Apostila de Arte para auxiliar nas aulas de

Arte

O QUE É ARTE?

A arte é uma criação humana com valores estéticos (beleza, equilíbrio, harmonia,
revolta) que sintetizam as suas emoções, sua história, seus sentimentos e a sua cultura. É um
conjunto de procedimentos utilizados para realizar obras, e no qual aplicamos nossos
conhecimentos. Apresenta-se sob variadas formas como: a plástica, a música, a escultura, o
cinema, o teatro, a dança, a arquitetura etc. Pode ser vista ou percebida pelo homem de três
maneiras: visualizadas, ouvidas ou mistas (audiovisuais). Atualmente alguns tipos de arte
permitem que o apreciador participe da obra. O artista precisa da arte e da técnica para se
comunicar.

Quem faz arte?

O homem criou objetos para satisfazer as suas necessidades práticas, como as ferramentas
para cavar a terra e os utensílios de cozinha. Outros objetos são criados por serem
interessantes ou possuírem um caráter instrutivo. O homem cria a arte como meio de vida,
para que o mundo saiba o que pensa, para divulgar as suas crenças (ou as de outros) para
estimular e distrair a si mesmo e aos outros, para explorar novas formas de olhar e interpretar
objetos e cenas.
Copie no caderno e responda:

1) A arte é uma criação humana com valores estéticos (beleza,

equilíbrio, harmonia, revolta) que sintetizam as suas emoções, sua
história, seus sentimentos e a sua cultura. É um conjunto de
procedimentos utilizados para realizar obras, e no qual aplicamos
nossos conhecimentos. Apresenta-se sob variadas formas como:
R: Na plástica, na música, na escultura, o cinema, o teatro, a dança,
a arquitetura.
2) Pode ser vista ou percebida pelo homem de três maneiras: Cite
Quais são elas?
R: Visualizadas, ouvidas ou mistas (audiovisuais).

3) Atualmente alguns tipos de arte permitem que o apreciador participe da

obra. Explique.

4) Cite quais os tipos de Artes que você aprecia.

R: Resposta individual.

5) Faça no seu caderno um desenho que represente a Arte.

Vamos estudar um pouquinho sobre cores?

Atividade. Pinte uma Monocromia, Policromia,
Tonalidade e uma Matiz.

Reproduza o desenho abaixo no seu caderno de Artes,

e pinte cada um de acordo com o estudo das cores
acima.
Faixas decorativas
 Com o auxílio da régua , pode-se conseguir composições interessantes a partir de
figuras geométricas e jogos de cores.
As faixas decorativas produzem efeitos bonitos e são utilizados nas artes visuais, na
ornamentação de ambientes , nas indústrias.

Veja alguns exemplos de faixas decorativas.

Acervo
 Quer aprender a fazer uma
reprodução? Vamos lá..

Coloque seu desenho embaixo da

folha do seu caderno e copie-o.
Depois é só colorir!!

Faça uma reprodução do desenho abaixo das faixas decorativas no caderno e pinte:
Exemplo:
2) Agora crie no seu caderno suas próprias faixas decorativas. E pinte-a. Exemplo:
História em quadrinhos
Na história em quadrinhos utiliza-se duas formas de comunicação: o desenho e
a escrita.
Geralmente, nesse tipo de história aparecem os quadrinhos, os personagens, os
balões e as onomatopeias.
Algumas histórias em quadrinhos aparecem sem esses recursos e somente por
meio dos desenhos transmitem a mensagem.
A história em quadrinhos não só diverte crianças, jovens e adultos, mas
também é estudada em vários cursos, pois tornou-se um poderoso meio de
comunicação pela imagem-texto.
Hoje conhecemos grandes personagens de histórias em quadrinhos, como:
Mônica, de Maurício de Souza; Fradim, Henrique de Souza Filho ( Henfil); Garfield, de
Jim Davis, Mickey Minie, Donald e outros, de Walt Disney.
Tipos Balões
http://blog.comunidades.net/garfield/

Palavras ilustrativas
Onomatopeias:
Tipos de Balões:

Como desenhar os personagens:

