Como pintar um retrato a óleo - Parte 1 de 5

 Por Will Kemp

 pintura a óleo / retratos

 170 Comentários

(Agora tenho um curso de vídeo de retrato a óleo de mais de 6 horas que cobre um processo de grisaille destilado e
demonstrações de vitrificação em cores para dois retratos. Você pode assistir a uma introdução em vídeo nesta página:
Curso de vitrificação de retrato a óleo )

Como pintar um retrato preto e branco em óleos

Você pratica o desenho de retratos há anos, mas fazer o salto para a pintura de retratos a óleo sempre parece terminar
com um acabamento nada assombroso?

Ou você anda pelas galerias de retratos maravilhado com a pergunta: 'Como eles fazem isso?'

Talvez você esteja frustrado com seu processo e não saiba como mudá-lo.

Os retratos podem parecer o assunto mais difícil de decifrar, e seus esforços podem facilmente desanimá-lo. Uma
pincelada errada pode fazer com que um assunto pareça repentinamente 'errado', o pânico se instala - seus lápis ficam
afiados, o carvão sai e você não volta a pintar por um tempo.

Mas você não quer mais desenhar, você quer pintar.

Então, por onde você começa?

Uma abordagem passo a passo

Materiais
Por que retratos a óleo?

Eles secam lentamente e, para retratos, o tempo é essencial.

Comecemos pelo princípio.

Vou manter as coisas simples.

 3 técnicas fáceis de aprender.

 3 tintas básicas para usar.

Tinta a óleo – para esta série de demonstrações, usarei tintas a óleo de qualidade artística.

 Umber cru

 preto marfim

 Flake branco (ou branco de titânio)

As tintas a óleo são feitas misturando pigmento moído (a cor) com um óleo secante. A maioria das tintas de qualidade
artística são misturadas com óleo de linhaça prensado a frio. Os brancos geralmente são misturados com um óleo
diferente, noz ou óleo de papoula, pois são menos amarelados do que o óleo de linhaça.

Estou usando tintas de qualidade artística que têm uma qualidade de pigmento mais alta do que as tintas para alunos,
você pode ler sobre as diferenças (consulte as 8 principais diferenças entre tintas para artistas e alunos)

Estou usando uma mistura de marcas, incluindo Michael Harding, Old Holland & Winsor e Newton.

Suporte – (o que você pinta)

Um pedaço de MDF de 5 ou 6 mm de espessura pode ser um ótimo ponto de partida. Prepare a superfície com gesso
acrílico, lixando entre demãos, veja aqui como aplicar gesso.

Dica profissional:  Certifique-se de dar a todos os lados da placa de MDF uma camada de tamanho, especialmente as
bordas que podem ser muito absorventes de umidade.
Muitos retratistas preferem trabalhar em linho em vez de algodão, pois você pode obter uma trama mais fina, mas
estou usando uma tela pré-preparada para esta demonstração. A tela real é uma tela de algodão Belle Arti.

Pincéis – Para esta demonstração, usarei:

 Rosemary & co Ivory Filbert   – tamanho 4, 2 e 10 (tamanhos 6 e 8 também são muito úteis de se ter)

 Rosemary & co Kolinsky Sable série 33 Redondo – tamanho 3

 Rosemary & co Kolinsky Sable série 66 Filbert – tamanho 8

Para saber mais sobre pincéis,  veja uma maneira rápida de entender os pincéis

chão colorido

As tintas a óleo aumentam em transparência com a idade, mesmo cores opacas espessas. Para testar por si mesmo, faça
algumas marcas de lápis ou caneta em um pedaço de tela ou papelão, pinte-as de forma opaca e depois tire uma
fotografia para ver a cobertura; verifique novamente no dia seguinte e na próxima semana para ver se a opacidade
mudou.

Para um estudo tonal, um fundo colorido é obrigatório, ajuda a estabelecer os extremos da pintura, os escuros mais
escuros e os claros mais claros. Também torna mais fácil julgar os tons e é muito mais indulgente do que uma tela
branca.

Dica profissional: você pode experimentar um fundo branco puro para criar um brilho subjacente à pele. Os pintores
pré-rafalitas gostavam desse método. Tradicionalmente, o fundo branco tem sido usado para iluminar as camadas
transparentes de tinta a óleo.

Acrílico ou óleo para o chão?

Eu usei acrílicos neste exemplo. É uma mistura de umber cru e branco de titânio, observe como foi aplicado bem fino,
com um pouco do gesso branco aparecendo. Isso por 2 motivos:

1. Não quero perder o 'dente' da tela. O dente é o grão e a textura da tela e ajuda a retirar a tinta do pincel. Se
você pintar em uma placa lisa e preparada, notará a diferença com a sensação de tinta como se estivesse
"sentado em cima" da superfície.

2. Você não quer criar uma vedação com acrílico grosso, você ainda precisa que o óleo possa aderir à superfície
por baixo, então sempre adicione água à sua mistura acrílica.
Você também pode usar tintas a óleo de secagem rápida, que às vezes são chamadas de alquídicas.

Ou estabeleça um tom apenas com umber cru e terebintina (ou álcool mineral inodoro) ou umber cru padrão e branco
de secagem rápida.

Os pigmentos brancos secam mais lentamente do que o umber cru, que é uma cor de terra e seca rapidamente (é por
isso que recomendo um branco de secagem rápida acima).

Se você tiver uma tinta base com muito óleo, estará quebrando a regra número 1 da pintura a óleo – gorda sobre magra

O que é gordura sobre magra?

Um novo plano de dieta Paleo?

Gordo sobre magro é a expressão que os pintores usam para garantir que você evite que sua pintura a óleo rache.

Basicamente significa que cada camada sucessiva de tinta deve ter mais 'óleo gordo' do que a camada anterior.

Tem tudo a ver com a forma como as tintas a óleo secam.

 Aguarrás ou álcool mineral inodoro (OMS) seca por evaporação.

 O óleo seca por oxidação – absorve oxigênio

Para esta primeira etapa, usaremos OMS ou terebintina misturados à tinta a óleo para que fique com uma tinta de
fundo 'magra' que secará rapidamente.

Quando chegarmos às próximas etapas da pintura do retrato, estaremos misturando óleo de linhaça com nossa tinta a
óleo, e essas camadas serão mais ricas em óleo, portanto, 'mais gordas' e demorarão mais para secar.

Layout e tom da paleta

Para este primeiro 'bloqueio' da pintura, estaremos pintando apenas com umber cru.

Para pinturas posteriores e para um acabamento mais escuro, será usada uma mistura entre umber cru e preto marfim,
no entanto, muito pode ser aprendido usando apenas umber cru e branco.

A escolha da cor da paleta pode ser um fator decisivo para o seu sucesso.

A imagem abaixo mostra os diferentes efeitos ópticos que ocorrem com as cores dependendo da cor ou tom da paleta
em que são colocadas. Se você estiver trabalhando em uma pintura muito escura - uma paleta preta seria muito útil,
pois os iniciantes têm a tendência de nunca escurecer o suficiente quando começam a pintar.

E quando você vê o umber cru na paleta branca, logo pode ver o porquê – o umber cru parece preto.

Para este tutorial de pintura, usarei a opção de meio-tom. Uma folha de perspex (3 mm de espessura) que acabei de
colocar em cima da tela de fundo colorida (amarelo cru e branco).

