma capacidade técnica. Cortar juntas de esquadria para que eles se alinham
corretamente não é uma tarefa fácil. Cortar várias esteiras perfeitamente em linha reta para produzir fronteiras de cor tão fina quanto 1 /
16th de uma polegada, não só requer as ferramentas adequadas, mas anos de prática também. Depois, há a arte dele: Seleção do quadro
que melhor complementa a vibração global da peça rodeia. Selecionando as fronteiras de cor finas entre as esteiras para melhorar as
cores na pintura, tornando-pop. A atenção aos detalhes, que estabelece o quadro geral, tudo isso requer um olho para o detalhe, e uma
apreciação para o impacto potencial da obra.

A mistura é de natureza semelhante. Você já está entregue uma obra de arte. Seu trabalho é enquadrá-lo-à a desactivar. Para reforçar o que foi

feito antes que o trabalho foi enviado a você. Parte desse trabalho é de natureza técnica. Mas qualquer um pode aprender essa parte. É a arte que

separa um grande trabalho de enquadramento de um tecnicamente bem executado.

A mistura é a moldação da arte. E uma grande mistura vai trazer tudo grande sobre uma obra de arte. Nós não podemos mudar o art. Tudo o

que podemos fazer é tentar enquadrá-lo da melhor maneira possível, a fim de trazer para fora todo o bem a pista tem para oferecer.

Rodar fraqueza em força

O pensamento convencional onde a mistura está em causa é maximizar os pontos fortes de uma determinada faixa e minimizar suas fraquezas.

No geral, eu diria que este é um bom plano. Há momentos, no entanto, quando há uma opção melhor. Cada agora e, em seguida, você pode

optar por expor demais um ponto fraco.

Existem dois níveis de psicologia que vão para isso. Primeiro, o ouvinte nunca assumir que o artista ia dar destaque para
qualquer coisa que ele considerado fraco, e assim expor deficiências faz parecer proposital. Em segundo lugar, se uma parte é
particularmente terrível, ele pode servir para fazer tudo o mais no mix bom em comparação.

No momento em que você dá uma parte qualquer tipo de destaque em uma mistura é o momento que você dá essa importância parte.

Depois de fazer fraqueza importante, você instantaneamente torná-lo um ponto forte da produção. Claro, o botão de mudo geralmente

funciona melhor.

Este tipo de pensamento paradoxal pode ser bastante útil se você retirá-lo nos momentos certos, e eu estou reticente em dar-lhe
alguns exemplos aqui. Manter o conceito no bolso de trás, e se você está lutando com algo em sua mistura que não pode suportar o
botão de mudo, considere a superexposição que a fraqueza em sua mistura. Você vai enganar a todos. Até eu.
Kismet!

Quando você deixa um pouco de sorte em sua vida, coisas boas acontecem. Algumas pessoas chamam-los felizes acidentes.

Se um acidente torna-se uma boa idéia ou se desencadeia um indiretamente, você ainda ter uma boa idéia para fora do negócio. Você tem

uma quantidade limitada de tempo para misturar uma faixa. Se você tentar controlar tudo o que acontece em um mix em todos os momentos,

você vai perder muito.

Boas idéias vêm de todos os tipos de lugares. Ao misturar em um console analógico, eu gosto de deixar meus equalizadores e inserções

em como eu ligar o novo mix. Este tem o duplo benefício de dar-me um bom ponto de partida sobre as constantes (como bateria, baixo e

vocais), e uma aleatoriedade desejável sobre as outras partes. Este método pode colocar uma combinação invulgar de processamento sobre

uma parte, muitas vezes com resultados surpreendentes, em particular se o módulo foi anteriormente usado para um tratamento radical. Claro,

ele não costuma funcionar bem, e eu normalmente puxe a inserção e EQ do momento que eu ouvi o tratamento ofensivo, mas cada coisa

agora e, em seguida, mágica vem dessa estratégia.

A mistura é em parte um quebra-hit-or-miss de qualquer maneira, então por que lutar contra isso? Use técnicas de hit-or-miss a sua vantagem. Se

você tem uma parte que você não tem certeza o que fazer com, processá-lo de maneiras que você normalmente não consideraria. Experimentar todos

esses plug-ins você nunca usou antes.

Quando você está trabalhando em seu mix, faixas sem áudio de instrumentos para experimentar diferentes combinações de peças. Você pode

apenas encontrar uma grande queda, ou o underdub perfeito para o seu mix. Permita-se algum tempo para experimentar ideias malucas que

aparecem aleatoriamente em sua cabeça. Ele poderia muito bem levar a algo útil.

Trabalho de fábrica

Como qualquer trabalho útil, há um certo trabalho penoso envolvido na mistura. Suponho que se você se tornar um misturador de nome, você pode

contratar um assistente em tempo integral para cuidar das tarefas de enquadramento mais mundanos, mas você ainda vai ter que passar por

descoberta, então eu não tenho certeza do que isso, você compra , já que estes dois processos são melhor feito simultaneamente. A menos que você

já está familiarizado com a produção que está prestes a misturar, o período enquadramento e descoberta é fundamental para a aprendizagem e

determinar o arranjo. Se você se concentrar na parte descoberta, você pode reduzir o trabalho árduo envolvidos com as tarefas mais zeladoria

envolvidos no enquadramento.

Se você realmente pensar sobre isso, a grande preponderância de faixas de rock são semelhantes em arranjo, contendo os
habituais baixo, bateria, guitarras e vocais. Certamente, há muitas variações sobre isso, mas se fez uma pesquisa, posso assegurar-lhe
que seria a resposta mais comum. Cada gênero de música terá suas próprias semelhanças no arranjo.
 Enquanto não há dúvida de que você vai repetir muitas tarefas ad nauseum em toda a sua tomada de carreira musical, você deve fazer todo o

possível para erradicar o mau hábito de usar padrões do bolinho-cortador. Como já discutimos, existem alguns misturadores que tratam de cada

mistura de forma idêntica. Seu objetivo é ter um som homogeneizado e consistente em todas as mistura, e deixe-me dizer-lhe, os rótulos amo isso.

Sinto muito, mas não há nenhuma arte em que. Qualquer misturador que escolhe para tratar todas as músicas do mesmo vê claramente o seu papel

como mais importante do que até mesmo o artista.

Este não é um argumento contra a tomada de medidas razoáveis ​para reduzir sua carga de trabalho. Há uma grande diferença entre as

decisões que são fórmulas na natureza e aqueles que são projetados para ajudar a acelerar o processo. Se você já misturada uma música de

10, e os tambores foram todos registrados na mesma sala, ao longo de alguns dias, seria sábio para importar o processamento de tambor para

a próxima mistura certa desde o início. Quero dizer, por que diabos você quiser passar por todas essas decisões novamente quando você

pode simplesmente ajustá-los a partir de um relativamente bom ponto de partida? Eu sou tudo para mistura inteligente.

Como você se tornar um misturador mais experiente, mesmo aparentemente instrumentações únicas vai cair perfeitamente no reino
da familiaridade. Peças que em um momento em sua carreira pode ter parecido quase exótico na natureza pode tornar-se quase banal.
Mesmo nas ocasiões em que você se deparar com um instrumento que você nunca ouviu antes, você saberá o que fazer com ele
puramente baseado em sua função na organização. Por esta razão, a mistura pode rapidamente tornar-se banal, se você não fizer tudo o
que puder para evitar padrões.

