Rick Wakeman Mago dos teclados ou grande fraude?

& AFINS
Ano 3 - Número 27 - Julho 2016
www.teclaseafins.com.br

Jordan
Rudess
O ídolo do prog metal
E mais
Programação e uso de presets
Dr. John : o mestre do blues
Acordes diminutos e suas funções
O acesso às amostras no Kontakt
“O Bêbado e a Equlibrista” e “Besame”
em arranjos exclusivos

Pedais O controle da interpretação na ponta dos pés

 EDITORIAL

& AFINS
Ano 3 - N° 27 - Julho 2016
Quem faz nossa revista
Publisher são nossos colaboradores!
Nilton Corazza Sem eles, não é possível
publisher@teclaseafins.com.br
transmitir a você, todos
Gerente Financeiro os meses, a quantidade
Regina Sobral de informação que
financeiro@teclaseafins.com.br
levamos. E isso ocorre
Editor e jornalista responsável porque cada um deles
Nilton Corazza (MTb 43.958) tem uma especialidade,
um conhecimento, uma
Colaboraram nesta edição:
Alex Saba, Alexandre Porto, Edwaldo Venturieri, preferência. Nosso trabalho
Eneias Bittencourt, Fabio Rineiro, Jobert Gaigher, é o de organizar todos esses interesses de forma que nossa
Maurício Pedrosa, Rosana Giosa, Turi Collura e revista traga variedade e profundidade, de forma clara e
Wagner Cappia
bem ilustrada. E a busca por cada vez mais qualidade nos
Diagramação faz alterar, editar, orientar e sugerir. Poder oferecer pautas
Sergio Coletti atrativas e notícias interessantes, além de entrevistas com
arte@teclaseafins.com.br grandes tecladistas, pianistas e organistas - muitas vezes
Foto da capa exclusivas - valem cada minuto de pesquisa e trabalho.
Divulgação Essa equipe merece nossos aplausos e agradecimentos.
E temos a certeza de que grande parte de nossos leitores
Publicidade/anúncios
comercial@teclaseafins.com.br
reconhece esse esforço. Prova disso foi o público presente
no I Festival Teclas & Afins- EM&T que realizamos no mês
Contato de junho em São Paulo, reunindo importantes tecladistas
contato@teclaseafins.com.br com o apoio das marcas mais importantes de nosso
Sugestões de pauta mercado. Se você é de São Paulo e não foi, perdeu! Mas,
redacao@teclaseafins.com.br se você não é, não fique triste. Muitas novidades vêm por
aí. Por falar em novidades, não podemos deixar de citar
Desenvolvido por
Blue Note Consultoria e Comunicação
nosso entrevistado desta edição. Jordan Rudess, além
www.bluenotecomunicacao.com.br de grande instrumentista, é apaixonado por tecnologia
e ávido por oferecer novidades, seja em termos musicais,
Os artigos e materiais assinados são de responsabilidade
de seus autores. É permitida a reprodução dos conteúdos por meio de sua empresa de desenvolvimento de
publicados aqui desde que fonte e autores sejam citados e o aplicativos ou como consultor. O tecladista, pouco
material seja enviado para nossos arquivos. A revista não se
responsabiliza pelo conteúdo dos anúncios publicados. antes de sua chegada ao Brasil, atendeu nosso repórter
especial, o músico Fabio Ribeiro, com muita simpatia. O
papo rolou solto e agradável e os melhores momentos
você lê aqui. Boa leitura!

Nilton Corazza
Rua Nossa Senhora da Saúde, 287/34
Publisher
Jardim Previdência - São Paulo - SP
CEP 04159-000
Telefone:
4 / JUNHo 2016+55 (11) 3807-0626 teclas & afins
 VOCE EM TECLAS E AFINS 6 NESTA EDIÇÃO
O espaço exclusivo dos leitores
49 alma de blues
INTERFACE 8 Dr. John
As notícias mais quentes do Por Maurício Pedrosa
universo das teclas
52 harmonia e improvisacao
Vitrine 16 Acordes diminutos e suas funções
Novidades do mercado Por Turi Collura

raio x 18 55 arranjo comentado

Na ponta dos pés “Besame”
Por Nilton Corazza Por Rosana Giosa

materia de capa 28 60 acordeon sem limites

Jordan Rudess - O ídolo do prog metal “O Bêbado E A Equlibrista”
Por Fabio Ribeiro e Nilton Corazza Por Eneias Bittencourt

sintese 38 64 kontakt
Programação X Presets Acessando amostras
Por Jobert Gaigher Por Edwaldo Venturieri

livre pensar 44 66 palco

Mago dos teclados ou fraude? Crise?
Por Alex Saba Por Wagner Cappia

© Felipe Scappatura

teclas & afins JUNHo 2016 / 5

vOCE em teclas & afins

Vamos nos conectar?

Edição 26
Grande revista, conteúdo de muito valor. (José Luís
Tecladista, em nossa página no Facebook)
Bacana a entrevista (Léo Brandão, em nossa página no
Facebook)
Olha a fera! (Marcos Kaizer, em nossa página no
Facebook)

Assinatura
Gosto muito do material de vocês, sempre acompanho
as revistas. Gostaria de saber como fazer para assinar e receber a
revista física e não virtual. (Marcelo Messias Rocha, por e-mail)
R.: Prezado Marcelo, Teclas & Afins é uma revista digital, que toma vantagem de todas as
possibilidades que a internet proporciona. Por conta disso, não há versão física. Assinando
a publicação, você pode baixá-la e ler em seu dispositivo ou imprimir se achar conveniente.

Mostre todo seu talento!

Não importa o instrumento: piano, órgão, teclado, sintetizadores, acordeon, cravo e
todos os outros têm espaço garantido em nossa revista. Mas tem que ser de teclas!
Como participar:
1. Grave um vídeo de sua performance.
2. Faça o upload desse vídeo para um canal no Youtube ou para um servidor de
transferência de arquivos como Sendspace.com, WeTransfer.com ou WeSend.pt.
3. Envie o link, acompanhado de release e foto para o endereço contato@teclaseafins.com.br
4. A cada edição, escolheremos um artista para figurar nas páginas de Teclas & Afins, com
direito a entrevista e publicação de release e contato.

Teclas & Afins quer conhecer melhor você, saber sua

opinião e manter comunicação constante, trocando
experiências e informações. E suas mensagens podem
ser publicadas aqui! Para isso, acesse, curta, compartilhe
e siga nossas páginas nas redes sociais clicando nos ícones acima. Se preferir, envie críticas, comentários
e sugestões para o e-mail contato@teclaseafins.com.br

6 / junho 2016 teclas & afins

 vOCE em teclas & afins

I Festival Teclas & Afins - EM&T

Foi sensacional! Obrigado e parabéns! (Junior Carelli, em nossa página no Facebook)
Foi excelente! Ainda mais com direito ao show dos dois gênios, Fabio Ribeiro e Daniel
Latorre. Foi incrível. Viajei no tempo com eles tocando. Perfeito. Sou fãzaço mesmo.
Parabéns Nilton Corazza. Que venham mais! (Alex Bessa, em nossa página no Facebook)
Olá pessoal, recebi hoje a minha camiseta KORG! Eu adorei, fiquei muito feliz! :)
Parabéns a todos os envolvidos no evento I Festival Teclas & Afins - EM&T, foi muito
legal! Já na espera pelo próximo evento! Muito obrigado e um abraço! (Susanne Nolting,
por e-mail)
Façam novamente! (Paulo Santoro M Almeida, por e-mail)
Parabéns Teclas & Afins pelo evento. Sensacional! Pudera termos pelo menos um
desses por mês! Sugestão para uma próxima edição, Corciolli.Sucesso e um grande
abraço! Muito obrigada! (Sandra Helena Kukel, por e-mail)
R.: Agradecemos a presença dos músicos, da plateia, dos apoiadores e todos aqueles que
tornaram possível realizar o I Festival Teclas & Afins - EM&T. As mensagens e os elogios
corroboram a percepção que tivemos no evento, de que estamos no caminho certo! Muitas
novidades estão por vir, aguardem! E acompanhem os vídeos em nosso canal no Youtube!

teclas & afins junho 2016 / 7

interface

EM DEFESA DO MEIO AMBIENTE

O renomado compositor e pianista italiano Ludovico Einaudi gravou um vídeo
em que interpreta “Elegy for the Arctic”, peça composta por ele para sensibilizar
os delegados internacionais da OSPAR que se reuniram em Tenerife, na
Espanha, para decidir sobre uma proposta de proteger 10% do Oceano Ártico.
O objetivo é levar as pessoas a cuidar e agir para proteger o Ártico de práticas
insustentáveis como exploração de petróleo e pesca industrial. “Pude ver a pureza
e a fragilidade dessa área com meus próprios olhos e interpretar uma canção
que escrevi para ser tocada sobre o melhor palco do mundo” disse Einaudi.

8 / julho 2016 teclas & afins

 interface

RECORDE
O pianista cearense Felipe Adjafre, de
34 anos, conseguiu quebrar o recorde
nacional de concerto de piano mais longo

QUEBRADO
da história, em Fortaleza. Tocando 13 horas
consecutivas, ele superou em uma hora o
recorde do curitibano Cláudio Maksoud.
Agora, o músico aguarda validação do Rank
Brasil. A preparação foi intensa, com dieta
balanceada e estratégias para diminuir a
quantidade de líquidos. Segundo o pianista
cearense, que começou a estudar música
aos 9 anos de idade, o recorde foi uma
forma encontrada de popularizar o piano
no Estado e desmistificar a ideia “erudita”
do instrumento. “Desde que comecei, vi a
dificuldade de acesso a esse instrumento.
Sempre tentei criar projetos para colocar o
piano em evidência”, afirma.

Parabéns a você
De 19 de outubro a 11 de dezembro,
Chick Corea celebrará a maior festa de
aniversário de todos os tempos. O pianista
- que completou 75 anos em 12 de junho -
dará continuidade à tradição que criou de
comemorar em alto estilo, com concertos
e apresentações. Corea iniciou essa prática,
em 2001, ao completar 60 anos e repetiu o
feito dez anos depois. Na primeira, foram
três semanas de festa e, na segunda, um mês.
Desta vez, o músico celebrará com um time
de estrelas no epicentro do jazz no universo,
o Blue Note Jazz Club, em Nova York, que
receberá a The Chick Corea Elektric Band
(Chick Corea, Eric Marienthal, Frank Gambale,
John Patitucci e Dave Weckl) e, em seguida,
o show For Miles, com participação de Kenny
Garrett, Wallace Roney, Mike Stern, Marcus
Miller e Brian Blade. Entre outros nomes
que se apresentarão com o tecladista estão
Steve Gadd, Eddie Gomez, Gary Burton, Ravi
Coltrane, Avishai Cohen, Lenny White, John
McLaughlin e Victor Wooten, além da The
Trondheim Jazz Orchestra.

teclas & afins julho 2016 / 9

INTERFACE

I Festival Teclas & Afins – EM&T

Remove Silence

Em junho, impor tantes tecladistas do País se reuniram no

I Festival Teclas & Afins – EM&T, realizado em São Paulo. O evento
iniciou com o pianista Alexandre Porto, que, em um Kawai MP7,
interpretou temas de jazz e falou sobre estilo e improvisação,
Alexandre Porto
acompanhado por Ivan Paiakan. Na sequência, o tecladista
Thiago Gomes apresentou músicas pop apoiado pelos produtos
da linha Reface e recursos do Motif, da Yamaha. Fabio Ribeiro e
o Remove Silence iniciaram a parte mais pesada do programa,
interpretando faixas do repertório do grupo e explicando a
importância de equipamentos como o Kronos, o Kross e o King
Korg para a gravação do disco da banda e a realização dos shows.
O peso continuou com Junior Carelli, que se apresentou com
os teclados Roland JD-XA e Fa-06 e temas da banda Noturnall.
O encerramento ficou por conta do organista Daniel Latorre e o
Hammond Grooves, que, com o apoio da Hosmil – Viscount, levou
Thiago Gomes
ao palco do auditório da EM&T um autêntico Hammond B3 e seu
clone portátil, o SK2. A plateia participou de um sorteio de brindes.
Vídeos e fotos podem ser vistos em nossa página no Facebook.