Observação: embora haja branco na minha paleta, isso é para ilustrar as diferenças no uso de uma paleta de tons. Não
uso branco na primeira seção da pintura.
Dica profissional: ao pintar no estúdio, tenho uma folha de vidro maior na qual posso ajustar os tons abaixo,
dependendo do assunto. Os tons podem ser uma folha de papel cinza, um pedaço de cartolina preta ou uma seção de
tela pintada em meio-tom.

fotografia de referência

Escolhi um auto-retrato, pois quando você está começando, é mais tolerante com qualquer erro cometido.

Os principais pontos a serem observados são:

 uma ampla gama de tons , desde o branco brilhante da camiseta até o preto escuro do cabelo.

 uma única fonte de luz para obter uma forte sombra projetada pode ajudar a criar a ilusão de profundidade e
interesse em sua pintura.

 um fundo escuro para que as luzes no rosto se destaquem

Desenhar retratos
Representar com precisão o rosto humano tem sido uma obsessão dos artistas há anos, e ainda há algo incrivelmente
atraente no retrato.

Para esta série, vou me concentrar mais na abordagem técnica usando técnicas de pintura clássica, em vez de usar isso
como uma série em um curso de desenho de retrato.

Normalmente, os problemas iniciais decorrem da falta de conhecimento do desenho.

Se você estudou desenho ou está ciente dos truques poderosos que seu cérebro pode fazer com você ao tentar registrar
algo com precisão, então você está em vantagem para o estágio inicial de desenho - no entanto, se estiver mais
interessado em aprender as técnicas de pintura , então não se apresse e esboce com a maior precisão possível.

Desenhei o básico da pintura de retrato na tela com um lápis 2B e observe como também desenhei a linha de sombra.
A linha de sombra é onde nenhuma luz direta atinge o assunto, então as sombras mais escuras. Deve ser um desenho de
linha simples.

Esfreguei suavemente as marcas iniciais de lápis com uma borracha de massa para deixar as linhas mais fracas. Quanto
menos grafite você tiver para misturar na tinta, melhor. Alguns artistas preferem desenhar em carvão, ou se você
estiver trabalhando em um acabamento muito fotorrealista, pode ser usado um marcador permanente com ponta
fina. Tente encontrar uma caneta marrom em vez de preta, pois é mais tolerante.

A primeira mistura é umber bruto diluído com os espíritos minerais inodoros - OMS. A terebintina de goma pura é
tradicionalmente usada e 'corta' o óleo mais facilmente, mas se você estiver trabalhando em um espaço confinado com
pouca ventilação, aguarrás minerais inodoros são uma ótima opção. 'Zest-it' também é bom de usar e tem um aroma
cítrico.
Para este exemplo, a foto de referência tem o mesmo tamanho da imagem pintada.

Essa abordagem e técnica estão associadas ao método do tamanho da visão e podem ser muito eficazes quando você
está iniciando o retrato.

Você não precisa criar um molde ou modelo da vida, imprimir sua imagem de referência no mesmo tamanho da tela e
praticar o trabalho 1: 1. Dessa forma, você pode julgar rápida e facilmente os tons e formas em sua pintura, passando os
olhos entre as duas imagens.

Passo 1 – Bloquear em segundo plano

Trabalhando entre um número 2 e um número 4 (pincel Filbert Ivory), começo a bloquear no fundo. A mistura de tinta é
fina, mas opaca. Eu mergulho meu pincel no OMS, quando digo mergulho, quero dizer 2 mm. Apenas uma quantidade
muito pequena. Em seguida, espremo a ponta do pincel em algum rolo de cozinha para que o pincel fique úmido, mas
não molhado.

Aplico a tinta com um movimento de esfregar, trabalhando com o pincel menor para os detalhes e, em seguida,
trocando para o pincel maior para as áreas maiores.
O 'scrub in' inicial é bastante solto, apenas para sentir o tom na tela. Em seguida, trabalho com um pincel maior para
suavizar o tom. Estamos tentando manter os tons planos e simples, então trabalho sobre as áreas mais espessas de tinta
para que a superfície pareça mais uma mancha, em vez de tinta espessa.

Passo 2 – Bloqueie nas áreas mais escuras

Agora estabeleço a área mais escura da pintura, ainda usando apenas o umber cru. Como sei que algumas dessas áreas
são ainda mais escuras do que o umber cru, posso sentir confiança para trabalhar com tinta levemente
espessa. Novamente, sem usar muito do OMS, deve parecer um efeito de pincel seco e quanto mais você 'esfregar' mais
longe a tinta irá.
As áreas, onde os tons são muito próximos, são mantidas como um único tom de massa. A tendência será querer entrar
e adicionar todas as pequenas sutilezas e detalhes que você está começando a ver.

Como o chocolate na dieta, temos que aprender a resistir!

Passo 3 – Pincel seco na linha da sombra

Observe como, ao aplicar a tinta nas partes internas do retrato, mantenho as bordas bem suaves. Isso é fundamental ao
construir um retrato com este método. Bordas duras e afiadas são difíceis de cobrir quando você está trabalhando com
camadas finas de tinta a óleo, então tente manter suas bordas macias nesses estágios iniciais.

A tendência agora será tentar pegar um pouco de branco e 'pintar', mas, novamente, isso é imprudente - lembre-se -
comece devagar, para que você possa terminar rapidamente.
Verifique o desenho em sua pintura e verifique se seus tons estão seguindo as linhas certas. Você pode apertar os olhos
para o assunto, o que é um método muito eficaz de simplificar os valores tonais.

Agora dê uma olhada nas bordas entre o fundo e a borda da cabeça, observe como o cabelo e a orelha estão
desfocados. A fotografia foi tirada para imitar como o olho humano vê, então suavize as bordas.

Se olharmos para o auto-retrato de Velasquez, notemos como a borda do cabelo próximo ao rosto é suave e
embaçada. Eles se misturam para que seu olhar se concentre no olhar dele.
Passo 4 – Suavize as bordas
Para misturar uma borda, pegue um pincel seco (ou um pincel com um pouco de OMS se a tinta estiver começando a
secar e você ainda precisar esfumar) e pincele suavemente sobre a linha. Costumo usar sables para isso, pois os cabelos
mais macios permitem uma mistura mais suave. Os filberts Ivory são ligeiramente mais macios do que um pincel de
porco puro, por isso ainda são muito úteis na hora de esfumar, você só precisa usar um toque mais leve.

Às vezes também uso um pedaço de papel de cozinha (idealmente sem fiapos) ou um pano de algodão para amenizar. E,
às vezes, apenas um dedo serve para obter aquela mistura sutil (se você gosta do efeito de usar o dedo para misturar,
certifique-se de aplicar um creme de barreira antes de iniciar sua sessão de pintura. Lembre-se de lavar as mãos. Eu sei
que soa como sua mãe, mas o chumbo usado em algumas das tintas pode ser perigoso se tiver contato persistente com
a pele.

Passo 5 – Adicione mais detalhes de sombra

Agora coloco um pouco mais de sombras no retrato usando o sable redondo menor, neste estágio, estou me
concentrando nas áreas que não receberiam luz direta.

É importante identificar o que cai nas sombras escuras e nos meios-tons; não é tão fácil quanto parece. Estude
realmente sua imagem de referência e diga a si mesmo:

'Se eu pudesse pintar em preto puro e branco puro, o que eu escolheria?'

Tudo o que se enquadra na categoria negra é o que nos preocupa nesta fase.

Portanto, embora algumas áreas da minha bochecha estejam escuras, ainda não as coloco porque são meios-tons e
aparecerão à medida que o retrato avança.