Qualquer embarcação realizada em uma base diária corre o risco de tornar-se nada mais do que o trabalho de fábrica. A menos que você está

nas camadas superiores da escala de mistura pagamento, você provavelmente fazer melhor para realmente ir trabalhar em uma fábrica do que tratar a

mistura dessa maneira. Pelo menos trabalhar em uma fábrica dá-lhe um emprego em tempo integral com os benefícios, certo? Se você achar que o

conceito mais desagradável que eu faço, então eu aconselho você a ter um olhar cuidadoso em como você se aproxima de mistura, e fazer tudo em

seu poder para evitar fazer as mesmas coisas em todas as músicas. Isto pode parecer básico, mas eu prometo a você, que requer vigilância constante

para evitar sulcos na mistura.

Art vs. Comércio

Mesmo se a música que você está misturando é completamente derivado em natureand maioria das músicas são, até certo degree- isso não

significa que a produção deve ser tratado como qualquer coisa menos do que uma peça de arte única. Se você enquadrar cada canção o mesmo,

você não está mais servindo a canção, e, francamente, você não está servindo o artista, qualquer um. Depois de um tempo, você só vai conseguir

fazer com que todos o mesmo som, e você vai ter erradicado qualquer aparência de arte de sua vida.

Não há nada na funcionalidade da arte popular que não pode ser quebrado para baixo a uma fórmula, independentemente de quão
artístico que você é, e independentemente de quão únicas sua abordagem é. Não importa se você está songwriting, pintura, escrever um
livro ou mesmo um artigo-existem certas-e tentaram verdadeiras regras estruturais, especialmente quando manter a atenção do seu
público está em causa. Sim você
pode quebrar as regras e fugir com ele, mas nas ocasiões em que você quebrou uma regra, sem efeitos nocivos, você provavelmente
seguido outros 10 regras gerais do processo. Deste ponto de vista, a mistura não é diferente de qualquer outro esforço criativo. Por
exemplo, eu poderia proclamar a seguinte regra:

Nunca deslocar o vocal principal.

Isso é uma boa regra onde a mistura está em causa, que você deve aderir a todos, mas o mais raro dos casos. Colocar o
vocal no centro de seu mix lhe confere grande importância, especialmente quando se somente ações nessa posição com o kik,
bombo e baixo (low-end de que não é direcional de qualquer maneira). Você não pode colocar diante de um argumento razoável
que colocar o vocal no meio não é uma abordagem sólida, uma vez que quase todas as músicas de sucesso desde a invenção do
campo estéreo coloca o vocal no meio (e por favor não traga os Beatles, porque eles realmente não sabem como lidar com estéreo
quando era novo). Indo contra todas as convenções aceites certamente não vai aumentar o nível de arte. Na verdade, se você não
trabalha em algum grau dentro dos limites da convenção aceita, você' re indo só para criar uma pilha excepcional de porcaria que
ninguém, mas a mãe do artista vai querer ouvir. Eu geralmente desaconselham esta.

Se o seu objetivo é nada mais do que para criar arte que é tão único que só pode ser descrito gentilmente como "à frente de seu

tempo", por todos os meios, sair do seu caminho para quebrar todas as regras tangível no livro. Em última análise, porém, a arte está em

criar algo vendável, que por sua própria natureza afeta tantas pessoas quanto possível. E não confunda salability com vender para fora.

Somente adolescentes visualizar sucesso wideranging como vender para fora. A menos que fazer música é nada mais do que um hobby, ea

menos que você não tem projetos em vez de fazer música profissionalmente, parte do trabalho de todos em um projeto é fazer um produto

que pode vender. Posso assegurar-vos, bateria e vocais substituiu-amostra que soam como um sintetizador não são forças motrizes nas

vendas.

Por um tempo, o uso de técnicas da moda pode ajudar a tornar o seu mix de som moderno, mas no final ele só data o trabalho. Eu
posso prometer-lhe, técnicas de como produção de moda do arrogante reverb fechado dos anos 80 ou a atual tendência de transformar
vocais em sintetizadores com passo agressivo ultra-correção-se raramente, ou nunca, resultam diretamente em vendas. Você tem toda
uma história de tratamentos sônicas à sua disposição; não se limite a utilização de técnicas que não têm nada a ver com a capacidade
de venda de uma canção.

Só porque uma canção não vende, não significa que foi um fracasso criativo. Como grande um mundo seria se a mera criação
de algo incrível garantido seu sucesso oportuna? Há também muitos outros fatores além da qualidade do trabalho que impedem
uma canção de fazer o seu caminho para a consciência mainstream. Por outro lado, só porque uma canção tem fortes vendas não
necessariamente torná-lo uma peça anunciada de mestria artística; ele só poderia caber o humor e os tempos ( "Do not Worry, Be
Happy" vem à mente). mérito artístico só pode ser julgado com base em como uma canção e sua tarifa de produção ao longo do
tempo. A mestria na arte projetado para o comércio está em criar algo aparentemente nova e atraente ao aderir às convenções que
tornam mais vendável, de preferência para o imprevisível
futuro.

Deixe-me colocar desta forma: Se o seu cliente está a investir seu dinheiro em uma gravação, na maioria dos casos (abreviação de projetos de

vaidade), você pode seguramente assumir que o objetivo é ganhar dinheiro-se por nenhuma outra razão do que para que o artista pode fazer mais

gravações no futuro. Você não está fazendo qualquer um nenhuns favores quando suas decisões não ajudar nesse objetivo.

O preço da Misturadores

Um misturador de que a qualidade é, aquele que é pago por seu trabalho em vez de seu nome, irá cobrar entre US $ 1.500 a US $ 3.000 por

mistura. Dependendo de quão rápido um misturas, que podem ser até cinco vezes o salário de um engenheiro de rastreamento.

No auge da loucura que chamamos o negócio da música, supermixers (que são pagos com base em seu nome e reputação, em
vez da qualidade real do seu trabalho) poderia ganhar até US $ 10.000 para uma
misturar. Os engenheiros de rastreamento mais bem pagos estavam recebendo US $ 1.200 por dia. Estes dias eles se provavelmente metade disso, e

em muitos casos, possivelmente, um trimestre. É difícil dizer, pois, como esta escrito que eu sou nem um super-misturador nem para aluguer como um

engenheiro de rastreamento. Os números concretos sobre isso são praticamente irrelevantes. Eles vão variar dependendo de quão bem o negócio da

música está fazendo em geral. O que não muda, e provavelmente não será no futuro previsível, é a relação entre a quantidade de recordists são pagos

em comparação com misturadores. Misturadores são pagos exponencialmente mais, especialmente se compararmos as tabelas salariais como eles se

relacionam com o tempo real investido.

Isso nos leva à próxima pergunta óbvia. Quanto você deve cobrar para misturar? Bem, isso depende tanto como bom um
misturador você é e quantas pessoas estão cientes de quão bom um misturador você é. Depende também de que as cargas de
competição.

Como um mixer eu nunca, nunca, nunca competir em preço. Eu estou operando a partir de uma posição de valor como um mixer. Para tentar

competir em preço só serviria para me desvalorizar, portanto, qualquer vez que alguém me diz sobre um misturador mais barato, eu prontamente

apontar isso. Quando alguém vem a mim para um trabalho de mistura, é porque eles gostam do meu trabalho. Por que eu iria discutir o que alguns

outros encargos misturador quando o que atraiu o potencial cliente foi a qualidade do meu trabalho?