Junior Carelli Hammond Grooves

10 / julho 2016 teclas & afins

 interface

R.I.P.
Bernie Worrell, tecladista das bandas
Parliament-Funkadelic e Talking Heads, e
homenageado pelo Rock and Roll Hall of
Fame, faleceu no fim de junho após uma
árdua batalha contra o câncer. Apelidado
de “Wizard of Woo,” Worrell é reconhecido
por imprimir ao funk seu som futurista.
Além de seu trabalho com o Parliament-
Funkadelic e o Talking Heads, Worrell
lançou cinco álbuns solo. “É uma enorme
perda, disse George Clinton. “O mundo
da música nunca mais será o mesmo. A
influência e a contribuição de Bernie ,
não apenas para o funk mas também para
o rock e o Hip Hop - será para sempre
sentida”. Bernie Worrell tinha 72 anos.

teclas & afins julho 2016 / 11

interface

CARIOCA
Em recital durante o mês de
julho, o premiado pianista
Daniel Sanches lança seu
primeiro CD solo, que faz
homenagem à cidade do
Rio de Janeiro. O pianista
gravou peças que fazem parte
de sua memória auditiva e
afetiva, como composições
de Ernesto Nazareth, Alberto
Nepomuceno, Edino Krieger,
Eli Joory e Ronaldo Miranda.
“Todos os compositores que
estão no disco tiveram parte
de sua trajetória no Rio e este
foi o ponto principal durante a
concepção do CD”, explica.

TODA A INFORMAÇÃO QUE VOCÊ QUER...

E NÃO TINHA ONDE ENCONTRAR!

12 / julho 2016
VIOLAO
www.violaomais.com.br
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A revista digital dos instrumentos de cordas

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Conheça as publicações da
SOM & ARTE
E D I T O R A

INICIAÇÃO AO PIANO POPULAR

Volumes 1 e 2
LANÇ Inéditos na
AMEN
TO área do piano
popular, são
livros dirigidos
a adultos ou
crianças que
queiram iniciar
seus estudos de
piano de forma
agradável e
consistente.

MÉTODO DE ARRANJO PARA

Time de Primeira PIANO POPULAR

Volumes 1, 2 e 3
Ensinam o aluno
Hermeto Pascoal (flauta), Douglas de
Oliveira (bateria), Cido Bianchi (piano), a criar seus
próprios arranjos.
Lanny Gordin (guitarra), Alemão (violão
e guitarra), João Carlos Pegoraro (vibra-
fone), Carlos Alberto de Alcântera Pereira
(sax e flauta) e Nilson da Matta (baixo).
Essa era a sensacional formação do Bra-
zilian Octopus, grupo que lançou um úni-
co disco, homônimo, em 1969. Com esse
time de gigantes, o álbum certamente é REPERTÓRIO PARA PIANO
um dos mais importantes da discografia POPULAR
nacional. Esse grande e raro clássico vol- Volumes 1, 2 e 3
ta às lojas em vinil de 180 gramas pela
coleção “Clássicos em Vinil”, da Polysom. Trazem 14
O disco traz 12 faixas e foi produzido arranjos prontos
por Mario Albanese e Fausto Canova. As em cada
canções são de autoria dos músicos do volume para
Brazilian Octopus e de outros parceiros desenvolvimento
da leitura das
como Rogério Duprat, Cyro Pereira, Edu duas claves (Sol e
Lobo, Tereza Souza e Gabriel Fauré. A Fá) e análise dos
@BlueNoteComunicação

sonoridade transita por vários ritmos arranjos.

brasileiros, sendo experimental e psico-
délica, transmitindo diversas sensações Visite nosso site para conhecer melhor
no decorrer dos 29 minutos do álbum. os 3 Métodos e os 3 Repertórios
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teclas & afins Contato: rosana@editorasomearte.com.br
julho 2016 / 13
interface

A Fundação Osesp realiza

a 47ª edição do Festival
Internacional de Inverno
de Campos do Jordão, de
2 a 31 de julho de 2016. O
evento alia uma intensa
programação pedagógica
a um grande número de
concertos sinfônicos e de
câmara. A principal atração
é a Orquestra do Festival,
formada pelos bolsistas,
que faz dois programas,
com dois concertos cada um. Uma grande novidade deste ano é o Grupo de Música
Antiga, que se apresenta sob a regência de Luís Otávio Santos (spalla de La Petite Bande,
na Holanda, e coordenador do Núcleo de Música Antiga da EMESP). Entre recitais e
concertos, quem frequentar os espaços do Festival em Campos de Jordão e São Paulo
poderá assistir a performances dos pianistas Dana Radu, Olga Kopylova, Jean-Louis
Steuerman, Maria Cecília Moita, Michael Sheppard, Eduardo Monteiro, Débora Halász,
Nahim Marun, Leonardo Hilsdorf, Miroslav Georgiev, Marian Sobula, Fabio Martino,
Rosana Diniz, do Duo Gisbranco (formado por Bianca Gismonti e Claudia Castelo Branco)
e do cravista Nicolau de Figueiredo. Mais informações podem ser obtidas aqui!

14 / julho 2016 teclas & afins

 28 de Setembro | 21h

28/9 : Richard Galliano 11/10 : Kurt Elling

com Quinteto de Cordas
Renomado acordeonista francês Eleito 14 anos seguidos melhor cantor
retorna ao Brasil. de jazz pela Revista Downbeat.

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Roland HPi-50e
Roland Brasil – www.roland.com.br

O piano digital Roland HPi-

50e oferece som e toque
autênticos de piano com a
tecnologia SuperNATURAL
e teclado PHA-4 Concert
com Escapement e Ebony/
Ivory Feel. Além disso, traz o
sistema DigiScore, que coloca
à disposição dos estudantes
muitas opções de exercícios
e jogos para melhorar suas
habilidades o que torna o
estudo mais divertido para
todas as idades. Com essa
tecnologia, a partitura digital
é exibida no amplo visor LCD
colorido, com capacidade
para apresentar até fusas e 48
compassos simultaneamente.
A função Auto Sync garante que a notação apresentada no display siga a execução
de forma perfeita, independentemente do tempo em que você tocar, e as páginas
são viradas em sincronia. O motor sonoro de Piano SuperNATURAL foi melhorado
com a função Dynamic Harmonic que permite ajustar as características únicas
dos harmônicos criadas com um toque fortíssimo. Caso seja um estudante, isto
proporciona novas possibilidades sonoras, à medida que sua técnica se desenvolve.
Com o Piano Designer incorporado, o músico pode modificar o som do modelo de
modo a adaptar-se ao seu estilo pessoal ou a um gênero musical específico. Para uma
personalização ainda mais detalhada, a função Individual Note Voicing permite ajustar
a afinação, o volume e outras características sonoras em cada uma das 88 notas de
forma independente. A tecnologia Acoustic Projection utiliza múltiplos alto falantes
discretamente distribuídos pelo móvel do modelo para projetar os diversos elementos
sonoros do piano a partir das suas posições naturais. Entre os recursos, o modelo
conta com modos de teclado Full, Dual (com balanço de volume ajustável), Split
(com ponto de divisão ajustável) e Twin Piano; pedais Damper (com capacidade de
detecção contínua), Soft (com capacidade de detecção contínua e função configurável)
e Sostenuto (com função configurável); polifonia máxima de 128 vozes; 350 timbres;
oito tipos de escalas de afinação; afinação global de 415.3Hz a 466.2Hz (ajustável
em incrementos de 0.1 Hz) e transposição entre -6 e +6 semitons, inclusive para
reprodução de arquivos de áudio.

16 / JUlHo 2016 teclas & afins

 VITRINE

Ritmüller R6
Pianofatura Paulista - www.piano.com.br

A Ritmüller, fabricante de pianos fundada na Alemanha em 1795,

encarregou o master piano designer Lothar Thomma, o mais requisitado
no mundo, de remodelar sua linha, oferecendo produtos que unem a
herança clássica da marca e os padrões de excelência atuais. Pertencente a
um minúsculo círculo de piano
designers experts, Thomma
desenvolveu o piano vertical
Ritmüller R6, o mais compacto
da linha, com apenas 131cm
de altura, 151cm de largura e
64cm de profundidade, ideal
para pequenos espaços. O
modelo conta com 88 teclas,
martelos com feltro duplo,
tampa com amortecedores,
estrutura de cinco colunas
de madeira maciça, tábua
harmônica de spruce maciço,
11 costelas e três pedais
de latão fundido. Com
acabamento em preto alto
brilho e 5 anos de garantia,
o piano vertical vem com
banqueta regulável.

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teclas & afins setembro

JUlho 2015
2016 / 17
RAIO X POR NILTON CORAZZA

Ignorado por alguns e desconhecido

por muitos, o correto uso dos pedais é
ferramenta imprescindível para a boa
interpretação pianística

Na pont
18 / JULHo 2016 teclas & afins
 RAIO X

ta dos pés
teclas & afins JULHo 2016 / 19
RAIO X
O piano é um instrumento musical cujo
desenvolvimento se deu aos poucos. O
primeiro exemplar foi construído, por
volta de 1709, pelo fabricante de cravos
Bartolomeo Cristofori, e chamado de
Gravicembalo col Piano e Forte. Mais do que
uma modificação da forma de geração do
som - em que as cordas, em vez de serem
pinçadas, eram percutidas por martelos –,
o italiano desenvolveu um novo tipo de
mecanismo, capaz de permitir ao pianista
o controle da dinâmica por meio da ação
dos dedos sobre o teclado. Embora tenha
surgido na Itália, foi na Alemanha, porém,
que o piano teve maior aceitação, e
Gottfried Silbermann, renomado artesão
de cravos e órgãos, foi o primeiro a fabricá-
lo naquele país, em 1730. Durante a
história do instrumento, várias inovações
foram incorporadas a ele, buscando um
20 / JULHo 2016
aperfeiçoamento da técnica interpretativa.
Ao lado da introdução do mecanismo de
duplo escape desenvolvido por Sébastien
Erard, entre 1809 e 1823, um dos mais
importantes avanços foi a implementação
dos pedais, patenteados pelo fabricante
John Broadwood, em 1783. O objetivo
dessa inovação era aumentar a gama de
dinâmicas possível de ser reproduzida
pelo piano, ou seja, aprimorar as
diferenças entre as sonoridades mais
fortes e mais fracas. A evolução do uso
deles, no entanto, caminhou ao lado de
uma maior exploração das capacidades
do instrumento e permitiu que técnicas
específicas fossem desenvolvidas e
novas sonoridades esculpidas. Acreditar,
portanto, que os pedais servem somente
para aumentar ou reduzir o volume é uma
simplificação inaceitável de um processo
extremamente sofisticado e complexo.
Eles são recursos enriquecedores da
sonoridade e do timbre que transcendem
a função comumente a eles atribuída de
meros “auxiliadores” dos planos dinâmicos.
A maneira de utilizá-los, contudo, é muito
variável e é possível afirmar que o modo
como um pianista “pedaliza” as obras que
interpreta está em direta relação com a
percepção musical dele. Existe, nessa arte,
um refinamento para o qual não há limites.
O emprego racional dos pedais, portanto,
resgata detalhes de grande significado
interpretativo em obras de qualquer
período ou compositor. Diversos deles,
inclusive, prestaram um excelente serviço
aos intérpretes, ao indicar em suas obras
os trechos que deveriam ser tocados
“senza pedale”, ou seja, sem o uso deles.
Como todo recurso, no entanto, o uso
dos pedais deve ser estudado e a prática
é o melhor método para isso. O emprego
deles deve ser sempre funcional e com
teclas & afins