Você quer tentar manter suas sombras mais escuras em um tom escuro, então quando você colocar os meios-tons, você
terá mais espaço para modelar a forma.

Ainda estou mantendo um tom liso e um pincel seco para que o efeito fique bem suave.

Passo 6 – Usando um pincel menor

Mais detalhes, verificando o desenho e acrescentando tons escuros nos olhos, lábios e clavícula.

Passo 7 – Refinando as sombras

Eu agora me afasto da pintura e aperto meus olhos, passo meus olhos entre a foto de referência e a pintura e ajusto
quaisquer arestas e desenhos rígidos.

Passo 8 – Verificando bordas e tomando uma xícara de chá

É muito importante ao pintar retratos a óleo dar uma pausa nos olhos, ir tomar uma xícara de chá, voltar e fazer os
ajustes finais e deixar esta etapa secar durante a noite.

Brilhante, nossa primeira etapa está concluída.

Pintura feliz!
How to paint a black & white portrait in Oils a Step by Step approach

In this series of 5 posts, I am going to look at the process of how to tackle painting a black & white portrait using oil
paints.
So when you come back to your painting the next day, it’s a good time to reassess the drawing and have another look at
the tones…

What we’re going to do to start with, is to strengthen the background and shadow tones, still using just the Raw umber.
Because Raw umber is a quick drying pigment it still sits in the principle of fat-over-lean but to make sure, we’re going to
add some Linseed oil to our Odourless Mineral Spirits (OMS) to create our paint medium.

Mediums in Oil Paint

A medium is something added to the paint whilst mixing colours on the palette. Different artists vary greatly in
their preferred choice of mediums. Mediums can help with blending, glazing, brush techniques and the handling
qualities of the oil paint.

Mixing Raw umber for this layer

For this Raw umber part of the demonstration we will be using a very simple mix of OMS and refined Linseed oil, 1 part
linseed oil : 4 parts mineral spirits

To add the oil to the OMS, I use a pipette. They make it easy to judge exact proportions and help keep a clean working
environment.

The one thing to remember with a medium is less is more, you only need such a small amount of it otherwise you find
yourself chasing the paint around the canvas instead of being able to scrub it in.
Refined Linseed Oil: made from the seeds of the flax plant. It adds gloss and transparency to paints and is available in
several forms. It dries very thoroughly, making it ideal for underpainting and initial layers in a painting. Refined linseed
oil is a popular, all-purpose, pale to light yellow oil which dries within three to five days.

 Step 9 – Strengthening the Shadows

I now dip my brush in the medium, then take the excess off on kitchen roll until the brush is damp but not wet. I then
paint on a slightly thicker layer of paint over the hair to reinforce the tones – the darkest dark and get closer to
the reference photo.
I’ve also reinforced the shadow line on the side of the face and under the chin, this was using the size 4 Ivory Filbert,
notice how I haven’t blended the edge yet due to the scale of the portrait being quite small.
I will swap to a Sable to have more control and dry brush and fuse the edge.
Step 10 – Adding more darks on the features
So now squint your eyes at your painting and the reference photo and still think of simple shapes, don’t get hung up on
trying to paint the details – just concentrate on the shadow shapes, and look for the areas of the darkest dark around
the portrait.

I’ve now added the Raw umber around the eyes, top lip and the neck, using a smaller, Round brush. These are the areas
that need to go darker, it’s at this point you can check your drawing again.

It’s natural to feel that you might be going in too dark at this stage but feel confident that we haven’t used black paint
yet, so there is still another tonal step available to us.
Step 11 – Strengthening the background

Now using a slightly thinner consistency, I paint over the background again. Notice how the paint colour appears
warmer in tone because of the warmer underglow coming through.
Paints always look warmer in a thin layer and always go cooler as soon as you add white. Although this is a very simple
point, it can be key in getting the most out of each pigment, rather than jumping to use a new colour.
Then, using a size 10 Ivory Filbert, I gently unify the tone to get rid of brush marks and fuse the edge between the hair
and the background.

Step 12 – Introducing the Lights

“Most objects can be reduced broadly into three tone masses, the lights (including the high lights), the half tones, and
the shadows. And the habit of reducing things into a simple equation of three tones as a foundation on which to build
complex appearances should early be sought for”
Harold speed, The Practice and Science of Drawing

A note about
underpainting white with acrylic paint

Pro tip: In this demonstration I under paint the lights with oil paint. However, if I’m working to a tight deadline and the
ground has been prepared with an acrylic gesso there is another option that you can work an underpainting with
acrylics.
Be careful not to paint too thickly or you will have a plastic resist to the oil paint, notice in part 1 how the coloured
ground was applied thinly so the oil could still adhere to the canvas.

3 Different kinds of White

 Flake white – This is a lovely white that brushes out nicely and has a nice flexibility in the paint film. It is also a
quick drier compared with Titanium white, so is useful for under paintings. This makes it a great white
for mixing subtle tones when working with a full palette for oil portraits as you can shift the colour, yet still work
in semi-opaque layers to develop the skin tones.

It has a semi-opaque finish and is the least white of the white. For finishing highlights or a really bright white, Titanium
white is a better choice.

For this tutorial, it is not as important and you could use a Titanium white for the whole way through. This way you can
get used to using thicker, more opaque colours that will help you to understand the basics of painting, rather than
getting obsessed with the subtleties of glazing.

 Titanium white – I find this is the most opaque and bright white, it is a slower drier than Flake white and is very
thick when it first comes out of the tube.

Pro tip: I often mix my Titanium white with OMS just to create a more flexible and free flowing consistency, I then keep
a small blob of the pure white for adding the thickest, brightest highlights.

 Zinc white – Another semi-opaque white used for mixing and subtle-tinting of colours, I personally don’t use
this much in my paintings.

Lead-based pigments:

The perception that “oil paints are hazardous” comes from the use of lead-based pigments.

Until the beginning of the 20th Century, lead whites were the only opaque white pigments available, Zinc white
was available but had more transparency and a tendency to dry slowly, so was hard to paint thicker, solid colour.

In the mid-1920’s non-toxic Titanium White was introduced and gave artists a non-toxic alternative. So historically,
painters have been exposed to much higher levels of toxic pigments than modern day painters.

However, some artists continue to use lead white because of its interesting working properties. Lucien Freud loved it so
much he bought it in bulk, fearful Cremnitz white was going out of production.

A note about Lead Whites

 Flake White No. 1

 Cremnitz White

 Foundation White.

Lead white has been used traditionally by the Old Masters, and as such is often viewed in high regard. However due to
the toxic nature of this paint, it is often only available in tins and recently has had issues with health and safety.

They are fast drying and offer a high degree of flexibility and as a result, they are often used for portrait work.

Specifically, Flake White No. 1 has a creamy consistency and handles really well.

Cremnitz White is ideal for achieving sculptural effects thanks to it unusual almost stringy consistency.

Foundation White is a traditional lead-based white, ground in Linseed Oil which thanks to its fast drying rate, is ideal for
priming.
Please Note: Disposal of the lead waste from the painting process can be problematic. Throwing lead out with your
regular rubbish is against the law.

Lead paint, the tubes it comes in, cloths and any solvent used for cleaning when working with lead, are considered
hazardous waste and have to be disposed of at hazardous waste sites. (see comments below)

I’ve also seen that Gamblin produces a flake white alternative that is non-toxic. I haven’t personally used it but will
look into doing a comparison post in the future.