Vamos aprender
desenhar? Veja
os passo à passo!
Pesquise em Gibis ou na internet e escreva o significado das
Onomatopéias abaixo:
Vamos fazer plaquinhas?
Romero Britto

http://www.infoescola.com/biografias/romero-britto/

Romero Britto
Romero Britto é um artista plástico brasileiro, consagrado no mundo inteiro pela sua
arte pop, nasceu em 6 de outubro de 1963. Na infância começou a demonstrar grande
interesse e talento pelas artes, gostava de pintar em jornal e papelão.
Aos 14 anos, vendeu seu primeiro quadro à OEA ( Organização dos Estados
Americanos). Desde jovem, enxergava na pintura uma forma de esperança à vida dura que
tinha.
Estudou em escolas públicas, aos 17 anos, ingressou na Universidade Católica de
Pernambuco para estudar Direito. Quando chegou aos EUA para trabalhar, tentou mostrar sua
arte em galerias famosas.
Suas telas começaram a ser requisitadas, e tornou-se predileto entre as celebridades. Seu
estilo pop de expressar cores vivas e traços fortes em suas telas chegou ilustrar diversas
campanhas publicitárias, incluindo uma peça da vodka Absolut .
Muitos especialistas o criticam por ser um autor de obras de grande apelo comercial. A
textura de suas telas é similar à da gráfica. O artista mora em Miami com sua esposa norte-
americana. Nos 445 anos da cidade de São Paulo, o artista doou a escultura “Beach Ball”,
instalada no terminal Tietê.
Observe algumas das obras de Romero Britto:
Existem vários objetos com as suas obras:

Latas de refrigerantes
Fonte: http://www.infoescola.com/biografias/romero-britto/
 Vamos tentar reproduzir uma imagem estilo Romero Britto? Veja o exemplo
abaixo:

Atividades sobre Romero Britto:

Responda:
1) Faça uma pesquisa com informações mais atualizadas sobre o
artista plástico Romero Britto, citando:
A) Qual a idade de Romero Britto atualizado;
B) Qual cidade ele mora atualmente, e País;
C) Quais as suas principais obras;
D) Cite alguns produtos ou marcas que aderiram à esse estilo
colorido de Romero Britto e estão ganhando o mercado.
 E) Faça um desenho em uma tampa de caixa de pizza ou prato de
papel e pinte com tinta guache. Utilize a técnica e textura que
Romero Britto faz em seus desenhos e faça uma exposição.
F) Vamos aprender a desenhar usando o dois exemplos abaixo,
utilize as técnicas de Romero Britto: ( as cores e as texturas).

G)
2) Faça reproduçôes dos desenhos abaixo no caderno e pinte:
 IDADE MÉDIA
“Deus é o centro do universo”
ARTE BIZANTINA
O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano nos primeiros
séculos de nossa era.
A arte bizantina está dirigida pela religião; ao clero cabia, além das suas funções,
organizar também as artes, tornando os artistas meros executores. O regime era teocrático e o
imperador possuía poderes administrativos e espirituais; era o representante de Deus, tanto
que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça, e, não raro encontrar um
mosaico onde esteja juntamente com a esposa, ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus.
O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar
as paredes e abóbadas, mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo, dos
profetas e dos vários imperadores. Plasticamente, o mosaico bizantino em nada se assemelha
aos mosaicos romanos; são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que
regem inclusive os afrescos. Neles, por exemplo, as pessoas são representadas de frente e
verticalizadas para criar certa espiritualidade; a perspectiva e o volume são ignorados e o
dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o
ouro.
A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina, elas eram
planejadas sobre uma base circular, octogonal ou quadrada imensas cúpulas, criando-se
prédios enormes e espaçosos totalmente decorados.
A arte bizantina não se extinguiu em 1453, pois, durante a segunda metade do século
XV e boa parte do século XVI, a arte daquelas regiões onde ainda florescia a ortodoxia grega
permaneceu dentro da arte bizantina. E essa arte extravasou em muito os limites territoriais
do império, penetrando, por exemplo, nos países eslavos.

Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte
Faremos uma atividade em Mosaico como essa da imagem abaixo:

Arquivo pessoal
Renascimento

Após dois séculos de denominação do estilo gótico, o mundo artístico passou a

conhecer uma revolução na Arte, era o Renascimento, um movimento artístico que propunha
abandonar a “estranheza” do gótico para escolher um estilo parecido com a Antiguidade
Clássica ( greco-romana).