objetivos específicos. E é necessário que
o pianista saiba reconhecer a pedalização
que melhor valorize as intenções musicais
contidas naquilo que vai interpretar.
”O trabalho dos pés não é somente
um complemento ao das mãos. Ambos
estão intrinsecamente relacionados. As
diversas gradações precisam ser treinadas
(pedal inteiro, quarto de pedal, meio
pedal), assim como a velocidade da troca
(como, por exemplo, no pedal vibrato) e
a utilização simultânea dos dois pedais.
Nada disso pode ser conquistado sem um
investimento consciente de estudo e de
prática interpretativa”, ensina o pianista
Amaral Vieira.
Mas o uso correto deles não está
circunscrito à música erudita. No popular,
assim como no jazz, é importante que se
saiba dosar o uso do pedal. Em qualquer
gênero ou estilo, portanto, é importante
que o intérprete conheça bem o
funcionamento dos pedais, assim como a
Pedais de um piano de cauda: una corda, sostenuto e sustain/damper
teclas & afins
RAIO X
melhor forma de utilizá-los, evitando os
erros mais comuns e valorizando a música
executada. Muitas vezes um pianista põe
a perder todo o investimento de estudo
feito numa obra, por uso inadequado dos
pedais.
Diferentes tipos
Os pianos podem ter dois ou três pedais.
O direito, também chamado sustain ou
damper, é o mais usado. Quando acionado,
afasta os abafadores, responsáveis por
parar o movimento das cordas quando uma
tecla é solta, de todas elas. Isso permite
que continuem vibrando, o que causa um
prolongamento do som e facilita, muitas
vezes, a interpretação de notas de modo
ligado, quando não é possível fazê-lo por
meio da digitação. Além disso, as cordas
soltas vibram simpateticamente às das
notas tocadas, enriquecendo o timbre do
instrumento pela adição de harmônicos.
Mas esse recurso deve ser utilizado de
JULHo 2016 / 21
RAIO X
maneira correta, sob o risco de compro-
meter toda a interpretação. O uso exa-
gerado do pedal direito resulta na falta
de clareza melódica, empastelamento de
harmonias e encadeamento indiscrimi-
nado de frases e subfrases. O emprego
desmedido provoca, ainda, uma amplia-
ção da massa sonora, uma vez que pas-
sagens tocadas suavemente acabam se
somando umas às outras, com o pedal,
transformando rapidamente um delicado
‘piano’ num ‘fortíssimo’ veemente.
Por conta disso, percebe-se que é possível
alterar de forma profunda a interpretação
PEDAL SINCOPADO
O pedal direito é mais utilizado na forma
conhecida como “pedal sincopado”,
base para a boa interpretação na música
popular. A técnica consiste em “trocar”
o pedal após tocar cada nova harmonia,
limpando a sonoridade da última e
sustentando o som da nova. Isso deve ser
feito abaixando o pedal logo em seguida
à execução de um acorde. Ao ferir o
seguinte, levanta-se imediatamente o
pedal, abaixando-o novamente antes de
largar as teclas para atacar o terceiro, e,
assim, sucessivamente. Isso possibilita
o completo domínio da coordenação
mãos e pés.
22 / JULHo 2016
de uma peça modificando a utilização
desse pedal. E isso, de forma negativa.
Muitas vezes, no início dos estudos, o
pianista “esquece” o pé no pedal. Esse vício
é muito comum e pode causar grande
desconforto ao ouvinte mais atento.
Um exemplo disso é a interpretação das
obras dos compositores da chamada
escola impressionista, como Debussy e
Ravel. “Muitos pianistas amadores e, até
mesmo, profissionais, têm uma visão
interpretativa equivocada dessas obras.
Acreditam que o uso abundante do pedal
direito ajuda a valorizar o ambiente de
bruma e névoa que se convencionou
associar a essas composições”, diz Vieira.
“No entanto, ao ‘banhar’ essas obras num
mar de pedal, o intérprete acaba não
focalizando a obra”, afirma.
Na música popular, não é diferente. Um
samba ou uma bossa nova, por serem
gêneros mais rítmicos e que, geralmente,
têm harmonias ricas e movimentadas,
pedem um pedal de sustain muito mais
econômico e sutil.
O pedal da esquerda é chamado “una
corda” e sua função primária é a de
“abafar” o som do instrumento. O
mecanismo funciona de forma diferente
quando se tratam de pianos de cauda ou
de armário, os chamados verticais. Nos
primeiros, seu acionamento causa uma
movimentação de todo o mecanismo,
incluindo o teclado, para a direita do
pianista, fazendo que os martelos atinjam
apenas uma das duas ou três cordas
referentes a cada tecla, ou, no caso dos
bordões, não as firam de modo completo.
Além de uma redução no volume, o uso
desse recurso promove uma modificação
na coloração do timbre. Nos pianos
verticais, a ação desse pedal aproxima os
martelos das cordas, o que origina uma
teclas & afins

Notação de pedalização: diferentes formas
menor ação deles, reduzindo o volume
sonoro. A modificação na qualidade do
timbre, contudo, não é a mesma obtida
nos instrumentos de cauda.
Ao que parece, o “una corda” foi
uma invenção do próprio Cristofori,
desenvolvida posteriormente, que
ocasionava uma modificação no timbre
maior do que a dos pianos modernos. “No
final do Adagio da Sonata Hammerklavier,
Opus 106, composta entre 1817 e o ano
seguinte, por Beethoven, no compasso
teclas & afins
RAIO X
181, dentro da dinâmica “pp”, o compositor
escreveu “una corda”, ou seja, com a
utilização do pedal esquerdo do piano.
Curiosamente, o último acorde desse
movimento contém a marcação ambígua
de “ppp” (extremamente delicado) e, ao
mesmo tempo, “tutte le corde”, ou seja,
sem a utilização desse mesmo pedal.
Beethoven quer que o intérprete toque
esse acorde do modo mais sutil possível,
sem usar o recurso que facilitaria essa
ação”, exemplifica Vieira. “Para mim
JULHo 2016 / 23
RAIO X

torna-se claro que o pedal esquerdo dos como ele trabalha. Em muitos modelos
fortepianos da época modificava o timbre de qualidade inferior, o pedal esquerdo
do instrumento de modo significativo funciona de forma idêntica ao pedal de
e não era isso o que queria o grande sustain, mas apenas na região grave do
compositor”, conclui. teclado e deve-se prestar atenção na
O terceiro pedal existente nos pianos, hora da compra de um instrumento com
situado no meio dos outros dois, possui esse recurso.
funções bem diferenciadas dependendo Nos modelos verticais, o uso mais comum
do instrumento. Nos modelos topo de do terceiro pedal é o de abafamento. Seu
linha - mais notadamente os de cauda acionamento resulta na colocação de
e, raramente, nos verticais -, possui uma manta de feltro ou espuma entre os
a função de “pedal tonal”, também martelos e as cordas, diminuindo a ação
chamado “sostenuto”. O resultado do deles. Isso causa um forte amortecimento
acionamento dele é similar ao do pedal de na sonoridade. Dotado de uma trava,
sustain, mas age, apenas, sobre as teclas é utilizado para o estudo, pois evita o
que estejam abaixadas no momento provável incômodo causado pela repetição
em que é pressionado. Esse complexo excessiva de passagens e exercícios aos
mecanismo permite que algumas notas ouvintes compulsórios. Seu uso, porém,
sejam prolongadas enquanto outras não acarreta na distorção do timbre, já pouco
sofram qualquer alteração. Dependendo audível, e, conseqüentemente, na falta
da marca e do modelo do instrumento, de controle da sonoridade por parte do
porém, podem existir alterações na forma pianista.

Fazioli F308: o quarto pedal permite reduzir o volume sem modificar o timbre

24 / JULHo 2016 teclas & afins

 RAIO X

Utilização
A utilização dos pedais do piano é a regra.
Não os utilizar, a exceção. O uso, no entanto,
deve ser analisado e parcimonioso, de
acordo com o caráter da obra e a época em
que ela foi composta. “Considero uma boa
estratégia utilizar o pedal direito sempre
com muita discrição no repertório que
abrange toda a produção para teclado até
o final do classicismo vienense e a primeira
fase criativa de Beethoven”, ensina Vieira.
E isso ocorre por conta, principalmente,
da evolução que o uso dos pedais sofreu
juntamente à maior exploração das
capacidades do instrumento. A modificação
da linguagem musical, portanto, foi fator
determinante para que o uso dos pedais
fosse incrementado e os compositores
tirassem proveito de suas possibilidades
interpretativas. “Em uma sonata de
TECLADOS E
Mozart, não se mobilizam os mesmos
recursos de pedal, por exemplo, que em SINTETIZADORES
uma rapsódia de Liszt”, diz o pianista. No Pianos digitais, sintetizadores e
entanto, um mesmo compositor pode arranjadores também fazem uso de
exigir o uso diferenciado de pedais em suas pedais para auxiliar a interpretação do
obras. “Pode-se citar o caso de Johannes músico. O mais comum é a utilização do
Brahms, cujo delicado Capricho Opus 76 sustain. Em alguns modelos, esse recurso
nº 2 requer o emprego mínimo do pedal simula o decaimento produzido pela ação
direito, ao passo que o Capricho Opus 116 dele em um piano, em que a sonoridade
nº 3 é impensável sem uma pedalização esmaece aos poucos até acabar, mesmo
exuberante”, pondera o professor. Para na utilização de timbres como cordas ou
conceber uma pedalização correta e órgãos. Em outros, sua ação faz que o
consciente, portanto, é importante que o som continue indefinidamente, até que
pianista leve em consideração elementos o pedal seja liberado, como se as teclas
como a estética vigente à época de criação continuassem pressionadas. Alguns
da obra, os recursos que o instrumento equipamentos, para evitar isso, fazem
possuía e, principalmente, as anotações distinção entre o “sustain” e o “damper”.
originais grafadas pelos compositores,
mesmo que sejam passíveis de eventuais soar”, ensina Vieira. Compositores como
adaptações aos instrumentos modernos. Frédéric Chopin e Franz Liszt, inclusive,
“Ao anotar suas idéias de pedalização, mantiveram estreito relacionamento
os autores deixaram pistas importantes com os fabricantes de pianos da época,
de como determinado trecho deveria sugerindo modificações, melhorias e