Drying rates of oil paints

Oil paints that are slow driers should be avoided in the underpainting as it breaks our number 1 rule of ‘fat over lean’.
When a faster-drying layer is painted over the top it will pull apart from the underpainting which contracts and gets
smaller when it dries.

Ao trabalhar com as luzes, você precisa de uma tinta de fundo com um branco de secagem rápida. Você pode usar Alkyd
(óleos de secagem rápida), um fundo branco ou, como estou usando nesta demonstração, um Flake white.

Quando você está pintando com uma variedade de cores em sua paleta, as diferentes taxas de secagem das tintas a
óleo não são tão perceptíveis porque você as mistura constantemente. Porém, para a técnica que estamos utilizando
até agora, construindo a pintura em camadas progressivas, você precisa ficar atento aos tempos de secagem dos
pigmentos que está utilizando.

Como acelerar a taxa de secagem

O branco (especialmente o branco de titânio) leva mais tempo para secar do que o tom cru.

Se você estiver trabalhando na tinta base e quiser que as tintas a óleo sequem mais rápido, você precisa adicionar
um secante.

Um sicativo é um nome para um agente de secagem misturado com a tinta.

Tradicionalmente na pintura clássica, os secadores de cobalto eram frequentemente usados para acelerar o tempo de
secagem da tinta a óleo. Usando uma pipeta, você pode simplesmente adicionar algumas gotas de secador de cobalto à
sua tinta.

Misturando branco para esta camada

Você tem 2 opções, se o tempo não for problema, misture o branco como fizemos antes na Parte 1 com um pouco de
OMS, assim vai demorar um pouco mais para secar.

Como alternativa, se o tempo for um problema, você pode adicionar um secante.

Para a camada branca inicial da pintura, adiciono um secante e o secante que estou usando é Liquin. Então o que eu
faço é misturar uma pequena quantidade de Liquin com o Flake white até ficar com uma consistência amanteigada.

Observação: não adiciono nenhum OMS ou óleo de linhaça.

Liquin acelera a secagem em cerca de 50%.

Observe como nos brancos que eu bloqueio na mistura não cobre completamente o fundo colorido.
Com o branco estou apenas pintando o lado claro do retrato, as luzes mais claras, deixando o fundo colorido exposto do
lado direito do retrato.
Com o sable redondo menor, adiciono luzes ao redor dos olhos, estou tentando estabelecer uma faixa tonal entre os
escuros mais escuros e os claros mais claros para poder julgar o próximo passo mais facilmente quando misturarmos
nossas cordas de cores. Não se preocupe se não for 100% preciso, é apenas um fino véu de tinta para ajudar nossos
olhos a julgar o tom.
Passo 13 – Suavizando as Luzes
Nesta etapa da pintura, suavizei novamente as bordas brancas do rosto. Não tenho linhas nítidas e noto que, uma vez
que chegamos a esse estágio, fui mais pesado para tornar o branco da camiseta mais opaco, pois estou mais confiante
em combinar o valor tonal.
“Quando você voltar à sua pintura, notará como o óleo ficou translúcido durante a noite e não terá a mesma cobertura
que você pensou inicialmente.”

Como pintar uma série de retratos. Esta é a parte 3 de uma série de 5 tutoriais para iniciantes que fazem a transição do
desenho para a pintura a óleo.

Aqui está uma rápida revisão do que cobrimos até agora, se você quiser participar…

Parte 1 – Estabelecendo o desenho, incluindo a linha de sombra.

Isso pode ser feito a lápis ou carvão (que você pode fixar com fixador) tente manter as linhas de desenho angulares para
começar.

Tente estabelecer as formas básicas se você puder usar apenas uma linha reta e, em seguida, adicione os contornos à
medida que o desenho avança. Um erro clássico de iniciante ao desenhar um retrato é exagerar demais as curvas do
rosto. Tudo fica 'arredondado' e o retrato pode ter uma qualidade de desenho animado. Como temos um forte sistema
de memória visual que nos diz que 'rostos são redondos', isso pode inconscientemente afetar seu desenho.

Começamos a esfregar a camada de tinta base. Para um iniciante, esta etapa é muitas vezes ignorada, considerada sem
importância, mas uma boa base é a chave para o sucesso com retratos.

Em seguida, temos nossa subpintura tonal de 3 partes que permite que você e seu olho fiquem mais sintonizados com a
imagem e fiquem atentos aos tons.

Parte 2 – Desenvolvendo os tons, adicionando luzes.

Em seguida, trabalhamos por cima da tinta inicial ainda apenas com o umber cru para fortalecer os tons e obter uma
melhor sensação de forma. Essas camadas são todas pintadas com pouca espessura.

O meio para este estágio sendo uma mistura simples de 1 parte de óleo de linhaça para 4 partes de aguarrás mineral
(aguarrás artístico ou aguarrás mineral inodoro) estabelece a regra de 'gordura sobre magra'. Com cada camada
progressiva sendo um pouco mais gorda – com mais teor de óleo.

Também adicionamos algumas luzes ásperas com um branco de secagem mais rápido.
Isso é para nos ajudar a julgar os tons para o próximo estágio, de modo que, quando os pintarmos, eles não pareçam
'exagerados' quando adicionarmos as luzes.

O fascínio dos destaques

Esqueci de enfatizar no final da parte 2 que o rugoso nas luzes é a massa tonal clara e não os destaques.

Os destaques e as partes mais escuras da pintura devem ser as últimas pinceladas a serem feitas, mas elas tentam atrair
você! É difícil resistir a colocá-los no estágio inicial .

E mesmo que você tenha lido o aviso, é incrível como, quando você se envolve na pintura, sua mão é atraída para
aquele branco mais claro.

Isso pode parecer contra-intuitivo se você está vindo para a pintura do desenho, já que muitas vezes apagamos as áreas
mais claras ou trabalhamos nessa área que atrai nossa atenção. Os destaques brancos no olho têm um fascínio
particular.

Quando a pintura estiver concluída, eles serão vistos pelo observador como sendo pintados com mais habilidade; no
entanto, um único ponto branco pode ser pintado por qualquer pessoa, mas resistir a adicioná-los exige a prática de um
artista.

Uma observação sobre o cinza

Um dos alunos que segue esta série me informou sobre a competição cinza Gambiln Torrit (Obrigado, Mario!)  Toda
primavera, a fabricação de tinta coleta todos os resíduos de pigmento de tinta que foram coletados pelo sistema de
filtragem de ar e os recicla em “Gamblin Torrit Gray ”. Você pode aprender mais sobre a  competição de pintura Torrit
Gray  no site da Gamblin.

“O pó de pigmento não deve ir para a terra, água ou aterro sanitário, mas para a tinta”,
Robert Gamblin.

Para o nosso cinza, vamos misturar um neutro usando o umber cru e o preto Ivory.

Parte 3 – Primeira pintura e mixagem de um novo meio

Agora criamos um novo meio para a próxima camada da pintura. Diferentes artistas variam a riqueza do meio,
dependendo de suas preferências pessoais, mas a próxima mixagem é muito útil.
    3 partes de álcool mineral para 1 parte de óleo de linhaça

Você pode usar a pipeta para medir as quantidades ou, se estiver misturando uma quantidade maior, usarei colheres
medidoras de cozinha.

Dica profissional : se você estiver pintando muito, pode valer a pena pré-misturar uma quantidade maior de cada meio
em frascos que podem ser fechados novamente, rotulá-los e simplesmente decantar o meio a cada estágio da pintura.