A criação de Adão- Teto da Capela Sistina, no Vaticano;

Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte

A nova tendência artística, o Renascimento, começou a tomar conta de grandes

cidades italianas na época, como Florença, Veneza, Padova, Milão, Nápoles, Ferrara e
Roma. Nesses centros, os mecenas patrocinavam e financiavam os artistas.
Nascia, na Europa, uma nova sociedade de mercadores e banqueiros,
interessados em obras de arte.
Esse grupo acreditava na inteligência do homem e no desejo mais intenso de
viver, sem esquecer da religião, porém acreditando que Deus não castigaria os homens
que passassem de modo diferente da mentalidade medieval.

A arquitetura renascentista- Quatroccento (1400)

Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte
 Os arquitetos do Renascimento conseguiram mediante a medição e o estudo de
antigos templos e ruínas, assim como pela aplicação de perspectiva, chegar à
conclusão de que uma obra arquitetônica completamente diferente da que se vira até
então não era nada mais.
Visto de fora, os palácios, parecem cubos sólidos de tendência horizontal de
não mais de dois ou mais andares. Possuíam uns pátios centrais, quadrangulares, com
a função de fazer chegar a luz às janelas inteiras. Eram largos e espaçosos.

A procura da cidade ideal

A cidade do Renascimento era o reflexo de uma nova visão filosófica e de ideais
de harmonia e geometria.
No século XV, a tendência era abandonar o traçado medieval, projetando-se
uma cidade ideal- o que na verdade não ocorreu. Contudo, algumas cidades italianas,
como Pienza, são modelos desse novo espaço urbano, enquanto Veneza e Florença,
continuaram com uma estrutura medieval.
No interior da cidade, o edifício mais importante era o palácio, que podia ser
residencial ou órgão público.
As ricas famílias nobres e burguesas faziam questão de construir edifícios
grandiosos como forma de testemunhar suas riquezas, com frente geralmente
repartida em três seções geometricamente divididas em espaços iguais.
Distantes das cidades, ainda havia castelos que eram residências de fins de
semana dos nobres em locais tranquilos.

A pintura

A pintura tornou-se um momento importante na cultura renascentista, pois

manifestou, sobretudo uma nova concepção de espaço e cor.
A pintura também usou a perspectiva linear, que nos deixou a idéia de
profundidade tridimensional e a distância entre os vários elementos compositivos.
Os pintores renascentistas criaram espaços reais sobre uma superfície plana.

Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte
 Leonardo da Vinci, pintor, escultor, arquiteto e inventor italiano ( 1452-1519).
Em suas pinturas trabalhou a perspectiva na paisagem e na luz com elementos de
terminantes dos volumes.
Em Florença, recebeu seus primeiros pedidos de trabalho. A figura humana foi
a sua maior preocupação, para tanto, estudou anatomia. Era amigo dos macenas
Lorenzo e Sforza, e trabalhou na corte por algum tempo.

A virgem das Rochas 1495-1508;

Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte

Suas principais obras como o pintor: O mouro, A santa ceia, A Monalisa.

A santa ceia; Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte

La Belle Ferronière (1490-1494), óleo sobre

madeira (Museu do Louvre) -- a mulher retratada seria a mulher ou filha de um ferreiro (ferronier), ou a
amante de Ludovico, o Mouro. Retrato feito na época em que da Vinci fazia estudos de óptica, como se
observa pelo detalhe do colorido da roupa vermelha refletido na face da mulher.
 Monalisa; Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte

Monalisa é uma das mais populares pinturas do artista renascentista Leonardo da

Vinci. Também conhecida como Gioconda, foi retratada por Da Vinci entre os anos de
1503 e 1506. É uma pintura em óleo sobre madeira de álamo e esta exposta no Museu
do Louvre em Paris.

Quem foi Monalisa

Existe um grande mistério, mesmo entre a comunidade que estuda a História da Arte,
sobre quem foi a mulher retratada nesta pintura. Existem algumas hipóteses. Poderia
ser uma imagem idealizada de mulher, pintada pelo artista. Outra hipótese é que seria
um auto-retrato de Leonardo da Vinci, vestido de mulher.