teclas & afins JULHo 2016 / 25

RAIO X
aperfeiçoamentos, inclusive na ação mais
eficiente dos pedais.
É interessante lembrar que até a segunda
metade do século 19, a marcação do
uso do pedal era inserida entre os dois
pentagramas da partitura, ou seja: entre
a pauta da mão direita e a da esquerda.
Ele ocupava a mesma área reservada aos
sinais de dinâmica, agógica e expressão.
“Isso significa que o pedal não era
considerado um recurso interpretativo
‘externo’”, acredita Vieira. Foi somente
mais tarde que ele passou a ser marcado
na parte inferior externa do pentagrama
reservado à mão esquerda.
Aprendizado
Para aprender o uso do pedal, existem
diversos métodos. O ideal, contudo,
parece ser o domínio da parte mecânica e
de coordenação motora logo no início dos
estudos, para que se torne parte natural
do processo de tocar piano. Quanto mais
rápido o pianista aprende a usar o pedal
mais desenvoltura terá para tocar.
Vários compêndios e exercícios foram
escritos sobre o assunto, mas caíram em
desuso. Os mais antigos foram criados
pelo francês Louis Adam (1758-1848) e
pelo alemão Daniel Steibelt (1765-1823).
No entanto, o método mais utilizado era
de autoria do professor italiano Albino
Gorno (1859-1945), que escreveu diversos
exercícios, publicados em vários volumes
e classificados por ordem de dificuldade.
Atualmente vem sendo muito utilizado
o método de Hannah Smith, intitulado
Estudos De Pedal. “Os leitores com
boa fluência em inglês poderão ler o
interessante livro A History of Pianoforte
Pedalling, de David Rowland, publicado
pela editora inglesa Cambridge University
Press”, aconselha Vieira.
26 / JULHo 2016
Além dos métodos, é imprescindível
a audição da interpretação de bons
pianistas, seja ao vivo ou em gravações. Na
música popular, notadamente no jazz, não
faltam exemplos de bons pedalizadores
como Bill Evans e Chick Corea. Na música
popular brasileira, é inegável a qualidade
de músicos como César Camargo Mariano
e Nelson Ayres.
Para quem se dedica ao erudito existe
material gravado de alto nível. Quem
comenta é Amaral Vieira: “a antiga escola
francesa de piano empregava os pedais de
modo muito judicioso e peculiar e esses
efeitos podem ser admirados nas diversas
gravações realizadas na primeira metade
do século passado”, diz. Walter Gieseking
(1895-1956) gravou a obra completa
para piano solo de Debussy, em registros
definitivos e nos quais pode-se admirar
uma notável engenhosidade no emprego
desse recurso. “Curiosamente, Gieseking
gravou também a obra completa de Mozart
para piano, porém, sem o pedal direito.
E o resultado deixa a desejar”, comenta
Vieira. “A gravação, realizada pela brasileira
Guiomar Novaes (1894-1979), da Rapsódia
Húngara nº 10 de Liszt é um assombro,
com efeitos de pedal muito sofisticados”.
O italiano Arturo Benedetti Michelangeli
(1920-1995) foi outro pianista que soube
utilizar os mais avançados recursos dos
pedais. “Seus registros são verdadeiras
aulas de clareza e rigor interpretativo”. O
russo Emil Gilels (1916-1985), por sua vez,
foi um dos mais respeitados pianistas do
século 20 e verdadeiro mestre na grande
arte da pedalização. Busoni, Rachmaninov,
Cortot, Rubinstein, Backhaus, Kempff,
Horowitz, Arrau, Richter, Sofrotnisky e
todos os grandes pianistas, enfim, sempre
podem ensinar a utilizar os pedais de
modo criativo e responsável.
teclas & afins
materia de capa por fabio ribeiro e nilton corazza

Jordan Rudess:

© Jorge Rosenberg
pensamento tecnológico

o ídolo do
28 / julho 2016 teclas & afins
 Jordan Rudess

Tecladista de uma das bandas

mais cultuadas da atualidade, o
estadunidense Jordan Rudess
não retringe suas atividades aos
estúdios e palcos: empreendedor,
é proprietário de uma empresa
de tecnologia e desenvolve novos
instrumentos musicais

prog metal
teclas & afins julho 2016 / 29
Jordan Rudess
Jordan Rudess não foge do estereótipo dos
grandes tecladistas. De formação erudita
- iniciou os estudos aos 9 anos de idade
na Juilliard School of Music – começou
a se interessar por sintetizadores e rock
progressivo durante a adolescência. Apesar
dos conselhos de seus pais e professores,
afastou-se do erudito tentando carreira
como tecladista de rock e, após dedicar-se
a vários projetos durante a década de 1980,
chamou a atenção depois do lançamento
de Listen, álbum solo de 1993. Depois de
ser aclamado pela crítica, duas bandas se
interessaram em ter o jovem músico como
seu membro: The Dixie Dregs e Dream
Theater. Rudess escolheu a primeira, pois
não trabalharia full-time com o grupo.
Pouco depois, o músico formou um power
duo com o baterista Rod Morgenstein - o
Rudess/Morgenstein Project ou RMP –
inspirado por um incidente ocorrido em
um show do The Dixie Dregs: durante
uma queda de energia que fez que todos
os equipamentos do se desligassem, com
30 / julho 2016
exceção do setup do tecladista, ele e
Morgenstein ficaram improvisando até que
o sistema se reestabelecesse, apresentando
uma química poucas vezes vistas entre um
tecladista e um baterista. Rudess ainda
participou do Liquid Tension Experiment,
que tinha como membros John Petrucci
e Mike Portnoy, o baixista Tony Levin
(King Crimson) e o vocalista Peter Gabriel,
gravando dois álbuns.
Desde 1999, Jordan Rudess é tecladista do
Dream Theater, uma das mais cultuadas
bandas de prog metal de todos os
tempos. Entre muitos projetos paralelos,
o tecladista dedica-se à educação musical
pela web, fornecendo vídeo e lições em seu
Conservatory Online e fundou sua empresa
de tecnologia, a Wizdom Music, que
desenvolveu aplicativos premiados como
MorphWiz, SampleWiz, Geo Synthesizer,
SpaceWiz, SketchWiz, Tachyon e EarWiz.
Além disso, assumiu o cargo de Diretor de
Experiência Musical da Roli Labs, empresa
criadora do Seaboard.
teclas & afins

Conversamos com Jordan Rudess pouco
antes dos shows que fez no Brasil
-apresentando, com o Dream Theater, o
álbum The Astonishing - e falamos sobre
música, tecnologia e o papel do tecladista.
Sua formação técnica é clássica. Até
que ponto isso é fundamental para um
tecladista, principalmente de prog metal?
Bem, eu acredito que quanto mais variada
a formação inicial de um músico, melhor.
Uma coisa importante a se saber sobre
teclados - e que, infelizmente, muita gente
nova não compreende - é que tocar teclado
é uma atividade muito física, como um
esporte. Para tocar música em um teclado,
seus dedos precisam funcionar, precisam
estar aptos a obedecer instruções do seu
cérebro. Isso requer treinamento. Então, o
mais importante, desconsiderando o estilo
musical no qual você está interessado, é
participar de alguma atividade que possa
teclas & afins
Jordan Rudess
treinar seus dedos para que toquem
a música que está na sua cabeça. Para
mim, estudar música clássica foi a chave,
pois meu treinamento foi muito focado
e disciplinado. Tive alguns dos melhores
professores de piano do século, que me
instruíram a entender a importância de
conseguir tocar com meus dedos o que
está na minha mente. E, se você pretende
ser um músico de progressivo, você deve
estar aberto a diversos estilos diferentes.
É a fusão desses estilos que, na verdade,
tornam esse tipo de música “progressiva”.
The Astonishing é um álbum épico. Há nesse
conceito influências do rock progressivo
da década de 1970 e da música clássica?
Absolutamente! The Astonishing é um
álbum com tantas influências! Para suportar
com consistência a história extremamente
detalhada que havia sido escrita, tivemos
que abordar diversos tipos de música,
julho 2016 / 31
Jordan Rudess
como os estilos clássicos, dixieland, metal,
progressivo clássico, música em estilo
“Teatros da Broadway”... Foram realmente
muitas influências absorvidas.
Quais os grandes desafios em executar
The Astonishing ao vivo?
Um dos grandes desafios para mim, como
tecladista, é que inicio e finalizo muitas das
músicas em sincronia com muitos eventos
no palco. Uma vez que começo a tocar, o
foco é tremendo para administrar tudo
aquilo, musicalmente e tecnologicamente.
Outra coisa sobre estar em um grupo,
especialmente em uma banda como o
Dream Theater, é que todos são músicos
excelentes, então você tem quase que
uma responsabilidade de encontrar uma
maneira de se destacar, fazer o seu melhor.
32 / julho 2016
E estamos tocando o álbum ao vivo! Tudo
tem que estar em condições perfeitas, a
música, a sincronia com os eventos visuais.
É um show que exige muito para que
possamos apresentá-lo da maneira que
pretendemos.
Você tem utilizado muita tecnologia,
diferentes instrumentos, suportes para
teclados e aplicativos musicais para o
sistema iOS, muitos deles criados por
você mesmo. Por que essa busca por
diferentes maneiras de criar sonoridades
e utilizá-las? Você acha que os sons que
um tecladista usa tornam-se parte de sua
personalidade musical?
Sempre fui apaixonado por instrumentos
musicais e tecnologia. A tecnologia permite
que os músicos se expressem de forma
teclas & afins
 Jordan Rudess

completa. Acredito que a tecnologia é uma analógica, digital, ou uma combinação

das respostas para o que vai acontecer de ambos?
com a evolução da música no futuro, assim Cresci com sintetizadores analógicos. Meu
como quando Les Paul criou a guitarra primeiro instrumento foi um Minimoog
elétrica. Ele criou algo, tecnologicamente, e estou muito contente com a notícia da
que descortinou caminhos totalmente reedição desse sintetizador pela Moog. Hoje,
novos para a criatividade musical. É isso estou mais interessado em novas maneiras
que estou tentando fazer por meio de de criar sons ou maneiras existentes que
minha empresa de aplicativos para iOS, não foram completamente desenvolvidas.
a Wizdom Music: abrir novas portas com Por exemplo, meu novo aplicativo utiliza
o uso da tecnologia, como, por exemplo, a tecnologia de modelagem física. Essa
criar aplicativos que permitem controlar o tecnologia não é tão popular quanto a
som com expressividade, com seus dedos síntese subtrativa, como no Minimoog, ou
deslizando por um instrumento. Isso permite o sampling. O resultado é muito orgânico,
que você se expresse. Em primeiro lugar, a muito expressivo. Ando muito interessado,
tela multitouch - apresentada no iPhone e, também, em Re-Síntese, que permite
posteriormente, em todos esses dispositivos capturar um som e, além de oferecer
que estão disponíveis hoje - abriu todas uma exata reprodução dele, possibilita
essas possibilidades diferentes para se manipulá-lo quase que como uma massa de
expressar por meio da música. É um tipo modelar. Você pode realmente controlar o
de tecnologia na qual estou muito focado que acontece com o som de maneira muito
atualmente. Isso também possibilitou meu fluída e orgânica. Então, sim, tenho interesse
trabalho com outras empresas, como a Roli, em ambos os tipos de direcionamento,
fabricante do Seaboard, uma verdadeira
evolução do teclado do piano como o
conhecemos, levando-o para um nível
mais avançado. Antes, eu já trabalhava
com um instrumento chamado Continuum.
Todos esses instrumentos permitem
mais expressão com seus dedos que um
instrumento de teclado convencional,
coisas mais próximas ao do que uma
guitarra ou um violino podem executar,
em que a nota que você está tocando tem
algo a ver com a atividade do som a todo
instante. É esse o pensamento diferente
com o qual vivo há muitos anos. O novo
aplicativo de minha empresa – o GeoShred
- é um exemplo desse direcionamento, que
oferece a habilidade de criar instrumentos
que permitem que você se expresse de
maneiras novas e interessantes.
Sobre síntese sonora... Tecnologia