Isso não quer dizer que o meu preço é gravado na pedra. Existem outros incentivos que podem fazer um projeto interessante para menos do que

a taxa usual. Se não há dinheiro suficiente para me pagar na frente, então há sempre a participação nos lucros. Infelizmente, os pontos estão se

tornando menos e menos propensos a pagar, uma vez que tão poucos registros vender substancialmente nos dias de hoje.

Basicamente, um ponto é um ponto percentual do Sugerido Lista Retail Price do fabricante (MSRLP). Se um CD está listado em US $ 15, em

seguida, um ponto significa que eu iria receber US $ 0,15 por CD. Claro, as grandes gravadoras têm todos os tipos de deduções astutos que entram

em jogo, então você tem sorte se você conseguir dois terços dos
aquele. E agora com o iTunes começando a dominar, o que tende a vender mais músicas do que álbuns, que muitas vezes torna-se 1 / 10th de dois

terços de $ .15, o que equivale a US $ .01 cada vez que a música de sucesso vende no iTunes. Não me interpretem mal; Se um álbum vende através

do telhado, acrescenta-se a um belo cheque, e eu não nunca zombam pontos, mas se uma canção vende um milhão de cópias, o pagamento em um

ponto é de R $ 10.000. A tarifa normal é um ponto para o misturador independentemente da taxa. Se mais pontos são concedidos para o misturador,

geralmente é porque não havia dinheiro adiantado insuficiente para o trabalho.

A qualidade global do projeto é uma outra consideração. Se eu acho que a música é grande, estou muito mais inclinado a reduzir
minha taxa de trabalhar dentro de um orçamento do que eu se eu acho que o projeto é medíocre. Outro grande álbum só vai reflectir
bem sobre a minha discografia. Ainda assim, tem de haver uma oferta razoável lá.

Uma das vantagens de mistura rápida é que você tende a nivelar o campo de jogo um pouco onde os preços dos seus concorrentes estão

em causa. Vou te dar alguns exemplos, e manter os números simples. Se o estúdio na rua cobra US $ 1.000 por dia, mas o engenheiro só pode

misturar uma canção por dia, um álbum de 10 canção vai custar o cliente $ 10.000, enquanto o misturador permanece na programação. Se você

cobrar US $ 1.000 por mistura e você pode misturar duas músicas por dia, você escolhe-se que US $ 10.000 para o trabalho apenas cinco dias.

Custa o cliente $ 10.000 de qualquer forma, mas eles ficam um misturador fora do negócio, e você fizer $ 2.000 por dia para o seu trabalho. Sim,

você cobrar pela mistura, mas você julgar o valor de um projeto a cada dia. Se a banda está indo para colocá-lo através do toque por dois

meses para misturar seu álbum, que US $ 10.000 não parece mais tão grande.

Você pode evitar esse cenário mix de dois meses apenas através de entrevistas com o cliente. Você quer ter uma idéia de quais são

suas expectativas. Se eles acham que vai demorar dois meses para misturar, eles provavelmente vão dizer-lhe que, e você pode

imediatamente passar. Se não tiver certeza de que é preciso, então você pode explicar o processo para eles, e trabalhar dentro desses

parâmetros. Isto tem o benefício adicional de protegê-lo. Se misturas que começar a tomar três dias por algum motivo, você pode consultar

a sua cotação e dois mixes-per-dia. É razoável para passar dois anos e meio dias em notas mix. Se a banda quer misturar seu álbum de si

mesmos, então eles devem fazê-lo. Eles não precisam de você lá equipar os controles por US $ 25 por hora.

Realmente, você só pode cobrar o que o mercado irá suportar a qualquer momento. A melhor coisa que você pode fazer para se tornar mais

valioso é para melhorar suas habilidades de mistura, e construir a sua discografia. Você não tem que estar em Los Angeles ou Nova York para fazer

isso. Você pode construir-se para ser o peixe grande em um pequeno lago. Concedido, você não vai necessariamente estar trabalhando em um monte

de grandes projetos de etiqueta, mas se você pode obter o seu nome lá fora, através da produção de misturas impressionantes, as pessoas vão

encontrá-lo, e eles vão pagar mais, também. Quanto mais, eu não posso te dizer.

Eu realmente não conheço ninguém que entrou em engenharia para o dinheiro. Sim, você pode fazer um bom dinheiro como um grande

misturador rótulo, e ainda melhor o dinheiro como um grande produtor rótulo, mas chegamos a este negócio principalmente porque nós amamos isso.

Nós permanecer nele, porque isso é o que fazemos melhor. Ainda assim, você é um
profissional, e você tem que ser pago por seu trabalho, e que o pagamento deve ser proporcional à demanda por seus serviços.

Criando um Reel

Até que você tenha acumulado algum trabalho, criando um carretel não é realmente um grande problema. Depois de ter vários álbuns sob seu

cinto, há uma certa psicologia para montar um carretel para um cliente potencial.

Você quase nunca deve colocar qualquer coisa nele que é musicalmente semelhante ao artista que está cortejando seus serviços. É

muito arriscado. A última coisa que você quer é para um artista pensa que está indo para torná-los soar como outra pessoa. Você é muito

melhor colocar juntos um disco diversificado de faixas. Isso permite que os clientes a avaliar a sua mistura em geral, sem relação direta com

a sua própria música. Só porque você misturou um projeto anterior que era de natureza semelhante não significa que você está indo para

misturar deles da mesma maneira, e você certamente quer evitar esse equívoco.

Às vezes eu só colocar as canções mais famosas no meu disco. As músicas mais famosas em qualquer carretel não são necessariamente as

melhores misturas, no grande esquema de uma discografia. Isso é irrelevante. Essas canções famosas são muitas vezes vai ser as melhores misturas

para um cliente potencial. Eles não estão indo para ouvir o mix. Eles vão ficar animado que você misturou uma música que eles amam, e pensar sobre

o tempo em que foi despedido enquanto que música estava tocando. Este é um bom presságio para começar o show.

Se você tem faixas no seu disco que as pessoas vão reconhecer facilmente, eles devem ir em seu carretel. Mesmo se as misturas

chupar, eles devem ir em seu carretel. Se é uma grande canção, e ganhou alguma notoriedade que seja, é uma grande mistura também.

Mistura pode levar tempo

Eu tenho canções mistas, nas quais foram literalmente três produções completamente originais disponíveis para mim como o
misturador, sem definição clara de quais partes foi para que a produção. Isso leva evitando compromisso com totalmente novas
alturas, e deixa cada decisão puramente até o mixer. Posso dizer-lhe, a triagem através de que muitas faixas é absolutamente
cansativo, e trabalhar fora o melhor arranjo de faixas pode facilmente levar metade de um dia, que muitas vezes é o tempo necessário
para todo um mix.

tempo de execução também afetará o quão rápido você pode misturar uma canção. Uma canção sete minutos leva o dobro do tempo para

misturar como um quatro minutos de um, e uma canção de 12 minutos leva um mínimo de dois dias. Eu misturado duas músicas 12minute na minha

carreira, e eu ficaria muito feliz se eu nunca tive que fazer isso de novo. O maior problema com a canção de 12 minutos é o estabelecimento de

continuidade. Uma vez que cada seção deve configurar a próxima seção, a continuidade de uma seção para a próxima só pode ser verificado em

sucessão. Claro, você começar a trabalhar em seções, mas se há um problema de continuidade na marca de oito minutos, cada vez que você ir para

verificar o impacto de transição, que leva oito minutos apenas para chegar lá. canções de doze minutos são também uma
pesadelo, porque não há realmente nenhuma maneira de misturar rápido.

