Escala de cinza para colorir: pintura digital de caracteres

Neste tutorial, o artista Marco Bucci mostra como criar uma bela pintura colorida a partir de uma
base em tons de cinza, descrevendo dicas e técnicas de pintura ao longo do caminho!

Teoria das Cores Clip Studio Pintura Pintura Digital

Olá e bem-vindo ao meu tutorial sobre pintura digital de personagens! O Clip Studio Paint é um
ótimo programa e, como você verá, só precisamos de algumas de suas muitas ferramentas para
fazer uma pintura de boa aparência. Veja a fig. 1.
fig. 1. As principais ferramentas e janelas que usaremos nesta pintura

Antes de começarmos, deixe-me delinear o que vamos fazer. Estaremos pintando um

personagem com proporções basicamente humanas, em cores. Vamos fazê-lo em duas fases
gerais. O estágio 1 é uma pintura em tons de cinza (ou preto e branco). Vamos lidar com o
bloqueio no personagem e seu design geral. O estágio 2 é quando adicionaremos a cor e
levaremos a peça a um acabamento renderizado, adequado para um portfólio ou comissão!

Estágio 1: A Fase da Escala de Cinza

Primeiro, vamos começar uma nova tela. Vá para Arquivo > Novo. Veja a fig. 2 para as
configurações que eu usei, mas sinta-se à vontade para usar as configurações que quiser. Agora
você será confrontado por uma das coisas mais assustadoras da arte: uma tela branca em
branco, *suspiro!*

fig. 2. Minhas configurações ao criar a nova tela

Mas nunca tenha medo! É precisamente por isso que estamos usando a técnica de escala de
cinza para cor: só temos que nos preocupar com valores para começar. Ah, a propósito, "valores"
e "escala de cinza" referem-se à mesma coisa. Veja a fig. 3.
fig. 3. A escala de cinza

Isso torna nossa tomada de decisão muito menos estressante no início. Então, vamos matar esse
monstro de tela branca com a ferramenta 'Preencher'. Eu selecionei um cinza bastante claro para
começar. Eu escolhi esse valor porque eu tendo a querer muito espaço para ficar mais escuro
(para adicionar sombras e outros elementos escuros), e só preciso de um pouco de espaço para
ficar mais claro. Veja a fig. 4.

fig. 4. Preenchendo a tela com um cinza claro

Ok, é hora de começar a desenhar. Peguei a ferramenta Lápis e escolhi o pincel de lápis
áspero. O pincel que você selecionar não deve ser fixado; escolha qualquer coisa com a qual
você se sinta confortável desenhando. Clip Studio Paint oferece tantas ótimas opções para isso,
você quase não pode errar! Veja a fig. 5 para minhas configurações.
fig. 5. Minhas configurações iniciais de lápis

Eu bloqueio em uma construção áspera para o meu personagem. Será uma jovem com a cabeça
inclinada para cima. Ela estará usando um chapéu e casaco, como se estivesse indo para um
passeio de inverno nítido.

Observe que minhas linhas não estão apenas delineando a silhueta; são linhas de construção.
Estou construindo o rosto com seus planos principais, pensando no crânio por baixo e na estrutura
geral da cabeça.

Os planos da cabeça não são o foco deste tutorial, mas são uma coisa inestimável que todos os
artistas devem aprender, pois o conhecimento permitirá que você desenhe a cabeça de qualquer
ângulo.

Se você está seguindo este tutorial e apenas sentir vontade de pintar junto comigo, sinta-se livre
para simplesmente copiar ou traçar o meu desenho! Afinal, estamos focados na técnica de pintura
aqui, não nos planos da cabeça. Veja a fig. 6.
fig. 6. Desbaste em um esboço

Mudando para a ferramenta Airbrush, agora eu bloqueio em decisões de valor muito básicas: o
personagem será escuro e o fundo permanecerá claro. Veja a fig. 7 para minhas configurações de
Airbrush.
fig. 7. Bloqueando os grupos de valores mais básicos

Tenho duas coisas a salientar. Primeiro, ainda estou trabalhando em apenas uma camada! Além
disso, sobre minhas escolhas de pincel: estou sempre alterando as configurações de pincel.