teclas & afins julho 2016 / 33

Jordan Rudess

34 / julho 2016 teclas & afins


Você usa sintetizadores modulares em
seu estúdio e também já usou estes
instrumentos ao vivo. O formato Eurorack
é muito popular atualmente. Você está
usando?
Eu tenho um sintetizador modular gigante
em casa, composto por alguns módulos
originais...
E alguns da Synthesizers.com também...
Exatamente. Mas não tenho nenhum
sistema em formato Eurorack ainda, pois
ando trabalhando mais e mais “dentro da
caixa”. Ando usando muito a tecnologia
móvel em dispositivos como iPads e coisas
do tipo, mas estou muito interessado e
provavelmente vou adquirir algum tipo de
sistema em breve.
Qual é o seu instrumento principal no
palco e por que?
Meu principal instrumento no palco é o
Korg Kronos, que adoro tanto. Acabo de
levar meu Kronos para a Califórnia onde
participei de um tributo a Keith Emerson.
Foi uma noite maravilhosa com muitos
outros músicos. Toquei “Tarkus” do início
ao fim, tudo soou perfeitamente!
Acredita que os tecladistas devem buscar
formas de se diferenciarem tanto dentro
de uma banda quanto no show business?
Quais as melhores ferramentas para isso?
Esta é uma ótima pergunta. Acredito que
para você ter sua própria “voz”, é preciso passa a ter sua própria “voz” ao ter esse
navegar por estilos musicais diferentes.
Se você pretende tocar apenas um tipo de
coisa ou almeja apenas estar em uma banda
“pop” e nada mais, você está se limitando. dos instrumentos de teclado, para onde
Mas, se você conseguir manter os ouvidos
abertos para apreciar música alternativa,
música clássica, música regional e tantos Você é um dos tecladistas mais ativos nas
outros estilos, você poderá encontrar uma redes sociais e mantém um conservatório
teclas & afins
Jordan Rudess
maneira de fundir suas influências em seu
próprio caráter musical e então começar
a fazer algo realmente interessante, com
personalidade. Para nós, tecladistas, existem
também outras ótimas oportunidades,
como essa enorme disponibilidade de
sons e tecnologias de sínteses diferentes
que estávamos discutindo. Uma das coisas
que me atraíram para a programação de
sintetizadores foi a possibilidade de ter meus
“sons de assinatura” como, por exemplo,
“Snarling Pig” ou “JR Lead” que possuem
essas capacidades sonoras interessantes
como feedback e texturas. Outra coisa é
que, com esses novos instrumentos, como
o Seaboard ou o aplicativo GeoShred, você
pode realizar coisas consideradas básicas
por outros músicos, como o controle de
vibrato por guitarristas, por exemplo.
Imagine nossos guitarristas preferidos
como Jeff Beck, Steve Vai, Eric Clapton ou
qualquer um destes caras. O que os torna
únicos é a maneira com a qual controlam
a afinação e o volume. Muito de suas
personalidades musicais está na forma com
a qual controlam a afinação e o vibrato, o
que muitas vezes nos permite até mesmo
identificá-los com clareza quando os
ouvimos tocando. Nós, tecladistas, temos
agora outros recursos além do tradicional
controle de “pitch bend”, como o teclado
da Roli, onde você pode iniciar com seu
dedo sobre uma nota e a cada momento
expressar afinação e volume. O tecladista
tipo de controle e esta é uma ideia muito
excitante. É uma excelente forma de instruir
as pessoas sobre esse novo direcionamento
estão indo e o que você pode fazer com isso.
julho 2016 / 35
Jordan Rudess
online. Qual o futuro da música e da
educação musical para você?
Meu interesse pela internet para educação
já vem de muitos anos e o Jordan Rudess
Online Conservatory está ativo até hoje.
Uso esse recurso para propagar música
em todas as suas formas. Neste momento,
também estou participando de um
programa externo de uma semana aqui em
Nova York, chamado KeyFest, em que eu e
outros profissionais administramos cursos.
Realmente, estou interessado no aspecto
das mídias sociais, gosto de fazer sessões
NA REDE
36 / julho 2016
de streaming ao vivo e compartilhar música
com as pessoas. Caso possa também ajudá-
las um pouco com educação musical,
isso é ainda mais divertido. Estamos em
uma era na qual há tantas maneiras de
apresentar informações. Você pode ter um
problema qualquer com um determinado
equipamento seu ou uma simples questão
como “qual a forma de criar uma trilha de
acompanhamento em um software?” e a
resposta é imediata. Por isso, a internet e
as mídias sociais são tão poderosas. São
tempos excitantes para se viver!
teclas & afins
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SINTESE
Programação X Presets
O uso de patches de memória acabou criando uma nova
geração de tecladistas que passaram a se preocupar menos
com a compreensão do processo de construção do som e
acabaram se tornando escravos dos sons prontos
As polêmicas envolvendo sintetizadores
continuam até hoje. Inclusive em relação
à sua própria definição. Afinal, o que
é exatamente um sintetizador? Aliás,
podemos denominar facilmente pianistas,
guitarristas, organistas, harpistas etc,
mas não podemos sair por aí falando
“sintetizadoristas”. “Tecladista” é uma
terminologia muito genérica e, cá entre
nós, quem toca sintetizadores passa mais
tempo mexendo em botões do que em
teclas. Definitivamente, tecladista não
serve. Fica aqui o protesto! Afinal, isso
Telharmonium: criado em 1897 pelo norte-americano Thaddeus Cahill a partir de microfones de telefones
38 / JULHo 2016
POR Jobert Gaigher
pode até traumatizar. E em alguns casos,
para sermos mais precisos, teríamos que
considerar inclusive hammondistas, mini-
mooguistas, e certamente, Oberheimnistas.
Usaremos, por falta de denominação
melhor, “sintetista”.
Por outo lado, existe atualmente todo tipo
de sintetizadores que se possa imaginar,
com e sem teclas (guitarras, baterias,
instrumentos de sopro, softwares e apps com
novas interfaces, sem teclas e sem cordas
etc). Mas, quando se fala em sintetizadores,
as teclas imediatamente veem à mente.
teclas & afins

Nós, tecladistas, nos apropriamos dos
sintetizadores. Temos esse sentimento, lá
no fundo, de que o mundo dos osciladores,
filtros, LFO e ADSR são nossos. E a maioria
dos músicos acabaram concordando com
isso, com exceção dos DJs, que até agora
não cheguei à conclusão se são ou não
músicos. Que nenhum DJ nos ouça, ou
melhor, nos leia.
E, tirando alguns “sintetistas”, a maioria
das pessoas, músicos ou não, continua
ainda a não ter a menor ideia do que é um
sintetizador.
De acordo com o Dicionário inFormal (SP),
o significado de sintetizar é: condensar,
resumir, sumarizar, compendiar, juntar -
“Uma das funções do figado é sintetizar
diversas proteínas presentes no sangue”.
Na acústica, de modo geral, pode-se dizer que
o sintetizador é um instrumento eletrônico
(hardware ou software) constituído por
diferentes módulos (osciladores, filtros,
amplificadores, LFO, etc) que interatuam
em conjunto para produzir um som. O som
é, portanto, produzido a partir da síntese
dos diversos parâmetros utilizados em
cada um desses módulos. Para gerar ou
moldar os sons, um sintetizador analógico
combina circuitos controlados unicamente
por tensão elétrica, e a síntese analógica de
sons baseia-se na manipulação dos sinais
emitidos por esses circuitos.
Os sintetizadores se distinguem pela
enorme capacidade de gerar praticamente
qualquer tipo de som imaginável ou
não, desde imitar com precisão o som de
um instrumento acústico, uma voz, um
helicóptero, um carro, ou um cão latindo,
e melhor de tudo, também possuem a
capacidade singular de produzir sons que
não ocorrem no mundo natural, aptidão
exclusiva que faz do sintetizador uma
ferramenta musical única.
teclas & afins
sintese
Gigante: dois dos rotores de tom do Telharmonium MkII no porão do
Telharmonic Hall por volta de 1906
Origens
Por volta de 1900, foram inventados
os primeiros instrumentos eletrônicos,
precursores dos sintetizadores modernos.
Como vimos, um sintetizador é constituído
por diferentes módulos que interatuam
em conjunto para produzir um som. O
telarmônio, ou telharmonium, criado em
1897 pelo norte-americano Thaddeus
Cahill a partir de microfones de telefones,
é considerado o avô dos sintetizadores
atuais. Foi, verdadeiramente, o primeiro
instrumento de peso (em todos os sentidos).
Não por acaso, o telarmônio era também
um instrumento eletrônico de teclas. É
citado praticamente em todas as histórias
sobre o sintetizador. Era uma espécie de
sintetizador aditivo. Para entender síntese
aditiva, pense nos órgãos de tubos, em
que o som final é o somatório de vários
sons, provenientes de diferentes tubos,
conforme a seleção de determinados
registos. Aliás, o telarmônio usava
tonewheel para gerar sons musicais, e foi
também inspiração para o aparecimento
dos órgãos Hammond anos depois.
No início do século 20, os sintetizadores
eram enormes, caros, complicados,
delicados, e por tudo isso, não eram
ideais para performances ao vivo. A ideia
de Thaddeus Cahill era mais ambiciosa.
Pensou em um sistema de fornecimento
JULHo 2016 / 39
SINTESE
EMMS: recriação fiel do sistema mais amplamente ouvido no mundo, o Moog Modular de Keith Emerson
de música para hotéis, restaurantes e
domicílios. Antes da década de 1920, não
havia nenhuma maneira de amplificar
sinais elétricos. Cahill sabia que se ele
conseguisse gerar um sinal elétrico
grande o suficiente para amplificar um
sinal qualquer e conduzisse esse sinal
para um cone (muito parecido com um
cone de gramofone) no lugar do receptor
do telefone, ele poderia transmitir música
através do telefone que poderia ser
ouvida por uma plateia. Ele imaginou que,
se pudesse enviar a música através do
telefone no volume adequado, ele poderia
montar um negócio de fornecimento
de música para hotéis, restaurantes, e
domicílios.
40 / JULHo 2016
O sintetizador de Thaddeus Cahill pesava
mais de 200 toneladas e era necessário
30 vagões de trem para ser transportado.
Por essa e outras razões, não deu muito
certo, pelo menos do ponto de vista
comercial. Mas foi a primeira semente
de um instrumento que revolucionaria a
música do séc 20.
Alguns anos se passaram e essa ideia ficou
adormecida, até que, na década de 1960,
o aparecimento dos transístores permitiu
que o Dr. Robert Moog projetasse um
sintetizador analógico infinitamente
mais leve e compacto, o que finalmente
possibilitou sua produção em série e
comercialização em massa. E, desta vez,
com uma finalidade totalmente musical. Se
teclas & afins