Misturando nosso preto

Agora vamos misturar um preto neutro para desenvolver este estudo monótono. Você ainda pode criar alguns estudos
adoráveis apenas usando o umber cru e o branco, é um acabamento mais quente que o preto, mas você ainda
aprenderá a importância do contraste em suas pinturas.

Para misturar o neutro, usamos 3/4 de marfim preto a 1/4 de umber cru. Isso ajuda a tirar o azul do preto (o preto tem
uma base azul, é por isso que você pode misturar lindos verdes suaves com preto )

Ivory black
O Ivory black é um pigmento de secagem lenta, misturando 1/4 do umber cru (que é de secagem rápida) ele combinará
bem com o Titanium White (secagem mais lenta) e nesta fase da pintura o tempo aberto mais longo ' temos com as
tintas melhor. O preto marfim também tem uma riqueza adorável quando pintado com pouca espessura, o que ajudará
nos estágios posteriores do retrato.

Dessa forma, você terá tempo para trabalhar sua pintura e misturar e fundir as arestas necessárias. É por isso que
começamos com o umber cru, ele seca durante a noite e tem um tom mais frio ao trabalhar com retratos.

Materiais

 Winsor & Newton qualidade artística Ivory Black

 Qualidade artística de Micheal Harding Raw Umber

 Qualidade de artista Old Holland Titanium White

 Winsor & Newton Sansador (espíritos minerais inodoros)

 Winsor & Newton Óleo de linhaça refinado

Não há nenhuma razão específica para usar cada marca, muitas vezes misturo marcas, pois gosto de experimentar cores
de fabricantes diferentes. O que estiver disponível onde você estiver. A única chave em todos eles é que eles são de
qualidade artística (veja: as 8 principais diferenças entre a qualidade do artista e a pintura do aluno )
Consistência da tinta

Quando você está apenas começando com óleos, o manuseio da tinta pode variar muito, dependendo da consistência
da tinta.

A tinta a óleo (especialmente o branco de titânio) costuma ser muito espessa e rígida para trabalhar neste estágio da
pintura - direto do tubo.

Para tornar a tinta mais fluida, diluo-a levemente com o meio mostrado acima. Eu uso uma pipeta para deixar cair
algumas gotas do meio na mistura de tinta e misturo bem com a espátula. Usar a espátula para misturar as tintas é uma
técnica muito útil.

O vídeo abaixo mostra um rápido tutorial de como diluir a tinta a óleo.

Costumo misturar as cores em uma paleta separada e destacável e, em seguida, transfiro a mistura para o vidro/perspex
limpo.

Se você está apenas começando com óleos, notará a facilidade com que pode contaminar as cores ao usar uma paleta
completa de cores, o que pode levar a cores turvas e pintura frustrante.

Isso ajuda você a aprender métodos de trabalho limpos. Eu sou naturalmente mais impaciente, então é uma disciplina
gastar tempo misturando as cores, pois você só quer pintar, mas vai render dividendos.

Passo 14 – Misturando  nossas cordas de cores tonais

Esta próxima etapa do retrato é onde realmente conseguimos 'pintar' como cores mais espessas e opacas
misturadas. Se olharmos para as aulas das últimas semanas, você pode ver que ainda não misturamos nenhum tom.
Simplesmente bloqueamos os valores tonais básicos, no que às vezes é chamado de 'estágio de coloração morta',
porque estamos usando uma quantidade limitada de óleo na mistura e mais aguarrás mineral. À medida que os
aguarrás evaporam, a cor pode aparecer plana e 'morta', pois não tem o brilho que o óleo nos dá.

Dica profissional: Ao trabalhar com cores, isso também é chamado de adição da 'cor local' de um assunto. Por exemplo,
um limão teria uma cor local de amarelo.

Portanto, antes de começarmos a pintura, vamos pré-misturar um intervalo de 9 tons de valor.

Branco (1) é o mais claro, preto (9) é o mais escuro. Isso nos permite obter um tom médio 5 e dividir os tons em claros,
meios-tons e escuros. Elas são chamadas de cordas tonais, você pode ler mais sobre elas em  Um guia para iniciantes
em cordas tonais

Usando uma faixa de valor

Imprima ou pinte sua própria faixa de valores.

Quando você está começando, trabalhar a partir de uma impressão pode ser útil porque a faixa de valor terá os mesmos
tons de sua fotografia de referência em comparação com os tons da tinta preto e branco se você pintar sua faixa.

Basta deslizar a faixa de valor sob o vidro. Dessa forma, quando você está tentando combinar o tom, pode testá-lo
tocando uma amostra no tom abaixo para determinar o quão perto você está.

O primeiro tom que combino é o número 5. Levará algumas tentativas para acertar, isso é normal.

Esteja ciente de que o preto tem uma força de tingimento mais forte do que o branco, então, quando o adiciono, estou
apenas raspando uma pequena quantidade com a espátula.
Eu então combino um valor de luz 3

Em seguida, um valor 7. Com esses 3 tons, você pode criar alguns estudos de grande valor (que às vezes são chamados
de 'estudos de pôster'), que permitem praticar e esboçar rapidamente composições tonais para pinturas futuras.

Também é útil se você quiser experimentar trabalhar com um intervalo de valores compactados.
Aguadeiro de Sevilha – Diego Velázquez, 1619

Se olharmos para a pintura de Velasquez abaixo, podemos ver o uso que ele faz da subpintura de umber e a variedade
de tons usados para direcionar o olhar do observador.
Quando olhamos para a pintura em preto e branco, é ainda mais fácil ver como o maior foco da pintura foi colocado no
assunto com a faixa tonal mais ampla e a figura de fundo tem uma faixa tonal muito comprimida.

9 tons de valor
Em seguida, removo a faixa de valor e estamos prontos para começar.
Coloquei a paleta sobre a imagem para que você possa ver o efeito da luz caindo.

Devido à minha fonte de luz estar acima do assunto, a luz diminui à medida que avançamos no rosto. Quando você olha
para as seqüências de cores, pode começar a ver como há uma mudança sutil no tom à medida que descemos na
pintura. Este é um ponto-chave a ser lembrado, porque quando você tira as amostras de tinta, é mais difícil julgar a
queda de luz, sua mente simplesmente aceita.

A luz foi configurada de modo que fosse mais forte na metade superior do retrato e o valor caísse. Você precisa estar
ciente dessa queda à medida que avança nos tons.
Isso pode ajudar a acertar a queda de luz e criar uma progressão lógica em toda a pintura.

Então, o que você pode fazer agora é remover a faixa de valor de baixo da tinta e segurá-la ao lado de sua fotografia de
referência. Certifique-se de ter aparado a borda da faixa de valor para que não haja nenhum branco na borda. Isso
tornará mais difícil julgar tons.

Agora feche um olho, isso ajuda a achatar sua visão e torna mais fácil ver o tom. Em seguida, passe os olhos entre o tom
e a faixa de valor e o tom na fotografia de referência até encontrar uma correspondência.

Dica profissional: se você achar difícil isolar a cor, use um furador para fazer um furo em cada quadrado, dessa forma
você pode usá-los como um visor.

pintura sólida

“Para fins de estudo, nada melhor do que a pintura simples, direta e sólida. Pintura com cor transparente, com mistura
de sólido e transparente, vidrado, etc, são coisas que devem ser experimentadas mais tarde; mas por algum tempo
limite-se à pintura direta e sólida. –  Harold Speed
Na minha imagem eu começo com a parte mais clara na testa, é sobre um valor 2.