Na fig. 7, você pode ver que eu tenho a 'Dureza' definida como baixa. Vou mudar isso à medida
que trabalho, com base no traço que eu quero. Por exemplo, se eu quiser fazer algum trabalho
mais fino, digamos, no olho – em vez de mudar minha ferramenta completamente, primeiro vou
simplesmente tentar adicionar mais dureza ao aerógrafo.

Isso mantém o fluxo de trabalho em movimento, o que maximiza o tempo que você está
interagindo com sua arte, em vez de se fixar nas ferramentas digitais.

Eu também mudo muito o tamanho do meu pincel, com base no traço que eu quero. A Fig.
8 mostra como vários tamanhos de pincel da mesma ferramenta produzem traços que parecem
ser feitos por ferramentas diferentes!
fig. 8. Usando o aerógrafo para obter várias aparências

Ainda trabalhando com o aerógrafo, estou construindo uma iluminação difusa no rosto do
personagem. Estou imaginando que a luz está descendo suavemente de cima. Isso significa que
os planos voltados para cima receberão valores ligeiramente mais claros na escala de cinza, os
planos voltados para o lado serão um pouco mais escuros e os planos voltados para baixo serão
os mais escuros. Veja a fig. 9.
fig. 9. Iniciando a modelagem de luz suave nas formas

Quero que a personagem tenha uma leve inclinação para ela, para não ser tão rígida. Acabei de
fazer uma seleção e usei os widgets internos da ferramenta para girar a cabeça. Veja a fig. 10.
Vou então simplesmente preencher as lacunas que são deixadas para trás com o pincel que eu já
tenho ativo.
fig. 10. Adicionando pequenos toques de assimetria

Eu viro minha tela com frequência enquanto pinto. Este é um resquício dos meus dias de pintura a
óleo, onde eu teria um espelho gigante atrás de mim, que eu poderia usar para ver minha pintura
virada.

A razão pela qual os artistas fazem isso é que momentaneamente "engana" seu cérebro a pensar
que está vendo sua imagem pela primeira vez. Como tal, torna-se muito óbvio onde estão os
erros. Também traz à luz coisas com as quais você simplesmente se acostuma à medida que cria
algo, para o bem ou para o mal.

Como estou trabalhando apenas em uma única camada, posso ir

para Editar > Transformar > Inverter horizontal. Ver fig. 11.
fig. 11. Invertendo (espelhando) a camada ativa

Quero escurecer algumas das sombras. Vou fazer isso com uma camada especial projetada para
esse fim! Adicione uma nova camada com o botão mostrado na fig.12, delineado em vermelho. No
lado direito da fig. 12, estou escolhendo o modo Multiplicar.

fig. 12. Criando uma nova camada (à esquerda) e definindo-a para o modo de multiplicação (à
direita)

Este modo é especificamente para tons escuros. Portanto, mesmo que você tenha um valor de luz
selecionado, ele escurecerá sua imagem.

Escolha valores claros para escurecer um pouco e valores escuros para escurecer drasticamente.
Ainda usando o mesmo aerógrafo de antes, aplico um pouco de escurecimento geral aos planos
que estão voltados para baixo, aumentando assim o contraste e a sensação de luz nos planos que
estão voltados para cima! Veja a fig. 13.
fig. 13. Escurecimento de áreas para adicionar detalhes de modelagem e design aos formulários

Quando você terminar essa etapa, recomendo que você se comprometa com ela com este botão
(fig. 14). Isso fará com que você volte a trabalhar com uma camada.

Nota: Não é necessário combinar camadas. Às vezes, é útil manter suas camadas separadas,
para que você possa editá-las mais tarde. A desvantagem disso, no entanto, é que ele pode
começar a atolá-lo com decisões técnicas que podem distraí-lo do ato de desenhar e pintar. É
por isso que, na maioria das vezes, vou optar por combinar camadas e trabalhar no menor
número de camadas possível!

fig. 14. Comprometendo-se com a camada

Agora eu quero fazer uma camada para lidar com algum clareamento de valores. Vou adicionar
uma nova camada, mas desta vez vou configurá-la para o modo Glow Dodge (veja a fig. 15.)

fig. 15. Nova camada definida para o modo de esquiva Glow

Isso é como o oposto do modo Multiplicar: escolher um valor escuro apenas iluminará
ligeiramente os valores, e escolher um valor de luz os iluminará drasticamente. A Fig. 16 é o
resultado da pintura na camada. Mantive o pincel macio, como para imitar a luz muito difusa vinda
do ambiente.
fig. 16. Pintando com alguma luz