Porém, a hipótese mais aceita no momento, defende que Monalisa era Lisa Del
Giocondo, esposa do rico comerciante italiano Francesco del Giocondo.

Características principais da obra

Monalisa destaca-se pela estética, técnicas e recursos artísticos utilizados. O sorriso

enigmático e a expressão serena são as características mais marcantes da pintura.

Da Vinci buscou também retratar uma harmonia entre a humanidade e a natureza. Isto
é observado na harmonia existente entre Monalisa e a paisagem de fundo.

Os conhecimentos matemáticos também foram usados na confecção da obra, onde o

pintor buscou atingir a perfeição e o equilíbrio.

Nesta obra Da Vinci usou com perfeição a técnica do sfumato. Esta técnica consiste
em criar gradientes na criação de sombra e luz numa pintura. Leonardo da Vinci é
considerado o criador desta técnica.
As várias faces de Monalisa:
Faça uma reprodução no seu caderno. E use como inspiração as imagens
acima. Mude o estilo da Monalisa. Exemplo de reprodução:

Sugestão de Atividade:
Coloque o desenho da Monalisa abaixo embaixo da folha do seu caderno
e ao copiar vai mudando o estilo dela, Ex: Cabelo, roupa, textura da
roupa e acessórios.
Outra sugestão de Atividade:
Michelangelo di Ludovico Buonarrotti Simoni ( 1475-1564), pintor, arquiteto e
escultor italiano. Na pintura, o destaque fica para os afrescos pintados na Capela
Sistina, a pedido do Papa Júlio ll. Obras-primas: O pecado original e a expulsa do
paraíso.

Sagrada família, 1504

Michelangelo; Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte

Raffaello Sanzio (1483-1520), pintor e arquiteto italiano. Os primeiros quadros de

Rafaello estão repletos de lirismo, delicadeza, perspectiva nas paisagens. Numerosos
afrescos foram pintados por ele no Vaticano.
Entre suas obras, destacamos A escola de Atenas, Heliodoro.
Escultura

A escultura renascentista desempenhou papel de destaque. A figura humana

foi bem estudada nas suas respectivas proporções e tornou-se o objeto de estudo dos
artistas.
A perspectiva deu suporte aos trabalhos dos escultores.
Os artistas deram suporte aos trabalhos dos escultores.
Os artistas esculpiram túmulos monumentos, fontes, todos com a presença da
estátua humana. Esta, sempre em movimento, as vestes reduzem-se à expressão
mínima, as pregas servem para acentuar o dinamismo, revelando uma figura humana
de músculos levemente torneados e corpos proporcionais.

Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte
 Os materiais e a técnica
Os materiais e a técnica mais utilizados foram a pedra, o mármore e a argila, que
ganhavam expressividade.
A perspectiva, aa luz, os materiais, o alto e o baixo relevo foram pontos
adotados e ressaltados.

Vamos conhecer os escultores

Andréa del Cerrocchio ( 1435-1488), escultor e pintor italiano. Sua primeira obra foi a
escultura de bronze David, de forma graciosa e de vivacidade fora do comum; hoje,
encontra-se no Museu Nacional de Florença.
Danatello (1386-1466), escultor florentino. O David de Donatello representou a
heroica nudez diante do uso da escultura clássica. A estátua em bronze, retrata a
harmoniosa elegância de linhas e extrema delicadeza do moselo. ais conhecido como
Donatello – foi um grande escultor italiano do Renascimento, século XV. Trabalhou em
Siena e Florença, Prato e Pádua, onde terá realizado obras de tão grande mérito
expressivo que o catapultou para a fama e a imortalidade.
Crê-se que, nascido no ano de 1386, cedo terá manifestado grande habilidade
na escultura, vindo-se a tornar no grande escultor italiano que foi, e imortalizado para
sempre dado o seu talento em representar a beleza em algo tão comum como uma
pedra.
Pode-se dividir a carreira de Donatello em três períodos: o primeiro, quando
Donatello se iniciou na escultura, apresentado características de Gótico; o segundo,
define-se num confiar nas características da escultura helenística; no terceiro período,
o mais importante e culminar de toda a sua carreira, liberta-se do Classicismo e adere
à dramatização da estátua como forma de demonstração dos sentimentos.

Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte
 Medusa;
Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte

Reproduzir os desenhos abaixo:

Copie no caderno e responda:

Responda:
1) Após dois séculos de denominação do estilo gótico, o mundo artístico
passou a conhecer uma revolução na Arte. Qual era esse estilo?
Explique.
R: Foi o Renascimento, o mundo artístico passou a conhecer uma
revolução na Arte, propunha abandonar a estranheza do gótico para
escolher um estilo parecido com a Antiguidade Clássica ( grego-
romana).
2) Essa nova tendência artística começou a tomar conta de quais cidades
da época? E porque essas cidades eram importantes?
Florença, Veneza, Padova, Milão, Nápoles, Ferrara e Roma. Nesses
centros, os mecenas patrocinavam e financiavam os artistas

3) Nascia na Europa, uma nova sociedade de mercadores e banqueiros,

interessado em suas obras de arte. Esse grupo acreditava em que?
Os mercadores e banqueiros
4) Explique a pintura renascentista.
A pintura tornou-se um momento importante na cultura renascentista,
pois manifestou, sobretudo uma nova concepção de espaço e cor.

5) Qual o artista principal do renascimento? Fale sobre ele.

Leonardo da Vinci, pintor, escultor, arquiteto e inventor italiano (
1452-1519). Em suas pinturas trabalhou a perspectiva na paisagem e
na luz com elementos de terminantes dos volumes.
6) Qual a obra que Leonardo da Vinci fez que até hoje cria grande
mistério? Fale sobre ela.
Monalisa é uma das mais populares pinturas do artista renascentista
Leonardo da Vinci. Também conhecida como Gioconda, foi retratada por
Da Vinci entre os anos de 1503 e 1506. É uma pintura em óleo sobre
madeira de álamo e esta exposta no Museu do Louvre em Paris.

7) Cite os nomes de outros artistas Renascentista:

Michelangelo di Ludovico Buonarrotti Simoni
Raffaello Sanzio
Andréa del Cerrocchio
Danatello
Reproduza os desenhos abaixo:
Xilogravura
Xilografia é a arte e o processo de gravar em madeira. É uma técnica de
impressão na qual são empregados caracteres ou pranchetas de uma madeira gravada,
a fim de que possam ser reproduzidos no papel desenhos ou letras, por meio de
prensa manual ou tipográfica. Usamos muito a xilografia para decoração de
superfícies. A arte da xilografia acabou se tornando uma estamparia em relevo.
Histórico
As primeiras xilografias são antiquíssimas. Surgiram no século V e certamente foram
usadas pelos persas, armênios , fenícios, egípcios e chineses.
Aproximadamente no século XII, difundiu-se pela Europa a arte da xilografia.
As primeiras estampas xilográficas foram de imagens religiosas, alegorias e cartas de
jogar (baralho).
Uma estampa xilográfica muito difundida na Europa é a de São Cristóvão, que data de
1423.

Os primeiros livros foram impressos em tábuas de madeira , mediante a

impressão xilográfica. Cada página de um livro era uma pequena tábua de madeira.
Com a invenção da imprensa por Gutenberg (1455), os livros tiveram sua impressão
modificada e a xilografia passou a ser usada como expressão artística.
Como proceder para execução de um trabalho xilográfico?
Podemos empregar dois métodos: o clássico, que consiste em lavrar a madeira no
sentido horizontal das fibras , e o chamado método de fibra, em que a madeira é
cortada em sentido horizontal em relação ao tronco e lavrada com os mesmos buris
usados para metais.
Nota: buril é um instrumento de aço usado para gravar ou lavrar.
Antes de passar o desenho para madeira, deve-se estruturar e analisar bem o que vai
se desenhar, procurando definir e respeitar áreas brancas, pretas e cinza. Só depois
deve-se passar o desenho para a prancha de madeira com papel-carbono.

Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte
Técnica de Xilogravura com madeira

Atividade prática Xilogravura:

Materiais:
1 bandeja de isapor ( aquelas que tem frios no mercado)
1 rolinho ou pincel
1 sulfite colorido ou cartolina.
Tinta guache ( escolher uma cor só para toda turma, de preferência as
cores fortes como Preto, azul escuro e vermelho).
Jornal
Papel toalha ou um pano para limpeza

Modo de fazer:
Forrar as carteiras com jornal, pedir aos alunos para desenhar no isopor
com lápis evitando que perfure. Passe a tinta guache com o rolinho ou pincel
sobre o desenho e carimbar a folha.
Faça uma exposição!!

Arquivo pessoal da professora

Exposição dos alunos.

Arte Gótica
Na Baixa Idade Média, o desenvolvimento comercial europeu abriu espaço para
novas possibilidades estéticas. As igrejas, na qualidade de grande reduto de pessoas e
representantes do poder clerical da época, foram tomadas por novas técnicas de
construção que marcam o surgimento do estilo gótico. Em geral, as construções eram
bastante ricas e detalhadas, demonstrando justamente todo o progresso técnico e
material que o renascimento comercial havia proporcionado.
Um dos mais marcantes elementos decorativos que aparecem nessas igrejas
são os vitrais, que formavam imensas e coloridas janelas que, muitas vezes,
apresentavam desenhos geométricos ou representavam um santo ou uma passagem
do texto bíblico. Sobre esse aspecto, ainda vale ressaltar que os vitrais permitiam a
elaboração de um vibrante jogo de luzes constituído a partir da combinação de peças
de vidro das mais variadas cores.
Para se obter um vitral, o artesão dessa época deveria inicialmente realizar o processo
de coloração da peça de vidro. Costumeiramente, o vidro cru era misturado a outras
substâncias químicas que, ainda na fase de derretimento, determinavam a obtenção
de certa tonalidade. Dessa forma, a peça de vidro ainda ficava colorida sem bloquear
completamente a passagem de luz pelo material. Cumprida essa primeira etapa, o
vidro aquecido era moldado.

Nesse processo, o artesão depositava uma pequena quantidade de vidro

fundido na ponta de um tubo oco. Logo depois, ele assoprava a outra extremidade do
tubo formando uma bolha de vidro modelável. A manipulação dessa bolha acontecia
somente até o momento em que a bolha ganhava o formato de um cilindro. Alcançada
essa etapa, era realizado um corte longitudinal nas duas extremidades do cilindro,
transformando-o em um cilindro oco.
Superada esses primeiros trabalhos, o cilindro oco sofria um corte e o vidro era
moldado até se transformar em uma placa. Cada uma das placas era devidamente
resfriada e depois recortada com a ponta de um diamante, que reproduzia o formato
que o vitral deveria assumir na composição de uma imagem. Dando sequência ao
trabalho, o artesão fazia algumas pinturas opacas em que os traços fisionômicos da
imagem a ser formada eram finalmente definidos.
Finalmente, após todo o trabalho com o vidro, as pequenas placas eram encaixadas
em uma estrutura metálica conhecida como “perfil de chumbo”. Unidas, as placas
eram capazes de materializar grandes composições em que se reproduziam algum
relato bíblico ou a imagem de um santo. Após a sua montagem, o perfil de chumbo era
encaixado nas aberturas das paredes das catedrais.
O requinte, a complexidade e os vários materiais que envolviam a fabricação de um
vitral gótico nos mostram a consolidação de um novo ideal estético marcado pela
luminosidade e a variação de tons. Somente com o intercâmbio promovido pelo
comércio é que podemos imaginar a existência de um processo técnico cercado por
tantas exigências. Assim, os vitrais, ao iluminarem as igrejas, também reafirmavam um
novo período da história medieval.
 Vitrais;
Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte

Fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte

Atividades Vitral:
Materiais:

Papeis celofane coloridos

Papel color set preto

Tesoura

Modo de fazer:

Peça aos alunos desenharem em formato grande. Recorte

deixando vazado, e depois cole com durex o celofone colorido
formando vitrais e faça uma exposição.
Referências Bibliográficas:
CANTELE, Anita, (Arte E Habilidade)
PROENÇA, Graça, (Descobrindo A História da Arte )
VALADARES, Solange, (Arte no Cotidiano escolar)