Eu mergulho apenas a ponta do meu pincel (número # 4 Rosemary & co Ivory Filbert) no meio.

Em seguida, puxo a tinta do lado da mistura e passo a ponta do pincel. A mistura é espessa o suficiente para cobrir a
tinta base, mas ainda bem fina.

Você está procurando cobrir a cor por baixo com um tom sólido, mas ainda assim ter uma mistura fluida. Conseguir a
consistência certa pode ser uma arte em si, então não desanime!

Queremos apenas uma pequena quantidade de tinta, observe como eu puxo a tinta da borda da pilha.

Também não precisa de muita tinta, apenas tente revestir a ponta das cerdas, passo o pincel para frente e para trás na
tinta para que ela cubra, mas não sobe muito as cerdas.

A tendência dos iniciantes é sobrecarregar o pincel.

Em seguida, passo os olhos entre o assunto e minha pintura para julgar a próxima mudança de tom, espremo qualquer
excesso de tinta em um pedaço de papel de cozinha até que o pincel esteja seco,

Posso então pegar um pouco do próximo valor abaixo - valor 3

Só para ajudar meu olhar com o retrato, reforcei o branco da camiseta com valor 1.

Isso poderia ter sido colocado em primeiro lugar, não existe uma regra rígida e rápida, apenas digitalizo a imagem com
meus olhos para procurar quaisquer valores que estejam nas primeiras 3 faixas de luz.

Adicionando os tons médios

Em seguida, passo para os tons médios, novamente com um pincel limpo (posso mergulhá-lo em aguarrás mineral puro
ocasionalmente e esfregar o pigmento no papel de cozinha para ter um pincel limpo para o novo tom.

Em seguida, desço os tons usando 4, 5, 6. Observe como todos eles ainda estão nas luzes do objeto.
Não misturei nenhum dos tons, estou simplesmente bloqueando-os com um tom plano.
Em seguida, bloqueio o tom no pescoço, novamente isso poderia ter sido feito antes, mas você descobrirá que quanto
mais tons adicionar, mais fácil será julgar em comparação.
Todas as luzes agora foram adicionadas, tudo isso foi pintado com valores de 1 a 6.

Agora vamos adicionar os escuros, trabalhando de 7 a 9

Adicionando os escuros
À medida que a luz começa a diminuir, adiciono os escuros no lado sombreado do rosto, observe como os tons foram
caindo mais escuros à direita e na parte inferior da imagem devido à fonte de luz estar no canto superior esquerdo.
Continuo adicionando um valor 8 mais escuro na sombra sob o queixo. Observe como a tinta aparece azul ao lado do
umber bruto. Os tons ainda são bastante planos com mistura limitada, ainda usando apenas o tamanho 4 marfim avelã.

Eu agora misturo um valor entre o 8 e o 9, você poderia ir direto com o 9, mas queria deixar isso para a parte final dessa
etapa.
Em seguida, suavizo levemente a borda usando a avelã.
Eu troco por um filbert sable para misturar ainda mais as bordas, como mencionei antes, costumo usar o filbert Ivory
para isso, mas às vezes, se a tinta estiver puxando demais, o sable pode apenas dar a você aquela mistura que você está
procurando.

Como o fundo já está seco, estou apoiando meu dedo mindinho na tela, assim posso girar, com um apoio mais
forte. Para pintura em escala maior, ou de fundo ainda úmido, eu usaria um bastão de mahl.

Isso agora está com o valor 9, a mistura de preto puro que fizemos. Quando isso acontecer pela primeira vez, parecerá
muito escuro. Não é.

Eu bloqueio neste preto um pouco mais fino que a tinta anterior, ainda estou preocupado em criar um valor tonal
plano. Observe como deixei uma leve borda entre esse tom mais escuro e a borda do rosto. Assim, quando eu suavizar a
borda, não ficará muito escuro.
Uma tendência quando você está começando é adicionar, depois misturar, adicionar e depois misturar, mas funcionará
melhor se você mantiver a mistura no mínimo.

Isto é mais fácil dizer do que fazer.

Observe como a primeira sombra agora parece clara em comparação com o preto.
Nesta etapa da pintura, agora tenho uma gama tonal completa de cores opacas. Agora posso avaliar a imagem de
referência e mover meus olhos entre as duas, procurando por qualquer coisa que pareça "fora".

A importância das arestas

Agora procuro suavizar a maioria das bordas. Tal como acontece com a pintura base, é mais fácil manter as bordas
suaves nesta fase, pois elas podem atrair facilmente a atenção do espectador. As bordas afiadas avançam, as bordas
suaves recuam.

Dica profissional: se você estiver tendo problemas para puxar muito a tinta - troque para o tamanho 10 avelã maior e
aplique um blush suave na borda.
Agora terminamos a primeira etapa de modelagem do retrato. Não trabalhei muito nos recursos, apenas mantendo o
foco nas principais áreas do formulário. As áreas maiores primeiro, então podemos adicionar detalhes na próxima
etapa.

 / retratos

 60 comentários
Como pintar uma série de retratos. Esta é a parte 4 de uma série de 5 tutoriais para iniciantes que fazem a transição do
desenho para a pintura a óleo.

Observamos a importância do valor e do tom na criação de um retrato realista em preto e branco usando técnicas
clássicas de pintura a óleo.

Aqui está uma rápida revisão do que cobrimos até agora, se você quiser participar…

Parte 1 – Estabelecendo o desenho, incluindo a linha de sombra.

Parte 2 – Desenvolvendo os tons, adicionando luzes.

Parte 3 – Modelando as grandes formas.

Parte 4 – Segunda Pintura

Misturando um novo meio

Agora criamos um novo meio para a próxima camada da pintura. Diferentes artistas variam a riqueza do meio,
dependendo de sua preferência pessoal, mas a próxima mistura ainda usa óleo de linhaça e álcool mineral inodoro.
   2 partes de óleo de linhaça para 1 parte de álcool mineral inodoro (OMS)

Você pode usar a pipeta para medir as quantidades ou, se estiver misturando uma quantidade maior, usarei colheres
medidoras de cozinha.

Dica profissional : Para esta etapa da pintura às vezes uso verniz Damar no meio. No entanto, para diluir o verniz
Damar, o ideal é usar terebintina, que é mais adequada para um estúdio separado e bem ventilado, em vez de uma sala
ventilada em uma casa. O OMS não é forte o suficiente para dissolver as resinas naturais de Damar.

Escolhendo seu plano de fundo

Agora você pode avaliar seu tom de fundo para ver se deseja corresponder a um cinza, em vez de usar a pintura de base
umber crua.

Neste exemplo, decidi deixar o plano de fundo como o tom cru, porque é um tom ligeiramente mais claro do que a
fotografia de referência. Estou dificultando um pouco meu trabalho.

Se este for o seu primeiro retrato, eu definitivamente misturaria um tom de cinza que corresponda à sua fotografia de
referência para o plano de fundo, pois ajudará a julgar os tons com mais precisão e permitirá que você altere o desenho
se ele estiver 'apagado'. Estou usando deixando o tom cru porque gosto da estética do brilho quente contra os tons
pretos mais frios do rosto.
Quando você volta para suas sequências de cores pré-misturadas, algumas coisas acontecem, dependendo do tempo
entre as sessões. Ou eles teriam formado uma pele por cima ou teriam secado.

Como manter sua tinta a óleo viável entre as sessões?

Se você gastou todo o seu tempo misturando suas seqüências de cores, mas tem tempo disponível limitado para pintar,
como você mantém a tinta viável? Existem algumas opções para minimizar o desperdício de tinta e tempo de mistura
sem que a tinta seque em sua paleta.