Agora que o personagem está tomando forma, eu quero ter algum tipo de fundo / ambiente lá. Vou
mantê-lo relativamente abstrato, para não distrair do personagem. Eu criei este tutorial durante
uma queda de neve real, então, inspirado pela vida real, vamos sugerir um país das maravilhas do
inverno! Para fazer flocos de neve, usarei a ferramenta Aerógrafo, mas agora com o pincel de
pulverização selecionado (veja a fig. 17.)

fig. 17. Configurações da escova de pulverização

Vou fazer alguns flocos de neve, tentando mantê-los parecendo aleatórios, e também
estrategicamente colocados para que eles não interfiram muito com o nosso personagem. Como
de costume, vou brincar com as muitas configurações do pincel Spray aqui, a fim de criar flocos
de neve de todos os tamanhos. A variedade é a chave para fazer algo parecer orgânico! Veja a fig.
18 para o resultado desta etapa.

fig. 18. Brincando com vários tamanhos de flocos de neve

Agora vou selecionar a ferramenta Blend, que me permite misturar e borrar a tinta na tela, quase
como uma verdadeira pintura a óleo ou acrílica! Eu posso conseguir um pouco da textura peluda
para o chapéu de lã com esta ferramenta. Tente usar traços que vão em várias direções
aleatórias.
fig. 19. Usando a ferramenta Mesclar para obter alguma textura

E assim, terminamos com o estágio de escala de cinza / valor! Uma coisa a ter em mente é que
não precisamos chegar a 100% de conclusão nesta etapa. Não sinta a necessidade de escravizar
sobre este estágio até que seja perfeito; guarde todos esses pequenos detalhes para o próximo
passo, quando estivermos trabalhando em cores! Considero o estágio de escala de cinza
concluído quando a iluminação é crível, e estamos usando a faixa desejada de luzes e trevas.
Veja a fig. 20.
fig. 20. Pronto para a cor!

Estágio 2: A Fase de Cor

Você está pronto para alguma cor? É aqui que esse método realmente compensa, pois nossa
iluminação, valor, forma e design já são cuidados! Começaremos criando uma nova camada e
definindo-a para o modo Cor. Veja a fig. 21. Isso preservará nossas decisões de valor e
simplesmente esmaltará a cor por cima.

fig. 21. Criando uma nova camada e definindo-a para o modo Cor

O poder dessa abordagem será imediatamente evidente. Vou começar adicionando um pouco de
vermelho às bochechas. Veja a fig. 22. Eu ainda estou usando meu aerógrafo macio para este
passo, embora, como sempre, você pode usar qualquer pincel que lhe dê os melhores resultados
ou se sinta certo para você!
fig. 22. O primeiro traço de cor da peça

Você pode ter a pergunta: quais cores são apropriadas para tons de carne? Bem, esse é um
assunto complicado. A verdadeira resposta é: a pele não é uma cor, nem mesmo uma gama de
cores. Na verdade, qualquer cor pode ser usada para a pele, dependendo da paleta e iluminação
desejadas. Mas se você está apenas começando com tons de pele, recomendo ficar na gama de
cores da fig. 23 para esta etapa.
fig. 23. Obtendo todas as áreas coloridas, usando este intervalo (superior direito) da roda de cores

Haverá um ponto em que nossa camada de cores atual ficará sem utilidade, e você realmente
desejará que suas escolhas de cores afetem ligeiramente os valores abaixo. Para conseguir isso,
crie uma nova camada e defina-a para o modo de sobreposição. Veja a fig. 24.
fig. 24. Criando uma nova camada, definindo-a para o modo de sobreposição

A sobreposição vai esmaltar a cor como antes, mas também tem o poder de escurecer ou
clarear valores. Experimente para ter uma ideia disso! Veja a fig. 25 para o meu progresso.
fig. 25. A cor ainda está sendo bloqueada, ainda usando a ferramenta Aerógrafo

Quando você isola apenas as camadas de cor, a pintura é risível! Isso prova que o verdadeiro
trabalho pesado está sendo feito com a nossa pintura em tons de cinza. (Veja a fig. 26 – LOL!)

fig. 26. As camadas de cores sem a pintura em tons de cinza (yuck!)