apresentava como uma nova ferramenta
para fazer música, uma nova concepção
de instrumento musical, imediatamente
amada por muitos e odiada por tantos
outros, como toda novidade impactante.
O sistema modular revolucionário e
inovador de Moog consiste de um
número de diferentes módulos de
circuitos controlados por tensão elétrica
capazes de gerar ou manipular sons. Esses
módulos eram montados em um armário
e conectados em um único teclado. A
popularização desse tipo de instrumento
aconteceria a partir da década de 1970,
com a invenção do Minimoog, que foi
concebido para incluir as partes mais
importantes de um sintetizador modular
em um pacote compacto e mais acessível.
O Minimoog acabou estabelecendo
um padrão que se tornaria a base
dos sintetizadores contemporâneos.
Diferentemente do telarmônio, o Minimoog
e todos os sintetizadores analógicos são
sintetizadores subtrativos. Na síntese
subtrativa, assim como o nome diz - ao
contrário da síntese aditiva - osciladores
e geradores de ruído produzem ondas
Minimoog: módulos fundamentais em modelo portátil
teclas & afins
sintese
complexas e filtros são utilizados para
moldar essas ondas, subtraindo certas
frequências e harmônicos. Finalmente o
sinal é enviado ao amplificador. O timbre
final é o resultado desse processo.
Mesmo passadas mais de quatro décadas
desde o lançamento dos primeiros
sintetizadores Moog, existe ainda hoje,
infelizmente, uma quantidade considerável
de tecladistas - alguns profissionais,
que inclusive utilizam sintetizadores em
seus trabalhos - que entra em pânico
ao ouvir palavras como osciladores,
filtros, LFO, ADSR, síntese subtrativa,
vozes, FM, Wavetable, sample, e todas
as terminologias utilizadas no cotidiano
desse instrumento. Mesmo depois de
tantos anos, a síntese continua sendo um
tabu. Por isso, é necessária uma pequena
explanação sobre o funcionamento básico
dos sintetizadores analógicos.
O funcionamento
Nos sintetizadores analógicos
encontraremos osciladores totalmente
analógicos, ou seja, controlados
unicamente por tensão elétrica. Por
JULHo 2016 / 41
SINTESE
isso, também recebem o nome de VCO –
Voltage Controlled Oscillator. Em resumo,
o oscilador é o principal gerador do som.
É o oscilador que gera o sinal básico
nesse tipo de sintetizador, ou seja, sem
osciladores, um sintetizador subtrativo
não produz nenhum som. Em sua grande
maioria, os sintetizadores oferecem mais
de um oscilador, que produzem formas de
ondas ricas em harmônicos. As ondas mais
comuns são a senoidal (ou sine wave), a
quadrada (ou square wave), a de dente-
de-serra (ou sawtooth wave) e a em forma
de triângulo (ou triangle wave).
Em seguida, entra em ação o filtro, que
nos analógicos também é controlado
por tensão, recebendo o nome de VCF
– Voltage Controlled Filter. Um filtro é
utilizado para remover frequências da
forma de onda original, de modo a alterar
o sinal básico e, por consequência, o
timbre, filtrando (removendo) porções do
espectro de frequência. Existem inúmeros
tipos de filtro, mas podemos dizer que os
mais comum são: Low Pass (LPF), High-Pass
(HPF), Cut-Off, Response e Resonance.
Por último, como o nome já denuncia,
o amplificador é o componente que
amplifica o sinal e é usado para ajustar
o sinal filtrado. Os sintetizadores
analógicos possuem amplificadores
totalmente analógicos, controlados por
Síntese analógica substrativa: esquema básico de funcionamento
42 / JULHo 2016
tensão, que recebem o nome de VCA -
Voltage Controlled Amplifier. É na seção
do amplificador que se encontram os
envelopes, abreviados como EG, ENV
ou simplesmente ADSR (acrônimo para:
Attack, Decay, Sustain, Release). São
utilizados para controlar o nível do sinal
ao longo do tempo, fornecendo controles
de nível para o ataque, decaimento,
sustentação e repouso.
Além de oscilador, filtro e amplificador, há
também outros componentes que atuam
na síntese do som e que estão presentes
quase que na totalidade dos sintetizadores
existentes. Há, por exemplo, um tipo
especial de oscilador que funciona em
baixas frequências, abaixo do limite da
audição do ser humano (menos de 20
Hz) denominado LFO (oscilador de baixa
frequência). Embora inaudível, é utilizado
para criar pulsações, vibrato, vibração,
chorus etc, no som audível. O LFO pode,
por exemplo, modular o oscilador principal
(VCO), para criar pulsações ou vibrato, ou
o amplificador (VCA), para criar um efeito
de trêmolo.
E os presets?
Um dos pontos fundamentais que permitiu
o sucesso de modelos de sintetizadores foi
a facilidade de salvar a programação em
patches de memória. Isso tornou possível
teclas & afins
 sintese

Max

A D S
Amplitude

R
0
ATTACK DECAY SUSTAIN RELEASE
Tempo
Nota pressionada Nota solta

ATTACK (Ataque) – O início do som. No caso do sintetizador de teclas, quando acionamos

a tecla. O ataque pode ser rápido ou lento (ou algo entre);
DECAY (Decaimento) – quando o som passa do ataque para a sustentação;
SUSTAIN (Sustentação) – determina o nível de sustentação do som, enquanto a tecla
estiver pressionada;
RELEASE (Repouso) – determina o nível de sustentação do som, após a tecla ser solta.

não apenas armazenar os sons criados para um patch de memória. Por outro lado,
utilização futura, mas alternar entre os sons essa invenção acabou criando uma nova
programados com apenas um toque. Não geração de tecladistas um tanto quanto
era mais uma questão de experimentalismo. preguiçosa. Por encontrarem os sons
Os tecladistas e programadores agora prontos em patches que vinham de fábrica,
passavam horas, e até dias, ajustando passaram a se preocupar menos com a
cuidadosamente os controles em busca de compreensão do processo de construção
um timbre perfeito, e quando encontravam, do som e acabaram se tornando escravos
bastava salvar a posição dos controles em dos presets.

Jobert Gaigher
Músico, compositor, educador musical, produtor cultural, blogueiro e consultor de marketing para os mercados de
áudio e música, é especialista da linha NORD no Brasil desde 2008. Entre os anos de 2001 a 2003 foi gerente técnico
da Quanta Service, e então mudou-se para Londres, participando de várias gravações em estúdio e performances ao
vivo em festivais e eventos no Reino Unido, Espanha e Itália. Em 2008 retornou ao Brasil, quando idealizou e passou
a coordenar o Sistema e-SOM para a Quanta Educacional, sistema multimídia para aulas de educação musical que
foi pré-qualificado pelo MEC e incluso no Guia Nacional de Tecnologias Educacionais. www.jobert.info

teclas & afins JULHo 2016 / 43

livre pensar POR ALEX SABA

Rick Wakeman:
caldeirão de influências

44 / julho
junho 2016
2014 teclas & afins
 livre pensar

Mago dos teclados

ou fraude? Parte I
Em uma das listas de discussão da qual par ticipo,
quando do 55º aniversário do Rick Wakeman, há
alguns anos, um integrante teve coragem de escrever
a opinião dele sobre um ícone do rock progressivo.

clássico para fomentar sua pobre

Você, leitor, sabe o quanto gosto de uma
boa polêmica. E por “boa”, quero dizer criatividade artística. Por sorte, acabou
daquelas em que se colocam opiniões ingressando na banda dos bons músicos do
fundamentadas, mesmo que contrárias à Yes, que ampliaram muito o seu limitado
da maioria. Bem, como não podia deixar horizonte musical. No período inicial em
que esteve com Anderson, Squire e Howe,
de ser, houve muita gente contra, alguns
Rick até que se dedicou para acompanhar
a favor e outros que não se manifestaram,
provavelmente porque estavam boquia- a linguagem elaborada das músicas da
bertos com o “bate-boca”. banda, talvez seguindo obedientemente
Pedi autorização ao “corajoso”, para as orientações de seus colegas. Mas durou
pouco. Na época da gravação de Tales From
publicar o texto dele aqui, pois acredito
que uma segunda opinião é sempre muito Topographic Oceans, Rick já não assimilava
importante, mesmo que não se trate de a profundidade do trabalho do conjunto e
se julgou independente para seguir sozinho.
um diagnóstico de vida-e-morte. O autor é
Grave equívoco.
Antônio Escarlate, músico e jornalista, que
A partir daí, o tecladista passou a investir
concluiu sua formação pianística na Escola
cada vez mais na sua imagem de pop-star, se
Superior Nacional de Música de Varsóvia,
preocupando em demonstrar sua habilidade
na Polônia, sob a orientação de Jan Eikier.
Atualmente, se dedica a interpretação etécnica acima de tudo, mesmo que para
isso tivesse que sacrificar o resultado final
regência da música de Igor Stravinsky com
orquestras e grupos camerísticos. Como da música. Em seu primeiro disco solo, por
exemplo (As Seis Esposas de Henrique VIII),
jornalista, escreve artigos e resenhas para
Rick aparece rodeado de teclados, destila
diversos jornais. Como se pode ver, não é
uma opinião qualquer. Com a palavra, o solos rápidos e técnicos, mas se mostra
Antônio: incapaz de tecer variações sobre um tema
musical. Os solos pretendem impressionar
“Cinqüenta e Cinco Anos Abjetos pela rapidez, mas os arranjos são fracos e
Infeliz idéia teve o jovem Rick quando os fraseados são pobres; em várias vezes,
decidiu abandonar os estudos de piano seus solos são apenas um “sobe-desce”

teclas & afins junho 2016

julho 2014 / 45
livre pensar
das escalas naturais, mas tocados com uma
rapidez que podem impressionar ouvintes
leigos. No fim das contas, o resultado foi um
completo desperdício de idéias musicais até
interessantes.
Nos trabalhos solos seguintes a estratégia
é a mesma, porém, com idéias musicais já
muito menos interessantes. Até o terceiro
solo (Mitos e Lendas de Rei Arthur),
Rick buscava ideias e concepções bem-
intencionadas, como gravar com orquestras,
porém, sempre desperdiçando o que poderia
ser um trabalho muito mais vigoroso. Mas
o tecladista parecia não se preocupar com
isso. No lugar de primar pela música, Rick
continuava prezando pela sua imagem e
pela boa vendagem de seus discos.
Hoje, com seus 55 anos, Rick aposta na
continuidade da saga da família Wakeman,
incentivando seus filhos também tecladistas
46 / julho
junho 2016
2014
a seguirem o seu consagrado caminho.
Ganha a indústria fonográfica, perde a
música. Talvez, se Rick não tivesse parado
seus estudos pianísticos, sua obra fosse mais
madura, fazendo desenvolver mais e melhor
sua música. Com isso, o rock progressivo
poderia ter durado mais tempo e ser, ainda
hoje, objeto de atenção por parte do meio
musical, como acontece com o jazz-fusion
atualmente, até hoje tema para festivais de
grande audiência. Mas a ambição venceu a
arte, e como um Patrick Moraz sozinho não
faz verão, o rock progressivo morreu pelos
excessos como o de Rick Wakeman: excesso
de glacê, excesso de estrelismo, excesso de
ambição, e falta, muita falta de conteúdo
musical. Cinqüenta e cinco anos: hora de se
aposentar, Rick...”
O que você acha? Concorda ou discorda?
Escreva dando sua opinião.
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Dr. John
Apesar de não ser muito conhecido antes dos anos 70,
Dr. John estava na ativa desde a década de 1950, quando
era conhecido como Mac Rebennack
Formidável pianista de boogie e blues - e
possuidor de uma voz rouca inconfundível -,
os trabalhos de Dr. John abrangem R&B,
rock e mardi gras, estilo característico de
Nova Orleans, além do seu próprio estilo
de “voodoo music”. No final dos anos 50,
Mac Rebennack ganhou destaque na
cena daquela cidade como tecladista e
guitarrista, participando de gravações
com Professor Longhair, Frankie Ford e Joe
Tex. Também fez algumas composições,
mas foi na década de 1960 que realmente
expandiu suas produções e arranjos.
Depois de um acidente com um revólver
que feriu sua mão, abandonou a guitarra
para se dedicar exclusivamente aos
teclas & afins
POR mauricio pedrosa
teclados. Para fugir de problemas com a
lei e as drogas, saiu de Nova Orleans e foi
para Los Angeles, onde começou a gravar
com Harold Battiste. Mudou seu nome
para Dr. John, The Night Tripper, quando,
então, gravou seu primeiro álbum, Gris-
gris. A mistura do R&B de Nova Orleans
com voodoo e uma pitada de psicodelismo
foi perfeita e resultou em um grande
disco, apesar da lenda que diz que tanto a
gravação quanto a mixagem foram feitas
às pressas e sem muitos cuidados pelo
pessoal do estúdio de Sonny & Cher.
Dr. John começou a construir, então, uma
carreira em que a música se somava à sua
presença excêntrica no palco, conduzindo
julho 2016 / 49
alma de blues