Outsmarting the Band

É sempre aconselhável para assistir cujo carro a banda usa quando querem fazer referência a música. Há geralmente um veículo de
audição, ea banda quase sempre se senta nos mesmos assentos. Considere esta informação como você colocar as peças em seu
campo estéreo. Se é o carro do guitarrista (e você está na América), colocou a parte do lado esquerdo para que ele possa ouvir-se
agradável e alto, enquanto ele está dirigindo. Se o baterista fica no lado do passageiro, colocou as peças de percussão à direita. Isso
geralmente funciona muito brilhante, embora o plano tem suas falhas. Se você tem dois guitarristas na banda, e ambos se sentar à
esquerda, um atrás do outro, você está ferrado, e todas as apostas estão fora. Eu suponho que você pode tentar garimpar ambas
guitarras para a esquerda, mas eu estou pensando que conceito será recebido com resistência,

shootouts

Às vezes os clientes têm um tempo difícil escolher entre dois mixers que eles gostam, e solicitar um tiroteio. Em geral, eu não tenho um

problema fazendo um tiroteio, especialmente se é um projeto que eu realmente gostaria de misturar e, particularmente, se eu posso pegar

um novo cliente para fora do negócio. Você tem que escolher tiroteios com cuidado, porque há certas armadilhas. Shootouts para grandes

gravadoras raramente são problemáticos, porque o tiroteio está sendo usado para determinar quem é o melhor para o trabalho. Isso não é

necessariamente assim, no caso de um grupo independente, particularmente se eles estão olhando para negociar. Se você fizer um tiroteio

contra outro gravado que cobra menos do que você, mesmo que a banda gosta de seu mix melhor, eles vão tentar levá-lo a trazer o seu

preço para baixo para que do outro mixer. Quando o fazem, dizem que não.

Se eles gostaram seu mix melhor, então eles já o contratou. Quero dizer, ele é mais barato e melhor, certo? Se eles pensaram sua

mistura foi melhor, mas eles querem o prestígio de seu nome em seu registro, bem, adivinhem? Eles têm que pagar por isso. Se a etiqueta

está dizendo a eles para contratá-lo de qualquer maneira, porque eles são mais confortáveis ​com você, bem, que conforto extra custa

dinheiro. O cenário mais provável é que eles gostaram de seu mix melhor. Agora você está indo para negociar?

Não! Eles têm que pagar por melhores misturas.

Existem algumas estratégias para fazer tiroteios. Primeiro, nunca fazer o seu mix em primeiro lugar. Demasiadas vezes a razão que você

está fazendo um tiroteio é porque a banda tem um amigo que querem mixar o álbum, e eles precisam provar ao rótulo que seu amigo é

melhor para o projeto. A última coisa que quero fazer é ter seu mix dado a seu amigo, dando-lhe automaticamente a vantagem de comparar

seu trabalho seu para ter a certeza de vencê-lo. Isso também dá o outro cara a capacidade de se certificar de que ele oferece uma mistura

mais alto,
e eu posso prometer-lhe, o mix mais alto geralmente ganha (dentro da razão). Obviamente, isso significa que você quer quer colocar um limitador

brickwall em seu mix, ou contratar o seu engenheiro de masterização para fazer um trabalho rápido na pista para você.

Alguns misturadores única entregar MP3s, ou só fornecem uma parte da pista. Eu acho que isso é desnecessário, e é difícil
avaliar um MP3 ou um mix incompleta. Dê-lhes um arquivo WAV dominado de toda a pista. Você quer colocar o seu melhor pé em
frente e ganhar o show. A probabilidade de que alguém está tentando roubar uma mistura livre de você é baixo. Se eles adoram o seu
mix, eles vão contratá-lo para o resto deles. O protecionismo não atendê-lo bem aqui.

Quando envolvido em um tiroteio, certifique-se de ouvir o áspero. Isto lhe dará mais informações sobre como seus clientes potenciais

ouvir coisas. Sim, você quer bater o crap fora do áspero, mas pelo menos você sabe o que eles estavam pensando antes de misturar.

Apenas certifique-se que você sabe sua opinião sobre a áspera. Se eles odeiam, então é claro que isso não seria uma boa estratégia.

Por último, verifique se você está misturando a música que você gosta. Não há nenhum ponto em fazer um tiroteio em uma música que você acha

que é uma porcaria. Pedir algumas músicas para escolher, e em seguida, escolher a faixa que você acha que pode fazer o melhor trabalho por diante.

Tiroteios são uma ótima maneira de começar o negócio que você não poderiam obter, e deve ser considerada uma forma
razoável de construir seu negócio de mistura.

A mistura pode ser grande e não tem grande som.

Qualidade de som não existe sem contexto. grande som de um homem é outro é terrível um. Às vezes, a,
shittiestsounding, tarola trashiest mais detestável é o melhor laço, mais impressionante que você vai gravar, especialmente se
ele funciona muito bem para a produção. Por outro lado, o som best-, mais belo piano que você já ouviu em isolamento pode
ser o som pior, mais vil e mais ofensivo imaginável para uma faixa de rock agressivo. Então, realmente, quando falamos de
coisas com um ótimo som, nós estamos falando sobre eles com um ótimo som no contexto da pista.

Além disso, você não pode separar o som de desempenho. Som e desempenho são inexoravelmente ligados; um não existe sem o
outro. Grande leva naturalmente som melhor do que maus. Esta foi a revelação mais impressionante que eu já fiz como um produtor.
Quando a banda não está jogando um exame bem, eu me encontro lutando com a mistura de monitorização. Quando a banda atinge seu
groove em um take, o mix de monitor está no foco perfeito e exige qualquer tipo de atenção. Nem uma única vez em mais de 20 anos de
gravação já alguma vez encontrou uma tomada mestra que não parecia consideravelmente melhor do que os outtakes. Isto significa som é
o desempenho, eo desempenho é o som.

Não há nada na minha definição de uma grande mistura que tem a ver com o som. O som é um meio para um fim. É o que
nós processamos e equilíbrio, a fim de manipular o ouvinte. Enquanto a mistura é
fornecendo a reação física desejada e fazendo com que o ouvinte a cantar, ele está fazendo o seu trabalho. Portanto, a mistura vai

parecer grande para alguém que aprecia a música e o desempenho dessa canção.

Enquanto um certo equilíbrio na frequência é necessário para fazer um mix bom som, às vezes isso é contra a meta. Às vezes, o
objetivo é para agitar o ouvinte. Às vezes, o objetivo é criar um trabalho excepcionalmente cru e dinâmica que leva o ouvinte para um
passeio. Por mais que eu falar sobre o uso de compressores estéreo para manter seu mix dentro de uma determinada faixa dinâmica,
há momentos para abandonar esse curso. Uma grande mistura serve os propósitos da produção e da música, e é isso. Se grande som
é contador para esses fins, então a busca de um som excelente deve ser abandonada.

Eu dar-lhe exemplos específicos, mas eu prefiro não dis inadvertidamente alguém proclamando seu mix de ter som ruim, mesmo que

ao fazê-lo, eu estou dizendo que a mistura tem um grande som. Ele fica um pouco complicado, eu percebo, mas se você apenas ouvir sua

coleção de discos, eu garanto que você vai encontrar canções que soam como merda, mas que você acha som perfeito da mesma forma.