Trabalhando com minhas duas camadas de cores (Nota: você sempre pode voltar à sua camada
de Cor original e/ou trabalhar ambas as camadas simultaneamente) Completarei a fase de
envidraçamento de cores. Ver fig.27. Observe que, embora haja cor em nossa pintura agora, ela
parece ... meio sem graça, como um livro de colorir, em vez de uma bela pintura. Tudo bem!
Vamos agora passar para a fase de finalização.
fig. 27. Finalizando a fase de vidro colorido

Para terminar esta pintura, precisaremos pintar de forma opaca. Ou seja, colocar a pincelada em
cima de tudo. Agora trabalharemos com cor e valor juntos, pela primeira vez em nosso processo.
Adicione uma nova camada e mantenha-a em seu modo Normal padrão. Veja a fig. 28.

fig. 28. Criando uma nova camada, definida para o modo padrão (Normal)

Nota rápida: Lembre-se de continuar virando a tela enquanto trabalha! No entanto, como agora
você está trabalhando em mais de uma camada, precisará usar uma opção de menu diferente
para inverter todas as camadas de uma só vez. Veja a fig. 29.
fig. 29. Quando você tiver mais de uma camada, use essa opção para inverter/espelhar a tela

Como coloquei esse personagem em um ambiente azul, quero que o azul dele filtre seu caminho
para a luz e a cor do personagem. Para fazer isso, vou escolher um azul bastante dessaturado
(isto é, um azul que está perto do cinza) e pressionarei levemente com o meu tablet para afetar os
planos do personagem que estão virados para cima (lembre-se da fig. 6!) Veja a fig. 30 para as
áreas às quais estou escolhendo adicionar alguns azuis.

Tenha em mente que, pressionando levemente com o seu tablet, você será capaz de misturar a
cor na própria tela. Às vezes eu até "ultrapasso" o azul no meu seletor de cores (ou seja, escolho
uma cor que seja muito azul), mas pressionando levemente, chego à mistura desejada.
fig. 30. Usando azuis com pressão suave do comprimido para resfriar alguns dos tons de carne,
misturando a cor na tela

Neste ponto, vou me comprometer com minhas camadas. Eu os combinei em apenas uma
camada. Não tenha medo de fazer isso! Pode parecer assustador no início, mas com o tempo é
realmente útil para a construção de confiança. No entanto, se você tiver vergonha de confirmar e
perder suas camadas, recomendo salvar o arquivo antes de combinar camadas, em seguida,
salve um novo arquivo onde você vai em frente e combina tudo. Dessa forma, você sempre pode
voltar.

fig. 31. Achatando as camadas (não tenha medo!)

Eu pensei que sardas se encaixariam nesse personagem. Usando o pincel de pulverização da

ferramenta Airbrush (a mesma ferramenta que usei para os flocos de neve) e em uma nova
camada, vou pulverizar algumas sardas. Como fiz isso em sua própria camada, posso suavizar o
efeito com o controle deslizante de opacidade da camada (veja a fig.32). Eu também posso usar a
ferramenta Eraser para eliminar sardas que eu não quero.
fig. 32. Bloqueio em algumas sardas em uma nova camada

Agora vou mudar para alguns pincéis diferentes para ajudar a pintura a parecer orgânica e
tradicional (o que eu sinto que parece mais realista e interessante). Selecionarei a
ferramenta Aquarela e usarei o pincel Aquarela. Veja a fig. 33 para minhas configurações. Este
pincel aplicará cor, bem como esfregará ou manchará as cores que já estão lá. Olhe para o cabelo
na fig. 33 para ver esse efeito na pintura.