1980, retornando aos estilos tradicionais,

registrou discos de piano-solo com Chris
Barber e Jimmy Witherspoon, como In a
Sentimental Mood, de 1989.
Nessa época, além de participar de
numerosos jingles, gravou New Orleans
Supersessions, para o selo Bluesiana, e
discos de New Orleans e de standards do
pop. Em 1994, lançou Television, seu último
disco com material original. A partir daí,
seus trabalhos oferecem interpretações
marcantes e características de músicas
conhecidas, além de re-interpretações
de algumas de suas composições já
gravadas. Em 1998, lançou Anutha Zone,
com Paul Weller, Super Grass e Ocean
Colour Scene. Em 2000, gravou Duke
Elegance. Outros discos para a Blue Note
são Creole Moon (2001) e Dis Dat or
shows tipo cerimonial, ao costume mardi Dudda (2004). Sipriana Hericane, um EP
gras. Seu ecletismo, cheio de momentos de quatro músicas celebrando sua amada
admiráveis, levou Eric Clapton e Mick cidade, devastada pelo furacão Katrina,
Jagger a participarem de The Sun, Moon & foi lançado em novembro de 2005. Seu
Herbs, de 1971. No disco seguinte, Gumbo, trabalho Mercenary é uma coleção de
produzido por Jerry Wexler, provou ser covers do famoso Johnny Mercer, lançado
um mestre do R&B de Nova Orleans nos em 2006 pelo selo Blue Note.
moldes de um de seus heróis, Professor
Longhair. Em 1973, lançou seu grande “Frankie and Johnnie”
hit, In the Right Place, produzido por No exemplo a seguir, temos um chorus da
Allen Toussaint. No mesmo ano, gravou música “Frankie and Johnnie”, em que se
com Mike Bloomfield e John Hammond pode notar toda a técnica e estilo do blues
Jr., no disco Triuvirate. Já na década de de Nova Orleans, à la Dr. John.

“Frankie and Johnnie”

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Mauricio Pedrosa
Tecladista, vocalista, compositor e produtor. Foi integrante das principais bandas do cenário do rock
brasileiro, como Ursa Maior, Made in Brazil, Walter Franco e Rita Lee & Tutti-Frutti. Nos anos 80 emplacou
um sucesso nacional - “Só Delírio” - com a banda de pop rock Telex. Acompanhou artistas internacionais
como Pepeu Gomes, Mathew Robinson, Lil’ Ray Neal, Charlie Love, Tom Hunter, Nuno Mindelis, entre
outros. Em 2001, participou do Festival Internacional de Jazz de Montreal.
www.reverbnation.com/mauriciopedrosa

teclas & afins julho 2016 / 51

HARMONIA E IMPROVISACAO por turi collura

Acordes diminutos e
suas funções Parte II
Vamos avançar nos estudos iniciados na edição anterior
de Teclas & Afins sobre os acordes diminutos e suas
funções, um dos tópicos mais buscados pelos estudantes
de harmonia

Continuando a análise do que Schoenberg chamava de “acordes vagantes”, vamos ver

outras funções desse tipo de acorde: dominante, cromática e auxiliar.
Na edição anterior, estudamos os acordes
diminutos com função de dominante. Ali,
vimos que o acorde diminuto, composto
por dois trítonos, pode ser considerado
um “portal” para a modulação para outra
tonalidade! De fato, um acorde pode
“resolver” em oito acordes diferentes! A
figura mostra um acorde de Dº ( = Fº = Abº
= Bº) e suas possíveis resoluções.

Mas, além da função de dominante, o

acorde diminuto possui também outras
funções, que iremos analisar aqui.

Obs.: Sugiro, antes de mais nada, que você assista ao vídeo para, em seguida,
fazermos as considerações e os exemplos pertinentes.

Conforme o vídeo, podemos dividir os acordes diminutos em três grupos:

1) Acordes diminutos com função de dominante;
2) Acordes diminutos com função cromática;
3) Acordes diminutos com função auxiliar.

1) Diminutos com função de dominante:

contêm o trítono que resolve no acorde
sucessivo.

52 julho 2016 teclas & afins

 HARMONIA E IMPROVISACAO

2) Diminutos com função de cromática:

a função do acorde diminuto é cromática
todas as vezes em que não apresenta a
resolução de trítono. Veja o exemplo ao
lado: as notas do acorde de Db° não contêm
um trítono que resolve no acorde de C.
Clichê harmônico: diminuto com função cromática
A imagem a seguir mostra um exemplo de clichê com o acorde diminuto com função
cromática.

Normalmente, quando a função do acorde diminuto é cromática, a fundamental do

acorde está um semitom acima do acorde sucessivo (como no caso do exemplo acima).
Veja, porém, os casos a seguir. Trata-se de função cromática: o baixo sobe, mas o acorde
de chegada é invertido. Observe que o acorde diminuto não possui o trítono que resolve
no acorde seguinte.

Função Auxiliar do acorde diminuto

Como reconhecer a função do diminuto auxiliar? O importante é ver que o acorde
“disfarçado” contém a nota “certa” (no nosso caso, as notas de Aº são: lá-dó-mib-solb).

Exemplo de clichê harmônico com diminuto auxiliar:

No exemplo acima, o acorde diminuto aparece com 7M. O si natural representa uma
tensão do acorde.

teclas & afins julho 2016 / 53

HARMONIA E IMPROVISACAO

Qual é o “significado” do acorde diminuto auxiliar?

Geralmente, ele é utilizado para retardar uma resolução. No exemplo acima, por exemplo,
ele se coloca entre o acorde de dominante e sua resolução. O Cº é como se estivesse
“dizendo”: “a resolução vai chegar, mas antes disso eu estou aqui no meio”.
No repertório da bossa nova, os acordes diminutos podem se apresentar em sua forma
natural, isto é, sem alterações, como mostra a figura abaixo à esquerda. Encontramos,
todavia, dois tipos de cifras características: Xº(b13) e Xº(7M), como vemos do lado direito
da figura seguinte:

Na maioria das circunstâncias em que aparecem tais alterações (b13 ou 7M), essas se
encontram na melodia.

O caso de “Corcovado”
Os primeiros acordes da música “Corcovado”, de Tom Jobim, apresentam um clichê
interessante que envolve tensões nos acordes diminutos. Ali, encontramos os acordes
Abº(b13) e, pouco depois, o acorde Fº(7M). Podemos observar que os dois acordes são
compostos pelas mesmas notas. O acorde bVIº tem função cromática, enquanto o acorde
IVº possui função auxiliar. Vejamos:

Com isso, analisamos as possíveis funções dos acordes diminutos. Convido você para
conhecer o Curso Online de Harmonia Aplicada à Música Popular que ministro no site
www.terradamusica.com.br. A Aula 1 é gratuita! Até a próxima!

Turi Collura
Pianista, compositor, atua como educador musical e palestrante em instituições e festivais de música pelo
Brasil. Autor dos métodos “Rítmica e Levadas Brasileiras Para o Piano” e “Piano Bossa Nova”, tem se dedicado
ao estudo do piano brasileiro. É autor, também, do método “Improvisação: práticas criativas para a composição
melódica”, publicado pela Irmãos Vitale. Em 2012, seu CD autoral “Interferências” foi publicado no Japão. Seu
segundo CD faz uma releitura moderna de algumas composições do sambista Noel Rosa. Entre outras atividades,
Turi é Coordenador Pedagógico do site www.terradamusica.com.br onde ministra os cursos online de “Piano
Blues & Boogie”, “Improvisação e Composição Melódica”, “Harmonia Aplicada à Música Popular” e “Linguagem
e Percepção Musical”.
www.turicollura.com - www.terradamusica.com.br

54 julho 2016 teclas & afins

arranjo comentado por rosana giosa

“Besame”
Canção de Flávio Venturini com referências ao tradicional e
clássico tango-bolero “Besame Mucho”

“Besame”, na voz de Jane Duboc, tem em sua gravação um arranjo muito rico e criativo
que faz referências ao famoso tango-bolero “Besame mucho” (música e letra composta
em 1940 pela mexicana Consuelo Velasquez), uma das canções mais gravadas e
traduzidas do idioma espanhol no século passado.
Citar referências pode ser um bonito recurso e, neste caso, o arranjo foi propositalmente
transcrito para o piano como exemplo de associação a outro tema que possua elementos
semelhantes em sua essência. Ouça a gravação original e, depois, a transcrição para o
piano e perceba como pode ficar interessante.

O arranjo

Introdução: uma introdução dramática e enérgica, típica do tango, prepara o clima

romântico e sensual deste tema. Repare que há fórmulas de compassos variadas: três
compassos em 3/8, um em 4/8 e depois o padrão do tango em 4/4. Dessa forma, ela
chama fortemente o tema que vem a seguir, já mais calmo, mais canção.

Tema: difícil dividir este tema em partes A, B ou C. Note que ele se desenvolve de
maneira muito encadeada e, por isso, foi nomeado apenas de “tema”. No início, ele é
acompanhado de arpejos com alguns acordes na direita dando apoio rítmico, o que dá
uma ideia de um ritmo “abolerado”. Já no compasso 17, novamente o padrão do tango
reaparece, intercalando e preparando o trecho mais forte do compasso 31, em que a
letra diz repetidamente “besame”.

Interlúdio: nesse momento, o tema é instrumental. Arpejos se intercalam com o padrão

e com elementos do tango, trazendo um
resultado rítmico e melódico muito bonito
e pianístico.

Coda: aqui a introdução se repete, já que

é um período forte e muito bonito nessa
canção. Um acorde de Sol menor, cheio
de notas e graus altos, encerra o arranjo.

teclas & afins julho 2016 / 55

arranjo comentado

Besame 1

“Besame” Flávio Venturini

Arranjo: Rosana Giosa Flavio Venturini

Introdução

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58 julho 2016 teclas & afins

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arranjo comentado
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Rosana Giosa
Pianista de formação popular e erudita, vive uma intensa relação com a música dividindo seu trabalho entre
apresentações, composições, aulas e publicações para piano popular. Pela sua Editora Som&Arte lançou três
segmentos de livros: Iniciação para piano 1, 2 e 3; Método de Arranjo para Piano Popular 1, 2 e 3; e Repertório para
Piano Popular 1, 2 e 3. Com seu TriOficial e outros músicos convidados lançou o CD Casa Amarela, com composições
autorais. É professora de piano há vários anos e desse trabalho resultou a gravação de nove CDs com seus alunos: três
CDs coletivos com a participação de músicos profissionais e seis CDs-solo.
Contato: rosana@editorasomearte.com.br

teclas & afins julho 2016 / 59

acordeon sem limites Eneias Bittencourt

“O Bêbado e a
Equilibrista” Parte I
Nesta edição, começaremos a partilhar um arranjo para
acordeon solo de um dos maiores clássicos do século
passado, “O Bêbado e a Equilibrista, de João Bosco e Aldir
Blanc, imortalizado por Elis Regina