Intervalo

Mistura, por sua própria natureza, é uma atividade obsessiva. Longe de me aconselhar alguém que possui a compulsão
requisito para misturar quantas vezes eles devem quebrar e eu não vou. Se você quebrar muitas vezes, você nunca entrar
em um bom fluxo com o seu mix. Se você quebrar muito raramente, você vai gastar mais tempo fodendo seu mix de
melhorá-lo, e você vai esgotar-se completamente. É bom para redefinir seu cérebro a cada duas horas, e duas horas em
uma mistura é o equivalente a cinco minutos em seu trabalho mundano básica que se refere à percepção do tempo. Se
você não quebrar, é apenas uma questão de tempo antes que você está aflito com dois particularmente debilitante
oversaturation condições- e hipersensibilidade. Eu discuti isso em meu livro The Daily Aventuras de Mixerman, e estou
bastante certo de que eu'

Oversaturation e hipersensibilidade

Oversaturation faz com que um cérebro de ser incapaz de discernir e avaliar diferenças sutis e até mesmo não
tão sutis entre coisas como tempo, tuning, expressão, musicalidade e saldos. É bem como um agente
entorpecimento do cérebro. Se você pode injetar a parte do cérebro que processa ouvir com Novocain, isso
seria semelhante ao efeito de supersaturação. Imagino que pessoas de todas as esferas da vida têm
experimentado isso em algum grau. Eu às vezes se referem a ele como "o muro", e quando você bater na
parede, há apenas duas curas. Tempo e gordinhos.

Hipersensibilidade é a função de um cérebro ser tão atentos e sensíveis às pequenas mudanças que estão
além de qualquer tipo de normas do "mundo real" de escuta. É exatamente o oposto do oversaturation. Esta
condição temporária pode fazer diferenças que são normalmente quase impossível para o ouvido humano para
detectar parecer extremamente drástica
 alterar. Embora esta condição é geralmente menos debilitantes do que oversaturation, pode causar o desperdício de
enormes quantidades de tempo, como o fenômeno irá causar um a interminavelmente fazer ajustes que parecem fazer
uma grande diferença, mas, na realidade, não fazem diferença alguma. Mais uma vez, há apenas duas curas. Tempo
e gordinhos.

Depois de horas de ouvir atentamente, qualquer um desses fenômenos podem ocorrer. O melhor método de prevenir
estas duas condições temporárias é de fazer pausas. Mas breaks tornar-se menos eficaz e são necessárias mais
freqüentemente como um desses distúrbios em conjuntos, e em algum momento, o descanso apenas uma boa noite de
rejuvenescer um para o ponto de funcionalidade. Infelizmente, descansar e quebras não aparecem tempo-eficiente, e
muitas vezes são abandonados para o muito pior opção de alimentar completamente.

Às vezes resto até mesmo uma boa noite de não pode impedir alguém de começar o dia com qualquer uma
destas doenças, como os efeitos cumulativos de trabalhar longos dias a fio tomar posse. E, por vezes, ambas as
condições de hipersensibilidade e sobressaturação pode estar presente e que ocorrem simultaneamente. Quando este
cérebro-foda especial acontece, cuidado, porque a frase "cão perseguindo o próprio rabo" é dado um novo nível de
significado.

Misture os arquivos da sessão

Ocasionalmente um cliente irá solicitar os arquivos de sessão mix reais. Na verdade, estes dias esse pedido parece vir um pouco mais do que

ocasionalmente, e você precisa estar preparado para lidar com isso.

Se você estiver usando somando caixas e compressores externos, os arquivos de sessão são relativamente inúteis para o seu cliente.

Independentemente disso, você deve negar este pedido sob quase todas as circunstâncias. Como você chegar ao seu mix é informações

proprietárias. É o que faz você valioso como um misturador, e seus clientes não têm direito a essa informação. Eles estão pagando por suas

mixagens e nada mais.

Eu nem sequer fornecer gravadoras com as informações recall. Isso não é a sua informação para ter, e eu quero ter a certeza de
evitar um recall de um dos meus mixes se eu não estou envolvido nele. A única maneira de garantir que é para manter o controle de todas
as informações proprietárias.

Se você dá o seu cliente os arquivos de sessão, você só arriscar-los fazendo ajustes não autorizadas de suas mixagens, e eu estou lhe

dizendo que absolutamente vai. Se os termos para misturar um projeto incluem a apresentação de arquivos de sessão, transformar o projeto

para baixo completamente. Sério, você só vai ficar queimado sobre isso, e não vale a pena.

Drogas

Além de cafeína, nicotina, loratadina (Claritin, para alergias), Nasonex (também para as alergias), insulina, e talvez o
THC ocasional, não há realmente algum tipo de droga que vão ser útil para
você como um mixer. Alcohol fode completamente a sua audição, por isso, nada mais do que uma bebida é desaconselhável. Sei que pode ser

difícil de ir dormir depois de misturar durante todo o dia, uma vez que seu cérebro está funcionando em um notavelmente elevada frequência

tal, mas não há nada pior do que tentar misturar com uma ressaca, por isso tome cuidado para não ir muito nozes tentando relaxar-se com

álcool.

Vai ser absolutamente impossível misturar as drogas duras, então não vamos ir até lá. Realmente, a única droga que pode realmente ser

benéfico para a mistura é a maconha, e isso depende de como você reage à droga. Ele pode ser extremamente útil para aqueles momentos em

que você bateu "o muro" e seu cérebro está tendo problemas para decifrar sons, mas, em seguida, descansar é bom para isso também. Se você

fuma maconha o tempo todo quando você mistura, você não será capaz de misturar a menos que você está chapado. Este seria altamente

desaconselhável, porque você nunca quer ser dependente sendo fodido para fazer o seu melhor trabalho.

Sei que as pessoas pensam que sou uma grande fumante de plantas daninhas por causa do meu primeiro livro, mas eu não sou. Marijuana é útil

para dormir, e às vezes é uma ótima maneira de melhorar a sua criatividade e até mesmo foco, dependendo de como isso afeta você. Mas você

também tendem a misturar com muito baixo e extremidade superior não é suficiente, de modo a manter isso em mente; e faça o que fizer, não imprimir

as suas misturas, enquanto você está chapado. Não que eu sei nada sobre isso-Eu apenas ouvi-lo dos outros. Ahem.

Alimentos também vai afetar a forma como você ouve. Mixes soar totalmente diferente para mim quando minha barriga está cheia, embora eu

também tenho tido uma pausa, por isso não é algo que eu posso provar. Dito isto, eu realmente não acho que é controversa para sugerir que o

aumento de açúcar no sangue vai mudar a forma como o cérebro processa o som.

Mistura fora da caixa

Antes da existência de automação, todos que foi envolvido em um projeto foi uma parte de fazer o
misturar. Havia potencialmente 24 faixas para lidar com, e do misturador precisava de cada lado no convés. Comecei a mistura em uma mesa de

unautomated, e posso dizer-lhe, misturando dessa maneira pode ser uma explosão. Quero dizer, é muito mais social do que como nós misturamos

agora.

Ao misturar sem automação era predominante, o misturador, basicamente, assumiu o papel de diretor. Primeiro, ele planejou o que
faders pertencia a que nível e onde na música. Uma vez que ele teve seu plano, ele então dividiram atribuições mistura para a banda e
produtor. Havia mascaramento tiras de fita ao lado de cada fader. Havia marcas de caneta de muitas cores diferentes para indicar o nível
fader. Ao lado de cada marca se poderia encontrar muitas vezes indicadores de seção, como "C" para coro, `B" para a ponte, 'V 1', 'V3',
principalmente porque a tripulação poderia raramente se lembram qual cor marcação foi com qual seção da canção .