 Congele a tinta. (em um recipiente fechado no congelador)

 Mergulhe a tinta debaixo d'água. (você pode usar uma bandeja rasa como uma paleta úmida, isso só funciona se
a paleta for de vidro ou perspex)

 Cubra a tinta com filme plástico/película aderente.

 Adicione um óleo de secagem lenta, como óleo de cravo. (Alguns pintores alertam que isso pode levar ao
escurecimento da cor da tinta com o tempo)

 Misture uma grande quantidade de tinta, deixe-a descascar e remova a pele e use a tinta fresca por baixo.

Então, qual é o melhor método? É difícil dar uma resposta direta, pois cada um tem prós e contras.

Minha preferência pessoal é deixar a tinta sair, remover a pele e usar a tinta fresca por baixo e, realisticamente, você
tem cerca de 5 dias de trabalho até precisar misturá-la do zero novamente.

A tinta por baixo da pele ficará um pouco mais pegajosa e grossa e conforme eu for avançando na pintura essa
espessura extra pode ser boa para adicionar mais passagens de empasto.

Antes de começarmos

Agora começo a avaliar os tons com novos olhos. Fazer uma pausa para refrescar os olhos pode ser muito importante
em retratos. Freqüentemente, você se verá pintando uma área repetidas vezes sem realmente olhar para ela.

Para esta próxima parte da pintura, vamos começar a tentar refinar algumas de nossas formas e desenvolver o desenho.
Este é o estágio em que as coisas podem dar errado e você pode sentir que não há como voltar atrás em sua pintura,
todo o seu trabalho duro foi em vão e um sentimento de frustração pode definir isso.

Isso é normal, não desanime.

As pinturas geralmente passam por um estágio em que parecem muito ruins e esse geralmente é o estágio em que a
maioria dos iniciantes para. Pode ser todo tipo de coisa que o tira do caminho, o desenho pode sair, as bordas podem
parecer muito difíceis, você se torna muito confiante e não observa os tons tão bem quanto começou ou pode ficar
obcecado com pintando apenas uma parte do retrato – geralmente os olhos.

Para garantir que isso aconteça o mínimo possível, faça pausas regulares no retrato, certifique-se de dar um passo para
trás para ver o retrato à distância e tentar reunir toda a pintura ao mesmo tempo, em vez de focar nos recursos - fácil
de digamos, mas mais difícil na prática e ainda tenho que me verificar ao pintar.

Avaliando os tons
Agora adiciono um tom plano de preto ao cabelo, é bastante fino, mas opaco, pois vou trabalhar molhado em
molhado. Isso apenas estabelece uma camada de tinta para eu trabalhar.
Agora adicionei algumas marcas gestuais usando o tamanho 4 Ivory Filbert. Quero que fique macio e bem solto – não
estou tentando pintar cada cabelo individualmente, só quero criar uma impressão geral.
 Em seguida, trabalho sobre
os destaques gestuais mais grossos no cabelo com uma mistura mais fina de preto - apenas para suavizar as bordas que
se destacam. Tente fechar os olhos pela metade para tentar manter o efeito simples.

 Reforçando as Luzes

Agora adiciono algumas luzes mais espessas usando um valor 2 e 3, movendo meus olhos entre o retrato e a fotografia.
Continuo ajustando os tons, trabalhando no retrato como antes. Você notará como a tinta tem uma borda mais dura
porque não há tinta molhada por baixo para que ela se misture.
É aqui que você pode começar a ficar um pouco assustado, pois de repente parece que estamos perdendo o lindo
acabamento macio da primeira pintura, então eu mudo para o sable mais macio para misturar mais a tinta. Eu uso um
movimento de esfregar com um pincel seco para suavizar as transições entre as formas.
A borda fundida agora se sente melhor, a tentação de entrar e adicionar alguns detalhes aos olhos será forte. Mas ainda
estamos tentando verificar o desenho e alterar quaisquer formas. Vamos do geral para o específico. as formas menores
se encaixando nas formas maiores.
Eu adiciono algumas pinceladas mais grossas no lado claro do pescoço, é uma boa dica tentar manter as luzes mais
grossas e as sombras mais finas. Observe como as pinceladas não foram mescladas neste estágio, apenas tons planos.

Agora podemos começar a adicionar mais detalhes aos olhos, eu uso o pincel sable menor e redondo. Quando a linha
entra pela primeira vez, pode parecer bastante difícil e 'como desenho animado'. Em seguida, uso um sable macio e
seco para suavizar as bordas.
Reparem como os olhos têm um acabamento mais suave do que na foto anterior.
Então começo a adicionar mais luzes ao retrato. Novamente, eles podem parecer "grudados", pois não há a tinta
molhada por baixo para o novo pigmento de luz se misturar.

Para ajudar a julgar os tons, agora adiciono um realce branco de titânio puro aos olhos, que são simplesmente dois
pontos brancos. É incrível quanta vida eles podem trazer para um retrato.

.
Anthony van Dyck , Retrato de Cornelis van der Geest , 1620
Se olharmos para o número de destaques nos olhos do retrato de van Dyck, você pode ver como eles podem ser
eficazes em criar a ilusão de realismo em seus retratos.

Agora modelo mais a forma usando os pincéis menores, posso trabalhar entre os tamanhos 2 e 4 do Ivory filbert e do
sable.
Em seguida, começo a suavizar as bordas novamente e faço os ajustes no desenho. Nesta fase, apenas alguns
milímetros de linha podem fazer uma grande diferença. Freqüentemente, você está tão perto de quebrar o personagem
do modelo, então uma pincelada sai um pouco para o lado errado e leva uma hora para voltar para onde você estava
antes.
Nesta etapa eu retrabalhei a bochecha que estava na sombra porque estava fazendo meu rosto parecer muito redondo,
ajustei o desenho e parece que está funcionando melhor.
Agora adiciono mais destaques ao nariz e aos olhos.
Portanto, agora temos a pintura mais parecida com o modelo e os recursos com mais detalhes e formas.

Sintonize na próxima semana para o estágio 5, quando adicionamos o envidraçamento final e os retoques finais à
pintura.

Pintura feliz!
Como pintar um retrato a óleo - Parte 5 de 5

 Por Will Kemp

 pintura a óleo / retratos

 156 Comentários

Como pintar uma série de retratos. Esta é a parte 5 de uma série de 5 tutoriais para iniciantes que fazem a transição do
desenho para a pintura a óleo.

Observamos como o valor e o tom são importantes na criação de um retrato realista em preto e branco usando técnicas
clássicas de pintura a óleo.

Aqui está uma rápida revisão do que cobrimos até agora, se você quiser participar…

Parte 1 – Estabelecendo o desenho, incluindo a linha de sombra.

Parte 2 – Desenvolvendo os tons, adicionando luzes.

Parte 3 – Modelando as grandes formas.

Parte 4 – Modelagem das formas pequenas.

Parte 5 - Acabamento e Envidraçamento

O próximo meio a ser usado é uma mistura simples de 1 parte de verniz Dammar: 1 parte de óleo de linhaça.

Se não tiver verniz dammar basta adicionar um pouco mais de óleo de linhaça à mistura anterior. O verniz é mais gordo
do que o álcool mineral inodoro, mas mais magro do que o óleo de linhaça puro.