(Nota: Eu só sou capaz de alcançar esse efeito de borramento porque estou trabalhando com tudo
em uma única camada. Se você estiver usando essa ferramenta em uma camada separada, ela
não manchará a tinta nas camadas abaixo dela.)
fig. 33. Um belo pincel de estilo pictórico, permitindo uma mistura sutil de cores

Além de criar pinceladas interessantes, estou realmente focado em expandir minha paleta nesta
fase. O cabelo, por exemplo, é feito de uma infinidade de cores. Meu personagem tem cabelos
castanho-avermelhados, mas observe os toques sutis de azul e a variedade de vermelhos e
marrons (saturados e mudos) que existem, todos tecendo juntos! Veja a fig. 34.

fig. 34. A miríade de cores que existem no cabelo

Voltando aos olhos, usarei a ferramenta Blend para borrar a tinta na forma de cílios. Veja a fig. 35.
fig. 35. A ferramenta Blend usada para pintar cílios

Mudei para a ferramenta Lápis e escolhi o pincel de lápis de cor para criar algumas pinceladas
mais difíceis que ajudarão a afiar a pintura. Estou usando pinceladas finas que se movem na
direção do formulário. Veja a fig. 36. Esta técnica é comumente referida como "eclosão".

fig. 36. Usando a eclosão como um método de apertar a pintura

Eu quero um pouco mais de textura peluda em sua jaqueta e chapéu, particularmente para as
áreas de lã branca. Então, vou adicionar uma nova camada e encontrar uma ferramenta de
aerógrafo que me permita pulverizar alguma textura. Veja a fig. 37 para minhas configurações e
como apliquei as pinceladas. Como fiz com as sardas, vou ajustar a opacidade da camada, bem
como apagar áreas para que a textura "se sente" do jeito que eu gosto.
fig. 37. Um bom pincel para simular uma textura peluda na jaqueta

Veja a fig. 38 para o nosso progresso. Estamos chegando lá!

fig. 38. Nosso progresso

Estou sempre avaliando a renderização dos formulários. Senti que suas maçãs do rosto poderiam
ser um pouco mais pronunciadas. Mudei para um aerógrafo macio com um tamanho de pincel
grande. Escolhi uma cor profunda e avermelhada e pincelei suavemente em algum escurecimento
sob a maçã do rosto, para ajudar a mudança de plano a se sentir mais pronunciada. Veja a fig. 39.

fig. 39. Usando um grande aerógrafo para aprofundar a área da maçã do rosto

À medida que me movia em direção aos traços de acabamento na pintura, eu me vi usando o

pincel de aquarela redonda com bastante frequência. Veja a fig. 40 para minhas configurações.
fig. 40. Outra configuração de pincel que eu uso com frequência

Enquanto eu trabalhava nessa fase de cor, os flocos de neve lentamente foram pintados. Agora
quero adicioná-los de volta! Usarei exatamente as mesmas configurações de pincel de spray que
fiz no estágio de escala de cinza, só que desta vez incluirei a cor em minhas decisões. Quero que
os flocos de neve sejam mais quentes do que o fundo azul. Alguns dos flocos de neve serão um
azul ciano muito dessaturado (que ainda é mais quente do que o fundo azul saturado!), enquanto
outros flocos de neve terão uma tonalidade amarela. Achei muito útil incluir algumas partículas
muito, muito, grandes com o pincel Spray, o que ajudou a simular um efeito de profundidade de
campo! Veja a fig. 41.
fig. 41. Pintura de volta nos flocos de neve, usando duas camadas separadas

Finalmente vou dar um zoom no cabelo e pintar em alguns fios individuais. Estou usando o
pincel de aquarela redondo (fig. 40) para isso, com um tamanho de pincel muito pequeno.

fig. 42. Finalmente pintando em alguns fios individuais de cabelo

A Fig. 43 mostra o nível de renderização que considero "acabado" para esta peça. Lembre-se de
que você é seu próprio artista e terá suas próprias opiniões sobre como você gostaria que as
coisas estivessem na final. Sua pintura pode ser mais solta do que isso ou mais apertada do que
isso; a estética do seu trabalho depende inteiramente de você, e seu gosto estético é tão válido
quanto o meu!

fig. 43. Um close up do olho acabado

Bem, pessoal, nós fizemos isso – a pintura está terminada! Ver fig. 44.

fig. 44. A pintura acabada

Esta é uma abordagem muito versátil para a pintura digital. Você pode usá-lo para pintar todos os
tipos de personagens, em todos os tipos de iluminação, com todos os tipos de paletas - tudo com
apenas algumas ferramentas simples (mas poderosas) no Clip Studio Paint. Espero que tenham
gostado de me acompanhar, e desejo-lhe as maiores felicidades com o seu trabalho! Este é Marco
Bucci, assinando!