Antes do advento da automação, o truque para misturar foi para o engenheiro para permitir sua natureza compulsiva através de
brilhar durante a gravação processo de não esperar até que a mistura. A gravação foi o
misturar. Desde o engenheiro era tipicamente tanto a gravação de eo mixer, ela só foi enroscando-se
se ela não manter as faixas em boa ordem. As limitações de pista inerentes de toca-fitas analógicas forçado decisões arranjo (embora não

foi muito antes de os produtores foram capazes de dobrar sua contagem de faixas sincronizando múltiplas plataformas).

No momento em que o misturador foi concluída enquadrar a mistura, que era hora de começar realmente a impressão! Cada pessoa

disponíveis foi trazido para a sala de controle, eo misturador deu cada deputado misturador várias responsabilidades a cumprir. Estes incluíram

andar faders, transformando mudos e fora, pan, e até mesmo movimentos EQ quando necessário. Com apenas duas mãos por pessoa, e mais

movimentos mix do que as mãos, não era incomum para um desempenho mix de olhar semelhante a um jogo gigante multi-pessoa de Twister.

Dada a falta de espaço no console, havia geralmente um misturador itinerante, e seu trabalho era para espremer dentro e fora de todos os outros

para pegar seus movimentos. Ocasionalmente, foram mesmo acrobacias envolvidos, particularmente quando o misturador roving teve de passar

para o outro lado de cinco outros, a fim de escolher-se um movimento mistura de outra forma de cadeia simples.

Embora o objetivo sempre foi a de torná-lo através de toda a música como se fosse uma única apresentação, foi excepcionalmente
raro para passar mais de uma seção por vez, e mesmo assim ele geralmente levava muitas tentativas para obter uma faixa razoável de
mix certo. Claro, é por isso que lâminas de barbear foram inventados (e você pensou que era para a cocaína). Uma vez que o misturador
e a banda fez isso através de toda a canção, o engenheiro iria cortar e emendar as seções juntos, e que foi a mistura.

Para aquelas ocasiões quando simplesmente não havia número suficiente de pessoas para ajudar, o misturador tinha a opção de

mixagem de duas faixas da máquina de fita de 2 polegadas. Desde as faixas mestre e as faixas mix existiria na mesma fita, o misturador

poderia facilmente perfurar dentro e fora de seu mix e ajustar seus faders entre socos. Eu misturado como esta usando um console e Radar, e

é realmente uma ótima maneira de trabalhar. A melhor parte é que pelo tempo que você chegar ao final da música, a mistura é feito. Você

tem que amar isso!

Nos anos 80, os novos consoles analógicos começou a enviar com sistemas de automação e recall de embutidos. A
consola série SSL E tinha um compressor, gate, filtro, EQ. FX envio, inserção, e matriz bussing em cada canal. O console
grande quadro automatizado tornou tão uma pessoa poderia, sozinho programar uma mistura e, em seguida, reproduzir a
mistura acabada para os clientes antes mesmo de imprimir o mix. Uma vez que a mistura foi aprovado e impresso, o
engenheiro poderia tomar um retrato eletrônico interno, que registrou a posição de cada botão na placa. Enquanto o
equipamento externo foi documentado pela mão, uma mistura pode ser recuperado mais tarde para correções. Apesar de
não ser perfeito, recalls eram geralmente perto o suficiente para fazer alterações mix, particularmente se o estúdio contratou
engenheiros assistente diligentes.

Como a tecnologia mudou, a arte da gravação também mudou. Quanto mais a tecnologia de controle nos ofereceu, o mais preguiçoso

recordists e produtores poderia ser durante o processo de gravação. Misturar em um console sem automação e todo um grupo de

engenheiros assistentes substitutos, funciona bem com um altamente focada e wellrecorded conjunto de 24 faixas. Mas em grande quadro

consoles com mudos e faders automatizados

significava o engenheiro não tem que ser quase tão anal retentiva sobre a gravação, e o produtor não tem que ser tão
decisivo em seu arranjo. DAWs única fizeram este problema pior. A sabedoria convencional é que os avanços
tecnológicos como o DAW aumentaram a produtividade. Na realidade, a tecnologia tem só conseguiu retardar as coisas,
especialmente onde a mistura está em causa.

A reprodução de uma máquina analógica multitrack de alta qualidade em uma mesa Neve 8068 é muito superior ao de uma gravação digital em

um DAW. No agregado, isto é, na verdade, quase duas vezes mais rápido para misturar uma produção totalmente analógica, uma vez que é a mistura

de uma uma totalmente digital. Eu não digo isso como algum velhote que não pode deixar de ir a velha tecnologia. Eu não sou realmente tudo o que

idade, e eu não tenho uma aversão a technologyquite o oposto, na verdade. Digo isso como alguém que tenha usado extensivamente apenas sobre

cada combinação de mistura de tecnologias disponíveis em toda a história da música gravada.

Invenção é a mãe de Necessidade

Para não insistir no ponto (ok, talvez para insistir um pouco), mas é mais rápido para misturar uma gravação analógica através de um
bom consola do que está a misturar uma DAW gravação através do mesmo console, que é mais rápido ainda do que misturar
inteiramente no caixa. A ironia, claro, é que o DAW foi anunciada como uma economia de tempo quando na realidade ele é realmente
aumentou o tempo que leva para gravar e misturar. Como se isso não bastasse, a carga tempo geral deslocou-se do músico para o
técnico. Não tem mais um músico tem que ter o direito parte sozinha. "Perto o suficiente" é bom o suficiente, e o técnico pode usar o
poder de manipulação do computador para corrigir qualquer desempenho falho.

Isto não é como algum tipo de queixa, mas eu acho que você deveria reconhecer que a tecnologia em si é a principal responsável
para a necessidade da tecnologia, e não o contrário. Há todos os tipos de arquivos multitrack digitais dos anos 60 flutuando em torno da
Internet nos dias de hoje. Estes consistem geralmente em quatro a oito faixas de algumas músicas clássicas e populares, e tudo que
você precisa fazer é trazer os faders, equilibrar as faixas, e você tem uma grande mistura. A arte foi na gravação, não mistura. Se você
fazer uma grande gravação de grandes músicos tocando um grande arranjo de uma grande canção, você não precisa de um DAW.

Enquanto toda a tecnologia nasce da necessidade, nossos hábitos de trabalho também mudar para se ajustar à tecnologia. O maior

controlo dado ao misturador, o mais importante o misturador torna-se. Considerando que a gravação teve que ser a mistura antes da existência

de automação, agora o mix não é mesmo parte da contrapartida.

A primeira vez que eu misturado em um 8078 mesa de Neve, eu estava certo de que era melhor que seu antecessor Neve 8068. A
78 tinha uma banda extra de EQ, o que me deu mais controle! Por que não seria melhor? Não foi até que eu comecei a minha jornada de
trabalho em um 68, e mudou-se mais tarde no mesmo dia para um 78 que eu percebi que o 68 era um console superiorsounding. Eu
finalmente tive uma base de comparação, e ele quebrou minha percepção destes dois consoles. Desde o 8068 soou melhor, eu
realmente não precisa dessa banda extra de EQ. Este é um exemplo claro da necessidade após uma aparente tecnológico
melhoria.