Receitas médias de tinta a óleo

Tentei manter os médiuns nesta demonstração o mais simples possível porque, quando comecei, fiquei obcecado em
tentar rastrear o 'médium dos antigos mestres', pois estava convencido de que esse seria o ingrediente que faltava em
minhas pinturas. .

Não foi.

Vou entrar em mais detalhes sobre as diferentes receitas que você pode usar em meios para óleos em um post futuro.

Os maiores avanços em suas próprias pinturas, especialmente se você estiver fazendo a transição do desenho, virão de
princípios simples.

Estes não são glamorosos, ou brilhantes e novos, mas esperar pelo pincel 'certo', ou pelo meio perfeito, retardará seu
progresso devido ao tempo e energia desperdiçados procurando uma resposta em vez de realmente pintar. Comece
simplesmente com cores sólidas e tons planos e progrida a partir daí.

Reutilizando tinta a óleo velha

A primeira coisa que faço é pressionar as velhas bolhas de tinta na minha paleta, isso rompe a pele da tinta e me dá
acesso à tinta por baixo. Como mencionei nas etapas da semana passada, há várias maneiras de manter seus óleos
frescos entre as sessões de pintura, e a tinta pode ficar um pouco mais espessa usando o método acima, mas como está
no estágio final da pintura, fico feliz em use-o. Apenas use seu próprio julgamento se a mistura parecer boa.

Nesta etapa da pintura, vamos redefinir algumas arestas e conferir nosso desenho. A pintura é um processo de
refinamento constante e nossos olhos frescos costumam ser nosso melhor juiz.

Em seguida, começo a redefinir algumas das formas usando um sable redondo, pois antes, quando a tinta continua,
parece que fica em cima da tinta embaixo, em vez de se misturar, então aplico a tinta sabendo que estarei usando um
sable macio e seco para misturar e fundir as bordas.

Eu trabalho em torno de todos os recursos, redefinindo as formas e alterando sutilmente os tons.

Eu também adiciono acentos escuros aos pontos mais escuros do retrato, estes podem parecer um pouco 'grudados',
mas irei suavizá-los em breve.
O que é um Glaze?

Um esmalte é um método de alterar a cor e o tom de uma tinta base, aplicando uma fina camada translúcida de
tinta. Os melhores pigmentos para um esmalte claro são os pigmentos translúcidos, como acontece com todas as cores,
o esmalte parecerá mais quente quando pintado com pouca espessura, então pintores clássicos como Vermeer
costumavam começar com um grisaille altamente acabado (uma pintura monocromática) e depois aplicar camadas
de  cor  em a forma de esmaltes.

Então, misturo uma consistência fina de tinta usando a mistura mais preta, para usar como esmalte. Este será o mais
translúcido, pois não contém nada do branco de titânio (que é um branco opaco)

Se você estava pintando com o branco Flake, pode criar um véu de cor mais semiopaco para ajustar o tom das
áreas. Isso é chamado de 'Velatura' em italiano.
Foco em retratos

Você tem o controle do olhar do espectador, bem, uma certa quantidade de controle. Somos sempre atraídos por olhos
e cores contrastantes. James Gurney fez alguns estudos interessantes de rastreamento ocular em algumas de suas
próprias pinturas. Observe como o observador focaliza o rosto.

Para esta pintura, mantenho os olhos mais nítidos e detalhados e os lábios e o queixo mais suaves.

Você então precisa olhar para verificar as bordas, elas são muito moles ou muito duras. Eu propositalmente deixo os
olhos e o nariz mais nítidos do que a boca.
Adicionando detalhes escuros

Agora eu espremo alguns dos pretos marfim e uso isso diluído com uma pequena quantidade de meio para as áreas
mais escuras do retrato

Adicionando holofotes

Com a fina sable redonda, pontilho os realces ao redor do olho, isso pode realmente adicionar um soco ao olho e
destacá-lo do resto dos recursos.
Uma palavra de alerta…

Isso não acontece apenas com um movimento rápido do pincel. À medida que entramos em mais detalhes do rosto, há
mais espaço para erros e para o desenho sair. É incrível como uma pequena mudança no movimento ou na forma pode
mudar a aparência, a sensação e a emoção do modelo.

Às vezes, você está tão perto de terminar a pintura, então vai para uma última pincelada - apenas para sair e você está
de volta ao quadrado 1, ou assim parece.
É aqui que os sables Filbert se tornam seus melhores amigos, eles são macios e você pode misturar sutilmente as
arestas e não fazer mudanças muito drásticas.

escurecendo o fundo

 Depois de olhar o retrato, senti que poderia escurecer o fundo. Eu gosto bastante do tom cru por conta própria, mas
queria mostrar a você o quanto o fundo pode afetar seu assunto.

Eu uso uma mistura fina de Raw umber e Ivory black e aplico ao fundo, bem como no estágio inicial quando estávamos
usando apenas o Raw umber. Eu uso o número 4 Ivory Filbert para esfregar a tinta, não me importo se a mistura
ultrapassar a borda do cabelo, pois ajuda a esfumar e trazer o rosto para frente.

Observe como as luzes de repente parecem mais claras devido à mudança de contraste que criamos adicionando um
fundo mais escuro ao retrato.
Revendo o Processo de Luz e Sombra.

  O poder de uma única fonte de luz –  Os antigos mestres usaram a eficácia de uma única fonte de luz com
grande efeito. É uma das melhores maneiras de criar profundidade e forma em suas pinturas, especialmente em
retratos. Você descobrirá que quanto mais luz tiver no rosto, mais difícil será criar a ilusão de profundidade.

 Área de sombra plana – Estas podem ser amplamente divididas inicialmente em duas áreas, claras e escuras. Ao
simplificar a forma da linha de sombra, você pode estabelecer uma forma rapidamente. Apenas usando tons
simples e planos
  Deixando os detalhes para depois – Ao começar você notará áreas de luz refletida e detalhes nas sombras. Se
você aprender a resistir a pintá-los, isso ajudará muito em seu progresso como pintor. Você pode criar um
retrato realmente poderoso de forma muito simples, sem ter um acabamento fotorrealista.

 Mantendo suas bordas suaves  – eu mantenho as bordas suaves e afio apenas as áreas que quero que o
observador foque. Esta é uma técnica clássica para criar a ilusão de realismo.

 Trabalhe de formas grandes para formas pequenas – será tentador pintar os olhos assim que começar, mas
obter as formas gerais e modelar a forma renderá dividendos mais tarde na pintura. Adicionar os destaques
brancos deve ser deixado até o final.

 Vidros para sutileza -  Quando você começa a usar esmaltes, eles podem ser viciantes e, se você não tomar
cuidado, pode acabar com o efeito 'Tom Jones' (consulte - Como escolher uma paleta de retrato básica para
óleos ), portanto, pise com cuidado e eles podem dar alguns resultados surpreendentes.

Então, agora que temos a pintura finalizada, eu poderia, é claro, continuar refinando com esmaltes para obter um
acabamento mais realista.

No entanto, como ponto de partida impressionista ao trabalhar com óleos, fico feliz em deixá-lo nesta fase e, às vezes,
com pinturas, saber quando parar é a parte mais difícil.

Se você tiver alguma dúvida sobre como pintar um retrato em preto e branco, deixe-me saber nos comentários
abaixo. Os alunos têm alcançado alguns resultados fantásticos, eu adoraria saber como mais alguém se saiu.

Se você quiser aprender sobre como adicionar esmaltes coloridos a um grisalha, você pode aproveitar o curso em vídeo
sobre vidros a óleo para retratos coloridos.

Pintura feliz!