Conforme ocorre invariavelmente com visto que são muitos os argumentos. A

qualquer instrumento, alguns temas princípio, devemos tomar o cuidado de
exigem muita adaptação. No caso do mantermos a levada peculiar do samba,
acordeon, por não ser um instrumento desde que manter o “balanço” seja a
que contenha sustentação ou “sustain”, intenção. Baseado nisso, nota-se um intenso
às vezes é necessário modificarmos a trabalho de contracantos ou contraponto
harmonia ou até mesmo adaptar a melodia entre baixo e mão direita. Também se
por acréscimo de notas para que a falta de observa em geral, o quesito “variação”, o que
sustain seja compensada. Evidentemente evita a monotonia causada se aplicarmos o
outros atributos são responsáveis por tal tempo todo a mesma técnica.
adaptação, mas o sustain é preponderante. A melodia evidentemente, se mantém na
Para os pianistas ou tecladistas que ponta, e, propositalmente, a mantive o
queiram conferir a partitura, a transcrição tempo todo o mais identificável e próxima
para o piano não é difícil, uma vez a par das do original possível. A escrita prima pela
peculiaridades da grafia para acordeon. fidelidade, uma vez que concentrei os
Essa peculiaridade se evidencia
principalmente na clave de Fá. Ali, os acordes
são representados apenas por uma única
nota que vem acompanhada das letras “M”,
“m”, “7” ou “dim”, respectivamente acorde
maior, menor, maior com sétima menor, e
diminuto. Até a terceira linha, as notas são
individuais somente até uma oitava. Por
isso, à primeira vista parece que as frases
contêm saltos melódicos sem sentido. É
preciso adaptar. Acima da terceira linha,
já a partir do terceiro espaço, é onde se
escrevem os tais acordes representados
apenas pela nota fundamental.
A análise que farei não será muito refinada,

60 julho 2016 teclas & afins

 acordeon sem limites

esforços para registrar todos os mínimos

detalhes, o que é imprescindível,
principalmente por se tratar de samba
em que a sincopa é responsável pela
característica. A harmonia representada
nos baixos está repleta da técnica de fusão,
aliás, já escrevi aqui em outra edição a
respeito.
Aberturas na mão direita utilizam muito da
técnica de sobreposição. Acordes, terças
duplas, e pequenos trechos de “soli” em
quartas entram no quesito “variação”. A
indicação de baixo “staccato” do compasso
18 ao 26 não é exclusiva, mas é a que
merece maior atenção.
No compasso 26, destaco um recurso
inusitado para muitos, que é o de digitar para manter a notação sobre a pauta.
um acorde diminuto com o polegar. No Espero que apreciem! Continuaremos na
compasso 31, uma pequena sequência de próxima edição.
acordes escrita uma oitava acima, apenas Abraço e bons sons a todos.

“O Bêbado e a Equilibrista”
Arranjo: Eneias Bittencourt João Bosco / Aldir Blanc

teclas & afins julho 2016 / 61

acordeon sem limites

62 julho 2016 teclas & afins

 acordeon sem limites

Eneias Bittencourt
Gaúcho, é escritor e editor de material didático e luthier de acordeon. Atuou como músico profissional,
arranjador e produtor musical. Dedica-se a desenvolver soluções didáticas e técnicas para acordeon. Em
2007 lançou seu primeiro livro, “Acordeon sem Limites”, que dá início à retomada da produção didática
para acordeon no Brasil, então estagnada por mais de 20 anos. É proprietário do primeiro site dedicado
a aulas online para acordeon no Brasil.
www.aprendacordeon.com.br - leandroeneiasbittencourt@hotmail.com

teclas & afins julho 2016 / 63

Kontakt POR Edwaldo Venturieri

Acessando amostras
O módulo Source é responsável por controlar a reprodução
de samples por group no Kontakt, ou seja, para cada grupo
de samples podemos ter uma configuração diferente

No software Kontakt, existem dois Em MIDI (B) temos a possibilidade de

principais métodos de acesso aos samples,
pelo playback mode (A, Figura 1): Sampler
e DFD. Sampler é a maneira tradicional
de acessar nossas amostragens de áudio,
pois o sample (amostra) é armazenado
por completo na memória do sistema,
utilizando pouco a CPU (lembre-se que
se seu sistema tem pouca memória, isso
é um agravante). Por outro lado, a opção
DFD (do inglês, direto do disco) é uma
técnica que utiliza um avançado motor de
streaming, armazenando apenas o início
de cada amostra na memória e, assim que
uma determinada é acessada, lê o restante
do áudio diretamente do HD. Sendo
assim, se você tem amostras pequenas
de áudio, utilize o modo Sampler para
diminuir a latência (atraso ao acessar os
samples), mas, se suas amostras forem
muito grandes, DFD será a melhor opção.
alterar a porta e o canal MIDI para o
grupo específico. Utilize apenas se quiser
que diferentes grupos de sons sejam
controlados por diferentes canais MIDI.
Caso contrário, deixe em default. Tune
(C) altera a afinação de todas as amostras
que fazem parte do grupo, sem alterar
a velocidade desses samples. Tracking
(D), quando ativado, permite que suas
amostras sejam transportadas de acordo
com a nota tocada, ou seja, é utilizado se
nesse grupo existem amostras mapeadas
em mais de uma nota. Se você quer manter a
tonalidade constante independentemente
da nota tocada, você deve desativar essa
função. Reverse (E) reproduz a amostra de
trás para frente, ou seja, em modo reverso,
simples assim. Release Trigger (F) permite

Figura 1 Figura 2

64 julho 2016 teclas & afins


reproduzir as amostras apenas quando a
mensagem MIDI note-off é recebida, ou
seja, quando soltamos a nota do teclado.
Em alguns sons de órgão, existe um clique
que é característico desse instrumento e
que só é audível quando soltamos a tecla
que estamos tocando. Por meio desse
recurso, podemos facilmente simular esse
efeito. Ao ativar a função Release Trigger
(F), temos acesso à opção note mono (G),
que, como o nome diz, não permite que
esse efeito seja polifônico, ou seja, apenas
uma amostra é reproduzida por vez. HQI
(H) é uma interpolação de alta qualidade,
utilizada apenas quando tocamos uma
amostra na nota diferente de seu original,
ou seja, que foi transportada e teve sua
afinação alterada para ser reproduzida.
Standard, High e Perfect são as opções,
onde Perfect é a que utiliza mais recursos
de processamento da CPU.
24 horas no ar
Uma das mais ouvidas no Mundo!
Várias vertentes com qualidade!
Programas ao vivo - Humor - Esportes - Entrevistas - Entretenimento - Participação do ouvinte
teclas & afins
Kontakt
Vale lembrar que nossos arquivos de áudio
preferivelmente devem estar no formato
proprietário do Kontakt, “.ncw”. Ao salvar
nosso instrumento, basta marcar a opção
compress samples (A, Figura 2).
Aguardo sugestões para juntos
conhecermos um pouco mais sobre o
Kontakt. Bons sons!
Edwaldo Venturieri
Pianista, tecladista, graduado
em música pela Universidade
Federal de Minas Gerais.
Graduado também em Ciência
da Computação, sendo servidor
público concursado em Belém
do Pará, daí a paixão pela
informática.
venturieri@hotmail.com
julho 2016 / 65
PALCO POR wAGNER CAPPIA

Crise?
Estamos em crise. Fato! O país atravessa um período
complicado, que atinge uma boa parcela da população
economicamente ativa, mas “crise” passa a ter um
significado mais abrangente do que simplesmente um
“puxa, estamos ferrados!”

Sou dono de uma empresa detentora deixei escapar a minha capacidade de ser
de algumas marcas. Uma banda, um empresário.
conservatório e um estúdio, entre outros Para um músico entender o que é ser
projetos. Estamos em crise! Quem me empreendedor é relativamente fácil: ideias,
conhece - ou acha que me conhece -, projetos, planejamento, criatividade a flor
olhando a empresa do ponto de vista da pele etc. Mas o que é ser empresário?
externo, tem a nítida impressão de que Na música ou em qualquer outra área,
estamos bem. E estamos. Mas não tanto ser empresário é olhar para o seu projeto
quanto gostaríamos ou poderíamos. e o encarar como um negócio 100% do
O músico é, em maior ou menor tempo. É cuidar dos números, da conta,
intensidade, um empreendedor nato. Ele do fundo de reserva, da capacidade de
tem que ser um empreendedor, senão investimentos, da contabilidade, do
nunca terá destaque. Se ele não buscar estoque, impostos etc. Quando comecei
inovação, oportunidades, exposição e a entender que a minha força criativa,
fixar sua bandeira no alto da montanha
todos os dias, ele não terá uma carreira
sustentável por muito tempo. O músico
é um exemplo de empreendedor por
obrigação, se assim o podemos definir.
E, como o palhaço de circo, não importa
a tempestade que está caindo no seu
mundo, o público quer sorrir.
Às vezes, tenho a impressão de estar à
frente de muitos projetos, mas, ao mesmo
tempo, nenhum deles parece estar indo
para a mesma direção, ou para a direção que
eu entendo que deveria. E essa sensação
me perseguiu por um bom tempo, até que
me deparei com uma palavra que sempre
fez parte do meu vocabulário, mas como
músico ainda não a tinha internalizado. Eu
era (e ainda sou) um empreendedor, mas

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 PALCO

natural, para ter ideias legais não era
suficiente para que aquilo se tornasse uma
realidade permanente, meu mundo caiu.
Todo mundo já teve uma ideia para um
show incrível, que muita gente curtiu e
achou genial. Mas, para colocar a ideia no
palco, a coisa deixa de ser tão glamourosa.
Inclusive para os companheiros que agora,
esbarrando nas dificuldades tangentes
àquela ideia, já não a acham tão genial
assim. E muitas vezes deixam o projeto de
lado e partem para uma nova ideia “genial”.
O que falta?
Falta tratar o assunto de forma empresarial.
Tornar realidade. E só se conhece a realidade
encarando não somente os benefícios que
aquilo pode trazer, mas, principalmente,
enfrentando tudo o que pode dar de errado
em sua ideia: quanto vai custar e como
se vai pagar; quais as implicações e quais
cuidados legais devem ser tomados; qual
impacto sobre os demais investimentos da
empresa sua ideia pode causar; quanto de
imposto será pago; qual a viabilidade legal
da empresa em executar tal ação; e muitas
outras coisas.
Tudo tem seu lado “chato”. Se você concorda
com isso, está no caminho errado. Sendo
dono de escola, vejo constantemente os
alunos reclamarem do tal “tec”, “tec”, “tec”...
o metrônomo! E nos deparamos com a
missão de demonstrar como esse aparelho
é importante na formação de um músico.
Certa vez, o renomado baterista Maurício
Leite disse algo como “se você considera
o estudo com metrônomo uma perda de
tempo ou algo chato e desnecessário,
procure outra atividade na vida..”. Ele é a
base de um estudo sério que será útil e
utilizado em toda a sua vida profissional.
Não é chato. Faz parte da construção da
sua formação. Não existe “chato” naquilo
que você faz por amor. Se houver, significa
que isso ainda não é exatamente o que
você ama fazer.
Empreenda, mas seja também um
empresário e conheça cada detalhe da sua
ideia. Com isso, seus pés não sairão do chão
e o seu sucesso terá muito mais chances
de acontecer. A crise? Está presente para
nos mostrar o quanto somos capazes de
superar dificuldades e trabalhar com o
disponível, mas nem sempre o necessário.
A crise vai passar, e seus projetos precisam
estar prontos para sobreviverem a ela.

Wagner Cappia
Iniciou seus estudos em piano clássico em 1982, com formação pelo Conservatório Dramático Musical
de São Paulo. É sócio-diretor do Conservatório Ever Dream (Instituto Musical Ever Dream), tecladista,
compositor e arranjador da banda Eve Desire e sócio-proprietário e responsável técnico do estúdio
YourTrack. Músico envolvido na cena metal, procura misturas de estilos que vão desde sua origem natural
na música erudita até a música contemporânea, mesclando elementos clássicos e de ambiente em suas
composições. Especialista em tecnologia musical, performance ao vivo para tecladistas, coaching para
bandas, professor de piano, teclado e áudio.
www.cappia.com.br - www.evedesire.com - www.institutomusicaleverdream.com

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