Todos os sistemas têm vantagens e desvantagens inerentes. A natureza global do nosso negócio é argumento suficiente para misturar
em uma DAW, desde memória perfeita é uma quase necessidade para sessões mix autônoma. Mas lembre-se perfeito, uma pegada global
menor, e processamento aparentemente ilimitada não muda o fato de que nossos avanços tecnológicos neste negócio têm favorecido
conveniência e acessibilidade em detrimento da qualidade.

Desenvolver habilidade, Não Adiar

Havia um ponto e momento em que o misturador foi o rei da montanha neste negócio. Para alguns anos era quase como se os
rótulos considerados os misturadores a ser mais importante do que até mesmo os produtores. Para alguns misturadores (que
permanecerá sem nome), que era absolutamente o caso. Agora é o engenheiro de masterização cuja importância tem sido
elevada além de toda razão. Nós diferido os conjuntos de habilidades que antes eram reservados para a parte inicial do
processo de todo o caminho até o último estágio possível. Mas quanto mais nos adiar, menos controlar cada profissional de
áudio posterior tem. Como gravado, posso absolutamente amarrar as mãos do misturador de tal forma que ele não tem escolha
a não ser usar a minha visão do que a mistura deve ser. Em vez disso, a importância de recordists foi reduzido a nada mais do
que DAW jockeys e editores,

Certamente o adiamento da habilidade tem sido benéfica para o misturador. Isso significa que pode comandar mais dinheiro, uma vez que

temos o conjunto de habilidades para compensar aqueles que faltam antes de nós. Mas não é benéfica para a indústria como um todo, porque

mesmo com a tecnologia de hoje, as melhores misturas acontecer das melhores gravações das melhores performances dos melhores arranjos.

Também problemática é a musicalidade preguiçoso que DAWs ter inspirado. Por que um músico preocupar-se com o jogo no tempo,
se seu tempo pode ser corrigido? Por que ela deveria se preocupar com a cantar em sintonia quando há Melodyne? A qualidade global
de toda a nossa piscina de músicos diminuiu porque a tecnologia tornou possível para ter uma bem sucedida carreira musical,
independentemente da capacidade total. músicos medíocres significa uma gravação medíocre o tempo todo. Eu não me importo o quão
grande uma gravação de você.

Adicionar no uso de mão pesada do brickwall limitador por engenheiros de masterização, e nós reduzimos a qualidade do nosso produto global

para o que qualquer criança com uma Mbox pode produzir a partir de seu quarto.

A maioria dos que estão lendo este livro, provavelmente, ainda não exclusivamente misturar, e você não deve, tampouco. Se você trabalha

principalmente com bandas locais, é provável que você costumava agir como o produtor, por padrão, e sem qualquer do crédito. Diante disso, você

deve considerar seriamente o desenvolvimento de todos os seus conjuntos de habilidades, como a produção, arranjo e gravação, mesmo tocar um

instrumento. Você está trabalhando com música, e quanto mais você conhecer e entender sobre música, melhor você estará na gravação e mixagem

de música. Se vocês
pode mudar a importância do impacto musical para mais cedo no jogo-tão cedo quanto a pré-produção e, em seguida, seguir com que
durante a gravação, você vai ser muito mais bem sucedido neste negócio do que a maioria de seus pares.

Se você acha que os nossos avanços tecnológicos na gravação só conseguiu melhorar ao longo do tempo, então você teria que também acho

que os registros ter começado melhor e melhor sonoridade ao longo do tempo. Se você acha isso, então não há nenhuma razão para explorar

usando tecnologia mais antiga. Se, por outro lado, você reconhecer a validade dos registros que antecedem a sua existência, então você

provavelmente deve considerar a adição de tecnologia mais antiga para o seu arsenal. A maioria de nós que têm vindo a fazer isso por um tempo

que a tecnologia mais antiga é muito superior para fazer os registros, e até que você realmente misturar em um ambiente analógico e experimentá-lo,

você não pode realmente fazer um julgamento.

Não é aconselhável a rejeitar qualquer tecnologia que poderia ser útil para seus empreendimentos profissionais e criativas. Mesmo o

shoddiest peça, mais negligenciada de engrenagem pode provar brilhantemente útil pelo menos uma vez em sua carreira de tomada de registro.

Fazendo e mistura de registros é uma profissão criativa e, como tal, você deve deixar-se abertos a usar tudo e qualquer coisa que puder para

melhorar o seu trabalho. Caso contrário, você não pode realmente pretender ser tudo o que criativo.

Eduque-se sobre o que é como misturar em um console analógico com processamento analógico. Tente gravar o seu mix para a fita.

Tente fita de corte, para essa matéria. Grave uma faixa diretamente ao 2-track, um exercício que obriga a gravar e misturar simultaneamente.

Pegar atrasos fita analógica para que você possa ouvir por si mesmo o que soam como. Empregar um quarto analógico durante uma hora e

gravar o retorno de um EMT 140 sobre um vocal em necessidade de reverberação. Alugar a igreja local e usá-lo como uma câmara

improvisado. Alugar compressores analógicos e tente usá-los em vez de plug-ins. Dê-se algum base de comparação para que você não está

operando a partir de uma posição de completa ignorância, como 90 por cento das pessoas discutindo em placas de áudio.

Se você quiser misturar e registro, em seguida, fazê-lo direito. Não assuma que o que você tem é bom o suficiente. É apenas bom o suficiente

para agora. Você pode tratar o que você faz como um trabalho, ou você pode tratá-lo como uma arte. A diferença está em como você se aproxima

dele, e eu posso prometer-lhe, quanto mais cedo você tratar o seu trabalho como arte, quanto mais cedo você vai ser um artista em tudo o que fazem.

Conclusão

Você deve ter notado por agora que eu tenho dado exemplos concretos alguns escassos de grandes misturas neste livro. Vendo como

estamos no final do nosso tempo juntos (por agora), isso não vai mudar nestas considerações finais. Há uma série de razões pelas quais

eu absteve-se de dar questões específicas exemplos por direitos autorais sendo apenas um deles. Há certamente há falta de grandes

misturas lá fora, e você deve ouvir grandes misturas tão frequentemente como você pode. Infelizmente, avaliando grandes misturas não

tende a acelerar suas habilidades como um misturador, embora possa ajudar com as suas costeletas de produção. Que faz
você quer saber por que é que podemos facilmente reconhecer uma grande mistura feito por outra pessoa, mas quando chega a hora para nós para

criar uma grande mistura nos estágios iniciais do processo de aprendizagem, que de alguma forma estão muito aquém. A resposta é simples: mistura

não é uma atividade de pintura-bynumbers.

Cada canção e produção é totalmente único, e embora existam semelhanças óbvias em produção musical, particularmente
dada a natureza de como ouvimos música-Há também possibilidades infinitas ocidentais e um número aparentemente infinito de
considerações a ter em conta. Isto significa que você pode muitas vezes encontrar-se escolher a excepção e não a regra, que é por
isso que eu introduziu regras como ferramentas desde o início.

Dado que as exceções não são de todo incomum na mistura, seria quase impossível para qualquer leitor, independentemente da
perícia, a concordar com todas as declarações feitas neste livro. Isso é bom. Se preferir uma técnica que eu aconselho contra, então
você não deve necessariamente parar por causa da minha opinião. Alguns de nossos desacordos irá resolver ao longo do tempo, como o
sucesso na gravação e música misturando em geral é um processo evolutivo. Você nunca sabe-I pode até mesmo mudar minha mente,
em alguns casos, e não seria a primeira vez que aconteceu. Mas no geral, você deve encontrar os princípios básicos fornecidos aqui
para ser boa e útil na aceleração do seu sucesso como um mixer. Se você tratar este livro puramente como um "como" livro no qual é
permitido nenhum desvio, você só conseguem retardar o seu próprio processo de aprendizagem. Don'

A melhor maneira de melhorar a sua mistura é realmente misturar. A maneira mais eficaz para avaliar os princípios contidos
nestas páginas é implementá-los em suas próprias misturas. Isto oferece-lhe uma oportunidade de fazer comparações diretas e
avaliar a eficácia global das estratégias apresentadas aqui. Francamente, eu ofereci-lhe tantas boatos sobre a forma de pensar
sobre a mistura que seria impossível para você absorver tudo em quatro leituras, e muito menos um. Algumas das informações
realmente não vai fazer sentido até que você tenha mais mixagens com o seu cinto, e assim seria aconselhável para revisitar
este livro de vez em quando. Levei muitos anos para aprender tudo o que eu oferecidos aqui, e eu aprendi puramente através
da experiência. Se você pegar a minha experiência e descobrir como ele se aplica a você e a música que você está misturando,

A segunda melhor maneira de melhorar sua mistura é escrever sobre ele. Há uma abundância de lugares na Internet onde você pode

debater ativamente princípios de mistura. Quando você tem esse momento "a-ha", compartilhá-lo. Simplesmente colocar seus pensamentos

em palavras vai dar o seu aprendizado experiência longevidade. Além disso, alguém pode apontar uma solução que você (e eu) não tinha

considerado. Isso fará com que você experimentar mais, aprender mais, e melhorar o seu jogo global habilidade. Você pode até mesmo

debater comigo diretamente se quiser, mas ser avisado: eu posso facilmente defender cada posição eu tenho tido aqui, e irá fazê-lo em toda

a extensão das minhas habilidades. Eu não estou tentando assustá-lo fora com essa afirmação; é uma coisa boa. Quantas vezes você

começa a desafiar diretamente o autor de seu novo livro favorito? Se vocês' re confuso ou discordar veementemente comigo, então eu quero

que você me desafiar. Mesmo com todo o barulho absurdo e bravatas na Internet, multi-modo de comunicação pode esclarecer

mal-entendidos e aperfeiçoar o processo de aprendizagem para todos. Eu incluído.

 Eu dei-lhe todas as regras que eu posso pensar e eu lhes ofereceu a você como ferramentas, não regras. Na música, é muitas vezes aqueles

que são inovadores e corajosos que têm a melhor chance de alcançar o mega-sucesso. Sem pioneiros dispostos a avançar e progredir, sem a

erosão das fronteiras endurecidos, corremos o risco de estagnação. Felizmente, isso não é apenas uma possibilidade, dada a forma como os seres

humanos estão ligados.

Depois de escrever cerca de 90.000 palavras sobre o assunto de mistura, eu vou te dizer agora que não há realmente apenas uma regra

dura e rápida: Para efetuar uma reação positiva de tantos ouvintes quanto possível. Claro, isso é mais uma meta do que uma regra, e você é

apenas uma parte da equação. Ainda assim, é uma boa maneira de pensar, e quando todas as estrelas se alinham, você estará pronto para

entregar o mix final de uma grande canção. Enquanto as suas decisões trabalhar para angariar uma reação do ouvinte, e contanto que você

pode aprender a avaliar objetivamente o que está acontecendo em sua mistura do ponto de vista do ouvinte, você vai ter algum sucesso no

que se refere a arte da mistura.

Vamos enfrentá-lo: você não pode ser agressivo e tímido, ao mesmo tempo, e se você fosse para aceitar passivamente qualquer e todas

as regras sem exceção, você não poderia reivindicar ser agressivo. Assim, se uma ferramenta que eu forneci para você aqui não combina

com uma música ou produção particular, e se você pode facilmente defender sua posição de uma forma demonstrável para si mesmo (e seu

cliente), então foda ityou're tornando o decisões corretas. Você nunca vai ter problemas se você permitir que a música, a produção, eo

desempenho de ditar suas decisões mix. Meu principal objetivo aqui é conseguir o maior número de jovens misturadores como possível

pensar dessa maneira.

Toda grande misturador e produtor que eu sei que entende os princípios deste livro. Meu melhor amigo realmente tem irritado quando
ele lê-lo, não porque ele pensou que eu tinha levado ao erro, mas porque ele sentia que tinha "dado afastado a fazenda." Talvez por isso.
Mas há tanta abundância de desinformação escritos por pessoas que não têm nenhum negócio oferecendo uma opinião (e muito menos
misturar um recorde), que sinto uma certa responsabilidade para corrigir o registro plenamente e sem interrupção. Essa é a beleza de
escrever um livro. Claro, agora a diversão começa como eu discutir e defender minhas posições na Internet. Não se engane: I serão
desafiados, às vezes por pessoas com autoridade; às vezes por pessoas que fingem ter autoridade (quando na realidade eles não têm
qualquer base de comparação que seja); às vezes por pessoas com uma agenda para vender alguma coisa.

Assim como você dizer a diferença entre profissional experiente, presunçoso, e figurante? Como você discernir entre o
acoustician dizendo que os conversores não importa, e eu, que está dizendo a você que eles fazem? Como você discernir entre
aqueles que pensam que uma maneira interessante de gravar guitarras acústicas é em estéreo, e eu, que está lhe dizendo que
você quer evitar qualquer coisa que potencialmente distrai o ouvinte? Como você discernir entre as grandes corporações que
colocar para fora os papéis brancos que 99,9 por cento de nós não têm o conhecimento necessário para entender o passado a
primeira página, e eu, que realmente implementa essas ferramentas em uma base diária, e posso dizer inequivocamente que
resumo digital é quebrado? Pode ser difícil na melhor das hipóteses. Compreendo. E tanto quanto eu amo a Internet (e eu! Eu!),
Tem de visualizar todos os argumentos com uma certa desconfiança,
 Então, por que você deve me ouvir, em meio a um vasto mar de opiniões divergentes? Você não deveria. Você deve avaliar qualquer
coisa e tudo em seu próprio país. Você deve ouvir, e testar, e re-ouvir, e descobrir o que você achar importante para a sua metodologia.
Se você não ouvir a diferença entre uma mistura resumiu analógico e um resumiu internamente, então isso não é uma diferença
importante, para você. Ainda não de qualquer maneira. Isso pode mudar três anos para baixo da linha como você melhorar ambos os
seus ouvidos e seu monitoramento. Ou talvez resumo digital irá magicamente melhorar, e você nunca terá que atualizar a parte da sua
cadeia de mistura. Isso é bom. As tecnologias mudam. Formatos de mudar. Você vai mudar com eles, e seu fluxo de trabalho demasiado.
O que não vai mudar são os princípios básicos de arranjo, a física do som, ea maneira em que a música toca as pessoas. Se você pode
tocar em que, o seu sucesso na mistura não será negado.

Contanto que você pode defender suas posições com argumentos lógicos, identificáveis ​e demonstráveis, contanto que você
pensar sobre suas posições e pode justificar para seus clientes como suas decisões servir melhor a música, então você está na direita.
Seja confiante no aqui e agora, e se você, finalmente, determinar que sua confiança era infundada, aprender com seus erros e fazer
melhor da próxima vez com ainda mais confiança.

Agora vá adiante e misture.

Finding M.ixerman

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